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Apunte de proceso - Chiara Rosingana

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Presentamos, con mucha satisfacción, la exposición de la Promoción 2015 de Graduados de la Carrera de Artes Visuales Contemporáneas.

Debemos decir que es una sólida promoción de artistas, que trabajaron intensamente para el desarrollo de la exposición que hoy vemos. Bajo el título “La condición del orden”, las artistas se plantearon una temática que reúne sus diversidades conceptuales expresadas por sus peculiaridades interdisciplinarias. A partir de instalaciones, videos y dibujos, ellas han hallado conexiones en sus diversos lenguajes. La alteridad, el otro, el cuerpo son conceptos abordados a partir de sus coincidencias y distanciamientos.

La exposición ha sido curada por Janine Soenens, artista visual y profesora de la escuela quien con generosidad y compromiso condujo, y disfrutó, este trabajo.

“La condición del orden” refleja la capacidad de reflexión y análisis que nuestra última promoción de graduadas ha consolidado en sus cinco años de carrera, junto con sus capacidades técnicas y discursivas. Este grupo de nóveles artistas demuestra la solidez de la propuesta académica de nuestra escuela a puertas de cumplir 25 años en 2017.

Quiero agradecer el constante esfuerzo de nuestro equipo. Nuestros logros se deben al trabajo de fundadores, profesores y colaboradores, académicos y administrativos, con quienes construimos el alto nivel académico que hoy tiene Corriente Alterna y del cual estamos muy orgullosos.

Claudia Coca

Directora AcadémicaEscuela de Artes Visuales Corriente Alterna

LA CONDICIÓN DEL ORDEN

Hay que continuar, no puedo continuar, hay que decir palabras mientras las haya, hay que decirlas hasta que me encuentren, hasta el momento en que me digan —extraña pena, extraña falta, hay que continuar, quizás está ya hecho, quizás ya me han dicho, quizás me han llevado hasta el umbral de mi historia, ante la puerta que se abre ante mi historia; me extrañaría si se abriera.

Michel Foucault. El orden del discurso

Esta exposición es el resultado de un proceso colectivo en el que las artistas decidieron deshacerse de ciertas certezas acerca de su identidad en busca de interiorizar la diferencia. Con este propósito, cada una construyó un artista ficticio con otros intereses y formas de producir. Sin rumbo claro, los mismos personajes pusieron sobre la mesa distintos temas de indagación. Así como se exploró la adaptación de microorganismos —hongos e insectos— a nuevos ámbitos, se discutieron los juicios con que miramos a los otros y a nosotros mismos. Pese a todo, los personajes tenían en común un escaso interés por construir vínculos sociales reales mediante una participación activa en la vida de comunidad. Los modelaba el individualismo y la impotencia, en juego con una atmósfera de resignación personal donde se acepta que nada puede cambiar mientras subyacentemente se hace eco a nuevas y violentas condiciones de adaptación.

Apunte de proceso - M. Román

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Las obras que aquí se presentan señalan algunos de los temas surgidos en el proceso descrito. La repetición, como elemento normalizador, aflora en algunas piezas. Chiara Rosingana la aborda como un dispositivo instintivo de aprendizaje y Romina Ghio se apropia de la etiqueta en sí, para hacer notar su poder de fuerza centrífuga que expulsa el significado y entrega un lenguaje de formas vacías. Verónica Cuadros, interesada en la percepción del otro, propone que al pensar asirlo solo estamos reproduciendo lecturas propias a la vez que el otro nos interpela con su impenetrabilidad, alimentando un “estado de cosas” inalterable, una comunicación imposible. Otras obras, como las de Dorothée Ballu y Eunice Palacios, remiten directamente al cuerpo personal en procura de liberarlo de las normas que lo instrumentalizan. M. Román, en cambio, lo trabaja como una metáfora destinada a desestabilizar los mecanismos mediante los cuales el sistema reconoce como suyas las identidades. Introduce la marginalidad, tanto del deseo como de los actos, y con ello revela la precariedad de la lógica consensual que determina qué éticas son admitidas y cuáles son negadas.

Volvamos al principio. Vivimos en un mundo que nos dice que todo tiene un orden y que posee la capacidad de producirlo instantáneamente. Para adecuarnos, adoptamos una serie de categorías y nos enunciamos de muchas maneras. Sin embargo, nunca nos terminamos por acomodar, mientras las etiquetas solo terminan por producirnos la angustia de no encajar con quien creemos que somos. Llevamos dentro algo que aparentemente nadie puede leer, ni siquiera nosotros mismos, a la vez que tememos el día en que sintamos que hemos sido leídos y no hagamos más que repetir la lectura para durar.

Janine Soenens

Curadora de la exposición

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Apunte de proceso - Dorothée Ballu

La virtud de la expresión “verdadero artista” es que no requiere ser puesta a prueba: si el tipo no fuese verdadero, no sería artista y entonces no sería nada y puede cerrarse la cuestión.

Fogwill. Lo Cristalino, 2002

Este es uno de los posibles recuentos del proceso de trabajo colectivo que empezamos en febrero de 2016 para la muestra de egresados de Corriente Alterna. El método de trabajo tuvo como punto de partida buscar entre las artistas relaciones que no tuvieran que ver con el hecho de que forman parte de una misma promoción. Debía evitarse, en lo posible, que el resultado fuera una colección de obras inconexas de producción reciente que se depositan en manos del/la curador/a para su articulación discursiva.

La primera propuesta consistió en construir colectivamente un personaje X: un artista que nadie conociera pero que tuviera una producción consistente y ahora se aprestara a presentar una exposición antológica. El anonimato debía mantenerse mientras vislumbrábamos que podía contratarse a un/a impostor/a para llevarse los créditos y aparecer en las fotos y reseñas. El planteamiento exigía, antes que nada, confiar en que los mejores procesos acontecen cuando se toma distancia de todo tipo de cálculos, especialmente, los que pueden albergar los que, recién graduados, ven el futuro cuesta arriba. Actuar en nombre de un no existente podía ser útil para romper bloqueos autistas y sentir la libertad de equivocarse. Aun así, el criterio escogido colocaba a los participantes frente a varios dilemas, vinculados a la inserción individual en el mercado. ¿En qué podría beneficiar a un artista recién graduado trabajar para una exhibición en donde debería producir colectivamente, sin desarrollar SU idea? Es más, ¿cuál sería el provecho si ni siquiera figuraría su nombre? ¿Podría el equipo llegar a producir una obra atribuible a una sola persona?

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Pese a todo, el método persistió durante un buen tiempo, inclusive acompañado de la idea de que podría convertirse en un proyecto de largo aliento. Tal vez las egresadas se convertirían en un Karen Eliot o un Luther Blissett manifestándose cada cierto tiempo en la escena. Entretanto, el compromiso era conservar estrictamente el secreto. A modo introductorio, se sugirió un ejercicio de proyección. ¿Cómo se veían en un futuro ideal? ¿Qué clase de artista no querían ser? Allí afloraron no solo deseos y aversiones personales sino los arquetipos del artista profesional: la posesión de un gran taller en las afueras de la ciudad, los viajes constantes al extranjero. Quedaba en evidencia una transformación del modo en que la actividad del arte es percibida localmente. Hace algunos años graduarse de artista significaba aceptar la precariedad de por vida, admitiendo a su vez, casi a pesar de sí mismo, que cualquier otro proyecto de vida se reclamaría con menos urgencia. Hoy “artista” ha dejado de ser en Lima sinónimo de “muerto de hambre” y, no obstante la falta de instituciones que lo protejan, un artista en casa puede ser motivo de alarde antes que de pesar. Ahora bien, nada de eso evita que el cartón de graduado, al mismo tiempo que se territorializa, deba ser inmediatamente animado para hacerlo vivir. El “verdadero artista” viene con la misión de no dejar que sus bordes fragüen. Debe luchar por señalar y producir cambios y comer a la vez. He ahí la gran contradicción ético-epistemológica a ser sorteada por el resto de la carrera.

El personaje fue elaborado a partir de un cuestionario. De arranque, se propuso que el sujeto ficticio no podía disponer del bagaje ni de los intereses propios. Tampoco habría de ser un “modelo” antagónico definido por todo lo que no se quiere ser. El esfuerzo estaría, más bien, en imaginar a un “otro de verdad”. Fueron por pasos, inventándole una historia, definiendo sus posicionamientos y relación con la comunidad. El cuestionario fue respondido en algunos casos de las formas más aleatorias (juegos azarosos con buscadores de internet o la elección de cualquier página del diccionario). Con todo, fue de inmediato notorio que la determinación de ese “otro”, ajeno y excesivo, no escaparía a la subjetividad de cada cual. ¿Cómo podríamos entonces acceder a un verdadero otro? El intento involucró establecer reuniones semanales en que se discutían los esbozos gestados individualmente en busca de construir el personaje ficticio. El intercambio colectivo podría complejizar al personaje y otorgarle un verdadero cuerpo mediante el contagio de ideas y lecturas. Aun si las participantes compartían un contexto social más bien semejante, confiamos en que este método abriría rutas no previstas.

De hecho, mi impresión es que así ocurrió efectivamente. Las egresadas avanzaron por atajos no recorridos antes, sin ser muy conscientes del desplazamiento, quizá esperando que la curaduría mantuviera una mirada cenital oportuna para señalar vías claras. Mi poca experiencia como curadora

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Registro de taller - Eunice Palacios

me llevaba, entretanto, a entender el proceso como un proyecto artístico. A mi modo de ver, resultaba positivo que, en vez de reforzar un discurso, este método de trabajo engendrara malestar e impida que algún discurso propio circule con total fluidez. En el camino, los seis personajes bosquejados llevaron a las artistas a investigar temas y contextos nuevos y buscar la asesoría de especialistas en otros campos. Destaca la visita a la Dra. Magdalena Pavlich, experta en micología de la Universidad Cayetano Heredia, que nos abrió la puerta de su laboratorio para mostrarnos su cultivo de hongos.

Llegamos progresivamente a dos categorías. Muy sintéticamente se les podría señalar como la de los personajes “microbio/aislados” y la de los “aséptico/sociables”. Interesados en el mundo microbiológico y la acción de organismos e insectos en la transformación y mutación de la materia, los primeros sobrevivían en una suerte de reducción que comprendía la reclusión física o emocional. Los “sociables”, por su parte, se desenganchaban de su historia para inmovilizar su imagen bajo la mirada clasificatoria del otro. Si compartían algo, era el poco goce y la ausencia de lazos de amistad verdaderos o sentido de comunidad. En este punto nos reunimos con Víctor Vich, que situó a los personajes en el contexto actual de individualismo creciente. Vich recordó el nuevo mandato donde coexisten la creencia en la felicidad exclusivamente personal y la percepción del semejante como un competidor. Bajo esta óptica, la actividad humana está destinada al fracaso porque no tiene suficiente eficacia para hacerle frente al poder hegemónico. El cambio social, así, está únicamente delegado a una fuerza exterior, sea un cataclismo o una plaga apocalíptica. La naturaleza, por consiguiente, reemplazaría a la política.

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Llegado el momento, tocó regresar a la posición en que las creadoras firmarían sus trabajos. Los encuentros habían transformado indudablemente las decisiones estéticas personales pero la realización física de las obras planteaba un gran escollo para una creación colectiva.

Volver al nombre propio no solo daba vida a un orden. Inclusive proyectaba el efecto de que nunca se había salido de un discurso individual. Junto a la insinuación de que acceder a un otro es inherentemente imposible, acontecía el oscurecimiento de un proceso en que las participantes habían sido transportadas a otro lugar, con el provecho —el don— de develar sentidos ocultos. El otro no se puede imaginar ni sentir sino a partir de nuestra propia experiencia en el mundo. Reconocer su ilegibilidad es más que una invitación a ser más permeables. Funciona como un llamado a identificarlo como una fuente de revelaciones. El otro nos desestabiliza, genera el malestar que origina toda amenaza a un orden instalado, pero también se presenta como alguien con la capacidad de decir, si no todo, por lo menos algo que uno no puede decir.

El arte actual se ha instrumentalizado en buena medida. Ha buscado construir un frente de resistencia contra obras que pretenden liberarse de la responsabilidad de situarse subjetiva e históricamente. La consecuencia es dejar de lado procesos sin utilidad definible, inspirados en el tránsito hacia lo que no posee forma todavía. Un “verdadero proceso” estaría ahí, en la incertidumbre y la apuesta.

Las artistas que aquí se presentan hicieron el camino de ida y de regreso. Probablemente alguna puede sentir que su personaje no fue “usado” para realizar su pieza y concluir que el método de trabajo no pasó de ser un mero juego de roles. A fin de cuentas las cartelas llevan su nombre y no el de un tercero, que queda así marginado de la concepción de la obra. Hay un apaciguamiento en esta comprobación. Tal vez el proceso no sirvió tanto para originar una diferencia sino para entender cómo funciona el orden que alcanza su momento de “reconciliación” cuando cada una es señalada como el “verdadero artista”.

Lima, junio de 2016

Janine Soenens

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CC H I A R A R O S I N G A N A ( L I M A , P E R Ú. 1 9 9 1 )

Artista egresada de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en el 2015. Le interesa la búsqueda de nuevos espacios urbanos para potenciar su significado y explorar cómo el entorno influye en la identidad de las personas. Trabaja en medios como instalación, video, intervenciones en vivo y pintura. Ha participado en muestras colectivas como Unión (Macondo Bar 2016), Monocromo (Centro Cultural Juan Parra del Riego 2015), Color (Stefano’s Tattoo 2015), Blend (La Emolientería 2015), Días de Octubre (La Botica Bar 2014). Ha participado en actividades como parte del colectivo UMANO (2013) y ha colaborado con la Fundación Niños del Arco Iris, haciendo un mural socioecológico (Colegio Alfonso Ugarte 2016). Actualmente trabaja creando diseños con tintes naturales.

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Nubes, nubes

Videoinstalación con espejos y vidrios de distintos tamaños. El video es tomado del material de documentación de un estudio hecho con chimpancés por los psicólogos James R. Anderson, Masako Myowa-Yamakoshi y Tetsuro Matsuzawa en el año 2004. Estas imágenes demuestran el contagio del bostezo en esta especie.

¿Cómo entendemos el funcionamiento del cerebro? ¿Somos lo que pensamos? Las neuronas espejo son una clase de neurona que permite aprender conductas sociales complejas; activan en el observador las mismas zonas del cerebro que se activan en el sujeto observado al producir gestos, desplazarse o realizar una acción.

¿Somos espejos contra espejos? ¿Todos vivimos a través de ellos? Somos productores y producto de lo que hacen y piensan todas las personas con la que hemos tenido contacto pero sin embargo es nuestra propia mirada la que le da forma a lo que percibimos como real. Los reflejos, la imitación que vemos en la imagen y el mirar a través de esta instalación permite un proceso de retroalimentación, a partir de la manipulación y repetición en el espacio.

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Nubes, nubesChiara RosinganaVideoinstalación

2016

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DD O R O T H É E B A L LU ( N A N T E S , F R A N C I A . 1 9 7 5 )

Artista egresada con la medalla de plata de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en el 2015. Se graduó de la Escuela Superior de Negocios INSEEC (Bordeaux, Francia 1997) y trabajó como compradora para tiendas por departamentos durante nueve años. En el 2004, decidió cambiar de rumbo y estudió en talleres libres de arte y en la Norwich University of Arts, Reino Unido. En el 2005 se muda a Port-Gentil, Gabón, en donde participa en las exposiciones Couleurs et matières (2008) y Carnets de voyages (2009). En ese mismo período trabajó para la Alianza Francesa (2007) organizando mesas de discusión entre artistas. En el 2011 llega a Lima y participa con el colectivo UMANO (2013). También del proyecto de intercambio con artistas suizos Eco, Echo, Echo (2015) y en Futuro Caliente, festival de arte durante la COP20, con la acción Homenaje a Edwin Chota, Lima. Actualmente vive y trabaja en Ciudad Ho Chi Minh, Vietnam.

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Nuevos Cuentos

Instalación compuesta por el material residual de un proceso que consistió en empezar el día de trabajo en el taller con la acción de soplar productos culinarios sobre cartulinas de papel. La instalación consta de 5 pinturas, el fragmento de un cuento escrito durante este proceso y el mandil de trabajo usado para realizar esta acción.

¿Es así que quieres seguir adelante?

Las sociedades y sus órganos de poder forman los pensamientos de los sujetos, los impregnan de reglas que dictan cuál es el comportamiento adecuado a sus expectativas. ¿Hasta qué punto somos libres si estamos siendo educados bajo un modelo de pensamiento que se presenta como el correcto? Quiero invitar al espectador a interrogarse sobre un punto en particular: la prevalencia de la razón en la educación. El sistema educativo francés se basa en la razón. La duda y el escepticismo nos permitiría liberarnos de creencias y ser libres. La intención al realizar esta obra fue la de pintar soplando y escupiendo sin que mi razón tenga peso en mis decisiones. Paralelamente escribí un cuento, posiblemente buscando formas de imaginar una nueva realidad. La razón aquí es vista como un elemento invasivo, dominante y controlador implementado por una forma de poder. Intento inventar formas de esquivarla a través de la experiencia. Los cuentos saben a quién llegar.

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Nuevos cuentosDorothée Ballu

Instalación 2016

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EE U N I C E PA L A C I O S ( L I M A , P E R Ú. 1 9 9 3 )

Artista egresada de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en el 2015. Las reflexiones acerca del cuerpo tanto en términos materiales como conceptuales han sido una constante en su trabajo a partir del que indaga acerca de su relación con lo íntimo, lo político y lo social. Ha asistido al Seminario Internacional: Estudios y Encuentros entre Antropología y Arte (Universidad Católica del Perú, 2014) y participado en un workshop de performance dictado por Elizabeth Wurst y Alexia Pedal (2014). Ha sido asistente de producción para las artistas Natalia Iguiñiz y Andrea Francke para la exposición Pequeñas historias de Maternidad III (2015). Actualmente trabaja como artista y gestora en el Espacio #621, plataforma de arte independiente.

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Contracción

A través del relato autobiográfico busco explorar mi cuerpo y la relación que establece con otros cuerpos en nuestra historia, cultura y experiencia de vida. Trabajo a partir del cotidiano indagando cómo los acontecimientos quedan de alguna manera inscritos en el cuerpo.

Propongo el cuerpo como lugar, materia y territorio para ser pensado desde su vulnerabilidad, intimidad y capacidad sensorial. Intento fundir los relatos íntimos y políticos, formando de ese modo escenarios de memoria, que evidencian la imposibilidad de la representación de la memoria misma. Del cuerpo mismo.

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ContracciónEunice Palacios

Instalación 2016

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MM . R O M Á N ( L I M A , P E R Ú. 1 9 8 9 )

Artista egresada con la medalla de oro de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en el 2015. Le interesa ahondar en las distintas ramificaciones de las estructuras del poder y el origen de la moral. Construye sus historias a través de acciones de infiltración, junto con el dibujo y la animación. En el año 2015 recibió la beca de la Fundación Wiese para documentar la 56 Bienal de Venecia. Ha participado en muestras colectivas en Casa Pausa (2013), Espacio #621 (2015), en la exposición Error not found (Galería Rottenslat, 2016) y en la feria de arte PARC en su edición del 2016. Actualmente está trabajando para su primera individual. Está representada por la galería Rottenslat, Lima.

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El Astrágalo

Se podría decir mucho de la hibris de los superhéroes. La hibris, conocida como la falla fatal, la fisura, el deseo de transgredir los límites, el orgullo que es castigado. Existe en los superhéroes y en las personas normales, en cualquier personaje, héroe o villano, existe esta falla. Si Superman fuera un hombre más débil, sería un dictador. Y si Batman, no fuera en el fondo, un hombre bondadoso, sería un criminal. Si yo fuera un hombre más débil, estaría arrepentido y borraría mi pasado.

En este trabajo me interesa la idea de sacar de contexto las razones usuales que uno tiene para vivir, descubro y desentierro nuevas razones. Para este proyecto he trabajado a partir del intercambio con otra persona. No porque quiera que éste sujeto desfogue sus emociones o las comunique, sino espero que expresándolas, estas se impongan de alguna manera y muestren un orden que era desconocido (sobre todo para mí).

Si examino mi trabajo, veo que busco construir un lugar para mí mismo, desde el cual puedo ver la furia y la violencia, sin tenerle miedo. Percibo una voluntad de reivindicar personas, objetos o sentimientos que tienen una reputación vil. Nombrarlos con palabras que usualmente designan lo que uno entiende por noble sería muy infantil y de alguna forma, fácil. No trato de excusar su existencia, me interesa el hecho de nombrarlos, que tengan el derecho del honor del nombre, del reconocimiento.

Algunos creen que dios es un ojo gigante en el cielo pero, qué sucede cuando el ojo eres tú, junto con varios ojos y oídos, en todos los lugares. Nadie puede escaparse, nadie puede despistarte. Eres tú el que busca a los que se esconden.

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El astrágaloM. Román

Instalación 2016

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RR O M I N A G H I O ( L I M A , P E R Ú. 1 9 9 1 )

Artista egresada de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en el 2015. Cursó tres años en la Facultad de artes de la Universidad Católica del Perú en la especialidad de pintura (2009-2012). Interesada en trabajar en distintos medios ligados a la repetición como la costura, el tramado en el dibujo y la animación como una forma de explorar la fragmentación en el aprendizaje y las estructuras sociales. Ha participado de las muestras colectivas Pasa Causa (2014) y Universo Denso (2012) en Casa Pausa. Ha trabajado como asistente para las galerías Gonzalez & Gonzalez e Impakto en la feria de arte PARC (2015 y 2016), en talleres de arte para niños en Corriente Alterna (2015) y como guía en el Museo Mario Testino (2014). Trabaja en el espacio NAVE (Núcleo de Artistas Visuales Experimentales) en Pueblo Libre. Actualmente prepara una muestra de dibujo a exponerse en la Municipalidad de Tetuán en Madrid, España.

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Peso muerto

Videoinstalación compuesta por la animación de un perro que intenta morderse la cola proyectada en el suelo. La imagen está acompañada por una voz que enuncia un encadenamiento de frases hechas relacionadas a estructuras sociales. Estas se repiten indefinidamente.

En navegación, el peso muerto es el máximo peso que se puede llevar. Se usa el mismo término al cargar a una persona inconsciente, porque es en ese momento en el que se siente más pesada. La persona consciente, de alguna manera colabora en hacerse más liviana, con su fuerza y voluntad. Pero a veces la voluntad parece no bastar, la intención de hacerse ligero no lleva a ninguna parte y surge el miedo de estar donde se empezó.

Las estructuras sociales no sólo nos moldean, también nos dicen qué es lo que no podemos alcanzar, son ellas parte del peso que llevamos a cuestas.

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Peso muertoRomina Ghio

Videoinstalación 2016

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VV E R Ó N I C A C U A D R O S ( L I M A , P E R Ú. 1 9 8 9 )

Artista egresada de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en el 2015. Fue en el año 2008, al llevar un curso de escultura en la Escuela de Arte Francisco Alcántara (Madrid, España), que decidió dedicarse al arte y entenderlo como parte de la vida. Estudió Fotografía y Animación en 3D en el Instituto Peruano de Arte y Diseño (2007 - 2009). Cursó el primer año de la carrera de Diseño Gráfico en el Instituto Superior Toulouse Lautrec (2009-2010). Dado su interés por aprender más acerca de las técnicas artesanales e historia peruana, llevó el taller Bordado Andino: Ayacuchano y Huancaíno dirigido por Andrea Zevallos en el Museo de la Nación (Lima, 2016). Trabaja como asistente de la diseñadora Ana Lucía Muñoz y en un proyecto personal de diseño de prendas de vestir. Actualmente postula a maestrías en artes visuales en el extranjero.

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Lycosidae

El hábitat de las tarántulas, no es como los demás arácnidos que tejen telarañas. Sus nidos están hechos dentro de hoyos que hacen en la tierra. Cubren estos con seda y su movimiento funciona como alarma ante la llegada de alguna presa. Así como la tarántula que puede ver desde su nido a la posible presa, este trabajo ha buscado atrapar la imagen del otro.

Nos observamos porque podemos. Miro como un acosador a través de una rendija, un vidrio, un lente, un agujero. Observo desde un pequeño lugar, para no ser notada y expuesta a el mismo tipo de robo, quizá el de la identidad. Tememos ser descubiertos porque al final no observamos al otro sino que nos vemos, es el reflejo de nosotros que se proyecta en la otra persona.

Esta instalación busca señalar cómo se llena ese vacío con la imagen del otro, como si fuera totalmente ajeno, cuando muy dentro nuestro, en ese hoyo oscuro, sabemos que esa imagen almacenada en nuestro cerebro es el reflejo de nosotros mismos.

Vemos a los demás, no como son, sino como somos nosotros.Immanuel Kant

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LycosidaeVerónica CuadrosVideoinstalación

2016

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Apunte de proceso - Verónica Cuadros

A G R A D E C I M I E N T O S

Álvaro Icaza, Arturo Torres, Claudia Coca, “Carlos”, Carlos Palomino, Claudia Valdivia, Carlos Gonzáles, Daniel Mercado, Elmer Postigo, Eloy Delgado, Giancarlo Huapaya, José Ramos, Juan Carlos Gastelú, Julio Mifflin, Luz María Bedoya, Magdalena Pavlich, Martín Guerra Muente, Millie Coquis, Oscar Lara, Rafael Espinosa, Rafael Saurino, Rubén Condori, Victor Vich y todo el personal de Corriente Alterna.

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LACONDICIÓNDELORDEN

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