Historia del arte II

Profesor Ángelo del Ángel Betancourt Mariana Anaid Guido Martinez

Temario • El arte del medio oriente

• Bizantino

• Arabia

• Románico

• Gótico

• Renacimiento

• Barroco

• Romántico

• Neoclásico

• Arte moderno ( impresionismo, expresionismo, simbolismo, faudismo, surrealismo, cubismo, futurismo, arte abstracto, art nouveau y art deco)

• Al igual que las lenguas habladas, el lenguaje artístico camina en función de las épocas y los lugares: existen lenguas muertas (el griego, el latín), lenguas practicadas por muy pocas personas, lenguas vivas pero en decadencia y lenguas dominantes (el inglés). También en materia de arte, las obras provienen de civilizaciones desaparecidas (Sumeria, Asiria, Egipto, Grecia, Roma), de pequeñas civilizaciones (los escitas), de civilizaciones no hace mucho poderosas, pero hoy declinantes (Europa), de civilizaciones dominantes (el modo de vida americano). Cuando nos encontramos ante una obra de arte, el lenguaje artístico exige en que en primer lugar sepamos situarla en su contexto geográfico e histórico. Y de este modo, responder a la doble cuestión: dónde y cuando.

• De esta forma nos convertimos en aficionados artistas y para lograrlo no hay otro camino que construir nuestro juicio, y para ello se necesita tiempo, empeño y paciencia. ¿Quién afirma que utiliza bien una lengua extranjera, cualquiera, si le dedica un tiempo y un empeño ridículos?. Lo mismo ocurre con la fabricación de un gusto. Poco importa cuál sea el objeto de ese gusto (un vino, una pintura, una pieza musical, una obra de arquitectura, un libro, un poema), solo logramos apreciarlo una vez que hemos aceptado que hay que aprender a juzgar.

• Para ello, hay que educar los sentidos y provocar al cuerpo. La percepción de una obra de arte se realiza exclusivamente por las sensaciones: vemos, oímos, tocamos, olemos etc. El comienzo es complicado, estaremos perdidos, confundidos y es fácil que nos equivoquemos. Tiempo, paciencia y humildad, además de valor, tenacidad y determinación. Los resultados se obtienen al final de un túnel más o menos largo según nuestro empeño y nuestras capacidades.

La construcción de un juicio supone igualmente orden y método, además de un maestro. La escuela debería desempeñar ese papel, pero la tarea nos incumbe a todos, museos, conciertos, construcciones, vinos, platos, ejerciendo en cada ocasión nuestro juicio, comparando nuestras opiniones con otras, describiéndolas, todo ello contribuye a la formación de nuestra sensibilidad, sensualidad, inteligencia y finalmente, nuestro juicio. Después, un día, sin avisar, su ejercicio se producirá y se descubre un placer ignorado por la mayoría, por aquellos que se conforman delante de una obra de arte en decir que les gusta o no, que la entienden o no, que ridiculizan o hacen risas de las obras por no querer confesar su ignorancia.

Arte en Japon

Caracterizada por periodos de influencias foráneas y de aislamiento muy marcados.Paleolítico dividido en tras grandes periodos: Jomon (10.500 a.C-300 a.C), Yayoi (300 a.C-300 d.C) y Kofun(300-542/58). Clanes familiares bajo el poder del

emperador Yamato. Ya en época Kofun, todos los japoneses practicaban la religión shinto basada en la veneración de los espíritus de la naturaleza.Los 3 periodos históricos: penetración de las influencias de China. Asuka ( 542-645). En el 542, el emperador Paikche de Corea recomienda el budismo. Japón

está configurado por una confederación de estados. Hakuho(645-710) y Nara (710-794).Adopción de un sistema de gobierno similar al del Imperio Chino.

Sistema de escritura basado en los ideogramas chinos.Literatura basada en los relatos históricos chinos

Arquitectura

Es un arte mayor para los occidentales pero para los japoneses es un arte menor y artesanal. Se conocen pocos nombres propios y tan apenas hay tratados arquitectónicos. Utilizan pocos materiales y prima la simplicidad, sencillez y utilidad. Tenemos arquitectura civil para la aristocracia, alta sociedad… los castillos, los minka(casa rural), las machiya (en centros urbanos) y el chashitsu (casa para la ceremonia del té).La arquitectura religiosa tiene los templos sintoístas (Jinja), que aparecen desde la época Kofun, donde se veneran los kami. Los templos budistas (Ji o también Dera), las pagodas son templos relicarios de Buda.La arquitectura funeraria solo se da en la prehistoria japonesa. Son grandes túmulos de tierra con vegetación.

Pintura y el pincel

Artes del pincel: caligrafía, pintura y poesía. Son artes consideradas a su vez como atributos de las personas cultas. Son muy numerosos los tratados sobre pintura y caligrafía y eran muy importantes y reconocidos sus artistas.Caligrafía: arte de configurar de forma bella, expresiva y elegante los caracteres de la escritura. Este tipo de escritura aparece por primera vez en China durante la dinastía Shang (1500-1050). Durante la época de los Tres Reinos y Seis Dinastías (III-IV) ya se considera a la caligrafía como arte. A Japón llega a partir de mediados del siglo VI. Era una escritura que se podía utilizar con diferentes idiomas y dialectos.Es un arte abstracto del que se valoran los siguientes aspectos:- Que sea personal el gesto espontáneo de la mano a la hora de hacer los trazos (se aprecia en el énfasis de la línea).- Los tamaños de los caracteres y la proporción de los trazos.- Distribución de los caracteres en el fondo blanco. La disposición también en el soporte.Se puede saber hasta el tipo de sentimientos que tiene un calígrafo cuando realiza los kanji

Pintura:- De carácter funerario.

- De género. La vida cotidiana en la literatura.- De retrato civil.

- Religiosa, sobre todo budista pero también sintoísta. De monjes.- De naturaleza en diferentes estilos.

Materiales y técnicas (instrumentos)- Los materiales se comparten con las artes del pincel. El papel o la seda sobre todo. El papel aparece en China, durante la dinastía Han en el año 105 y a Japón llega en el s. VI. El papel se usa por el bajo coste que implica, por su textura y porque empapa muy bien la tinta.- Los formatos:.Kakemono: vertical, aunque el papel no tenga esta forma, se monta la obra sobre una tela vertical tensada mediante varillas y se cuelga..Emakimono: es un rollo de papel de disposición horizontal que se puede guardar enrollado en una caja. Es un tipo de soporte que interactúa con el contemplador, pues éste tiene que ir desenrollándolo para poder leer..Ehon (libro): hojas encuadernadas cosidas..Abanico: están pintados a mano..Byobn (biombo): estructura de madera plegable forrada de papel..Fusama: se diferencia de los shoji en que éstos son translúcidos (ya que se usan para la separación interior-exterior de la vivienda), mientras que los fusama son opacos y pintados (su uso es en el interior del hogar).Los instrumentos:.Fude: es el pincel, compuesto por una varilla de bambú con borla de pelo de pluma de ganso, da faisán… se diferencia con el pincel occidental en que es más ancho en la zona de la varilla y acaba en punta. Se tiene que coger completamente vertical..Sumi. Tinta negra hecha con hollín de pino o negro de humo obtenido a partir de otras plantas calcinadas y mezcladas con cola de arroz o clara de huevo..Suzuri: es el tintero. La tinta se rasca con la piedra para liberar más o menos polvo que se mezcla con agua para conseguir la tinta.Nunca se utilizan tintes grasos y por eso no se puede rectificar. Pero esto también le da un toque especial de reflejos y trasparencias al color.

escultura

Escultura: tampoco es considerada arte mayor porque está vinculada a los artesanos. En el período Kamakura (1185/92 – 1333) se comienzan a hacer esculturas de retrato civil. Desde esa época es cuando los escultores comienzan a tener cierto renombre y se asocian en gremios. Se utiliza sobre todo el barro, la madera, el bronce, la laca seca y lo que no se utiliza nunca es la piedra. Tipológicamente tenemos:- En la prehistoria había figuras de carácter propiciatorio. También en la escultura funeraria hay unas esculturillas funerarias llamadas Haniwa hasta el s. VI (cuando entra el budismo en Japón).- Los budas y bodhisawa (santos del budismo, figuras que han alcanzado el nirvana pero que eligen reencarnarse para ayudar a las demás personas a alcanzar la perfección).- Retratos que representan los seres sagrados. Gran expresividad de personajes santos que han sufrido grandes penalidades.- Escultura civil de grandes personajes en el período Kamakura.- Escultura sintoísta.

Arte en chinaDesde los orígenes de la historia china se crearon objetos en bronce, jade y hueso, que recogieron el espíritu y efecto buscado en los rituales chamanistas. Estas formas en bronce y jade muestran por primera vez uno de los principios esenciales del arte chino: la síntesis entre el espíritu creador artístico y la función social y jerárquica a la que estaban destinados desde su concepción. El primero de ellos se mostraba en la exquisitez de las formas, en el origen de los temas decorativos tomando como paradigma las fuerzas de la naturaleza y su acción sobre el espíritu humano, y en el gran conocimiento técnico de los materiales que ha caracterizado todas las formas artísticas .Como complemento tanto la diversificación de las formas como la iconografía con la que se adornaban correspondían a los principios de jerarquización social y uso ritual que caracterizó los inicios de la civilización china con la Dinastía Shang y la Dinastía Zhou. En esta última dinastía surgen las escuelas de filosofía que profundizando sobre la relación del individuo con su entorno y la consideración social del mismo, establecerán los fundamentos teóricos sobre los que siglos más tarde se desarrollaría la teoría china del arte. Nos referimos fundamentalmente al taoísmo y al confucianismo, sin por ello afirmar que existe una clara división entre lo que algunos consideran arte taoísta como manifestación disgregada de un supuesto arte confuciano

Arquitectura china

La arquitectura china se caracteriza por distribuir el espacio en unidades rectangulares que se unen para formar un todo, combina rectángulos de diferentes tamaños y posiciones de acuerdo con la importancia de la organización del conjunto: utiliza el Feng Shui. Se distinguen claramente los distintos niveles y elementos. El resultado es un aspecto exterior impresionante, pero al mismo tiempo dinámico y misterioso. En la arquitectura tradicional china, la distribución se rige por los principios de equilibrio y simetría. El eje constituye la estructura principal. Las estructuras secundarias se sitúan a ambos lados del eje formando el patio central y las habitaciones principales. Tanto las viviendas como los edificios oficiales, templos y palacios se ajustan a este principio fundamental. En la distribución del espacio interior se reflejan los valores éticos y sociales de los chinos. La arquitectura china se caracteriza también por el uso de una estructura de vigas y pilares de madera y un muro de adobe que rodea tres de los costados del edificio. La puerta y las ventanas principales se sitúan en el frente. Los chinos llevan usando la madera como uno de sus principales materiales de construcción desde hace miles de años. La madera representa la vida y ésta es la principal idea que la cultura china, en sus múltiples manifestaciones, trata de comunicar. Esta característica ha llegado hasta nuestros días

Las cerámicas pintadas del neolítico, de hace más de seis mil años y con figuras de peces, ranas, ciervos, pájaros y flores, presentan las primeras manifestaciones pictóricas de China. Los pictogramas más tempranos estaban compuestos por los pequeños dibujos con líneas, que se desarrollarían convirtiéndose en los caracteres chinos actuales. Por los fragmentos exhumados en las ruinas de Yinxü, capital de la dinastía Shang (XVII-XI a. de C.), se sabe que los orígenes de la cerámica china se remontan a dicha dinastía. Durante la dinastía Han (206 a. de C.-220), el perfeccionamiento gradual del proceso de sinterización propició la sustitución de la cerámica por la porcelana, con lo que aquélla quedó relegada a un segundo plano. La tecnología y el arte de la cerámica y la porcelana alcanzaron una gran madurez en la dinastía Tang, época en la que su producción aumentó y se diversificó, alcanzándose la máxima perfección artística y tecnológica con las piezas de porcelana verde, de porcelana blanca y de la cerámica de tres colores. En la dinastía Yuan se produjo un gran auge de la exportación de porcelana; en la Song, esta industria experimentó un vigoroso desarrollo, como lo demuestra la fama alcanzada por numerosos hornos; pero su periodo de mayor prosperidad correspondió a las dinastías Ming y Qing.

ceramica china

Pintura, caligafia y poesía

• Es cierto que la poesía, pintura y caligrafía representan todas ellas a través del pincel, la esencia misma del pensamiento artístico taoísta, pero no hay que olvidar que incluso estas artes sublimes tuvieron su función social, su jerarquización y en consecuencia participaron del pensamiento confuciano. Estas eran el arte con mayúsculas, reservado a una clase intelectual formada en los clásicos, y la tradición, donde se reconocía y valoraba al artista y la obra de arte en su unidad y no como producto social. Desde la primera escritura tratada artísticamente y convertida en arte de la caligrafía por Wang Xizhi en el siglo IVd.C. hasta los últimos heterodoxos de la Dinastía Qing, los pintores Zhuda y Shitao, la caligrafía, pintura y poesía han estado unidas en unos mismos principios técnicos y estéticos. Los instrumentos básicos -tinta, papel, pincel y tintero-,la formación clásica, y la búsqueda del ritmo, espontaneidad y expresividad basados en el trazo, la pincelada y el vacío han sido los elementos comunes a partir de los cuales sehan desarrollado diacrónicamente a lo largo de los siglos. La palabra, el carácter es considerado como una imagen, como la abstracción de una idea y concepto, y la imagen pictórica en la que se reconoce tanto a un carácter como a un paisaje se lee como una palabra, fusionándose así el pensamiento artístico en poesía-caligrafía-pintura.

Arte en la india • El arte y la cultura de la India adoptan una teoría de la belleza que

es muy diferente de la que se impone en la cultura occidental por el clero; que en esas regiones controla y dicta los dogmas culturales y artísticos a seguir con evidente énfasis, sin velar o disimular su propósito principal.

• El arte de la India se destaca como dijimos por su sensual y sensible estilo que se observa en las esculturas, en la decoración de tejidos, objetos y adornos diversos en tipos; ya fuera para uso práctico o religioso.

• Este arte realza la belleza intrínseca de los materiales que utilizan, adicionándoles además a aquellos que la base y características del mismo lo permitió, colores vivos y contrastantes armoniosamente para resaltar los elementos que acentúan la belleza de la obra y el dramatismo de las emociones.

• La perfección de los contornos aporta mucho a la personalidad del estilo dando como resultado increíbles juegos visuales entre los elementos del conjunto. Posteriormente con el desarrollo de nuevas tecnicas pictoricas comienza a jugar un papel importante la utilización más frecuente del Volumen Tridimensional en lugar del claroscuro.

• En las temáticas predominan las representaciones de sus dioses, sus historias y leyendas.

• Los animales y en general la naturaleza están presentes en muchas obras: Aves, elefantes, peces y hermosas plantas se utilizan no solo como apoyo al conjunto de la escena; sino a veces incluso como activos protagonistas. Estas obras aluden frecuentemente también a temas eróticos y de amor entre los dioses y sus amadas en que el carácter narrativo tanto en pintura, escultura, arquitectura, poesía, danzas y vestuario contribuyen al mejor entendimiento de las mismas tanto por parte de los fieles como del público en general.

El arte bizantino se va a dividir en tres grandes etapas:

* Arte protobizantino: 527 - 726, año en el que aparece la querella iconoclasta. La época dorada de este arte coincide con la época de Justiniano.* La querella iconoclasta se prolongó entre los años 726 - 843 y enfrentó a los iconoclastas contra los iconódulos y fue tan violenta que produjo una crisis artística acentuadísima, especialmente en el arte figurativo.* Primera Edad de Oro Bizantina: 913 - 1204, momento en que los cruzados destruyen Constantinopla.* Segunda Edad de Oro Bizantina: 1261 - 1453, cuando los turcos toman Constantinopla.El cesaropapismo va a durar durante todo este periodo y este arte va a ser fundamentalmente áulico, al servicio del poder político, y cuando represente al emperador, hecho muy frecuente, será un arte que aparentemente parece irreal, pero que es el reflejo de esa ostentación majestuosa y solemne que rodeaba a los emperadores y les convertía en símbolos del poder político y religioso.Arte y Arquitectura Bizantina en el periodo premedievalLos emperadores, y especialmente Justiniano, utilizaron la arquitectura como un instrumento político para impresionar a los pueblos, tanto del interior como del exterior del Imperio.Por tanto, es una arquitectura imperial, normalmente costosa, puesto que el emperador podía financiar los gastos necesarios para su programa constructivo.Fue Justiniano el que buscó a un historiador llamado Procopio para que relatara en un volumen cuáles y cómo eran sus construcciones, llamado "de edificis".Hasta la llegada de Justiniano al poder, las construcciones religiosas tanto en oriente como en occidente se habían basado en la basílica romana paleocristiana. Sin embargo, la situación cambia totalmente en el siglo VI.Occidente continúa adepto a la basílica, pero la arquitectura justiniana rompe con esta tradición. El emperador prefiere iglesias de planta central y abovedadas, inspirándose en modelos del Bajo Imperio Romano que se habían desarrollado en torno a salones palaciegos, pabellones de jardín y construcciones funerarias.

Bizantino

Con Justiniano, pues, la planta central cupulada con bóvedas de ladrillo se va a convertir en norma para construir los edificios religiosos, independientemente de cuál fuera su función litúrgica. Al parecer, la influencia de la liturgia fue determinante para esta elección. La liturgia que se había desarrollado en las costas del Egeo (Acheiropoietos) requería la nave central como lugar exclusivo para el coro. Un edificio de planta central en cambio no requiere este tipo de separación. La zona central está ocupada con el coro y el deambulatorio por los fieles. De este modo se facilita enormemente el desarrollo de esta liturgia oriental que se manifiesta distinta a la que se realizaba en Roma y en parte del occidente europeo.

El goticocorresponde a la Baja Edad Media, a continuación del románico. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con

Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales.Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del

área geográfica.Hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

Pintura : La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar

natural, el muro.Por eso, debido al escaso desarrollo de éste, la pintura gótica tiene su primera ubicación en las vidrieras y en las miniaturas de los códices.La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso.La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Gótico Lineal, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. Este tipo de pintura gótica abarca todo el siglo XIII y los comienzos del XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo.El nuevo estilo que sucede al lineal es el conocido como Gótico Italiano donde las escuelas de Siena y Florencia alcanzan cotas muy altas. En esta época, los diferentes gremios compiten en la decoración de sus capillas, lo que junto al desarrollo económico hacen que se desarrolle y aumente la pintura gótica.En este estilo desaparece la línea negra. Quieren conquistar de la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores.La última etapa corresponde al Gótico Internacional, a finales del siglo XI

Escultura Esta caracterizada por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas. Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Con la escultura gótica reaparece también el retrato. Este afán por la expresividad llevará al artista gótico a interesarse por la anécdota y lo secundario, tratando en ocasiones lo satíricoe incluso lo obsceno, se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo. Existirá una escultura monumental. También adquiere gran importancia la escultura funeraria, donde el retrato tiene un mayor realismo. El material preferido para la escultura es la piedra, pero también la madera, generalmente policromada.El período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, en España, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres. Este primer periodo es de grandes composiciones , con escasos pliegues en los ropajes.El periodo clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas. Las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los ropajes. El periodo flamígero, que se caracteriza por la utilización de la curva y la contracurva como elemento decorativo. Con estas técnicas se consigue dar movimiento a las figuras. La figura humana se hace más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.

Arquitectura

El arte gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, edificio urbano, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.En estas construcciones predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales y la nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.Las capillas, los ábsides y las girolas dejan de ser semicirculares para hacerse poligonales.Los cambios constructivos más importantes se manifiestan en la bóveda de crucería y el arbotante. La bóveda de crucería, derivada de la de arista, consigue localizar sus empujes sobre cuatro puntos de arranque lo que permite cubrir todo tipo de espacios. El arbotante por su parte es una especie de puente que transmite las presiones desde el arranque de las bóvedas altas hasta los ligeros contrafuertes del exterior, permitiendo así abrir mayores vanos en la fábrica del edificio.Utiliza también un nuevo tipo de arco ojival, apuntado. Gracias a su verticalidad, permite elevar la altura del edificio. Con estos tres elementos los arquitectos góticos revolucionan la construcción. Lograron muros diáfanos que se recubrne con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores. Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado. Al existir mayor espacio libre de piedra, las ventanas adquieren gran importancia y en el interior de los vanos se aprecian tracerías caladas que se rellenan con vidrieras policromadas.Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas, también llamadas baquetones.La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las puertas. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.Las puertas de acceso al templo suelen colocarse en los brazos y pies de la cruz, continuando con el abocinamiento románico solo que ahora los arcos son apuntados. Los tímpanos continúan siendo decorados pero ahora se distribuyen las figuras en zonas horizontales mientras las figuras de las arquivoltas se disponen en el sentido de la curva.La forma apuntada de la portada suele completarse con el gablete o moldura angular que la corona. Sobre la portada encontramos el rosetón que aporta iluminación y cromatismo al interior del templo.En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales.

El renacimiento

Pintura (cuattrocento) La pintura no se libero en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evoluciono a hacia un

nuevo concepto de belleza.En el dibujo, los cuerpo adoptan formas mas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la

expresión facial que algunas veces refleja algunos conflictos del alma

Características principales de la pintura renacentista . Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios sacados de la religión o de la mitología . Es realista: las figuras humanas, animales y objetos están reproducidos con el mayor cuidado al tratar de verlo realista .el cuadro se expone como un escenario: un espacio cubico, enseña la perspectiva geométrica da alusión a profundidad. Esquema de composición preferidos era el triangulo o el rectangular con la división . Es pintura dibujista, contiene poder definidor y expresivo de l línea, y considera el color como accidente de la materia de importancia secundaria . Se da interés al cuerpo humano en especial al desnudo cuya anatomía se estudia con detalle . A partir del siglo XV se usara técnica en oleo y pintura en caballete

Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del

hombre y del mundo.Pero al transcurrir el Quattrocento, si bien el color es vivo aun, va a dejar de lado el brillo de los dorados y el código de los gestos por una concepción mas científica

de la composición al introducir la perspectiva lineal y el rigor matemático y geométrico de la Sección Aurea, lo que da por resultado el sentido de proporción característico de este estilo

Arquitectura

(cuattrocento)

. Se empleo los ordenes clásicos (jónico, corintio y dórico). Se le da mucha importancia a la arquitectura civil, contrayéndose los palacios municipales, que prestan un aspecto de fortaleza, fueron construidas a las afueras de roma, tenían grande pabellones con terrazas, escalinatas y patios interiores, jardines y parques . Utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristina, sin embargo el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula que desplaza ala ojiva gótica y presenta los famosos ojos del buey (aberturas circulares) . En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.

Santa María nouvella de León Batista Alberti

Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores de Florencia (Brunelleschi)

Escultura

(cuattrocento) El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda aislada.Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se advierte:a. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.b. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.c. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.d. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.

Donatello (1382‐1466)

Lorenzo Ghiberti(1378‐1458)

Pintura (cinquecento)

Resueltos los problemas técnicos, la pintura del Cinquecento no tendrá otra preocupación que la del contenido.•Se rinde culto a la belleza: desaparece la dureza de los modelados y la pintura deja de emular a la escultura. Si en el Quattrocento primóla figura masculina, el cinquecento es el momento del desnudo femenino•La luz se torna aire respirable: es el momento de la perspectiva aérea, que sustituye a la perspectiva lineal.

Miguel Angel. Michelangelo BuonarrotiCaprese (1475) ‐Roma (1564)La creación

Leonardo Da Vinci(Italia, 1452‐1519)La Gioconda

Arquitectura

(cinquecento)

Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura sobre la decoración son características principales de las edificaciones cinquecentistas clasicistas. Se emplean ahora los volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego mediante la conjugación de las formas y el manejo de la luz (elementos cuyo uso teatral se buscará deliberadamente, exagerándolo, durante el periodo manierista).A lo largo de este siglo XVI se inicia el desarrollo y ejecución de uno de los más importantes planes arquitectónicos como será el destinado a la creación de la basílica de San Pedro del Vaticano. Adjudicada inicialmente su construcción a Bramante, el fallecimiento del mismo dará lugar a la elección del pintor Rafael, cuya participación en el proyecto se verá truncada de igual modo por su muerte, siendo realmente el relevo del posterior elegido (Antonio de Sangallo el Joven) el verdadero artífice del edificio: Miguel Ángel. Éste va a recuperar el plan inicial de planta central propuesto por Bramante y a construir la magnífica cúpula que lo corona, convirtiéndola en referencia

de todo el conjunto.

Basílica de San Pedro del Vaticano.

Escultura

(cinquecento)

No es posible hablar de escultura renacentista italiana sin nombrar a uno de los más grandes e importantes artistas de esta disciplina (y no sólo del momento) como es Miguel Ángel; la calidad de su trabajo y su capacidad para obtener "vida" del mármol no puede, incluso a día de hoy, por menos que causar una completa admiración.En él es posible encontrar los distintos registros que se sucederán a lo largo de este s.XVI, desde aquellas obras iniciales donde se acatan todas las reglas clásicas hasta el manierismo terrible, por completo visionario, de sus "esculturas inacabadas" (ejemplo de las cuales puede citarse la Pietá Rondanini).Sus primeras realizaciones, alrededor del año 1500, siguen la línea típica del siglo XV: serenas dentro de su majestuosidad, claroscuro controlado, buen estudio anatomico pero sin exuberancias, y sobre todo un pulido muy acabado. Los esquemas en que se agrupan las figuras son geométricos y simples.En esta etapa las esculturas de Miguel Angel se vuelven mas esbeltas y la melancolía se traduce en los rostros. Los fornidos torsos terminan en delicadas manos y pies, las cabezas son pequeñas; las líneas que envuelven a las figuras son ovaladas describiendo un eje en torno al cual se efectua un movimiento de rotación en espiral. El tratamiento plástico se vuelve sintetico.

MIGUEL ÁNGEL (1475‐1564)David

El barroco El período Barroco se ubica entre los períodos del arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar

contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.

Se ha dicho que el Barroco en arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al punto de hacerse de alguna manera simbólica de la Contrarreforma. Fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las

áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas y en América Latina. Es importante destacar que el Barroco fue una innovación cultural general.

La palabra barroco, como la mayor parte de las designaciones de un período,

época o de un estilo, fue inventada por críticos posteriores, más que por los

practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir,

los artistas que plasmaban dicho estilo. Es una traducción francesa de la

palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco" ), que significa

"perla de forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar,

"barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido,

o también se le llama "barro-coco" todas ellas significando lo mismo.

El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para

subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de

la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ). Fue

finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich

Wölfflin (1864-1945), quién identificó al barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte "elaborado".

Arquitectura barroca

La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. Los materiales propicios de construcción en la arquitectura barroca son los materiales pobres sin ningún valor aun así viendo la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poco con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de "qualité" como el vidrio de carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros.Los elementos constructivos no presentan ninguna novedad, ya que siguen los órdenes clásicos del Renacimiento; la diferencia es que en el Barroco se contraponen elementos arquitectónicos utilizándolos con cierta libertad e individualidad. No se pierde la armonía sino la perspectiva renacentista, que abarca el espacio del espectador. El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. De hecho, al situarse justamente en la entrada de la plaza se puede observar la altitud del obelisco, pero al adentrarse en dirección a la basílica de San Pedro aparecen las inesperadas columnatas que rodean el perímetro de la Plaza. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por exelencia del arte Barroco.

Escultura barroca

La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes.La escultura Barroca cobra un papel decorativo en la composición general de la obra.E n ellas destacamos su complicada estructura y dramática vivacidad.Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el dinamismo. Las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas. La valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión figurativa.La escultura barroca española tiene una serie de características propias:

- Predominan los temas religiosos.-Exaltación del realismo. Para ello utilizan postizos como pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real.-El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la Corte.- Se produce la decadencia de la escultura funeraria.- Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.- Utilizan la madera policromada como material preferido.

El éxtasis de Santa Teresa. Bernini.

ANÁLISIS:Bernini crea un grupo escultórico en mármol que más parece una composición pictórica, donde hace visible la experiencia narrada por la Santa de Ávila: aparece ella en profundo éxtasis místico con sus ojos pesadamente cerrados y su boca entreabierta, transmitiendo una sensación híbrida entre placer y dolor.Lo primero que vemos es un grupo escultórico o conjunto escenográfico, donde Santa Teresa de Jesús está en pleno arrebato místico sobre unas vaporosas nubes, en el mismo instante que un ángel la acaba de atravesar con un dardo de amor cristiano.Con esta obra supo Bernini lograr unos efectos escenográficos alucinantes, irreales por la luz y el volumen, sin límites definidos y todo para plasmar el clímax de la Santa en la estatua.Ese efecto luminoso hace que las figuras parezcan suspendidas en el aire.Integra el conjunto la pintura, la escultura y la arquitectura: pintura en la policromía de la estructura arquitectónica y arquitectura en el hueco por donde entra una luz cenital, dedicada toda a la escultura. Santa Teresa está recostada sobre unas nubes y elige, como el momento preciso, el clímax emocional de la Santa, donde se representa todo el sentimiento teatral y escenográfico del barroco.

Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

Pintura barroca

Pintura rococo

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.Defición del Arte RococóEl término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

NeoclasicoEl nacimiento de la corriente cultural y artística denominada Neoclasicismo en el siglo XVIII se corresponde con una muy profunda revisión de modelos sociales, económicos y

políticos que se vive en Europa durante aquellas décadas.Este cambio social europeo se debe a la difusión de las teorías de la Ilustración en todos los ámbitos de la vida. Se revisan y critican los modelos tradicionales y se proyecta

una nueva sociedad más justa e igualitaria. Este proceso terminará provocando la caída del Antiguo Régimen.En el plano cultural y artístico, también se produce este punto de inflexión que terminará conduciendo a la pintura moderna contemporánea.

En este momento, entre los ilustrados se enuncia la convicción absoluta de un conocimiento basado en la razón. En este movimiento de humanismo cultural, también aparece un afán enciclopédico de recoger el saber humano.

En arte y literatura se revisan los valores de la antigüedad desde el punto de vista formal y moral. Se busca un ideal de pureza como defensa y crítica del barroco y rococó, que se consideran artes de lujo artificial.

En este contexto, la antigüedad clásica se convierte en el modelo a seguir. Artistas y aficionados viajarán a Roma para tomar modelos de la antigüedad imperial romana, y Roma se convierte en el centro internacional (Si bien es verdad que muchos modelos se toman del Renacimiento en lugar de observar directamente los edificios de la antigüedad).En esta revisión de la cultura greco-romana tuvieron importancia los descubrimientos de Pompeya y Herculano y los dibujos de artistas y las teorías de los enciclopedistas (Voltaire, Rosseau, etc.)Una de las características del neoclasicismo es que en la revisión de las culturas clásicas se concluye la preeminencia de lo griego sobre lo romano. Por ello, en el neoclasicismo, predomina la arquitectura inspirada en Grecia.

Arquitectura

La arquitectura neoclásica comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco de ornamentación naturalista así como por el resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el barroco tardío. Se prolongó durante el siglo XIX, confluyendo a partir de entonces con otras tendencias, como la arquitectura historicista y el eclecticismo. Algunos historiadores denominan el periodo de la arquitectura neoclásica de la primera mitad del siglo XIX como clasicismo romántico, a pesar del oxímoron (oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo con el romanticismo, estilísticamente comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y espíritu exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clásicas grecorromanas.1Factores fundamentales que influyeron en la creación de la arquitectura neoclásica fueron los determinantes en el contexto político, social y económico de la época, en que se incluyen destacadamente la revolución industrial, la crisis del Antiguo Régimen, la Ilustración, el enciclopedismo, la fundación de las Academias, el despotismo ilustrado, etc.

El enciclopedismo, espíritu precursor de la revolución francesa, trajo consigo una concepción romántica de la Grecia Antigua. La Ilustración sostenía que la infelicidad del hombre, se debía a la ignorancia e irracionalidad y que por lo tanto el único camino viable para conducirlo a la felicidad era llevarle la luz de la razón por medio de la educación. En cuanto a arquitectura la educación implicaba el conocimiento y fuentes antiguas tales como Vitrubio, Palladio, Vignola; por lo que ésta hizo uso de los repertorios formales de la arquitectura griega y romana.Se buscó dar un carácter más científico a las artes, por lo que los artistas debieron ser técnicos más que inventores, e imitadores más que creadores. Este espíritu científico llevó a considerar al arte clásico como un arte progresista, porque estaba desprovisto de adornos sin sentido y buscaba la perfección de las leyes inmutables sin depender de las impresiones subjetivas e imperfectas del artista.

Arquitectura neoclasica

Utilizaban mármol y piedra

Reacción contra los decorativos del barroco y el rococó

Reputación de la cultura greco-latina

Prima la técnica sobre la inspiración

Ausencia de elementos decorativos

Predominio de volúmenes geométridos

La razón se impone a la imaginación todo consiste en proyectar

Predomina lo horizontal sobre lo vertical, la solides y el uso del pronto las columnas y los atrios. Estos es orden proporción y armonía

La realización del proyecto no debe ser el resultado del estilo de un artista sino que forma parte de la cultura y del modo de vivir de la sociedad

Escultura neoclasica

Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza

Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes

cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnasconmemorativas.

El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica

Predomina la racionalidad de la expresión serena y sosegada sobre la irracionalidad de lo impetuoso , imita el estilo de los grandes escultores de la antigüedad

Se toma como modelos los temas clásicos porque quieren razonar intelectualmente sobre la naturaleza

Frente al realismo y el expresionismo de la escultura barroca se opone la serenidad y la belleza de la escultura clásica hay una reacción sobre los efectos pictóricos la teatralidad y el movimiento desbordado del barroco

Retorno al equilibrio, armonía, inexpresividad del arte clásico

Búsqueda de simplicidad y pureza de líneas

Predomina de la temática vinculadas a la mitología griega y las historias de héroes griegos y romanos

El desnudo tiene una notable presencia como el deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad

escultura

Pintura neoclAsica

La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante.

El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en países

orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo

representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo dominado por el sentimiento individual.

Pintura

neoclásica

Su principal fuente de inspiración fue la naturaleza realista pero idealizada bella y tranquila

Composiciones geométricas equilibradas y estáticas si tienen movimiento este es mesurado

Predomina el dibujo sobre el color contornos definidos buscando imitar a la escultura

Los personajes representan perfección anatómica y proporciones canónicas griegas

Falta de expresividad no hay sentimientos y cuando los hay son contenidos y fríos

Prepotencia expresiva en primer plano generalmente mas iluminada que los demás

Uso de alegorías para representar temas del presente

Pincelada bien acabada que no se puede apreciar

Intención moralizante

Romanticismo El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra

el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Sucaracterística fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda

constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas

tendencias proyectándose también en todas las artes.

Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX,extendiéndose desde Inglaterra a Alemania. Después a Francia,Italia, Argentina, España, México, etc. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Postromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Características

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

* La conciencia del Yo como entidad autónoma y fantástica* La primacía del Genio creador de un Universo propio.* La supremacía del sentimiento frente a la razón neoclásica.* La fuerte tendencia nacionalista.* La del liberalismo frente al despotismo ilustrado.* La de la originalidad frente a la tradición clasicista.* La de la creatividad frente a la imitación neoclásica.* La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.

El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fundamental consistió en la representación objetiva de la realidad, basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época.

Esa exigencia de contemporaneidad, ajena a evocaciones o fantasías de corte romántico, posibilitaron a los artistas realistas un amplio campo de representación, tanto en la temática como en su intencionalidad. Precedido por el Romanticismo y seguido por el Simbolismo y por el Impresionismo, el Realismo no se reveló en Europa con igual intensidad ni tampoco de modo

simultáneo. Su apogeo puede situarse entre 1840 y 1880, sin perjuicio de que en algunos países su práctica se prolongara durante el primer cuarto del siglo XX.La aparición y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política que protagonizó Francia a raíz del derrocamiento de la monarquía burguesa de Luis Felipe y de la proclamación

de la II República en 1848 y, veinte años más tarde, en 1871, tras el advenimiento de la Comuna, de la proclamación de la III República. Es a lo largo de esos años cuando surgen los movimientos obreros y proletarios que, avalados por las teorías de Marx y Engels, se inspiran en nuevos sentimientos sociales y en nuevas ideas políticas, cuya influencia también se dejaría

sentir en el mundo artístico.El Realismo comenzaría, efectivamente, como un movimiento del proletariado artístico. La representación del pueblo sin idealismos, es decir, tal como era objetivamente, encerraba un cierto

mensaje sociopolítico. Así lo ratificó Courbet, uno de los padres del Realismo, cuando en 1851 expresara sin ambages que "yo no soy sólo socialista, sino también demócrata y republicano partidario de la Revolución; en una palabra y sobre todo, un realista, es decir, un amigo sincero de la auténtica verdad".

Esa veracidad del Realismo fue entonces duramente criticada, acusándole de recrearse en lo feo y en lo vulgar, en lo morboso e, incluso, en lo obsceno. Se quiso ver, ante todo y sobre todo, que la representación de, por ejemplo, campesinos, o sea, de trabajadores vulgares, comportaba una protesta y, en definitiva, un ataque a la sociedad existente.

En ese compromiso con lo social, el Realismo dio paso a temas que hasta entonces se habían ignorado, elevando a la categoría de protagonistas de sus obras a tipos humanos que nunca tuvieron el honor de ser representados. Campesinos, picapedreros, ferroviarios, lavanderas, mineros, etc., fueron fuente de inspiración para los creadores realistas. Unos protagonistas que

figuraban tanto en los lienzos como en los relatos literarios y cuyo concurso se revelaba no como un simple complemento pintoresco, sino como figuras centrales.Bien es cierto que el compromiso social del Realismo no implicaba ninguna proclamación abierta y reivindicadora de mejoras sociales o de cambios políticos. Sin embargo, la decisión de

reflejar ese tipo de realidades suponía un contundente testimonio e, incluso, un cierto compromiso.

Realismo expresionismo

Impresionismo

El Impresionismo nace como una evolución a ultranza del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX. El preludio se encuentra en 1863, con la creación del Salon des Refusés, a modo de contestación de los Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado y carente de originalidad. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir. La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. Es un mundo fascinante, del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial Degas o Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado. El positivismo acarrea una concepción de objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica. Según esto, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser representado artísticamente. El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc. Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de Manet, el rechazado de los Salones oficiales y promotor del Salon des Refusés. Ante el nuevo léxico que proponen, de pincelada descompuesta en colores primarios que han de recomponerse en la retina del espectador, el público reacciona en contra, incapaz de "leer" correctamente el nuevo lenguaje. Pero el Impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchands, los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país. Las tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se convirtieron en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Dicho estilo cuenta como precedente con los paisajistas de la Escuela de Barbizon, dependiente del último Realismo francés. Corot y Millet son las referencias más inmediatas en Francia, apoyados por la innovación de los paisajes de Turner. Esta tendencia paisajista la desarrollaron los integrantes del denominado Grupo de Batignoles, llamados así por vivir en el barrio del mismo nombre. Éstos son Monet, Boudin, Renoir... También toman referencias, especialmente de color y composición, del Siglo de Oro español. El japonismo, una moda de la época, añadió su parte a través de grabados que enseñaron a los artistas una forma nueva de ver el espacio y de utilizar los colores planos, sin intentar falsificar la realidad del cuadro con la tercera dimensión. Por último, la fotografía fue otro enlace, aunque no está claro si la espontaneidad de la captación del momento la aprende el Impresionismo de la fotografía o, más bien, ésta es la alumna de aquél. En cualquier caso, el resultado es una pintura amable, ligera, frecuentemente de paisaje, llena de luz y color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del lienzo. No son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados. Están alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados por una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada en los lienzos impresionistas, al modo en que el mundo noctámbulo parisino se refleja en el espejo de La Barra del Folies-Bergère de Manet.

Es un movimiento artístico que comenzó como escuela literaria en Francia y Bélgica hacia 1885, preludiada por Baudelaire, Mallarme, Verlaine y Rimbaurd y bajo el impulso del ultimo Romanticismo alemán con Nováis. A finales del siglo XIX se van consolidando las democracias en Europa.La revolución industrial provoca un éxodo de la población rural hacia las ciudades. Las clases obreras se concentran alrededor de las fábricas. Las ciudades tuvieron que afrontar problemas diversos:Dificultades para cubrir las necesidades básicas de la población: alimentos, agua potable, luz, servicios sanitarios, etc.Problemas de vivienda. Las casas se amontonan en los suburbios y carecen de condiciones higiénicas.Guerra con Estados Unidos (1895): supone la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas y Guam (Marianas).Desastre del 98: originó propuestas de regeneración del país.Reinado de Alfonso XIII: crisis del régimen. Culmina con la dictadura de Miguel Primo de Rivera.II República: reorganización del Estado.Agravamiento de la situación internacional y crisis económica.Guerra Civil: se reconoce el gobierno del general Francisco Franco.

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.El simbolismo tomó fuerza a partir del año 1886 cuando Jean Móreas publico, a manera de manifiesto en Le Fígaro, un escrito basado en la traducción que se había hecho de la filosofía de lo inconsciente de Hartmann.La poesía simbolista busca vestir a la idea de una forma sensible, posee intenciones metafísicas, además intenta utilizar el lenguaje literario como instrumento de conocimiento, por lo cual se encuentra impregnada de misterio y misticismo. Fue considerado en su tiempo por algunos como el lado oscuro del Romanticismo. En cuanto al estilo, basaban sus esfuerzos en encontrar una musicalidad perfecta en sus rimas, dejando a un segundo plano la belleza del verso. Intentaban encontrar lo que Charles Baudelaire denominó “la teoría de las correspondencias”, las secretas afinidades entre el mundo sensible y el mundo espiritual. Para ello utilizaban determinados mecanismos estéticos, como la sinestesia.La búsqueda del MYSTERIUM TREMENS llevo a los simbolistas a hacer dos viajes imaginarios en opuesta dirección; el viaje hacia la interioridad (misterio del alma) y el viaje hacia la exterioridad (misterio del cosmos), adoptando la creación poética y la artística como estructura de un trayecto.Algunos autores como Baudelaire, empiezan entonces a expresar sus opiniones de los recientes y visibles cambios en la sociedad a través de lo que sienten, buscan comunicar a través de sus obras las consecuencias del progreso industrial.Jean Moreas, poeta simbolista griego de expresión francesa, escribe en 1886 un manifiesto en el que describe el simbolismo como un “enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva”.Posteriormente, los Nabis, segunda generación simbolista, aspiraron a traducir estas ideas en forma de vida y en activas reformas. Al contrario que el impresionismo, escuela concreta y localizada básicamente en Francia, el Simbolismo fue un gran movimiento que también se extendió a España. Se difundió a partir de 1890, y adoptó diferentes interpretaciones. En Cataluña cabe señalar la obra de Joan Brull, Adrià Gual y de Santiago Rusiñol de mediados de los años de 1890. En el seno del Simbolismo tomó también cuerpo una tendencia que acentuaba ciertos trazos de sus figuraciones, lo que desequilibraba la representación objetivista de las cosas en un sentido fuertemente expresivo.

Simbolismo

Conclusión:

Características Generales de Simbolismo:

Se encuentran imágenes opuestas a la realidad visible, por lo tanto hay una realidad escondida la cual se basa en los sueños.

Sugiere ideas y emociones a partir de imágenes, y estas imágenes se expresan por medio de experiencias visuales y emocionales.

Todo tiene un alto contenido espiritual y religioso.

Utiliza el subjetivismo, lo irracional, la fantasía, la intimidad y el uso de símbolos para comunicar emociones.

Este movimiento está en contra de los valores del materialismo y del pragmatismo.

Busca la verdad universal.

Busca el conocimiento intelectivo y la expresión conceptual: 'la pintura tiene que explicar algo, que la poesía tiene que hacer pensar y

una pieza musical impresionar al espectador' -Arnold Böcklin-

Formas planas y grandes áreas de color.

Interés por lo subjetivo, lo irracional.

Los poetas buscan evocar impresiones, más que expresar ideas.

Sus imágenes, desprovistas de lógica originaron una poesía rebuscada y oscura.

Representa una completa renovación poética.

Al contrario de la precisión de las descripciones, presenta el efecto de la evocación basada en la imagen: “no nombrar, sino sugerir”,

dice Mallarmé.

El símbolo produce evocaciones o despierta la intuición del lector.

Características del simbolismo en La pintura y escultura:

Reflejan lo ambiguo la belleza hermafrodita, lo andrógino.

Creación de figuras mitológicas como sirenas, arañas, esfinges.

Plasman los sueños, fantasías para exteriorizar sus ideas.

La escultura ya no es rígida, dan una perspectiva de mayor movimiento y pliegues los cuales brindan ilusiones.

Se utilizan formas planas, grandes, y llenas de color. Esto tiene una intención romántica.

Es un movimiento artístico que surgió en Francia a finales del siglo XlX y concluyo en 1907. Este termino fue idea del crítico Louis Vauxcelles quien llamó a esta corriente “fauve” fiera en francés.Abarco solamente la pintura, siendo Henri Matisse, el que dirigió al grupo de pintores fauve. La temática no era importante y fue exaltado.Floreció en los salones donde se exponían las obras artísticas innovadoras, en el Salón de Otoño de 1905, participo un grupo de artistas que fueron denominados “fauves”, que en francés significa fieras.A este grupo artístico pertenecen Henri Matisse, Maurice Vlamink, André Derain, Albert Marquet, Raoul Dufy, George Rouault, Georges Braque, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Kees Van Dongen, Othón Friesz y Louis Valtat.En relación a los temas no les dan importancia; el colorido fuerte y llamativo que es la finalidad del cuadro. El apogeo del fauvismo duro poco tiempo, pero tuvo mucha importancia en el desarrollo de la pintura de principios del siglo XX.Este primer estilo tendrá una duración efímera. El fauvismo y el expresionismo alemán surgen como reacción al interés expresionista para reflejar la impresión momentánea del mundo exterior, pues prefieren plasmar las vivencias psicológicas de los artistas, las sensaciones internas.

Fauvismo

PINTURA:

En base a sus obras los artistas utilizaban colores

fuertes, violentos y agresivos, algunas veces dichos

colores eran enmarcados en trazos gruesos, negros

o muy oscuros buscando el escalonamiento. Se

mencionan algunos pintores de esta corriente Raoul

Dufy, Albert Marquet, Andre Deranin, George

Braque y Maurice Vlaminck.

Las características de la pintura fauvista se

observan en las obras de Matisse como “el gran

interior rojo” retrato de margarita leyendo y

lalgerenne.

Lo más llamativo de estas pinturas es su violencia

cromática sin correspondencia con la realidad. El

colorido es pleno e intenso separado por contornos

bien definidos.

Se desinteresa de la perspectiva y la definición de

volúmenes, sirviéndose exclusivamente del color

para expresar sus sentimientos.

La creación artística solo busca el placer en su

contemplación.

Este movimiento cuyo lema es la rebeldía y la

independencia del artista manifestado en el uso del

color, no conto con un programa preciso. Sus temas

preferidos son el paisaje y el retrato tratados de una

manera subjetiva y con un fuerte sentido decorativo.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas

establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y

antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se

presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema

anterior.Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las

leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los

dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad,

lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al

orden y la imperfección frente a la perfección.

Dadaísmo

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice

que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa

caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se

recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que

querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas

escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el

cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un

movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera

Guerra Mundial.

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte

nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del

ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos

incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de

perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que

importaba más el asunto que la propia realización.

Surrealismo

Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el

subconsciente y el mundo de los sueños.

animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías

Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o

El pensamiento oculto y prohibido será una fuente

de inspiración, en el erotismo descubren

realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma

impúdica.

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de

ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la

visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en

las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de

forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.

Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Cubismo

Cubismo

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen

rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno

Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro

Las formas geométricas invaden las composiciones.

Cubismo Analítico

caracterizado por la

descomposición de la forma y de

las figuras en múltiples partes,

todas ellas geométricas. El objetivo

es examinarlas y ordenarlas por

separado. Es el cubismo más puro

y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético

le sucede el cubismo

sintético, que es la libre

reconstitución de la

imagen del objeto

disuelto. El objeto ya no

es analizado y

desmembrado en todas

sus partes, sino que se

resume su fisonomía esencial.

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado

por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento

buscaba romper con la tradición, el pasado y los

signos convencionales de la historia del arte.

Consideraba como elementos principales a

la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya

que se pregonaba el movimiento agresivo, el

insomnio febril, el paso gimnástico, el salto

peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como

postulados: la exaltación de lo sensual, lo

nacional y guerrero, la adoración de la máquina,

el retrato de la realidad en movimiento, lo

objetivo de lo literario y la disposición especial

de lo escrito, con el fin de darle una expresión

plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó

ensalzar la vida contemporánea, basándose en

sus dos temas dominantes: la máquina y el

movimiento. Se recurría, de este modo, a

cualquier medio expresivo (artes plásticas,

arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine,

música, poesía) capaz de crear un verdadero arte

de acción, con el propósito de rejuvenecer y

construir de nuevo la faz del mundo.

Futurismo

surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti

Este movimiento buscaba romper

con la tradición, el pasado y los

signos convencionales de

la historia del arte

Rechazaba la estética tradicional e intentó

ensalzar la vida contemporánea, basándose en

sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento

Futurismo

Se recurria, de este modo, a

cualquier medio expresivo (artes

plásticas, arquitectura, urbanismo,

publicidad, moda, cine, música,

poesía) capaz de crear un

verdadero arte de acción, con el

propósito de rejuvenecer y

construir de nuevo la faz del mundo

El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad

El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.

Arte Abstracto

El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en

una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fabulistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.

También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con elAction Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de

1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por

las más variadas motivaciones.

Arte Abstracto

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados

estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.

Las características del arte abstracto son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independiente del mundo real, de los Modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.

Lenguaje visual: representaciones dotadas de significado propio, sin la necesidad de la representación figurativa.Garabatos: formas difusas, reforzadas con el color y con sentido simbólico.Nuevos instrumentos: los símbolos y los signos.Abstracción pura: Significado solamente cuando la obra está acabada, la cual es bella por sí misma, como objeto.

Paul Klee,-Wassily Kandinsky,-Armando Barrios,-Hugo Baptista,-Francisco Hung,-Enrique Ferrer,-Piet Mondrian,-The Van Deosburg,-Mercedes Pardo,-Pedro Briceño,-Vladimir Tatlin,-Aleksander Roschenko,-Kazimir Malévisch,

art nouveau

El art Nouveau (arte

nuevo) es un movimiento

artístico que surge a fines

del siglo XIX y se proyecta

hasta las primeras décadas del siglo XX

La tienda L’Art Nouveau

era la manifestación más

clara de una corriente que,

con ese nombre, venía

desarrollándose en las

artes aplicadas por toda

Europa. Encarnada por

diseñadores, artistas y

arquitectos, la tendencia

sostenía que la “edad

moderna” debía tener su

propio estilo: uno que

aprovechase las

tradicionales excelencias

del oficio artesanal sin

despreciar las ventajas de la industrialización.

El Art Nouveau tiene como una de sus

influencias al movimiento inglés de Arts and Crafts.

El término "Art Nouveau" fue

adoptado en Inglaterra y Estados

Unidos; en Alemania se llamó

"Jugendstil" (estilo joven); en Austria

"Secesión"; en Francia "Le Style moderne"; en España "Modernista".

Esta denominación hace referencia a

la intención de crear un arte nuevo,

llevando a cabo una ruptura con los

estilos dominantes en la época, tal

como el historicismo o el eclecticismo.

Se trata de crear una estética nueva,

en la que predominan la inspiración

en la naturaleza y lo femenino. Y así

en arquitectura es frecuente el

empleo del hierro y el cristal. Sin

embargo, es igualmente una reacción

a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

El modernismo no sólo se da en las

artes mayores, sino también en el

diseño de mobiliario y todo tipo de

objetos útiles en la vida cotidiana.

Consecuentemente se dio en

arquitectura, pintura, escultura y en

las artes decorativas (muebles,

herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.)

art nouveau La inspiración en la naturaleza y

el uso profuso de elementos de

origen natural pero con

preferencia en los vegetales y

las formas redondeadas de tipo

orgánico entrelazándose con el motivo central.

El uso de la línea curva y la

asimetría; tanto en las

plantas y alzados de los

edificios como en la decoración.

estilización de los

motivos, siendo menos

frecuente la representación

estrictamente realista de éstos.

uso de imágenes

femeninas, las cuales se

muestran en actitudes

delicadas y gráciles, con

un aprovechamiento

generoso de las ondas en

los cabellos y los pliegues de las vestimentas.

sensualidad.

Se desligo del simbolismo en busca de una auntenticidd de época.

Utiliza técnicas que son propias: la

reproducción mecánica, como

xilografía, cartelismo, la impresión…

se utilizan insectos

como mariposas y

arañas para dar más

dinámica a la forma.

También se usaron

las olas del mar para crear movimiento.

Se usan, de preferencia, el

contraste entre el color negro y los

tonos pastel. Otro de sus usos era

la utilización del amarillo o el azul para acentuar las formas.

El art Nouveau (arte nuevo)

es un movimiento artístico

que surge a fines del siglo

XIX y se proyecta hasta las

primeras décadas del siglo XX

Aubrey Vincent

BeardsleyAlfons MuchaKlint

Art decoEstilo propio de las artesdecorativas desarrollado en elperiodo de entreguerras, entre1920 y 1939 en Europa y América.Alcanzó su máximo esplendor en laExposición Internacional de ArtesDecorativas de París de 1925. Secaracteriza por la profusiónornamental, el lujo de losmateriales y el frecuente recurso amotivos geométricos y vegetales.Como síntesis se puede decir que elArt Déco ante todo buscó ladecoración por encima de lafuncionalidad.El término Art Déco, abarca unamplio abanico de ramas yespecialidades del arte y laartesanía, las cuales se dieron citaen la Exposition Internationale deArts Décoratifs et IndustrielsModernes de 1925 y que,posteriormente se conmemoró conuna retrospectiva celebrada enParís el 16 marzo de 1966, bajo eltítulo "Les Annes 25", en el Musée

des Arts Décoratifs.

E el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.•Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..•Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..•Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.•Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.•Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.•Se utilizan motivos de las culturas prehispanasde las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios. •En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.•Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

Art deco

Sin embargo, predomina el

sello de la geometría y de la

simplicidad, combinados a

menudo con los colores

vibrantes y la dimensión de

una variable simple que

celebran el auge del comercio y de la tecnología

inició a partir de 1920 hasta 1940,

y en algunos países su influencia

se extiende hasta los años 50.

Este movimiento afecta sobre

todo a las artes decorativas y en

particular al diseño, mobiliario,

arquitectura, moda, pintura, grabados, cine

el Art Déco se basa

principalmente en la

geometría imperante

del cubo, la esfera y

la línea recta,

además de los

imprescindibles zigzags

En arquitectura, además de

las formas geométricas, se

recurre a remates

terminados

escalonadamente y con

proas marítimas que

sostienen mástiles que

sirven como astas; arcos y

puertas ochavadas y lujosos

materiales como el mármol,

el granito y el aluminio

consuman el aparato decorativo

Art Decó fue la riqueza

ornamental de las superficies

en el exteríor de los edificios,

repetida en sus instalaciones

en el interíor. Los motivos

con formas precisas

comprendÌan zigzags,

triángulos, rayas, círculos

segmentados y espirales,

mientras entre los motivos

naturalistas se encontraban

flores, árboles, frondas,

fuentes, gacelas, pájaros,

nubes y amaneceres

estilizados. La imaginerÌa

astrológica, junto con

personificaciones idealizadas

de fuerzas naturales y

tecnológicas, era también usua

MLA

http://www.slideshare.net/triplege/historia-del-arte1-1276089http://www.taringa.net/posts/arte/4025697/Historia-del-Arte.htmlhttps://www.youtube.com/results?search_query=historias++del+arte

http://descargaarte.blogspot.mx/2010/03/historia-del-arte-ernst-gombrich.html

https://www.google.com.mx/search?q=gombrich+historia+del+arte&oq=gombri&aqs=chrome.2.69i57j0l5.3402j0j4&sourceid=chrome&es_sm=93&ie=UTF-8#q=tesis+de+historia+del+arte+

https://www.google.com.mx/search?q=gombrich+historia+del+arte&oq=gombri&aqs=chrome.2.69i57j0l5.3402j0j4&sourceid=chrome&es_sm=93&ie=UTF-8#q=tesis%20de%20historia%20del%20arte%20pdf

http://www.difusioncultural.uam.mx/revista/nov2002/demattos.pdf