la obra de arte como la escritura es un proceso. por tanto ... · trabaja armando unas escenas...

Trabajo Práctico Obligatorio N°3 - Mariela Montero

Bocetos-proceso…

“Es un plomazo, aburridísima, seguro la conocés; es una chica, artista.

Trabaja armando unas escenas adentro del microondas con unos

muñequitos, unos juguetitos. Arma toda la escena, después lo pone al taco

hasta que todo se quema y después ese plástico quemado es la obra.

Viejísimo además, una boludez. Y ahora está haciendo además un video de

todo el proceso de ella laburando porque le empezó a ir super bien, se ganó

el premio de la Bienal de Caracas…” (escena de la película El Artista)

La obra de arte como la escritura es un proceso. Por tanto, también el trabajo académico, pero

de éste último no habituamos a mostrar su “backstage”.


…Proceso-trabajo

Subasto Instalación Artística montada en mi cocina. Título: ¿Cuando el

Grifo Empieza a Gotear? Estilo: Arte Efímero. Material: Agua sobre metal

y restos de Comida. Descripción: Instalación escultórico-acústica de

equilibrio inestable y ritmo sincopado. Precio de salida: 200.000 €.

Comentario - ricayguapa - 05/11/2011 23:32

Y entonces dijo un niño: -"Mirad, el Emperador va desnudo."

Comentario - josé félix - 04/11/2011 23:56

¿La nueva espectadora?

Es difícil establecer diferenciaciones tajantes. Me considero, o al menos quisiera ser un “ojo

crítico” que no resbale en la superficie. Sin embargo, a veces me sorprenden actitudes como

cuando, al entrar al Museo de Arte en el que hicimos un primer recorrido ‘libre’ por las obras, -

yo, un ojo entrenado a una mirada crítica, si bien en un ámbito diferente: la literatura- se me

“escapó” una primera impresión de “ojo común” ante Intemperie, en la que vi solamente una

habitación con una frase y en Sitio en construcción… Por otro lado, ante obras como Sala de

estar el juego con “adorno” lo sospeché inmediatamente, si bien más allá de este guiño con el

lenguaje la obra no me interesó. Decidí finalmente elegir la obra Intemperie para focalizarme

en el análisis porque (a diferencia de Sitio en construcción) luego del relato de todo lo

transcurrido, ya sobre el final del recorrido, de un primer momento de indiferencia el proyecto

pasó a ‘conmoverme’ intelectual y emocionalmente. ¿Será que estuvo atravesado por un

fuerte relato de una experiencia a partir del cual pude resignificarlo? Posteriormente pude

escuchar el proceso de la obra a partir de lo que Nicolás Testoni contaba y explicaba en el

Museo, de este modo continué reflexionando y complejizando mi mirada sobre el proyecto.

Como señala Bourriaud, hay en las exposiciones de obras de arte, un aspecto que las diferencia

de la lectura solitaria e intimista de un libro, o de asistir al cine o una obra de teatro: es que

permite un intercambio en simultáneo mientras se piensa, observa y experimenta. Esto se

potencia en el momento de la inauguración. Base sobre la cual la película El artista construye

escenas muy interesantes (críticas-irónicas-humorísticas). Gracias a mi compañera de carrera

Verónica, la segunda visita al MBA-MAC y a Casa Escópica estuvo atravesada por esa

experiencia de un espectador que podía simultáneamente compartir sus opiniones-

pensamientos-críticas.

https://www.youtube.com/watch?v=4SrqapPxoxk#t=11

Entonces, si bien mi eje busca ser el espectador crítico, aspecto que encontré muy presente

cuando asistí a Herbario (disfrute-reflexión), y en menor medida Isla Blanca (por cierto

hermetismo que me generaron los poemas), pienso que en otros momentos tampoco he

escapado de ser una suerte de espectador turista. No por andar alocadamente y sin tiempo,

pero sí por el hecho de que muchas veces cuando he tenido oportunidad de viajar por la

Argentina, la visita al(los) museos es un aspecto del recorrido turístico que suele estar

presente como parte de conocer las ciudades. Es una práctica que asocio a los momentos de

viajes. Tal vez cuando me encuentro en Bahía Blanca no pienso en ir a visitar el museo del

mismo modo, sino que se conforma como parte “casual” a partir de asistir a diversas

actividades organizadas en los mismos.

https://www.youtube.com/watch?v=4SrqapPxoxk#t=11


¿Herbario o Isla Blanca?

Herbario me resultó más “permeable”. Un “shock” acorde a los nuevos tiempos. Creo que hay

dos actitudes muy marcadas ante el mundo actual cargado de estímulos en el que vivimos:

rechazarlos/oponerse/resistirlos o potenciarlos/aprovecharlos, como en este caso. La

conversación que surgió con posterioridad a la obra me resultó más interesante y significativa.

A partir de esa discusión que se generó es que desde mi punto de vista, considero que en

Herbario se establece una interrelación teatro/danza/música/video-proyección/audio-

narración en la que ninguna de las partes es la esencial. Es en ese entrecruzamiento/fusión (de

las fronteras) en que se juega lo más significativo de la obra. La actuación, a diferencia de lo

que se expresó, es una parte importante de la performance pero no es imprescindible:

podríamos pensar solamente una puesta que vincule audio (los poemas, la música) y el video.

De cualquier modo, no creo que pase por pensar qué se puede sacar sino en poner el énfasis

en que cada aspecto se encuentra imbricando de tal manera que por momentos es imposible

pensar uno sin el otro. Desde mi lectura personal, las instancias en que la actriz interactúa con

el video proyectado, en las que las imágenes cobran relieve en su cuerpo-se transforman e

integran, así como los juegos con su sombra en la proyección (por ejemplo, cuando toma el

pequeño mundo y lo apoya en su mano, entonces su sombra proyectada en el medio del

bosque lo transforma en un pajarito posado en su mano) resultaron claves para esta línea de

lectura e interpretación.

Visita a Casa Escópica – Muestra de Rafael Martín El último testigo: bocetos, proceso y obra.

Escena contemporánea, 2002,

Técnica mixta.

La obra de Rafael Martín que elegí me recordó el método, el uso de material “basura” –de

poco valor- y un tipo de diálogo con el espectador similar al que establecían los pequeños

cuadritos/relicarios de Devociones periféricas presentada en el MBA-MAC que me invitaban a

una observación atenta y cercana. La frase pegada a la pared en Casa Escópica confirmó mi

primera impresión:


A su vez, en el trabajo de composición de ambas obras, la búsqueda de un sentido crítico que

involucra la noción de Arte (sí, con mayúscula) también se encuentra muy presente.

Considero que Escena contemporánea se puede pensar en relación al cubismo en cuanto al

uso de técnicas como el collage, el objet trouvé y el assemblage. El artista compone a partir de

objetos encontrados preexistentes. En este caso, utiliza una imagen de fondo para la escena

que parece pertenecer a una revista o libro de arte. Superpuestos, se encuentran combinados

distintos objetos –pequeñas figuras, muñequitos industrializados: su presencia provoca y

problematiza. ¿Podríamos pensar la obra como una suerte de ready-made rectificado? ¿La

imagen de la Galería Uffizi sobre la cual se insertan los muñequitos se puede pensar en los

términos del cuadro de La Gioconda intervenido por Duchamp? A partir del título de la obra y

de la imagen de fondo, la escena contemporánea resultaría ser la del mundo del arte clásico

consagrado, las galerías, el mercado actual y el comercio turístico del arte (aquellos

espectadores turistas que, como señala Oliveras, apurados por horarios y programas, en clara

lógica capitalista, perciben el recorrido por museos como un espacio a ser llenado y

aprovechado al máximo). Se distancia del neo dadaísmo y del arte pop debido a que la cultura

de consumo está presente pero desde una mirada crítica que surge a partir de la conjunción

del fondo y pequeños objetos característicos del arte kitsch (otro mercado paralelo al del

turismo): la presencia de un pequeño bufón que rige la balanza, inodoros-sacapuntas, una caja

registradora y personajes caricaturescos de dibujos animados. A su vez, Rafael Martín hace un

uso del kitsch que se diferencia claramente del neo pop y su pastiche (parodia vacía)

entronizador. En este caso el mensaje sí importa. De este modo, la obra que seleccioné se

encontraría más cercana al neo realismo europeo que trabaja con objetos de consumo, los

estetiza (en este caso ya poseían un sentido estético aunque visto como de ‘baja calidad’) y

tiene un mayor sentido reflexivo.

Sin embargo, su obra resulta completamente factible de ser asimilada y circular por ese

mismo sistema de arte que intenta socavar. En la escena de El artista donde Jorge inaugura su

obra, una ‘conversación' significativamente interrumpida la cuestiona: “Lo absurdo con estas

obras es que suponen una crítica al poder, al régimen y son completamente absorbidas, son

funcionales para el sistema oficial de arte; los usa y los hace comprar por corporaciones o por

coleccionistas importantes y entonces se convierten en… (interrupción) lo contrario” .

Por último, un pequeño detalle: la muñequita presente en Escena contemporánea la pude

reconocer, una igual está en un mini reloj cucú que pertenecía a mi abuela.


¿Regional?

En el reglamento de la Bienal Regional de Arte 2014 se establece que pueden participar

artistas pertenecientes a las provincias de Buenos Aires, La Pampa, Río Negro, Neuquén,

Chubut, Santa Cruz, Tierra del Fuego ¡e incluso Islas Malvinas!

Resulta un concepto de regional un tanto amplio, ya que abarca parte del centro y todo el sur

de la República Argentina. Me parece significativo que se priorice la participación de las

provincias mencionadas, ya que generalmente se encuentran relegadas del centro artístico

que se irradia desde la ciudad de Buenos Aires. Sin embargo, en la práctica resultó que, al

incluir toda la provincia de Buenos Aires, con excepción solamente de la Ciudad Autónoma,

nuevamente la fuerte presencia del “centro de irradiación artística” ocupó un lugar

privilegiado. De los diez proyectos seleccionados, tres pertenecían a La Plata y un cuarto a San

Isidro. Dos provenían enteramente de artistas locales –bahienses. En cuanto a un análisis por

provincias, Buenos Aires predominó ampliamente ya que solamente dos de los proyectos

seleccionados provenían de Chubut y Río Negro. El grupo La habitación infinita me resultó

interesante ya que articula local y regional (por el lugar de residencia de los artistas) con un

proyecto que involucraba a un pueblo cercano a la ciudad, en un sentido de la palabra como el

que yo lo interpretaba/imaginaba en un primer momento: pueblos o ciudades en un radio de

400 km de Bahía Blanca. Es en su propuesta donde lo regional realmente resulta central.

Finalmente el centro visitante predominó ampliamente a la hora de otorgar los premios

adquisición. A diferencia de las menciones en las que lo local-local dominó. Lamentablemente

en la presente sociedad capitalista, el dinero, un aspecto no menor, pasa de lo regional a lo

central para continuar contribuyendo a que lo regional funcione como una copia periférica y

alimentar un fuerte mercado central…

Herbario – Escena contemporánea - Intemperie

La obra de Rafael Martín se diferencia con claridad tanto de Herbario como Intemperie ya que

se trata sin dudas de un autor individual. En estas últimas, en cambio, las intervenciones

involucran a diversos participantes: en el primer caso artistas visuales, actrices, y quienes

colaboran en la puesta en escena como es el diseño y la iluminación; en el último caso el grupo

se presenta claramente como un colectivo, sin embargo su apuesta involucró a un número de

participantes que excede a los artistas que figuran en los carteles del museo. Este proyecto fue

más allá en cuanto a la relación autor-espectador, buscando construir “relaciones posibles con

el vecino”, incluyéndolo como parte activa y posibilitando, por tanto, una obra de arte que

realmente genere un “intersticio social”.

Problematizar quién fue realmente el autor en la obra Intemperie y su no-alusión/referencia en

los carteles nos vincula con el complejo entramado autor-artista-espectador-participante que

este proyecto artístico conlleva. Es un espectador activo que se apropia también de la autoría

de la obra y colabora desde la puesta del cuerpo, la voz, materiales, trabajo, etc.. Se establece

un vínculo relacional con la comunidad, en este caso de Darregueira, “de artistas y no artistas”.

Sin embargo, no podemos pensar que un espectador que no tiene una intervención física

directa, que no es co-creador, es meramente pasivo. Incluso ante la obra de arte más


tradicional y que busque la contemplación, siempre el observador establece relaciones entre

los estímulos que se le presentan y sus saberes previos. No es una tabla raza en la que la obra

viene a “llenarle” el cerebro. Desde Escena contemporánea también “el proceso de

comprensión e interpretación supone una tarea de reconstrucción e integración que implica

involucrar en el individuo humano a la obra artística en su totalidad” (Gadamer en Oliveras, p.

147). Esa intención de generar asociaciones y un trabajo mental a través del quiebre de la

diferenciación entre disciplinas artísticas como teatro/artes visuales/música/literatura, resulta

claro en Herbario. Como ya mencioné es un gran shock de estímulos en donde el espectador

participa interrelacionando desde su percepción intelectual.

En la muestra de Rafael Martín se pone énfasis en los procesos-bocetos que dan cuenta de un

cambio en el modo de pensar el trabajo artístico y la obra. Aspecto en el que también focalizó

la Bienal Regional de este año en el MBA-MAC. Sin embargo, los bocetos pasan a ser objeto-

obra y adquieren un cierto valor “aurático” de contemplación – a la vez que paralelamente

generan una problematización de esa misma objetualización-. La relación obra-público

entonces, considero que no se modifica sustancialmente: este último sigue siendo un “eslabón

final en la cadena de la comunicación estética” (Oliveras, p. 142) ya que no participa de ese

proceso de construcción1. Uno de los integrantes a cargo de Casa Escópica comentó la

resistencia que Rafael Martín tuvo en un principio a exponer sus bocetos, a lo que finalmente

accedió. La propuesta de este espacio justamente evidencia que no se trata de realizar una

muestra más, tradicional y consagrada, del artista sino presentarlo/explorarlo desde otro

aspecto. Aun así, esos bocetos se vuelven objetos, así como la ‘muestra’ de mi propio proceso

de escritura tampoco escapa a las ‘trampas’ de la objetualización del proceso. Por tanto, el

hacer de Rafael Martín se presenta en un tiempo y espacio bien diferenciado: las horas que

trascurre trabajando en su taller. En Casa Escópica, durante el tiempo que dura la exposición,

podemos observar los productos de ese trabajo (o sus consecuencias- los bocetos) exhibidos

de manera acabada.

El carácter teatral y de puesta en escena de Herbario, hace que la obra se vaya desarrollando

en presencia de los espectadores y no se presente como “cerrada”. De acuerdo al espacio, las

disponibilidades técnicas y el público asistente se construirá de un modo diferente, con

diversas variaciones. Aun así predomina cierto carácter exhibitivo, ya que el momento del

hacer, es decir, del ensayo, de la construcción de la performance, sucede en un tiempo y

espacio diferentes al momento en que posteriormente se presenta al público ya construida,

‘terminada’. Si bien, necesariamente su forma implica un hacer en el momento que trascurre

ese contacto atento por parte del público.

Imtemperie, en cambio, trabaja en la zona de frontera (al igual que los museos de White). La

proyección en la ventana de “la María Luisa” podemos pensarla como símbolo de ese trabajo

general. [Ver Videos]

Estamos en el museo, la puesta del video fue pensada para ese lugar específico pero nos hace

mirar hacia afuera en una entrecruzamiento ciudad-campo donde ninguno se presenta como

“puro”. Una ventana que nos traslada a la Estación desde esa habitación del Museo (exigen del

1 En el caso de los Museos de Arte se busca establecer una diferencia al invitar al público a acercarse durante el armado de la obra por parte del artista.


espectador un ejercicio de imaginación – nada está dado2). Una ventana que nos va a permitir

ver el paso del tren y en simultáneo el de colectivos/autos/bicis/peatones, en el que el espacio

y también el tiempo (el pasado de la filmación y el presente de lo que sucede en la calle) se

entrecruzan. Es un site specific que no sólo requiere que estemos presentes en un espacio

preciso sino también en un tiempo específico: el atardecer (momento de mayor calma en

medio de la llanura y frenetismo/circulación en la ciudad). A diferencia de Herbario, la

percepción –para quienes estuvieron presentes en mayor medida, para quien escuchó el relato

en un segundo plano pero igual puede resultar efectivo- “anestesiada” sobre lo cotidiano se

activa para hacer visible un lugar –edificio- y por extensión la situación del ferrocarril ‘fuera’

del museo. Su carácter relacional implica que eso que llamaríamos obra se construya de

manera conjunta en un espacio y tiempo determinados: durante el atardecer del 16 de mayo

en la Estación Tres Cuervos. Imposible es la separación entre la instancia de construcción y la

de exhibición, puesto que desde el momento que los vecinos intervinieron para ayudar en las

cuestiones técnicas, conversar sobre sus vivencias e involucrarse en el armado del “festín”,

hasta la llegada de los jurados y el recorrido conjunto de las instalaciones, se generó, en

términos de Bourriaud, un pequeño mundo de interrelaciones sociales, de experimentación y

pactos sociales que se reestablecen, frente al panorama general de quiebre de las grandes

utopías y relatos.

Campo artístico bahiense

La posición de los museos MBA-MAC, Museo del Puerto y Ferrowhite dentro del campo

artístico es particular puesto que al ser estatales y subvencionarse a través de los fondos del

Municipio desde lo institucional se encuentran en una posición dominante con respecto a

otros pequeños centros culturales que han surgido en la ciudad.

Casa Escópica se presenta como un pequeño centro cultural que desde su gestión es

emergente, junto a otros que se han gestado en los últimos años (Patio Espiral, Centro Cultural

La Panadería…) pero que considero que sus propuestas no llegan a configurarse como

emergentes dentro del campo artístico si tomamos como ejemplo la muestra de Rafael Martín.

Si bien es una suposición muy general ya que faltaría un análisis más detallado de los centros

culturales. Su carácter independiente del Estado o el Municipio no les genera la misma

visibilidad y posibilidades de acción, así como tampoco la misma estabilidad para perdurar en

el tiempo.

Desde las prácticas artísticas los museos de Arte de Bahía Blanca también ocupan una posición

dominante ya que se establecen en su interior instancias de legitimación, como es la presente

Bienal y la entrega de premios. Se genera un sistema de exposición y premiación. Este es el

sistema dominante dentro del campo artístico en el que se encuentra inserto el MBA-MAC y

que, con el último reglamento, está configurando un proceso de cambio. Aun así, dentro de las

obras presentadas en la BRA 2014 algunas se encuentran claramente insertas en un mercado

artístico y su autor se desempeña como profesional… Sin embargo, en Bahía Blanca son muy

pocos los artistas profesionalizados como podría ser el caso de Rafael Martín (quien también

ha paralelamente desempeñado actividades de docencia).

2 En este sentido encuentro puntos de contacto con Herbario.


La extensa cita de Laddaga, en cambio, describe con claridad los proyectos en torno al Museo

del Puerto y Ferrowhite: Un proyecto que quiebra la división tajante entre disciplinas, que

conforma equipos de trabajo con “individuos de diferentes proveniencias, lugares, edades,

clases, disciplinas” junto con “la invención de mecanismos que permitieran articular procesos

de modificación de estados de cosas locales (…) y de producción de ficciones, fabulaciones e

imágenes, de manera que ambos aspectos se reforzaran mutuamente; y el diseño de

dispositivos de publicación o exhibición que permitieran integrar los archivos de estas

colaboraciones de modo que pudieran hacerse visibles para la colectividad que las originaba y

constituirse en materiales de una interrogación sostenida, pero también circular en esa

colectividad abierta que es la de los espectadores y lectores potenciales” (Laddaga, p.8).

Estas instituciones generan prácticas que se encuentran en un plano emergente y posicionadas

en la frontera. No se pueden pensar dentro de una disciplina en concreto: se realizan

publicaciones con aportes de los trabajadores y vecinos, se recupera su testimonio en un cruce

con lo artístico en los proyectos de teatro documental. También trabajan con el material de

descarte que los rodea… al servicio del arte y la enseñanza. Ferrowhite ha lanzado

recientemente a las aguas de la ría “el arca obrera”, una balsa que funciona como arte

conceptual –crítico que a su vez interactúa y va al encuentro de quienes trabajan/habitan su

entorno. Esta institución en particular se caracteriza por sus breves videos que funcionan como

instancias de registro-testimonios del museo pero que tienen una fuerte impronta estético –

institucional.

Son prácticas emergentes que implican una “redefinición de las tareas del museo” (Ares, p.54),

más que una abolición. Lejos de pensar el museo como caja misteriosa y cerrada, para

preservar una tradición y una serie de objetos auráticos, se encuentran en permanente

construcción con los espacios (localidad-barrio-vecinos-escuelas) en los que se incluyen. En

este sentido, el Museo del Puerto busca trabajar a partir de los objetos para devolverles su

“contexto genealógico” (Huyssen en Ares p. 61).

Los museos que funcionan en White quiebran la autonomía relativa del campo artístico, se

encuentran en un cruce entre lo artístico y lo histórico. Por otro lado, además del sostén del

municipio, venden objetos, libros, en el caso particular del Museo del Puerto se utiliza la

cocina, en un cruce entre participación de la comunidad-los vecinos, lo artístico y el mercado

(pero desde un lugar de quiebre-diferente al mercado del arte tradicional). Las “empanadas

historiográficas” y “las pizzas estadísticas” dan cuenta de un trabajo con la cocina y la historia

en un cruce con el arte relacional. Dan cuenta de que sus proyectos son comunitarios y no

focalizan en la obra entendida como objeto sino en el proceso de construcción colectiva.

Por último, de mi recorrido por el Museo del Puerto quiero señalar un pizarrón que ya había

observado en otra oportunidad y que me generó cierto “ruido” en el contexto de

manifestaciones artístico-sociales en contra del dragado (analizadas por Heredia Chaz)

proyectadas para el estuario de Cerri:

“El dragado es casi un arte de dejar todo limpio y parejito abajo, sin que se vea”

Juan C. Domínguez, ex trabajador del dragado.


Probablemente el contexto por el cual ese pizarrón se encontraba en el museo era el de

recuperar a esos trabajadores “invisibles” y su trabajo “silencioso”. Sin embargo, la frase

aislada sin una interrelación con otros elementos, genera tensión en relación con las

circunstancias actuales y luego de las manifestaciones sucedidas en la ciudad respecto a la

temática del dragado.

Otro pizarrón presente en el mismo museo recupera el siguiente verso de Brecht:

“César conquistó las Galias. ¿No llevaba siquiera un cocinero?”

El siguiente es un breve artículo del cual extraje, para el epígrafe del trabajo, los comentarios

que dos lectores habían escrito luego de leerlo:

En Dortmund

Una limpiadora destruye una obra de arte al querer limpiarla

La mujer sacó la base de una pieza de tablones superpuestos Jueves, 3 de noviembre - 17:45h.

FRANCE PRESSE / Berlín -

Una limpiadora de un museo de Dortmund, en el oeste de Alemania, ha destruido una

obra de arte al querer limpiarla.

La mujer retiró la base de caucho que aguantaba las planchas de madera apiladas. "No

será posible volverla a dejar en su

estado original", ha afirmado el

museo sobre el incidente, que

sucedió el pasado 21 de octubre.

La obra, titulada "Cuando los

tejados comienzan a gotear", era del

artista alemán Martin Kippenberger,

ya fallecido, y estaba asegurada en

800.000 euros.

La obra "Cuando los tejados comienzan a gotear",

antes de su destrucción. BERND THISSEN | EFE

El Museo Ostwall de Dortmund establece en su normativa que las limpiadoras deben

respetar una distancia de al menos 20 centímetros entre ellas y las obras de arte. Los

responsables no han podido precisar si la trabajadora, empleada por una empresa

subcontratada del museo, había recibido estas instrucciones.

No es la primera vez que una obra de arte resulta destruida en Alemania por celo en la

limpieza. En 1986, "Fettecke" (literalmente "punto graso"), de Joseph Beuys, y que

consistía en una mota de mantequilla sobre una superficie, fue destruida al pasarle el

trapo en un museo de Düsseldorf.

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/una-limpiadora-destruye-una-obra-

arte-querer-limpiarla-1206493

Un trabajo que busca reflexionar sobre nuestra/mi concepción de arte (contemporáneo)

subyacente y sus mecanismos actuales de circulación/producción para preguntarse: ¿nuestra

mirada dónde posiciona/qué papel atribuye al arte y qué actores prioriza/ intervienen?

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/una-limpiadora-destruye-una-obra-arte-querer-limpiarla-1206493

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/una-limpiadora-destruye-una-obra-arte-querer-limpiarla-1206493

la obra de arte como la escritura es un proceso. por tanto ... · trabaja armando unas escenas...

Documents