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Memoria 2017 - 2018Centro Cultural Clavijero
Memoria Promocional del Proyecto de Exposiciones AIEC 2018
Primera edición
Centro Cultural ClavijeroSecretaría de Cultura de Michoacánwww.cultura.michoacan.gob.mx ccclavijero.mx
Coordinación General de Proyectos:Sandra Aguilera Anaya | María de los Angeles Valencia Colín | | José Roberto Morales Ochoa
Fotografía: Roberto Gibrán Hernández González, Alejandro Sosa, Alfredo Colin García de León, Edgar Barajas Villela y Servicios Sociales del departamento de Servicios Educativos.Textos: María de los Ángeles Valencia Colín. Diseño y Formación Gráfica: Emilio Hernández Cortés / Celeste Jaime / Ana Paula Tinajero Romo de Vivar.
PRESENTACIÓN
Centro Cultural Clavijero tiene la misión de ser un espacio de convergencia,
dinámico y de excelencia que favorezca la enseñanza, la gestión y la difusión
cultural y artística. El trabajo está orientado a promover un enfoque
multidisciplinario que fomente el ejercicio crítico a la par de las revisiones
históricas de las diversas manifestaciones, expresiones y tendencias
artísticas; así como reforzar el compromiso de la institución con la
diversidad cultural e inclusión de multiplicidad de propuestas que permitan
la formación y generación de públicos. Sin perder de vista la vocación
formativa, al fomentar distintas actividades académicas, educativas y de
profesionalización, que generen productos y procesos de investigación, y
producción artística, fortaleciendo al gremio artístico y cultural en el Estado.
Desde febrero de 2008, se crea CENTRO CULTURAL CLAVIJERO (CCC)
como una institución perteneciente a la Secretaría de Cultural del Estado
de Michoacán, teniendo como vocación principal la difusión de las artes
y la cultura, mediante exposiciones temporales de permanencia trimestral
en sus 9 salas, además de una exposición permanente dedicada al Paisaje
Michoacano. Presentándose también como un espacio para actividades
académicas de formación y profesionalización de diversa índole.
CCC es un centro expositivo, en donde todas sus actividades paralelas
se diseñan en relación al perfil de las temáticas de las exposiciones. Este
proceso permanentemente, se ve fortalecido por su intensa vinculación con
instituciones educativas para la difusión efectiva de su oferta con el ámbito
académico.
La Memoria 2017-2018 de Centro Cultural Clavijero, se presenta
como uno de los esfuerzos más importantes y de mayor alcance, realizados
en colaboración con diversos agentes públicos y privados e instituciones
culturales que hicieron posible dos años excelentes llenos de actividades
culturales, académicas y exhibiciones memorables.
Es una ardua labor la de establecer núcleos de discusión que puedan generar
puntos de vista diversos, donde se vislumbren los diferentes rumbos actuales
de los lenguajes visuales. El esfuerzo por generar vínculos entre los espacios
destinados a la difusión de las artes y la producción artística, es una tarea
que requiere de un seguimiento constante con acciones a nivel institucional,
con el esfuerzo y voluntad de los creadores, quienes permiten enriquecer
la oferta cultural de nuestro entorno e incentivar el debate sobre las nuevas
propuestas artísticas en los sectores académicos.
Objetivos del CCC:1- Presentar exposiciones que familiaricen al público mexicano con la
riqueza y diversidad de su patrimonio artístico; así como con colecciones
provenientes de museos nacionales y extranjeros, que no se han presentado
en Michoacán, pertenecientes a las manifestaciones del arte moderno y
contemporáneo.
2- Realizar actividades complementarias a las exposiciones, que propicien
una experiencia de aprendizaje, para los distintos públicos que participen,
fomentando así el derecho de todos a la DIVERSIDAD CULTURAL.
3- Convertirse en un centro de capacitación de las artes, en beneficio de
la comunidad artística y cultural en Michoacán; así como un centro de
exposiciones de relevancia nacional e internacional que permita su acceso
a exposiciones de primer nivel, fomentando los procesos de investigación y
producción artística.
Estamos complacidos de poder compartir con ustedes el resultado del
trabajo colaborativo e incansable, encabezado por el equipo de Centro
Cultural Clavijero, y respaldado por la Secretaría de Cultura Federal, el
Gobierno del Estado de Michoacán y la Secretaria de Cultura del Estado,
además del apoyo de la AC Amigos del Clavijero.
CENTRO CULTURAL CLAVIJERO
ÍNDICE
1. PROYECTOS EXPOSITIVOS GENERADOS Y
COORDIADOS POR CENTRO CULTURAL CLAVIJERO
PROYECTO CAJA DE VIDEO
2017 AÚN NOS QUEDA EL RECUERDO Mariano Rentería
Garnica
NEGATIVO Kissel Bravo
ALIAS Juan Pablo Arroyo Abraham
2018 75 ANIVERSARIO DE VOLCÁN PARICUTÍN
-PARHIKUTINI
Santiago Arau Pontones
CENIZAS DE LOS PASOS – Yuki Pastrana
ORÉE DU DÉSASTRE / AL BORDE DEL DESASTRE
Meriol Lehmann y Sylvain Campeau
ERAANI MINSITARUH / MIRAR EN EL CORAZÓN
Nemesys Films
CUTOUT FEST ON TOUR Nuevas formas de ver
PROYECTO GRAN FORMATO
JULIO CÉSAR FLORES CALDERÓN, (ROCKSTTA
MAGENTTA) La Batalla
TANIA CHÁVEZ (NIÑO) Levitaciones, transmutaciones y
vitalidad
¡BUENOS DÍAS! Antonio Bárcena
A.KA. ACTIONE RVLVR
PROYECTO MAESTROS MICHOACANOS
RETRO-RETROSPECTIVA Marco Antonio López Prado
70-50 FASCINACIÓN POR MORELIA José Antonio Romo
INFLUENCIAS E INTERPRETACIONES Juan Torres
EL ÁNGEL REBELDE DEL GRABADO Octavio Bajonero
FIGURACIÓN / ABSTRACCIÓN Enrique Ortega Espino
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HOMENAJE NACIONAL Arturo Estrada
2. EXPOSICIONES DE CENTRO CULTURAL CLAVIJERO
EN COORDINACIÓN CON OTRAS INSTITUCIONES O
INDEPENDIENTES
2017 EL PLIEGO / LE PLI / A FOLDER
CALAVERAS Y CAPRICHOS La materialización del mito
ANAGRAMAS MATEMÁTICOS Jesús Jiménez
MANOS DE NUESTROS PUEBLOS Colaboración con el Instituto
del Artesano Michoacano
IV CONCURSO NACIONAL DEL REBOZO 2017 Colaboración
con el Instituto del Artesano Michoacano
POÉTICAS DE LA NATURALEZA Filomena R. Cardoso Grácio
2018 ROJO DESIERTO Humberto Valdez
SUPERSTICIONES
K’UINCHECUA Florence Leyret
GUMILYOV Poeta - Viajero
LA FÓRMULA MÍNIMA Manuel Velázquez
3. PROYECTOS EXPOSITIVOS DE CARÁCTER NACIONAL
E INTERNACIONAL
XIV BIENAL INTERNACIONAL DEL CARTEL EN MÉXICO
DISPOSITIVOS Obra Reciente de Daniel Lezama
ANILLOS CONCÉNTRICOS
DOCUMENTAR, CONTAR, MENTIR Fotografía de Quebec
PRIMERA FOTÓGRAFA DE LA REVOLUCIÓN Sara Castrejón
STREGHE E INCATESIMI Gildardo Gallo
DE LA TIERRA AL CIELO Cien Años con Julio Cortázar
EL CENTRO ÚNICO Edgar Cano
LOS FRAGMENTOS DE LA RUPTURA Colección del Museo de
Arte Moderno
TECNOLOGÍA, ARTE E HISTORIA Las Imágenes de Piedad en el
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Obispado de Michoacán
LA MEMORIA EN PAPEL Colección del Museo Franz Mayer
1001 ROSTROS DE MÉXICO Máscaras de la Colección de
Ruth D. Lechuga
FRANCISCO TOLEDO: FÁBULAS DE ESOPO Colección Museo
Nacional de la Estampa
SIGNOS DE NUESTROS TIEMPOS Colección Pinto Mazal
TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN Dibujo en Perpectiva y
Gráfica Digital
MÉXICO EN EL PAISAJE Armando Salas Portugal
OUR BODY. EL UNIVERSO DENTRO
CONSTRUYENDO PUENTES EN ÉPOCA DE MUROS Colección
Altamed Health Services Corporation
4. PROYECTOS DE ALCANCE NACIONAL
POLOS AUDIOVISUALES Alcance Nacional
PLATAFORMA DIGITAL CINEMA MÉXICO Alcance Nacional
5. ACTIVIDADES ACADÉMICAS DE PROFESIONALIZACIÓN
EN COLABORACIÓN CON INSTITUCIONES Y ACADEMIAS
12° y 13°. Gira de Cine Documental Ambulante en colaboración
con Festival Ambulante
Seminario de Investigación de la Maestría en Historia del Arte de
la Universidad de Morelia
Feria Internacional del Libro y la Lectura Michoacán
2017 y 2018 en colaboración con la SECUM
Presentación Obra Teatral Pedro Páramo en colaboración con
Colectivo de Trabajadores del Arte y la Cultura de Michoacán
(COTACUM) y la SECUM.
Seminario de Arte Moderno y Contemporáneo en México por
Eugenia Macías en colaboración con Facultad de Historia del Arte
de la Universidad de Morelia 2017.
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Módulo de Mercado del Arte por Mtra. María de los Angeles
Valencia Colín en colaboración con Facultad de Historia del Arte
de la Universidad de Morelia 2018.
Taller de Creación de Portafolio con la curadora Graciela Kartofel
Taller de Revisión de Portafolio con la curadora Graciela Kartofel
Presentación de libro “Cómo nace y crece un volcán”. El Paricutín
del Dr. Atl (edición facsimilar con prólogo de Jaime Urrutia
Fucugauchi) en colaboración con El Colegio Nacional.
Puesta en escena “Nocturno” Homenaje escénico a Octavio Paz en
colaboración con El Colegio Nacional.
Programa de Diversidad Sexual + Morelia/Cuórum
Presentación de la obra Don Juan Tenorio 2018
6. ACTIVIDADES EDUCATIVAS DESARROLLADAS POR CCC
TALLERES EN TORNO A LAS EXPOSICIONES
Conferencia Magistral de Daniel Lezama y Erick Castillo
Taller de fotografía de desnudo, impartido por Rogelio Cuéllar
Introducción al Cuarto Oscuro. Mirada Infinita de Guillermo
Wusterhaus
Micro Residencias de Serigrafía con: Erandini Adonay, Juan Ache
Vera, Francisco Zúñiga, Marco Antonio López Prado
Programa semanal La Pandilla Clavijero
Taller del Día Internacional del Museo 2017 y 2018
Programa Nacional de Verano 2017 y 2018
Más de 190 visitas comentadas y talleres para grupos escolares en
torno a las exposiciones.
ESTADÍSTICAS 2017 Y 2018 DEL CCC
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PROYECTOS EXPOSITIVOS
GENERADOS Y COORDINADOS POR
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Centro Cultural Clavijero a partir de enero de 2016 dio vida al proyecto CAJA DE VIDEO que alberga proyectos de videoarte y videoinstalación. Se ha enfocado a la difusión, fomento e incentivo de las prácticas artísticas que involucran el video, la animación experimental o la imagen en movimiento/tiempo.
El video es una forma de mirada, y en muchos casos, es una mirada a la cultura que nos rodea, que se amplifica y que se potencia en una sala de exhibición donde se activa una poética en todo el espacio mediante la luz, los gestos íntimos, las texturas, la materia representada o el sonido. Los registros/obras son formas de interpretación y de aproximación a la cultura que en cada caso es diferente, pero que sin embargo se complementan. Se intenta que las obras presentadas puedan transportar al espectador a imaginarios diferentes, a sensaciones particulares o que permitan reflexionar sobre la identidad de la cultura, gracias a las diversas interpretaciones de los videoartistas.
Se contempla a los museos, centros culturales, galerías… como lugares idóneos para la exhibición del videoarte, ya sea en instalaciones, en cintas o diversos formatos digitales. El vídeo se ha convertido en un soporte privilegiado para la creación y la experimentación, existen infinidad de posibilidades, se propicia la innovación, la ruptura con sistemas dominantes dentro de las artes y sobre todo, la libertad de creación.
Tomando en cuenta lo anterior, el objetivo del proyecto es mantener un flujo constante de obras de video en el Centro Cultural Clavijero, destinando la sala 10 en un loop permanente. Por un lado se busca generar aproximaciones a un público más amplio relacionado a estas formas de expresión, y por otro, una percepción de exposiciones imperdibles para los amantes del videoarte, y la inmersión en territorios multidisciplinarios, de apertura para la práctica artística, donde se puedan generar diversos diálogos entre los autores, la obra y los espectadores.
Coordinación del proyecto: Alejandro Sosa
PROYECTO CAJA DE VIDEOVideoarte es el arte posible… Rafael Corkidhi
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Mariano Rentería se ha desarrollado como productor, director y director de fotografía en diferentes proyectos audiovisuales, en su mayoría documentales. Se desempeña como director y fotógrafo autodidacta. Ha realizado múltiples proyectos con los cuales ha obtenido diversos premios que van desde la publicidad hasta el video experimental o el videoarte. Sus trabajos han sido presentados en muestras y festivales de cine como el Festival Internacional de Cine de Monterrey, Festival Internacional de Cine de Morelia, Festival Internacional de Cine de Guanajuato, DocsDF, Festival Cinélatino Rencontres de Toulouse, DOK Leipzig, San Diego Latino Film Festival, Slamdance Film Festival, Edinburgh International Film Festival, y en el programa de la Semana de la Crítica de Cannes, entre otros.
Entre los reconocimientos que ha obtenido destacan: El Premio Estatal al Mérito Juvenil en 2009, el Apoyo a la Postproducción de Cortometraje, por parte del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Mejor Cortometraje Documental del 12.º Festival Internacional de Cine de Morelia, y una Nominación por Mejor Fotografía de Cortometraje Documental en el 23.º Festival Internacional de las Artes Cinematográficas Camerimage en Polonia.
“Aún nos queda el recuerdo” es un proyecto que pertenece al género documental y propone un viaje a través de la deconstrucción de los espacios urbanos, en este caso en las principales salas de cine que existían en el antiguo Morelia.
AÚN NOS QUEDA EL RECUERDOMariano Rentería GarnicaCortometraje/documental
Duración: 18 minHD
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Esta pieza es un ejercicio de apropiación y posproducción audiovisual, entendiendo esto como el proceso por el cual resignificamos y damos un sentido nuevo a imágenes y sonidos. De esta manera, se intenta generar un comentario sobre la problemática actual que se vive en todo el país y sobre todo en el estado de Michoacán por la creciente ola de inseguridad y violencia que ha penetrado en todos los ámbitos políticos y sociales; de tal suerte que este trabajo intenta ser una experiencia y un choque sensorial que nos ubique en el deterioro cultural que se está dando.
Por consiguiente, los elementos que confeccionaron esta pieza enmarcada en el videoarte, por una parte, son sonidos que en su gran mayoría fueron tomados del internet, grabaciones de balaceras, manifestaciones y entrevistas a muchos de los actores principales que han participado en el desarrollo de nuestra realidad actual. De la misma forma, muchas de las imágenes fueron apropiadas de la Web, con la intención de modificarlas, en un intento metafórico de abrir el juego de las interpretaciones.
* Para la realización de esta pieza se tomó un fragmento de la canción “Olvido” de Santa Sabina.
Kissel BravoVive y trabaja en Morelia Michoacán. Es profesor de la la Facultad Popular de
Bellas Artes en el área de Arte y Nuevas Tecnologías, su trabajo se ha expuesto dentro y fuera de país. Su producción está enfocada en los procesos audiovisuales que brinda la tecnología actual, para desarrollar y problematizar ideas en relación a la tecnología y su papel que tiene en los cambios estéticos, culturales y sociales de nuestra sociedad.
NEGATIVOAutor: Kissel BravoVideo experimentalDuración: 6 minHD
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Se trata de un documental del reconocido cineasta michoacano Juan Pablo Arroyo Abraham.
El 24 de abril de 2010, Minerva Bautista, ex secretaria de seguridad pública del Estado de Michoacán, sufre uno de los atentados más despiadados que se haya registrado en la historia de nuestro país; fue atacada con un arsenal digno de una guerra, resultado del combate que mantiene el gobierno mexicano contra el crimen organizado. Esta es la historia de aquellos que sobrevivieron a tan cruento enfrentamiento.
Testimonios: Aguilita Delfino, Raptor, Minerva Bautista Gómez, Magdalena Tanori García
Dirección: Juan Pablo Arroyo Abraham Fotografía: Manuel CisnerosMúsica: Martín VegaDiseño Gráfico: Luis HernándezVinculación: Juan Carlos Hernández
ALIASAutores: Juan Pablo Arroyo Abraham
Duración: 62 minIdioma: español con subtítulos en inglés
Morelia-México / 2013
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Cerca de una comunidad P’urhépecha, hace no mucho tiempo… apareció un volcán. Algunos de los testigos que lo presenciaron son más antiguos que la montaña misma.
Invita al espectador a sumergirse en la experiencia de recorrer el volcán Paricutín. Desde el lenguaje cinematográfico y la coreografía hace énfasis en las transformaciones que las erupciones provocaron en el paisaje. La presente videodanza es parte de la puesta en escena, que integra la danza con arnés y el video como elemento escenográfico.
PARHIKUTINI
CENIZAS DE LOS PASOS
Autor: Santiago Arau PontonesGrabado con iPhone 6sIdioma: purépechaSubtítulos: españolDuración: 6 min 37 seg
Autor: Yuki PastranaCo-creación: Catalina NavarreteCinefotografía: Adán Ruiz, Wences LópezComposición sonora: Héctor Guerrero, Sebastián FossEdición: 21H - Yuki PastranaDuración: 20 min
75 ANIVERSARIO DE VOLCÁN PARICUTÍN
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Sinopsis: “Tengo un pequeño chalet, a 120 kilómetros de Montreal, al norte. Hay pocos vecinos alrededor y el bosque para atrás parece prolongarse al infinito. El verano, rodeado de árboles en foliación plena, me siento único en el mundo. También, me inspiré en esta situación para escribir Linde del desastre. Imaginé al superviviente de un cataclismo cualquiera, protegido por este cenáculo vegetal. ¿Cómo quedar todavía presente en el mundo cuando todo lo que era el mundo no es más?”Sylvain Campeau es poeta, crítico de arte, ensayista y comisario de exposición. Publicó 6 recopilaciones de poesía y una antología de poetas quebequeses. Es también el cocreador de un CD titulado “Havres”, el resultado de un trabajo de colaboración con el artista sonoro Chantal Dumas. Participante del Festival de la poesía de Montreal de 2017, el vidéopoème “Linde del desastre”, realizado en colaboración con artista visual Mériol Lehmann, ha sido retenido para la competición de los Rendez-vous vidéo-poésie, presentadas en Patro Vys. Es miembro de la Casa de la poesía de Montreal, dónde ocupó, del 2011 al 2016, el puesto de Presidente del consejo de administración.Mériol Lehmann trabaja principalmente en fotografía y arte sonoro. Su trabajo ha sido presentado en múltiples centros de artistas, festivales y otros lugares en Canadá, Europa y Japón, en forma de exposiciones, instalaciones y actuaciones. En su práctica, está particularmente interesado en un enfoque sistémico del territorio. También es profesor, diseñador de sonido y consultor en arte y cultura digital. Después de muchos años como CEO de Avatar, un centro dirigido por artistas y dedicado al arte de audio y electrónico, actualmente está completando una maestría en Artes, en la Universidad. Laval.
ORÉE DU DÉSASTRE / AL BORDE DEL DESASTRE
Autores: Meriol Lehmann y Sylvain CampeauPaís: Canadá
Versión con subtítulos en españolFormato de video: FULL HD / 1920 x 1080 / H 264
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Registro documental sobre el trabajo fotográfico de la artista Florence Leyret en el mundo P’urhepecha.
Florence va y viene entre los pueblos de Michoacán buscando el color, la fiesta. Admirar como trabaja la fotografía en campo, su dominio de la técnica y su viaje interior por el camino del arte, resulta tan interesante como las obras que surgen de cada celebración que ella registra.
ERAANI MINSITARUH / MIRAR EN EL CORAZÓN
Nemesys FilmsVideo documentalDuración: 25 min.HD2018
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CUTOUT FEST es la celebración más importante del país en torno a la animación y el arte digital; un Festival realizado en la ciudad de Querétaro y reconocido por su impresionante Competencia Internacional de Animación; por ofrecer un inspirador programa de talleres, conferencias, clases magistrales, proyecciones y exhibiciones de arte sin costo al público; y por su Living Market, un espacio para impulsar una cultura de negocios creativos al interior de una industria que vive de nuevas ideas. Es una experiencia única y alucinante que cada año reúne a algunos de los artistas más influyentes y a miles de mentes sedientas de conocimiento, arte, creatividad e innovación.
Este año, al igual que Centro Cultural Clavijero, COF cumple 10 años y para celebrarlo juntos, recibimos un PLAY LIST con una selección especial de este importante festival, para ser proyectados en CAJA DE VIDEO.
CUTOUT FEST ON TOURNuevas formas de ver
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El proyecto Gran Formato realización artística de imagen expandida, es elaborado y desarrollado por el equipo de trabajo de Centro Cultural Clavijero. Se enfoca en las manifestaciones artísticas desarrolladas en Gran Formato, las cuales han adquirido una mayor presencia –por lo menos desde la década de 1970- con una notable relevancia para la cultura visual de nuestro tiempo. En la actualidad, es evidente el interés de algunos artistas por el uso de superficies expandidas, las cuales en algunas ocasiones se encuentran en espacios urbanos de difícil acceso. Tomando en cuenta las situaciones planteadas, se ha intentado acercar este tipo de manifestaciones al público visitante, con la intención de descubrir a los artistas, las propuestas que plantean, sus procesos artísticos y todos los valores visuales implícitos en las obras que se realizan. Para la producción de Gran Formato, se utiliza un soporte modular desmontable recubierto de madera de 400x800 centímetros – el módulo se arma en cada ocasión desde cero- para que los realizadores inicien su trabajo y puedan obtener en el mismo lugar y con las mismas características, propuestas totalmente diversas. El conjunto se encuentra ubicado museográficamente al centro de la sala 7, brindándole el espacio necesario al artista para desarrollar su pieza y para que el público visitante tenga una adecuada apreciación de la obra. La sala se apertura en blanco y el creador va desarrollando su trabajo a lo largo de varias semanas. Por lo tanto, el público que visita las exposiciones tiene la oportunidad de observar, dialogar, intercambiar ideas o simplemente disfrutar siendo testigos del proceso de creación artística. De esta forma el proyecto Gran Formato intenta dinamizar y fortalecer los modos de participación del espectador/visitante, como una alternativa museística de innovación y una apuesta por la interacción directa entre artista-obra-espectador.
PROYECTO GRAN FORMATO 800 x 400Realización artística de imagen expandida.
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Rockstta Magentta (César Flores), presentó su trabajo dentro del proyecto de realización artística de imagen expandida elaborado y desarrollado por el equipo de trabajo de Centro Cultural Clavijero. Magentta es egresado de la Facultad Popular de Bellas Artes, en el área de pintura, de la UMSNH. Nacido en Morelia, ha participado en diferentes exposiciones colectivas e individuales en el estado de Michoacán, así como en intervenciones públicas, dentro de festivales de arte urbano. Trabaja la ilustración gráfica y digital, además del muralismo en aerosol, vinílica y acrílica.
JULIO CÉSAR FLORES CALDERÓN
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ROCKSTTA MAGENTTALA BATALLA
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Tania Chávez Ramírez, (Morelia, Mich. 1985) Artista visual por la Universidad Michoacana San Nicolás de Hidalgo. Desde temprana edad se interesó por las artes plásticas y en el año 2000 ingresó a la Casa de la Cultura de la ciudad de Morelia, donde comenzó su formación artística. Posteriormente ingresó a la Facultad Popular de Bellas Artes donde estudió de 2003 a 2007. En 2008 ya egresada de la licenciatura, conformó junto a un grupo de artistas “Monocromo Art Fanzine” que funcionó hasta 2014. En 2010 ganó una beca para estudiar Animación y Efectos Especiales en EUNOIA SCHOOL. Ha formado parte de algunos colectivos como: M.I.A.U y Perras de Museo. Cuenta con algunas exposiciones individuales, varias menciones honorificas y exposiciones colectivas, ha sido seleccionada en diversas muestras que le han permitido dar a conocer su trabajo a nivel nacional así como en EUA.
Su obra está cargada de elementos simbólicos relacionados con la metafísica y la magia. El trabajo de “Niño” hace referencia a diversas formas de pensamiento filosófico y místico-religioso. La paleta de color que presenta es bastante amplia, llena de colores intensos y brillantes, presentando un juego de tonalidades que le permiten introducir al espectador a un universo esotérico, fantástico y delirante. En su obra se percibe el dominio de técnicas pictóricas, del dibujo, la gráfica, el collage digital, modelado 3D, entre otras.
Actualmente se dedica a la producción de su obra y labora como diseñadora.
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Antonio Bárcena realizó estudios de Animación y Arte Digital en el Tecnológico de Monterrey, Campus Morelia. Además, cuenta con un par de Masters en Ilustración Digital, Thechnical Direction, VFX y Maya 3D Modelado en COCO - Escuela europea de Artes Visuales, Alicante España. Ha participado en el Diseño de Arte y Personajes para el cortometraje animado “Mystery Os”, con selección oficial en CutOut Fest, así como el Documental “La Restauración” seleccionado en el Festival Acción Emergente, en Centro Cultural Clavijero.La presente obra en gran formato lleva por título “BUENOS DÍAS”. Es una pieza realizada a base de pintura acrílica y rotulador, en donde Antonio Bárcena nos presenta una propuesta saturada de imágenes con distintos personajes que, por su estilo y estética, nos recuerdan al trabajo de diseño y creación de personajes de caricaturas icónicas como: Los Simpson, ¡Hey Arnold!, Coraje el perro cobarde, Rugrats, Aventuras en pañales, entre otras. Todas de gran trascendencia en la década de 1990 y hasta mediados de los años 2000. Estos años que se señalan, han sido un referente del consumo televisivo de caricaturas y ahora se presentan como recuerdos de la infancia importantes. También podemos constatar que estas propuestas televisivas son retomadas por jóvenes, convirtiéndose en detonantes creativos para las generaciones nuevas y las que crecieron con ellas. La propuesta particular del autor, y al mismo tiempo el objetivo general de sus trabajos, es lograr un llamado a la sociedad para generar consciencia sobre como mediar y resolver nuestras diferencias de manera pacífica. Un llamado de paz y de sana convivencia en tiempos de complejos conflictos y desacuerdos. A través de una propuesta alegre, Antonio Bárcena nos invita a apostar por la bondad, la voluntad, el trabajo en equipo, la solidaridad y la alegría, entendiendo que estas prácticas logran alejar y combatir las acciones y noticias negativas que suceden en la vida cotidiana.
¡BUENOS DÍAS!Antonio Bárcena
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José Edmundo Tejada Martínez, de nombre artístico A.K.A. ACTIONE. Nació en 1985 en La Paz, B.C.S. Desde muy pequeño reside en la ciudad de Morelia, Mich. Es licenciado en Artes Visuales por la Facultad Popular de Bellas Artes de la UMSNH. En su carrera artística ha participado en varias muestras y encuentros de Arte Urbano, así como exposiciones colectivas en museos y centros de cultura de Durango y Michoacán.
Tiene una importante inclinación hacía la geometría y las posibilidades que ofrecen los espacios arquitectónicos. Le gusta observar el espacio y a las personas que lo habitan-transitan, los automóviles y todos los elementos que envuelven la relación del habitante y la infraestructura urbana.
En su trabajo se aprecia un gusto por la experimentación y la abstracción, observa y va transformando el paisaje urbano, dando vida a atmósferas que van de lo orgánico a lo sintético, a partir de la abstracción geométrica. Otra importante influencia se encuentra en las artesanías michoacanas, ya que durante su infancia pasaba las temporadas vacacionales en Pátzcuaro, disfrutando de los tianguis artesanales.
Dentro del graffiti, sus primeros referentes fueron la cultura chicana, el lowbro, el skate, el muralismo, el roller, etc. En estos contextos, logró paulatinamente desarrollar un lenguaje propio, que se vuelve inmersivo explorando conceptos de identidad, espiritualidad y religiosidad. En su trabajo se pueden ubicar elementos o personajes que parecen descuidados, quebrados, en abandono, chocados o descompuestos. Actione los utiliza haciendo referencia a los procesos propios de descomposición de lo matérico y lo social. A través de estos elementos busca generar un reordenamiento-transformación, un cambio que se produce desde el retorno al origen, a lo vital, a la fuerza de la naturaleza, a la materialidad y al ser.
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Se trata de exposiciones enfocadas en la inclusión y proyección de la plástica michoacana, como parte de los esfuerzos emprendidos por la Secretaria de Cultura del Estado a través del Centro Cultural Clavijero. Estas muestras se generan con el objetivo de reconocer, promover y difundir el trabajo de grandes maestros de la entidad, que han impulsado la producción local posicionándola en ámbitos nacionales e internacionales, y que siguen en activo desarrollando propuestas novedosas y explorando las posibilidades de su lenguaje plástico.
Las exhibiciones se realizan gracias a distintas colecciones que los mismos artistas participantes, facilitan para su observación, estudio y análisis; así como para cuestiones de curaduría y museografía. Se ejecutan visitas a los talleres de los maestros para realizar registros fotográficos previos, de las colecciones disponibles para la exposición. Posteriormente se define una ruta crítica de trabajo y las líneas curatoriales sobre las cuales se desarrollará la muestra.
Estos trabajos tienen excelente recepción y trascendencia dentro de la comunidad michoacana. En este, como en todos los proyectos expositivos del Centro Cultural Clavijero, se genera un sistema incluyente cercano al artista, en donde se logran equipos de trabajo sólidos, que llevan a buen puerto las exhibiciones que conmemoran las trayectorias de los maestros al servicio de su quehacer y de la plástica michoacana.
Proyecto Maestros Michoacanos
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Marco López Prado es un artista que desde que terminó sus estudios en la Ciudad de México, en la Escuela de Bellas Artes decidió regresar a su tierra natal. Por entonces –mitad de los años ‘80s- le pregunté ¿por qué regresarse? “La tierra donde nací me brinda muchos motivos, también quiero enseñar lo que aprendí, la plástica michoacana necesita desarrollarse, superar las repeticiones”. Siempre dedicado, sereno y crédulo, realizó esos aspectos que sabía importantes y apoyó en diversos puestos institucionales con mucha paciencia.Marco es un apasionado del estudio de las técnicas y a través de experimentar con ellas, ha abierto nuevos rumbos en el entrecruzamiento de materiales y disciplinas. Las transita todas y las resultantes están a la vista. Creatividad, variedad, ritmo, semifiguración, mito-magia, gran colorismo, dibujo refinado, interpretación de formas naturales, estudio de zonas geográficas y personal espejo de realidades. Pintura, escultura en barro y en bronce, obra gráfica y cerámica conjugan en esta merecida retrospectiva. ¿Por qué mencionar separada la escultura en bronce y en barro, de la realizada en cerámica? No es necesario individualizarlas, pero como hay gran variedad en las formas de trabajar el material, Marco López Prado hace figuras, relieves, grupos, esculturas abstractas –referidas a la semilla o a las vasijas. Y hace platos, platones y vasijas más relacionadas con la historia de las formas y de los orígenes del barro. Es por ello, por la variedad y extensión de su trabajo que se cita barro y cerámica.Algo semejante ocurre en el terreno de la estampa, el apellido para las diversas técnicas gráficas tradicionales: aguafuerte, aguatinta, buril, punta seca, mezzotintas, tousche, serigrafía, xilografía y litografía. Marco practica todas en la riqueza que cada una permite, excepto las tres últimas, a las que se dedica menos. Ocasionalmente usa tintas gráficas para obras en técnicas mixtas. Cuando así trabaja, es curioso que las obras son más sintéticas, oscuras y hasta misteriosas. Óleo, acrílico, caseínas, encáusticas y acuarelas habitan sus pinturas de intensa magia.
Texto Curatorial: Graciela Kartofel
RETRO-RETROSPECTIVA
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José Antonio Romo
Morelia: una ciudad para despertar los excesos
La zona central de la capital michoacana se vive por medio de la alteración sensorial. Con los ojos se le aprecia y con ellos también se le escucha, pues sus piedras son el remanso necesario para mitigar los efectos de un movimiento cotidiano revelado como imposible. La simple mirada permite degustar y oler una esencia vital que, al paso del tiempo, se ha almacenado en el rosado carácter de sus piedras.
Sin importar la cantidad de tiempo de contemplación, las maravillas en esa sección de la ciudad permanecerán en la memoria. Para los foráneos, como el extraordinario recuerdo de un sitio excepcional; aunque los residentes terminan por acostumbrarse a su presencia, no dejan de expresar el privilegio de que esos templos, palacios, fuentes, calles y casonas sean parte del escenario donde transcurre su vida.
Esa primera emoción derivada del encuentro sensible con la ciudad –con los ojos como el vehículo para lograrlo- es la admiración. Destaca la solidez de un espacio urbano levantado con un mismo material, el mismo que fue extraído de su propio subsuelo y permitió desafiar a la gravedad con la fuerza de sus muros, la altura de las torres y el notable tamaño de puertas y ventanas.
Por preservar su composición ancestral, para muchos ojos parece que el tiempo se detuvo en el Centro Histórico. Sin embargo, algunas miradas se muestran más curiosas y empiezan a lanzar mudas preguntas a la arquitectura; sobre todo cuando se toma conciencia de que cada detalle, la posición de los elementos, la ausencia de adornos o la armonía creada por la conjunción de todos los edificios responde a necesidades y prioridades concretas.
De nueva cuenta, a través de los ojos se reanuda el diálogo y la muda conversación revela historias aparentemente negadas: cada rincón de la antigua Valladolid da cuenta de los seres humanos que la han habitado, la han definido, la han construido y le han dado su carácter. Con admiración, el encuentro visual revela un descubrimiento: lo inmutable está repleto de cambios, es reflejo de vitalidad.
Son pocos quienes se dan cuenta que el encuentro con esas expresiones del pasado ha dejado de ser la dosis mínima recomendada y la necesidad por la urbe se convierte en exceso. La ingesta ocular raya en el delirio, la fascinación por las explicaciones de esas piedras llega a la demencia y la alucinación trasciende el hecho de únicamente vivir en ella… quienes caen en el embrujo de la ciudad empiezan a vivir para ella.
70-50 FASCINACIÓN POR MORELIA
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Un obseso acérrimo del Centro Histórico de Morelia es José Antonio Romo, quien ofrece ahora un fragmento de la investigación visual emprendida a lo largo de 50 años. A través de la lente y con esa experiencia a cuestas invita al encuentro permanente de una ciudad que, a pesar de ser muy conocida, no deja de ser enigmática; con cada disparo, en cada encuadre y con cada imagen promueve un permanente encuentro con experiencias presentes y pretéritas, como reflejo de excesos permitidos y hasta indispensables. Excesos reveladores de una certeza: por una ciudad como esta, vale la pena entregar todo esfuerzo, todo el tiempo, todo el talento… incluso, la vida misma.
Texto: Ricardo Aguilera Soria (†), enamorado cronista de la misma musa: Morelia
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INFLUENCIAS E INTERPRETACIONES
Juan Torres Calderón, es el artista michoacano con mayor representación en la pintura costumbrista que desde pequeño estableció relación directa con las tradiciones y los oficios. Realizó sus estudios formales en la Escuela de Bellas Artes de la UMSNH, ahí conoció y fue cercano al maestro Alfredo Zalce, de quien aprendió el trabajo en pintura, cerámica, escultura y pintura mural. Con el tiempo el maestro Torres fue afinando las técnicas e imprimiendo en la producción su sello personal.
En la exposición se pudieron observar las referencias anteriormente mencionadas, y se suman los trabajos recientes que denotan las influencias más importantes para el maestro michoacano como lo han sido: la pintura renacentista y flamenca de los siglos XIV y XV, la pintura neoclásica, las vanguardias artísticas de principios de siglo XX, el arte africano, el costumbrismo y la Escuela Mexicana de Pintura. En la actual propuesta del maestro Torres Calderón podemos encontrar estas referencias, pero desarrolladas a partir de su peculiar visión. En los últimos dos años se ha dado a la tarea de voltear la mirada y estudiar nuevamente el color y las técnicas de composición, se ha adentrado en varias de las obras maestras del arte y nos comparte su interpretación.
Siguen predominando temas que lo han acompañado en su trayectoria artística como el desnudo femenino, la representación de ángeles, la sensualidad y belleza de la mujer, y el misticismo. La paleta de color es rica, variada e intensa, va aplicando contrastes interesantes que resaltan los colores azules, violetas, verdes, rojos y dorados. Es notable el oficio y la estética en el trabajo del maestro Juan Torres, siempre desarrollando desde las entrañas, dejando impregnada su esencia y sensibilidad, manifestándose constantemente a plenitud. En su extenso imaginario ha logrado combinar perfectamente pasado y presente, lo que resulta en un buen ejercicio para el espectador; quien, al observar, podrá encontrar las ricas referencias, para emitir interesantes interpretaciones.
Juan Torres
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Octavio Bajonero Gil nació el 8 de marzo de 1940, en Charo, Michoacán. Desde niño mostró talento para el dibujo. Luego de cursar en su estado los estudios iniciales, realizó varios viajes al Distrito Federal. Solía viajar cuando en su pueblo era época de lluvias, era el momento ideal para acercarse a la capital, donde conseguía algunos trabajos que por entonces no se tenían en su pueblo. Siempre fue inquieto: …me metía en todos lados, caminaba, veía exposiciones, tiendas, materiales de todo tipo. En 1958, en uno de esos viajes al D.F., vio el anuncio de la Primera Bienal Interamericana de Grabado, se hizo preguntas acerca de algo que desconocía completamente y entró para salir fascinado. Quiso saber qué era eso del grabado. Se puso a investigar, leyó con entusiasmo y saboreó su encuentro con ese nuevo mundo que, sin saberlo, habitaría para siempre.Michoacán, el estado que vio nacer a Bajonero, es un estado rico y diversificado; las figuras indígenas, la lengua y las tradiciones están siempre presentes y se encuentran bordadas en el aire. A partir de esto se explica la devoción del artista por lo local. Pero Octavio Bajonero distinguió la riqueza del arte popular de la creación de autor a la que estaba abocado. Las diversas culturas precolombinas y las artesanías se infiltraron de manera elegante en sus grabados, dibujos, acuarelas, pinturas y objetos. La fantasía que manifiesta en sus estampas se basa en los aspectos mencionados. En una fantasía personal de trama onírica, es un entretejido del autor y su sociedad.
Texto Curatorial: Graciela Kartofel
EL ÁNGEL REBELDE DEL GRABADO
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Octavio Bajonero
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FIGURACIÓN / ABSTRACCIÓN
En su reciente producción visual, Enrique Ortega incorpora elementos abstractos a un lenguaje figurativo o simplemente recurre a la abstracción adicionando referentes figurativos; ejercicio que le ha permitido reformular su trabajo a partir de mensajes sugeridos en planos expresivos con códigos estéticos cada vez más sintetizados. En la producción visual más reciente de Enrique Ortega, presentada en este espacio expositivo, se incorporan elementos abstractos a un lenguaje figurativo, o simplemente Enrique trabaja la abstracción con referentes figurativos; lo que le ha permitido reformular su trabajo a partir de mensajes sugeridos en planos expresivos con códigos estéticos mucho más sintetizados.
Ahora bien, Ortega sorprende y pone a consideración una faceta de su obra poco conocida: el dibujo figurativo. Es un selecto grupo de piezas en las que utiliza tinta y carboncillo sobre papel fotográfico de pequeño formato. Es importante significar que son dibujos maravillosos, llenos de soltura donde se aprecia la mano de un artista que maneja la técnica con precisión, que experimenta y que juega con el lenguaje expresivo en franca libertad creativa. Para entender un poco su manejo y también vocación dibujística, hay que remontarse a los primeros años de su formación como pintor en el taller del maestro Alfredo Zalce y al entrenamiento que recibió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda”.
Detrás de los grandes espacios de color, de las inquietas luces que aparecen por doquier y de las áreas impregnadas de textura, en el arte de Enrique Ortega se esconde una voluntad consciente de observación del universo, al fin y al cabo, la representación de un territorio que se debate en el umbral entre lo real y lo imaginario.
Texto Curatorial: Marisel Vázquez Concepción
Enrique Ortega Espino
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HOMENAJE NACIONAL
Arturo Estrada nació en 1925, el pintor michoacano es conocido como uno de “Los Fridos”, el grupo íntimo de discípulos (integrado junto con Fanny Rabel, Arturo García Bustos y Guillermo Monroy) que, en la década de los cuarenta de la centuria pasada, recibían lecciones privadas de la célebre Frida Kahlo en su Casa Azul de Coyoacán.
El creador, originario de Panindícuaro, se desempeñó después como ayudante de Diego Rivera, José Clemente Orozco y Juan O’Gorman, y ejecutó también sus propios murales en diversos puntos de la geografía estatal y nacional; entre los cuales destacan los del Cine Narciso Mendoza (1952, Cuautla), la Escuela Bartolomé de Medina (1963-1964, Angangueo) y la Estación Centro Médico del Metro (1988, Ciudad de México), habiendo llegado a dirigir la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (1983-1985).
En 1957, uno de sus óleos sobre tela, intitulado Ventana, fue el único cuadro adquirido por Marcel Duchamp, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, durante su visita a nuestro país. Al año siguiente, dicho lienzo fue premiado por la William and Noma Copley Foundation.
La presente exposición retrospectiva rinde homenaje a la larga y fructífera trayectoria de Arturo Estrada, en el transcurso de la cual ha explorado con inspiración y oficio el retrato y el autorretrato; la paisajística del terruño, así como temas vinculados con la raigambre popular y el contenido social. Universo plástico que ha plasmado con base en la precisión del trazo y una paleta luminosa, construyendo un discurso visual de exaltación identitaria, signado por la gracia, un toque de misterio y el refinamiento expresivo.
Texto: Argelia Castillo
Coordinación del proyecto: Equipo de trabajo del Centro Cultural Clavijero en colaboración
con el Centro de Documentación e Investigación de las Artes.
Arturo Estrada
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EXPOSICIONES DE
CENTRO CULTURAL CLAVIJERO
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Estas exhibiciones se generaron a partir de la presentación de un proyecto que fue estudiado y se trabajó por medio de una coordinación externa al Centro Cultural Clavijero y una coordinación interna, encargada de los detalles logísticos, aunque en algunos casos también se participó en la curaduría y museografía.
Son proyectos que resultaron de suma importancia, ya que permitieron mostrar exposiciones de gran relevancia para la comunidad. Se pensó en que estas exhibiciones fueran diversas y pudieran cumplir con las necesidades de promoción, divulgación y disfrute.
Proyectos EXPOSITIVOS EN COORDINACIÓN CON OTRAS INTITUCIONES O INDEPENDIENTES
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El espacio del PLIEGO presenta un todo fraccionado en cuatro espacios distintos y solidarios, en el que se establecen relaciones de oposición, reflexividad, contigüidad, secuenciación. El pliego, como el libro, se abre y se cierra, guarda, muestra y esconde a la vez. La unión de diferentes pliegos entre sí forma un libro, dispositivo definido por esa zona de emergencia y de encuentro que es el pliegue, entendido como bisagra de desdoblamiento.
Este proyecto de carácter docente e investigador, ha reunido una selección de estudiantes, profesores y artistas vinculados a talleres y grupos de investigación en arte gráfico y edición de diferentes universidades y centros de formación. El proyecto EL PLIEGO plantea una nueva manera de componer una obra, trazada desde la colectividad, a partir de propuestas individuales. La autoría compartida expresa la multioptría de apreciaciones e interpretaciones.
Cada participante fue invitado a intervenir sobre una hoja de papel plegada en 2 (en sus 4 partes, anverso y reverso) a partir del binomio implícito “doble desdoblado”, utilizando técnicas gráficas y/o otros recursos que generen imagen múltiple para su edición de varios ejemplares. Cada centro envió el conjunto de los pliegos seleccionados y editados al centro organizador (grupo dx5, Facultad de Bellas Artes, Pontevedra, España).
Los cuatro libros están formados por distintos cuadernillos sin coser que son compilados gracias a una portada-contenedor común, diseñada por el centro organizador. Este formato flexible posibilita diferentes combinaciones, a la manera de un cadáver exquisito, y facilita la futura exposición de los pliegos independientes en cada centro-sede. Finalmente, se reunieron 224 pliegos, provenientes de 17 centros formativos, de creación e investigación, de 11 países diferentes de Europa, América y Asia.
Todo tipo de técnicas que permiten la multiplicación de la imagen (xilografía, grabado calcográfico, litografía, serigrafía, digitales, etc.) están presentes. Fieles a la complejidad del arte múltiple actual, numerosos artistas han recurrido a la combinación de recursos para generar su pliego y su
EL PLIEGO / LE PLI / A FOLDER
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edición; a menudo han incorporado otros procesos directos como recortes, collages, plegados, e incluso dibujo o pintura que hace que cada conjunto-libro formado con los pliegos de todos sea único y distinto de los demás.
De este modo se creó un multiverso en expansión con la diseminación de ideas, conceptos y distintos resultados visuales, aprovechando las características del formato pliego - base del libro - para establecer relaciones colectivas de solidaridad, reflexividad, oposición o contigüidad, en cada cuadernillo y en su secuencia.
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CALAVERAS Y CAPRICHOS
Tan grande como Goya, Posada fue un creador de una riqueza inagotable. ninguno
lo imitará, ninguno lo definirá. Su obra es la obra de arte por excelencia.
Diego Rivera
Esta frase de Rivera comenzó una tradición a partir de la década de los veintes: la relación entre José Guadalupe Posada y Francisco de Goya y Lucientes. Críticos y artistas tales como Anita Brenner, Frances Toor, Pablo O’Higgins, Blas Vanegas Arroyo y Juan de la Encina, hicieron eco de este vínculo en sus textos. Estas relaciones se hicieron a partir de elementos como el uso de la técnica del grabado, el interés por las consecuencias de la guerra, la crítica social y un toque de sátira. Estas características les dieron a ambos el reconocimiento de su obra como íconos de México y España respectivamente. No sólo Posada fue relacionado con el grabador español, Juan de la Encina identificó tres categorías estéticas en la obra de Goya: la gracia, lo dramático y lo grotesco o feo artístico, y extendió la relación de estos valores estéticos que nombró lo “goyesco”, a la obra de artistas como Diego Rivera, Clemente Orozco, Francisco Goitia, David Alfaro Siqueiros y otros.
Este mito se mantuvo latente hasta la actualidad y dio pie a propuestas como: Proyecto Goya Posada. En el año 2002 se conmemoró el 150 aniversario natalicio del artista mexicano. Para esta celebración, el CONACULTA con apoyo de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y el Gobierno del Estado de Aguascalientes, realizaron una serie de actividades culturales en homenaje al artista. Como parte del evento, se convocó a un grupo de treinta y dos artistas y diseñadores para realizar una serie de carteles que ilustraran la relación entre la obra del artista español y el mexicano. Esta exposición presenta una selección de los carteles elaborados en dicho proyecto, en los que se articula el vínculo Goya-Posada, desde la iconografía o de manera conceptual. En los carteles no sólo se retoman personajes y escenas de los grabadores, sino que se actualiza el interés por el contexto político y social de ambos.
Ya que las fuentes no han evidenciado una relación concreta entre Goya y Posada, más allá de la comparación entre la técnica, la temática y la visualidad de las obras, de cada artista, proponemos este Proyecto como materialización del mito que los relaciona.
Texto y curaduría: Karen Arellano / Luz Elena Rico
LA MATERIALIZACIÓN DEL MITO
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En tan sólo unos cuantos años la obra de Jesús Jiménez ha experimentado una reconfiguración drástica respecto de sus intereses formales. Al inicio de su trayectoria la fotografía le permitió sintetizar ejercicios de ocupación del espacio. A través de ellos manipuló conjuntos finitos de objetos similares, organizados según sus posibilidades plásticas, además de someter a prueba la resistencia de sus componentes. Un interés particular por jugar con intervenciones efímeras complementó sus primeras series, Ágora y Game Over, al involucrar elementos tan maleables como el agua o el polvo.
Con Anagramas matemáticos, Jiménez da un salto hacia otros códigos de la representación en el arte, abrazando el video y su presentación como instalación o los procesos artesanales vinculados a los textiles, sin romper su vínculo con la fotografía. El detonador es un acontecimiento violento que fracturó el curso de la vida del artista: ser sujeto de un secuestro y sobrevivir al cautiverio. Él mismo ofrece una respuesta retrospectiva con un conjunto de obras donde la repetición de una serie numérica simple, su acumulación y yuxtaposición, abren posibilidades creativas al usar su reproducción, así como el uso de diversos sustratos, como un compendio en abstracto del proceso vivido.
Previo a dicha circunstancia, Jiménez comenzó a realizar aproximaciones a la gráfica a través de una serie de dibujos mecanoescritos y su reproducción ininterrumpida. El uso de calculadoras de escritorio alimentadas con rollos de papel otorgó un soporte desde el cual un gradiente se convierte en gobelino, en una serie grafismos inquietos, acaso nerviosos, en variaciones tonales mínimas o el recipiente de una taracea sobre la cual el artista pacientemente dibuja y acumula proyecciones geométricas, calcomanías de autenticidad y más números.
Estos vasos comunicantes establecidos a partir de un gesto cotidiano, una acción implícita en las actividades comerciales de todo el mundo, se redondean con la serie fotográfica Dinero. Rollos de billetes sintetizan cantidades derivadas de una operación de intercambio de dólares a fracciones de pesos en diversas denominaciones de papel moneda. El cambio en la escala y en el ángulo de la toma insisten en cuestionar su aparente neutralidad, el silencio de ciertas transacciones detrás de las cuales se desconoce, o se elude, el origen de ciertos capitales y el modo en el cual se “blanquean” en el voraz sistema de transacciones anónimas o encubiertas que todos los días transitan por instituciones bancarias establecidas, o no, para alimentar un sistema paralegal, evasivo e impune.
Fragmento de texto de: Irving Domínguez, curador de la exposición
ANAGRAMAS MATEMÁTICOSJesús Jiménez
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MANOS DE NUESTROS PUEBLOS
Surge con la intención de fomentar y fortalecer una cultura artesanal.
La exposición se presentó con breves reseñas de las artesanías en general y la descripción de las técnicas artesanales, materiales utilizados, región de origen e importancia de diferentes objetos representados físicamente en el referido espacio, así como los datos biográficos del artesano autor de la pieza.
Con la finalidad de promover y difundir al sector artesanal se reunieron en la exposición más de 60 piezas artesanales representativas de todas las ramas, etnias y regiones del Estado de Michoacán. Cada obra ha sido elaborada por artesanos reconocidos como Grandes Maestros por parte por las instancias relacionadas con este sector, a través de galardones que así lo acreditan.
En el marco de la permanencia de la exposición, se contó con visitas guiadas ofrecidas por elementos que pertenecen al Instituto del Artesano Michoacano. El personal se encuentra altamente capacitado y cuenta con el conocimiento y experiencia para ofrecer información y costos de cada una de las piezas exhibidas.
Texto: Arq. Miguel Tejeda
Colaboración con el Instituto del Artesano Michoacano
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Colaboración con el Instituto del Artesano Michoacano
Exposición que se desarrolló en el marco de la entrega de los premios del IV CONCURSO NACIONAL DEL REBOZO. Se pudo apreciar la selección de piezas ganadoras, así como más de 300 piezas participantes del certamen que representan a diversos estados con producción artesanal en la materia textil y con gran tradición en la elaboración y diseño de rebozos.
IV CONCURSO NACIONALDEL REBOZO 2017
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POÉTICAS DE LA NATURALEZA
Conformada por pinturas y libros de artista que son el resultado del proyecto titulado “Poéticas de una naturaleza amenazada en México”. El libro de artista como soporte de la obra permite trabajar con diferentes materiales y formatos además de que admite aplicar las más variadas técnicas. Así, la incorporación de nuevas cualidades plásticas, gráficas y estéticas incrementan sus propiedades.
La temática versa sobre especies, tanto de flora como de fauna –la mayoría endémicas de México–, que se encuentran en situación de amenaza o en una severa circunstancia cercana a la extinción.
La disminución de la biodiversidad y sus fenómenos es una de las consecuencias más alarmantes de la crisis ecológica, por su dimensión. Hay que tener conciencia de que el equilibrio y la resistencia de los ecosistemas aumenta en la medida en que hay mayor biodiversidad; la desaparición de especies rompe la red eco-sistémica y la hace más débil.
Es urgente que todos tengamos conocimiento de la trascendencia que tiene México en el equilibrio ecológico global.
Desde todas las áreas del quehacer humano, incluido el arte, se deben sumar esfuerzos en defensa de la vida. Debemos tener conciencia y estar orgullosos de las grandes riquezas que México nos ofrece, pero también estar dispuestos a protegerlas y conservarlas.
Texto: Filomena R. C. Grácio
Filomena R. C. Grácio
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La obra de Humberto Valdez se inscribe dentro de una sólida tradición y un proceso constante de reinvención a lo largo del siglo XX en México. Destaca la escritura directa, instantánea, fluida y espontánea, precisa, emergente y voraz, que responde a una necesidad animal en sus desafíos.El artista, originario de Zacatecas, ha configurado su imaginario en su proceso de creación de los últimos años y explica que ha sido el retorno hacia varios elementos: encausto, pigmentos, cintas, carbón, agua, tintas, fuego, lo que trabaja en distintos momentos.En algunas piezas es posible ver múltiples capas, escenas que se superponen, y eso implica toda una multiplicación de mensajes y de sentidos. Señala que este retorno no es inocente, pues en la obra no hay fondos suaves o figuras amables, sino trazos fuertes.
La muestra Rojo Desierto es una colección de dibujos, grabados, cerámica, e instalación conformando un conjunto complejo y extraordinario que mezcla lo onírico, lo transgresor, el horror al vacío y el gusto por la exploración. Las texturas, formas y colores conforman un mensaje violento con cargas nostálgicas, aportando otra lógica y posibilidades para abordar el orden de los discursos gráficos tradicionales.
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Las cuarenta y siete reproducciones se dividen en unas que ilustran las supersticiones culturales y tradicionales, y otras que reinterpretan y critican dichas tradiciones. El primer grupo exhibe las dos tendencias principales que informan una superstición: suscitar y alentar la buena suerte en los ámbitos de la salud, el dinero y el amor, o proteger contra consecuencias negativas para la salud, el dinero y el amor. Estas últimas resultan de la aplicación de la lógica y el pensamiento crítico a unas tradiciones basadas en la fe, el miedo y la esperanza.
Muchos artistas han utilizado esta temática para confrontar críticamente lapsos percibidos en la lógica, la realidad, la verdad y los hechos. Ciertos artistas opinan que, sea por religión o superstición, dichos conceptos se utilizan para manipular y explotar a una población ignorante. Aportan una narración personal y anecdótica a sus exposiciones. Esbozadas desde una perspectiva resentida, las reproducciones afrontan el pasado con humor, tristeza, molestia y aceptación.
Estamos inmersos en las creencias culturales transmutadas de las religiones más antiguas. Muchas tradiciones han sido absorbidas mientras que su origen se ha perdido en el tiempo.
Estas series de reproducciones pueden aportar consuelo a través del reconocimiento, provocando un recuerdo, pueden suscitar una discusión o provocar una risa, pero innegablemente se trata de un tema humano que además forma parte de la discusión sobre la condición humana.
Coordinación de proyecto: René Arceo
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K’UINCHECUA
Florence Leyret es una artista nacida en Francia y adoptada por Michoacán. Después de una larga estancia en Nueva York, decidió residir en Pátzcuaro. Desde entonces su trabajo fotográfico se ha centrado en el registro de la riqueza cultural y artística del pueblo P´urhépecha.
En la obra de Florence -a quien Don Gregorio Campos, de la Isla de La Pacanda, renombró como Tsïtsïki- vemos retratos que muestran una técnica madura y un excelente manejo de la composición. Sin embargo, rebasan lo meramente estético: sus fotografías tienen una carga artística, histórica, antropológica y didáctica, que las convierte en un referente visual contemporáneo de esta importante cultura. Sus imágenes contienen múltiples lecturas, pero para ella su obra es principalmente un homenaje; una forma de honrar la belleza y fortaleza de una cultura ancestral, que se fusionó con una cultura impuesta, pero que ha sabido conservar hasta la actualidad gran parte de su cosmovisión. El sincretismo resultante impresiona por la profundidad de sus significados, y por la compleja, completa y arraigada función comunitaria. Cada fotografía tiene detrás una historia de compromiso social, comunión colectiva y un gran orgullo por la herencia P’urhépecha.
Texto y Curaduría: Erandi Avalos y Tata Pedro Victoriano Cruz
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GUMILYOV
Gumilyov no solo fue un talentoso poeta y ensayista, sino también uno de los principales investigadores de África a principios del siglo XX. Hizo dos expediciones a Abisinia (Etiopía moderna) y llevó al Museo de Antropología y Etnografía de San Petersburgo (Kunstcamera).
El proyecto curado por Mikhail Pogarsky y Vasily Vlasov redescubre al poeta, viajero, antropólogo, nómada, peregrino, geógrafo. Diecinueve artistas de Rusia, México y Italia participaron respondiendo a las condiciones editoriales, produciendo un libro en tres folios cada uno bajo de un formato específico de Livre d’Artiste implementando las técnicas de impresión tradicionales y alternativas, como la litografía, serigrafía, aguafuerte, stencil, chine collé, collage. Tres autores realizaron piezas únicas de arte-objeto. En la exposición estuvieron presentes cuarenta siete piezas en gráfica y libro-objeto.
Coordinación de Proyecto: Ioulia Akhmadeeva / María de los Angeles Valencia Colín.
Poeta - Viajero
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LA FÓRMULA MÍNIMA
Manuel Velázquez ha realizado posgrados y es profesor de Pintura en la Universidad Veracruzana donde él estudió. Escribe constantemente textos críticos y de reflexión, organiza actividades educativas independientes y a nivel institucional, ha cumplido con importantes ciclos: fundador y dos veces director de El Jardín de las Esculturas, un espacio estatal multidisciplinario. Posteriormente, fue Subdirector de Planeación, Seguimiento y Evaluación en el Instituto Veracruzano de la Cultura. Actualmente dirige una galería en la que sostiene oportunidades de conocimiento para público y artistas, en un afán de concientizar que el artista visual también debe vivir de su trabajo.
Las dimensiones extremosamente opuestas son parte de sus realizaciones, así como el énfasis en las relaciones de color, valoración de luz y sombra, módulos, la relación entre lo uno y lo múltiple, la reiteración de la percepción visual, la reflexión entre la primera mirada y la atención sostenida, así como el uso experimental del espacio y de volúmenes diversos.
En la exposición La Fórmula Mínima se perciben las premisas de los materiales no con el afán de experimentación y en esto se centra en especial en los materiales naturales: madera, graffito, barro y en cierta medida cera; mismos que acompaña con medios acrílicos. El artista satura el grafito con graffito. Utiliza la madera como soporte pictórico, dibujístico, escultórico -de esculturas que reciben un masaje de barro, de grafito, de cera y de otras materias.
Texto y curaduría: Graciela Kartofel.
Manuel Velázquez
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Los proyectos de referencia nacional o internacional se realizan muy cuidadosamente, de manera detallada, para que puedan articularse y ejecutarse en tiempo y forma con los calendarios e intereses del Centro Cultural Clavijero, y de las instituciones nacionales o internacionales que buscan la proyección de sus exhibiciones.
Para estas exposiciones se realiza una evaluación profunda de factibilidad y viabilidad de distintos proyectos a los que se puede acceder, mediante la gestión oportuna y precisa de los equipos de trabajo involucrados.
Las exposiciones de carácter nacional e internacional buscan preservar, promover y difundir el patrimonio y la diversidad cultural. A través de estos proyectos exhibitivos, se intenta incrementar las acciones para un mayor conocimiento y difusión del patrimonio, desarrollando programas de exposiciones así como actividades y servicios complementarios para promover el aprecio, conservación, deleite, contemplación, educación y apreciación de las artes.
Proyectos EXPOSITIVOS DE CARÁCTER NACIONAL E INTERNACIONAL
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XIV BIENAL INTERNACIONAL DE CARTEL EN MÉXICO
Con una convocatoria de 5,271 obras recibidas, la exposición compila a los 326 carteles que conforman la selección oficial de la 14ª Bienal Internacional del Cartel en México. A través de sus colección se vive tanto la experiencia de la muestra internacional de diseño que autores de más de 50 países nos ofrecen con sus obras.
Ya es tradición que el proyecto sea itinerante en casa edición primero en el Museo Franz Mayer, después al Museo Arocena en Torreón, Coahuila y cierre su recorrido nacional en Morelia, La colección está conformada por 333 carteles la BICM, es un referente de encuentro y colaboración entre diseñadores, estudiantes y profesionales del mundo entero. Cada dos años, todos estos agentes creativos confluyen en este programa de educación y promoción de cultura en torno al diseño.
En esta edición, la bienal mexicana presentó cuatro categorías, la de mejor cartel impreso 2014/2016, fue la más popular con un total de 2356 carteles; la de carteles por los derechos humanos de las personas en la migración cerró con 1343 trabajos; la relativa a carteles de imagen editorial cuenta con 545 carteles, y finalmente la de carteles por la conservación de la biodiversidad con 1027.
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Daniel Lezama es un pintor muy reconocido en México y con proyección internacional. Su producción visual ha sido exhibida en importantes museos y ampliamente analizada y comentada en múltiples publicaciones. En esta ocasión, la muestra reúne una selección reciente de pintura y gráfica (monotipos) del artista. Dispositivos alude al hecho de que cada cuadro contiene relatos en los que las figuras y los escenarios, representan elementos de generación y transmisión de energías en el plano de la ficción. Uno de los temas nucleares en el conjunto de obra es la visión de la luminiscencia, la cual se encuentra relacionada con el cumplimiento imaginario de una historia acerca de la comunidad humana y social, organizada bajo el signo del vitalismo experimentado al máximo.
Fragmento de texto de Erik Castillo
DISPOSITIVOS Obra Reciente de Daniel Lezama
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ANILLOS CONCÉNTRICOS
Anillos Concéntricos, una exposición de arte contemporáneo que presentó la obra de diversos artistas en diálogo con objetos y procesos artesanales. Con esculturas, fotografías e instalaciones de Paloma Torres, Aron Demetz, Héctor Velázquez, Javier Marín, Kiyoto Ota, Pablo Boneu y artesanos de la región de Michoacán, se celebra la relación entre el arte contemporáneo y los procesos.
El ser humano al centro de su universo, descubre y desarrolla procesos, creando una serie de estructuras físicas sociales y espirituales que lo fortalecen y lo protegen.
El proceso creativo seguramente pertenece a la formación de las estructuras sociales desde los inicios de la historia del ser humano. El primer trazo sobre una piedra con un carbón o pigmento recién descubierto, es posiblemente el origen de la de la civilización, de la idea de ritual e inclusive el origen del mito; dando inicio al desarrollo de una comunidad con un lenguaje y una mitología común, que más adelante se denominaría sociedad.
Es entonces innegable que hoy en día el arte contemporáneo siga acudiendo a esos procesos tradicionales (y otros que resultan del desarrollo de las múltiples tecnologías actuales). Sin embargo, el proceso sigue siendo el que da origen a la creación.
El proceso es para quien lo realiza, una serie de instantes que colocan al creador en momentos sucesivos que son y dejan de ser. La vivencia es contemporánea al proceso que en determinado momento concluye en una obra. La obra, o pieza terminada, es solo el testigo de un proceso que ha concluido, que se puede analizar y que permite al espectador desarrollar su propio proceso analítico que le sigue colocando en esa posición de lo contemporáneo.
Así los procesos creativos de cada producto, acuden a lo más antiguo de nuestra existencia como civilización, a su vez son instrumentos de nuestros procesos individuales.
Curaduría: Terreno Baldío Oficina de Proyectos,
Javier Marín y Eduardo Mier y Terán
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DOCUMENTAR, CONTAR, MENTIR
La exposición Documentar, contar, mentir nace de la invitación de Lili Michaud de la Galería Occurrence, centro de arte y ensayo de arte contemporáneo de Montreal, para darle una atenta mirada y remarcar las tendencias más representativas de la escena fotográfica de Quebec desde el año 2000.
Documentar, contar, mentir se compone por el trabajo de veinte de fotógrafos y sigue una línea conductual producida por Occurrence, ofreciendo una vista sobre la fotografía quebequense de 1980 a 2000. Entre los años 2000 y 2002 se presentó en México en tres lugares diferentes la exposición titulada Encuadre, escena, sitio, donde también fuimos comisarios, que consistió en la muestra del trabajo de veinticuatro fotógrafos quebenquenses. A diferencia del panorama anterior, esta segunda versión nos muestra que ya no se puede, como fue el caso en ese momento, clasificar el trabajo artístico en términos de categorías. Aunque las vías formales e ideológicas utilizadas por los fotógrafos en los últimos años no son exclusivas, sino que son elementos que convergen en la obra. Una obra no puede, al parecer, insertarse bajo una misma línea por que se encuentra en ella elementos característicos de varios otros. Es por eso que preferimos utilizar el término “vector” en lugar de categoría para calificar los conjuntos que hemos formado. Sin embargo, entre muchos fotógrafos, el enfoque de serie y la narrativa es evidente. Entonces las obras documentan, dicen y mienten.
Los artistas: Raymonde April, Jessica Auer, Nicolas Baier, Gwenaël Bélanger, Michel Campeau, Bertrand Carrière, Jacynthe Carrier, Serge Clément, Maryse Goudreau, Pascal Grandmaison, Milutin Gubash, Isabelle Hayeur, Emmanuelle Léonard, Alain Paiement, Roberto Pellegrinuzzi, Andreas Rutkauskas, Carlos et Jason Sánchez, Chuck Samuels, Guillaume Simoneau, Ève K. Tremblay.
Curadores: Sylvain Campeau y Mona Hakim.
Fotografía de Quebec
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PRIMERA FOTÓGRAFA DELA REVOLUCIÓN
A principios del siglo XX, la fotografía mexicana se desarrollaba a partir del retrato personal y de grupos, la producción de postales sobre paisajes y motivos costumbristas, así como en el surgimiento del fotoperiodismo a partir de la inserción de fotografías en diarios y revistas ilustradas.
En un panorama laboral dominado por varones, algunas mujeres empezaron a destacar en el oficio. Entre ellas, Sara Castrejón, quien abrió un estudio en la ciudad de Teloloapan, gro. En abril de 1911, cubrió la toma de Teloloapan por los maderistas, con lo que inició una trayectoria que la convertiría en la primera mexicana en fotografiar la Revolución y tal vez, una de las primeras mujeres en fotografiar un conflicto armado, a nivel mundial.
Sara Castrejón tomó fotografías a los integrantes de todos los bandos revolucionarios y gobiernistas que pasaron por su ciudad natal, cubriendo cada etapa de la lucha armada durante la Revolución Mexicana. Al término de la Revolución, siguió con su actividad, hasta su muerte, en el año de 1964.
La conciencia documental de Sara cumple con su objetivo de recrear algunas tomas y vistas fundamentales de Teloloapan y sus alrededores. Sin embargo, también recurre con cierta frecuencia a la construcción de sofisticadas puestas en escena que nos remiten al diálogo de la fotografía con la pintura histórica como punto de referencia clave para comprender la lógica de lo representado. Sara Castrejón constituye un ejemplo extraordinario de una fotógrafa que desarrolló un amplio trabajo en un gremio dominado abrumadoramente por los varones y en un universo de gran violencia como lo fueron los acontecimientos armados.
Texto: Samuel Villela.
Curaduría: Fernando Ondarza.
Sara Castrejón
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STREGHE E INCATESIMI
Nacido en Morelia en 1970, Gildardo Gallo es fotógrafo artístico y de moda que desde 1999 radica en Florencia, Italia, lugar en el que ha desarrollado una interesante carrera con casi 20 años de trayectoria. Estudió Diseño gráfico, posteriormente fotografía y en Europa, realizó una maestría en Fotografía publicitaria e iluminación. Sus primeros trabajos en Italia, fueron como asistente de producción con otros fotógrafos, y en 2003 abrió su propio estudio que se llama Zona-X. Ha fotografiado para marcas y revistas mundialmente reconocidas como: Roberto Cavalli, Vogue, Marie Claire y Harper’s Bazar, entre otras.
La exposición se encuentra conformada por una serie de 20 fantásticas fotografías en gran formato, realizadas bajo una nueva producción de Gildardo Gallo, ex profeso para Centro Cultural Clavijero. Streghe e Incantesimi o Brujas y Hechizos es el nombre de la exposición, es una serie de 10 fotografías de brujas acompañadas de 10 hechizos que representan el color, la alquimia, los encantamientos, el amor, entre otros. La muestra se basa en una investigación en torno al periodo del oscurantismo, previo al renacimiento italiano en donde las mujeres buscaban tener mayor libertar para actuar y pensar. Estas mujeres que tenían intensiones de que ahora entendemos como superación personal y toma de decisiones propias, estaban bajo la sombra de los hombres. En la presente exposición verán la fuerza, encanto, hechizos y pasiones que desbordan cada una, mostrando un trabajo técnico impecable por parte del fotógrafo Gildardo Gallo.
Coordinación del Proyecto: Juan Pablo Arroyo Abraham.
Gildardo Gallo
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DE LA TIERRA AL CIELO
“De la Tierra al Cielo. Cien Años con Julio Cortázar.” Un proyecto de Rogelio Cuellar y María Luisa Passarge, es una exposición que se conformó por cinco Rayuelas formadas cada una por once casillas, es decir, once obras, además de un mosaico de fotografías, así como un dibujo de una rayuela por cada uno de los artistas participantes. La exposición se ha presentado en ciudades como Veracruz y CDMX, así como en países sudamericanos como Colombia, Argentina,Bplivia, Guatemala, etc., con motivo de la celebración de los 100 años de Julio Cortázar y los 50 años de una de sus obras cumbre “Rayuela”. En este proyecto participan 55 artistas destacados a nivel nacional e internacional como: Vicente Rojo, Roger Von Gunten, Damian Flores, los hermanos Castro Leñero, Jordi Boldó, entre muchos otros.
Curaduría: María Luisa Passarge.
Cien Años con Julio Cortázar
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EL CENTRO ÚNICO
En el presente, los procesos de nuestro cuerpo se han convertido en “lo corporal”; es decir, la célula dejó sus ciclos naturales y éstos se hicieron sociales; asimismo, la palabra, construida con nuestra mente, encarnó en los tejidos, órganos y sistemas internos. En resumen, el producto de la mente –vamos, lo que la mente produce–, se hizo carne (“lo corporal”) en la sociedad posmoderna como fruto de la historia social y cultural.
Ante la catástrofe que produjo el racionalismo del siglo XIX y XX, Cano nos da una lección: fue al espacio corporal, que es la síntesis de la memoria social, y viajó en ese espacio geográfico que es el cuerpo humano para mostrarnos que dejó de ser cuerpo y nos regala “lo corporeo”, esa expresión estética que hace la mente humana cuando crea.
Estamos ante un pintor que es una realidad, con un estilo que no almacena, porque descubrió que el cuerpo humano no está diseñado para guardar, su génesis está sostenida en el movimiento permanente, guardar es el principio de muerte, y Cano está por la vida, donde todo fluye. Para lograr esto se necesita vivir el aquí y el ahora, donde la mente no se apega a nada y por lo tanto no existe el sufrimiento. Sólo enseñanzas en cada trabajo.
Se puede coexistir ante la decadencia de propuestas sordas o abortos estéticos que culminan en un espacio del olvido colectivo, por eso, el valor de una obra radica en que ésta debe comunicar algo, lo que sea, que pueda tocar alguna fibra del espíritu, y entonces el círculo se abre y se hace una espiral. Así me sucedió con la obra de Édgar Cano, una obra que permite a mentes y espíritus abrir la esperanza de sentir con el cuerpo antes que con la razón. Lo demás al tiempo.
Fragmento de texto: Sergio López Ramos.
Edgar Cano
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LOS FRAGMENTOS DE LA RUPTURA
La Ruptura se gesta a mediados del siglo XX, gracias a una generación que contribuyó a renovar la plástica y sus modos de percepción, al explorar nuevos derroteros artísticos, gestionar proyectos, dirigir galerías y suscitar una crítica innovadora. Su denominador común fue la oposición a la Escuela mexicana de pintura, cuyos parámetros ideológicos y estéticos (un realismo tendiente a la denuncia social) estos jóvenes consideraban obsoletos.
Esta corriente rompe con la recurrente temática nacionalista, indigenista y social para dar paso a expresiones subjetivas que reflejaban imaginarios, sentimientos o ideas aisladas. Los artistas que formaban parte de este movimiento han de apreciarse en su individualidad, ya que cada uno buscaba explorar un orden plástico particular, acorde a sus aspiraciones íntimas. La Ruptura no se desarrolló gracias a acciones predeterminadas de un colectivo, sino a la respuesta unánime de diferentes artistas que compartían el mismo tiempo histórico y el espacio urbano. Por este motivo, es preciso resaltar el contexto en el que sobresalió cada artista, por lo que se dedicará de manera aislada a cada cual un texto que especifique de forma sintética sus principales contribuciones al movimiento, al arte mexicano o los posibles vínculos con los espectadores de ayer y de hoy.
La exposición se realiza en el marco del Décimo Aniversario de Centro Cultural Clavijero, ubicándose en la sala 6 de la planta alta. Las 33 obras que se presentan en Los Fragmentos de la Ruptura, Colección del Museo de Arte Moderno, se han seleccionado del acervo del Museo de Arte Moderno, con una curaduría de Bernardo Sánchez-Navarro Iturbe pensada para el Centro Cultural Clavijero. Una extensa variedad de obra entre pintura, gráfica, escultura, fotografía de la talla de artistas como: Alice Rahon, Cordelia Urueta, Lilia Carrillo, Helen Escobedo, Felipe Ehrenberg, Vicente Rojo, Francisco Toledo, José Luis Cuevas, Roger von Gunten, Juan Soriano, Gunther Gerzso, Carlos Mérida, Mathias Goeritz, Kazuya Sakai, Arnaldo Coen, Armando Salas Portugal, Manuel Felguérez, Vlady, Fernando García Ponce, entre otros.
Curaduría: Bernardo Sánchez Navarro Iturbe.
Colección del Museo de Arte Moderno
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TECNOLOGÍA, ARTE E HISTORIA
En un presente en que la imagen invade todos los momentos del día a día, la propuesta de esta exposición es repensar a las imágenes desde un profundo sentido que se abre a funciones múltiples frente a públicos diversos. En los pliegues del alma del creyente, las imágenes juegan un papel importante como activadoras de su devoción. En otros individuos la imagen evoca relatos, y en terceros, apela a la apreciación de sus intensos valores estéticos e históricos.
La apreciación de estos valores se ha dado por medio de la construcción de una historia del arte -producto de una intensa centralización del país-, que se organizó a partir de los parámetros establecidos por medio de las obras y de los pintores que desarrollaron sus actividades en la ciudad de México o en Puebla de los Ángeles. Insistir en la vitalidad y presencia de las regiones de México en todos los aspectos de la vida nacional es una parte importante de esta muestra.
Con esta finalidad, queremos dar a conocer una escuela vallisoletana de pintura, que tuvo relación con Pátzcuaro y Querétaro. Los pintores locales trabajaron para los clientes de la ciudad episcopal, la antigua Valladolid de Michoacán, su catedral, cabildo, cleros regular y secular, así como las iglesias, capillas y conventos que la poblaron. La convivencia de las obras de maestros reconocidos del arte de la pintura en el centro de México con pintores locales conforma un paisaje artístico diverso, que debemos comprender para poder apreciarlo y conservarlo como merece.
Telas, colores, pinceles en movimiento generaron en su momento devociones y emociones. Posiblemente hoy también revelen las huellas que el tiempo -despiadado e impenitente- ha dejado en ellas. Imágenes, emociones y evocaciones que forman una parte de la memoria de Michoacán, a la que debemos el mismo cuidado y respeto que se brinda a nuestros mayores. Conjunto venerable que seguirá siendo vestigio de nuestro pasado histórico y cultural y testigo de nuestra vocación por la preservación de nuestro patrimonio, solamente si así lo decidimos como sociedad.
Curaduría: Dra. Nelly Sigaut y Dr. Hugo Armando Félix Rocha.
Las Imágenes de Piedad en el Obispado de Michoacán
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LA MEMORIA EN PAPEL
Dar un paso en la tierra deja una huella. Recorrer el papel con una pluma cargada de tinta también. Ambas, la tierra y el papel han sido el terreno fértil para la memoria del hombre. Memoria hecha de triunfos y sueños, aspiraciones y deseos, fracasos y pesadillas. Esta intrincada madeja tejida por las acciones de los hombres en su devenir histórico se materializa en una cultura visual.
Atesorada durante siglos. La memoria en el papel es, sin embargo, frágil y perecedera. Por eso se duplica, se repite y retumba como un trueno, como un espectáculo sublime de la creatividad de la mente humana.
Se escribe para contar, enumerar, recordar e interpretar hechos y acontecimientos de nuestra vida individual y social. Las fábulas del pensamiento se representan para crear una ilusión, sacar del pozo profundo de los afectos los mejores sentimientos y los mayores horrores de los que es capaz el espíritu humano.
Escribir, copiar, repetir, duplicar, multiplicar. Síntesis del complejo proceso que presentamos: de la hoja al libro. Base de una memoria que reconoce la pertenencia a un pasado común. Síntesis de una memoria que reconoce la pertenencia a un pasado común. Sólida construcción sobre la que se alza el sentido de identidad de un grupo, que comparte a través de la grafía y el papel, una comunidad de significados simbólicos.
La imagen escrita o dibujada, trae y lleva ideas, las siembra, las cosecha y vuelve, –en un ciclo fascinante como la vida misma – a buscarlas renovadas y ampliadas, rechazadas o prohibidas. La imagen escrita o dibujada –textos posibles e infinitos como infinitos lectores tenga – me constituye en ser humano libre y pensante, gloria infinita para la reflexión y el sueño colectivo.
Coordinación de Proyecto: Ignacio Tena.
Colección del Museo Franz Mayer
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1001 ROSTROS DE MÉXICO
Para la exposición se seleccionaron 123 objetos entre máscaras, parafernalia de danza, dibujos y fotografías que nos invitan a conocer diferentes orígenes y simbolismo. El guion introduce al visitante en el contexto universal de la máscara y sus orígenes en el chamanismo. Al centrarse en las máscaras en México, se les contextualiza como parte del arte vivo y arte ritual de las fiestas y danzas desde la época prehispánica a nuestros días.
Realizando un breve recorrido histórico, se describen los grupos de danzas más representativos, seguido de una selección de personajes constantes cuyos rostros nos permiten ver la diversidad a través de un acercamiento más estético y artístico. Incluimos una sección de máscaras decorativas, expresión surgida del coleccionismo y turismo, cuyo descubrimiento y análisis inicial se atribuye a la Dra. Lechuga. Finalizamos con el mundo del mascarero, sus materiales, entorno, herramientas y creatividad.
A través de esta exposición el Centro de Estudios de Arte Popular Ruth D. Lechuga del Museo Franz Mayer rinde homenaje a la Dra. Ruth D. Lechuga, con el fin de difundir y compartir con el público la extraordinaria colección de Arte Popular que legó al pueblo de México.
Curaduría: Dra. Marta Turok.
Coordinación de Proyecto: Ignacio Tena.
Máscaras de la Colección de Ruth D. Lechuga
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Colección Museo Nacional de la Estampa
Las relaciones entre literatura y artes visuales son tan vastas como antiguas en la historia del arte. En múltiples sentidos, texto e imagen se entrecruzan, complementan y sirven mutuamente como referencias creativas y modelos de representación. La gráfica y el dibujo han jugado un papel fundamental en la definición de géneros como la obra literaria ilustrada o la historieta. Antes y después de la invención de la imprenta han proliferado ediciones y libros ilustrados en los que la palabra e imagen se conjuntan en una identidad indisoluble. Basta mencionar como ejemplos a Gustave Doré o Picasso, quienes desarrollaron la ilustración como una de las vetas más representativas de sus carreras artísticas.
La fascinación de Francisco Toledo por el libro y el texto ha permeado su quehacer artístico. El Manual de zoología fantástica, de Borges, o bien la obra de Kafka, Informe para una academia, han sido obras magníficamente ilustradas o reinterpretadas por el artista oaxaqueño en años anteriores.
El hallazgo de un ejemplar de la edición Traducción de las fábulas de Esopo para el uso de los jóvenes que cursan la cátedra de latinidad en el Colegio Seminario, impresa por Ignacio Rincón en Oaxaca en 1849, dio origen, en el 2013, a un proyecto artístico y editorial impulsado por el propio Toledo y María Isabel Grañén Porrúa.
Esta iniciativa dio origen a la presente serie de grabados que el artista realizó en distintas técnicas calcográficas sobre planchas de zinc y cobre, a partir de las fábulas del autor clásico reunidas en aquella edición de 1849 hallada por el impresor Juan Pascoe en la ciudad de México. La presente selección forma parte ya de los acervos del Museo Nacional de la Estampa, gracias a la generosa donación que hiciera el maestro Francisco Toledo al Instituto Nacional de Bellas Artes en el 2014, en el contexto de la amplia muestra que, sobre esta serie de estampas, se presentara hace unos años en Oaxaca, Puebla, Aguascalientes y en la Ciudad de México.
FRANCISCO TOLEDO:FÁBULAS DE ESOPO
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SIGNOS DE NUESTROS TIEMPOS
Los artistas tienen esta capacidad de sentir el mundo que nos rodea y de ahí expresarlo con una necesidad incorruptible de interpretarlo o descifrarlo. A nosotros los espectadores nos toca leer estos códigos y sensibilizarnos a estos señalamientos o comentarios del mundo que nos rodea y preocupa.
Con más de 60 obras, Signos de nuestros tiempos se presentó en Centro Cultural Clavijero como una exposición colectiva de jóvenes creadores mexicanos o radicados en nuestro país, que entrelaza diversas propuestas artísticas en torno a tres temas de relevancia actual: la migración, el narcotráfico y la destrucción del medio ambiente.
Fenómenos como la globalización de las relaciones político - económicas y los consecuentes procesos de regionalización han golpeado el ánimo de la población, alimentado la violencia, el terrorismo y el desbalance económico mundial. El adelgazamiento de las fronteras, los traslados masivos y la hibridación de las culturas han llevado al cuestionamiento de las narrativas de la propia historia de la humanidad.
La verdad incómoda, pero es necesaria y sana para que una sociedad mejore. Signos de nuestros tiempos es una exposición que intenta mostrarnos 3 problemas sociales con situación de urgencia que a todos nos son pertinentes, y de los cuales todos somos responsables.
Gracias a la generosidad del coleccionista José Pinto Mazal, hoy nos llega una gran muestra de artistas contemporáneos, cuyo discurso no es otro más que decir lo que sienten. Nos hacen más sensibles y nos llevan a reflexionar sobre nuestra casi siempre pasividad ante el mundo que nos rodea.
Curaduría: Gerardo Traeger.
Colección Pinto Mazal
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TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN
González de León siempre dibujó y lo hizo muy bien: para su arquitectura, sus pinturas, esculturas y muebles. Primero utilizó pequeños bocetos en croquis hechos a mano sobre hojas tamaño carta, algunos sin escala, a lápiz, con líneas suaves de pequeños segmentos continuos, con una sutil textura gráfica. Posteriormente, definía la idea que había esbozado, trabajaba las presentaciones de sus proyectos en láminas grandes, con plantas, cortes y fachadas. Incluía las perspectivas de trazo preciso, elaboraba una primera versión a lápiz en papel albanene; después, la calcaba para la versión definitiva, en este mismo soporte, pero con tinta.
En la actualidad existen pocos dibujos originales de perspectivas de González de León. Los primeros dibujos que se le conocen se fechan en 1945. Fueron realizados en su época de estudiante de arquitectura y revelan, desde entonces, un incipiente estilo de dibujo que iría perfeccionando hasta lograr un carácter particular que abstrae las formas mediante el protagonismo de la línea y el carácter específico de las figuras humanas, el modo de representar la vegetación y su estilo particular para dibujar automóviles.
En la exposición se encontraban algunos de los trabajos que realizó a lo largo de su actividad profesional en el campo de la arquitectura, se logra sintetizar su trabajo en disciplinas como la pintura y la escultura, la síntesis se logra mediante un juego de perspectivas en el que las formas tridimensionales, encuentran la manera de habitar el papel sin perder la profundidad y el volumen. Sus dibujos, más que representar edificios, muestran su manera de concebir el hecho arquitectónico: un ladrillo que construye ciudad, un volumen que aporta espacio público y, lo más significativo, la creación de nuevos paisajes culturales. El cuidado del trazo, la precisión del detalle y la calidad del dibujo, visibles en el conjunto de perspectivas aquí exhibidas, colocan a Teodoro González de León como el artista del dibujo más importante de la arquitectura mexicana del S. XX.
Curaduría: El Colegio Nacional.
Dibujo en Perpectiva y Gráfica Digital
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MÉXICO EN EL PAISAJE
Armando Salas Portugal nace el 29 de mayo de 1916 en Monterrey, Nuevo León, y desde temprana edad comienza a practicar el alpinismo. En 1935 se traslada a Estados Unidos a estudiar Químico Perfumista en la UCLA, en donde se distingue como atleta y nadador. Regresa a México en 1938 y, a partir de entonces, viajar y fotografiar se convierten en sus grandes pasiones. Bajo el lema “Que los mexicanos conozcan México”. En 1944 tiene lugar su primera de tres exposiciones individuales en el Palacio de Bellas Artes, bajo el nombre Paisaje Mexicano. Conoce entonces al arquitecto Luis Barragán y al pintor Gerardo Murillo, Dr. Atl. Al siguiente año realiza su segunda exposición individual. En 1946 obtiene el primer premio en el Concurso Nacional de Paisaje Mexicano, fotografía las ruinas de Chichén Itzá, y realiza su tercera exposición individual en el Palacio de Bellas Artes.
Salas Portugal es el primero en fotografiar Bonampak, Yaxchilán y Palenque. Viaja a Guatemala para fotografiar las selvas del Petén, Tikal y Uaxantúm, y a Honduras para visitar las ruinas de Copán. Fotografía innumerables monumentos arqueológicos para la exposición Obras maestras del arte mexicano, diseñada por Fernando Gamboa para el Museo de Arte Moderno de París, que después se monta en Estocolmo y Londres. Entre 1962 y 1964 viajó a Campeche, Tabasco, Yucatán y Quintana Roo tomando fotos para el nuevo Museo Nacional de Antropología de México. En 1966 su obra ingresa a la Colección Gernsheim de la historia mundial de la fotografía, en la Universidad de Texas. Participa en experimentos de fotografía del pensamiento, en la Universidad de Oxford, Inglaterra, y en la NASA.
La exposición MÉXICO EN EL PAISAJE, cerca de 100 obras de Salas Portugal, mostrando su gran habilidad y elocuencia para la fotografía de paisaje y arquitectura. La exposición se logró gracias a que la Fundación Jenkins tomó la decisión de rescatar la carpeta que contenía el material fotográfico, y se dio a la tarea de restaurarlo para difundirlo y compartirlo con el pueblo de México.
Curaduría: Fernando Ondarza.
Armando Salas Portugal
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OUR BODY. EL UNIVERSO DENTRO
La colección de Our Body es en esencia proyecto de divulgación científica, orientada en dar una visión interior de nuestro cuerpo humano, ilustrada de manera fiel y perfecta, gracias a que mediante un proceso revolucionario denominado plastinación o preservación de polímero es posible diseccionar cuerpos humanos reales con ello poder lograr un acercamiento a la anatomía humana con fines educativos. La exposición contó con más de doscientas muestras conformadas por cuerpos completos y órganos del sistema óseo, nervioso, respiratorio, digestivo, circulatorio, urinario y reproductivo. Todo estuvo museográficamente acompañado de materiales multimedia que fungían como elementos didácticos facilitadores de la labor de estudio del maravilloso cuerpo humano, además de guías y especialistas en la materia que hicieron posible el propósito formativo de la muestra, para todo público, de todas las edades.
Fue un proyecto que se desarrolló dentro del periodo de mayor afluencia turística para el estado, el cual abarcó desde el mes de septiembre y hasta noviembre del 2018, destacando en integración de públicos de distintos ámbitos, gracias que compartió permanencia con eventualidades importantes para la ciudad de Morelia, como el Festival de Cine de Morelia, Noche de Muertos en Michoacán, Feria Estatal del Libro y la Lectura, Festival de Órgano y Festival de Música de Morelia “Miguel Bernal Jiménez”.
Fue posible gracias a la sinergia de la iniciativa privada con las instituciones públicas, participaron dependencias del Gobierno Estatal como Secretaría de Educación, Secretaría de Turismo, Secretaría de Cultura, Secretaría de Salud y la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, Amigos de Clavijero A.C., todos ellos en comunión con la Productora Plan B. Esta alianza de fortalezas fue necesaria para poder hacer posible una exposición de gran éxito en el mundo, reconocida por ser mostrada a más de 35 millones de visitantes, más de 200 ciudades recorridas.
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Colección Altamed Health Services Corporation
La exposición reunió una selección multigeneracional de obras realizadas por artistas chicanos y latinos del sureste de California, todos con orígenes mexicanos. La exposición analiza la manera en que estos artistas exploran el carácter híbrido de su cultura, a través de cinco importantes temas: Diamantes rebeldes del sur, Imaginando paraísos, Extranjeros en su propia casa, Mapeo de identidad y Superando las separaciones en la dualidad cultural. Asimismo, al ampliar la perspectiva de la apreciación del arte chicano y latino más allá de su hogar estrictamente geográfico, esta exposición pone de manifiesto los inexorables lazos que estos artistas tienen con México, y cómo estos lazos transcienden la identidad individual y las fronteras.
Durante 50 años de existencia, el arte chicano, siempre en transformación, se ha conformado a sí mismo como una de las principales corrientes del canon creativo estadounidense. Asentado sobre cuatro culturas –la precolombina, la hispánica invasora, la mexicana y la estadounidense– el Arte Chicano se inspira en estas y se desarrolla a partir tanto de sus raíces como de las décadas de opresión que han sufrido quienes lo practican y sus familias.
Con habilidades altamente desarrolladas y gran originalidad, estos artistas de origen dual, mexicano y estadounidense, dirigieron las miradas hacia la cultura latina, no solo destacando los conflictos con la sociedad anglosajona, sino también alardeando, celebrando y elevando los elementos de la cultura y tradición latinas, que el mundo anglosajón ya no podía ignorar.
Tanto los avances como las dificultades de las últimas cinco décadas han ayudado a dar forma a la evolución del arte chicano y latino. Estos artistas expandieron su expresión creativa y demostraron gran destreza para desarrollar y representar sus mitologías, metodologías y filosofías. Introdujeron una destacada y original escuela en la historia del arte.
Curaduría: Julián Bermúdez
Coordinación del proyecto: Conarte, Secretaría de Cultura Federal, “Se habla español”
CONSTRUYENDO PUENTESEN ÉPOCA DE MUROS
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La Secretaría de Cultura del estado de Michoacán a través del Centro Cultural Clavijero en vinculación con la Secretaría de Cultura Federal e IMCINE emprendieron en Michoacán dos proyectos de alcance nacional que se insertaron en el marco de la Agenda Digital y se alinearon con lo establecido en el Plan Nacional de Desarrollo 2013-2018, en el eje México con Educación de Calidad. Los proyectos fueron: Polos Audiovisuales y Plataforma Digital Cinema México.Con estos proyectos Centro Cultural Clavijero puso en marcha un área de atención y fomento de las prácticas audiovisuales, la cual complementa y fortalece la amplia diversidad de actividades que se desarrollan, y que funcionará como una alternativa de corte académico y de producción. Este espacio complementa, acerca y da la posibilidad al público en general de conocer, formarse, tomar talleres y capacitarse en el área audiovisual, facilitar el contacto de los interesados con artistas, teóricos, conferencistas, ponentes, talleristas nacionales e internacionales.A través de los proyectos de alcance nacional, Clavijero brinda una oportunidad accesible de capacitación y desarrollo, a través de talleres programados con invitados especiales, masters class, conferencias y videoconferencias, residencias, proyecciones, exposiciones y coloquios generando así una alternativa muy valiosa para estudiantes de carreras como cinematografía, fotografía, artes visuales, ciencias de la comunicación, historia del arte, media digital, pero también para los aficionados a la disciplina audiovisual, carreras afines, y público en general.
PROYECTOS DE ALCANCE NACIONAL
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POLOS AUDIOVISUALES
PLATAFORMA DIGITAL CINEMA MÉXICO
Proyecto diseñado por la Secretaría de Cultura Federal e IMCINE que tuvo como objetivo preparar a los participantes para que sean capaces de lograr un acercamiento a la realización de contenidos audiovisuales en un nivel básico, con la temática propuesta para las 32 entidades federativas del país, en las que se realizó este programa de alcance nacional comunitario.
Se fomentó la promoción y gestión cultural, a través de la formación, producción, exhibición e intercambio de materiales audiovisuales, así como el fomento a la creación audiovisual con temáticas de interés local y la exhibición pública de estos materiales. Las temáticas del proyecto fuero: Identidad de la comunidad, Historias de vida, El agua, Tradiciones vivas, Equidad racial y Cómo evitar la violencia de género.
Coordinación del proyecto: Alejandro Sosa
El Centro Cultural Clavijero fue sede de los proyectos: Plataforma Digital Cinema México de IMCINE y Red de Enlace Digital de la Dirección Federal de Promoción, Formación y Desarrollo de la Secretaría de Cultura. Ambos proyectos que se insertan en el marco de la Agenda Digital y se alinean con lo establecido en el Plan Nacional de Desarrollo 2013-2018, en el eje México con Educación de Calidad, que señala en su objetivo 3.3 que a través de estas acciones se amplía el acceso a la cultura como un medio para la formación integral de los ciudadanos, en donde, como parte de la estrategia es situar a la cultura entre los servicios básicos brindados a la población como forma de favorecer la cohesión social.
El proyecto de alcance nacional financiado por Secretaria de Cultura Federal y el Instituto Mexicano De Cinematografía, “Plataforma Cinema México Digital” tiene como objetivo darle una segunda vida a la creación cinematográfica financiada por el IMCINE y difundir otros materiales nacionales e internacionales que han cedido los derechos de reproducción para su exhibición colectiva publica a la plataforma. El otro objetivo se enfoca en la construcción de nuevos públicos cinematográficos, haciendo llegar estas salas equipadas y las proyecciones a municipios donde no hay opciones para acceder a una oferta de cine de calidad.
Coordinación del proyecto: Alejandro Sosa
Alcance Nacional
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La Gira de documentales Ambulante estuvo presente en Centro Cultural Clavijero con una fantástica selección de trabajos. Se presentaron documentales que han sido aclamados en diferentes festivales del mundo, las más recientes producciones en México, películas sobre diversas corrientes y filmes de directores consagrados.
12° y 13° Gira de Cine Documental Ambulanteen colaboración con Festival Ambulante.
Las actividades académicas de profesionalización en colaboración con diversas instituciones y academias, se han presentado para fortalecer el área académica que propone y promueve Centro Cultural Clavijero. Se conoce la importancia de tejer redes colaborativas, que permitan la realización y ejecución de actividades de impacto en tiempos precisos para que la comunidad artística, académica y estudiantil de la localidad, pueda acceder a ellas y ser partícipes de un intercambio de conocimientos constantes con especialistas en distintas áreas como: música, teatro, danza, literatura, medios digitales, artes visuales, entre otras.
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Se llevó a cabo la presentación y revisión de los trabajos de investigación sobre temas de historia del arte, por parte de la Maestría en Historia del Arte generación 2015-2017 y 2016-2018 de la Universidad de Morelia. Fueron más de 12 las investigaciones que se presentaron frente a sinodales especialistas en las diversas áreas de historia del arte. Los temas presentados giraron en torno a la estética, el mercado del arte, el muralismo mexicano, arte virreinal en arquitectura, escultura, pintura, entre otros.
Seminario de Investigación de la Maestría en Historia
del Arte de la Universidad de Moreliaen colaboración con Facultad de Historia del Arte de UDEM.
La Feria Internacional del Libro y la Lectura Michoacán 2017 y 2018 tuvo como objetivo general promover la lectura entre los michoacanos en el marco de una Cultura para la Paz. Promover la lectura entre públicos diversos (edad, género, identidad cultural, capacidades diferentes), promover el encuentro de lectores, homenajear la obra de escritores clásicos y escritores nacionales destacados, reconocer medios alternos y contemporáneos para la producción escrita y ampliar la oferta cultural y educativa de la feria.Se realizaron presentaciones de libros, conferencias, conversatorios, mesas redondas, talleres, encuentro de narradores, encuentro de talleres libres literarios, actividades infantiles, presentaciones artísticas y la entrega de premios Literatura Michoacán 2017 y 2018 respectivamente.
Feria Internacional del Libro y la Lectura Michoacán 2017 y 2018
en colaboración con la Dirección de Formación y Educación
de la SECUM
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Se llevó a cabo la temporada 2017 y 2018 de la obra de teatro Pedro Páramo realizada por la compañía Foro4, contando con una buena respuesta por parte del público.Con la finalidad de apoyar a los proyectos independientes, la SECUM busca constantemente distintos espacios donde los artistas puedan exhibir su trabajo y compartirlo con el público, generando experiencias y diálogos directos.
Presentación Obra Teatral Pedro Páramo en colaboración con Colectivo de Trabajadores del Arte y la Cultura de
Michoacán (COTACUM) y la SECUM.
En vinculación con la Universidad de Morelia a través de su Facultad de Historia del Arte, se llevó a cabo el Seminario de Arte Moderno y Contemporáneo en México. El seminario fue impartido por la prestigiada Dra. Eugenia Macías Guzmán y estuvo dirigido a los estudiantes de la maestría en Historia del Arte generación de la Universidad De Morelia y al público en general con formación afín que tuviera estudios de licenciaturas afines.
Seminario de Arte Moderno y Contemporáneo en México por Eugenia Macías en colaboración con Facultad de Historia del Arte de la Universidad de
Morelia 2017.
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En vinculación con la Universidad de Morelia a través de su Facultad de Historia del Arte, se llevó a cabo el Módulo de Mercado del Arte. El módulo estuvo dirigido a los estudiantes de la maestría en Historia del Arte de la Universidad de Morelia como parte de las materias optativas del tercer semestre de la maestría y al público en general que tuviera estudios de licenciaturas afines. El curso tuvo un enfoque práctico, con un cuerpo teórico, donde se fundamentaron las implementaciones mercadológicas en la cultura, analizando estudios de caso de museos, galerías, artistas nacionales e internacionales.
Módulo de Mercado del Arte por Mtra. María de los Angeles Valencia Colínen colaboración con Facultad de Historia del Arte de la Universidad de
Morelia 2018.
Taller para Elaboración de Portafolio de Artista, con la finalidad de que los interesados aprendieran sobre el contenido de presentación de portafolio artístico, así como las herramientas a usar para generarlo, para presentarlo en museos, galerías e instituciones culturales reconocidas.
“Revisión de Portafolio” que aportó al análisis, la visualización y la reflexión crítica de los artistas, diseñadores y demás productores en las diversas manifestaciones artísticas.
Taller de Creación de Portafolio con la curadora Graciela Kartofel
Taller de Revisión de Portafolio con la curadora Graciela Kartofel
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Actividad realizada en el marco del 75 aniversario del nacimiento del volcán Paricutín. Presentaron: Jaime Urrutia Fucugauchi (ECN) y Luis Antonio Domínguez Ramírez (ENES-Morelia) y moderó: Alejandro Cruz Atienza (Director de Publicaciones de ECN). Proyección del documental Parhíkutini de Santiago Arau.En 1943 el mundo contempló con asombro el nacimiento de un volcán en las tierras de Michoacán. El Dr. Atl, amante de los volcanes, presenció aquel extraordinario acontecimiento y por varios años se dedicó a registrar el origen y la evolución del Paricutín. Su diario, acompañado de numerosas ilustraciones, pinturas, bosquejos y fotografías, así como de observaciones vulcanológicas, se publicó por primera vez en 1950 con el título Cómo nace y crece un volcán. El Parícutin. En 1943 también se fundó El Colegio Nacional, institución de la que el autor formaría parte años después y que ahora se complace en presentar la edición facsímil de esta obra singular en la que se unen arte y ciencia, prologada por Jaime Urrutia Fucugauchi.
Presentación de libro “Cómo nace y crece un volcán”. El
Paricutín del Dr. Atl (edición facsimilar con prólogo de
Jaime Urrutia Fucugauchi)en colaboración con El Colegio Nacional.
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El Colegio Nacional quiso rendir honor a uno de sus miembros más distinguidos y consideró oportuna la ocasión al coincidir la conmemoración de tres eventos: los 150 años de la Escuela Nacional Preparatoria, los 50 años del ingreso de Octavio Paz a El Colegio Nacional y los 25 años del Mandato del Antiguo Colegio de San Ildefonso. El insigne autor estuvo ligado en vida a las instituciones mencionadas. En 1930 entró a estudiar a la Escuela Nacional Preparatoria ubicada en el edificio que hoy conocemos como Antiguo Colegio de San Ildefonso y en 1976 ingresó a El Colegio Nacional. Para homenajear a Octavio Paz se tomó como punto de partida su poema Nocturno de San Ildefonso que, si bien no es tan conocido como otros, es quizá uno de los más significativos para Octavio Paz, pues lo escribió ya de adulto rememorando su época de adolescencia. En uno de sus fragmentos dice: “el muchacho que camina por este poema entre San Ildefonso y el Zócalo, es el hombre que lo escribe: esta página también es una caminata nocturna. Aquí encarnan los espectros amigos, las ideas se disipan”.
El Homenaje escénico a Octavio Paz, se ha realizado en sitios emblemáticos del Centro Histórico de la Ciudad de México, donde se desarrolla la historia del escritor en su época como estudiante de bachillerato, En 2017 se realizaron una serie de presentaciones en la ciudad de México y este año El Colegio Nacional elige a Morelia como una de sus sedes para presentar esta puesta en escena dirigida por Agustín Meza, bajo el apoyo de la compañía teatral “El Guetto”, y se presentó en Centro Cultural Clavijero.
Puesta en escena “Nocturno” Homenaje escénico
a Octavio Pazen colaboración con El Colegio Nacional.
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La tercera edición del Programa de Diversidad Sexual + Morelia (ahora Cuórum) se llevó a cabo del 21 al 24 de octubre de 2018 en el Centro Cultural Clavijero, en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia. El evento cinematográfico de gran relevancia internacional y con invitados de primer nivel, tiene el objetivo de contribuir a las iniciativas cinematográficas independientes en México enfocadas a la vanguardia, género y diversidad sexual a través de la proyección de trabajos de ficción, documental o animación.
Programa de Diversidad Sexual + Morelia/Cuórum
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En su temporada XLI, se llevaron a cabo 3 funciones de la puesta en escena de Don Juan Tenorio, que reunió un gran elenco que logró presentar llenos totales en cada una de sus funciones. En esta ocasión la dirección de la famosa obra de José Zorrilla, corrió a cargo del actor y director de teatro Víctor Sandín.
Presentación de la obra Don Juan Tenorio 2018
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Centro Cultural Clavijero se encarga de generar actividades académicas de profesionalización y formativas, las cuales se realizan a través de distintos talleres y propuestas de actividades académicas que estén relacionadas con la oferta expositiva, pero sobre todo con los tipos de públicos que lo visitan. Para generar talleres, es necesario pensar que una sola actividad se puede transformar o tener distintas aristas y maneras de explorarse de acuerdo al tipo de grupos que visitan el centro, por lo que cada propuesta de taller se imparte en diversos formatos, pensando principalmente en el público en formación académica generalmente dividida de la siguiente manera: preescolar, primaria, secundaria, preparatoria y públicos especializados.
ACTIVIDADES EDUCATIVAS DESARROLLADAS POR CCC / TALLERES EN TORNO A LAS EXPOSICIONES.
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Daniel Lezama es un pintor muy reconocido en México y con proyección internacional. Su producción visual ha sido exhibida en importantes museos y ampliamente analizada y comentada en múltiples publicaciones. En esta ocasión, la conferencia abordó los temas sobre su obra reciente, basada en una selección especial de pintura y gráfica (monotipos) del artista.
Conferencia Magistral de Daniel Lezamay Erick Castillo
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Como miembro del Sistema Nacional de Creadores, el reconocido fotógrafo Rogelio Cuéllar ofreció un taller teórico-práctico “El retrato y el desnudo con luz natural”, a fotoperiodistas y público en general.
Taller de fotografía de desnudoimpartido por Rogelio Cuéllar.
El proyecto de Micro-Residencias surgió en torno a la muestra “Arte Cisoria” Dentro de la exposición se instaló un pequeño taller de serigrafía para incentivar las prácticas de la gráfica dentro de la exhibición, y que el público visitante tuviera un acercamiento distinto con las obras. De esta manera se introdujo a los visitantes al extraordinario proceso de la serigrafía, a partir de la invitación que se dio tanto a artistas consolidados, como emergentes. Lo importante de las micro-residencias era generar una pieza del autor invitado, mostrando el proceso de la obra, la preparación de las tintas, el entintado de la malla, el proceso de impresión, el secado y la firma de la pieza. Todos los visitantes tuvieron la oportunidad de conocer el proceso completo de una obra gráfica, y conservar una pieza de producción firmada por un artista michoacano.
Micro Residencias de Serigrafía con:Erandini Adonay, Juan Ache Vera, Francisco Zúñiga, Marco Antonio López Prado
En el marco de la exposición Mirada Infinita, se llevaron a cabo 10 micro-residencias de introducción a la fotografía y el proceso de revelado en cuarto oscuro. Dentro de la exposición se adaptó y montó un espacio para su uso como cuarto oscuro. Se realizaron actividades con distintos grupos de preparatoria y universidad que pudieron disfrutar y aprender del revelado en cuarto oscuro, con todas las herramientas y los procesos.
Introducción al Cuarto Oscuro.Mirada Infinita de Guillermo Wusterhaus
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Con el objeto de crear públicos diversos y acercar a los niños de manera lúdica a centros culturales y museos, se creó el programa La Pandilla Clavijero. De programación semanal, se atiende a niños entre 6 y 12 años, todos los sábados por las mañanas, con actividades preparadas a propósito de las exposiciones que se tengan abiertas. Las actividades van desde la fotografía, el teatro o las artes plásticas, siempre con una visita guiada a la exposición, siguiendo con un trabajo manual o corporal que permita a los niños el disfrute de las artes.
Niños de nivel preescolar, primaria y secundaria, tuvieron la oportunidad de participar en el V y VI Festival de Talleres Didácticos, en el marco del Día Internacional de los Museos con el tema “Museos y paisajes culturales” celebrado en el Palacio de Justicia del Centro Histórico de Morelia y en el Centro Cultural Clavijero, y organizado por la Red de Museos Michoacanos. Centro Cultural Clavijero participó impartiendo unos talleres de collage, ajedrez, damas chinas, rally de pistas y dibujo de maquetas. El taller fue un rotundo éxito y en cuatro horas se atendieron a más de 600 niños.
Programa semanal La Pandilla Clavijero
Taller del Día Internacional del Museo 2017 y 2018
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El Programa de Educación Patrimonial de Verano 2017 y 2018 abordó el tema de museos y comunidades. Los museos trabajan en estrecha cooperación con las comunidades de las que provienen las colecciones, así como también con las comunidades a las que prestan servicios.
Si las actividades de un museo afectan a una comunidad existente o a su patrimonio. En este sentido el respeto y conocimiento por el patrimonio debe prevalecer ante todo. Un museo vinculado a su comunidad es una institución integral que articula actividades de investigación, preservación, comunicación y reactivación del patrimonio.
En el caso de Centro Cultural Clavijero se trabajó el tema de los museos y comunidades, a partir de un Rally de actividades vinculadas directamente al tema propuesto por el ICOM. Durante 19 días se logró la atención a diversas familias y grupos de distintos municipios tanto estatales como nacionales. A cada persona que participó, le fue otorgado un reconocimiento y los trabajos que realizaron durante el rally.
Programa Nacional de Verano 2017 y 2018
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Como parte de los servicios educativos, y la oferta que brinda a sus públicos el Centro Cultural Clavijero, ofrece visitas guiadas educativas, turísticas o especializadas.
Las visitas guiadas se trabajan con grupos diversos destinando alrededor de 60 a 90 minutos por visita. Generalmente el público turista se interesa en visitas más cortas máximo de 30 minutos, en donde se les brinda información sobre la historia del edificio y su arquitectura. El público en formación académica dispone de más tiempo y viene por la información histórica, acompañada de la visita a algunas exposiciones y un taller para reforzar los temas señalados durante el recorrido. Existen algunos otros grupos como las Normales de Educación, que solicitan capacitaciones para sus docentes y alumnos; se acercan al Centro Cultural buscando talleres enfocados a grupos específicos con actividades particulares.
Se realizan también visitas guiadas especializadas, comentadas por curadores o especialistas de acuerdo a las diversas exposiciones que se presentan.
Más de 190 visitas comentadas y talleres para grupos escolares en torno a las exposiciones.
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NES
DIRECTORIOSECRETARIA DE CULTURA FEDERAL
Alejandra Frausto GuerreroSecretaria de Cultura
INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA
Lucina JiménezDirectora General
GOBIERNO DEL ESTADO DE MICHOACÁN
Silvano Aureoles ConejoGobernador
Claudio Méndez FernándezSecretario de Cultura
María de los Angeles Valencia ColínDirectora de Producción Artística y Desarrollo Cultural
CENTRO CULTURAL CLAVIJERO
Sandra Aguilera AnayaDirectora
José Roberto Morales OchoaJefe del Centro de Documentación e Investigación de las Artes
Pedro Cervantes LázaroMuseografía
Alfredo Colín García de León Procesos de Investigación y Educación
Roberto Gibrán Hernández GonzálezConcepto Visual
Miguel Ángel Zamora Tallabs
Julio Ramírez MurilloAsistencia en dirección
Alejandro SosaProyectos audiovisuales
Edgar Barajas VillelaServicios Educativos
José Refugio Pérez EstradaMaría De Lourdes Morales Rodríguez
Juan Carlos AguirreServicios Generales
AMIGOS DEL CLAVIJERO A.C.Rosa Martha Arriaga Díaz
Presidenta
Juan Pablo Arroyo Fernando Montes De Oca
Leonardo PedrazaRamón Ramírez
Marco Aurelio Pérez Castillo
Memoria 2017-2018 de Centro Cultural ClavijeroSe terminó de imprimir en marzo de 2019
Con un tiraje de 500 ejemplares.
La edición estuvo a cargo de Centro Cultural Clavijero.