los 40 principales
DESCRIPTION
Los 40 Principales. Javier de la Torre González 1º Grado Educación Primaria Grupo T - 5. INDICE * PINTORES………………………….............5 – 171 * ESCULTORES……………………………172 – 249 * FOTÓGRAFOS…………………………...250 – 271 * CINEASTAS………………………………272 – 299 * BIBLIOGRAFÍA…………………………..300 - 301. - PowerPoint PPT PresentationTRANSCRIPT
1
LOS 40 PRINCIPALESJavier de la Torre González
1º Grado Educación Primaria
Grupo T - 5
2
3
INDICE
* PINTORES………………………….............5 – 171
* ESCULTORES……………………………172 – 249
* FOTÓGRAFOS…………………………...250 – 271
* CINEASTAS………………………………272 – 299
* BIBLIOGRAFÍA…………………………..300 - 301
4
Para la realización del apartado “Pintores y Escultores” he elegido autores que han sido verdaderos maestros en su época y en su estilo. Abarca desde el S.XV hasta el S.XX.
En el apartado “Fotógrafos y Directores de Cine (Autores Libres)” los elegidos pertenecen a los S.XX-XXI.
5
PINTORES
6
RENACIMIENTO
Movimiento literario, artístico y científico que tuvo lugar en Europa en los S.XV-XVI, basado en gran parte en la imitación de la antigüedad.
Los pintores elegidos son: Botticelli, Leonardo da Vinci y Tiziano.
7
BOTTICELLI (1445 – 1510)
Su verdadero nombre era Alessandro di Mariano Filipepi.
Tras un periodo de aprendizaje en un taller de orfebrería, emprendió sus estudios de pintura bajo la dirección de Fra Filippo Lippi.
La mayor parte de su obra la produjo en Florencia como miembro de un grupo de poetas, pintores y sabios que disfrutaban del mecenazgo de Lorenzo de Medicis “El Magnifico”.
Fue uno de los interpretes mas originales del humanismo florentino. Las principales características de sus trabajos son: el trazo decidido, una marcada tendencia hacia la estilización y los tonos suaves. Sus elegantes figuras están dotadas de un aire etéreo y sus gestos son elegantes y refinados.
En sus pinturas desaparece el formalismo medieval, para dejar paso a ritmos y colores que otorgan a sus cuadros una rara sensualidad y un carácter profundamente vital.
En muchas de sus obras se inspiró en los temas de la mitología clásica y en los de la poesía contemporánea.
Sus obras de tema religioso, en especial las representaciones de la Virgen, constituyen la cima del arte renacentista primitivo.
Por otra parte realizó tres frescos en la Capilla Sixtina, que representan escenas de la vida de Moisés (1481 – 1482).
Hacia finales del S.XV Botticelli acusó la fuerte influencia del reformador religioso Savonarola; esto le ocasionó una larga crisis metafísica que, según algunos autores, le llevo a destruir algunas de sus obras de tema pagano. A partir de ese momento su arte se volvió introspectivo y marcado por una singular mezcla de ascetismo y misticismo.
Entre sus últimos trabajos figuran sus dibujos inspirados en La divina comedia de Dante, que según algunos estudiosos son las ilustraciones que mejor reflejan el espíritu de la obra del conocido poeta toscano.
La originalidad del arte de Botticelli radica en que supo combinar la sensualidad con una cierta atmósfera espiritual. Su obra tuvo una profunda influencia sobre numerosos pintores y escuelas, en particular la prerrafaelista.
8
Obras elegidas:
El nacimiento de Venus (1485)
La adoración de los Reyes Magos (1475)
La Primavera (1475 – 1480)
9
El Nacimiento de Venus
10
Botticelli reivindica el desnudo femenino y la fuerza del amor, ambos recogidos en el cuerpo de la diosa Venus.
Su llegada la hace en una concha, símbolo de la fertilidad. Venus llega empujada por el viento exhalado por Céfiro, cuyo cuerpo se entrelaza con el de Cloris, ninfa de la brisa.
Las rosas que caen a su alrededor simbolizan el amor. Al otro lado, la ninfa Flora espera a Venus para arroparla con su manto.
El rostro de Venus parece que pudo estar inspirado en una de las jóvenes mas bellas de la Florencia quattrocentista, Simonetta Vespucci.
En esta obra Botticelli ignora la perspectiva, da poca importancia al paisaje, para centrar toda su atención en el rostro femenino.
11
La adoración de los Reyes Magos.
12
En esta obra incluye varios retratos de la familia Médicis.
La representación de los Médici en un cuadro bíblico con destino a una iglesia sería una declaración pública de adhesión y lealtad a dicha familia.
Es una de sus primeras experimentaciones para distorsionar la perspectiva tal como venía siendo configurada en el Quattrocento.
Este cuadro está dotado de una gran armonía, la virgen y el niño aparecen en el centro mientras que a ambos lados aparecen un número de personas equivalente a cada lado.
Es un ejemplo de anaformismo, pues para verlo precisa ponerse en posición horizontal.
Utiliza un colorido intenso. Presta gran atención al detalle, como puede verse en las vestimentas. Al fondo, el paisaje esencial, de inspiración nórdica.
13
La Primavera.
14
Es una obra compleja, debido a la abundancia de personajes y a su distribución. En ella Botticelli pintó la esencia, el espíritu del Renacimiento: la juventud, la belleza, la frescura y el gusto por los temas de la mitología griega.
En el lienzo aparecen los temas típicos del Renacimiento: Las Tres Gracias a la izquierda, símbolo de la armonía.
Venus, símbolo de la belleza y la juventud primaveral en el centro y junto a ella la personificación de la Primavera con flores en el regazo.
Todos ellos alegres y despreocupados se distribuyen en un paisaje de vegetación idealizada.
15
Leonardo da Vinci (1452 – 1519)
Se formó como artista en el estudio de Andrea Verroccio en Florencia.
Pronto se dio a conocer como maestro en temas científicos y como organizador de las magníficas fiestas cortesanas.
De Leonardo no se han conservado muchas pinturas. Su primera gran empresa fue La Adoración de los Reyes Magos (1481) donde ya logró el efecto del claroscuro que posteriormente desarrollaría con absoluta maestría, en ella aparece por primera vez la técnica del sfumato.
Leonardo pretendió describir la intención del alma humana a través de gestos y movimientos.
Es la personificación del ideal renacentista, al representar el individuo completo que domina todos los campos del saber. Para Leonardo la pintura fue una ocupación secundaria, de hecho dedicaba la mayor parte de su tiempo a otras disciplinas. Aún así fue un genio universal.
16
Obras elegidas:
La última cena (1495 – 1498)
La Gioconda (1503 – 1505)
La Virgen de las rocas (1483 – 1486)
17
La última cena.
18
Pintura mural realizada en el refectorio de Santa María Delle Grazie, en Milán. En esta obra capta con profunda intensidad dramática la reacción de los apóstoles ante la profecía de Cristo: “uno de vosotros me traicionará”.
En este cuadro pintando al temple se ve el magnífico resultado de la preocupación de Da Vinci por los estudios geométricos y por la distribución de los personajes en el lienzo.
Hay un punto de fuga central que coincide con la ventana principal, justo detrás de la figura de Cristo. Si se trazan líneas imaginarias que unan las cabezas de los personajes o los cuadros de las paredes o el techo, todas esas líneas confluyen en la figura central. Así se consigue una sensación única de profundidad.
19
La Gioconda.
20
Retrato famoso por su enigmática sonrisa.
La técnica del claroscuro y la penetración psicológica son los mejores valores estéticos.
Esta obra se conserva en el museo del Louvre de París.
21
La Virgen de las Rocas.
22
En esta obra la técnica del sfumato está totalmente lograda.
Las figuras aparecen envueltas en el claroscuro, típico de la pintura de Leonardo.
El suave oscurecimiento, sfumato, que baña la escena en la que bajo la mano protectora de la Virgen, Juan se arrodilla para adorar al niño Jesús, crea una vaga atmósfera de cálida intimidad.
23
Tiziano (¿? – 1576)
No existe la certidumbre de su nacimiento aunque recientemente se ha determinado que debió nacer en 1485 y 1490), si se sabe que murió en 1576.
Su época corresponde a la del Renacimiento Medio. Poseía unas aptitudes excepcionales para las líneas y las formas clásicas, lo que hizo que lograra conjugar la madura armonía del Renacimiento con un apasionado y exaltado fervor que ya anunciaba el Barroco.
Su fama se debe principalmente a la utilización del color. Consiguió como nadie lo había hecho antes liberar y exaltar el valor expresivo de los colores, a los que empapaba de un carácter sensual, casi modesto, que no ha vuelto a repetirse en el transcurso de los siglos.
Durante su juventud, su obra acusa una atmosfera lirica y contemplativa. A partir de 1530 las obras de Tiziano adquieren un tono mas intimo, sus pinturas se caracterizaron por una gran penetración psicológica y profundidad expresiva. Durante esa época pintó varios cuadros de Venus, entre los cuales cabe citar la Venus de Urbino.
Hacia 1550 se produjo un nuevo cambio en su estilo, se tornó mas liberador y pintoresco y el elemento sensual de los primeros años cedió paso a una atmosfera mas contemplativa. La fuerte influencia de Tintoretto hizo que los motivos religiosos y mitológicos se convirtieran en los temas predominantes de sus obras. Sus últimos años los consagró a interpretaciones religiosas.
24
Las obras elegidas son:
La Venus de Urbino (1538)
La coronación de espinas (1570)
La bacanal (1525)
25
La Venus de Urbino.
26
Esta obra pertenece a la época en la que Tiziano adquiere un tono más intimo.
Tiene una gran profundidad expresiva.
Supo combinar la armonía clásica con el encanto sensual y un cierto aire de intimidad logrado a través del ambiente sereno y cotidiano que la rodea.
27
La coronación de espinas.
28
Esta obra pertenece a los años en los que Tiziano pasa a una atmósfera más contemplativa y en la que los motivos religiosos se convierten en uno de los temas predominantes en sus obras.
Es la obra maestra de un gran patetismo a base de amplias pinceladas, es probablemente la obra mas impresionante de Tiziano y la culminación de su producción.
29
La bacanal.
30
Expresó en esta obra toda la pasión que sentía por la civilización griega.
Curiosamente uno de los dos motivos centrales del cuadro, la figura recostada de Ariana, no está en el centro, sino en la parte inferior derecha. Este personaje no es mas que un pretexto para introducir el desnudo femenino. Su colocación a un lado debía permitir la distribución del resto de los personajes.
El otro motivo importante es la doncella violante, que fue un amor de juventud de Tiziano y que aquí aparece en animado baile con otro personaje representado de espaldas.
Se percibe claramente el gusto por la representación del paisaje idealizado y del disfrute de la naturaleza, tan típicos del Renacimiento.
31
BARROCO
Estilo artístico que nació en Europa al amparo de la contrarreforma y que se impuso en Europa e Hispanoamérica desde finales del S.XVI hasta mediados del S.XVIII.
Nace en Roma, quiere deslumbrar y lo hace mediante efectos de luz y de movimiento.
Los pintores elegidos son: Velázquez ,Rubens y Rembrandt.
32
Velázquez (1599 – 1660)
Pintor español, es uno de los más significativos del arte universal. Fue pintor de cámara de Felipe IV y fue su presencia en la corte lo que le permitió realizar obras de temática muy variada.
El desarrollo del estilo velazqueño estuvo determinado por la constante búsqueda de la luz y la conquista de la perspectiva aérea.
Realizó dos viajes a Italia y fue precisamente la influencia de los pintores italianos lo que le movió a sustituir paulatinamente la paleta oscura y opaca de su primera época por otra más luminosa y la pincelada gruesa y estática por otra mas suelta y ligera.
Estos cambios de estilo y técnica le permitieron dominar la perspectiva aérea y dar a sus composiciones una singular sensación de espacio.
Fue un gran retratista, también realizo obras de temática histórica, religiosa, mitológica y paisajística.
33
Obras elegidas:
La Venus del espejo (1648)
Jesucristo en la casa de Marta y María (1618 – 1620)
Las Meninas (1656)
34
La Venus del Espejo.
35
La sensualidad reflejada por esta Venus representó una experiencia inusitada en la pintura de la época.
El hecho de que la mujer se encuentre tumbada frente a un espejo nos permite no solo ver su cuerpo de espaldas sino que también podemos observar el reflejo de su rostro.
36
Jesucristo en la casa de Marta y María.
37
En esta obra encontramos el gusto de Velázquez por combinar escenas sin una aparente relación.
En primer plano, una vieja parece aconsejar a la joven criada sobre como realizar sus tareas domésticas. Al fondo Jesús hace lo mismo con Magdalena, a la que indica el camino recto a seguir. El significado, sin duda simbólico, podría aludir a la idea de obediencia a la autoridad y el respeto al superior.
El pintor busca de nuevo la escusa para detallar, con el mayor realismo, aspectos u objetos de la vida cotidiana, como los alimentos que aparecen en primer término.
También es interesante el estudio de luces y sombras, así como el de los rostros de los personajes.
38
Las Meninas.
39
Es quizás la obra más famosa de Velázquez, aunque quizás no la más interesante.
Se trata de un gran lienzo, en el que el pintor se permitió retratarse a sí mismo mientras pintaba a los reyes.
Gran parte del interés de la obra está en la dificultad para comprender la escena. Los reyes que posan para el pintor se reflejan en el espejo del fondo, la infanta Margarita interrumpe la sesión entrando con sus damas. Ninguno de los personajes parece mirar al cuadro, sino al espectador, incluso el lienzo aparece de espaldas.
La escena no tiene demasiada lógica, pues la espalda del pintor debería reflejarse también en el espejo.
El misterio y la contradicción del cuadro son quizás los factores que han contribuido a su fama.
La luz parece incidir directamente sobre la infanta, que se convierte así en el motivo central de la obra.
40
Rubens (1571 – 1640)
Uno de los grandes maestros del barroco en Europa. Murió rico y famoso cuando era considerado uno de los mejores pintores europeos. Estudió pintura desde muy joven, fue un hombre de mundo refinado y culto.
Su pintura progresó y maduró con el estudio del arte de la antigüedad clásica y de los grandes maestros del Renacimiento.
Muy pronto adquirió un estilo personal que marcaría su obra a lo largo de su vida. Sus cuadros se caracterizan por el audaz tratamiento de la forma y el color, su dramatismo y su plasticidad. Nombrado pintor de la corte del archiduque en Amberes, fue cuando alcanzó la cumbre de la perfección pictórica.
Pintó retratos, paisajes y obras de tema histórico y religioso. Su segunda mujer, de aspecto voluptuoso se convirtió en el modelo favorito para Rubens en la última década de su vida. Tuvo numerosos discípulos entre los que destacó Van Dyck.
41
Obras elegidas:
El combate de Amazonas (1616 – 1618)
Las Tres Gracias (1635)
El rapto de las hijas de Leucipo (1616 – 1618)
42
El combate de Amazonas.
43
Genial ejemplo del gusto barroco por la acción violenta y el movimiento.
44
Las Tres Gracias.
45
Además de la desnudez de los cuerpos, rasgos plenamente barrocos las tres mujeres muestran la exuberancia y la audacia típicamente nórdicas.
46
El rapto de las hijas de Leucipo
47
En este cuadro aparece el movimiento nervioso de los caballos, la lucha por resistirse al rapto retorciendo sus cuerpos y agitando los brazos es un pretexto para el estudio del desnudo femenino.
El ímpetu, la exageración y la desnudez de los cuerpos son rasgos plenamente barrocos.
En las telas de Rubens subyace siempre un diseño geométrico oculto: en este caso la escena se enmarca en un cuadro dividido por una diagonal que queda encajada entre los cuerpos de las dos hermanas.
48
Rembrandt (1606 – 1669)
Pintor neerlandés, probablemente uno de los más famosos y apreciados del mundo. En sus composiciones destaca el carácter dramático y dinámico, los contrastes de luz, la vivacidad de los colores y su pasión por el detalle.
Pasó por un periodo creativo y fue adquiriendo una creciente fama a la que contribuyó su obra La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp.
En la década de 1630 alcanzó la madurez y utilizó en sus pinturas una escala de colores cálida y armónica. Vivió una época de grandeza junto a su primera esposa, pasando mas tarde a una ruina económica. Durante esos años su arte derivó hacia la expresión melancólica: las figuras están revestidas de un rojo cálido y predominio del claroscuro.
Así mismo en esta época creció su ardor religioso; en escenas como La cena de Emaús se percibe su carácter introvertido.
Fue también uno de los mejores dibujantes y grabadores, destacó en el aguafuerte y cultivó el retrato psicológico con gran maestría, en muchos de los cuales aparece él mismo acompañado de personas de su familia o amigos.
49
OBRAS ELEGIDAS:
Ronda de noche (1642)
Mujer bañándose (1655)
Lección de anatomía (1632)
50
Ronda de noche.
51
Fue un encargo de la corporación de arcabuceros de Ámsterdam, encargados de velar por la seguridad de la ciudad. Curiosamente su titulo inventado posteriormente es una incorrección. Con el paso del tiempo el lienzo se fue ensuciando y perdiendo sus colores originales, con lo que llegó a aparecer involuntariamente una escena nocturna. En el aparecen retratados los integrantes del gremio y sus rostros aparecen definidos gracias a la luz que incide lateralmente sobre ellos. El contraste entre luces y sombras permite marcar la profundidad de la escena.
52
Mujer bañándose.
53
Óleo en el que Rembrandt pone de manifiesto su gran ternura en el retrato de personajes femeninos.
54
Lección de anatomía
55
Es una apología de una lección de cátedra en la que aparece el medico Nicolaes Tulk disecando un cadáver. Rembrandt gran conocedor del alma humana ha señalado aquí la confianza y la admiración del discípulo por el maestro.
56
ROCOCÓ
Estilo artístico desarrollado en Europa durante buena parte del S.XVIII que coexistió con el Barroco tardío y con los inicios del Romanticismo.
Recargado y amanerado en los adornos.
El pintor elegido es: Antoine Watteau.
57
Antoine Watteau (1684 – 1721)
Pintor francés que rompió con el academicismo y bajo la influencia de Rubens y de la escuela veneciana desarrolló un arte refinado con escenas de la comedia italiana y especialmente fiestas galantes.
El mundo que representa es un mundo de amor y fantasía, la vida es una comedia.
58
Las obras elegidas son:
El concierto (1716)
Pierrot (1721)
Lección de amor (1716)
59
El concierto.
60
Cuadro de género “galante” nos sume en la vida placentera de la aristocracia del S.XVIII.
Unas bebidas frescas, música de laudes, la gracia del comediante y la caricia del perro, entre amables insinuaciones amorosas y en un marco primaveral expresan el cómodo abandono de las clases elevadas en la Francia del antiguo régimen.
61
Pierrot.
62
Su expresión tiene una ligera nota de tristeza.
No hay que olvidar que Pierrot es un personaje enamorado y no correspondido, en consecuencia, toda la obra desprende un aire irreal y delicado al mismo tiempo. Para ello Watteau utiliza un colorido de tipo pastel, matizado y suave.
Es una pintura agradable a la vista; no busca impresionar sino simplemente entretener con el tema y gustar por su estilo amable.
63
Lección de amor.
64
Es una de las típicas fiestas galantes en las que se especializó el artista.
Los colores están muy matizados y al mismo tiempo son brillantes. Esto junto a la delicada técnica y el exquisito juego de luces, consigue crear una atmósfera lírica y casi irreal.
65
NEOCLASICISMO
Tendencia artística inspirada en la antigüedad clásica.
Se desarrolla en Europa entre 1760 y 1830 contra la audacia y atrevimiento de un periodo anterior.
El autor elegido es: Goya
66
Goya (1746 – 1828)
Estudió en Zaragoza y Madrid y viajó por Italia. Instalado en Madrid comenzó a trabajar en la real fábrica de tapices de la capital.
Fue un gran retratista, donde realizo una gran labor. El reconocimiento de la alta sociedad y de la corte le valió ser nombrado pintor de cámara de Carlos IV.
En sus trabajos representa escenas costumbristas y populares en las que se refleja una vida fresca llena de alegría.
Muchas de sus obras son muy expresivas, reflejando los sufrimientos del pueblo español tras la invasión francesa de 1808. En otras presento un panorama desgarrador de la violencia y la crueldad humana. Durante la convalecencia de una enfermedad que le dejó sordo, realizo sus famosas pinturas negras con pinceladas gruesas y colores sobríos.
Amenazado por las persecuciones durante el reinado de Fernando VII, dejó España y se instaló en Burdeos, donde murió.
67
Las obras elegidas son:
La familia de Carlos IV (1800)
La maja desnuda ( 1800 Aproximadamente)
Fusilamientos de la Moncloa (1814)
68
La familia de Carlos IV.
69
Revela con gran audacia y profundidad psicológica las características morales y mentales de sus personajes, a los que pinta con gestos y actitudes vulgares e incluso bobalicones.
A buscado la esencialidad del personaje. Es tan rico el cuadro que cualquier fragmento es una joya.
70
La maja desnuda.
71
Desnudo sensual y desafiante, provocó la indignación entre sus contemporáneos muy sujetos a la etiqueta y estrechez moral de la época.
Junto con La maja vestida causaron un gran escándalo y le valieron una denuncia ante la Inquisición.
72
Fusilamientos de la Moncloa.
73
Se distingue por su autenticidad. Contrapone la arrolladora y ciega fuerza del invasor con la inocencia e indefensión del atacado.
Expresa el sufrimiento de un pueblo ante tal situación.
74
ROMANTICISMO
Movimiento que hizo prevalecer los principios de libertad y subjetividad contra las reglas clásicas y el racionalismo filosófico.
Los autores elegidos son: Delacroix y Turner.
75
Eugene Delacroix (1798 – 1863)
Fue uno de los mas importantes pintores y teóricos del arte francés.
En los primeros años de su carrera abandonó el estilo academicista y comenzó a inspirarse en las obras de los antiguos maestros como Tintoretto, Rubens, Rembrandt… a los que admiraba por la carga “dramática” de su estilo.
De espíritu inquieto pronto entre en contacto con los círculos parisinos de músicos y escritores y tuvo amistad con los mas importantes artistas de la época.
Desde un principio Delacroix rompió con la composición estática y lineal y el apagado colorido que imponía las normas del clasicismo y se decidió por los colores vivos adoptando un estilo de pincelada mucho más libre.
Efectuó un viaje a Marruecos y Argelia que fue decisivo para su tratamiento posterior del color.
Cultivo todas las técnicas pictóricas: óleo, acuarela, litografía, frescos, etc. Sus famosos diarios, enunciando los principios de su teoría del color ejercerían enorme influencia en las técnicas cromáticas de los impresionistas.
Las obras elegidas son: La muerte de Sardanápalo, La libertad guiando al pueblo y La matanza de Quiros.
76
Las obras elegidas son:
La muerte de Sardanápalo (1827)
La libertad guiando al pueblo (1830)
Dante y Virgilio en los infiernos (1822)
77
La muerte de Sardanápalo.
78
Escena violenta y exótica.
El tema esta basado en un poema de Lord Byron.
El rey de Sardanápolos al verse acosado por el enemigo decide suicidarse, matar a sus esclavos y quemar todas sus riquezas, todo en el cuadro es exaltado, tremendo.
Una gran tela roja atraviesa la composición dominada por los tonos oscuros y en la que solo resalta la piel de las esclavas.
El pánico de hombres y mujeres se refleja en el gran movimiento que domina la escena.
Los personajes aparecen con gestos desesperados o agresivos.
Todo transmite agitación y energía.
79
La libertad guiando al pueblo.
80
Realizada en homenaje a la revolución de Julio de 1830.
Está dotado de gran dramatismo.
Expresa la exaltación del pueblo guerrero, característica del Romanticismo.
Delacroix inmortalizó apoyándose en Goya el espectáculo tumultuario de una revolución popular.
81
Dante y Virgilio en los infiernos.
82
De colores vivos y con una pincelada mucho más libre Delacroix causó con este cuadro gran consternación entre los clasicistas pero a la vez le atrajo la admiración de los románticos.
83
Turner (1775 – 1851)
Considerado uno de los más grandes pintores de su época, fue un precursor de la pintura impresionista.
Su atención la centró de modo muy especial en la investigación de la luz y la atmósfera del paisaje.
Fue un hábil acuarelista de paisajes románticos, técnica que llevó hasta la mayor pureza y transparencia.
En sus imágenes trata de plasmar los reflejos de la atmósfera creando nuevas sensaciones de color, diluyendo las formas naturales en remolinos de sol, humo, agua y niebla.
Preferentemente pintaba puertos y mar, tanto en calma como embravecido.
En sus primeros cuadros al óleo, ya se denota su predilección por los marinistas holandeses del S.XVII.
84
Las obras elegidas son:
El temerario (1839)
Ulises burlando a Polifemo (1829)
Lluvia, vapor y velocidad (1844)
85
El temerario.
86
El himno heroico parece escucharse entre los enrojecidos resplandores que envuelven en medio del mar al glorioso barco.
El paisaje romántico, un estado del alma ha desbordado a la realidad visible.
Constantemente nos ofrece un encuentro entre la época antigua y la moderna en aquellos tiempos.
Junto al enorme velero trabaja infatigable el remolcador, un indiscutible exponente de los adelantos tecnológicos de la época del pintor.
87
Ulises burlando a Polifemo.
88
Ulises vestido de rojo, está de pie en una parte del barco y los marinos preparan rápidamente las velas.
Arriba en tierra y entre nubes, se ve la silueta del gigante Polifemo.
El dios del Sol, Apolo, con su carroza tirada por caballos surge en el cielo en un bello amanecer y las fosforescencias alrededor del barco son las Nereidas que apresuran a los navegantes para que huyan del peligro.
El impacto del cuadro proviene de los efectos cromáticos y de la impresión de fuerza amenazadora y visionaria de la naturaleza.
Turner cautiva con este cuadro con su visión imaginaria desafiando el sentido común y violentando la naturaleza.
89
Lluvia, vapor y velocidad.
90
En esta obra las formas se disuelven y se hacen casi imperceptibles.
El pintor se centra tanto en el efecto atmosférico y de humo, que deja de lado la descripción de las formas.
Todo queda sumergido en un ambiente de misterio, del que surge, como un fantasma, una locomotora, símbolo del progreso imparable y del mundo moderno.
Turner queda hechizado por la fuerza de la máquina (el puente en diagonal da sensación de velocidad) y por el ambiente que lo rodea. Para transmitirlo abandona el dibujo, las cosas a penas se distinguen, la sensación de lo maravilloso es lo mas importante.
Turner ha utilizado para ello una pincelada sin un orden claro y ha abandonado la línea para dar prioridad a los efectos de luz.
91
IMPRESIONISMO
Movimiento pictórico iniciado y desarrollado primero en Francia durante el último tercio del S.XIX y cuya influencia se extendió por buena parte de Europa y América hasta bien entrado el S.XX.
Prima la observación directa de los efectos lumínicos en la naturaleza.
Utiliza colores puros y complementarios y su combinación no se produce en el cuadro sino en la retina del espectador.
Los autores elegidos son: Manet, Monet y Degas.
92
Manet (1833 – 1883)
Se le puede considerar como precursor de la pintura impresionista, rompió con la tradición académica dominante en París.
Se convirtió en un revolucionario de la pintura. Su estilo disgustó al público.
Durante gran parte de su vida luchó por obtener el reconocimiento oficial de su obra, lo que no consiguió hasta pocos años antes de su muerte.
Su carrera artística estuvo acompañada casi siempre del rechazo abierto del publico de su época.
Sus verdaderos maestros fueron los pintores clásicos a través de las obras expuestas en los museos y que Manet copió con gran diligencia.
Inesperadamente se convirtió en maestro de la escuela impresionista.
Aunque nunca adoptó la técnica del color, su asociación con Monet le llevo a utilizar colores mas puros.
Dos años antes de su muerte consiguió el éxito que había anhelado durante tantos años.
93
Las obras elegidas son:
Olympia (1863)
La merienda campestre (1863)
Autorretrato (1878)
94
Olympia.
95
Es su obra maestra, fue donada al estado francés.
Su exhibición provocó un escándalo tanto por la manera de tratar los temas clásicos como por la técnica utilizada.
El desnudo ha sido elaborado con gran veracidad y la iluminación permite que las formas se recorten con nitidez
La utilización del color y de la perspectiva era innovadora.
Consideraba el claroscuro recurso artificial y por eso a través de una pincelada larga muestra los objetos claros u oscuros sobre fondos de la misma tonalidad, de este modo la sensación de profundidad se atenúa y la composición resulta plana.
96
La merienda campestre.
97
Este cuadro originó un inmenso escándalo cuando fue expuesto al público.
La crítica ataco la inmoralidad del tema así como la violación técnica de todas las leyes aceptadas de la pintura.
98
Autorretrato.
99
Pintado en 1879 refleja tanto la influencia de los impresionistas (el vivo colorido) como la escuela clásica (composición y formas consistentes).
100
Monet (1840 – 1926)
Considerado como el principal precursor del impresionismo puro.
Al principio provocó un gran rechazo.
Pronto se impresionó con los pintores al aire libre y se interesó por los cambios de la luz y la atmosfera y su efecto sobre el paisaje. Durante su estancia en Londres se inspiró en la atmosfera de la naturaleza de los paisajistas ingleses, ante todo Turner.
Durante la década de 1870 su arte maduró, el color es mas importante que el motivo. Pintaba con trazos rápidos y espontáneos.
La naturaleza fue su principal fuente de inspiración pero también plasmó la vida cotidiana con imágenes de las calles y plazas, estaciones de ferrocarril y puertos marítimos.
Inició una serie de experimentos históricos en los que estudiaba de que modo distintos motivos se transformaban bajo la intensidad cambiante de la luz. Estos se concretaron en largas series de pinturas de ciertos motivos plasmados a distintas horas del día y durante estaciones variadas.
Fue un artista valorado y cotizado.
101
Las obras elegidas son:
Impresión, sol naciente (1872)
Mujer con sombrilla (1886)
Mujeres en el jardín (1867)
102
Impresión, sol naciente.
103
Precisamente el nombre de impresionismo surgió a partir de un artículo periodístico en el que se vilipendiaba este cuadro.
Este cuadro fue fruto de unos apuntes rápidos tomados por Monet en el puerto del Havre, con el sol a través de la niebla en la primavera de 1872.
Está pintado al aire libre, la pincelada, rápida y suelta, permite captar los efectos instantáneos de la luz.
Los reflejos del sol y las distorsiones provocadas por la niebla, se reducen a un conjunto de pinceladas en forma de bastón, de colores puros y de distinta longitud.
Los objetos pierden solidez y las formas a penas se insinúan.
104
Mujer con sombrilla.
105
El cuadro muestra un tema querido: una mujer joven bajo la luz solar y al viento, plasmado con trazos vivos y libres.
106
Mujeres en el jardín.
107
Cuadro con atmosfera respirable, la luz es protagonista, por eso el tema se convierte en un pretexto.
Se notan los impactos del sol en las sombrillas y en las hojas de los arboles.
108
Degas (1834 – 1917)
Artista francés polifacético. Las carreras de caballos, las mujeres en el baño y las escenas de danza son los temas que mas le interesaron.
Su obra tiene influencias de los grandes maestros del Renacimiento y de los grabados japoneses. Le gustaba retratar la vida cotidiana.
Se oponía a los principios académicos que consideraba caducos: anhelaba describir la realidad.
Procuraba crear la impresión de “atmósfera” mediante su particular utilización del dibujo, de la composición y del color.
En sus obras se aprecia un acento algo amargo, casi cínico.
Fue ante todo un extraordinario dibujante. Para él el color no era nada más que un complemento del dibujo.
Merecen especial atención sus desnudos.
Fotografiaba a los caballos de carreras en pleno galope para poder estudiar las diferentes fases de su movimiento con toda calma.
109
Las obras elegidas son:
Antes de la salida (1862)
Vestíbulo del teatro de la ópera en la rue Pelletier (1870 Aproximadamente)
Escuela de danza (1873)
110
Antes de la salida.
111
Este es uno de los muchos cuadros de Degas cuyo tema son las carreras de caballos.
Observándose los efectos del brillo de la luz sobre los cuerpos de los animales y la peculiar manera que tenia el artista para encuadrar la escena.
112
Vestíbulo del teatro de la ópera en la rue Pelletier.
113
A Degas le entusiasmaba el mundillo del teatro, por lo que pintó numerosos cuadros inspirados en este ambiente.
En ellos aparecen bailarinas danzando o en reposo.
En el cuadro de la ilustración se ve como descansa un grupo de bailarinas durante un ensayo.
114
Escuela de danza.
115
Plasma un instante en el trabajo de las artistas.
El espectador irrumpe en las escenas y les sorprende en actitudes diversas.
El autor valora la línea de ahí la importancia que concede al dibujo.
Una línea rápida atrapa la realidad y dota a las figuras y a la escena de movimiento, si bien es el color el que proporciona unidad a la composición .
116
Renoir (1841 – 1919)
Uno de los más notables impresionistas franceses.
Comenzó su carrera artística a los 13 años decorando porcelanas y abanicos. Trabajó mucho tiempo con Monet pintando villas a orillas del río e intentando plasmar en el lienzo la primera impresión visual de los objetos que tenía delante sin preocuparse por la forma precisa o el contorno de las figuras.
En 1874, presentó siete telas en la primera exposición de los impresionistas, el éxito obtenido le permitió alquilar un jardín para poder pintar el Moulin de la Galette, quizás su obra mas conocida.
Su búsqueda era lograr una armonía entre los colores basada en una combinación de planos de tonalidades muy diferentes. Redujo su paleta a la gama de colores de siena y azul de cobalto, acentuó los perfiles de su figura y renunció sistemáticamente a pintar al aire libre.
Después de este periodo se dedicó cada vez más a sus motivos favoritos: mujeres, jóvenes, niños, flores, plantas…
Los cuerpos de los desnudos de mujer son cada vez más exuberantes y rústicos y su piel antes blanca y delicada se vuelve ahora sonrosada. Sus últimos lienzos los hizo con pinceles atados a sus manos paralizadas pero su arte sigue siendo vitalista lleno de aromas y sensualidad.
117
Las obras elegidas son:
Mujer peinándose después del baño (1880)
El columpio (1876)
Muchacha con abanico (1879)
118
Mujer peinándose después del baño.
119
Renoir alcanza la cumbre de su carrera impresionista con este cuadro.
Muestra la facilidad en fundir la solidez y el volumen del modelo con el sentido de recrear las texturas superficiales de la piel y la vegetación bajo la luz solar.
120
El columpio.
121
Buen ejemplo de la época impresionista de Renoir.
El óleo muestra el juego de luz a través de las hojas plasmando el color a base de manchas.
Muchos puntillistas se inspiraron en esta técnica.
122
Muchacha con abanico.
123
La espontaneidad en la percepción de la modelo y la aguda interpretación artística, convierten esta obra en uno de los mejores trabajos de Renoir.
El retrato dibujado en llamativos tonos parece ilustrar la modalidad pictórica impresionista.
124
POSTIMPRESIONISMO
Movimiento artístico que aproximadamente entre 1885- 1905 se opuso al impresionismo.
Los autores elegidos son: Cezanne, Gauguín y Van Gogh.
125
Cezanne (1839 – 1906)
No consiguió entrar en la academia de bellas artes de París, por lo que su educación pictórica fue autodidacta. Sus primeras obras se caracterizan por un gran numero de pinceladas, colores vivos y muchos contrastes.
En su obra La casa del ahorcado se ve la influencia de Pissarro y el espíritu impresionista. Posteriormente rompe con los impresionistas y sigue su propio estilo.
En 1874 expuso por primera vez en París pero no obtuvo éxito; ridiculizado y abrumado por el fracaso se retiró a Aix. Solo en sus últimos años alcanzó un cierto reconocimiento.
Cuando abandonó el impresionismo empezó a trabajar las formas geométricas de la materia, preocupándose sobre todo por la composición y el equilibrio. Prescindió del dibujo propiamente dicho. Daba el mismo tratamiento a todos los objetos con independencia de su significado. En realidad no pintaba cosas sino formas con una determinada estructura.
Con el fin de conseguir una mayor libertad de expresión pasó por alto las leyes de la perspectiva, con lo que los primeros planos se confundían con los fondos y si sus propósitos así lo requerían no dudaba en deformar los objetos. Influyó en sus contemporáneos Van Gogh y Gauguín e incluso en tendencias posteriores como el Expresionismo, la escuela de Matisse y el Cubismo.
126
Las obras elegidas son:
Jugadores de cartas (1890 – 1892)
Las grandes bañistas (1900 – 1905)
Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (1896 – 1900)
127
Jugadores de cartas.
128
En esta obra consigue plasmar el interés que el tenía por la figura humana, representando el volumen y el espacio a través del color.
Lo consigue mediante los distintos matices de marrones y ocres, oscuros en el fondo y mas claros en un primer plano.
Reduce los objetos a simples figuras geométricas (la esfera, el cono y el cilindro).
La mesa de jugadores de cartas no es mas que un cono truncado y el cuerpo del jugador de la izquierda un cilindro.
Esta nueva visión de la naturaleza simplificada en formas geométricas es la base de la pintura que practicaron en el S.XX importantes figuras como Picasso.
Con la recuperación del volumen elimina el claroscuro y dio a las formas nueva plasticidad a base de contrastes de color.
129
Las grandes bañistas.
130
Cezanne distorsiona deliberadamente los cuerpos de las mujeres para conseguir la unidad rítmica del cuadro.
131
Naturaleza muerta con manzanas y naranjas.
132
Los perfiles distorsionados e inclinados se deben a que Cezanne abordó el motivo desde diferentes ángulos al mismo tiempo, sin considerar para nada las leyes de la perspectiva.
133
Gauguín (1848 – 1903)
Influido por algunas de sus amistades, pintores impresionistas, comenzó a pintar y exponer sus obras.
Su creciente pasión por la pintura le llevó abandonar su familia y su trabajo para entregarse de lleno al arte. A partir de ese momento realizó numerosos viajes a Dinamarca, Arlés, Bretaña, Islas Marquesas (donde murió).
La importancia de su obra no se empezó a reconocer en París hasta el año de su muerte. Como artista recurrió a numerosas y variadas fuentes de inspiración: Bretaña, el arte popular, los grabados japoneses, las vidrieras románicas y sobre todo el paisaje y la vida misma de las Islas de Oceanía. Su estancia en Bretaña fue una época decisiva, creó el estilo “sintético” que le valió el liderazgo de la escuela de Pont Aven.
Este estilo simplificado, expresivo y decorativo rechazaba el concepto realista del espacio y de la perspectiva y optaba por grandes composiciones en las que se plasmaban manchas de colores puros, delimitadas por fuertes trazos negros.
Los colores empleados tenían un carácter simbólico y a menudo se erigían en los verdaderos protagonistas del cuadro. Estaba fascinado por el paisaje exuberante, las bellísimas nativas. Además de pintar también dibujó, realizo grabados, esculpió y trabajó con el barro.
134
Las obras elegidas son:
Arearea (1892)
El Cristo amarillo (1889)
Dos mujeres tahitianas en la playa (
135
Arearea.
136
Dos mujeres indígenas descansan en la playa, representan la naturaleza en contacto directo con el hombre.
La simplificación de las formas y el dibujo, las anchas pinceladas de color y la falta de volumen en los cuerpos son influencia de las estampas japonesas.
137
El Cristo amarillo.
138
Inspirado en los abundantes calvarios de Bretaña, este cuadro pintado en 1889 causó gran sorpresa entre los círculos artísticos de la época.
139
Dos mujeres tahitianas en la playa.
140
La suavidad de líneas y viveza de colores son elementos fundamentales en esta representación de una vida sencilla y armoniosa.
141
Van Gogh (1853 – 1890)
Pintor neerlandés. A pesar de su carácter trágico y solitario ha conferido un cierto misterio a su persona y a su obra. Su nombre suscita el recuerdo de pinturas luminosas y vibrantes.
Hasta que decidió dedicarse a la pintura atravesó un periodo de gran misticismo, durante el que vería frustrada su vocación religiosa; le fue denegada la entrada en la escuela de teología. Aunque se matriculó en la escuela de bellas artes en Bruselas, fue un artista autodidacta: dedicó largas horas al estudio de la perspectiva y de la anatomía, así como a copiar la obra de Millet.
En sus primeros cuadros, de colorido sombrío y pincelada gruesa, representó escenas de la vida diaria de los trabajadores y campesinos de su país con gran realismo, destacando entre otros Los comedores de patatas.
En 1886 se instaló en París donde entablo contactos con los impresionistas. Su paleta oscura se iluminó a partir de ese momento con colores vivos y su pincelada, antes gruesa y pesada se hizo rítmica y ligera. Pinto paisajes, naturalezas muertas, motivos florales, retratos, interiores y estampas japonesas. En el transcurso de un ataque de locura y tras amenazar a su compañero con una navaja de afeitar, se cortó una oreja.
Ingresado en un hospital psiquiátrico por petición propia, continuó trabajando y su obra adquirió un carácter extraordinariamente violento y ardiente.
En París pocos días antes de quitarse la vida con un disparo en el pecho pintó en angustioso Cornejas sobre el Trigal. Durante su breve pero productiva vida artística creo un estilo que influiría en toda la pintura posterior, en particular sobre la Expresionista.
142
Las obras elegidas son:
La habitación de Vincent en Arlés (1889)
Una campesina (1885)
Campos de trigo con cuervos volando (1890)
143
La habitación de Vincent en Arlés.
144
Su obsesión era expresar sus sentimientos mas íntimos y creía que solo el color podía expresarlos. Esta pintura pone de manifiesto las características del Postimpresionismo: superficies planas dibujadas con contornos firmes y colores intensos.
Van Gogh establece sentimientos para algunos colores: el amarillo es amor y optimismo; el verde sufrimiento; y el rojo pasión.
En esta obra predominan los amarillos en todas sus gamas. El color y la forma sólida de los muebles sugieren reposo.
145
Una campesina.
146
Dibujo típico de su primer periodo, en el que se dedicó fundamentalmente a la representación de temas “sociales”.
Los trazos gruesos y la exageración de la postura inclinada de la campesina, refuerzan la impresión de dureza.
147
Campos de trigo con cuervos volando.
148
Reflejan el estado de animo y la soledad de Van Gogh.
Sus sentimientos se vierten en el colorido.
Tiene una gran gama cromática, predomina el amarillo y el azul.
En su lucha por escapar a la locura surgieron estas atormentadas creaciones que representan un gran dramatismo.
149
S.XX
Los autores elegidos son: Picasso, Matisse, Kandinsky
150
Picasso (1881 – 1973)
Junto con Matisse es el artista mas significativo del S.XX. Estudio a los maestros clásicos y combinó este conocimiento con la experiencia que le aportaron los jóvenes pintores del mundo artístico de París.
Hasta su muerte su obra provocó la indignación y la exasperación, la admiración y la envidia de cuantos les rodeaban.
Tuvo un primer estilo que corresponde a su Época Azul, los motivos de esta etapa derivaron de su profunda simpatía por las clases bajas y poco privilegiadas. A esta etapa le siguió su Época Rosa, en la que pintó temas circenses (principalmente arlequines y titiriteros) realizados en tonos rosáceos.
Inspirado por Cezanne pintó su primer lienzo cubista, Las señoritas de Avignon, obra que señalaría la ruptura definitiva con la estética pictórica tradicional y el comienzo de la búsqueda de otros modos de expresión.
Picasso desarrolló el Cubismo hasta que se dedicó a la realización de obras inspiradas en los clásicos y en las que el tema principal era la figura humana.
A partir de 1924 entre en contacto con surrealistas y su obra adquirió un nuevo estilo en el que prevalece la distorsión de la figura humana.
A partir de 1948 Picasso experimentó en todos los medios artísticos: pintó, esculpió, realizo dibujos y grabados… Su ingenio artístico era inagotable y no cesó de crear hasta su muerte en 1973, con 92 años.
151
Las obras elegidas son:
Las señoritas de Avignon (1907)
Guernica (1937)
Arlequín con espejo (1923)
152
Las señoritas de Avignon.
153
Con esta obra Picasso abre la corriente pictórica cubista. Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Supuso romper definitivamente con la estética pictórica tradicional y el comienzo de la búsqueda de otros modos de expresión.
Las figuras están compuestas de varias facetas del cuerpo femenino, captadas desde ángulos distintos.
Sus formas, a veces geométricas y la ausencia de profundidad, contribuyen a crear un espacio plano.
154
Guernica.
155
Fue un encargo que le hizo el gobierno de la República española en 1937 para el pabellón de España en la exposición internacional de París.
Es un enorme lienzo en blanco y negro que hizo como protesta en contra de la violencia y de la guerra.
Considerada como su obra maestra, es también el exponente máximo de toda la pintura contemporánea y el lienzo mas conocido del S.XX.
El bombardeo de Guernica por los nazis ese mismo año fue el estímulo para Picasso.
El horror de la guerra, materializado en el bombardeo de la población vasca impregnó todos y cada uno de los elementos de la composición, que reúne en una imagen cargada de fuerza, descarnada y lúcida toda la compleja simbología de la mitología pictórica de Picasso, al tiempo que sintetiza magistralmente los recursos esenciales de diversos lenguajes plásticos: Clasicismo, Surrealismo, Expresionismo y Cubismo.
El cuadro que permaneció en depósito en el Museo de Arte Moderno de Nueva York fue devuelto a España en el 1981.
Actualmente está instalado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
156
Arlequín con espejo.
157
Óleo de Picasso, personaje cómico de la antigua comedia italiana.
158
Matisse (1869- 1954)
Tras abandonar sus estudios de derecho, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París. Aunque su estilo inicial respondía al espíritu realista clásico, la influencia de los impresionistas se dejó sentir muy pronto.
Matisse buscaba la intensificación y compresión de la luz, pero no una luz atmosférica ni un claroscuro, sino una luz brillante y saturada de color.
Durante su estancia en Collioure desarrolló un estilo radical en el que todos los colores se complementaban para reflejar una brillantez máxima y crear un exquisito juego de formas y líneas.
Cuando Matisse y otros artistas del llamado grupo de las Fauves expusieron sus obras en el Salón de los independientes de 1906, un crítico se apresuró a denominarles “Donatello junto a una manada de animales salvajes”.
Ya en 1905 habían provocado la indignación y el furor del público del Salón de otoño parisiense. El grupo carecía, sin embargo, de la cohesión necesaria por lo que se disolvió poco tiempo después (1908)
159
Las obras elegidas son:
La alegría de vivir (1906)
El lujo (1907)
El cuadro rojo (1926)
160
La alegría de vivir. El lujo.
161
Obras que otorgaron el reconocimiento público a Matisse.
Son además las que mejor reflejan su planteamiento sensual y vital del arte.
162
El cuadro rojo.
163
Predomina el rojo puro brillante.
Otra característica es la predilección por las formas planas, sin volumen perfiladas con líneas de trazo grueso. Esto se observa tanto en la figura de la mujer como en los motivos florales de la pared y la mesa que son exclusivamente decorativos.
Los tres temas propios del Fauvismo están presentes en esta obra: la naturaleza muerta, representada por el frutero; el paisaje, en la ventana; y la figura humana, en la mujer.
164
Kandinsky (1866 – 1944)
Pintor y teórico del arte ruso, fue el principal fundador del arte abstracto.
Su vocación por la pintura no surgió hasta la edad de los 30 años, después de haber realizado su formación en campos tan alejados del arte como derecho, economía y ciencias.
Está internacionalmente considerado como uno de los mayores genios del S.XX.
Realizo la primera pintura abstracta en 1911. Cree que el artes es una manifestación del espíritu humano y no una imitación de la realidad.
En sus composiciones quiere conseguir un equilibrio que sea un reflejo de la armonía del alma humana.
Para él las formas y el color en la pintura pueden ser la expresión de un sentimiento, aunque falte un tema reconocible. El color es la base de su pintura, trazando con él en el lienzo una serie de líneas curvas y rectas para crear formas geométricas planas y tridimensionales. Pero estas formas no están dibujadas, sino delimitadas por los colores.
Sus ultimas obras se alejaron de la geometría optando por formas orgánicas y biomorficas.
Murió en 1944 sin poder asistir a la definitiva consagración de la abstracción en los años de la postguerra.
165
Las obras elegidas son:
El jinete azul (1903)
En el óvalo claro (1925)
Cuadro con mancha roja (1914)
166
El jinete azul.
167
En este cuadro Kandinsky plasmó lo que será el emblema del más famoso de los grupos que fundó a lo largo de su carrera, el azul es para él, el símbolo de lo celeste, con lo que este jinete espiritual se equipara al mito de San Jorge venciendo al dragón.
168
En el óvalo claro.
169
El color es la base de la pintura, hay trazadas una serie de líneas curvas y rectas.
El amarillo central destaca sobre un fondo oscuro.
Dentro del óvalo ninguna mancha está perfilada; solo el color crea las formas.
170
Cuadro con mancha roja,
171
En este cuadro del primer periodo abstracto, Kandinsky otorga gran importancia al color.
Toda la composición parece surgir de la mancha roja, a través de las diferentes líneas que parten de ella.
Este cuadro se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París.
172
ESCULTORES
173
Al igual que los Pintores, los escultores también pertenecen a distintas épocas de la historia.
De todos ellos se han elegido tres esculturas que lo representen, dando una pequeña explicación de cada una de ellas, excepto las pertenecientes a épocas más recientes cuya interpretación pertenece, a aquel que lo observe
174
Alonso Berruguete (1490 – 1561)
Su estilo lo fomentó bajo la influencia de la corriente manierista derivada de Miguel Ángel.
En la etapa de su vida en la que residió en Granada y más tarde en Valladolid, en aquellos años capital española se consagró como escultor.
Dotado de una gran capacidad de síntesis, sin romper totalmente con la tradición gótica, asimiló las influencias de los grandes maestros del renacimiento italiano (Donatello, Miguel Ángel) y del Lacoonte, creando una escultura vigorosa, propiamente castellana, caracterizada por las soluciones formales efectistas y su expresionismo, que hacen de él un precursor del barroco.
Entre sus obras destacan los retablos de la Mejorada del Monasterio de San Benito (Valladolid), de la Epifanía en la Iglesia de Santiago (Valladolid), y de la Capilla del Colegio de los Irlandeses (Salamanca), así como la sillería alta del coro y la Transfiguración que corona la silla arzobispal de la Catedral de Toledo, ciudad en la que murió en 1561.
175
Las obras elegidas son:
El sacrificio de Isaac (1526)
Adoración de los Reyes Magos (1497 – 1498)
Retablo de San Sebastián (1527)
176
El sacrificio de Isaac.
177
En la escultura se aprecia un gran dramatismo, la escena en la que Abraham está a punto de sacrificar a su hijo Isaac, muestra el dolor en sus rostros.
El dramatismo está conseguido con la policromía de las maderas y con un trabajo en las caras profundamente estudiado.
178
La adoración de los Reyes Magos.
179
Forma parte del retablo mayor del Monasterio vallisoletano de San Benito, actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
180
Retablo de San Sebastián.
181
Están presentes todas las características del manierismo: el gesto corporal es algo forzado, con un aire de elegancia, poco acorde con la escena de martirio que se representa. El óvalo del rostro es alargado y su expresión serena.
Se aprecia la obsesión por alargar los cuerpos.
182
Miguel Ángel (1475 – 1564)
Arquitecto, pintor y escultor, es el artista mas famoso del renacimiento y uno de los mas conocidos del arte de todos los tiempos.
Fue un escultor excepcional, quizás el mejor de su época, aun así Miguel Ángel no representa el típico artista del Renacimiento.
El estilo de sus figuras no sigue un ideal de belleza serena o elegante, sin embargo, ningún otro artista de la época supo dibujar el movimiento del cuerpo como Miguel Ángel.
Con el se inicia el llamado periodo Manierista. El Manierismo se centró tanto en la musculatura y el movimiento que dejó de lado los ideales de elegancia y moderación renacentista. Están naciendo un nuevo estilo: el Barroco.
Miguel Ángel siendo un escultor renombrado, fue llamado por el papa Julio II quien le encargó la realización de su tumba. Este gigantesco proyecto que contaba en principio con mas de cuarenta estatuas y que ocupó su mente mas de treinta años sería la gran tragedia de su vida: una y otra vez se vería el proyecto postergado y reducido. No obstante las pocas esculturas que realizó entre 1513 – 1516 se encuentran entre lo más selecto de la producción del florentino.
183
Las obras elegidas son:
La Piedad (1498 – 1499)
David (1501 – 1504)
Moisés (1513 – 1515)
184
La Piedad.
185
En esta obra se ve el profundo espíritu religioso de Miguel Ángel.
Es la única escultura que firmó.
Su nombre aparece en la cinta que ciñe el pecho de la virgen.
La técnica de la escultura en mármol es la preferida del escultor, fácil de tallar, este material permite cuidar al máximo el detalle.
En esta obra hay una serenidad poco normal en Miguel Ángel. La virgen resignada y con rostro triste sostiene en sus brazos a su hijo muerto. Jesús no aparece con la grandeza del hijo de Dios, sino como un ser humano que ha hallado la muerte. Su cabeza inclinada hacia atrás cae tras el brazo de la virgen.
Toda la tensión del martirio ha desaparecido. El magnífico conocimiento de la anatomía humana permite a Miguel Ángel dar esa impresión que produce el cuerpo sin vida, sin la menor tensión, con los músculos relajados.
Miguel Ángel dejó muy claras cuales eran sus intenciones al esculpir esta obra: la madre debía parecer mas joven que el hijo, para dar una idea de eterna virginidad.
186
David.
187
De un bloque estropeado extrajo Miguel Ángel esta gigantesca escultura.
Labrada en plena juventud del maestro nos ofrece la genialidad de este.
Cada parte es un prodigio de percepción anatómica y en el conjunto se advierte el cuerpo ligero de un adolescente, a un sin sazonar, que estudia desde lejos a su rival.
Es un ejemplo de escultura clásica de energía en potencia.
188
Moisés.
189
Miguel Ángel como buen clásico tuvo predilección por las composiciones reposadas.
El escultor recoge el momento en que Moisés advierte la infidelidad de su pueblo.
Los músculos se hinchan, las barbas se encrespan como serpientes irritadas, la mirada lanza llamaradas de ira. Una tempestad se apresta a estallar; pero Miguel Ángel prefiere sugerirla, dejando las fuerzas a punto y en potencia.
190
Donatello (1386 – 1466)
Artista hábil e inteligente, supo servirse a caprichos de lo ideal y de lo real; debe bastante al pasado clásico: el culto al desnudo, el retrato ecuestre.
Representó todos los estados de ánimo, la alegría, la tristeza, el curso completo de la vida. No se detuvo ni ante lo feo ni ante lo macabro, para él era fundamental la expresión. Tocó todos los géneros y usó las más variadas técnicas.
El espíritu de belleza clásica se nota ya en sus primeras obras, como el preciosísimo relieve de la Anunciación de la Iglesia Florentina de Santa Croce.
El naturalismo de Donatello se aprecia en el Cristo de Santa Croce criticado por sus contemporáneos porque les parecía un aldeano.
Impregnado del espíritu de la antigüedad, sus figuras se llenan de vida y agitación, como en el relieve del banquete de Herodes. De los tiempos clásicos, toma el modelo de niños desnudos. Creó el retrato renacentista del busto sin peana.
En definitiva, se puede decir que Donatello fue el escultor más importante del primer periodo del Renacimiento, anterior a Miguel Ángel. Sus estatuas reflejan tensión, dinamismo y sentimiento.
191
Las obras elegidas son:
David (En bronce) (1430)
San Jorge (1417)
Gattamelata (1453)
192
David.
193
Es una de las obras más hermosas conocidas de Donatello, realizada en torno a 1430 para Cosme el viejo de Medicis.
Actualmente está en el Museo del Bargello.
Es el primer desnudo en bulto completo del Renacimiento.
194
San Jorge.
195
Cuerpo erguido, mirada serena, las piernas firmes con el apoyo del escudo.
San Jorge es el ejemplo del guerrero cristiano, del cruzado, sin orgullo pero decidido, armado con el temple de la fé y de la juventud sin ataduras.
196
El Gattamelata.
197
Jinete y caballo forman un conjunto de congruente equilibrio.
La línea cerrada armoniza con la recia plasticidad de los volúmenes.
Para esta estatua ecuestre Donatello buscó el modelo romano. Su Condottiero Gattamelata está directamente inspirado en la estatua del emperador Marco Aurelio en la plaza del Capitolio de Roma.
El personaje aparece cabalgando al paso, con rostro seguro pero tenso y sosteniendo con su brazo derecho el bastón de mando.
El Condottiero, jefe militar y noble ve así inmortalizada su figura que queda equiparada a la del emperador romano.
198
Bernini (1598 – 1680)
Arquitecto y escultor italiano, se le considera el creador del Barroco italiano y su principal representante. Dominó la vida artística de Roma durante seis pontificados consecutivos.
Como escultor, continúo la tendencia ya iniciada por Miguel Ángel; de la expresión del movimiento, progresando desde un estilo clásico y simétrico al más dinámico y barroco.
Alcanzó máximos logros en los momentos funerarios ( mausoleos de Urbano VII y Alejandro VII ).
Consiguió comunicar un magnifico movimiento a los ropajes de sus figuras.
Ejerció una notable influencia sobre la escultura posterior a través de sus bustos y retratos en los que revela un talento excepcional para la caracterización.
199
Las obras elegidas son:
Fuente de los cuatro ríos
Fuente de Tritón
El éxtasis de Santa Teresa
200
Fuente de los cuatro ríos
201
Gran base elíptica, coronada en su centro por una gran mole de mármol sobre la cual se eleva un obelisco egipcio de época romana.
Las estatuas son alegorías de los cuatro ríos principales: Nilo, Ganges, Danubio y Rio de Plata, cada uno de estos ríos, está representado por un gigante de mármol. Árbol y plantas emergen del agua. Los animales pertenecen a especies grandes y potentes ( león, caballo, cocodrilo, serpiente, dragón…)
El espectador , girando en torno a la fuente, descubre nuevas formas que antes estaban escondidas en las masas rocosas.
Bernini quiere suscitar admiración en quien la mira, creando un pequeño universo en movimiento. Aparecen siete animales , además de una paloma, emblema de los Panphili.
Toda la vegetación parece real.
202
Fuente de Tritón
203
El Dios Tritón aparece lanzando un chorro de agua a través de una cacerola sentado sobre una enorme concha sostenida por cuatro delfines.
Se erigió para proporcionar agua del acueducto Acqua Felice. Fue el último gran encargo de su gran mecenas.
Al igual que la Fontana de Trevi, también se ha extendido la leyenda a esta, de que cualquier visitante que lance una moneda al agua, tiene garantizado el retorno a Roma.
204
El éxtasis de Santa Teresa
205
Se unen el fervor religioso y una cierta sensualidad física y a la que Bernini logró comunicar una sensación de grandeza.
El mármol adquiere vida y movimiento: La Santa cae en éxtasis místico mientas el ángel, que se dispone a atravesar su corazón con la saeta del amor divino, se asemeja a un travieso querubín.
El artista tuvo especial cuidado en no dejar ver apenas nada del cuerpo de la Santa. Todo el detalle se centra en los ropajes minuciosamente esculpidos.
La imagen representa a Santa Teresa a punto de ser atravesada por la flecha del ángel, como símbolo de la entrada de Jesús en su cuerpo. Esta comunicación tan profunda con Dios, fue admirablemente entendida por Bernini, aunque los críticos de la obra veían en ella un peligro; la escultura podía entenderse también como una imagen de amor puramente humana.
206
Rodín (1840 – 1917)
Fue un gran artista innovador. Ingresó en la escuela de Bellas Artes tras ser rechazado tres veces consecutivas. Conoció a fondo la obra de Miguel Ángel, cuya escultura estudio apasionadamente y a quien jamás dejó de admirar.
Utilizó los frescos de la Capilla Sixtina como fuente de inspiración.
Su etapa conocida como la edad de Bronce (1876) fue motivo de violentas críticas, no obstante se impuso a los escultores oficiales por la expresividad de su obra y su perfecto conocimiento de la anatomía humana.
En 1879 recibió el encargo para la entrada del renseo de Artes decorativas que no llegó a terminar. Se llamó la Puerta del Infierno por el infierno de Dante. Una serie de figuras que estaban pensadas dentro de la obra, fueron creadas después como figuras independientes. Las mas conocidas son “El Pensador”(1900) y “El beso” (1886). Su escultura evolucionó hasta formas cada vez más etéreas. La fuerza escultural se acrecienta con la experiencia del movimiento. Gozó de muchísima fama en su vejez pero después de su muerte hubo una reacción en contra de su estilo impresionista.
207
Las obras elegidas son:
Los Burgueses de Calais (1884 – 1886)
El beso (1886)
El pensador (1900)
208
Los Burgueses de Calais (1884 – 1886)
209
Fue su primera obra monumental acabada. El gran grupo escultórico de Rodín, tiene una gran fuera dramática que se expresa en los intensos movimientos de sus figuras. Todos se vuelven entre si al tiempo que se separan.
Se personifica la marcha de los seis burgueses hacia la muerte después de que la ciudad de Calais se rindiera a los franceses en 1347. Estos hombres se ofrecen de verdad a la patria. Caminan descalzos, rotos, vencidos por la tragedia.
La aceptación de la realidad en el mismo heroísmo fue una tarea que se impuso Rodín.
210
El Beso (1886)
211
La composición revela una de las características más distintivas de Rodín, la no utilización de un punto de vista único, sino la visualización del conjunto desde varios observatorios. Con esta Obra, creó uno de los actos mas sensuales del ser humano.
Desprende gran fuerza. Está hecha en mármol, es de gran tamaño ya que Rodín había pensado incluirla en la Puerta del Infierno que no llegó a realizarse.
212
El pensador (1900)
213
Obra en bronce (simbólica) es quizás junto con el Beso, la más conocida.
Fue concebida originariamente como una imagen de Dante.
Rodín se plantea los grandes problemas del destino humano y en esta obra, parecen darse todos los pensamientos humanos.
214
Antonio Cánovas (1757 – 1822)
Escultor precoz, considerado el más importante del periodo neoclásico. Veneciano establecido en Francia, fue el escultor favorito de la familia Bonaparte. Su estilo es frio y elegante sin el menor interés por captar la personalidad del modelo. Las normas de la escultura neoclásica obligaban a escoger rostros idealizados, de gran perfección en los rasgos, pero inexpresivos.
Sus obras más conocidas, representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística le permitió abordar todo tipo de temas. A los 24 años, ya deslumbraba con sus obras en mármol. Fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época, como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. Su prestigio era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas, es fácil concluir que han sido creadas por un superdotado de la época.
Su estilo y técnica incomparables lo sitúan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.
215
Las obras elegidas son:
Perseo
Carlos III
Tumba de la Archiduquesa María Cristina
216
Perseo (1801)
217
Perseo (Museo del Vaticano, Roma),
La solemne belleza del desnudo clásico aparece en este delicado mármol.
Cánova ha suavizado los planos, dando a la figura, la tersura de la eterna juventud.
218
Carlos III
219
(Nápoles) Italia rinde en esta estatua, tributo de agradecimiento al rey que introdujo en este reino, el espíritu de la ilustración. Como tantas veces desde la antigüedad, el tipo ecuestre se considera el más apropiado para exaltar al personaje.
220
Tumba de la Archiduquesa María Cristina(1798 – 1805)
221
(Iglesia de los Agustinos, Viena).
En este sepulcro erigido para la hija predilecta de María Teresa , los personajes ofrecen símbolos de inmortalidad.
La tumba neoclásica, tiene en esa puerta oscura, el símbolo del camino misterioso que se emprende.
En cuanto a los personajes, estos se manifiestan tristes pero serenos, como corresponde al ideal clásico.
222
Meunier (1831 – 1905)
Escuela belga, ofrece en sus obras, un naturalismo distinto. El tema preferido es el ser humano, pero sus modelos son mineros, campesinos y trabajadores del mundo proletario. Representa a sus personajes como héroes, aunque sin exageración.
223
Las obras elegidas son:
El Descargador del Puerto de Amberes
El Pudelador
EL grisú (Museo Real de Bruselas )
224
El descargador del Puerto de Amberes (1890)
225
La postura, la disposición de brazos y piernas y su actitud, recuerdan más a la escultura del renacimiento, que a la de su propio siglo.
La razón es que su naturalismo, no es una visión de la realidad, sino una idealización.
Meunier eleva al individuo proletario a la categoría de héroe. Su idealización de las cosas cotidianas es una actitud nueva y avanzada a su tiempo.
226
El Pudelador (1885)
227
Museo de Bruselas (Bélgica)
Representa al nuevo protagonista: el obrero. El afán de protesta contra la dureza del trabajo por un lado y el afán de exaltar esta clase social por otro, llevo a los artistas, entre ellos Meunier, a representar al trabajador bajo el peso difícil de su tarea cotidiana.
228
El Grisú (1887)
229
La explosión de grisú (1887, sobre una tragedia real)
Expresa el dolor materno en la minería
230
Arístides Maillol (1861 – 1944)
Fue el mejor escultor francés de principios del Siglo XX. Era básicamente un modelador que se servía de ayudantes para tallar la piedra o fundir el bronce. Le interesaba representar la belleza y por ello hizo el desnudo femenino su tema principal. Sus esculturas son estáticas, mujeres de gran tamaño, con cuerpos voluminosos y robustos.
Sus figuras muestran el desprecio por todo detallismo, son siempre de cerrados contornos. Modela pensando en el volumen que concibe bien redondeado.
En sus desnudos hay pureza de los perfiles, plenitud de los volúmenes y claridad de la acción. De él arranca el movimiento idealista contemporáneo.
231
Las obras elegidas son:
La Noche
Las "Tres Ninfas”
La Mediterránea (1905)
232
La Noche (1902 – 1908)
233
La Noche , una de sus obras más representativas.
El artista quería que sus figuras fueran la expresión de una idea. A este respecto la superficie lisa, sin apenas musculatura, las grandes formas y la postura de la Noche dan una sensación de reposo y tranquilidad.
234
Las Tres Ninfas (1930 – 1937)
235
Originalmente diseñado con una representación clásica de las míticas tres gracias, este bronce escultórico tiene una gran fuerza y peso en sus formas suaves, curvas y figura del movimiento.
El efecto de espejo de tres desnudos, la impresión que hace es, que hay tres vistas de la misma mujer, también es típico de la representación de las tres gracias.
236
La Mediterranea(1905)
237
Mera manifestación de la belleza
Lo que críticos y artistas apreciaron en ella fue precisamente "la belleza de la forma", que se mostraba en la simplicidad del diseño, la geometrización del cuerpo -las piernas son columnas, los pechos, el pelo y la cabeza son esferas, el torso es un rectángulo y los brazos cilindros- y, sobre todo, en la armonía y el equilibrio que recuerda a las grandes obras de la antigüedad clásica.
Sigue el ejemplo de los griegos del comienzo del período clásico
238
Moore (1898 – 1986)
Intenta expresar la fecundidad de la tierra y ensalzar a la mujer como fuente de vida.
Muchas de sus monumentales esculturas se hallan colocadas al aire libre, en contacto con la naturaleza. Esta era la principal fuente de inspiración para crear sus obras. Estudiaba y coleccionaba piedras, huesos y elementos vegetales y basaba sus esculturas en las formas que le sugerían.
Sus figuras características son de forma redondeada como las colinas inglesas y están compuestas por grandes agujeros a modo de cuevas.
239
Las obras elegidas son:
La Familia
Madre e hijo
Figura reclinada
240
La Familia(1948 – 1949)
241
Es notorio su interés por el cuerpo humano y los grupos de familia, estos últimos constantes tras el final de la contienda. No en vano, la primera obra pública de Moore fue 'Grupo de familia', de 1948-1949, que se instaló en The Barclay School.
242
Madre e hijo(1924 - 1925)
243
La temática de madre e hijo, fue una constante en la obra de Moore
Su gusto por aunar las relaciones internas con las externas en el tallado, siendo las esculturas de temática madre e hijo muestra de ello
244
Figura reclinada(1951)
245
Generalmente, muchas de las esculturas modernas no se llegan a entender por lo que el autor cobra
mayor interés ya que sabe reflejar estados de ánimo en bloques. Aquí, podemos ver fácilmente la expresión del rostro con la boca abierta y un simple ojo, marcado con punzón.
Asimismo, nuestro ojo distingue la figura de una mujer, con sus pechos.
Es uno de los primeros autores que trabaja el vacío, ya que según él es la forma esencial de la figura.
Generalmente, sus obras son personas reclinadas, como si tuvieran una posición clásica. Sus cuerpos se forman con líneas curvas
246
Brancusi(1876 – 1957)
Fue el máximo representante de la escultura abstracta que se desarrolló principalmente en Paris.
Desarrolló personalmente sus esculturas desde el principio hasta el final.
Brancusi no le interesaban las apariencias externas, sino la forma básica y esencial de las cosas, sin detalles innecesarios. En sus obras desaparecen totalmente los elementos descriptivos, creando formas de gran simplicidad.
Entre sus obras se encuentran El beso (1908), Torso mujer joven (1922) y Pájaro en el espacio (1925), esta última guarda parecido con el cuerpo de un ave, pero no tiene cabeza, ni patas ni alas. La forma se alarga y se estiliza para sugerir un movimiento ascendente y continuo, semejante al vuelo de un pájaro. La superficie lisa y pulida, casi como la de un espejo, es característico de las obras de Brancusi.
247
El beso (1908)
248
Torso mujer joven (1922)
249
Pájaro en el espacio (1925)
250
FOTÓGRAFOS
251
Los fotógrafos elegidos son jóvenes artistas que pese a su juventud, su obra es reconocida tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.
Los fotógrafos elegidos son:
CHEMA MADOZ (1958)
QUIQUE CALVO (1972)
ALFONS RODRIGUEZ (1968)
SARA JANINI (1970)
TINO SORIANO (1955)
252
CHEMA MADOZ(1958)
Nacido en Madrid en 1958, está considerado como uno de los fotógrafos famosos más creativos. Su trabajo está recogido en “Obras Maestras”, de Editorial La fabrica.
Su obra, se vincula, por su composición con el lenguaje escultórico y pictórico.
Estudio historia del arte y a la vez se formó en fotografía. La obra de Madoz, es inconfundible por su temática, excava en el mundo cotidiano para extraer simples objetos que él transforma con su cámara en autenticas piezas que cobran un significado especial. El particular estilo de su obra es el blanco y negro. Confiesa que el hecho de que su obra se centre en los objetos, no significa que sus fotografías se puedan comparar con naturalezas muertas.
Es un fotógrafo reconocido internacionalmente. Su primera exposición fue en 1985, desde entonces su arte ha sido mostrado en museos y galerías, no solo de España , sino también del mundo. Con sus fotografías, el observador compre lo extraño de los atributos en las formas y los ciclos que de forma machacona se producen en la naturaleza. A lo largo de 2009 ha expuesto en numerosos lugares del mundo y sus mejores galerías: Estados Unidos, Japón, Bélgica,…etc.
Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Fotografía concedido por el Ministerio de Cultura.
253
254
255
256
QUIQUE CALVO(1972)
Fotógrafo español afincado en Nueva York, nació en Zaragoza en 1972.
La pasión por la fotografía le llega tarde, es un fotógrafo que retrata la naturaleza viva con un estilo propio. Todo comenzó cuando realizó un viaje por Nicaragua, su cámara fue su único maestro para captar la esencia del País. Fotógrafo autodidacta, le han concedido varios premios como el galardón de Periodismo en 1999 por su implicación en temas de cooperación y desarrollo. Sus trabajos reflejan los escenarios de más de 65 países. Es de los pocos fotógrafos españoles que han podido ser testigos de las islas galápagos, Israel, Islas Malvinas, Bolivia, Brasil, Hawái, Egipto, etc. Su estilo fotográfico se enmarca en un estilo conservacionista. Ha fotografiado la complejidad ambiental, la belleza del paramo y la magnificencia de la diversidad mundial. Su trabajo, una combinación periodística y artística, se muestra en Nueva York, Japón, reino Unido, Bélgica, etc. Sus instantáneas han sido expuestas en numerosas ocasiones y en muchos lugares del mundo. En nuestro País, su trabajo además de estar exhibido en su galería propia en Zaragoza, se ha podido disfrutar en el museo de Pablo Serrano.
Su estilo claro y pensativo llamaron la atención de la empresa Coca-Cola, quien le invitó como conferenciante al Foro Estambul 2007. La organización le definió como un fotógrafo con la capacidad de inspirar al publico por sus palabras e imágenes.
257
258
259
260
Alfons Rodríguez(1968)
Compagina su labor de reportero con la docencia. Su obra se difunde a través de diferentes agencias de todo el mundo. Recientemente ha creado Gea Photowords iniciativa para tratar de forma global los grandes problemas que asolan nuestro planeta junto a otros fotógrafos cineastas y escritores de renombre.
Este fotoperiodista acaba de inaugurar en Barcelona, su exposición fotográfica bajo el titulo “Ese Cebrenica, memoria de un genocidio”, las imágenes hablan por si solas, su cámara es el mejor arma para no olvidar.
Recorre el mundo con su cámara y es autor de esplendidos y a veces crudos reportajes.
Obtuvo su experiencia trabajando como reportero grafico independiente desde el momento en que comenzó sus estudios a mediados de la década de los 90. Ha realizado centenares de documentales de temática documental denuncia social, actualidad y viajes. De entre sus reportajes y expediciones, se pueden destacar las realizadas en Irak, corea del Norte, etc. Desde la humildad que le han aportado sus vivencias, intenta expresar con imágenes los dos lados indisolubles de este mundo: La belleza y la crueldad.
Ha sido galardonado con numerosos premios y ha expuesto dentro y fuera de España.
261
262
263
264
Sara Janini(1970)
Nació en Cádiz, regularmente se dedica a viajar por encargo o por libre sobre todo por los lugares que mas le atraen, África y sudeste Asiático. De vez en cuando hace algún trabajo diferente para cambiar el chips, pero tiene bastante claro lo que le gusta y lo que espera hacer durante mucho tiempo. Afincada en Madrid desde 1992, adquiere el gusto por la fotografía desde muy temprana edad. Autodidacta compra en 1987 una vieja ampliadora Durst y comienza a experimentar con el blanco y negro. En 1999 deja su trabajo de economista y se dedica por completo a la realización de reportajes gráficos como freelance , especializándose en la fotografía de viajes sobre todo de África. En noviembre de 2000, realizo su primera monográfica con el titulo “Áórica y Asia dos mundos lejanos”, en el metro de Madrid en un espacio dedicado a jóvenes reporteros.
Ha expuesto en varias colectivas en la ciudad de las Ciencias de Valencia y en la Casa de Vacas de Madrid, con motivo de La Semana del Gusto
265
266
267
268
Tino Soriano (1955)
Nació en Barcelona. Es un distinguido fotógrafo con numerosos galardones nacionales e internacionales, entre ellos el más prestigioso del mundo, el World Press Photo, concedido en 1999. Los viajes y la vida cotidiana son sus pasiones, sin embargo lo más emocionante para él es hacer de altavoz de los problemas infantiles y las injusticias, porque quiere que su trabajo “sirva para algo”. Tiene influencias de conocidos fotógrafos, entre ellos Alex Webb ( por su tratamiento del color), José Manuel Navia ( por su capac idad para crear ambientes), etc.
Es autor de numerosos libros como Fotografías de Viajes. Siempre le acompaña su cámara, dos objetivos fijos y un tercero en función de lo que pretenda retratar. Se implica en numerosos proyectos humanitarios, porque como él mismo confiesa, hay pocos fotógrafos que entren en los hospitales y para él, es un campo inacabable de trabajo. En 2003 escribió e ilustró el libro Latidos en un Hospital, fruto de años de trabajo, fotografiando la vida cotidiana de los profesionales de la Sanidad Española..
Su primera exposición individual “El futur existeix” recogía imágenes sobre el cáncer infantil, dos décadas después, se siente muy satisfecho de ver que con sus fotografías se conseguía financiación para un colectivo que estaba abandonado de la mano de Dios. Otras exposiciones relevantes han sido: Radiografía de un Hospital, Médicos sin Fronteras, La batalla contra el Cáncer, Airea tus esperanzas, etc. Muestra que tiene previsto itinerar por toda España
269
270
271
272
CINEASTAS
273
El tema libre elegido, es el Cine, considerado el Séptimo Arte.
Son muchos los directores que han cosechado importantes éxitos por sus películas, pero los que he elegido, han destacado bien por ser considerados Maestros del suspense, ser un joven con mucho futuro en este Arte, por haberse relacionado con gente tan importante como Alberti, Lorca, etc., o bien por hacerle un pequeño homenaje por haber fallecido recientemente.
Mis elegidos son:
Bergman
Hitchcock
Buñuel
Amenábar
Berlanga
274
Bergman (1918 – 2007)
Es una de las personalidades más destacadas del séptimo arte y del teatro de su país. Su obra cinematográfica, le ha valido el reconocimiento Internacional: Sus películas y producciones para la televisión han tenido mucho éxito de publico y critica. Es también un importante director de escena, conocido por sus notables interpretaciones de los clásicos y sus montajes operísticos.
Debutó como director de cine con Cris (1946). En muchas de sus obras, aborda el dilema del ser humano, desgarrado entre la fe y la duda. En una seria de películas, concebidas totalmente por él, ofrece una personal, sincera e intensa interpretación de la angustia humana. En sus imágenes, busca el impacto emocional.
El cine contemporáneo, ha recibido el impacto de la obra de Bergman. >Ha evolucionado desde una atormentada búsqueda de Dios , hacia el agnosticismo y los problemas de la comunicación y la solidaridad humanas con un estilo depurado.
Su obra es ante todo la de un moralista que se interroga sobre el sentido del bien y el mal y sin duda la sinceridad de sus planteamientos es la clave que explica que su cine denso y sin concesiones, haya alcanzado el favor del gran público.
275
Entre sus títulos más conocidos, están: El séptimo sello y El manantial de la doncella , se inspiraron
respectivamente en una medieval y en un romance popular ( el séptimo sello, le valió a Bergman la consagración internacional), Los comulgantes (Descripción grave y exenta de compromisos, de la lucha entre la fe y la duda).
Bergman se despidió del séptimo arte en 1983 con Fanny Alexander, Oscar de Hollywood a la mejor película de habla no Inglesa. En sus imágenes Bergman persigue a menudo el impacto emocional recurriendo, si es preciso, a una durísima simbología que aparece en muchas de sus películas como por ejemplo en el Séptimo sello
276
277
278
279
Alfred Hitfkock (1899 – 1980)
Nació en Londres en 1899 y se nacionalizó norteamericano. Se inició como director de cine mudo. Hasta la Segunda Guerra Mundial dirigió unas quince películas, especializándose en filmes de intriga policiaca y de misterio.
Entre sus películas inglesas destacan: El hombre que sabía demasiado (1934); Treinta y nueve escalones (1935) y Alarma en el expreso (1938).
Las muchachas de Londres (1929), fue el primer filmes sonoro en el que ya es perfectamente reconocible su estilo.
En 1940 se traslada a EE.UU. donde continuó su carrera consagrándose como el gran maestro del suspense, un género que él prácticamente reinventó.
En una ocasión dijo que podría rodar una película en una cabina de teléfonos y ha sido admirado sobre todo por su gran dominio de la narración cinematográfica, pero su fina ironía y la densidad metafísica de su cine, no siempre han sido plenamente apreciados por el gran público.
En muchas de sus películas Hitfkock hizo una aparición momentánea, de ahí que su inconfundible figura oronda llegase a ser muy conocida por el público.
280
Sus títulos americanos incluyen entre otros éxitos internacionales: La sombra de una duda (1943); Náufragos (1943); Encadenados (1946); Extraños en un tren (1951); La ventana indiscreta (1954); El hombre que sabía demasiado (Segunda versión – 1955).
Otros títulos: Vértigo; Psicosis; Con la muerte en los talones; Los pájaros; La trampa...
Fallece en Hollywood en 1980, muchos entendidos dicen que ha sido el maestro del suspense, sus películas han sido vistas por millones de personas y aún hoy goza del reconocimiento de todo aquel que las ve.
281
282
283
284
Luís Buñuel (1900 – 1983)
Español, nacionalizado mexicano. En 1908 asistió por primera vez al cine Farrucini (una barraca con una lona cubierta), para ver una película coloreada a mano de dibujos animados.
Cuando tenía trece años sus padres le regalaron un teatro con personajes de cartón, con éste comenzó a ofrecer representaciones a los jóvenes de su pueblo.
A los diecisiete años se traslado a Madrid para cursas estudios universitarios, en la residencia de estudiantes tomó parte de las actividades del cineclub y trabó amistad entre otros con Dalí, Lorca, Alberti…
Con sus compañeros de residencia hizo sus primeros ensayos de puesta en escena con versiones delirantes del don Juan Tenorio, en las que actuaban Lorca, Dalí y otros compañeros.
En 1925 se traslada a París y allí se acerca cada vez mas al grupo surrealista. Su afición por el cine se intensifica y veía habitualmente tres películas al día. Su conversión total al cine se produjo tras ver la película Las tres luces, de Fritz Lang.
En estos años también colaboró como actor en pequeños papeles, esto le permitió familiarizarse con el oficio cinematográfico y le permitió conocer a buenos profesionales que luego colaborarían con él, Un perro andaluz; La edad de oro, sus dos primeras películas.
285
En 1928 prepara un guión sobre Francisco de Goya, el proyecto no llega a buen puerto por falta de presupuesto.
En 1929 Dalí y Buñuel en estrecha colaboración ultimaron un guión que acabaría llamándose: Un perro andaluz, que alcanzó un gran éxito entre los intelectuales franceses permaneciendo en exhibición nueve meses consecutivos. Ese mismo año vuelve a reunirse con Dalí para escribir el guión de la Edad de Oro, la colaboración no fue fructífera (entre ellos se interpone Gala, el amor de Dalí), Buñuel prescindió de Dalí aprovechando que éste se encontraba de vacaciones, esto supuso una enemistad. Cinco días después del estreno, la extrema derecha atacó el cine donde se proyectaba la película, las autoridades francesas la prohibieron, requisaron las copias y comenzó una censura que duraría medio siglo.
En los años treinta fue contratado por la Metro Goldwyn Mayer, allí conoció a Chaplin. Contratado por la Paramount regresó a España y trabajó como responsable de sincronización.
Una de las películas más importante y personales es El ángel exterminador, en ella aludía a varias bromas privadas de su época de la residencia de estudiantes y del periodo surrealista transcurrido en Francia.
En 1972 fue el primer director español en conseguir el Oscar a la mejor película en Lengua no inglesa con El discreto encanto de la Burguesía.
En 1937 puso el colofón a su obra, fue premio especial del Festival de Cine de San Sebastián.
Otros títulos: Los olvidados; Nazarín; Viridiana; Ese oscuro objeto del deseo…
286
287
288
289
Luis García Berlanga (1921 – 2010)
Director y guionista valenciano. En los años cuarenta rodó sus primeros cortos: Tres cantos (1948); Paz por una guerra antigua (1948) y El circo (1949).
En 1951 debutó en largometraje con Esa pareja feliz, comedia co – dirigida y escrita junto a Juan Antonio Bardem. Esta cinta supuso un aire fresco y una orientación diferente al acartonado cine español realizado tras el conflicto bélico español. Ambos volverían a colaborar en Bienvenido Mr. Marshall (1952).
Este título ejemplifica bien su cine, generalmente coral y narrado en plano secuencia, aposentado en la sátira, la farsa, el humor negro y una visión crítica y esperpéntica de la realidad sociocultural y política española. Ganó varios premios.
En 1956 rodó Calabuch, premiado en el Festival de Venecia.
Los jueves milagros, sería su último trabajo como director en la época de los cincuenta.
Los años sesenta comenzaron con dos de sus obras más importantes: Plácido (1961), nominación al premio Oscar como película de habla no inglesa y El verdugo (1963), comedia negra que tuvo gran repercusión internacional siendo galardonada en Venecia.
290
Desde este año hasta 1978, dirigió películas como: Vivan los novios; Tamaño natural; La boutique…
Hasta que en 1978 rodó La escopeta nacional, una coral y aciada diatriba sociopolítica.
A partir de los años ochenta su filmografía se trivializa en muchos de sus aspectos y volvería a realizar las obras maestras del pasado.
Entre sus muchas películas se encuentran: Patrimonio Nacional y Patrimonio Nacional III, La Vaquilla (representación cómica sobre el conflicto de la Guerra Civil), Todos a la cárcel, París Tumbuctú, intentan mantener el tono divertido y el enfoque crítico que caracterizaba al director valenciano, considerado uno de los nombres imprescindibles en la historia del cine español.
En 1986 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y el 1993 el Goya al mejor director por Todos a la cárcel.
Ha muerto hace muy poco, después de llevar mucho tiempo apartado del cine. Padecía Alzheimer.
291
292
293
294
Alejandro Amenábar (1972)
Cineasta español, aunque nació en Chile, emigró a España cuando se produjo en Chile el golpe de estado.
Ha vuelto a Chile para presentar sus películas, lo que ha hecho de mantuviese su doble nacionalidad, aunque se siente y declara español. Aunque parece poco probable que haga cine político, dado el estilo de su filmografía, no descarta rodar en un futuro una película sobre aquellos funestos acontecimientos que cambiaron la historia de su país el 11/09/1973.
En su infancia vio decenas de veces su película favorita, 2001 Una odisea en el espacio, de Kubrick.
En 1990 inició sus estudios de Imagen y Sonido, ya en aquel momento quiso poner en marcha sus primeros proyectos como realizador y lo hizo, lo que conllevó la pérdida de no pocas clases.
Cuando casi le tocaba licenciarse abandonó los estudios por culpa de un suspenso, la asignatura era precisamente realización, por entonces ya había rodado sus primeros cortometrajes en los que ejerció de director, guionista, protagonista, autor de la banda sonora y montador.
La cabeza (1991), primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs, Himenóptero (1992), su proyección despertó los elogios de Bigas Luna y el interés de otro director José Luis Cuerda, quien a partir de entonces ejerció de mecenas del joven realizador.
295
Con veintitrés años realizó Tesis, con poco presupuesto, en ella colaboraron actores en aquel momento casi desconocidos, en esta obra tuvo cabida con un breve papel su “padrino” cinematográfico, en un personaje inspirado en el profesor que lo suspendió en realización.
Esta ópera prima mostraba su dominio de la intriga en un tema tan morboso y macabro como el de las Snuff Movies (rodajes de asesinatos no fingidos), con esta ópera prima inicio una lenta pero contundente carrera comercial, que la convirtió en el gran éxito del cine español, con cerca de un millón de espectadores y ocho candidaturas a los Premios Goya. Obtuvo siete, entre ellos el de mejor película y mejor director novel.
Abre los ojos, fue su segunda película, de tratamiento más cercano a la ciencia ficción que al thriller psicológico y un sorprendente diseño de producción. El tándem Amenábar – Cuerda vuelve a funcionar. Le sirvió de plataforma de lanzamiento internacional.
Los Otros (2001), una historia llena de tensión dosificada a lo largo de todo el filme. Más sobrecogedora que terrorífica tiene identificación hitchcockiana.
Fue el primer caso en la industria española en la que intervenían actores británicos, equipo español, rodada en inglés, en una mansión cántabra.
El filme era considerado norteamericano en los EE.UU. y español en España. Batió record en recaudación.
296
Amenábar no se desentiende de las influencias de sus tres realizadores favoritos: en el caso de Hitchcock directamente relacionada con el suspense.
El el caso de Kubrick, con la búsqueda de la mayor simplicidad y el punto de vista mas preciso a la hora de contar algo.
En el caso de Spielberg se coloca en la posición del espectador y hace la película que a él le gustaría ver.
Otros títulos:
Mar adentro (2004), se acerca a la muerte de una manera totalmente distinta. Muy alabada por la crítica. Sirvió para retomar un tema tan polémico como la eutanasia en España, obtuvo muchos premios entre ellos el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Ágora (2009), por ahora su quinta y última película, ha tenido un gran éxito aunque son muchos los que consideran que en muchos aspectos carece de rigor histórico. Se le tacha de anticristiano igual que en Mar adentro por tratar el tema de la eutanasia. Ha creado una gran polémica, gran recaudación, es la producción más cara del cine español. Para algunos es una obra maestra, para otros un proyecto fallido. Presenta al cristianismo como una religión intolerante.
297
298
299
300
BIBLIOGRAFÍA
301
Enciclopedia de Consulta Activa Multimedia.
Diccionario Enciclopédico Visual (Editorial Océano)
MARTIN GONZALEZ, J.J. Historia del Arte (Ed. Gredos)
Diccionario Larousse.
Página Web Wikipedia
Pagina Web Monografías
Otras páginas web.