LA FOTOGRAFÍA

Elena Osuna Osuna

14621228 – J

1. LA FOTOGRAFÍA

A.HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA: ORIGEN Y EVOLUCIÓN.

B. VALORES SOCIOLÓGICOS Y ARTÍSTICOS DE LA FOTOGRAFÍA.

C. GÉNEROS Y USOS FOTOGRÁFICOS

D. LA CÁMARA Y SUS ACCESORIOS.

E. FOTOGRAFÍA DIGITAL Y SOFTWARE DE RETOQUE FOTOGRÁFICO.

F. APLICACIÓN DIDÁCTICA.

G. BIBLIOGRAFÍA.

TEMA 29: LA FOTOGRAFÍA. ORIGEN Y EVOLUCIÓN. TÉCNICAS Y MODOS EXPRESIVOS. SOFTWARE DE RETOQUE FOTOGRÁFICO.

A. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA: ORIGEN Y EVOLUCIÓN.

- Antecedentes de la cámara oscura y su uso artístico La cámara oscura era en un principio un minúsculo agujero en una pared que permitía proyectar una imagen borrosa sobre la pared opuesta. Se cree que los griegos del período clásico ya la conocían a través de descripciones literarias de las cuales la primera fue la de Aristóteles en el siglo V a.C. A finales del XVI fueron varios físicos italianos los que la perfeccionaron hasta convertirla en una caja de madera. Durante los siglos XVII y XIII se fue perfeccionando con objetivos y otras mejoras. Se hicieron portátiles y fueron utilizadas por pintores como Canaletto. Con esta primitiva cámara oscura y yoduro de plata obtuvo Charles sus conocidos retratos de siluetas. A pesar de ello, la imagen seguía borrosa y débil ya que la sal se oscurecía con la incidencia de la luz.

-Niepce y su invención El francés Niepce no era artista sino investigador y buscaba los efectos del sol sobre la piedra litográfica cubierta de un barniz fotosensible compuesto por aceite de lavanda y betún de Judea. Experimentó con placas de vidrio y metal dentro de una cámara oscura aplicándole dicho barniz. Las placas eran tan poco sensibles necesitando muchas horas de exposición y debían ser reveladas en un medio ácido. Sea como fuere, en 1827 fue capaz de obtener unas imágenes conocidas como heliografías / dibujos del Sol que ya se podían considerar fotografías, a pesar de que requerían un procedimiento similar al del grabado y tenían poca definición. - Daguerre: visión comercial y su daguerrotipo. El francés Daguerre provenía del mundo del teatro siendo a la vez un hombre de negocios y con vistas. De esta forma, complementaba la ambición de Niepce quien no tenía espíritu comercial. Sustituyó el betún de Judea por yoduro de plata aplicándolo a una placa metálica. Esta nueva placa era mucho mas sensible que la de Niepce necesitando solo varios minutos de exposición. Se revelaba en mercurio caliente y después en una solución salina. La imagen resultante conocida como daguerrotipos era mucho más nítida y precisa pero se seguían ennegreciendo con el paso del tiempo, no se podían sacar copias y estaban invertidas. Ninguno de estos inconvenientes impidió su rápida difusión. El propio Daguerre comercializó un pequeño equipo y un manual con enorme éxito en 1839, que difundieron su técnica por todo Occidente en pocos años. Los deseos de inmortalidad de la pequeña burguesía de la época se materializaron en los retratos realizados con esta técnica dando lugar así a un nuevo género.

-Fox Talbot: el calotipo. Paralelamente al daguerrotipo, el inglés Fox Talbot inventó el calotipo que fue el procedimiento que acabó llegando a nuestros días. El calotipo funcionaba por el proceso negativo-positivo y tenía papeles a los que se fijaban yoduro de plata siendo mucho mas sensible que el daguerrotipo (30 seg. De exposición). La imagen resultante era de inferior calidad pero permitían sacar cuantas copias se deseasen. - Frederick Scott Archer: el colodión húmedo. En 1851, el escultor y fotógrafo aficionado británico Frederick Scott Archer sustituye el papel de Talbot por placas de vidrio sensibilizadas con colodión húmedo (alcohol, éter y polvo de algodón). Eran varias veces más sensibles que las técnicas anteriores, lo que permitió el tiempo de exposición a 3 segundos. Tenían el inconveniente de que era necesario transportar un equipo muy pesado, pues era indispensable preparar y revelar las placas en el momento de su uso. Con esta técnica el fotográfo inglés Roger Fenton ilustró la Guerra de Crimea mientras que O’Sullivan lo hizo de la Guerra de Secesión estadounidense convirtiéndose así en los primeros reporteros. Utilizada también por Nadar quien tenía la misma estética que los pintores del Impresionismo. La relación entre éstos era tal, que en el estudio del propio Nadar se celebró la primera exposición Impresionista. Disderi utilizando esta técnica pone de moda la fotografía a modo de tarjeta de vistita.

-La fotografía victoriana En Gran Bretaña se desarrolla otro tipo de fotografía muy influenciada por la pintura victoriana cuya estética podría definirse como académica����Margaret Cameron. Durante esta etapa el británico, Charle Benett sustituyó el colodión húmedo por placas secas. Se comercializaron rápidamente ya que el tamaño quedó notablemente reducido. El tiempo de exposición era también inferior, 1/25 de segundo, lo que daba paso a la instantánea moderna. -Eastman y Kodak: la popularización de la fotografía. La verdadera popularización vino de la mano del americano George Eastman fundador de la casa Kodak en 1888. Para ello, unió una cámara muy ligera y fácil de utilizar con un carrete flexible (película formada por una tira larga de papel sensibilizado) Bajo el eslogan Usted aprieta el botón y nosotros hacemos todo

lo demás, fue capaz de conseguir que todas las clases sociales se interesasen por la fotografía gracias a materiales cómodos y baratos. Las fotos tras ser reveladas se enviaban a casa del propietario junto con la cámara y un carrete de 100 fotos de regalo. -Búsqueda del color y el movimiento En 1861 el físico británico James Clerk Maxwell realizó la primera fotografía en color mediante filtros y mezcla aditiva de color. Sin embargo, la fotografía en color no sería popular hasta mitad de los años cuarenta cuando Kodak comercializa el sistema Kodakcolor. Los hermanos Lumiére también desarrollaron un sistema de color conocido por Autocrome pocos años antes del nacimiento del cine.

En relación a la búsqueda de la profundidad, se desarrolló la estereoscopía: técnica basada en dos imágenes, una para cada ojo, capaz de recoger información visual tridimensional. Tuvo mucho éxito en la Exposición de Londres en 1851. Por otra parte, el deseo de fijar el movimiento era otra línea que llevaría hasta el cine. Prueba de ello es que a finales del siglo XIX la mayor sensibilidad de la película permitió los cronofotogramas de Muybridge y Marey. -Los cambios en las cámaras y las películas

� Cronología.

� Leica inventada por Barnack en 1925�objetivos

intercambiables, pequeño tamaño y coste, luminosa, silenciosa�apreciada por aficionados.

� La Ermanox ����fotografía casi sin luz y permitía la instantánea moderna�Erich Salomon.

� Hoffman se convierte en el fotógrafo y asesor de imagen de Hitler.

� Robert Capa fotografía la Guerra Civil Española o la II

Guerra Mundial.

� En 1947 el físico estadounidense Edwin H. Land desarrolló la cámara Polaroid Land , popular en 60’s�autorevelado �ver la fotografía segundos mas tarde.

� Años 50� cambios técnicos en las cámaras y en las películas.

� Hacia 1960 ����las cámaras réflex con muchas mejoras en la

óptica y los mecanismos de obturación y diafragma.

� A partir de 1962�hologramas�fotografías que recogen las fases de las ondas luminosas permitiendo una percepción 3D.

� Hacia 1995���� sistema APS (Advanced Photo System) pretendía unir la fotografía química con algunas aportaciones electrónicas�no logró imponerse resultando un residuo histórico.

� Hacia 1980���� la fotografía del futuro abandona la química por la electrónica����Fotografía digital actual que analizaremos mas adelante.

B. VALORES SOCIOLÓGICOS Y ARTÍSTICOS DE LA FOTOGRAFÍA. -Creación y desarrollo de las técnicas: aportaciones a la imagen. A lo largo de la historia se han creado y desarrollado diversas técnicas destinadas a la creación de imágenes. Resulta indiscutible el hecho de que exista una clara relación entre la evolución científico-social y la aparición de cada técnica: -instrumentos primitivos→creación manual desde la Prehistoria. -desarrollo artesanal→estampación mecánica desde el siglo XV. -desarrollo mecánico y químico→fotografía desde ≈ 1827. -desarrollo electrónico→infografía desde 1975. Durante milenios las técnicas quirográficas fueron las únicas que permitieron realizar imágenes aportando a éstas�perdurabilidad y visualización. Hasta que aparecieron las técnicas de estampación mecánica que junto a la invención de la impreta XV�multiplicidad y economía.

Asi hasta llegar a la aparición de la fotografía gracias al ya citado desarrollo mecánico y electrónico. Señalemos como momento clave cuando la fotografía se unió a las técnicas de impresión en 1873(primera foto en un periódico)�facilidad de realización, rapidez y popularidad�revolución para la multiplicación mecánica de la imagen. De esta forma la fotografía supuso:

NUEVO EJE DE LA CULTURA DE LA IMAGEN

COMO HECHO ARTÍSTICO: LIBERA A LA MANO DE MATERIALIZAR LA PERCEPCIÓN�el proceso de ver y materializar lo percibido se rompe por 1ªvez con la fotografía. ROMPE LA MÍMESIS DE LA PINTURA CLÁSICA�obliga a evolucionar a la pintura, a que tome otros caminos apartados del que hasta entonces había sido su principal objetivo: la mímesis. CREA UN NUEVO MODELO ICÓNICO�enseña a ver de otra manera (particulares composiciones de Degas). BASE DE NUEVAS TÉCNICAS DE CREACIÓN DE IMÁGENES COMO HECHO SOCIAL: HACE LA REPRESENTACIÓN FÁCIL POPULARIZA LA IMAGEN�ejemplo perfecto es el retrato; con la pintura era un proceso lento, caro y reservado a las clases mas pudientes ≠ fácil, barato y accesible con la fotografía. CONOCIMIENTO DEL MUNDO Y SUS HABITANTES�sus inicios coinciden con las colonizaciones por lo que el mundo quiere conocer aquello que hasta entonces nunca se le había mostrado utilizando la fotografía como una ventana hacia lo desconocido. MEMORIA HISTÓRICA Y PERSONAL BASE DE ALGUNOS TIPOS DE OCIO�aumento de aficionados sobre todo a partir de la cámara digital: nunca había sido tan fácil, rápido y barato fotografiar imágenes y manipularlas casi sin límites.

PROMUEVE UN NUEVO MODELO CULTURAL POSEE VALORES CIENTÍFICOS, TÉCNICO E INDUSTRIALES�por ejemplo como aplicación médica podríamos citar a las indispensables e insustituibles radiografías. C. GÉNEROS Y USOS FOTOGRÁFICOS Reportaje fotográfico o fotoreportaje����Fotografía documental y social. Su credibilidad como testimonio de lo real sumado a su alta iconicidad hace de la fotografía el medio perfecto para mostrar un mundo desconocido hasta el momento. Los descubrimientos, las colonizaciones, monumentos, animales y paisajes exóticos se convirtieron en sujetos de miles de fotografías que encontraban fieles lectores de la prensa en la pequeña burguesía decimonónica. Además era tal el éxito popular de estas fotografías que muchas de ellas se realizaban estereoscópicas y se vendían para visualizarlas con un aparato especial. Frente a esta fotografía lejana y de carácter documental nace un nuevo tipo: la fotografía social. Utilizada por otros autores para reflejar la realidad más próxima y denunciar las terribles desigualdades sociales del siglo XIX. El británico John Thomson fotografió a los trabajadores londinenses y el francés Atget realizó fotografías que reflejan la vida parisina con una visión personal muy cercana a la fotografía artística. En la actualidad el fotógrafo más conocido en este campo es el brasileño Sebastián Salgado, que resulta conmovedor con sus reportajes sobre los mineros de su país, los niños trabajadores indios, los barrios de El Cairo o los campos de refugiados en África. -El periodismo gráfico.

Se distingue de la fotografía documental y social porque su misión es contar un hecho de manera icónica. Su destino suelen ser los diarios y revistas y sus promotores son las agencias de noticias. Los temas reflejados están relacionados con la política, los sucesos, los deportes o las artes. Juegan un papel muy importante en la formación de las opiniones del público. Gran importancia tuvieron para el periodismo gráfico la aparición en los años treinta de revistas profusamente ilustradas con fotografías como Life, Look o Picture Post. Uno de los iniciadores de este género fue el francés Henry Cartier-Bresson. Creador junto a Capa y otros de la agencia Magnum, la vas relevante en periodismo gráfico. -Fotografía comercial y publicitaria: función económica y estética Su iconicidad y la rapidez de lectura de la fotografía la hacen idónea para transmitir mensajes con intenciones claramente comerciales. Los fotógrafos comerciales realizan las miles de fotos utilizadas en anuncios, catálogos y otros medios publicitarios. Destacan autores como Cecil Beaton por sus reportajes de aristócratas y otros famosos o Helmut Newton y Hamilton con sus desnudos. -La fotografía artística Se caracteriza por ser básicamente personal. Ya no capta un suceso, sino que fabrica un modelo frente a la cámara: utiliza la luz como un elemento expresivo de primer orden; el enfoque, la profundidad de campo, la angulación poseen significados. A estas posibilidades expresivas hay que sumar las que ofrece el revelado y positivado o los tratamientos digitales. Muchos artistas plásticos han utilizado la fotografía como un medio complementario o fundamental en su expresión: futuristas como Man Ray, los dadaístas la utilizaron en sus collages descontextualizándolas mientras que los constructivistas

rusos la definieron como un arte en si misma con el fin de distinguirla de la pintura clásica. Existen otros géneros como la fotografía científica, que sin desmerecer su importancia, tan solo citaremos algunos de sus usos mas relevantes: fotografía submarina, aérea, astronómica, médica, infrarroja, ultravioleta y microfilmación. D. LA CÁMARA Y SUS ACCESORIOS. Las cámaras analógicas tenían una serie de mecanismos básicos como: - apertura de la tapa del objetivo - arrastre de la película, -recuperación de la misma mediante la palanca de rebobinado y el embrague. Al extinguirse prácticamente la película, han desaparecido estos mecanismos siendo sustituidos por la tecnología digital. Por otra parte, existen otros elementos que a continuación se exponen que no faltan en ninguna cámara fotográfica ya ses analógica o digital.. Con la aparición de ésta última, han evolucionado ofreciendo mayores posibilidades. Por tanto es necesario que el alumno conozca sus características y propiedades. De esta forma se busca que pueda sacarles el mayor partido posible a sus cámaras. Cámara oscura Realmente no podemos considerarla como una parte sino el primer antecedente como ya hemos visto al inicio de este tema. De esta forma, al analizar cualquier cámara lo primero con lo que nos encontramos es con una caja cerrada con un orificio en un lado (objetivo) por el que entra la luz proyectándose en una superficie/lado opuesto sensible a ésta donde se halla la emulsión o célula. -Partes de la cámara:

El Visor Un visor sirve, como indica su nombre, para mirar y seleccionar el campo gráfico de entre el campo visual. Los más simples eran los directos que muestran un campo gráfico similar al que captará el objetivo. Este tipo casi ha desaparecido ya que se han sustituido por la pantalla digital situada en la parte trasera. El Objetivo Está formado por una o varias lentes de vidrio óptico, de muy buena calidad cuyo fin es ajustar el enfoque. Su montaje requiere extremo cuidado, exactitud y cálculos muy precisos. Hay muchas clases de objetivos que van desde el objetivo menisco, que es el más sencillo hasta los grandes angulares pasando por los teleobjetivos y los zooms propios de las cámaras digitales. El Obturador Es un mecanismo muy preciso cuyo montaje al igual que el objetivo requiere suma exactitud. Tiene la misión de dejar que la luz ataque a la célula o emulsión durante un tiempo determinado que es lo que conocemos como exposición. Ésta depende de una perfecta sintonía entre el obturador y el diafragma, elemento que analizaremos a continuación. La exposición está representada por cifras que hacen referencia a fracciones de segundo (1/25�1/nº) Aunque en las cámaras mas antiguas los obturadores eran de guillotina, en las modernas analógicas suelen ser bien de diafragma (láminas que se abren en el momento del disparo, propio de las menos sofisticadas) o de plano focal (doble mecanismo por el que se abren o cierran un conjunto de láminas y a la vez una cortinilla con una ranura que será mayor o menor en función del tiempo de la exposición, propio de las cámaras mas precisas). Por otra parte, en las cámaras digitales la exposición se regula electrónicamente y en la mayoría no suele existir ningún elemento mecánico para la obturación.

Diafragma Orificio cuyo diámetro aumenta o disminuye por el juego de una serie de laminillas metálicas, movidas por la acción de una palanca. Tiene la misión de dejar pasar un corro de luz mas o menos grueso es decir, regular el paso de la luz según sea excesiva o insuficiente. Esta cantidad de luz se mide por medio de cifras 2, 2.8, 4, 5.6, 8, 11 y 16 (conocidas como f-stops). Cuánto más pequeña es la cifra, mayor será la apertura del diafragma. Por otra parte, si la luz es abundante en la escena, se podrá cerrar mas el diafragma y emplear una velocidad mayor del obturador�la velocidad del obturador y la apertura del diafragma son inversamente proporcionales. A pesar de ello existen muchas posibilidades intermedias, todo ello dependerá de la luminosidad de la escena y la profundidad de campo elegida. En definitiva, el diafragma y el obturador han de funcionar en perfecta sincronía y estar siempre equilibrados. Resulta conveniente aclara el concepto de profundidad de campo: es la zona que resulta razonablemente nítida en una fotografía, que comienza antes y termina algo después de la distancia enfocada. Tiene valores semánticos ya que el núcleo de interés de una fotografía lo selecciono gracias a la profundidad de campo. -Accesorios de la cámara: Flash Son muchos los accesorios que ayudan a realizar mejores fotos. Uno de ellos son los flashes electrónicos que son unas fuentes artificiales de luz utilizadas en el caso que ésta escasee o con fuertes contraste de luminosidad.

Trípode Accesorio muy útil cuando es necesario disparar a velocidades inferiores a 1/15. Suelen tener tres patas, aunque los hay también de una. Son plegables y disponen de varias articulaciones en su parte superior para poder orientarlos en todas las direcciones. Filtros Accesorios destinados a corregir cuando sea necesario las características de la luz. Los filtros de color pueden utilizarse para cambiar la gama dominante atendiendo a fines expresivos o bien para compensar el color de la fuente luminosa. Han caído en desuso desde la aparición de los programas de retoque fotográfico. Fotómetros y luxómetros La medición de las longitudes de onda se realiza con dos tipos de instrumentos: fotómetros y luxómetros (miden la cantidad y la calidad) .Aunque la mayor parte de las cámaras actuales poseen algún tipo de fotómetro manual o automático todavía pueden encontrarse para usos profesionales como accesorios específicos. E. FOTOGRAFÍA DIGITAL Y SOFTWARE DE RETOQUE FOTOGRÁFICO

La utilidad práctica de la fotografía digital en el aula posee una mayor potencialidad didáctica que la analógica, sin que ello conlleve a desmerecer cualquiera de las propiedades de ésta última. Por lo que por éstas y otras muchas razones bien merece un análisis pormenorizado.

Cabe señalar que en cuanto a las desaparecidas analógicas, quizás tenga cierta cabida y haciendo uso en la medida de lo posible de medios audiovisuales (presentaciones PWP), una clase basada en la película mostrando al alumno aspectos como:

-tipos de película: B/N y de color

-tipos de formato

-sensibilidad (IS0): determinada por el tiempo de exposición.

-exposición

-Fases del revelado→se obtiene el negativo o cliché

-El positivado o obtención del positivo→ fotografía positiva en papel

-¿Qué es un fotograma?: fotos hechas sin cámara ni cliché. Se coloca un papel fotográfico sobre la ampliadora, poniendo sobre ella uno o mas objetos, transparentes o no. Se enciende la luz de la ampliadora y se revela el papel; el resultado es de figuras blancas sobre fondo negro. Una actividad que puede tener cabida en el aula de secundaria.

-El inicio de la fotografía digital Hacia 1980 de incorpora la electrónica a las cámaras. Una nueva generación de cámaras japonesas dominaba el mercado con marcas como Nikon o Canon las cuales habían incorporado mecanismos que ampliaban sus posibilidades. Así hasta que la película química es sustituida por un disco magnético donde se graban imágenes que pueden verse en un monitor. En la actualidad este disco es un fotosensor o captador digital de hasta 4 capas.

Fue una herencia clara de las mejoras de definición de las cámaras de video y del progreso informático. La casa Sony desarrolló una cámara de vídeo que sustituía la cinta magnética por un disco blando que grababa la imagen de modo analógico y podían verse en un monitor conectado a una unidad especial. El precio elevado de estas cámaras y el escaso desarrollo de los ordenadores en esas fechas frenaron su evolución y debió pasar más de una década para que la fotografía digital iniciase su despegue. -El tratamiento digital de la imagen: software de retoque fotográfico La fotografía digital no tendría sentido sin la popularización de los ordenadores. Los 90 ofrecieron dos líneas básicas de avance:

• 1ªdesarrollo de la capacidad gráfica de los ordenadores� tratamiento y/o manipulación de la imagen digital�retoque fotográfico

El gran protagonista era Macintosh, pero poco a poco el entorno Windows también aumentó sus capacidades gráficas. Gracias a ello, el retoque fotográfico ha hecho posible la manipulación casi sin límites imagen, tanto en sus componentes semánticos (p. ej., quitar o poner seres u objetos o alterarlos) como en los expresivos (forma, color, contraste, etc.) estando al alcance de cualquier usuario doméstico. Por ejemplo, no se concibe el proceso de diseño sin herramientas como Adobe Photoshop, Corel, Freehand, Gimp y otros programas especializados en la manipulación de la imagen. Esto permite un gran abanico de posibilidades expresivas nunca imaginadas hasta el momento.

• 2ª sustitución de la fotografía analógica por la digital

En la actualidad, las cámaras digitales son más comunes que nunca lo fueron las cámaras analógicas.

La incorporación de cámaras digitales a los teléfonos móviles ha hecho que la mayor parte de los ciudadanos jóvenes y de mediana edad lleven una cámara consigo habitualmente. Esa capacidad de crear imágenes y manipular imágenes casi sin límites ha provocado que la sociedad esté habituada a la constancia gráfica de cuanto sucede. -Distintos tipos de almacenamientos en la cámara Los dispositivos de almacenaje para las cámaras digitales (conocidos como tarjetas por su formato aplanado), pueden utilizarse una y otra vez, porque pueden borrarse o sobregrabarse cuantas veces se desee. Aunque algunas cámaras poseen memoria interna, todas tienen una ranura en el que colocar dichas tarjetas. Existen muchos tipos de tarjetas y están evolucionando rápidamente. El tipo de tarjeta más conocido es la llamada Secure Digital (SD). También se están extendiendo las llamadas MiniSecure Digital (SD), porque son muy pequeñas y permiten miniaturizar las cámaras siendo el caso por ejemplo de los teléfonos móviles. Otros tipos de tarjetas de memoria son las XD, MemoryStick (Sony) entre otras. -¿Qué han supuesto las cámaras digitales?����Ventajas. En definitiva las cámaras digitales han supuesto:

• Nueva etapa para la fotografía����revolución técnica y social.

• Rapidez y facilidad de creación, manipulación e intercambio de la imagen����soporte Internet.

• Comodidad de uso ����hasta las más baratas contienen mecanismos o que las hacen fáciles de usar.

• Economía ����desaparición de los costes de la película y su revelado ≠ tarjetas regrabables����borrado ilimitado.

• Visualización instantánea����permite ver la imagen al instante en la pantalla trasera y su posterior

transferencia a soportes digitales����casi desaparición de las fotos en papel.

• Mejora de la calidad y definición����antes eran

necesarias grandes ampliaciones lo que se ha resuelto con definiciones de hasta 22Mp y otras funciones como el balance de blancos, ISO (sensibilidad mayor que las analógicas), distintos modos según las circunstancias (retrato, paisaje, noche, playa, deporte) y otros ajustes. Si los aplicamos aparecerán como un icono�vital importancia que el alumno conozca la información que aparece en la pantalla de su cámara digital.

• Perdurabilidad����pues no existe desgaste mecánico. • Posibilidad de secuencias cortas de video y sonido. • Falta de ruido����importante en ciertos casos como

conciertos o cuando se desea mantener el anonimato). En cuanto a los inconveniente destacaríamos por un lado, la inmaterialidad de la fotografía lo que puede llegar a una fácil pérdida de información (ya casi nadie imprime las fotos en papel y se almacenan en pens o ordenador los cuales no son eternos: fallo del disco duro por ejemplo). Por otro lado, todas estas ventajas pueden suelen tener el efecto contrario pudiéndose comprobar en el aula de cualquier centro de secundaria. Los alumnos de los primeros años de la ESO disparan innumerables fotos con sus cámaras o teléfonos sin ser conscientes de las posibilidades que pueden llegar a ofrecer las distintas funciones y ajustes de las cámaras. Por ello es de vital importancia, unas clases previas sobre técnica fotográfica aplicada a sus cámaras digitales con el fin de que entiendan que las fotos no son automatismo, sino fruto de la interacción entre la realidad exterior y la expresión de su autor. Se busca evitar

la llamada “trivalización del disparo”. Si además se complementan con algunos retoques en el ordenador, se produce una fuerte motivación al respecto que hace que muchos de ellos continúen con un aprendizaje autónomo y te muestren fotos durante los meses posteriores en las que la calidad ha mejorado mucho. La EPV de 4º de ESO es una gran oportunidad para desarrollar aprendizajes al respecto, incluyendo montajes audiovisuales y todo tipo de tratamiento digital posterior. F. APLICACIÓN DIDÁCTICA Competencias:3, 4, 5, 6. 7 y 8. Objetivos generales de la ESO en Andalucia: b y f. Objetivos de la EPV: 1, 6. 8 y 9. ESO: carácter introductorio y básico. 1º y 2º����bloques 1, 3 y 4. 4º����bloques 3 y 4. BACHILLERATO Los contenidos de este tema están relacionados sobre todo con las siguientes asignaturas: -Fundamentos del Diseño -Cultura audiovisual. Cabe señalar, que la didáctica de la fotografía en ambas etapas depende de las instalaciones del centro en cuanto al material fotográfico y las aulas TIC o un posible taller de fotografía. Se busca sobre todo que el alumno considere a la fotografía como una manifestación artística mas y que valoren su importancia social en muchas áreas. G. BIBLIOGRAFÍA. FONTCUBERTA, J.: Fotografía: conceptos y procedimientos. Editorial Gustavo Gili S.A., Barcelona, 1990.

GERNSHEIM: Historia gráfica de la fotografía. Editorial Gustavo Gili S.A., Barcelona, 1965. HEDGECOE, J.: Fotografía creativa. Editorial Blume, Madrid, 1980. NUEVA ERA: DESARROLLO EXTENSO DE LA FOTOGRAFÍA DIGITAL El abandono de la fotografía química Tras casi dos siglos de conjunción entre la física óptica y la química, la fotografía del futuro parece que abandonará la química por la electrónica. La tradicional película de celuloide cubiertade una gelatina sensible que ha supuesto el soporte básico durante casi toda la historia de lafotografía, parece que está dejando paso claramente a distintos tipos de receptores electrónicos sensibles a la luz que permiten recoger la imagen para posteriormente enviarla a un dispositivo de almacenaje. De ese modo la imagen fotográfica se transforma de modo semejante a como lo han venido haciendo los restantes tipos de imágenes: imágenes que reproducían y conservaban la realidad de modo analógico como la pintura, la propia fotografía o el cine, pasaron a otras que se conservaban mediante otra analogía muy diferente de tipo electrónico como las televisivas o las de vídeo (en la cinta ya no se pueden ver las imágenes como en la película cinematográfica); finalmente las imágenes se digitalizaron hasta perder la analogía entre la realidad y el soporte de conservación o el proceso de tratamiento como sucede por ejemplo en las imágenes binarias grabadas por las cámaras digitales o en las almacenadas en un DVD. El inicio de la fotografía digital Hacia 1980 se incorpora la electrónica a las cámaras. Una nueva generación de cámaras japonesas dominaba el mercado con

marcas Nikon, Canon, Minolta o Yashica; éstas habíanincorporado circuitos integrados y motores que ampliaban sus posibilidades (autoenfoques omediciones múltiples de la luz, por ejemplo). Hacia mitad de la década aparece la fotografía totalmente electrónica, donde la película química es sustituida por un disco magnético donde se graban imágenes que pueden verse en un monitor. Fue una herencia clara de las mejoras de definición de las nuevas cámaras de video y del progreso informático. La casa Sony desarrolló una cámara de vídeo fijo que sustituía la cinta magnética por un disco blando similar al de los ordenadores. Sus modelo ProMavica y Mavica grababan la imagen de modo analógico y podían verse en un monitor conectado a una unidad especial. Otras marcas la siguieron como Canon que con su cámara RC-470 facilitó el trabajo al utilizar un reproductor de vídeo normal para ver la imagen. El precio elevado de estas cámaras y el escaso desarrollo de los ordenadores en esas fechas frenaron su evolución y debió pasar más de una década para que la fotografía digital tomara velocidad de despegue. El tratamiento digital de la imagen y la fotografía digital en el final del siglo XX La fotografía digital no tendría sentido sin la popularización de los ordenadores. La década de los noventa ofreció dos grandes líneas de avance. Sin ambas conjuntamente no se habría producido la revolución digital para la imagen. La primera es el desarrollo de la capacidad gráfica de los ordenadores y la confirmación de las enormes posibilidades que el tratamiento digital que aportan a la imagen. Cuando las cámaras digitales aún no permitían el modo habitual de trabajo hoy, los escáneres ya digitalizaban las fotos analógicas.

Entonces dominaban estas aplicaciones gráficas los ordenadores Macintosh, pero poco a poco el entorno Windows también aumentó sus capacidades gráficas y el tratamiento de imágenes se puso a mano de todos los usuarios domésticos. Esta digitalización de la imagen, es decir, convertirla de analógica en digital mediante su transformación en números binarios por un escáner o una cámara, ha revolucionado no sólo la fotografía aficionada y profesional sino el diseño gráfico y sus aplicaciones en la publicidad o el cine por ejemplo. Desde que a comienzos de los ochenta programas como Scitex permitieron cambiar colores, añadir sujetos u otros elementos a la imagen o sumar varias de éstas con facilidad, son muchas las nuevas posibilidades ofrecidas al Diseño Gráfico. El retoque fotográfico, la manipulación casi sin límites de laimagen, tanto en sus componentes semánticos (p. ej., quitar o poner seres u objetos o alterarlos) como en los expresivos (forma, color, contraste, etc.), el almacenamiento en DVD o el control de la impresión posterior fueron nuevas posibilidades ofrecidas poco apoco por estos medios. En la actualidad no se concibe el proceso de diseño sin herramientas como Adobe Photoshop, Corel, Freehand, Gimp y otros programas especializados en la manipulación de la imagen. En cierto modo puede decirse que el nuevo diseño gráfico es el fruto de estas posibilidades infográficas. En el capítulo sobre Infografía se volverá sobre esta cuestión. La segunda es la sustitución de la fotografía química por la electrónica digital. En la actualidad, las cámaras digitales son más comunes que nunca lo fueron las cámaras analógicas. La incorporación de cámaras digitales a los teléfonos móviles ha hecho que la mayor parte de los ciudadanos jóvenes y de mediana edad lleven una cámara consigo habitualmente. Esa capacidad de crear imágenes no había existido nunca. Está haciendo que se disparen más fotos que nunca y que la sociedad

se esté habituando a la constancia gráfica de cuanto sucede. Han encontrado un campo de uso muy amplio para todo tipo de fines: personales, familiares, técnicos, científicos o como herramienta en el desarrollo del diseño. Además sus precios son ya más económicos que las cámaras químicas de calidad parecida. Curiosamente se venden tantas de gama baja o media como de gama alta. Los precios de las cámaras digitales de gama baja han bajado mucho y en este momento están muy por debajo de los de las cámaras analógicas equivalentes de hace unos años. Las cámaras profesionales con ópticas intercambiables también tienen precios un poco inferiores a las antiguas analógicas. Estas últimas suelen ser un híbrido entre las más modernas cámaras químicas y unos respaldos digitales. Éstos permiten sustituir parte de las cámaras por componentes electrónicos que hacen coincidir la célula CCD sensible a luz con el lugar donde se hallaba situada la película. Curiosamente estas cámaras no necesitan el motor de arrastre lo que le ayuda a compensar un poco el aumento de peso. Pese a ello, las profesionales acostumbran a ser bastante pesadas y más voluminosas que las compactas populares. En todos estos casos es exigible objetivos que alcanzan hasta zoom 10x y un color de 36 ó 64 bits. La captación de la luz se hace electrónicamente mediante un CCD (Charged-Couple Device o dispositivo de carga acoplada) La calidad del color también ha evolucionado mucho en estos últimos años. No obstante, es necesario conocer que la luz es analógica porque procede directamente de la realidad y al digitalizarla se pierde una parte de su información, incluso cuando se hace con cuatro capas filtrantes. Así por ejemplo una película química de 100 ASA puede recoger el 60% de las longitudes de ondas del espectro de luz visible, un CCD no alcanza ni la mitad de esta sensibilidad, por las propias

características de la captación digital del color (recuérdese como se situaban los vértices del triángulo de colores primarios digitales sobre el triángulo CIE de color y como gran parte de él quedaba fuera de la superficie digital). Sin embargo esa reducida capacidad para apreciar determinadas longitudes de ondas no resta sensibilidad a los sensores CCD, que generalmente son mucho más sensibles a la luz que las películas químicas, por lo que es posible realizar fotografías electrónicas en condiciones de luz en las que sería imposible realizarlas químicas. Estos sensores CCD son los componentes fundamentales de las cámaras. Están formados por un chip integrado por una cuadrícula de transistores fotosensibles. Éstos son convertidores analógico-digitales que transforman la luz recibida a través de la óptica a información digital. Unos circuitos anexos procesan la imagen y la graban en las tarjetas de memoria en formato JPG, TIFF u otros. La resolución de un sensor se mide a partir de la cantidad de transistores fotosensibles de que dispone. Cada uno genera un punto de información de luz y color llamado píxel. Por ejemplo, una cuadrícula de 1.600 x 1.200 transistores produce una imagen de 2 millones (Mp) de píxels. Curiosamente, los transistores fotosensibles únicamente reconocen un color. Para resolver esta visión monócroma, el CCD está formado por un mosaico donde los transistores se alternan según su sensibilidad a las ondas cortas, medias o largas, es decir, a los azules, verdes y rojos. La información del color de un punto se obtiene a partir de la información recogida por los transistores vecinos, en un proceso muy similar de comparación de luminosidades relativas de la teoría Retinex para la visión humana. Este procesamiento da fallos en la apreciación del color cuando la luz es baja, existen grandes zonas monocromáticas o dibujos de rayas finas. Para resolver esta problemática acaban de aparecer los nuevos CCD Foveon, que contienen tres capas de

transistores sensibles, como las películas químicas, a las longitudes cortas, medias y largas en lugar de un mosaico tricolor. La evolución en la calidad de las imágenes digitales Su definición se amplía por momentos: se ha pasado de, por ejemplo, la Xap Shot que grababa hace dos décadas sobre un disco 50 imágenes de 300-400 líneas de definición (algo mejor que un vídeo doméstico) a otros muchos modelos ya populares que pasan de los diez millones de pixels (veinte veces la definición de un televisor actual) y pueden conectarse directamente al monitor o televisor. Las últimas también pueden conectarse directamente a una impresora a color. Desde su inicio hace sólo dos décadas ha habido una gran evolución que ha permitido pasar de una resolución de 320 x 400 (128.000 pixels ó 0,12 Mg) en la primera o menos de un millón de pixels (un megbites) en las que le siguieron (lo que significa una resolución menor que un vídeo VHS), a 6 ó 7 Mp en las domésticas comunes o hasta 12 millones en las más modernas para aficionados (2.816 x 2.272) o más de 20 millones de píxels en las profesionales. Existen cámaras de muy alta definición (más de cien megapixes) capaces de sobrepasar la mejor calidad nunca vista en una película química. Como referencia para la relación entre el número de píxels y la definición, una cámara de 1,2 Mg crea fotos que pueden ampliarse hasta 10 x 15 cms; con 2 Mp hasta 15 x 20; con sólo 3,2 Mg se pueden obtener buenas imágenes de hasta 30 x 40 cms. Algunos modelo actuales tienen tecnología OLED, semejante al tratamiento de imágenes que realiza Windows.

Distintos tipos de almacenamientos en la cámara Los dispositivos de almacenaje para las cámaras digitales (conocidos como tarjetas por su formato aplanado), pueden utilizarse una y otra vez, porque pueden borrarse o sobregrabarse cuantas veces se desee. Aunque algunas cámaras poseen memoria interna, todas tienen una ranura y un conector en el que colocar dichas tarjetas. Existen muchos tipos de tarjetas y están evolucionando rápidamente. El tipo de tarjeta más conocido es la llamada Secure Digital (SD) de hasta 4 Gb. También se están extendiendo las llamadas MiniSecure Digital (SD), porque son muy pequeñas y permiten miniaturizar las cámaras. Estas tarjetas son compartidas por los reproductores MP3 o los PDAs. Otros tipos de tarjetas de memoria son XD (Minolta), MemoryStick (Sony) o CompacFlash. Ventajas: visualización instantánea, borrado ilimitado, fácil manipulación informática, envío vía Internet, posibilidad de secuencias cortas o sonidos Paralelamente al desarrollo técnico se ha producido una cierta popularización de estas cámaras digitales para ciertos usos. Las razones de este éxito hay que buscarlas en sus propiedades. Entre éstas, la que más destaca para los usuarios no profesionales es su comodidad de uso, pues hasta las más baratas contienen mecanismos de automatismo que las hacen fáciles de usar hasta para los

menores. También hay que citar su economía de mantenimiento porque no gasta película y los discos o tarjetas de almacenaje se regraban cuantas veces se desee. El costo de cada toma y de su transferencia al ordenador es despreciable si no se consideran los gastos de adquisición de la cámara y de aquél, pero si contabiliza la inversión por copia impresa, el precio sube algo. Hasta hace cinco años, muchos profesionales de la fotografía aún no las estimaban competidoras directas de las cámaras químicas porque la calidad de las tomas aún no poseía la definición necesaria para grandes ampliaciones, pero en los últimos años estos problemas se han resuelto con definiciones de hasta 22 Mp. No obstante, comienzan a valorar su falta de ruido (importante en ciertos casos como conciertos o cuando se desea mantener el anonimato), su perdurabilidad pues no existe el desgaste mecánico y sobre todo su rapidez y posibilidades de tratamiento en el ordenador. Precisamente esa rapidez es la característica más estimable para ciertas profesiones donde la inmediatez es más importante que la calidad técnica (los fabricantes llaman a éstos ‘usuarios no fotográficos’). En profesiones como la tasación técnica de vehículos, la valoración y compraventa de inmuebles, los usos científicos o el periodístico es muy importante contar con copias rápidamente. Es esta profesión la que más ventajas obtiene de los procesos digitales porque tras recoger fotográficamente el evento que sea, el fotoperiodista ya no tiene que revelar el carrete y hacerlo llegar a la redacción, sino que visualizando las tomas en la misma cámara, puede seleccionar las más idóneas y remitirlas por medio del ordenador portátil y el teléfono móvil vía internet directamente a

maquetación del diario, completándose el proceso en apenas unos minutos. La transferencia de las fotografías almacenadas al ordenador se puede realizar en algunos modelos de cámaras conectándolas directamente a los puertos o al USB, mientras que en otros son necesarios lectores de tarjetas. Existen en la actualidad algunos para varios tipos de tarjeta que se conectan al ordenador para transferir las imágenes de cualquier origen. Casi todos los modelos permiten la conexión directa de la cámara a un monitor para visualizar las grabaciones. En muchos casos es posible conectar la cámara directamente a la impresora o incluso existen algunas de éstas a las que se pueden insertar los dispositivos de almacenaje de las cámaras. Los formatos en los que se almacenan las imágenes suelen ser JPEG y TIFF. El primero crea archivos de menor tamaño y puede elegirse su nivel de compresión, lo que es importante para su envío por correo electrónico. Posteriormente se manipulan o imprimen con programas especializados en imágenes como Photoshop, Coreldraw, Gimp u otros. Estos u otros programas de tratamiento de imágenes se hacen indispensables para su procesamiento aficionado o profesional, habiéndose convertido en un elemento más del proceso de disparo, tratamiento e impresión digital. Para los diseñadores gráficos la fotografía digital (o la digitalización de imágenes por otros medios) permite en unión de los ordenadores unos modos de trabajo y unas posibilidades creativas que no hubieran sido soñadas hace solamente veinte años: el retoque fotográfico, la manipulación casi sin límites de la imagen, tanto en sus componentes semánticos (p. ej., quitar o poner seres u objetos o alterarlos) como en los expresivos (forma, color, contraste, etc.), el almacenamiento en CD

o DVD... La impresión digital Pese a la digitalización de la toma, del revelado, almacenado y transporte, las fotografías al fin y al cabo siempre deberán acabar en soporte analógico si deseamos verlas o imprimirlas. Los sistemas de impresión digital también han evolucionado vertiginosamente en pocos años, pasando de copias pequeñas en las que era muy apreciable el grano a copias de formato superior al metro cuadrado en las que, mediante las técnicas de interpolación de píxeles, se obtiene una calidad superior a la que se obtenía de negativos químicos. Los nuevos laboratorios digitales son mucho más flexibles pues pueden cambian muchas de las características de la fotos y ofrecerlas en soportes diferentes al papel, dando una respuesta más personalizadas a los clientes: ampliaciones de detalles, formatos inusuales, impresión sobre tejidos o metales, etcétera. Para poder ofrecer estas nuevas tecnologías, los laboratorios o las tiendas de fotografía tendrán que trabajar en red. Las grandes compañías fotográficas ya se han adelantado y han creado Agfanet, Fujinet, Kodak Fhotonet y otras para poder cubrir y desarrollar estas demandas. En el mercado español es posible encontrar sistemas de impresión digital como Kodak Image Magic, Inova Touch de Agfa o Pictrostat Digital 400 de Fujifilm, que permiten realizar copias a partir de negativos, archivos digitales u otras copias. A partir de estos sistemas es posible enviar imágenes vía Internet a cualquier ordenador doméstico en cualquier país. Algo así como pedir que remitan las

copias a una dirección electrónica. Una vez en casa, el autor puede seguir su trabajo fotográfico aportándole todo lo que su imaginación y su capacidad de tratamiento de la imagen sean capaces de expresar. Todo un reto para los profesores de nuestra Área. Todo esto hace posible acciones hasta hace poco inimaginables como entregar las fotos en un país y recogerlas en el propio al regresar de vacaciones o recibir las fotos en papel en casa, aumentar o disminuir la definición, alterar el colorido y cuantos efectos permiten el software de tratamiento de imágenes. Como hito paradigmático de la fotografía actual pueden tomarse las imágenes digitales enviadas por las cámaras de los ingenios espaciales que se acercan a otros planetas. Por otra parte, este desarrollo de la imagen de génesis o síntesis electrónica está haciendo innecesarias determinadas tareas existentes hasta ahora entre la fotografía y su reproducción en la imprenta. Los ordenadores son capaces de realizar con facilidad tareas como la separación de colores para la impresión en cuatricromía, la realización de fotólitos o la alteración del colorido, tareas que antes eran fotográficas. Hasta hace poco tiempo la calidad final de la imagen electrónica no podía competir en definición y colorido con la fotográfica (sobre todo en su salida de impresora), pero últimamente sistemas como Presentation Technologies Montage Slidewriter o Linotronic producen imágenes con calidad de imprenta. Efectos de la digitalización Pero ¿hacia dónde se dirige la fotografía? Según Kodak se realizaban unos 83.000 millones de fotos químicas anuales, de las que únicamente se ampliaban o duplicaban un 2%; el resto se olvidaba

en cajas o álbumes. En la actualidad existen datos contradictorios sobre el número de fotos digitales. Algunos afirman que el número puede haberse multiplicado por diez. Ya no hay lugar o acontecimiento donde no sorprendan los flashes; ya nada es oculto y toda persona dotada de una cámara o teléfono con ella es un reportero gráfico. En los atentados terroristas del Metro de Londres los medios de comunicación estaban ofreciendo fotos y vídeos de lo estaba sucediendo en el interior de los túneles antes de que acudieran los servicios de socorro. Páginas webs como Flickr, Picasa, YouTube o GoogleVideos o foros como Facebook o Tuenti son el mayor almacén icónico que nunca hubo en la historia. Las fotos de papel se sustituyen por las que se ven en la pantalla del ordenador, del teléfono, del televisor. Se suben a las páginas personales de los foros o a los blogs. Se intercambian con amigos de todos los lugares. Se ofrecen a todos libremente en páginas webs especializadas o populares. Pero, ¿qué está suponiendo todo esto para la fotografía? En primer lugar una clara banalización. Cuando cada disparo costaba dinero y se realizaba pensando en que con él se detenía el tiempo y el espacio para la posteridad, la calidad plástica media de estas imágenes era muy superior. Hoy es raro ver a una persona que medita unos segundos o que selecciona los ajustes más adecuados antes de disparar una foto digital. Esto ha sido posible en parte porque la adaptabilidad de las cámaras ha crecido mucho. Las cámaras analógicas y las películas químicas necesitaban unos ajustes de luz bastantes precisos o sencillamente la foto no se veía. Los automatismos de las digitales son capaces de realizar fotos en condiciones muy adversas y en general son mucho más luminosas que las analógicas. Los flashes incorporados y la mayor

sensibilidad facilitan estos disparos espontáneos. Esa falta de requerimientos técnicos repercute sobre otras condiciones plásticas como la selección de la iluminación o la composición. Otro factor a tener muy en cuenta es que ha disminuido la edad de los autores de las fotos. Hace años las cámaras estaban en manos de los padres; hoy lo están de sus hijos.

VALORES ARTISTICOS Y SOCIOLOGICOS DE LA FOTOGRAFIA: ANALISIS EN PROFUNDIDAD

VALORES SOCIOLÓGICOS Y ARTÍSTICOS DE LA FOTOGRAFÍA La fotografía es el eje de la cultura basada en la imagen. Su facilidad para realizar imágenes democratizó el empleo de éstas, tanto para reproducir la propia imagen (hasta entonces los retratos sólo estaban al alcance de las clases más acomodadas), como para mostrar los parajes más lejanos pertenecientes a los contemporáneos imperios. Si ha existido un verdadero momento cumbre hasta ahora en la historia de la imagen, éste es sin duda el instante en que Niepce obtuvo la primera fotografía en 1822. Hasta ese momento el hombre modulaba con sus trazos la luz sobre un soporte; tras él, la propia luz procedente de una realidad, que antes debía ser procesada por nuestra percepción y materializada mediante técnicas de representación, producirá directamente la imagen. El papel de las técnicas de representación quedará desde ese momento relegado a facilitar a la luz el camino y los medios

necesarios para que pueda dejar su impronta sobre la superficie sensibilizada. Toffler señala que si la era cartesiana propugnaba la segmentación de los procesos para ensamblarlos posteriormente, la era actual, la 'tercera ola', tiende a una concepción totalizadora. Este cambio también afecta a los sistemas de representación: «en vez de hacer un cuadro poniendo innumerables manchas de pintura en el lienzo, el fotógrafo "hace" toda la imagen en un instante ».1 En la misma línea, Walter Benjamin afirma que la fotografía es el primer medio de reproducción verdaderamente revolucionario, coherente con las nuevas propuestas socialistas: No se trata de una casualidad, sino de una coherencia

sincrónica entre una propuesta

ideológica para un proyecto democrático de masas y una

tecnología radicalmente nueva

para la democratización de la cultura de masas.2

Con las nuevas ideas socialistas coincide el auge de la burguesía comercial enriquecida con los imperios marítimos coloniales. Esta burguesía, apegada a la realidad de una sociedad en profundo cambio, es contemporánea de otras ideas desmitificadoras: el positivismo de Comte, la Teoría de la Evolución Natural de Darwin o los análisis sociales de Marx. El paso del tiempo se encargaría de desmentir casi totalmente las ideas de Benjamin, al convertir a la imagen en el centro de las comunicaciones del sistema capitalista. La recién inventada fotografía ofrecía un medio capaz de satisfacer los deseos de realismo que ya inspiraban otras manifestaciones artísticas. En el ámbito público se propagan las primeras imágenes de las colonias, de sus exóticos habitantes, de sus guerras. En el privado, se divulgan los retratos personales o familiares que comienzan a sustituir a los pintados.

El mismo Walter Benjamin insiste en valorar la importancia que tuvo la fotografía para la historia de la representación al liberar a la mano de la obligación de materializar la percepción. En el proceso de reproducción plástica, la mano se descarga por

vez primera de las

incumbencias artísticas más importantes que en adelante van a

concernir únicamente al

ojo que mira por el objetivo. El ojo es más rápido que la mano

dibujando; por eso se ha

apresurado tantísimo el proceso de la reproducción plástica, que

ya puede ir al paso con

la palabra.3

Si toda imagen está constituida por una selección intencionada de la realidad, un conjunto de elementos que la materializan y una sintaxis que los relaciona y aporta significado, la fotografía exige la primera parte del proceso (elección del motivo, el punto de vista y el encuadre) y exime de las restantes. Se libera al cerebro y a la mano de la obligación de materializar la percepción. Todos podemos convertirnos en emisores de imágenes sin años de aprendizaje en un taller o escuela artística. El mundo de la imagen, dominado hasta entonces por la pintura, el dibujo y el grabado, sufrió una verdadera sacudida. Durante más de cuatro siglos la pintura había copiado fielmente la realidad; repentinamente, la fotografía se constituyó en un competidor más preciso, rápido y barato. La influencia en la pintura no tardo en hacerse notar. Hasta la fotografía el artista era el encargado de 'hacer' lo visual, hoy no.5 Los pintores comenzaron a preguntarse sobre su función de mímesis de la realidad. Sin duda estos nuevos planteamientos auspiciaron las nuevas corrientes pictóricas de finales del siglo XIX y principios del XX.

La invención de la cámara cambió el modo de ver de los

hombres. Lo visible llegó a

significar algo muy distinto. Y esto se reflejó inmediatamente en

la pintura.6

Los nuevos puntos de vista y los sorprendentes encuadres de la fotografía influyeron sobre los pintores contemporáneos. A las composiciones clásicas se sumaron otras menos ortodoxas en las que se cortaban las figuras o se tomaban sólo fragmentos. Abraham Moles afirma que la fotografía ha liberado a la pintura de su principal carga funcional: La pintura debía renovarse o morir. Todavía no ha muerto, pero

se ha renovado: el

impresionismo, que se apoya sobre una teoría (erróneamente

interpretada) de la percepción de

los colores, el expresionismo, que quiere decir más que lo real, el

surrealismo, que se ha

aplicado a muchas otras cosas además de a la pintura. La imagen

artificial de la pintura, del

cuadro, se ha liberado de la imagen con pretensiones realistas.

En su fantasía total puede

unirse al ordenador: colocar un hombre sobre un gallo volando

por encima del campanario del

pueblo (Chagall), sin los escrúpulos de una mentalidad racional,

que aquí están fuera de lugar.

La imagen artística, después la imagen corriente, puede

convertirse entonces en no figurativa

(sic) o en abstracta o en ambas, lo que no ha dejado de ocurrir en

los últimos años del gran siglo

de la pintura.7

Más adelante escribe que, al liberarse de la lógica del mundo natural, la pintura quedó en situación de hacerse valer por sí misma, por sus elementos puramente gráficos y plásticos.8 Sin embargo, más importante fue la influencia en sentido contrario.

La fotografía, a falta de lenguaje propio, tomó el de la pintura contemporánea, es decir, la dominante pintura académica y costumbrista. No podía ser de otro modo; no sólo porque el ámbito cultural era el mismo, sino porque gran parte de los nuevos fotógrafos tenía una formación pictórica tradicional. El nacimiento de la fotografía fue fruto del desarrollo de la química. La cámara fotográfica es una cámara oscura y ésta se conocía hace más de dos milenios. Ya en 1604 Johannes Kepler comparaba la cámara oscura al ojo. Las coincidencias, observadas desde el punto de vista del moderno diseño industrial, tienen una clara justificación: de problemas parecidos, derivan soluciones similares. Sólo el desarrollo de la química frenaba la fijación de la imagen fotográfica. En sus comienzos, la fotografía fue una actividad artesanal y

mágica. Artesanal en la

medida que dependía de técnicas poco elaboradas..; mágica, en

tanto que instituía una especie

de voracidad de la visión, un modelo de actividad entre mística y

heroica.9

En 1816, Niepce buscaba un método para sustituir la producción manual de litografías proyectando imágenes sobre la piedra litográfica por medio de una cámara oscura. No buscaba un método para fabricar imágenes no manuales, sino un procedimiento para facilitar la reproducción de muchas imágenes mediante una técnica como la litografía, entonces novedosa. En 1822 logró obtener la primera fotografía con betún de Judea, pues no consiguió solucionar los problemas derivados del nitrato de plata (que vanamente se intentaba fijar desde hacía un siglo). Una década más tarde, una nueva técnica más perfeccionada, el daguerrotipo, se había extendido por Europa y Norteamérica.

Por los mismos años tenía lugar una investigación paralela con más futuro, pero que curiosamente pasó inicialmente desapercibida. El inglés Fox Talbot descubrió en 1835 un método negativo-positivo que le permitía obtener copias de una misma fotografía. Con él se había dado el enorme paso de la multiplicidad de la fotografía: Fue William Fox Talbot quien le dio la verdadera multiplicidad,

que permitiría

convertirla en cultura de masas y obtener su verdadero valor

revolucionario.10

En caso contrario, podría haber quedado como una técnica pictórica más con la gran novedad de formar la imagen con el solo uso de la luz. Ya se habían colocado las bases de los dos pilares de la cultura de la imagen: el automatismo en la reproducción y la multiplicidad. Fox Talbot publicó seis volúmenes de fotografías titulados 'el Lápiz de la Naturaleza'; éste consideraba a la cámara como 'ojo de la realidad' y estos primeros libros con fotografías así lo atestiguan. El universo cultural y social del hombre se transformó como

pocas veces lo ha hecho con la

aparición a principios del siglo pasado de la imagen

fotográfica... El carácter de unicidad (más

que unicidad, carácter manual, pues ya existían los grabados)

que hasta ese momento era una

característica firme de las imágenes desapareció y, como he

dicho, el mundo conoció la

duplicación icónica y, poco a poco, fue descubriendo los usos y

ventajas que este hecho

proporcionaba.11

Rápidamente los cambios técnicos facilitaron el desarrollo y la popularización: en 1840 era posible hacer un retrato en un minuto con una cámara de 50 kilos; en 1851 se pasa del daguerrotipo y el

calotipo al colodión húmedo, lo que acortó la exposición y facilitó relativamente la realización de las fotografías. Con esta técnica se realizaron los primeros reportajes periodísticos, como por ejemplo los realizados de la Guerra de Secesión de EE.UU. por Brady. Por aquel entonces la fotografía ya era considerada un hecho artístico; en 1859 ya se exponían fotografías como obras artísticas en el Salón de París junto con pinturas académicas. En 1871 se desarrolla la emulsión de gelatino-bromuro, con lo que se eliminan los graves inconvenientes derivados del colodión húmedo. Entre 1878 y 1888 el estadounidense George Eastman industrializa la fotografía. Desarrolla los procedimientos necesarios para ponerla al alcance de los aficionados. Lanza al mercado una cámara popular bajo el nombre de Kodak capaz de realizar cien fotografías con sólo apretar repetidamente un botón. El procesado de los negativos y el positivado se realizaba en los laboratorios de la empresa. La prensa toma la fotografía como un aporte visual a las noticias. Se desarrollan técnicas de impresión capaces de reproducir fotografías mediante tramas. El 4 de marzo de 1880 aparece en el New York Daily Graphic el primer fotograbado directo con semitonos. La prensa ilustrada hace públicos los rostros de personajes de la política, la cultura o el espectáculo: Hasta el invento del fotograbado, una aplastante mayoría de la

población de un país

desconocía la apariencia física de los grandes hombres públicos

de su propia nación -

reyes, sabios, escritores, políticos-, que en el mejor de los casos

habían podido ver

fugazmente y de lejos, o en poco fiables pinturas, dibujos

grabados o efigies de

monedas... El fotograbado hizo posible dar un rostro visible a

los nombres

propios...contribuyendo a su notoriedad y dando nacimiento a la

imagen carismática en la

cultura de masas. Las consecuencias de esta conquista serían

gigantescas y

revolucionarias en la vida pública y en las industrias del

espectáculo.12

Superados los problemas técnicos, la fotografía se convierte durante todo el siglo XX en testigo indiscreto de los hechos más variados. Pero además se constituye en un medio artístico reconocido plenamente. Cumple de ese modo dos grandes funciones culturales. De un lado por su reproducción mimética de la realidad, la fotografía cumple el papel de memoria social colectiva. Los personajes dejan de ser una descripción más o menos novelada para pasar a ser un rostro determinado. Los sucesos ya no son una narración en la memoria colectiva sino unas imágenes concretas obtenidas en el momento fotográficamente. Por el otro, la fotografía se convierte decididamente en un medio de expresión artística. Numerosos artistas entrelazan la pintura con la fotografía como Man Ray que decía: fotografío lo que no deseo pintar y pinto lo que no puedo fotografiar. Moholy-Nagy afirmaba que la luz debía ser manejada como un nuevo medio creativo, como el color en la pintura o el sonido en la música y, ya en 1936, creía que los analfabetos del futuro serían aquellos que no supiesen utilizar una cámara fotográfica. La fotografía participa del espíritu antibelicista a través de los fotomontajes de Renau o Heartfield, pero también muestra las guerras en obras tan importantes como la de Robert Capa o Cecil

Beaton. En general se ve inmersa en todas las vivencias del siglo a las que sirve de testimonio gráfico. Esas dos grandes tendencias que se pueden denominar como memoria y creación o reproducción y expresión, permiten realizar distintas clasificaciones temáticas de la fotografía. De un lado la fotografía documental que actúa como testigo de la realidad. Ésta se convierte en espejo de nuestro tiempo al retratar hechos familiares o sociales; en imagen del mundo cuando nos muestra parajes remotos; es también instrumento científico que nos acerca a lo imperceptible o reconocimiento de la identidad en los actos burocráticos. Como hecho artístico, la fotografía puede actuar como reveladora de la personalidad en un retrato, como impacto visual en una fotografía publicitaria o shock emocional al mostrar un suceso. A veces se la emplea como un simple recurso estético de atracción, decoración o publicidad. La cámara no necesita ser un recurso mecánico. Como la pluma, es tan buena como la persona que la utiliza. Puede ser la prolongación de la mente y del corazón.13 Como hecho semántico, la fotografía puede unirse a la palabra para formar una unidad significativa en reportajes gráficos o fotonovelas. Por su selección de una parte de la realidad y las características de su representación, puede manifestar opiniones o críticas, comparar o contrastar. Finalmente, puede ser utilizada como símbolo al mostrar un elemento emblemático. Todos estos usos constituyen distintas funciones de la imagen como recurso comunicativo.14 En el hecho fotográfico popular existen dos momentos de placer: disparar y observar (operator y spectator según Barthes). El primero porque supone la eternización de un instante

de la realidad, lo que Cartier-Bresson llamó 'the decisive moment'. El segundo porque supone la recreación de los hechos, tanto mediante la denotación como de la connotación. Tanto la denotación como la connotación, indudablemente una en mayor cuantía que otra, vienen determinadas por la expresión de su autor explicitada en el encuadre, la angulación, la selección del instante, etc. Toda imagen encarna un modo de ver. Incluso una fotografía,

pues la fotografías no

son como se supone a menudo, un registro mecánico. Cada vez

que miramos una

fotografía somos conscientes, aunque sólo sea débilmente, de que

el fotógrafo escogió esa vista

de entre una infinidad de otras posibles.15

Aún así, la fotografía no deja de ser una representación más o menos automatizada de la realidad, pues no hay que olvidar que la cámara es un instrumento de reproducción óptica. Barthes indica que la fotografía, al contrario de la pintura, no puede fingir la realidad sin haberla visto.16 Susan Sontag insiste en el tema cuando dice que el pintor construye, el fotógrafo descubre.17 Ese descubrir realidades ocultas en el espacio (por su tamaño minúsculo o enorme) o en el tiempo (por su rapidez o lentitud) ya fue adivinado por Walter Benjamin. En su Pequeña historia de la fotografía relaciona su inconsciente óptico con el psicoanálisis: La naturaleza que habla a la cámara es distinta de la que habla a

los ojos; distinta sobre todo

porque un espacio elaborado inconscientemente aparece en lugar

de un espacio que el hombre

ha elaborado con conciencia. Es corriente, por ejemplo, que

alguien se de cuenta, aunque sólo

sea a grandes rasgos, de la manera de andar de las gentes, pero

seguro que no sabe nada de

su actitud en esa fracción de segundo en la que se alarga el paso.

La fotografía en cambio la

hace patente con sus medios auxiliares, con el retardador, con los

aumentos. Sólo gracias aella percibimos ese inconsciente óptico,

igual que sólo gracias al psicoanálisis percibimos el

inconsciente pulsional.18

Aunque tradicionalmente se ha venido considerando a la fotografía como una duplicación fotoquímica y bidimensional de la percepción visual instantánea y monocular, la fotografía no es una duplicación exacta de nuestra percepción. La codificación de los atributos de la realidad que realiza la propia luz sobre el soporte sensible detiene el movimiento sustancial a la realidad, anula la profundidad, que sólo sugiere por medio de claves o perspectivas, posee un marco que la limita, altera la relación de valores y cromatismos, cambia el tamaño de la representación y puede alterar las proporciones entre los elementos, y por último es necesario recordar, que por tratarse de una reproducción óptica, anula otras sensaciones como el sonido o los olores tan importantes para el recuerdo.19 Todas estas limitaciones las comparte con la pintura, pero además la fotografía es de carácter discontinuo por su trama punteada, lo que la relaciona directamente con la teoría perceptiva de los gradientes de Gibson.20 A pesar de esas limitaciones, la constatación de que lo recogido por la fotografía era muy similar a lo apreciado por nuestra percepción, debió tranquilizar como prueba científico-técnica a los investigadores que hasta entonces podían dudar de que nuestra visión del mundo no fuese real. El ojo del otro se combina con nuestro ojo para dar plena credibilidad al hecho de que formamos parte del mundo visible, en palabras de John Berger.21 Vana justificación si pensamos que la fotografía no es

más que un instrumento de recepción y representación. Continúa siendo nuestra percepción la encargada de hacernos llegar la información del exterior, aunque en este caso lo haga a partir de una representación fotográfica de dicha realidad. En uno y otro caso es la luz el vehículo que lleva la información de la realidad al ojo, bien directamente o por medio de la modulación de los pigmentos fotográficos. Aún con esas limitaciones se considera a la fotografía como la cristalización del instante visual.22 Gubern expone la misma afirmación al indicar que la fotografía es la certificación química de una existencia pasada que tuvo una vez lugar ante el objetivo de la cámara.23 André Bazin lo explicita muy claramente cuando dice que la fotografía embalsama el tiempo. Thibault- Laulan afirma que, a pesar de todos los recelos ante los trucos y montajes, la fotografía tiene siempre un valor de testimonio.24 Esta propiedad de registrar la realidad ópticamente ha impuesto la creencia de que la fotografía no puede mentir. La fotografía tiene una característica que no comparte con

ningún otro arte visual: la

credibilidad. Normalmente se piensa que la cámara no puede

mentir. Aunque esto es muy

discutible, da una enorme fuerza a la fotografía en su capacidad

para influir en la mente de los

hombres.25

Ya se comentó anteriormente como la visión del autor puede seleccionar una representación de la realidad que no sea precisamente la más representativa; además puede interferir en el proceso de representación fotográfica con multitud de procedimientos y técnicas que 'manipulan' el resultado final. Precisamente esa credibilidad intrínseca hace más graves las falsificaciones fotográficas. Una

pintura falsa (una cuya atribución es falsa) falsifica la historia del arte. Una falsa fotografía (retocada o cuyo texto es falso) falsifica la realidad.26 A esto habría que añadir que mientras se acepta plenamente la invención gráfica si es manual (escenas falsas dibujadas, caricaturas, etc.), no resultan tan fácilmente aceptadas las fotografías retocadas o abiertamente falsificadas. La facilidad de uso de las modernas cámaras, que hace más fácil la realización de fotografías que la de dibujos sobre el mismo tema, su densidad comunicativa derivada de su alta iconicidad y la credibilidad intrínseca de los resultados han hecho que la fotografía o, más exactamente, todos los medios visuales no quirográficos, hayan cobrado tal auge que están determinando un modelo cultural. Hay pocas dudas de que el estilo de vida contemporáneo está

profundamente influido por los

cambios que en el ha introducido la fotografía. En el impreso, el

lenguaje es el elemento

primordial y los factores visuales, como el marco físico, el

formato y la ilustración, son

secundarios. En los medios modernos ocurre justamente lo

contrario. Predomina lo visual y lo

verbal viene dado por añadidura... nuestra cultura, dominada por

el lenguaje, se ha desplazado

perceptiblemente hacia lo icónico. La mayor parte de lo que

sabemos y aprendemos,

compramos o queremos, identificamos o deseamos, viene

determinado por el predominio de la

fotografía sobre la psiquis humana. Y este fenómeno se

intensificará aún más en el futuro.27

Este predominio de la imagen fotográfica (y cabría incluir aquí no sólo a la fija, sino también al cine y la televisión pues ambas obtienen sus representaciones gráficas a través de la luz) es de tal calibre que produce verdadera adición. Existen tantas imágenes a nuestro alrededor que Gubern llega a

emplear en término 'iconofilia': Es ciertamente difícil imaginar la posibilidad de la iconofilia

antes del invento de la fotografía,

en un mundo de bajísima densidad icónica28. Calvo Hernando

dice que la capacidad fabulosa

de multiplicación de las nuevas tecnologías ha provocado una

situación de predominio de la

imagen y hasta de inflación.29 Pero quizás sea Moles quien más

ha estudiado el tema. En su

artículo ya citado ¿Hacia una teoría ecológica de la imagen?,

plantea que en todos los niveles de

la pirámide socio-cultural existe una cultura de imágenes y a la

vez un «kitsch» de la cultura

icónica propiciados por la liberalización de la imagen en los

media:

A causa de los clientes de los mass-media, las revistas y los

fotógrafos aficionados,

existe ya una inflación de imágenes. Hace algunos siglos, poder

ver una imagen se

consideraba como un micro-acontecimiento de la vida diaria, y

los niños recordaban las

bellas imágenes que habían acompañado su infancia. Más

tarde, esas bellas imágenes,

esos bellos grabados se han convertido en objeto de colección...

Pero el crecimiento

diario de aquéllas a través de los mass-media ha vulgarizado su

uso y disminuido su

valor.30

CAMARAS REFLEX Cámara réflex de visor pentaprisma (SLR) Las cámaras réflex de dos objetivos o las de espejo sin prisma han desaparecido, sin embargo las de pentaprisma están renaciendo por su demanda por los nuevos aficionados incorporados tras la digitalización. Disponen de un espejo inclinado a 45° que lleva la imagen a un prisma de cinco caras (de ahí su nombre) de una forma bastante complicada, que tiene la misión de volver al derecho la imagen que proyecta sobre la pantalla de cristal esmerilado del visor. Este tipo de visor es el más común en las cámaras modernas y sin duda resulta el más útil y fácil de usar, porque la visión se realiza a través del objetivo y de modo similar a como recoge la imagen el negativo o el captador. En el momento del disparo un muelle recoge el espejo para que la luz pueda pasar a la película o célula a través del obturador (con lo que desaparece momentáneamente la visión en el visor). A pesar de estas facilidades, los visores de cualquier tipo tienen un punto común: es necesario saber mirar a través de ellos de lo contrario el encuadre puede ser inexacto. El enfoque de estas cámaras contemporáneas es fácil al apreciar por el visor o la pantalla, la imagen real que está llegando a la película o célula. Por el volumen del pentaprisma suelen tener un abultamiento en la parte superior, son más pesadas y ruidosas por la caída del espejo tras el disparo. Aún así, son las más comunes en la actualidad dentro de las de cierta calidad y son muy indicadas tanto para usos domésticos aficionados como para profesionales que actúan fuera del estudio. Por otra parte, la mayor parte de las cámaras actuales disponen de autoenfoque mediante infrarrojos o ultrasonidos (activo) o por un microprocesador que reconoce la nitidez (pasivo como en

las series EOS de Canon, Maxxum de Minolta o F y otras de Nikon). Algunas poseen un sistema que permite seleccionar la zona del campo fotográfico que se desea que la cámara enfoque bien. Las más avanzadas pueden seguir la mirada del fotógrafo en el visor y enfocar lo elegido por ella. Las cámaras SLR actuales poseen obturadores de plano focal y muchas de ellas son completamente electrónicas al contar con una unidad central de procesamiento (CPU ® un microprocesador que coordina las distintas funciones de la cámara como son el enfoque, la exposición, el uso del flash o el rebobinado de la película). Otra ventaja de estas cámaras es el completo equipamiento complementario disponible para ellas (accesorios como flashes, filtros, objetivos intercambiables, disparadores, etc.) Algunos fabricantes de cámaras de muy buena calidad como Hasselblad están fabricando cámaras SLR con formato 6 x 6. Aunque su uso queda restringido a profesionales especializados y a estudios, deben citarse las cámaras técnicas, entendiendo como tales aquellas que tienen un formato grande, están constituidas por dos partes unidas por un fuelle. En la delantera se encuentra el objetivo, el diafragma y el obturador; en la posterior, el portaplacas o el captador que puede inclinarse para obtener distintos ángulos de visión. Ambas pueden sustituirse por otras semejantes según las necesidades.

H CUESTIONARIO 1. ¿En qué consiste la cámara oscura? ¿Desde cuándo se conoce? ¿Cuáles fueron sus usos? 2. Comente los antecedentes y la labor de Niepce. 3. ¿Qué supuso Daguerre y su daguerrotipo? ¿Qué aportó a la difusión de la fotografía? 4. ¿Qué diferencias existían entre el daguerrotipo y el calotipo de Talbot? ¿Cómo influirían unos y otros en la popularización de la fotografía? 5. ¿Cuándo se convirtió la fotografía en auxiliar de prensa? ¿Con qué técnica? ¿Cuándo se publicaron las primeras fotos en diarios? 6. ¿Qué supuso Eastman y su marca Kodak para el desarrollo comercial de la fotografía? 7. Comente otros pasos en su evolución como la búsqueda del color, la estereoscopía o los hologramas. ¿Qué sentido perceptivo tienen? 8. Comente algunos hitos de la fotografía como vehículo artístico. 9. Justifique la siguiente frase: 'La fotografía es el eje de la cultura de la imagen'. 10. ¿Qué aporta la fotografía a la percepción? ¿Y a la memoria? 11. ¿Qué supone socialmente la fotografía? 12. Cite algún uso técnico o profesional de la fotografía. 13. ¿Cómo afecta su difusión a la pintura y a otras artes icónicas?

14. Cite y describa las funciones de los componentes del cuerpo de una cámara. 15. ¿Qué tipos de objetivos fotográficos hay? ¿Cuáles son sus usos? 16. ¿Qué es un fotómetro? 17. Comente algunos tipos de filtros y sus funciones. 18. ¿Qué es el formato de una película fotográfica? 19. ¿Qué tipos de películas hay? 20. ¿Qué es la sensibilidad de la película? ¿Cómo afecta al resultado final? 21. ¿Qué es la profundidad de campo? ¿Qué papel juega en ella el diafragma? ¿Cómo se distribuye con respecto al sujeto? 22. ¿Qué es la velocidad de obturación? 23. ¿Qué es la exposición? ¿Qué relación existe entre la velocidad de obturación y el diafragma? Comente que significa la elección de una u otra combinación. 24. Describa el proceso de revelado y positivado. Comente algún proceso creativo ligado a ellos. 25. ¿Cómo se hallan distribuidos los contenidos de este tema en la E.S.O.? ¿Cómo se cubren en los talleres? 26. ¿Cómo se desarrollan en el Bachillerato de Artes? 27. ¿Qué valor tienen los contenidos relativos al desarrollo e influencia social de la fotografía para el

alumno de secundaria? 28. ¿Cómo se puede orientar metodológicamente esta unidad temática? ¿Qué puede aportar al alumno? 29. ¿Con qué temas del Temario A se pueden relacionar directamente estos contenidos?