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LOS 40 PRINCIPALES
Mª VICTORIA LEÓN ROMERO
EDUC. PRIMARIA T5
PINTORES
JACQUES-LOUIS DAVID
Nació en Paris (Francia) el 30 de agosto de 1748 y murió en
Bruselas (Bélgica) el 29 de diciembre de 1825.
Fue el principal artífice y realizador de la pintura neoclásica.
Mezcla el arte, la política y la ideología. La paleta de David es
fría y de escaso cromatismo.
PINTURA NEOCLÁSICA La pintura del neoclasicismo no es significativa, salvo una excepción:
Francia.
Los pintores , al no poder inspirarse en la pintura antigua, lo hacen en la
escultura. Las obras destacan por sus academicismo y corrección. Los temas
predominantes serán los mitológicos, históricos, los desnudos y los retratos.
En la pintura neoclásica francesa, se alcanza, con gran belleza, la plena
interpretación del ensalzamiento imperial, fundiéndose con las ideas racionalistas
vigentes y el privilegio exacerbado de la razón.
OBRAS
LA MUERTE DE MARAT
Data de 1793 y se encuentra en los Museos
reales de Bellas Artes de Bruselas.
Mide 165cm. de alto por 128cm. de ancho.
Es el lienzo más cautivador y enigmático en el
que translucen sus simpatías por la Revolución
Francesa. Es un cuadro pequeño, que con
sobriedad zurbaranesca y sobre un fondo neutro,
resalta, la figura del político muerto, iluminada
con fogonazos focales de luz, que, en su postrer
aliento, deja caer su brazo derecho verticalmente
después de escribir sus últimas voluntades.
JURAMENTO DE LOS HORACIOS
Data de 1784 y se encuentra en el
Museo de Louvre, París.
Mide 330cm. por 425cm.
Este cuadro es el que le condujo a la
fama y donde el drama de la
fidelidad y el compromiso transciende
el lienzo y embarga al espectador.
El severo fondo arquitectónico realza
teatralmente el dramatismo de los tres hermanos romanos que, con los
brazos briosamente alzados antes sus espadas, sellan su promesa
incondicional antes de luchar con los tres hermanos albanos.
La pincelada es lisa, imposible de apreciar su huella, el resultado es el
de una superficie pulida.
CONSAGRACIÓN DE NAPOLEÓN
Creado entre 1804-1807 y se
encuentra en el Museo de Louvre, París.
Mide 629cm. por 979cm.
En este lienzo David plasma, de forma
genial, toda la gloria, la fastuosidad y
el triunfo anhelados por Bonaparte. El
tema principal es el de napoleón y su esposa Josefina en el solemne acto
de la coronación.
Posee una recreación de retratos de relevantes personajes del
Imperio.
FRANCISCO DE GOYA
Nació en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza) y murió en
1828 en Burdeos (Francia).
Pintor y grabador español, es un fenómeno individual y
único que va rompiendo todos los moldes hasta
convertirse en uno de los avanzados de la pintura
contemporánea, pudiéndole considerar precursor del
Romanticismo, Impresionismo, Expresionismo y
Surrealismo.
Su pincelada es muy suelta y ágil y su paleta luminosa, brillante y colorista.
PINTURA NEOCLÁSICA EN ESPAÑA
La pintura neoclásica, al no contar con restos pictóricos de la antigüedad
grecorromana, se inspira en la escultura, en especial en los relieves, que la dotará
de un marcado carácter escultórico.
Características principales:
* Predominio del dibujo academicista sobre el color.* La base de la belleza es la armonía de las proporciones y de las luces.* Los principales temas serán retratos, mitológicos y cuadros de historia.* La luz es clara y difusa, delimita las figuras y el espacio e imprime solemnidad en el ambiente. No interesan los contrastes lumínicos.
OBRASSu producción está encuadrada por etapas:
* Inicios: 1746-1771
* Juventud – Época feliz: 1771-1792
* Madurez – Enfermedad: 1792- 1808
* Ancianidad - Guerras – Exilio: 1808-1828
CRISTO CRUCIFICADO
Data de 1780 y se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.
Mide 225cm. por 154cm.
Es el más bello de todos los suyos religiosos; con sublime
delicadeza muestra un Cristo en sus últimos momentos, en el que
sólo en el rostro se adivina su dolor y agonía.
Con fondo negro, crucificado de cuatro clavos con los pies en el supedáneo y un
letrero sobre la cruz. La cabeza levantada como su mirada, refleja dramatismo.
Es muy hábil el juego de sombras y transparencias con el cual el pintor consigue
el perfecto modelado del cuerpo,
FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA
Data de 1814 y se encuentra en el Museo del
Prado, Madrid.
El cuadro tiene unas dimensiones de 268cm. de
lato por 347cm. de ancho.
La pintura está realizada sobre un lienzo utilizando
la técnica del óleo. La composición se divide en dos
partes, la primera a la izquierda la compone un
grupo de civiles; la segunda a la derecha la conforman un grupo de seis soldados.
Al lado del grupo de civiles se encuentra la Montaña del Príncipe Pío.
Podemos incluir esta obra dentro del género de la pintura histórica. Se plasma
con intenso dramatismo y expresividad, el grupo pétreo, anónimo de los soldados,
los esperpénticos cadáveres, la desesperación y la bella luz del farol alumbrando
contra toda esperanza.
PERROS Y ÚTILES DE CAZA
Pintada en 1775 y se encuentra en el Museo
del Prado, Madrid.
Tiene unas dimensiones de 112cm. de alto por
174cm. de ancho
Su formato alargado se debe a su empleo
como sobrepuerta en el comedor de los
herederos reales en el Monasterio de El
Escorial.
Los perros están situados en un montículo forman una pirámide al estilo Mengs.
Es muy importante la capacidad de Goya para pintar a los animales que tantas
veces en su vida representará. Las tonalidades de cielos y arbustos se funden en
tonos azules y verdes.
EUGÈNE DELACROIX Nació el 26 de abril de 1798 en Francia y murió en Paris
el 13 de agosto de 1863.
Está considerado como el mejor representante del
romanticismo pictórico universal. Prototipo de pintor culto
y refinado, su pintura recoge las características expuestas
en la pintura romántica francesa.
La libertad, brillantez, exaltación, dinamismo, emoción…
son llevadas al extremo, en sus lienzos.
PINTURA ROMÁNTICA FRANCESA
El romanticismo llegó a la pintura francesa con enorme ímpetu. El exceso de
razón y de medida habían saturado hasta los límites la capacidad creativa de los
pintores.
Los sentimientos, la imaginación, y la pasión, largamente contenidos, irrumpieron
con todo su poder, dando como resultado una realización bellísima y de gran
calidad.
Los temas románticos suelen ser históricos, costumbristas, folclóricos, exóticos…
OBRAS
LA CAZA DEL LEÓN
Está pintada en 1861 y se encuentra en el
Instituto de Arte de Chicago (EE.UU.).
Mide 76,5cm. de alto por 98,5cm. de ancho.
En el cuadro se representa la escena de caza
en un paisaje de dunas que aparece a la
derecha, y el mar azul oscuro a la izquierda;
así, la naturaleza se representa reducida a
las fuerzas elementales.
El cuadro se compone en torno a dos diagonales que se entrecruzan. En el centro
se agrupa la escena.
LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO
Data del año 1830 y se encuentra en el Museo
de Louvre, París.
Mide 259cm. de alto por 352cm. de ancho.
El tema de la obra es la insurrección burguesa.
Es un cuadro simbólico cuyo eje principal es
una bella figura femenina, con el busto
semidesnudo (símbolo de Libertad y de Francia).
Los cadáveres se cruzan contrastando la vida y
la muerte, la libertad y opresión; todo esto aparece con un colorido fuerte y
neutro.
Las pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulación.
MUJERES DE ARGEL
Pintada en 1834 y se encuentra en el Museo
del Louvre, París.
Realizado al óleo sobre lienzo, mide 180cm.
de alto por 229cm.
Destaca en el cuadro la forma en que la luz
está representada. Es una luz lógica,
pues viene de una ventana, sin representar
una luz idealizada sino como era en realidad.
Estas mujeres simbolizan el ideal de belleza para Delacroix.
Usó toques de color, independientes, lo cual explica que sea considerado
precedente del impresionismo.
EUGENIO LUCAS VELÁZQUEZ
Nace en Alcalá de Henares en 1817 y muere
en Madrid en 1870.
Fue un pintor romántico español, con una forma
tradicional e hispánica de pintar, enérgica, fuerte
y briosa. Hereda de Goya la “vete brava”, el
bosquejo de las figuras, la pincelada suelta y fluida…
En su paleta utilizan un colorido pardo o negro, con
toques coloristas, muy vivos destacados.
Los temas suelen ser costumbristas, pero enfocando con sentido crítico, el lado
crudo, y o el amable, de la vida.
Tiene una técnica desenvuelta y rápida, dibujo bosquejado y materia deshecha
PINTURA ROMÁNTICA EN ESPAÑA
España posee en el romanticismo un grupo destacado de pintores de calidad que
realizan hermosas obras de arte, resaltando, en el retrato, el costumbrismo, el
tema religioso y en menor medida, el paisaje. La pintura no llega a ser
espectacular y brillante, ni renovadora de un género; su mérito es más bien
sosegado.
OBRAS
MAJAS AL BALCÓN
Data del año 1862 y se encuentra en el Museo del
Prado
Mide 107 por 81cm.
Es un óleo sobre lienzo en el que aparecen dos
jóvenes asomadas al balcón para
ofrecer sus encantos; tras ellas aparecen dos
embozados que “protegen” a las muchachas.
Podemos decir que el tema es la prostitución.
Eugenio juega con los contrastes cromáticos para
emplear negros, blancos, dorados, aplicados
con una pincelada rápida.
REVOLUCIÓN
Data del año 1862 y se encuentra en el
Museo del Prado.
Mide 124cm de alto por 158cm de ancho.
En el cuadro vemos una técnica de brutal
fogosidad y riqueza de colorido habitual
en el maestro, sin renunciar al realismo
presente en los rostros y los gestos del
grupo de personas que rodea al fraile,
situado en el centro como líder de la
revuelta.
CONDENADA POR LA INQUISICIÓN
Data del año 1862 y se encuentra en el
Museo del Prado. Mide 51,5 x 41 cm.
Es un óleo sobre lienzo. Realizada con
una técnica manchista de una fogosidad
brutal y riqueza de colorido.
Presenta un tema costumbrista.
GUSTAVE COURBET Nació en Ornans, Francia, el 10 de junio de 1819 y
murió en La Tour-de-Peilz, Suiza, el 31 de diciembre
de 1877.
Courbet fue el primer pintor que reflejó osada y
audazmente la realidad con una precisión exhaustiva y
literal, mostrando en ocasiones escenas eróticas y
desnudos sensuales. Es el más fiel representante de la
pintura realista del siglo XIX, siendo fundador de la Escuela de Arte Realista.
PINTURA REALISTA FRANCESA
La pintura realista francesa tiene su auge durante el Segundo Imperio de
Napoleón III. Dos grupos de pintores bifurcan el camino del Realismo: los que
primeramente muestran la vida y el trabajo de los personajes decimonónicos, con
sus condiciones más o menos alegres o penosas, en los que hay un predominio
figurativo humano, y los que continúan el sendero del paisaje deshabitado con
preferencia a otros géneros.
OBRAS
EL ESTUDIO DEL PINTOR
Pintado en 1855 y se encuentra en el Museo
de Orsay, París.
Sus dimensiones son 359cm. por 598cm.
Es un cuadro lleno de alegorías, se trata de
una gran composición con eje central, en la que
establece su propio autorretrato, sentado de
perfil, pintando ante un caballete en su estudio,
con la cabeza erguida hacia detrás, displicente,
y su puntiaguda barba levantada. Lo más bello del lienzo es esa parte central. El
intenso verdor del paisaje reflejado en la tela que el autor está pintando, el tierno
cuerpo del niño que observa al pintor cándidamente, con un gato blanco a sus pies,
y el magnífico desnudo femenino, de escultórico cuerpo, que simboliza la verdad,
alegran el tono sombrío general del cuadro y su neutro fondo.
EL ENCUENTRO
Data del año 1854 y se encuentra en el Museo
Fabre, Montpellier.
Sus dimensiones son de 130cm. Por 150cm.
La escena de este cuadro se desarrolla en el
campo, con un vasto horizonte al fondo. Las
sombras contrastadas y transparentes, la
luminosidad del cielo y la casi táctil tierra,
junto a las tres figuras que destacan vivamente en el marco
campestre, hacen el cuadro de un acendrado realismo.
Los tres hombres están tratados con ingenuidad encantadora.
SEÑORITAS A LA ORILLA DEL SENA
Es un lienzo esencialmente realista.
Data de 1856 y se encuentra en el Museo
del Petit-Palais, París.
Sus dimensiones son 174cm de alto por 206cm
de ancho.
En la escena vemos dos muchachas
recostadas en la hierba, junto al río, bajo unos
árboles, adormiladas a la hora de la siesta. La
genialidad de Courbet consiste en representar
a las jóvenes sin idealizar, en un momento de intimidad que no las
favorece, soñolientas por la pesadez del calor.
IGNACIO PINAZO
Nació el 11 de enero de 1849 en Valencia y murió
el 18 de octubre de 1916 en Godella.
Pinazo es uno de los más relevantes artistas de
finales del siglo XIX español. Clasificado dentro
del Impresionismo hispánico, la personalidad y la
obra de Pinazo se contempla también en el apartado
de pintura de historia, al ser muy destacada esta
faceta suya.
Se vio obligado a trabajar desde muy joven para pagar
sus estudios de arte ya que él pertenecía a una familia humilde.
IMPRESIONISMO EN ESPAÑA
España nunca podría hacer un Impresionismo de modelo francés por carecer de
ese clima suave, esos prados llenos de verdor y humedad que caracterizan a
Francia. España, por el contrario, posee un sol ardiente, implacable. La luz es
brillante e incandescente y la sombra su brusco oponente. El artista español
siente la necesidad de hacer Impresionismo, y lo va a hacer adaptándolo a su
clima, con su peculiar manera, en forma de brillante luminismo, que le otorgará
una personalidad inconfundible y una belleza extraordinaria.
OBRAS
LAS HIJAS DEL CID
Data de 1879 y se encuentra en el Museo
de BB.AA. de Valencia.
Mide 187cm de alto por 124cm de ancho.
Es muy bella la composición del cuadro, en
la cual las dos mujeres, atadas a un árbol,
están situadas de tal manera, la una frente
a la otra, que parece hubiera una sola figura
delante de un espejo. Así, aparece una de
espaldas y la otra de frente, en postura
contrapuesta.
La escena se halla inmersa en un marco de
frondoso, umbrío y boscoso paisaje.
DESNUDO DE FRENTE
Data entre los años 1872 y 1879.
El cuadro representa un desnudo femenino de cuerpo
entero y de frente. La mujer inclina ligeramente la
cabeza hacia abajo, distinguiéndose apenas los rasgos
de su cara; dobla el brazo izquierdo para posar la
mano sobre la nuca.
A sus pies, se encuentra un lienzo blanco; el fondo no
está bien definido tratado con manchas de tonos
ocres, marrones y rojizos.
LECCIÓN DE MEMORIA
Data de 1898 y se encuentra en el Museo
del Prado, Madrid.
Sus dimensiones son 107cm de alto por
107cm de ancho.
Aparece sentado en una silla de tijera,
apoyándose en una pequeña mesa
redonda; sostiene un libro entre las
manos con el que alude al título y cruza
las piernas para otorgar un rasgo de
informalidad a la postura. Ignacio dirige su
mirada al espectador, con cierto aspecto de molestia, como si hubiésemos
interrumpido su estudio. Pinazo une sus dos temas favoritos, la pintura de
género y el retrato.
PABLO PICASSO
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España,
el 25 de octubre de 1881 y murió en Mougins,
Francia, 8 de abril de 1973.
Picasso fue protagonista y creador inimitable de
las diversas corrientes que revolucionaron las artes
plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la
escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte
a la cerámica artesanal.
Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos,
fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una
formidable capacidad de trabajo.
CUBISMO
Se trabajan sobre todo los bodegones, los paisajes y retratos.
Se utilizan como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones.
Se tratan formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies.
No existe un único punto de vista y no hay sensación de profundidad.
GUERNICA
Data de 1937 y se encuentra en el Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía,
Madrid.
Mide 776cm de ancho por 349cm de alto.
El Guernica es un óleo sobre lienzo. No es
un cuadro narrativo, sino simbólico.
Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada
gama de grises.
La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está
ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los
laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la
izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin
embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las
figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el
central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la
lámpara.
LAS SEÑORITAS DE AVIGNON
Data de 1907 y se encuentra en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York.
Sus dimensiones son 243,9cm por 233,7cm.
Aparecen cinco mujeres desnudas y en el centro,
en la zona de abajo se muestra un bodegón
compuesto por algunas frutas.
De las cinco mujeres hay tres que tienen unas
caras especiales, como si en realidad fueran máscaras pintadas sobre el rostro.
Las dos del centro tienen sus caras más acordes con el resto del cuerpo. La mujer
de la izquierda parece que está entrando en la habitación. La figura que está a su
lado, otra mujer desnuda, tiene una perspectiva muy especial, parece que está de
pie, pero se pintó tumbada. En la esquina de la derecha está la única figura
sentada, en una posición anatómicamente imposible, de espaldas al espectador pero
con la cabeza completamente de frente.
Los colores oscilan entre el rosa, ocre, azul y blanco.
LOS TRES MÚSICOS
Fue pintada en el año 1921 y se encuentra
en el Museo de Arte de Filadelfia.
Sus dimensiones son de 203cm por 188cm.
En esta obra vemos a los músicos de perfil
y de frente a la vez, gracias a la superposición
de planos.
El tema reúne en un risueño concierto al arlequín,
al pierrot y al reverendo.
Picasso realizó otra versión de este mismo tema
que se conserva en el Museo de Arte Moderno de
Nueva York.
SALVADOR DALÍNace el 11 de mayo de 1904 en Figueras, España y
muere el 23 de enero de 1989.
Famoso por sus impactantes y oníricas imágenes
surrealistas, Salvador se desarrolló en multitud de facetas
como la pintura, el grabado o la decoración.
Difundió sus ideas por medio mundo y en sus obras aparece
mucho el subconsciente y el Psicoanálisis.
SIMBOLISMO
Describió un extenso y personal universo simbólico.
Entre sus símbolos destacan:• Relojes como teoría de la relatividad de Einstein• Huevo que representa la vida y a veces la esperanza y el amor.• Hormigas aparecen como la muerte, el intenso deseo sexual.• Langostas expresa la decadencia, el terror…
LA MADONNA DE PORT LLIGAT
Data del año 1950 y se encuentra en Tokio
en la Colección Grupo Minami
Sus dimensiones son de 144cm de alto por
96cm de ancho.
Los personajes aparecen sobre un pedestal
y bajo un arco. El de la parte superior del
cuadro aparece una concha de la que se
sostiene un huevo; estos son símbolos de vida
para Dalí.
Hay un fondo muy claro con el paisaje flotante.
Sobre el altar están dispuestos, con un ritmo y un orden rigurosos, diversos
elementos típicos de las naturalezas muertas-vivas
MUCHACHA EN LA VENTANA
Pintada en el año 1925 y se encuentra actualmente
en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Hecho mediante la técnica óleo sobre cartón piedra.
Representa a la hermana del artista asomada a la
ventana.
El cuadro posee gran uniformidad cromática y
sencillez en la composición. Los valores cromáticos
son los azules. La muchacha no tiene todo el cuerpo
proporcionado como por ejemplo los pies que son muy
pequeños.
METAMORFOSIS DE NARCISO
Data del año 1937 y se encuentra en el Tate
Gallery en Londres.
Sus dimensiones con 50,8cm por 78,cm
Esta obra posee un ritmo por repetición
siendo así dos figuras las que protagonizan la
composición.
En sus elementos espaciales la obra es una
imagen aislada que posee varios puntos de fuga por consiguiente posee varios tipos
de lectura, como la composición en cruz gracias a los elementos del fondo, entre
otros.
Posee dos jerarquizaciones, en una predominan los colores cálidos en la parte
izquierda de la composición partiendo del eje de simetría y el otro extremo
predominan colores fríos. Está dada por degradaciones de izquierda a derecha, por
consiguiente su punto de luz se encuentra en la esquina superior izquierda y sus
sombras en la esquina inferior...
JOAN MIRÓNace el 20 de abril de 1893 en Barcelona
y muere el 25 de diciembre de 1983 en
Palma de Mallorca.
Además de un gran pintor, fue escultor,
ceramista y grabador; gran representante
del surrealismo.
Él manifestaba el deseo que tenía para dejar
a un lado los métodos convencionales de pintura.
SURREALISMO
- El surrealismo se caracterizó por interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.
- Los objetos y formas sin su significación tradicional
- Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras
- Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN
Pintada entre los años 1924 y 1925 y se
encuentra en la Galería del Arte Albright
de Nueva York.
Sus dimensiones son 66cm por 93cm
Los objetos que se distribuyen por el espacio
dan sensación de flotar al estar
colocados no en una superficie, sino en una
habitación en la que el suelo y la pared
están realizados con perfecta perspectiva.
Una ventana abierta al exterior nos muestra un paisaje típicamente mironiano. Sus
figuras alargadas, agusanadas y ameboides resbalan y flotan en este espacio irreal
entre objetos y animales. La fantasía de colores que aparece en esta obra es
prácticamente insuperable, destacando siempre por su utilización de los colores
primarios, el azul, el amarillo y el rojo, utilizando además el blanco y el negro.
INTERIOR HOLANDÉS I
Data del año 1928 y se encuentra en el
Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Mide 92cm de alto por 73cm de ancho.
Podemos destacar los colores primarios
y secundarios, que denotan viveza y los
colores planos, que transmiten alegría.
La pincelada no se nota, pero le da mucha
importancia al contorno de las figuras.
La expresividad viene dada por el trazo y
la vivacidad de los dibujos.
PERSONAJE DELANTE DEL SOL
Data del año 1968 y se encuentra en
Sus dimensiones son 173,5cm de alto por
259,5cm de ancho.
Podemos decir que aparece una persona
(en primer plano) y el sol, con un fondo de
cielo y tierra.
Las dos figuras centrales están yuxtapuestas.
En el extremo superior derecho el pintor ha
aplicado una textura para representar
el cielo. También aparece una textura para
evitar el fondo neutro.
El gris del fondo es el color dominante de la obra, el negro es subordinado y el
amarillo el acento, al igual que el rojo. Pero el rojo tiende a expandirse, por eso
puede dar la sensación de ser el dominante. El negro atrae nuestra mirada, pero
debido a su extensión, sería el subordinado, y el amarillo, al contrarrestar con él,
constituiría el acento.
LEONARDO DA VINCI
Nació el 15 de abril de 1452 en Vinci y falleció
el 2 de mayo de 1519 en Amboise.
Además de pintor fue científico, botánico, poeta,
escritor, músico, escultor, arquitecto…
Como pintor hace constantes experimentos con
nuevas técnicas, que a veces resultan desastrosos
y refiriéndonos a su vida como inventor, pocos de sus
proyectos llegaron a construirse.
PINTURA PROPIA
Sus pinturas son célebres; empleó técnicas pictóricas innovadoras, un uso sutil de
los esfumados colores, e interés por la fisonomía.
Dominaba principalmente la técnica del “sfumato” y la combinación de sombras y
luces
OBRAS
LA GIOCONDA
Pintada entre los años 1503 y 1506 y se encuentra
en el Museo del Louvre, París
Sus dimensiones son de 77cm por 53cm.
En este retrato la dama está sentada en un sillón
y apoya sus brazos en el asiento.
Podemos destacar el uso de la luz y la sombra para
dar sensación de volumen.
El paisaje es húmedo y acuoso.
Sobre la cabeza lleva un velo signo de castidad.
Vemos la técnica de Leonardo gracias a la inmersión de la modelo en la atmósfera
y el paisaje que la rodean.
LA ÚLTIMA CENA
Pintada entre los años 1495 Y 1497 y
se encuentra en el convento de Santa
María delle Grazie, Milán.
Sus dimensiones son 460cm de alto
por 880cm de ancho.
Es una pintura mural, en la que aparece
una mesa con 13 personajes, mesa, que
podemos enmarcar en una arquitectura
clásica a través de la perspectiva lineal.
La luz de la escena viene dada por las tres ventanas del fondo.
Los doce apóstoles están distribuidos en cuatro grupos de tres por lo que vemos
un esquema de tríadas platónicas.
Detrás de los personajes se ve un paisaje a través de las ventanas.
LA DAMA DE ARMIÑO
Data del año 1490 y se encuentra en el
Museo de Czartoryski.
Sus dimensiones son 54,8cm de alto por
40,3cm de ancho.
En el cuadro aparece una mujer que sostiene
en la mano un armiño o hurón, el cuál es
representado con mucha precisión y privacidad.
La mano extendida de la mujer está pintada
con gran detalle por lo que vemos la habilidad
de Da Vinci en representar la figura humana.
Vemos una de las innovaciones del pintor, la
de un retrato en tres cuartos de perfil.
RAFAEL SANZIONace el 6 de abril de 1483 en Urbino y muere
el 6 de abril de 1520 en Roma.
Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto
Renacimiento. Realizó importantes aportes en la
arquitectura y, como inspector de antigüedades,
se interesó en el estudio y conservación de los
vestigios grecorromanos.
Su carrera se divide en tres fases: Sus primeros años en Umbría Cuatro años en Florencia (1504-1508) Doce años en Roma
RENACIMIENTO
- Se desarrolló en Roma y Venecia.- Desembocó en el Manierismo.- Hace al hombre medida de todas las cosas. - Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a
una
concepción ideal y realista de la ciencia…
SAN SEBASTIÁN
Data alrededor de 1501-1502 y se conserva en
la Academia Carrara de Bérgamo, Italia.
Es una pintura al óleo con unas dimensiones de
43 centímetros de alto y 34 cm. de ancho.
Sebastián sostiene una flecha, el símbolo de su
martirio, con el dedo meñique elegantemente
alzado. Luce una magnífica capa roja y una
camisa bordada de oro, con el cabello
elegantemente peinado… El paisaje y el aspecto
femenino de San Sebastián son influencia de
Perugino, pero la mano emergente con la flecha hace pensar en un
conocimiento de Leonardo. La construcción de la imagen en elipses entrecruzadas
es totalmente rafaelesca.
LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN
Data de 1504 y se conserva en la Pinacotec
de Brera de Milán, Italia
Es una pintura ejecutada con temple y óleo
sobre tabla con unas dimensiones de 170
centímetros de alto y 117 cm. de ancho.
Toda la representación es muy mecánica,
muy calibrada y calculada. El templo
poligonal establece y domina la estructura
de esta composición. Al mantener la
perspectiva en el pavimento y en los ángulos del pórtico, las figuras disminuyen
proporcionalmente en tamaño.
Las principales figuras permanecen en pie en el primer plano; hay toda una
serie de figuras detrás del grupo principal que llevan la mirada hacia el templo
del fondo. Prevalece una tonalidad de pardo rojizo y dorado, con fragmentos
de marfil claro, amarillo, azul verdoso, marrón oscuro y rojo brillante.
RETABLO ODDI
Data de 1502-1504.
La obra es conocida también como la Coronación
de la Virgen. Es un óleo sobre lienzo con unas
dimensiones de 267 centímetros de alto y 163cm
de ancho. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana,
dentro de los Museos Vaticanos de la Ciudad
del Vaticano.
La Coronación de la Virgen muestra una división en
dos partes: la sección superior que muestra a la
Virgen siendo coronada por Jesucristo y la
sección inferior muestra al público, un sarcófago
con flores rojas y blancas que suplantan al cuerpo
de la Virgen. Los dos planos, el celestial y el terrenal, quedan separados por una
fina línea de nubes blancas. Los apóstoles de la mitad terrenal adoptan un mayor
dinamismo y variedad gestual.
VINCENT VAN GOGH
Nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert, Países
Bajos y murió el 29 de julio de 1890 en
Auvers-sur-Oise, Francia.
Fue uno de los principales exponentes del
posimpresionismo. La mayoría de sus
obras son muy conocidas y tienen mucha
importancia en todo el mundo.
Su vida artística abarca grandes movimientos artísticos como son: Impresionismo,
Postimpresionismo, Expresionismo y Fauvismo.
POSTIMPRESIONISMO
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los
objetos y figuras humanas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la
angustia y el desconsuelo interior…
LA ITALIANA
Data del año 1887 y se encuentra en
el Museo de Orsay, París.
Sus dimensiones son 81cm de alto por
60cm de ancho.
Es un cuadro pintado al óleo sobre tela.
En él aparce una mujer sentada que lleva
un vestido folclórico y un pañuelo en la
cabeza. El fondo del cuadro es una mancha
uniforme de color amarillo.
Sobre el lado derecho y sobre el superior está
pintado un marco cuyos colores son
como los de la falda de la mujer.
LIRIOS
Data del año 1889 y se encuentra en
el Museo Paul Getty, Malibú
El cuadro tiene unas dimensiones de 71cm
de alto por 93cm de ancho.
Las flores ocupan todo el espacio pictórico,
empleando una perspectiva frontal, dando la
impresión de ser una fotografía. Las líneas
onduladas se adueñan de la composición
gracias a las hojas y los tallos. Usa los tonos
complementarios al recurrir a verdes y malvas, acompañados de naranjas y
amarillos, creando una espectacular muestra de riqueza cromática y de luz.. Las
pinceladas se adueñan del espacio compositivo.
NOCHE ESTRELLADA
Data de 1889 y se encuentra en el Museo
de Arte Moderno de Nueva York.
Sus dimensiones son 73,7cm de alto por
92,1cm de ancho.
Es de destacar el tratamiento de la luz de
las estrellas como puntas de luz envueltas en
un halo luminoso a su alrededor. Las pinceladas
son trazos a base de espirales que dominan el
cielo y los cipreses de primer plano. Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con
la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto.
Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos
de tonos oscuros, igual que las montañas. Los tonos que Van Gogh utiliza son:
malvas, morados y amarillos.
DIEGO VELÁZQUEZ
Nació el 6 de junio de 1599 en Sevilla y falleció
el 6 de agosto de 1660 en Madrid.
Es un pintor barroco, considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española y universal.
Su paleta de colores era muy reducida, utilizando
siempre los mismos pigmentos.
Utilizó mucho la técnica de hacer fondos claros y capas transparentes de color
para crear gran luminosidad.
BARROCO
Se prefiere un equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla.
Predominio de la temática religiosa. Ausencia de sensualidad. La utilización de la técnica del claroscuro…
OBRAS
LAS MENINAS
Data de 1656 y se encuentra en el Museo del
Prado, Madrid.
Tiene unas dimensiones de 310cm de alto por
276cm de ancho.
Lo que principalmente destaca en el cuadro es la
perspectiva. Ésta, está conseguida principalmente
por la luz y la aérea. La líneas horizontales y
verticales de los cuadros contrastan
con las curvas de los personajes de primer plano, que dan flexibilidad a la obra.
En este cuadro utiliza pinceladas largas, que hace que la imagen solo se forme en
la retina a una cierta distancia, para ello utiliza largos pinceles.
La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida,
predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo
fuego en pequeños detalles.
El espacio arquitectónico es muy complejo
CRISTO EN LA CRUZ
Data de 1631 y se encuentra en el
Museo del Prado, Madrid.
Tiene unas dimensiones de 100cm de
alto por 57cm de ancho.
Aparece presentado un Cristo frontal,
con los brazos simétricos, pies apoyados
en un supedáneo, el paño de pureza
ceñido y la mirada elevada al cielo.
La figura y la cruz se recortan sobre
un cielo que amenaza tormenta y un paisaje oscuro, con
árboles y edificios. Bajo la cruz aparece una calavera.
ENANO CON UN PERRO
Pintada en 1650 y se encuentra en el
Museo del Prado, Madrid.
Mide 142cm de alto por 107cm de ancho.
El personaje aparece representado sujetando
a un mastín de grandes dimensiones,
mirando con cierta desconfianza al espectador,
indicando cierto temor al acompañarse del
animal. Las dos figuras se recortan sobre un
fondo indeterminado, destacando las tonalidades
ocres y blancas del traje del bufón y el color
negro del perro. La pincelada es rápida y
empastada, sin atender a detalles.
SANDRO BOTTICELLI
Nació el 1 de marzo de 1445 en Florencia y
falleció en el mismo lugar, el 17 de mayo de
1510.
Fue un pintor cuatrocentista, que se dejó
llevar tan solo por la inspiración, dejando
en un segundo plano las reflexiones teóricas.
Se caracterizó por el sutil ritmo lineal de
los cuerpos y por el empelo de temas
mitológicos.
QUATTROCENTO
- Uso de temas mitológicos, históricos y analógicos.- Se emplea el estudio de la perspectiva lineal y el espacio cúbico.- Aparecen composiciones con muchos personajes. - La técnica usada será principalmente la del mural.
OBRAS
EL NACIMIENTO DE VENUS
Data del año 1485 y se encuentra en
la galería Uffizi, Florencia.
Tiene unas dimensiones de 184,5cm de
alto por 285,5cm de ancho.
Venus aparece en el centro de la
composición sobre una enorme concha;
sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que
con su brazo derecho trata de taparse el pecho. La figura blanquecina se acompaña
de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos
personajes en un estrecho abrazo. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una
figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una
línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. Los ropajes se pegan a los
cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles.
LA PRIMAVERA
Pintada en el año 1477, se encuentra en la
Galería de Uffizi, Florencia.
Mide 203cm de alto por 314cm de ancho.
Las figuras destacan contra el fondo por la
claridad de su piel y sus ropajes, de
colores claros e incluso transparentes.
La composición participa del fondo arbolado,
con un bosque ordenado y vertical para servir
de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se
sitúan en un paisaje de naranjos. En la parte derecha está hecha de árboles
doblados por el viento o por la fuerza creadora. En suelo es una capa de hierba
muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en
el mes de mayo.
FORTALEZA
Data de 1470 y se encuentra en la Galería
Uffizi, Florencia
Sus dimensiones son 167cm de alto por
87cm de ancho.
Botticelli ha colocado a la virtud sentada
en un trono, situando uno de sus pies
fuera de la plataforma. Los pesados ropajes
están realizados con exquisita minuciosidad.
Las luces modelan la estructura escultórica
de la Fortaleza; los vivos colores del vestido
y del manto contrastan con la oscuridad del
fondo, resaltando en el trono y en la tarima
la delicadeza de las calidades de la madera.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI
Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese y
falleció el 18 de febrero de 1564 en Roma.
Escultor, arquitecto y pintor del renacimiento
italiano.
Caracterizado por sus perfeccionamiento,
triunfó en todas las artes en las que
trabajó.
RENACIMIENTO ITALIANO
Las formas aparecen situadas en espacios reales.
El color se convierte en algo esencial y constitutivo de las formas.
Las técnicas serán pintura al temple sobre tabla y frescos naturales.
Los temas más utilizados, los religiosos, los mitológicos y retratos.
La luz será interna a la obra.
OBRAS
JUICIO FINAL
Pintado entre los años 1537 y 1541 en la
Capilla Sixtina de Roma.
Sus dimensiones son 1370cm por 1220cm.
Los personajes exhiben el interés de
Buonarroti por la anatomía escultórica,
destacando sus amplias y musculosas
anatomías inspiradas en el mundo clásico.
El colorido brillante sintoniza con la bóveda
a pesar de que abundan las carnaciones
de los cuerpos desnudos que permiten contemplar sus músculos en tensión, sin
olvidar hacer alusión a la expresividad de los rostros recogiendo en sus gestos el
destino que les ha tocado tras el último Juicio.
BÓVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA
Pintada entre los años 1509 y 1511 en la
Capilla Sixtina, Roma
La bóveda se compartimenta de una manera
fingida, con elementos arquitectónicos
interpretados libremente. Resultan así una
serie de espacios en los que se
distribuyen escenas y personajes sueltos.
Las figuras se conciben como autenticas esculturas, marcando el dibujo en toda su
expresión.
El artista emplea la incidencia de luz y los contrastes, con escorzos violentos y con
actitudes rebuscadas que proporcionan un considerable volumen a las
representaciones.
La fuerza anatómica destaca en los desnudos, llenos de energía y masa corpórea,
inspirados en la escultura grecorromana. Los esquemas clásicos de composición,
simetría, proporción o perspectiva se interpretan con absoluta libertad.
LA MADONNA DE MANCHESTER
Pintada en el año 1497, actualmente se
encuentra en la Galería Nacional de Londres.
Sus dimensiones son 105cm por 76cm.
Están representados en la escena pictórica
la Virgen con el Niño junto con san Juan
Bautista también niño y dos ángeles a cada
lado, una pareja de ángeles se encuentran
solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.
El roto del vestido de María que deja al
descubierto un seno, se atribuye al antiguo
tema de la «Virgen de la leche».
CLAUDE MONET
Nació en París, Francia el 14 de noviembre de 1840 y
falleció el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.
Pintor, un gran maestro del arte impresionista y sin duda
uno de los connotados en la pintura de este estilo.
En alguno de sus cuadros, Monet rompe la barrera
entre realismo y expresionismo.
IMPRESIONISMO
Pintura al aire libre, lo que les lleva a pintar paisajes del natural con tonos
claros y luminosos.
La luz es el tema de sus cuadros.
Utilizan una paleta de colores claros y puros, en la que no existen contrastes
agudos de claros y oscuros.
Su técnica es de toque, ligera y pincelada corta, evitando el contraste entre la
figura y su fondo.
OBRAS
IMPRESIÓN, SOL NACIENTE
Pintada en 1872 y se encuentra en el Museo
Marmottan-Monet, París.
Sus dimensiones son de 48cm de alto por
63cm de ancho.
Monet pintó el sol casi con la misma
luminancia del cielo.
La pintura trata el valor de contraste
simultáneo de los colores, situando tonos
cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, unos tonos sobre otros. La
vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando
esa humedad que invade la obra.
Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo
los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en
los reflejos del agua.
MUJERES EN EL JARDÍN
Pintada en el año 1867 y se encuentra en el
Museo de Orsay, París.
Sus dimensiones son de 256cm de alto por
208cm de ancho.
Representa un día de verano, con su
despreocupado ambiente. Varias mujeres, con
vestidos de verano, se divierten en un jardín de
flores.
Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra.
Protagonista del cuadro es la luz que se refleja en los cabellos, en la piel, en los
vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los árboles. Los reflejos
luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en
actitudes naturales.
EL ESTANQUE DE LOS NENÚFARES EN ROSA
Data de 1900 y se encuentra en el Museo
de Orsay, París.
Sus dimensiones son de 89,5cm de alto por
100cm de ancho.
Aquí los colores dominantes son los amarillos
y naranjas con los violeta rojizos,
porque rosa propiamente dicho no son.
También destacan los blancos especialmente
en el puente, así como los azules.
La pincelada parece caprichosa y es suelta y empastada, mezclando y
superponiendo todos los colores antedichos por todo el cuadro.
Las franjas horizontales de los nenúfares dan paz y quietud.
PIERO DELLA FRANCESCANació en Sansepolcro, Italia en 1415 y
falleció el 12 de octubre de 1492 en
Sansepolcro.
Fue un gran pintor del Quattrocento
además de especialista en los frescos.
Conocido también como matemático y
geómetra, su pintura se caracterizó
por un severo Humanismo y por el uso
de las formas geométricas.
QUATTROCENTO
• Interés por la figura humana, por la representación del espacio y de la luz.
• Búsqueda de tipos ideales de representación. • Los temas reflejan el creciente interés por el hombre y la naturaleza:
temas
religiosos y profanos enmarcados en fondos arquitectónicos o paisajísticos.
OBRAS
BAUTISMO DE CRISTO
Pintado entre los años 1448 y 1450 y
se encuentra en la Galería Nacional de Londres.
Tiene unas dimensiones de 166cm de alto por
115cm de ancho.
La figura de Cristo se sitúa en el centro de la
composición, recibiendo el agua bendita de su
primo san Juan Bautista; sobre su cabeza
encontramos la paloma del Espíritu Santo y bajo sus pies las aguas del río Jordán.
Las figuras están sabiamente interpretadas, obteniendo un marcado acento
volumétrico gracias al empleo de la luz, resaltando el aspecto escultórico y
anatómico de los personajes, especialmente de Jesucristo. Las tonalidades no son
muy vivas, al bañar las figuras con esa luz blanca y uniformemente distribuida.
TORTURA DEL JUDÍO
Pintada entre los años 1452 y 1466, se
encuentra en la Iglesia de San Francisco
de Arezzo.
Sus dimensiones son 356cm de alto por
193cm de ancho.
La escena se desarrolla ante un fondo de
murallas, apreciándose una torre en la zona
izquierda; un potente foco de luz ilumina a
los personajes para dotar de volumen y anatomía
a sus figuras, destacando la ausencia de
expresividad y la escasa fuerza de los hombres
que izan a Judas. Sin embargo, sus miembros
están sabiamente trabajados.
NATIVIDAD
Pintada entre los años 1484 y 1487; se encuentra
en la Galería Nacional de Londres.
Su dimensiones son 124,5cm de alto por 123cm de
ancho.
Las figuras se integran en el espacio gracias a la
luz empleada, destacando su volumetría y su
aspecto escultórico. Elimina todo el lujo
característico del mundo flamenco para mostrar
una composición tranquila y serena, en la que los puntos de
fuga adquieren cierto arcaísmo aunque la perspectiva resulta bastante correcta.
Los rostros de la Virgen y los pastores no están terminados.
MASACCIO
Nació el 21 de diciembre de 1401 en Arezzo
y murió el otoño de 1428 en Roma con tan solo
27 años de edad.
Fue un excelente pintor cuatrocentista italiano
que a pesar de su corta vida, tiene un gran
número de creaciones.
Su carrera artística tuvo una aportación decisiva
al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar
las reglas de la perspectiva científica.
Sus obras, de rotundas imágenes impregnadas de un fuerte sentido volumétrico y
naturalista, prefiguran la evolución que culminarán pintores posteriores, sentando las
bases para que este cambio sea posible.
OBRAS
LA TRINIDAD
Pintada entre los años 1425 y 1427 y se
encuentra en la Iglesia de Santa María
Novella.
Tiene unas dimensiones de 667cm de alto
por 317cm de ancho.
Se respetan las recién aplicadas leyes de la
perspectiva y la proporción para
plantear dos figuras de tamaño natural, similar
al de los personajes divinos. A la intención de
realidad Masaccio suministra recursos tales como el claroscuro, que proporciona
sombras y luces en vez de un fondo plano, y un diestro manejo de las texturas y
las gamas tonales para dar tangibilidad y solidez a los cuerpos. No sólo se realiza
un manifiesto de la nueva pintura del Renacimiento sino que en la capilla
representada se recogen los elementos de la nueva arquitectura basada en los
restos romanos y románicos de Italia.
RETRATO DE JOVEN
Fue pintado en 1425 y se encuentra
en el Museo Isabella Stewart Gardner.
Tiene unas dimensiones de 42cm de
alto por 32cm de ancho.
Masaccio presenta un personaje de perfil,
recortado sobre un fondo neutro para
resaltar el volumen de la figura, acentuado
gracias al turbante rojo con el que
indica los planos pictóricos. Destaca su
fisonomía intelectual, especialmente sus ojos
penetrantes.
EXPULSIÓN DEL PARAÍSO
Pintada entre los años 1424 y 1428 y se
encuentra en la Iglesia del Carmine de
Florencia.
Sus medidas son 208cm de alto por 88cm
de ancho.
La escena está cargada de dramatismo,
destacando los rostros de ambos
personajes y la actitud de Adán al llevarse
las manos a la cara, así como la dureza
y sequedad del paisaje por donde se encaminan
las figuras. Sus cuerpos desnudos
están inspirados en las estatuas clásicas,
interesándose por los efectos anatómicos
y volumétricos a través de la iluminación empleada.
EL GRECONació en Candía, Creta en 1541 y
falleció el 7 de abril de 1614 en
Toledo, España.
Fue un pintor del final del Renacimiento
que desarrolló un estilo muy personal en
sus obras de madurez.
Su formación fue compleja, ya que fue
obtenida en tres focos culturales muy
distintos: formación bizantina, formación
de pintores del alto renacimiento y manierismo.
ESTILO Y TÉCNICA PICTÓRICA
* El tratamiento de sus figuras es manierista.
* Ausencia de naturaleza muerta.
* Sus grandes figuras se concentran en un espacio reducido próximo al plano del
cuadro.
* El tratamiento que da a la luz es muy diferente del habitual (cada personaje parece tener luz propia).
OBRAS
RETRATO DE UN DESCONOCIDO
Data de 1584 y se encuentra en el Museo
del Prado, Madrid.
Tiene unas dimensiones de 74cm de alto por
58cm de ancho.
Retrato de busto, con las ropas de terciopelo
oscuro, adornado tan sólo por una cadena fina
con una medalla, con el puño y la gola almidonada
de encaje. El fondo es, neutro, sin alusiones
espaciales a mobiliario o arquitectura. La
elegancia y sutileza de El Greco se aprecia en la única distinción que concede al
personaje: el rico pomo de la espada española que presenta en primer término, así
como el gesto de la mano sobre el pecho, que alude al rito de la "Fe del caballero",
una dignidad otorgada sólo a ciertos personajes destacados.
VISITACIÓN
Pintada entre los años 1608 y 1614, forma
parte de la Colección Particular.
Sus medidas son de 98cm de alto por 72cm
de ancho.
Las figuras son enormes, envueltas en
gruesos ropajes con acentuados pliegues.
La luz resbala por esos mantos, sustituyendo
el color azul por blanco allí donde incide con
mayor fuerza. La pincelada es muy suelta,
posiblemente porque sea una imagen inconclusa,
a pesar de su cargado dramatismo y de la
fuerza de los gestos de ambas figuras.
SOPLÓN
Pintado entre los años 1570 y 1576, forma
parte de la Colección Particular.
Sus medidas son 61cm de alto por 51cm de
ancho.
Un joven trata de encender una vela
aprovechándose del fuego de un ascua. Para
avivar la llama sopla pacientemente: éste es
el tema del cuadro, donde la luz artificial se
convierte en la protagonista. El resplandor del
ascua incide de diferente manera en la camisa, el rostro o las manos del muchacho,
destacando ese fogonazo de luz sobre el fondo oscuro que impide ver cualquier
referencia espacial. Los colores adquieren diferentes tonos dependiendo de cómo
les afecte la luz.
EDGAR DEGAS
Nació el 19 de julio de 1834 en París y
falleció el 27 de noviembre de 1917 en
ibídem.
Fue un pintor y escultor francés. Es conocido
por su visión particular sobre el mundo del ballet,
capturando escenas sutiles y bellas, en obras al
pastel.
Presenta preferencia por los temas urbanos con
escenas iluminadas artificialmente.
En sus obras predomina la línea sobre el color.
Abandona la técnica al óleo para dedicarse
exclusivamente al pastel.
Utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.
OBRAS
BAILARINAS EN EL ESCENARIO
Data del año 1880 y se encuentra en el Museo
Thyssen Bornemisza
Sus dimensiones son 66cm de alto por 36cm de
ancho.
La protagonista de la escena interpreta un arabesco
de difícil ejecución, observándose también los
vestidos de sus compañeras. En el fondo
encontramos a otros miembros de la coreografía que
parecen estar más relajadas por lo que podría
tratarse de una escena que ocurre tras los decorados
y que nosotros observamos por nuestra situación lateral. La luz artificial crea esta
iluminación tan peculiar. Las rápidas pinceladas de los vestidos contrastan con el
dibujo de las piernas o los brazos, en un deseo de no perder la referencia formal.
CLASE DE DANZA
Data del año 1871 y se encuentra en el
Museo Metropolitan
Tiene unas dimensiones de 19,7cm de alto
por 21cm de ancho
En una amplia habitación observamos a una
bailarina en el centro, esperando la orden
para interpretar su actuación individual
figura se refleja en el espejo que hay
detrás, recurso que en su momento fue un
gran atrevimiento pictórico, al confundirse
la ilusión con la realidad. Al fondo, otras bailarinas hacen sus ejercicios de
estiramiento, apoyándose en la tradicional barra de ballet. Entre ellas se sitúa la
puerta de la sala, entreabierta para dejar pasar un ligero rayo de luz.
El color predominante es el blanco de los vestidos, mientras que el rosa de las
zapatillas y de las cintas ocupa un papel secundario
MALHUMORADOS
Pintada entre los años 1869 y
1871 y se encuentra en el Museo
Metropolitan.
Tiene unas dimensiones de 32,4cm de alto
por 46,4cm de ancho.
Las dos figuras se recortan sobre
una pared forrada de madera, en la
que destaca el grabado, varias estanterías, un espejo y una especie de diploma. La
mujer se apoya en el respaldo de una silla, mira al espectador, mientras el hombre
dirige la mirada hacia la derecha y se acoda sobre la mesa repleta de
papeles. Los dos rostros son espectaculares, transmiten perfectamente su estado
de ánimo. La luz procedente de la izquierda ilumina a la mujer, quien proyecta su
sombra sobre el cuadro.
ESCULTORES
ANTONIO CANOVANació en Possagno el 1 de noviembre de 1757 y falleció en
Venecia el 13 de octubre de 1822.
Es un artista que personaliza genialmente la escultura
neoclásica universal.
Canova tiene un primer período con reminiscencias barrocas
y un segundo plenamente neoclásico. En el escultor italiano
se produce esa estricta lealtad a los modelos antiguos de elegante belleza,
pulcritud e idealismo.
La escultura de Canova es la fiel representación de la idea racional, lo sublime y lo
absoluto, llevadas a cabo en la perfección clásica más ortodoxa.
ESCULTURA NEOCLÁSICA
El predominio de la razón está latente en la obra de arte.
El idealismo y la excesiva perfección prevalecen sobre la fuerza expresiva.
Los modelos, son el clasicismo romano y el griego.
Escasa originalidad en los trabajos.
Los monumentos van destinados a decorar ciudades y museos.
Los temas tratados son los clásicos, mitológicos, desnudos, mausoleos y retratos.
Los materiales que predominan el mármol y el bronce.
OBRAS
HÉRCULES Y LICAS
Creada entre los años 1795 y 1815 y se encuentra
en la Galería Nacional de Arte
Moderno, Roma.
Mide 335cm y está hecha con mármol.
El grupo escultórico sigue una precisión geométrica
absoluta. El héroe aparece en un momento de
máxima tensión muscular, justo en el acto de
levantar por el pie al infortunado muchacho,
que en vano se resiste, aferrándose al altar que se
encuentra detrás de Hércules y a la piel del león
abandonada a sus pies. Licas está fuertemente izado
y suspendido en el aire un momento antes de ser
arrojado a las olas del mar.
MONUMENTO FÚNEBRE DE MARÍA CRISTINA DE AUSTRIA
Creada entre los años 1798 y 1805 y se
encuentra en Augustinerkirche, Viena.
Mide 574cm de alto y está hecha de mármol.
La obra escultórica se muestra como una
gran pirámide blanca abierta en el centro por
una oscura abertura, hacia la cual se dirige
una triste procesión. Presenta la rigidez que
caracteriza la nueva dirección artística de la
escultura funeraria.
La pirámide de mármol, tiene sobre la entrada marcada por dos jambas
en pendiente y un dintel y presenta en la parte superior un medallón en
relieve con el retrato de María Cristina.
PSIQUE REANIMADA POR UN BESO
Creada entre los años 1787 y 1793 y se
encuentra en el Museo del Louvre, París.
Está hecha con mármol y mide 1,55m de
alto, 1,68m de largo y 1,01m de ancho.
En esta obra Canova inmortaliza el momento
justo en que Cupido rescata a Psique del
sueño eterno. Para realizar esta obra
construyo una pirámide de cuerpos enlazados,
colocando ambas figurasen una posición de
gran dificultad.
La obra al ser realizada de mármol, podemos
observar como la luz y sombras, las figuras…
tienen más realismo.
MARIANO BENLLIURENació el 8 de septiembre de 1862 en Valencia y
murió en Madrid el 9 de noviembre de 1947.
Es uno de los más destacaos y significativos de los
escultores de todo el Realismo español decimonónico.
Artista prolífico y lleno de virtuosismo, Benlliure
posee una factura característica que lo hace
inconfundible, ya que su modelado no es pulido y
suave, sino rugoso y áspero, lo cual le da una gran
belleza plástica y lo convierte en precursor de la
escultura moderna.
ESCULTURA REALISTA EN ESPAÑA
Destaca de nuevo la escultura con su expresividad, fuerza y vigor, aunque sin
alcanzar la excelencia del Barroco y sin temas y materiales de dicho estilo.
Predominando los monumentos conmemorativos, los temas profanos, mitológicos, los
retratos….
Los materiales mas empleados son el mármol, el bronce y la piedra.
OBRAS
EL DIVINO CAUTIVO
Creada en 1942.
El Divino Cautivo es sin duda una de sus obras
de imaginería más logradas.
Muestra a un Jesús con las manos atadas,
túnica blanca con amplios pliegues, casi con
técnica de paños mojados que permite reconocer
la perfecta anatomía de la figura.
El rostro de Jesús refleja su serena divinidad,
con una mirada sosegada y pura que se pierde
en el infinito.
Sus brazos son fuertes y sus manos recuerdan a
las manos trabajadas de un artesano, de un carpintero.
NTRO. PADRE JESÚS DE LA CAÍDA
Creada en 1942.
Fiel a su actitud de acometer sus obras
con total verismo, de nuevo las manos son
unas manos trabajadas, fuertes y potentes.
Si cuidadas son las manos no deja ápice a la
improvisación en el resto del cuerpo, con una
anatomía de armoniosas proporciones y
particular belleza, sin idealización salvo en la
policromía, donde omite cualquier referencia al
sufrimiento carnal que viviera cuando fue flagelado.
LA REDENCIÓN
Creada en 1931.
La composición de esta obra está marcada
por la Cruz. También realizará los faldones
del trono. Aquí ya vemos un modelo de Jesús
con la Cruz que repetirá posteriormente.
Es un Cristo sin dolor en el rostro, que vuelve
la mirada al cielo y con escasas alusiones al
sufrimiento corporal. Es una tónica que Benlliure
repetirá una y otra vez. Sus Cristos causan,
casi ternura, pero no por la sangre y el
sufrimiento sino por la suavidad de sus rasgos
y la expresión sosegada de sus rostros. Son
rostros que dejan vislumbrar la divinidad a través
de sus expresiones y sus miradas.
El grupo se encuentra durante todo el año en el
Museo de Semana Santa.
GIAN LORENZO BERNINI Nació el 7 de diciembre de 1598 en Nápoles
y murió el 28 de noviembre de 1680 en Roma.
Escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de
los artistas más destacados del Barroco.
En sus obras más tempranas resultan ya
evidentes la ruptura con el manierismo tardío
y una concepción radicalmente distinta de la
escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad
y la búsqueda de efectos escenográficos están
ya presentes en estas primeras creaciones.
CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO
La tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos.
La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera.
Representación del desnudo en su estado puro.
Se utiliza preferentemente la madera, el mármol…
LA VERDAD DESCUBIERTA POR EL TIEMPO
Creada entre 1645 y 1652 y se encuentra en
la Galería Borghese, Roma.
Mide 280cm de alto y está hecha de mármol.
Su idea original, atestiguada por bocetos
iniciales, era realizar una escultura con el
tema La Verdad descubierta por el Tiempo
donde este último, en forma de un torbellino,
desnudaba violentamente a la primera.
Finalmente, quedó la imagen de la Verdad
desnudada con violencia pero no la
representación del Tiempo. Además incluye
una especie de sol que la Verdad sostiene
entre sus manos y que simbolizaría la verdad
que es descubierta.
CABRA AMALTEA
Creada en 1625 y se encuentra en la
Galería Borghese, Roma.
Está hecha con mármol y mide 44 cm
de altura.
El mito de la cabra Amaltea es una leyenda
heredada de la mitología griega y,
posteriormente adaptada por los romanos,
que dicen que Amaltea es la cabra que
alimentó con su leche a Júpiter, el dios Zeus
en la mitología griega, el pequeño dios había
roto uno de sus cuernos, el cuerno de la
abundancia, como un símbolo asignado a la
mayoría de personificaciones romanas, el cual
es visible en los reversos de las monedas.
ÉXTASIS DE SANTA TERESA
Fue realizada entre 1647 y 1651y se encuentra
en la iglesia de Santa María de la Victoria, en
Roma, donde actualmente se encuentra.
Tiene una altura de 3,5 metros y está realizada
en mármol blanco principalmente, y los rayos del
sol de bronce.
Esta considerada una de las obras maestras de la
escultura del alto barroco romano.
La escena recoge el momento en el que el ángel
saca la flecha, y la expresión del rostro muestra
los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor
y placer.
La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del
pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini
además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor
realismo y sensación de misticismo.
FRANÇOIS RUDENació en Dijon el 4 de enero de 1784 y murió
el 3 de noviembre de 1855 en París.
Fue uno de los escultores más sobresalientes
del romanticismo.
ESCULTURA ROMÁNTICA
Posee calidad, expresividad y dinamismo.
Influyen los modelos barrocos.
Se produce una unificación e interdependencia
estilística apuntada, neoclásica-romántica-
realista.
Domina la narración sobre lo conceptual y el
movimiento sobre la quietud.
OBRAS
LA MARSELLESA
Creada entre los años 1833y 1836 y se encuentra
en el Arco de Triunfo de L´Etoile, París.
Hecha de piedra caliza y tiene unas dimensiones de
13m por 8m.
La obra está llena de valores simbólicos e
ideológicos.
El relieve consta de dos partes: la inferior la
componen los voluntarios, soldados veteranos, recios,
rudos… modelados con gran fuerza y vigor,
especialmente en rostros, torsos, brazos y piernas.
En la parte superior la poderosa figura angélica alada,
domina y dirige el grupo con gran ímpetu y dinamismo.
La escultura presenta gran atractivo y robuztez.
NAPOLEÓN DESPERTANDO A LA INMORTALIDAD
Hecha entre los años 1845 y 1847 y se
Encuentra en el Museo de Orsay, París.
Hecho en escayola.
En ella consigue sublimar la figura del
emperador, rodeándola de misterio y
grandeza.
Napoleón, que está reclinado sobre su
sepulcro, vestido con amplio capote militar,
parece surgir, de ultratumba, como una
aparición mítica y salvífica.
Es una escultura enigmática, llena de
simbolismos y significaciones.
PESCADOR JUGANDO CON UNA TORTUGA
Creada entre los años 1831 y 1833 y
se encuentra en el Museo del Louvre,
París.
Hecha con mármol, muestra a un joven
pescador que aparece sentado y desnudo
por completo con una tortuga.
Muestra felicidad ya que tiene una gran
sonrisa.
La escultura parece muy real.
DONATELLO
Donatello nació en Florencia, Italia en 1386 y
falleció en ibídem el 13 de diciembre de 1466.
Fue un famoso artista y escultor italiano de
principios del Renacimiento.
CARACTERÍSTICAS PROPIAS
Donatello destacó en una fuerza innovadora en
el campo de la escultura monumental y en el
tratamiento de los relieves, donde logró
representar una gran profundidad dentro de un
mínimo plano, denominándose con el nombre de
stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».
Su estancia en Roma fue decisiva para el
completo desarrollo del arte italiano en el siglo XV
OBRAS
DAVID
Es una escultura creada en el año 1440
y está realizada de bronce.
Mide 158 cm de altura y se encuentra en
el museo Nazionale del Bargello, Florencia,
Italia.
Es una obra representativa del quattrocento
italiano, en ella observamos un aire clásico
debido a su desnudez y a su composición
praxiteliana y a pesar de que se trata de un
tema bíblico se reconoce a un héroe de la
Antigüedad clásica.
PÚLPITO EXTERIOR DE LA CATEDRAL DEL PRATO
Fue realizada entre 1428 y 1438 y se
encuentra en el Museo dell´Opera del
Duomo (Prato).
Mide 210cm de altura.
Es una escultura compuesta por mármol,
bronce y mosaico.
Fue colocada en la parte sureste de la
catedral de Prato para proporcionar
vinculo entre el lado romántico y la
fachada gótica. Una vez concluido fue
celebrado por la elegancia de su baldaquino
o sombrilla, con un techo de madera de
cuadratura radial, originalmente pintado de
rojo, azul y oro.
JUDITH Y HOLOFERNES
Fue realizada entre los años 1453 y
1457.
Es una escultura de bronce y mide
236 cm de altura.
Se encuentra en la Sala de los Lirios
del Palazzo Vecchio en Florencia.
La estructura de la obra es piramidal.
En la estructura se observa la oposición
entre las dos figuras, Holofernes aparece
desnudo mientras que Judith aparece
completamente cubierta por la ropa.
El cuerpo de Holofernes cae ya sin
fuerzas y se sostiene sólo por la mano de
Judith, mientras la figura de Judith
triunfante se levanta con su espada.
ALONSO BERRUGUETE
Nació en Paredes de Nava, Palencia, España
en el año 1490 y falleció en Toledo, España,
en 1561.
Fue escultor castellano del Manierismo.
Aprendió pintura y escultura en el taller
familiar; sus obras de entonces evidencian
el contacto con los escultores activos en
Castilla.
Copió el Laocoonte recién descubierto en Roma por encargo de Bramante, y eso
hace suponer que se alineaba en el grupo rival de Miguel Ángel Buonarrotti.
SACRIFICIO DE ISAAC
Creada en 1526 y se encuentra en el Museo
Nacional de Escultura (Valladolid).
Está elaborada con madera policromada
Este grupo constituye un singular exponente
de la formulación de los conceptos manieristas
aplicados a la escultura con fines devocionales.
La gran expresividad de las figuras, sus formas
y proporciones estilizadas, y los mecanismos
emocionales enfatizados por el uso de la
policromía, caracterizan la producción de Alonso
de Berruguete donde se combinan, de forma
dramática, las más refinadas licencias de
manierismo con unas actitudes patéticas,
consonantes con los valores más expresivos de
la tradición goticista. El San Cristóbal es su
compañero.
RETABLO DE LA MEJORADA
Fue creada en el año 1530 y se encuentra en
el Museo Nacional de Escultura (Valladolid)
Está elaborada con madera policromada
La obra de la Mejorada marca su alejamiento
del servicio real. Su estructura es clasicista y
presenta bella decoración en sus superficies, y
sus relieves de las calles laterales, muestran el
sentido manierista de su composición o la gracia
florentina del cortejo que domina sobre el
dramatismo del tema.
ADORACIÓN DE LOS MAGOS
Fue creada en el año 1526 y se encuentra
en el Museo Nacional de Escultura (Valladolid).
Está realizada con madera policromada
La gran expresividad de sus figuras, sus formas
y proporciones estilizadas, y la variedad de
recursos emocionales enfatizados por el uso de
la policromía configuran una opción radical donde
se combinan, de forma dramática, las más
refinadas licencias del Manierismo con unas
actitudes patéticas en consonancia con los valores
más expresivos de la tradición goticista.
MIGUEL ANGEL BUONARROTI
Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese y
falleció el 18 de febrero de 1564 en Roma.
Escultor, arquitecto y pintor del renacimiento
italiano.
Caracterizado por sus perfeccionamiento,
triunfó en todas las artes en las que
trabajó.
RENACIMIENTO ITALIANO
Las formas aparecen situadas en espacios reales.
El color se convierte en algo esencial y constitutivo delas formas.
Las técnicas serán pintura al temple sobre tabla y frescos naturales.
Los temas más utilizados, los religiosos, los mitológicos y retratos.
La luz será interna a la obra.
BACUS
Fue realizada entre los años 1496 y 1497
y está elaborada con mármol. Con una
altura de 203 cm y se encuentra en el Museo
Nazionale del Bargello en Florencia.
Primera obra maestra de Miguel Ángel,
donde muestra la sexualidad y simboliza
el espíritu del hedonismo clásico. También
muestra el sátiro como referencia a Sileno
y la piel desollada y llena de uvas simboliza
la vida sobre la muerte.
PIEDAD RONDANINI
Fue la última obra de Miguel Ángel ya que
estuvo trabajando en ella hasta tres días
antes de morir. Se encuentra en el museo
del Castillo Sforzesco de Milán.
Fue realizada en diversas etapas ya que
tiene partes completamente acabadas y
otras aún en elaboración, como el rostro
de la Virgen.
Nos muestra la fusión de madre e hijo:
lo divino. Expresa un sentimiento religioso.
Domina el espíritu y desprecia la materia.
La virgen lucha por sostener el cuerpo de
cristo.
VIRGEN DE LA ESCALERA
Data de1491 y es una escultura en relieve
de mármol, que se encuentra en la Casa
Buonarroti de Florencia.
La obra tiene unas medidas de 55,5 x 40 cm.
La Virgen se encuentra representada sentada,
encima de un cubo de piedra, el Niño se
encuentra de espaldas sentado sobre ella y
mamando; aparece también una escalera
puesta en la parte izquierda.
Podemos decir que los cinco escalones de la
escalera representan las cinco letras del
nombre de María y representan el camino al
paraíso.
AUGUSTE RODIN
Nació en París el 12 de noviembre de
1840 y falleció en Meudon el 17 de
noviembre de 1917.
Fue un escultor francés contemporáneo a
la corriente Impresionista. Rodin ha sido
denominado en la historia del arte:
«el primer moderno».
TÉCNICA
El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso.
Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.
OBRAS
LOS BURGUESES DE CALAIS
La escultura estuvo lista en 1888 para
finalmente ser terminada e inaugurada en
1895. La escultura está realizada en bronce.
Mide 2 metros de alto y cerca de 2,5 metros
de ancho y se encuentra en el puerto francés
de Calais.
Se compone de seis hombres de
igual altura y vestidos en ropajes similares.
Cada rostro refleja rasgos individuales y da
la impresión de sentimientos variados
resolución, angustia, apatía…
No se narra un instante específico congelado
en el tiempo, sino un espectro de pensamientos,
sentimientos y decisiones.
LAS PUERTAS DEL INFIERNO
Mide 6,35m de alto, 4 de ancho y 1 de
profundidad. Contiene 180 figuras cuyas
dimensiones fluctúan entre los 15cm y
más de un 1 m.
Actualmente se encuentran en el Museo
Rodin de París, pero no están completas.
El material es bronce, aunque no se fundió
hasta después de la muerte del artista.
Se acerca a los impresionistas dada su
preocupación por los efectos de la luz y
por afinidad artística y personal.
EL BESO
Este grupo escultórico fue realizado en el
año 1886 y se encuentra en el Museo Rodin.
Mide 183 cm de altura.
El material con el que está elaborado es el
mármol.
Fue realizado dentro del diseño inicial de las
Puertas del Infierno y exhibido en el Salón
de 1898. Existen otras versiones del mismo.
La composición revela una de las características
más distintivas de Rodin: la no utilización de un
punto de vista único, sino la visualización del
conjunto desde varios observatorios.
TILMAN RIEMENSCHNEIDER
Nació h.1440 en Heiligentadt y falleció
el 7 de julio de 1531 en Wuzburgo.
Fue un escultor destacado del Renacimiento
alemán. Combina la expresividad religiosa
con una reproducción realista de los rostros.
Trabajó sobre todo con madera de tilo sin
pintar, pero también con alabastro, piedra
caliza y mármol.
ESTILO:
Fue un artista del gótico tardío o del primer Renacimiento. La obra de este
escultor constituye un puente entre los estilos antiguo y nuevo. Típicamente
tardomedievales son los ricos e intrincados marcos de sus grandes retablos.
Los rostros realistas de las figuras y los desnudos cuidadosamente estudiados
anuncian una nueva etapa. Este escultor siempre estuvo vinculado con los temas
religiosos, de hecho, tiene obras de personajes religiosos en invitan a los
espectadores a reflexionar.
OBRAS:
ADÁN
Creada en el año 1510.
Es una escultura de madera de peral,
que mide 24cm de altura. Se encuentra
en el Kunsthistorisches Museum, Viena.
La obra se corresponde con los ideales
góticos de belleza, los detalles naturalistas
y la curva en “S” del esbelto cuerpo muestra
un nuevo interés por la forma humana y
su representación artística.
ÚLTIMA CENA
Creada entre los años 1501-1505.
Esta escultura está elaborada con
madera de tilo y de pino. Mide 4,16m
de anchura.
Se encuentra en la iglesia de San Jacobo,
Rothenburgo.
Esta obra de arte tallada es
la parte central de un gran retablo de
cuatro partes conocido como la Santa Sangre. Las figuras salen de un material
casi perfecto, el énfasis principal se encuentra en los rostros, con expresiones
individuales, llenas de carácter y vitalidad en sus animados gestos. El vano de la
parte de atrás de la pieza permite que la luz ilumine con especial viveza todo el
conjunto.
ASUNCIÓN DE LA VIRGEN
Fue creada entre los años 1505-1510.
Esta escultura está hecha de madera
de tilo. Mide 7m por 3,5 m. Se encuentra
en kunsthistoriches Museum, Viena.
El artista esculpió él mismo las figuras
principales de tamaño natural, aunque
dejo partes de la enorme pieza para que
las contemplaran los miembros de su taller.
GIOVANI DA BOLOGNA
Nació en 1529 en Douai y falleció en 1608
en Florencia. Fue el escultor más importante
que surge en la transición del Renacimiento
al Barroco. Creó esculturas independientes,
de tamaño natural, piezas monumentales para
jardines y figuras de bronce.
ESTILO PROPIO:
Fue el escultor manierista más importante de Italia. Sus figura magistrales en su composición parecen tener vida propia. Su dominio absoluto de las técnicas le llevó a abrir nuevas posibilidades en la escultura de bronce, llevando sus representaciones al máximo. Creó escenas tan sofisticadas como sensuales. Sus figuras de bronce se convirtieron en preciados objetos de coleccionistas por toda Europa y ejercieron gran influencia tanto en los escultores coetáneos como posteriores.
OBRAS
HÉRCULES Y EL CENTAURO NESO
Realizada en el año 1599. Es una
escultura de mármol. Se encuentra
en Piazza della Signoria
(Florencia).
La escultura se caracteriza por una
gran fuerza plástica expresada por la
fuerte torsión, casi elástica, del cuerpo
del centauro Neso, doblado por la
fuerza de Hércules.
MERCURIO
Creada en el año 1580. Es una escultura de
bronce que mide 187cm de altura. Se
encuentra en el Museo del Bargello, Florencia.
Mercurio el mensajero de los dioses, parece
conquistar la fuerza de la gravedad
desplazándose raudo en el aire con sus pies
alados. El virtuoso escultor equilibra todo
ese peso de la figura en un único punto.
Mercurio se encuentra en una corriente de
aire que sale de la boca de Céfiro, el dios del
viento. El brazo que gesticula hacia arriba
acentúa la ligereza que transmite el cuerpo.
EL RAPTO DE LAS SABINASRealizada en el año 1583.Es una escultura
de mármol que mide 410cm de altura. Se
encuentra en la Plazza della Signoria,
Florencia.
En esta escultura se observan varias
figuras que describen una curva en “S”
se enroscan unas a otras formando un
espiral que se dirige hacia arriba. Se
trata de una perfecta ejecución de la
composición llamada figura serpentinata.
La posición de los personajes hace que el
espectador tenga que moverse alrededor
de la obra, lo que le revela nuevas vistas
en cada posición. Se representa la leyenda
clásica del rapto de las sabinas a manos de
los romanos. La fuerza y la brutalidad están
plasmadas con maestría en esta dinámica pieza.
FOTÓGRAFOS
ANSEL ADAMS
Nace el 20 de febrero de 1902 en San
Francisco y falleció el 22 de abril de 1984.
Adoptó como tema fotográfico los paisajes
del suroeste de su país.
Conocido por sus fotografías en blanco y
negro de paisajes del parque nacional Yosemite
en Estados Unidos.
Su sistema de zonas es una demostración de
cómo la cámara o el fotómetro de la misma,
mide el gris medio de 18% de reflectancia
como de cualquier cámara
OBRAS
MONTAÑAS TETONS Y EL RÍO SNAKE
HOJAS EN PRIMER PLANO DEL LAGO GLACIER
AMANECER LAGO MCDONALD
CECIL BEATON
Nació en Londres el 14 de enero en 1904 y
falleció el 18 de enero de 1980 en Salisbury.
Logró fama a nivel mundial, como fotógrafo
y diseñador británico, debido a sus grandes
dotes.
Innumerables famosos posaron ante su objetivo
entre decorados innovadores: técnicas de luces
y sombras, manipuladas con gran sensibilidad,
juegos de espejos, vestidos extravagantes….
Es recordado por sus fotografías de la Segunda
Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña.
BILL BRANDT
Nació el 3 de mayo de 1904 y falleció
el 20 de diciembre de 1983.
Fue un fotógrafo británico conocido por
sus imágenes en blanco y negro sobre
contrastes sociales en la sociedad británica
y sus fotos distorsionadas de desnudos y
paisajes.
También realizó fotografías como periodista
gráfico. Su trabajo ejerció bastante
influencia durante la segunda mitad del siglo
XX. Su primera exposición monográfica en
España tuvo lugar en 2008 en Photoespaña.
Según sus palabras: "Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultadas
receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez”.
OBRAS
HENRI CARTIER-BRESSON
Nació el 22 de agosto de 1908 y 3 de agosto
de 2004.
Fue un célebre fotógrafo francés
considerado por muchos el padre del
fotorreportaje. Predicó siempre con la idea
de atrapar el instante decisivo, versión
traducida de sus "images à la sauvette",
que vienen a significar con más precisión
"imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues,
de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el
mismo momento en el que se desarrolla el
clímax de una acción.
OBRAS
MARTINE´S LEGS, 1967
ESTAMBUL, TURQUÍA, 1964
AU BORD DE LA MARNE
MAN RAY
Nació en Filadelfia, Estados Unidos el 27 de
agosto de 1890 y falleció en París el 18 de
noviembre de 1976.
Fue un artista estadounidense impulsor de
los movimientos dadaísta y surrealista en
Estados Unidos.
Poseedor de una gran imaginación y siempre al
frente de las vanguardias, trabajó con todos los
medios posibles: pintura, escultura, fotografía y
películas.
AUTORES LIBRES
GAUDÍ
Nació en Reus el 25 de junio de 1852 y
falleció el 10 de junio de 1926 en Barcelona.
Fue un arquitecto máximo representante del
modernismo catalán. Fue un arquitecto con un
sentido innato de la geometría y el volumen.
Creó un estilo personal basado en la observación
de la naturaleza.
MODERNISMO ESPAÑOL
El modernismo español destaca como el más original, imaginativo y rico en
fantasía, en ocasiones desbordada del ámbito europeo.
Los inmuebles se construyen en formas románticas expresionistas, siendo su
aportación más osada la deformación maleable de las fachadas y estructuras,
ejecutadas libremente y sin condicionamientos, que adquieren morfologías
imponentes.
OBRAS
PALACIO EPISCOPAL DE ASTORGA
Está en la ciudad de Astorga y su construcción
se llevó a cabo entre 1889 y 1915.
Está construido con granito gris del Bierzo.
La fachada presenta cuatro torres cilíndricas y
está rodeada de un foso. El pórtico tiene tres
grandes arcos abocinados.
La parte posterior presenta un ábside en la
capilla; la planta baja contiene un gran
vestíbulo.
La estructura del edificio se sustenta en
pilares con capiteles decorados y en bóvedas
de crucería.
EL TEMPLO EXPIRATORIO DE LA SAGRADA FAMILIA
Es un gran templo católico de Barcelona iniciado
en 1882 y todavía está en construcción.
Cuando esté terminado, dispondrá de 18 torres.
El interior estará formado por innovadoras en
hiperboloides y paraboloides buscando la forma
óptima de la catenaria.
Una de sus ideas más innovadoras fue el diseño
de las elevadas torres cónicas circulares que
sobresalen apuntadas sobre los portales,
estrechándose con la altura. Las proyectó con una
torsión parabólica dando una tendencia ascendente
a toda la fachada, favorecida por multitud de
ventanas que perforan la torre siguiendo formas espirales.
PABELLONES GÜEL
Son una serie de edificaciones situadas en
el barrio de Pedralbes (Barcelona).
Construidos entre 1884 y 1887.
Realizó el muro de mampostería con varias
puertas.
Los pabellones constan de caballeriza,
picadero y portería: la caballeriza es de base
rectangular, cubierta con bóveda tabicada con
forma de catenaria; el picadero es de base
cuadrada con una cúpula de perfil hiperboloidal,
rematada por un templete.
WALT DISNEYNació en Illinois, Chicago, el 5 de diciembre de
1901 y falleció en Los Ángeles, California, el
15 de diciembre de 1966. Fue un productor,
director, guionista y animador estadounidense.
Fue el fundador, junto con su hermano Roy O.
Disney, de The Walt Disney Company y el
principal artífice de un estilo inconfundible de
películas de dibujos animados.
IDEOLOGÍAS
La ideología de Walt Disney, tal como se hace patente en sus películas, se basa
sobre todo en la defensa de los valores del modo de vida americano, en los que
creía firmemente.
Durante el conflicto bélico, colaboró con el gobierno realizando varios filmes de
propaganda.
Disney ha sido tildado a veces de antisemita, argumentando que los judíos
aparecen como personajes estereotipados y malévolos en algunos cortometrajes de
la década de 1930.
OBRAS
BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANITOS
Es una película de 1937 producida por Walt
Disney Pictures y el primer largometraje
animado producido por Walt Disney. No fue
el primer largometraje de la historia de la
animación, pero sí fue el primero en alcanzar
un amplio éxito internacional, además de ser
el primero realizado conjuntamente en
forma sonora y en colores.
La película trata de una bella princesa llamada Blancanieves que tiene de
madrastra a la Reina que quiere matarla al saber que la supera en belleza.
Después de huir de ella se va a la cabaña de los siete enanitos para esconderse de
su furia.
La Reina decide disfrazarse de bruja e ir a matar a Blancanieves. Los enanitos la
metieron en un ataúd de cristal, entonces un día apareció el Príncipe y la despertó
con un beso.
MICKY MOUSE
Disney optó por crear un nuevo personaje.
La primera aparición cinematográfica de
Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928
en Plane Crazy, un cortometraje mudo,
como todas las películas de Disney hasta
esa fecha.
El propio Disney se encargó de los efectos
vocales de sus primeros cortometrajes y
fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947.
Mickey Mouse conoció un extraordinario
éxito, hasta el punto de que, en 1935,
la Sociedad de Naciones premió a Disney
con una medalla de oro, declarando a
Mickey, símbolo internacional de buena
voluntad.
LA CENICIENTA
una película animada de 1950 basada
en el cuento popular del mismo nombre de
Charles Perrault. La película fue producida
por Walt Disney.
Galardonada con el Premio especial del
Festival Internacional de Cine de Venecia
1951. El premio Oso de Oro y el premio
Grand Bronze Plate del Festival Internacional
de Cine de Berlín 1951.
Cenicienta es una joven desgraciada que gracias
a la ayuda de su hada madrina consigue ir a la
fiesta que da el príncipe y al fin casarse con él.
STEVEN SPIELBERG
Steven nació en Cincinnati, Ohio el 18
de diciembre de 1946. Es un director,
guionista y productor estadounidense de
cine. Steven Spielberg está casado con
la actriz Kate Capshaw, a quien conoció
durante las audiciones para la película
Indiana Jones y el templo perdido.
Es uno de los directores más reconocidos
en la industria del cine mundial. Ha sido condecorado con la Orden del Imperio
Británico y la Medalla Nacional de Humanidades.
Spielberg ha producido Los Picapiedra, Casper, Impacto profundo, Parque jurásico
y La Máscara del Zorro, entre otras.
OBRAS
E.T EL EXTRATERRESTRE
Realizada en 1982, es una película de ciencia
ficción que cuenta la historia de una amistad
muy especial que se desarrolla entre Elliott,
un chico joven y solitario que reside en un
barrio a las afueras de una ciudad californiana,
y un visitante sabio y de gran corazón
procedente de otro planeta que se pierde en la Tierra.
Mientras Elliott intenta ayudar a su compañero extraterrestre a contactar con su
planeta natal para que le rescaten, deben escapar de científicos y agentes del
gobierno que desean apresar al alienígena.
El concepto de E.T. está basado en un amigo imaginario de Spielberg, creado tras
el divorcio de sus padres.
PARQUE JURÁSICO
Fue realizada en 1993, es una película
de aventuras, ciencia ficción y fantasía.
Obtuvo tres premios óscar.
Su argumento trata de un multimillonario,
John Hammond, el cual consigue hacer
realidad su sueño de clonar dinosaurios
del Jurásico y crear con ellos un parque
temático en una isla remota. Antes de
abrirlo al público invita a una pareja de
eminentes científicos y un matemático a que lo visiten para comprobar la viabilidad
del proyecto. Pero las medidas de seguridad diseñadas para el parque no prevén el
instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.
INDIANA JONES Y EL TEMPLO MALDITO
Fue estrenada en el año 1984, es una película
de aventuras y acción cuyo argumento trata de
un hombre, Indiana Jones, que tras escapar de
una pelea en un violento club nocturno de
Shanghái, llega a las tierras salvajes de la
India y descubre un plan siniestro en el que los
niños de un remoto pueblo son retenidos como
esclavos en una mina-fortaleza propiedad de los
sacerdotes del diabólico culto Thuggee. Indy tratará de salvar a los chicos con la
ayuda de su inseparable amigo Tapón y de la siempre poco dispuesta Willie Scott.
A pesar de ser la segunda película de la saga, esta ambientada en 1935, un año
antes que “En busca del Arca Perdida“ (1936, por lo que esta sería,
cronológicamente, la primera aventura de indy).
MARTIN SCORSESE
Martin Scorsese nació el 17 de noviembre
de 1942. Es un director, guionista, actor
y productor estadounidense.
Las obras de Scorsese abordan
principalmente los temas de la vida
italo-estadounidense y los conceptos de
y redención católicos romanos, el machismo
y la violencia endémica en la sociedad
estadounidense.
Ganó un premio Óscar en 2006 al mejor
director, tres Globos de Oros en 2002,
2006 y 2010 y dos BAFTA, ambos en 1990.
OBRAS
CASINOFue estrenada en el año 1995; la película
es un drama.
La sinopsis de esta película trata de un
profesional de las apuestas en carreras
de caballos que es elegido por un grupo de
mafiosos como director de un casino. Su
misión es controlar el funcionamiento del
negocio y asegurar que la corriente de dinero
que va a parar a manos de sus jefes siga
fluyendo. Las Vegas es el lugar donde se
encuentra el casino, lugar ideal para
millonarios y políticos pero también lugar de
paso para jugadores de bajos fondos,
prestamistas, traficantes de drogas y matones.
EL COLOR DEL DINERO
“El color del dinero” fue estrenada en el
año 1986.
La película es de drama y está inspirada
en un novela de 1984 del escritor Walter
Tevis cuyo argumento trata de un antiguo
campeón de billar, Eddie Felson, retirado
de todo ese mundo se dedica a sus negocios
de licores. Un día, en una sala de juego
conoce a Vincent, un joven también jugador
de billar, que aún no ha encontrado todavía
oponente y que siempre va acompañado de su
novia, encargada de las apuestas que se hacen
sobre él.
AL LÍMITE
“Bringing Out the Dead” o “Al límite” fue
estrenada en el año 2000.
Es una película cuyo género es el drama.
El argumento de la película va de un ATS
conductor nocturno de ambulancias de
Nueva York, Frank Pierce, quien estaba
cansado por el estrés y la dureza de sus
condiciones de trabajo, ya que se pasa
las noches recogiendo a todo tipo de enfermos.
Frank Pierce comienza a sufrir alucinaciones en
las que se aparecen personas que no pudo salvar,
por lo que se obsesiona con la necesidad de salvar
vidas.
ALFRED HITCHCOCK
Alfred Hitchcock nació en Londres el 13
de agosto de 1899 y murió en Los Ángeles
el 29 de abril de 1980.
Fue un director de cine británico
nacionalizado estadounidense. Figura
indiscutible del cine de misterio y de
intriga, la capacidad del cineasta Alfred
Hitchcock para aplicar recursos narrativos
innovadores al servicio del suspense tuvo
una importancia fundamental para el
desarrollo del lenguaje cinematográfico
moderno.
OBRAS
CON LA MUERTE EN LOS TALONES
“Con la muerte en los talones” fue estrenada
en el año 1959, es una película de intriga,
cuyo argumento trata de un ejecutivo del
mundo de la publicidad es confundido con un
agente de gobierno por una organización de
espionaje. El ejecutivo es secuestrado por
tres individuos y llevado a una mansión en
la que es interrogado pero consigue huir
antes de que lo maten. Al día siguiente
vuelve a la mansión acompañado de la policía
no hay ni rastro de las personas que había
descrito el ejecutivo.
VERTIGO
“Vertigo” fue estrenada en el año 1958,
es una película de intriga cuyo
argumento trata de un detective de la
policía de San Francisco, Scottie Fergusson,
que siente miedo a las alturas y se ve obligado
a retirarse cuando un compañero cae de una
cornisa al vacío, durante la persecución de un
delincuente.
Un viejo amigo del colegio, Gavin
Elster, contrata a Scottie para vigilar a su
esposa Madeleine, una bella mujer que está
obsesionada con su pasado.
LA TRAMA
“La Trama” fue estrenada en el año 1976,
es una película de intriga, que, trata de
una falsa espiritista, Blanche Tyler, que
hace pequeños trabajos para ganarse la vida
haciéndose pasar por vidente, conoce la
existencia de Arthur Adamson, hijo ilegítimo
de una rica anciana que desea nombrarle su
heredero. Adamson se ha convertido en un
estafador con la complicidad de su amante
Fran.
La película quizás no cuenta con un clímax
demasiado logrado pero es sin duda es un
ejercicio de entretenimiento, en el que Hitchock
rememora con ingenio algunas situaciones vistas
en pretéritos títulos de su impresionante filmografía.