la restauracion aplicada a zacatecas
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Análisis de la restauración en obras pictóricas y escultóricas y la importancia de profesionales en este ramo en ZacatecasTRANSCRIPT
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
La restauración y su aplicación en Zacatecas:
Análisis de la restauración en obras pictóricas y
escultóricas y la falta de profesionales en este
ramo en Zacatecas
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
“Los hombres sabios y que valoran con justicia las leyes de la vida civil
embellecen con obras de arte las ciudades que carecen de ellas;
los hombres necios, en cambio, las despojan de sus ornamentos y así,
sin ninguna vergüenza, dejan para la posteridad el recuerdo de
su malvada índole.
Por tanto, quien arruinase tantas grandezas,
sería reo de un grave delito contra todos los hombres del futuro,
pues privaría de su valor a los abuelos e impediría a los nietos disfrutar
de la vista de las excelsas obras de sus antecesores (…)”
Procopio de Cesarea. La guerra gótica, III, 22
Miroslava Puente Fernández
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Í n d i c e
Introducción
Planteamiento del problema
Delimitación
Justificación
Objetivos
General
Particulares
Hipótesis
Marco Teórico
Antecedentes
Global
México
Conceptos
Restauración
Restaurador
Conservador
Curador
Obras de arte
o Pintura
Definición
Técnicas y materiales
o Escultura
Definición
Técnicas y materiales
Metodología
Carreras en la Restauración del Arte
o Especialidades dentro de la Profesión
Zacatecas
o Opinión profesional
Anexos
Artículos
o Problemas de restauración en el arte contemporáneo
Bibliografía
Miroslava Puente Fernández
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Introducción El cuidado del patrimonio cultural tiene una larga historia dentro de las tradiciones de
fijación y la reparación de objetos, y en las restauraciones de obras de arte
individuales. La definición tradicional del rol de la conservación involucra
investigación y preservación del patrimonio cultural empleando "cualquier método
que resulte eficaz para mantener esa propiedad en lo más cercano a su estado
general como sea posible durante el mayor tiempo posible"
También a lo largo de los siglos, el arte ha tenido distintas funciones y ha cubierto
distintas necesidades sociales. Es por esto que una obra no debe nunca ser
valorada desde el punto de vista estético, sino que se hace necesario darle una
apreciación histórica; cualquier obra va a ser reflejo de una sociedad, una moral,
una situación económica, bélica o religiosa, o cualquier otro tipo de circunstancia
histórica. El arte es un reflejo de la evolución del hombre y de su pensamiento y,
como tal, constituye un legado de increíble valor.
También debemos considerar que una obra de arte es un ser vivo, desde el
momento en que ha sido realizada a partir de unos materiales que van a sufrir
alteraciones o, simplemente, evolucionarán a lo largo de los años. Si además
tenemos en cuenta que los diferentes materiales que constituyen una obra no
suelen evolucionar de la misma manera, nos resultará fácil comprender que, con
el paso del tiempo, la obra va a presentar un aspecto y unas propiedades físicas y
químicas distintas a las iniciales.
Partiendo de estas dos premisas, resulta fácil apreciar la importancia que
adquiere la restauración como actividad complementaria a la conservación de
una obra de arte. Cualquier individuo poseedor, y por tanto amante, de una obra
de arte, debe hacer lo que esté en sus manos para garantizar su supervivencia.
Por esto, en aquellos casos en los que las actividades de conservación no son
suficientes (porque la obra ya ha sido dañada), es necesario realizar un proceso
de restauración en orden a preservar todos los valores que encierra una obra de
arte.
La enseñanza de esta profesión es de suma importancia, un restaurador puede
hacer más que el simple hecho mantener una obra, pero cierto es que en nuestro
país pocas son las instituciones que brindan esta educación, suceso que limita a
muchas mentes brillantes con dotes para este arte, y para enfatizar la
importancia es decir que un lugar con gran patrimonio artístico debería de contar
con personas especializadas mínimamente en los tipos de obras que más se
destacan tal como es el caso de Zacatecas con sus pinturas y esculturas.
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Delimitación
Análisis de la restauración en obras pictóricas y
escultóricas y la falta de profesionales en este ramo en
Zacatecas
Justificación
La conservación y la restauración de obras artísticas son una necesidad
actual; el arte como tal no solo es identidad del artista sino de toda una
cultura, la cual expresa pensamientos, sentimientos, y hechos ocurridos en
un periodo de tiempo y es esencial poder mantener el pasado de forma
tangible para las nuevas generaciones. Zacatecas siendo la segunda
ciudad con más museos del país requiere de profesionales formados en el
tema dado el amplio campo de trabajo que se ofrece para así dar
empleo a personal especializado en la zona, evitando contactar
restauradores de otras ciudades por no conocer los usos y costumbres del
lugar.
Objetivos
o General
Conocer el amplio campo de trabajo que se ofrece en Zacatecas para los
conservadores y restauradores de obras pictóricas y escultóricas y saber
que la aplicación de una carrera para esta especialidad es viable en la
ciudad.
o Particulares
Definir que son las obras pictóricas y escultóricas.
Conocer algunas de las técnicas utilizadas para crear obras
pictóricas y escultóricas.
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Enterarse de los diferentes materiales usados
Diferenciar entre conservador, restaurador y curador
Percatarse de las diferentes aplicaciones que tiene un conservador
y restaurador
Analizar cuáles son los lugares en la ciudad con obras pictóricas y
escultóricas que más requieren de conservación y restauración.
Conocer la opinión de varios profesionistas relacionados con el
tema.
Conservar el patrimonio artístico de nuestra ciudad promueve el turismo y
amplía su valor social.
Planteamiento del
problema
El problema de la restauración en obras pictóricas y escultóricas en
Zacatecas reside en no contar con una escuela enfocada a la enseñanza
de reconstrucción y conservación de obras, por lo tanto la ciudad carece
de profesionales que preserven el patrimonio artístico de los múltiples
museos, dando como consecuencia el traslado de estudiantes
zacatecanos a otras ciudades con especialidades en el área y expertos de
diferente procedencia a realizar los trabajos de restauración.
Hipótesis
Afirmar que Zacatecas siendo la segunda ciudad con más museos del país
necesita invertir en la enseñanza de restauración en obras de arte de
manera profesional.
Formar profesionales en el ámbito de la restauración de arte en Zacatecas
evita la fuga de capital hacia otras ciudades.
Miroslava Puente Fernández
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Antecedentes
El cuidado del patrimonio cultural tiene una larga historia dentro de las tradiciones
de fijación y la reparación de objetos, y en las restauraciones de obras de arte
individuales. Aunque las actividades de restauración de objetos se remontan a
los inicios de la humanidad, como actividad pública y profesional, ésta comenzó
en el siglo XIX. En el pasado se realizaron intervenciones de restauración
principalmente en objetos de uso ritual, en México se han encontrado vasijas que
se rompieron y después fueron unidas por medio de una costura. Plinio el Viejo ya
menciona en su Historia técnicas para desprender murales, práctica común entre
los romanos que de esta forma expoliaron edificios griegos. Durante la edad
media y el renacimiento las labores de restauración eran realizadas por artesanos,
pero con el advenimiento del concepto de artista se comenzó a delegar estas
actividades a artesanos marginados.
Es hasta el siglo XIX que comienzan a surgir personas solo dedicadas a conservar,
mantener y en algunos casos reconstruir objetos del pasado. Los campos de la
ciencia y el arte se volvieron cada vez más interdependientes gracias a científicos
como Michael Faraday quien comenzó a estudiar los efectos nocivos del medio
ambiente en las obras de arte. Luis Pasteur también llevó a cabo análisis
científicos sobre la pintura durante este periodo. Sin embargo, quizás el primer
intento organizado para conservar el patrimonio cultural fue la Sociedad para la
Protección de Edificios Antiguos en el Reino Unido. Influenciada por los escritos
de John Ruskin esta sociedad fue fundada por William Morris en 1877. Durante el
mismo período un movimiento con objetivos similares, también se había
desarrollado en Francia bajo la dirección de Eugène Viollet-le-Duc un arquitecto y
teórico francés al que se le puede considerar el primer restaurador. Viollet-le-
Duc realizó un extenso estudio de la arquitectura gótica y se dispuso a reconstruir
y completar las obras inconclusas de la época. Es también uno de los primeros en
poner por escrito sus ideas y métodos; así como también es uno de los primeros en
ser criticado públicamente por Ruskin.
El arte de la conservación recibió un impulso en Alemania, cuando
en 1888 Friedrich Rathgen se convirtió en el primer químico en ser empleado por
un museo, el Museo Real de Berlín. No sólo desarrolló un enfoque científico para el
cuidado de los objetos de las colecciones, si no que difundió este enfoque con la
publicación de un Manual de conservación en 1898.
Ya en el siglo XX comienza una corriente para dar fundamento a las prácticas de
rescate de los objetos del pasado, comenzando en Italia con las obras de Camillo
Boito. Con la asunción de la Italia fascista se comienza una labor de restauración
y reconstrucción del pasado romano y renacentista del país que crea las
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condiciones para que más tarde se cree el Istituto Centrale per il Restauro. En esta
institución surgirá el más conocido teórico de la restauración, Cesare Brandi.
La necesidad de establecer principios para regular la conservación y restauración
de monumentos históricos quedó plasmada en la "Carta de Venecia"" o Carta
Internacional sobre la conservación y restauración de monumentos y sitios,
suscrita en 1964, estos criterios son mayoritariamente reconocidos como más
apropiados en nuestros días y se pueden resumir como:
Recuperación, protección y
revitalización del monumento en su
ambiente incluyendo en tal concepto
a los centros históricos, sitios
arqueológicos, lugares pintorescos y
naturales.
Intervenciones que propicien la
reversibilidad de manera que en
cualquier momento el objeto sobre el
que se ha actuado se pueda despojar de la actuación y volver al
momento anterior de su realización.
Respeto por todos los añadidos siempre que no atenten intrínsecamente al
objeto y que sugieran un documento histórico de las distintas fases por las
que ha pasado. Intervenir siempre desde la autenticidad y la honradez
dejando constancia absoluta de las intervenciones realizadas para
garantizar en todo momento la
autenticidad del monumento
primigenio.
Valorización de la estructura
de los monumentos en su sentido
más amplio existente, dado que
sus características materiales,
históricas y estéticas están
interrelacionadas entre sí.
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Restauración en México
La historia de la restauración en México se vincula necesariamente con la
conservación de los bienes culturales, en los que se encuentran representadas las
distintas etapas de nuestra historia que reflejan el mosaico pluricultural que
identifica al país ante el mundo.
En la Carta de México de 1976 se señala que estos bienes se identifican como
“…las manifestaciones artísticas, lingüísticas y musicales; los usos y costumbres de
todos los pueblos y grupos étnicos del pasado y del presente”.
Para conservar estos bienes en su plena
autenticidad se requiere de formación profesional,
aceptación de normas, principios, ética y técnicas
de tratamiento, en los que se basa no sólo la
comprensión global de un bien cultural sino
también la interpretación crítica de los fenómenos
de alteración que presentan. El bien cultural
tangible susceptible de intervenciones de
restauración está compuesto por una estructura
material tan simple o compleja, que requiere a
través del tiempo de una intervención que asegure
su permanencia; no es solamente la materia en
que fue realizado lo que debe interesarnos, sino
también su apariencia y significado. Para
conservar estos dos elementos tenemos que tratar
la materia con que fue elaborado el bien cultural
para que siga proporcionando información
mediante su difusión.
Han pasado casi 50 años desde que se inició la formación académica de
restauración en el país. Sin ser el ideal que se ambiciona, se han logrado
establecer con muchos esfuerzos las bases jurídicas, el desarrollo técnico-
científico y administrativo, que permitirán seguir avanzando en la conservación de
los bienes culturales existentes en el territorio nacional. La toma de conciencia y el
interés por los valores que encierran estas manifestaciones creadas por el hombre
y la naturaleza se reflejan en el registro que ha realizado México ante la UNESCO,
con base en la Convención sobre Patrimonio Mundial, Natural y Cultural de 1972
(Patrimonio de la Humanidad, tomos 1-18). Las 34 declaratorias realizadas entre
1987 y 2010, que comprenden monumentos, sitios naturales y tradiciones que
identifican a la nación, ubican a México entre los primeros lugares.
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Conceptos
Restauración
Se entiende por restauración al conjunto de operaciones tendientes a conservar
un bien cultural, o a mantener un sitio o monumento histórico o artístico en estado
de servicio, conforme sus características históricas, constructivas y estéticas; tienen
como objetivo facilitar su apreciación, comprensión y uso. Estas acciones sólo se
realizan cuando el bien ha perdido una parte de su significado o función a través de
una alteración o un deterioro pasados. Se basan en el respeto del material original y
el testimonio de los documentos auténticos.
Conservador o Restaurador
Probablemente a partir de la Controversia de los barnices entre Brandi y los
directivos de la National Gallery de Londres se comenzó un distanciamiento entre
la restauración británica y la continental. A esto se sumó la aparición de la figura
del conservador como encargado de manejar una colección. Así en el mundo
anglosajón se comenzó a dejar el término restaurador para los operarios técnicos
que intervenían las obras atendiendo a los criterios de historiadores, científicos y
críticos de arte. Por su parte en Europa continental el restaurador era responsable
directo de los criterios que se tomarían tanto para conservar como para exponer
y estudiar las obras. A la larga esto llevó a una controversia sobre cuál era la
función de conservadores y restauradores, y la imposibilidad de llegar a un
consenso llevó a la creación del término conservación-restauración que empezó
a usarse en la década de 1980.
En el caso de México particularmente la restauración se enfrentó desde los años
1960 a compatibilizar el idealismo brandiano de la obra de arte con el discurso
antropológico del patrimonio cultural, cosa que hasta la fecha sigue produciendo
efectos desiguales.
Conservador o restaurador de obras de arte
Es un profesional, con responsabilidad y con conocimientos multidisciplinares en
campos tan diversos como la historia del arte, la química, la física o la biología y
debe tener formación artística, teórica, técnica y científica.
Su labor es examinar, diagnosticar, preservar, conservar, e intervenir en el
patrimonio artístico. Los restauradores pueden trabajar en empresas privadas,
museos o dedicarse a la docencia e investigación. Otras salidas son las tasaciones
de arte o el asesoramiento técnico en casas de subastas o aseguradoras.
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Curador
El curador es la persona que cuenta con la preparación y la habilidad para
desarrollar las estrategias de exhibición eficientes, que aseguren una exitosa
relación entre los artistas y los espectadores (y compradores), por medio de la
obra y el modo en que ésta, es presentada.
Para poder cumplir con su objetivo, el curador desarrolla diferentes tareas
multidisciplinarias como:
Investigación: Sobre el artista, la obra, movimientos o estilos, contexto histórico
y/o social del periodo de la creación y cualquier otro dato que se considere
relevante para el valor artístico y material de la obra.
Diseño de montaje: Asesorando o interviniendo directamente en las técnicas y
estilos para la presentación de cada pieza individual de las que componen la
muestra y el conjunto en general de todo aquello que integra la exhibición. Este
aspecto es fundamental cuando se trata de exposiciones colectivas y se
procura un concepto uniforme que integre bajo alguna justificación, la
participación de todos los artistas.
Elementos complementarios: Objetos, textos, imágenes adicionales, video,
aromas, sonidos, iluminación, personajes e incluso la temperatura ambiental,
son considerados como recursos adicionales que pueden contribuir a generar
una atmósfera particular que presente condiciones favorables para la
apreciación de la exhibición.
Seguridad: Todos los recursos complementarios y los utensilios y mecanismos
aplicados a las técnicas de montaje, deben ser comprobados para que no
representen un riesgo a la integridad y preservación de las obras.
Vernissage: Alimentos y agasajos varios pueden ser obsequiados a los asistentes
en momentos clave como la inauguración o la clausura del evento. Incluso en
ocasiones pueden estar disponibles de forma permanente para contribuir a la
experiencia satisfactoria de observadores y participantes.
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Estrategias de promoción: Materiales gráficos, llamadas telefónicas, medios de
comunicación masiva y recomendaciones clave, constituyen una variedad de
alternativas individuales o complementarias que pueden ser utilizadas en una
campaña promocional previa para asegurar tráfico durante la exhibición.
Avalúo: Cuando la exposición persigue un propósito comercial, algunos
curadores cuentan con la capacidad de efectuar una valuación para cada
una de las piezas que participan.
Establecer el sentido de la muestra: Conjuntando el uso de todos los elementos
anteriores, el curador tiene que determinar el ¿por qué? De llevar a cabo la
muestra ¿cuál es el propósito que se persigue
con la misma? Tal vez la idea es dar a
conocer una nueva generación de artistas, o
hacer un homenaje a un personaje
consagrado, promover la venta de
algún fotógrafo en específico o resaltar la
labor que una institución está llevando a
cabo en su constante apoyo a las
manifestaciones culturales. El sentido de la
exhibición significa todo ya que el espectador potencial decidirá su asistencia
a partir de ello.
En la actualidad, el uso de los medios electrónicos expande la labor del curador
más allá de las fronteras de la galería. Las ilimitadas posibilidades que ofrece la
interacción a nivel mundial de los usuarios de las redes sociales, obliga a que las
estrategias de difusión y promoción adopten nuevas formas y técnicas
alternativas, que representan un reto de evolución a todas las personas
involucradas en tareas de creatividad. Por otra parte, la posibilidad de
alojar imágenes, audio, video, literatura y cualquier otra forma de expresión
artística, convierte el espacio cibernético en una macro galería sin murallas,
completamente abierta a la participación general y donde los curadores, deben
forjar su lugar y la importancia de su labor en un universo regido por leyes virtuales.
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Obras de Arte
El arte es la visión sensible del ser humano
acerca del mundo real o imaginario. Los
artistas expresan sus percepciones,
emociones y sensaciones a través de
diversos recursos lingüísticos, plásticos y
sonoros.
Una obra de arte, por lo tanto, es un producto que transmite una idea o una
expresión sensible. Se trata de la creación que plasma la intención de un artista.
Constituye la obra artística de un creador cada uno de sus trabajos y el conjunto
de todos ellos. Las realizaciones artísticas siempre están signadas por el estilo
personal y muestran la evolución artística de sus creadores. El estudio exhaustivo
de la obras de arte permite a los críticos y teóricos determinar los diferentes
momentos evolutivos y cambios repentinos en el estilo de los artistas.
Toda obra de arte es en cualquier circunstancia siempre reflejo de la realidad.
Esta realidad llega a los espectadores filtrada a través de la subjetividad de su
creador y es contenedora de la influencia del medio, del conocimiento social y
técnico que posee el artista.
En toda obra de arte subyace como motivo originario el reflejo de lo espiritual y es
característica inherente de ella su carácter único e irrepetible. Además, toda
realización u obra de arte siempre está inscrita en un estilo, tendencia o
movimiento artístico determinado.
Pintura
La pintura es una de las expresiones
artísticas más antiguas y una de las
siete Bellas Artes, es el arte de la
representación gráfica
utilizando pigmentos mezclados con
otras sustancias aglutinantes orgánicas
o sintéticas.
En este arte se emplean técnicas de
pintura, conocimientos de teoría del
color y de composición pictórica, y el
dibujo.
La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada
(una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc.)
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una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra
de arte según algunos principios estéticos.
Técnicas
Si bien las técnicas han variado a lo largo de la historia, las más importantes y que
han perdurado a través del tiempo son:
Acuarela: pigmentos ligeramente transparentes, los colores se disuelven en agua.
Aguada: pigmentos opacos, diluidos en agua, que permiten capas espesas.
Encáustica: pigmento combinado con cera. Diluido para su aplicación por medio
del calor o la trementina.
Fresco o mural: pintura con colores diluidos en agua con cal que se aplican en
una pared. Se pinta directamente sobre yeso fresco mientras este aún está
húmedo. Cuando el yeso se seca, sucede una reacción química: se crea una
película sobre los colores, quedando permanentemente en el yeso.
Óleo: los colores se disuelven en aceite y se aplican en un lienzo o tela. Puede
aplicarse opaco o transparente, tenue o espeso.
Tapiz o gobelino: se utiliza para cubrir los muros y consiste en un paño tejido de
lana o seda con figuras.
Temple: son pigmentos diluidos en clara de huevo.
Vitral: consiste en trozos de vidrio pintados unidos por plomo.
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Materiales
Pigmentos
Un pigmento es una materia colorante que se caracteriza por dar un tono
específico (verde, amarillo, rojo, etc.) pero que tiene la propiedad de ser
insoluble en la mayoría de los líquidos comunes (por ejemplo, agua). El
efecto de un color específico ocurre
porque el pigmento tiene la
propiedad de absorber todos
los colores de la luz menos uno, el
cual refleja hacia el observador.
Los pigmentos orgánicos se
componen de compuestos
carbónicos. En el pasado, solían ser
de origen vegetal o animal. Algunos
ejemplos de pigmentos orgánicos
sintéticos son laca de granza de
alizarina, colores azoicos (tonalidades amarilla, naranja y roja), ftalo-
cianina de cobre (tonalidades azul y verde) y quinacridona (un pigmento
violeta-rojo resistente a la luz).
Los pigmentos inorgánicos (de origen mineral) son compuestos metálicos,
óxidos por ejemplo. Comparado con los orgánicos, hay muchos menos.
Ejemplos de pigmentos inorgánicos de origen natural son las tierras sombra,
los ocres y las tierras Siena que se excavan de la tierra. También hay
pigmentos con la misma denominación pero que se han producido
sintéticamente. Otros ejemplos de pigmentos inorgánicos son los cadmios,
el azul cobalto y el blanco titanio.
Los pigmentos lacados son colorantes que se han hecho insolubles para
algún tipo de aglutinante líquido o disolvente. Este proceso se consigue
químicamente al fijar el colorante en una materia incolora e insoluble al
aglutinante en cuestión (pigmento inerte). Aunque la resistencia a la luz del
colorante mejore algo por este proceso, siempre resulta algo pobre.
Además, los pigmentos lacados poseen la propiedad sangrante de los
colorantes, es decir, el color penetra por otras capas o en la cercanía
inmediata.
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Los pigmentos son utilizados para teñir pintura, tinta, plástico, textiles,
cosméticos, alimentos y otros productos. La mayoría de los pigmentos
utilizados en la manufactura y en las artes visuales son colorantes secos,
usualmente en forma de polvo fino. Los principales pigmentos naturales
utilizados son de origen mineral o biológico.
Las técnicas de la pintura se clasifican en función del material que se usa para
fijar los pigmentos al soporte.
Ese material se denomina aglutinante. Toda pintura está formada por pigmento +
aglutinante (puede llevar además otras sustancias de carga, espesantes y
conservantes).
Aglutinantes:
1.-Aceites:
El más usado es aceite de linaza de tres tipos (cocido, crudo, espesado al sol).
También se usa aceite de girasol, adormideras y nuez.
2.- Resinas:
Sustancia solida o consistencia viscosa y pegajosa, es soluble en alcohol. Existen
orgánicas y sintéticas.
3.- Cera de abejas se usa como disolvente
4.- Gomas
Sustancia viscosa de ciertos vegetakes que, disuelta en agua sirve para pegar o
adherir cosas.
5.- Cal
Viva: fresco
Muerta: Temple a la cal. Se usa como disolvente en agua
6.- Emulsiones: compuestas de un producto emulgente + aceite.
Disolventes: Destinados a facilitar la extensión, a veces disolución del aglutinante.
Sirve para fluidificar y es generalmente volátil, osea desaparece mas o menos en
su totalidad por evaporación.
1.- Agua: Se emplea para las pinturas llamadas “al agua”.
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2.- Alcohol: Es disolvente típico de las resinas. Bajo tres tipos: métrico, etílico y
amílico.
3.- Aguarrás (esencia de trementina): Se obtiene por destilación por vapor de la
resina de pino, el residuo es la colofonia que tiene propiedades disolventes,
plastificantes y secantes.
4.- Acetona: Disuelve resinas, grasas, gomas etc.
5.- Benceno: Buen dislvente para aceites y grasas.
6.- White spirit: Se obtiene por destilación de una fracción paqueña de petróleo.
Soportes
1.- Papeles
Papel prensado en caliente: superficie dura y lisa
Papel prensado en frio: texturizado semiáspero
Papel áspero: superficie granulada.
2.-Maderas
3.- Lienzos: los mas usados provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, el
lino, el yute o el algodón.
Escultura
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y
conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel,
junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso de diferentes
combinaciones de materiales y medios ha
originado un nuevo repertorio artístico, que
comprende procesos como
el constructivismo y el assemblage.
Desde el comienzo de este arte en tiempos
prehistóricos, la principal inspiración de los
escultores ha sido la figura humana,
aunque con distintas motivaciones o
connotaciones. A medida que se fue
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desarrollando la civilización, se acentuó la utilización de las figuras humanas tanto
femeninas como masculinas, en algunos casos mezclándolas con rasgos animales
para representar a los dioses (pueblos mesopotámicos). También es importante la
exaltación de los soberanos (egipcios).
Durante la Edad Media, las esculturas pasaron a segundo plano respecto a la
arquitectura. Casi fueron exclusivamente un complemento de esta, al estar
destinadas a la ornamentación de grandes construcciones, como, por ejemplo,
castillos, palacios e iglesias. Las figuras estaban relacionadas con los textos
bíblicos, ya que en ese tiempo primaba el teocentrismo; es decir, todos los
aspectos de la vida giraban en torno a la creencia en Dios.
El Renacimiento marcó el retorno al estilo clásico. Un claro ejemplo del brusco
quiebre respecto al período anterior es la reaparición de las representaciones del
cuerpo humano desnudo.
Técnicas
Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta
lograr obtener la figura que se pretende.
Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o
quitando porciones de masa.
Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después
con fundición o con una pasta cualquiera y lograr la positiva.
Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y
también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.
Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo
sobre algún molde los relieves y los huecos necesarios para conseguir
la forma que se pretende.
Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua
fuerte) sobre material duro un dibujo cualquiera.
Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de
pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas
resulten de relieve.
Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de
metal precioso para que a fuerza de golpes tome sus formas y
después, quitando la chapa y uniendo los bordes de ella quede una
estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza.
También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir
algunas piezas en la abertura o surcos practicados en otras. Son
variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes decorativas,
la taracea que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la
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superficie de algún mueble de madera y
la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo laminillas
de metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero.
Con estas formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana.
Esta se hace aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso
encima de otro de la misma clase o inferior produciendo dibujo y
aquél sembrando de perlitas metálicas la superficie de la joya o
pieza similar.
Materiales
Arcilla. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar
con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse;
en este caso recibe el nombre de terracota o cerámica si lleva esmaltes.
Yeso. Es un producto preparado básicamente a partir de una piedra
natural denominada aljez, mediante deshidratación, al que puede
añadirse en fábrica determinadas adiciones para modificar sus
características de fraguado, resistencia, adherencia, retención de agua
y densidad, que una vez amasado con agua, puede ser utilizado
directamente.
Madera. Es un material muy apreciado por los escultores, por sus
propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y
según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el
contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las
maderas llamadas nobles se dejan en su color natural como
el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. La madera se corta al menos
cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando
la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca
y sin dar lugar a descomposición de la materia.
Papel y Cartón. El papel es otro de los materiales propio para la
escultura. El mejor es el blanco, que sea bastante fuerte. El cartón es un
material derivado del papel, más grueso y duro que este, es también un
material muy apropiado para confección de maquetas o desarrollar
ideas. Papel maché, o también llamado papel machacado, es un buen
material para la escultura de escolares.
Piedra. Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse
abundantemente en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan
herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son:
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Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se
emplea en labores minuciosas. Su conservación depende mucho de
la calidad de las canteras. Se ha utilizado mucho en escultura
monumental.
Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su
tratamiento de la superficie puede ser muy variado, obteniendo
distintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser un
material bastante perdurable fue uno de los preferidos por los
grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con
humedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la
particularidad de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo.
Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románicos.
Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento,
parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy
fácil de trabajar. Ligeramente translúcido.
Granito, diorita y otras piedras duras.
Hierro. El hierro es un metal que se utiliza para hacer esculturas,
mediante distintas técnicas de trabajo. Estas son:
Repujado: consiste en golpear chapas o varillas de hierro, en frío o en
caliente, para darle las formas que el artista busca. Cuando se trata
de chapas también se utiliza la palabra batido que remite al
movimiento que se efectúa al batir, manualmente, la crema de
leche
Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un
electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra
del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una
unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro
diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el método anterior,
etc.).
Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una
escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla.
La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por la
soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de
obras más plásticas. Actualmente se utiliza el acero corten, para
realizar esculturas que van a estar a la intemperie.
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
Metodología
Carreras en la restauración del arte
Los estudios de restauración de obras de arte pueden realizarse a través de las
facultades de Bellas Artes que dispongan de la especialización en Conservación y
Restauración, en las que se obtiene la licenciatura en Bellas Artes o a través de las
Escuelas Superiores de Conservación y Restauración, en las que se obtiene una
diplomatura en este campo. En la actualidad se lucha por una titulación
específica con la implantación de una nueva licenciatura universitaria en
Conservación y Restauración de Obras de Arte.
La restauración de obras de arte se especializa en función de la técnica o
naturaleza material de la obra: pintura, escultura, obra sobre papel o documento
gráfico, y arqueología, que abarca todos los materiales antiguos. En ocasiones
estas disciplinas se solapan, siendo obras sobre papel como las acuarelas, u otras,
también tratables por técnicos especializados en pintura, por ejemplo.
Especialidades dentro de la profesión
La profesión de la conservación y restauración es amplia y abarca varias áreas de
especialidad. Especialidades pueden incluir:
Conservación de textiles
Conservación y restauración de metales
Conservación y restauración de bienes escultóricos
Conservación de escultura en madera policromada
Conservación de escultura en piedra
Conservación de escultura o bienes ornamentales en metal
Conservación y restauración de bienes arqueológicos
Conservación y restauración de pintura
Pintura de caballete
Pintura mural
Conservación y restauración de obra gráfica, libros y documentos
Conservación de fotografía
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
Conservación y restauración de dibujos y grabados
Conservación y restauración de libros y encuadernaciones
Conservación y restauración de textos impresos y manuscritos
Conservación preventiva
Conservación curativa
Restauración arquitectónica
Zacatecas
Aunque para muchos no sea conocido el total acervo cultural de Zacatecas,
tampoco es desconocido su gran acopio artístico-museístico, evidenciado
extraordinariamente en sus sin iguales museos.
Por ellos Zacatecas es considerada como la segunda ciudad con más museos del
país con 11, después de la Ciudad de México, que tiene alrededor de 170. Sin
embargo, en la relación de habitantes por museo, Zacatecas (10 mil 700 contra
47 mil del DF) es muy superior.
La calidad extraordinaria de sus contenidos, cuyas admirables colecciones se
exponen en interesantes espacios de gran valor histórico, cultural y
arquitectónico, y las cuales abarcan casi todos los ámbitos y disciplinas. Ya que se
pueden encontrar en ellos piezas de carácter universal que marcan una línea de
tiempo, y con las cuales se viaja desde las más remotas civilizaciones (como la
griega, la egipcia o la hindú), hasta las precolombinas o del periodo colonial
mexicano, sin excluir desde luego a las expresiones científicas contemporáneas o
las modernas y evolutivas manifestaciones plásticas artísticas.
Estos museos, además de desempeñar un rol educativo importante para la
sociedad, son microcosmos que permiten al visitante reconstruir su realidad,
propiciando la construcción de representaciones espaciales, con nociones de
tiempo, lugar y circunstancia.
Hablando con expertos en el tema se entra en un debate donde se discute si
sería viable una especialidad de la restauración en obras de arte, tanto
restauradores como arquitectos piensan que es una buena idea, algunos buscan
especializarse en este tema pero siempre existe la pregunta de qué pasaría
económicamente, si los egresados podrían obtener un trabajo con el cual vivir y
la respuesta es que si hay un campo de trabajo variado pero no en la cantidad
que se requeriría si salen muchos especialistas, aunque existe la posibilidad de
que esas mentes creativas no se queden en la ciudad y puedan ejercer en otros
sitios gracias a las bases obtenidas. Se planteó también que se diera esta
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
especialidad pero solo a un grupo limitado que serviría para las cuestiones que se
plantean anteriormente.
Anexos Los problemas de restauración en el arte contemporáneo
La historia del arte ha servido históricamente
para tomar conciencia del necesario apoyo
del patrimonio y de las obras artísticas. Esto,
unido al trabajo de los restauradores,
conforma la base para que podamos seguir
en un futuro disfrutando de un rico
patrimonio. Sin embargo, los restauradores
se han encontrado con un problema en la
actualidad, el arte contemporáneo y el uso
de los nuevos materiales.
Y es que los artistas contemporáneos, en su afán por la innovación formal,
muchas veces olvidaron proteger correctamente las obras para que no se
deterioraran rápidamente. Otro problema viene dado por el deterioro prematuro
de los materiales sintéticos, que se agrietan fácilmente; o los recambios de piezas
industriales que se desgastan y quedan obsoletas impidiendo la restauración
posterior de la obra.
Los artistas informalistas colocaban materiales detríticos en sus lienzos, como
maderas rotas o clavos oxidados, acelerando el proceso de envejecimiento de
los cuadros. Otro claro ejemplo es Dan Colen, que usa como materiales goma de
mascar y confeti, produciendo un rompecabezas para el restaurador que debe
conservar la obra. Y es que hoy en día podemos encontrar obras con materiales
tan variados como el poliuterano, el petróleo, el chocolate, la cera, plantas,
alimentos o animales en descomposición. En otras ocasiones los artistas llegan
incluso a crear materiales que podríamos llamar nuevos, impidiendo saber cómo
evolucionarán todas estas obras en un futuro.
La cosa se complica todavía más si nos fijamos en obras de land art, ya que al
estar en la naturaleza, los factores climáticos pueden destruir la obra al instante,
siendo aquí el margen de acción casi nulo. Aunque por otro lado, también
podemos encontrar artistas que planteen sus obras precisamente como algo
efímero, es decir, para que éstas acaben destruidas. Toda esta problemática ha
creado un gran debate sobre si gran parte del arte actual debería ser o no
restaurado.
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
Sin embargo, la restauración en la actualidad ha sabido reinventarse, y, tomando
la química como aliada busca ahora soluciones para este problema. Los
conocimientos de las distintas familias químicas han permitido cambiar algunos
de los materiales de restauración, como las antiguas colas, que ahora son
sustituidas por elementos químicos como el
funori. El resultado de todo esto es que el
laboratorio y las reacciones químicas tienen
ahora un papel casi protagonista dentro del
mundo de la restauración. El restaurador actual
no sabe a qué deberá enfrentarse cada día, y
por lo tanto la investigación está en continuo
cambio.
Los museos también son conscientes del
problema de los nuevos materiales y la necesidad de investigar sobre el tema.
Así, los grandes centros de arte contemporáneo, como el museo Tate Modern de
Londres, cuentan con un departamento de “materiales con duración limitada”.
Todo esto para que el arte que se produce hoy en día, pueda llegar a próximas
generaciones y no se convierta en algo efímero. Como nota positiva, es necesario
decir que en la actualidad tenemos la suerte de tener cada vez museos más
concienciados con este tema, y que saben la importancia de la conservación
preventiva de sus obras.
Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
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Miroslava Puente Fernández
Instituto Tecnológico de Zacatecas/Arq
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