LOVIN' YOU / MINNIE RIPERTON

"Lovin' You" es una canción de la cantante estadounidense Minnie Riperton, que fue publicada el 13 de Enero del año 1975 y además está incluída en el LP Perfect Angel, que es considerado por los especialistas como el disco mas escencial de la corta pero fructífera carrera musical de esta talentosa cantante dueña de una voz muy especial, donde destacaba su efecto "silbído".

La historia musical de Minnie empieza desde su infancia en su natal Chicago, cuando tras probar suerte en el ballet clásico encuentra su verdadera vocación en el coro de su colegio, donde de inmediato empezó a destacar sobre el resto.

Años después, específicamente en 1961 y con tan sólo 16 años, su sorprendente voz la lleva a firmar su primer contrato como profesional del canto para formar parte de una banda femenina llamada "The Gems", donde obtiene un mediano éxito con algunos singles, pero también deja un legado importante en ese paso por el Pop: Demostró que su potencia vocal llegaba hasta las cinco octavas. Esa característica la hizo merecedora de muchas beunas críticas. Pero sus ganas de llegar a triunfar en la escena musical no paraban, y asi fue como en 1968 llega a ser la voz principal de la banda "The Rotary Connection", que mezclaba el Soul con los efectos psicodélicos, regalando un repertorio muy notable e interesante para la crítica. Al año siguiente, Minnie se casa con el productor de la banda, el señor Richard Rudolph, y ambos deciden emprender, de forma paralela al trabajo de la banda, una carrera en solitario para la cantante, que empezó en 1970 con la edición de su primer LP titulado Come to my garden, el cupal tuvo ua buena recepción y fue el pilar fundamental para lograr algo grande.

Tras hacer una breve pero exitosa promoción al disco par aluego continuar el trabajo con la banda, en 1974 los Riperton y su esposo decidieron ir en busca de influencias musicales a Los Ángeles, en donde conocieron nada más ni nada menos que al gran Stevie Wonder, quien invitó a Minnie a participar como corista en dos piezas de su disco Fulfillingness' First Finale. La cantante puso su voz en las canciones "Creepin'" y "It Ain't No Use", y de paso logró que el músico le "devolviera la mano" aceptando la idea de co-producir su segunda placa que estaba preparando pero que ya en ese entonces tenía título: Perfect angel.

En ese disco que ya estaban preparando, había una balada escrita por Riperton y Richard Rudolph llamada simplemente "Lovin' You", la cuál era usada como canción de cuna para hacer dormir a su pequeña hija llamada Maya (si señores, la que hoy es comediante en el programa Saturday Night Live). De hecho en la parte final de la canción se puede escuchar a Minnie cantar "Ma-ah-aha aha--ah-ya."

Musicalmente esta canción destaca por su simplicidad, que era una de las características mas aplaudidas de todo el repertorio de Minnie Riperton. Y en esta balada su amor de madre,

bajo una hermosa capa musical cubierta por un piano eléctrico y unos suaves acordes de guitarra acústica hacen de la canción una joya de alto impacto.

De hecho, y para mantener la magia con que apareció la canción, a la hora de grabar la canción Minnie decidió llevar a su hija al estudio y cantarle directamente a ella, con el fin de captar todas esas sensaciones, mientras Stevie Wonder apoyaba en la producción y además incluía su voz en los coros. Ese era el secreto de "Lovin 'You".

Pero como siempre, tenía que aparecer un problema. Es que semanas antes de lanzar el disco, Riperton recibió una carta del sello Tamla Motown que le anunciaba que el señor Stevie Wonder no podía aparecer en los créditos, debido a que él participaba activamente en el trabajo de ese sello y eso traería problemas contractuales donde incluso podían llegar a tribunales. Por ello, Wonder decidió usar un apodo en los créditos del disco y del single que saldría pronto. Su nombre ficticio era "Black Bull Productions", que estaba inspirado en el signo zodiacal del cantante (es taurino).

El 5 de Abril de 1975 fue un día muy especial para la cantante, ya que fue la fecha en que “Lovin' You" llegó a la cima del Billboard Hot 100 (donde estuvo por cuatro semanas), siendo la canción que la elevó al éxito absoluto. Semanas después las buenas noticias llegaban desde el reino Unido, donde la dulce balada llegó al segundo casillero del UK Singles Charts. Y así fue apareciendo la canción en varios países y ocupando los primeros puestos en venta, mientras que las radios hacían su tarea de reproducirla en su parrilla programática.

La canción llamó de inmediato la atención de los medios, quienes siempre que entrevistaban a la cantante trataban de sacar pistas sobre los efectos sonoros que rodean a la canción, en especial por ese pájaro que canta alegremente en el fondo durante casi toda la canción. Tantas veces le preguntaban sobre ese detalle, que en una de esas entrevistas Minnie respondió que simplemente esa ave salió por error, ya que solamente figuraba en la versión demo pero que quedó en la cinta original de manera casual, y además recalcó que no usaron ningún "plumífero", sino que fue hecho con su propia voz, ya que además tenía un talento especial para imitar varios sonidos.

En fin, les dejamos una de las canciones mas famosas de los 70's y de la carrera de Riperton, quien lamentablemente un 12 de Julio de 1979 dejó de existir a causa de una fuerte lucha contra un cáncer de mamas, que finalmente la dejó como una de las leyendas del Soul.

STAND BY ME / BEN E. KING

"Stand by Me" es una famosa canción interpretada por el cantante estadounidense Ben E. King y compuesta en conjunto con Jerry Leiber y Mike Stoller. Fue lanzada al mercado en formato single el año 1961.

La canción está adaptada a partir de un tema gospel que data del año 1955 y que fue interpretado por The Staples Singers. Pero esta nueva versión le dio a la canción un sonido más moderno y tirado a la balada de comienzo de los sesentas. Cabe señalar que desde su publicación, esta canción ha sido versionado por numerosos músicos, si bien ninguna de las versiones ha alcanzado la fama de la original. Entre los que han versionado este tema están: John Lennon, Elvis Presley, U2, la banda argentina SUMO y el gran boxeador de todos los tiempos Muhammad Alí que en 1964 sacó un single donde incluía la versión de este clásico.

Durante la composición del tema, Ben E. King no tenía intención de grabarla y solo la trataba como un posible "demo" o canción de relleno de algún disco. Pero al finalizar una sesión de grabación, el productor que estaba a cargo le pidió a King un nuevo tema. Ahí fue donde Ben E. King tocaría "Stand By Me" en el piano. El productor daría el visto bueno al ensayo y llamaría a músicos de sesión para grabar el tema.

Sin que nadie lo pensara, "Stand By Me" entraría en los diez primeros puestos de las listas de Billboard en dos ocasiones: tras su publicación como single en 1961 y en 1986, coincidiendo con la publicación del tema en la película Cuenta conmigo y con el uso del tema para un anuncio de Levi Jeans. En el United World Chart, "Stand By Me" alcanzaría el puesto #8.

"Stand by Me" sería catalogada en el puesto 121 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. BMI nombraría el tema como el cuarto más interpretado durante el siglo XX, con más de siete millones de interpretaciones.

LITTLE GREEN BAG / GEORGE BAKER SELECTION

"Little Green Bag" es una canción escrita en 1969 por Janisser y George Baker (cuyo verdadero nombre es Hans Bouwens), y grabado por la banda George Baker Selection. Con le paso del tiempo se ha convertido en la opera prima de la banda.

La canción alcanzó la posición número 9 en el Top 40 holandés, y la posición número 3 en Bélgica. En el verano de 1970, alcanzó la posición número 16 en el ranking de la revista Cash Box y 21 en el Billboard Top 100 en los EE.UU.

En 1992, cuando la canción fue utilizada en la película Reservoir Dogs (del gran Quentin Tarantino), se convirtió en un clásico de culto internacional. También en 1992, la canción alcanzó la posición número 1 en Japón, después de haber sido utilizada en un comercial de whisky japonés.

La canción cuenta con un intro de bajo muy marcado por el Jazz, y con una pandereta que marca el tiempo como si fueran latidos. Esta línea de bajo le da un toque especial y curioso a la canción. Mientras la voz se denota en un tono suave tiene mucho parecido a la música romántica española.

Pónganse ternos negro, camisa blanca y corbata negra y escuchen este clásico de clásicos!.. Aquí les dejamos la traducción de la letra... por motivos "x" no encontramos un video subtitulado...

BOLSITA VERDE

Buscando una bolsita verde.Encontrar la especie o estoy perdiendo la cabeza.

Miro la noche sin mirar el día.Buscando para hacerlo a mi manera.

Miro la noche sin mirar el día.Buscando para hacerlo a mi manera.

Buscando.Buscando felicidad.

Pero solo encuentro soledad.Brinco a la izquierda, regresa a la derecha.Mirando las escaleras, mirando detrás, ¡sí!

Buscando felicidad.Pero solo encuentro soledad.

Brinco a la izquierda, regresa a la derecha.Mirando las escaleras, mirando detrás.

Buscando una bolsita verde.Encontrar la especie o estoy perdiendo la cabeza.

Miro la noche sin mirar el día.Buscando para hacerlo a mi manera.

Buscando una bolsita verde.Encontrar la especie o estoy perdiendo la cabeza.

Muy bien.Buscando felicidad.

Pero solo encuentro soledad.Brinco a la izquierda, regresa a la derecha.

Mirando las escaleras, mirando detrás.

DON'T WORRY, BE HAPPY / BOBBY McFERRIN

"Don't Worry Be Happy" es el título y la letra principal de una canción humorística del compositor de jazz, Bobby McFerrin, la primera canción a capella (todos los sonidos son

hechos por voces) en llegar al número uno en la lista de los "Billboard Hot 100" en los Estados Unidos, manteniendo esa posición por dos semanas en septiembre de 1988.

El título de la canción es tomado de una famosa frase del profesor espiritual indio Meher Babam, quien mencionaba "dont worry, be happy" al regar sus flores e incluso cuando tuvo un accidente en 1958 este le dijo a sus flores "no se preocupen, sean felices, todo estará bien. Fielmente sigan con las instrucciones que les he dado".

En 1988, Bobby McFerrin notó un afiche con esta frase en el apartamento de la bandaTuck & Patti de San Francisco. Inspirado por el encanto y la simplicidad de la frase McFerrin escribió la ahora famosa canción "Don't worry, Be Happy". La canción salió en el disco del mismo nombre en 1988 y se convirtió rápidamente en una de las mejores canciones de ese año y un clásico de clásicos para levantar el ánimo o para sonreír un buen rato.

Un malentendido general dice que la canción fue escrita por Bob Marley, aunque él murió casi una década antes del lanzamiento de esta canción y otra farsa era aquel mito urbano acerca de que el 'compositor' se suicidó después de escribirla; el rumor de que McFerrin lo haya hecho fue desmentido. Si ven el video tranquilamente se podrán dar cuenta que aparecen dos actores de talla mundial como Robin Williams y Bill Irwin.

CHIQUITITA / ABBA

Chiquitita es una canción interpretada por el famoso grupo sueco ABBA. Tiene el record de ser el sencillo (single) más vendido en la historia de América Latina y en 1979 fue donada a la UNICEF donde llego a vender más de un millón de dólares en el disco "Música para la UNICEF".

La historia dice que fue escrita por la dupla Benny y Björn, y la fecha de grabación fue el 14 de diciembre de 1978. Primero fue llamada "Kålsupare", luego "Three Wise Guys", más tarde "In The Arms Of Rosalita" y "Chiquitita Angelina".

La canción habla simplemente de alguien que trata de consolar a una joven que por alguna razón esta muy triste. Esta pieza musical tuvo gran aceptación por el público hispano, por lo que prácticamente ha alcanzado el estatus de canción popular. Dicho éxito les llevó a grabar versiones en español de algunas de sus canciones y consecuentemente un disco. Este tema viene incluido en el álbum Voulez-Vous como el tema número 8.

A los pocos días de su lanzamiento, la canción llegó a ser número 1 en Suiza, Bélgica, Finlandia, España, Irlanda, Holanda, Sudáfrica, Nueva Zelanda, México y Zimbabwe. Alcanzó el Top 10 en muchos otros países, convirtiéndose en uno de los éxitos más grandes de ABBA.

Al ver el éxito de "Chiquitita" en países de habla hispana, ABBA decidió grabar una versión en español. Más tarde la canción fue traducida por Buddy y Mary McCluskey, fue grabada el 8 de marzo de 1979 y se lanzó en muchos países de Latinoamérica, así como en Francia, Australia y Sudáfrica.

Rápidamente la versión en español de la canción alcanzó el número 1 en México, Argentina y Costa Rica; mientras alcanzó el No. 5 en España, donde el álbum logró disco de oro. Este éxito fue lo que les alentó a grabar un disco totalmente en español titulado: Gracias por la Música.

La canción se convirtió en la favorita de muchas personas de todas las edades y en un potente éxito que confirmo mas la fama de este gran grupo sueco.

CARELESS WHISPER / WHAM!

"Careless Whisper" es una exitosa canción de George Michael, sacada en el álbum Make It Big en 1984 junto a su grupo Wham! (mas bien era un dúo junto a Andrew Ridgeley). Fue lanzado por Epic Records en el Reino Unido, Japón y otros países, y por Columbia Records en toda América del Norte.

Cuenta con un distintivo riff saxofón, y ha sido registrado por una serie de artistas, desde su lanzamiento. Logró vender casi seis millones de copias en todo el mundo.

La canción fue publicada por George Michael en un afamado rol solista, mientras él formaba parte del grupo pop Wham!, aunque por afán comercial se le acredita aun como parte del grupo, de hecho en Estados Unidos la caratula del single decía Wham! & George Michael. Además la canción fue co-escrita por Andrew Ridgeley, el otro miembro del dúo británico.

Los dos habían escrito esta canción tres años antes, cuando Michael estaba trabajando en un cine en Watford, Inglaterra.En Junio de 2006 en una entrevista en Londres hecha por una radio a Michael dice que él escribió lo que tenia "en la cabeza" durante el trabajo y que él recuerda que hizo el riff de saxofón mientras abordaba el autobús número 32 camino a su casa. Originalmente en el riff había palabras, pero esto no le gusto a George Michael argumentando que tenían una lirica pobre.

La canción pasó por varias etapas en la producción. La primera fue durante un viaje realizado por Michael a Alabama, en la que llegó a trabajar con el legendario productor Jerry Wexler (trabajó junto con The Yardbirds, con Aretha Franklin entre otros) en el mítico Muscle Shoals Studio.Michael no estaba satisfecho con la versión que había producido para la canción y decidió volver a grabar y producirla él mismo. La versión producida por Wexler fue lanzada como un lado B llamada "Versión especial" publicado solo en Inglaterra.

El estilo de una balada soulful y un notable solo de saxo (interpretado por Steve Gregory), el single se publicó en agosto de 1984, llegando rápidamente al puesto 12 en el Reino Unido. Dentro de dos semanas, ya estaba en el número uno.

NO WOMAN NO CRY / BOB MARLEY & THE WAILERS

"No Woman, No Cry" es un famoso reggae de Bob Marley & The Wailers. La canción se convirtió en éxito mundial en 1975, cuando salió en el álbum de estudio "Natty Dread", que fue el primer disco de este músico de Jamaica.

Aunque Bob Marley escribió la canción, este le dio los créditos de letra y música "V. Ford" (Vicent Ford) que era amigo suyo. Ford tenía un comedor popular en Trechtown, que era el ghetto de Kingston, donde creció Marley. Con el dinero que recibía por derecho de autor de la canción, Ford garantizó la supervivencia y el continuo funcionamiento de su comedor popular donde muchos niños pobres de esa zona podían recibir alimento.

La canción relata un nostálgico recuerdo de los niños que crecen en las empobrecidas calles de Trenchtown, la felicidad y las aventuras hechas por la compañía de los amigos.

Varios grupos musicales, como Boney M (cantada por Liz Mitchell), The Fugees, Pearl Jam, Jimmy Buffett y Rancid, has hecho versiones de esta emotiva canción reggae.

"No Woman, No Cry" obtuvo el lugar 37 en la edición de la revista Rolling Stone's 500 Greatest Songs of All Time.

I WILL SURVIVE / GLORIA GAYNOR

"I Will Survive" es la primera canción interpretada por Gloria Gaynor, el single fue publicado en octubre de 1978. Fue escrita por Freddie Perren y Dino Fekaris.

La letra de la canción describe a un narrador que encuentra fuerza personal mientras se recuperan de una ruptura personal. A menudo ha sido utilizada como un himno feminista, también como un himno gay, y ha sido utilizada en la campaña de ayuda a los que padecen el virus VIH / SIDA.

Es una de las canciones más famosas de todos los tiempos, y el mayor éxito de  Gaynor. En 1979 alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100, también llegó al número uno en el Reino Unido.

La canción fue originalmente publicada en el lado B, primero estaba la canción llamada "Substitute", debido a que el sello discográfico creía que esa pista tenía más posibilidades de éxito en el público. Pero todo fue un error, porque las radios empezaron a hacer sonar esa canción con aires a música disco, interpretada desde el alma y que sin lugar a dudad se convirtió en un clásico a nivel mundial.

Obtuvo el puesto # 489 en la revista Rolling Stone en su lista de "Los 500 Greatest Songs of All Time".

STAIRWAY TO HEAVEN / LED ZEPPELIN

Cuando se pregunta que canción puede ser mundialmente conocida de la banda inglesa Led Zeppelin, podemos rescatar muchas pero siempre caemos en su clásico Escalera al cielo, quizás por su mística oscuridad en la letra, por las historias que se inventan sobre que tiene un significado diabólico al escucharla al revés o si es un canto a las drogas.

Esta canción se comenzó a componer durante las sesiones de grabación de Led Zeppelin III, en Bron-Yr-Aur en Gales, pero fue terminada en Headley Grange, Hampshire, y finalmente grabada en Island Studios, Londres, en diciembre de 1970.

En la famosa revista Guitar World, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia.

El comienzo de Stairway to Heaven está tomado del tema instrumental "Taurus" de 1968 del grupo Spirit, con quien Led Zeppelin hizo una gira aquel año. Sin embargo, parece que esto nunca molesto a los integrantes de esa banda.

Antes de publicarse "Led Zeppelin IV", la banda interpretó Stairway to Heaven en publico por primera vez en un concierto en el Ulster Hall de Belfast el 5 de marzo de 1971. Cuando terminaron de interpretarla, el público se quedó en silencio, y se dice que ante esta situación Robert Plant comentó a los demás integrantes del grupo: Creo que vamos a eliminar esta canción del disco. De ahí en adelante, en cada concierto, Stairway to heaven ocupaba un lugar privilegiado dentro del show, donde los solos de guitarra de Page, en la parte mas roquera y dura, cada vez se volvían mas sorprendentes.

Con respecto a la letra, podemos percatar lo sugerente y vaga que es, con referencias evocadoras. La escribió el vocalista del grupo Robert Plant mirando el atardecer al lado de una chimenea. Una influencia fundamental parece que fue el libro Magic Arts in Celtic Britain de Lewis Spence, que Plant había leído en aquella época y que contenía referencias a reinas de mayo, gaiteros, y círculos bulliciosos en bosques de fantasía.

Como un dato curioso y para meditar, varios aficionados de Led Zeppelin han afirmado que se puede oír un mensaje particular escuchando "Stairway to Heaven" en sentido revertido. Si una porción de la canción es tocada hacia atrás, supuestamente se oyen palabras que comienzan con "Oh acá está a mi dulce Satán". Hay gente que ha interpretado las diferentes letras de esa supuesta enmascarada porción que corresponde a las líneas cuando entra la batería que comienzan con "If there's a bustle in your hedgerow...".

Led Zeppelin ha despreciado siempre tales afirmaciones, y solamente su compañía discográfica Swan Song Records manifestó públicamente: "Nuestros vinilos sólo giran para adelante".Unos piensan que es una coincidencia y otros le atribuyen todo tipo de significados ocultos.

THE HOUSE OF THE RISING SUN / THE ANIMALS

"The House of the Rising Sun" es una canción de folk muy popular de los Estados Unidos. También ha sido llamada "Rising Sun Blues", narra la vida de alguien que ha tenido poca fortuna en Nueva Orleans (estado de Luisiana). No se conoce exactamente a su autor ni la fecha de su creación, pero podría rastrearse su origen incluso en el siglo XIX. Dependiendo de la versión, la canción puede ser interpretada desde la perspectiva de una mujer o de un hombre. Las dos versiones más conocidas son la del grupo británico The Animals de 1964, que alcanzó el n.º 1 en Estados Unidos y en el Reino Unido; y la versión de la cantante estadounidense Joan Báez en 1959.

En este caso hablaremos sobre la versión de la banda The Animals, que debe ser la versión más popular en el género del rock sobre esta pieza musical.

La versión de "The House of the Rising Sun" hecha por The Animals sonaba totalmente nueva y eso hizo que la gente empezara a llamarle la atención. Dave Marsh la describe como el "primer hit de folk rock". Mientras que el escritor Ralph McLean de la BBC esta de acuerdo en ese planteamiento, diciendo que "es sin duda la primera canción folk rock", calificándola de "un single revolucionario", y agregando que "la cara de la música moderna se ha cambiado para siempre."

En algunas versiones, el tema es cantado desde la perspectiva de una mujer que sigue a un apostador a Nueva Orleans y que termina prostituyéndose en la casa del sol naciente y que en fragmentos de la canción aconseja decirle no seguirle los pasos (Not to do what I have done); The Animals la canta desde la perspectiva de un hombre, jugador y borracho, que cuenta como esta casa es la perdición de varios, y como ha perdido su vida inmerso en pecado y miseria.

The Animals comenzó a interpretarla durante una gira de conciertos con el gran (el creador de Chuck BerryRoll Over Beethoven), utilizándola como cierre para diferenciarse con las otras actuaciones que finalizaban con canciones rockeras y ser mas sorprendentes en vivo. Se obtuvo una tremenda reacción por parte de la audiencia, inicialmente reacios. Por ello, el productor Mickie Most vio en esta versión un éxito en potencia.

La canción se grabó en una sola toma el 18 de mayo de 1964, partiendo con el famoso arpegio en La menor del guitarrista Hilton Valentine, que ha sido inspiración para varios guitarristas.

La destacada y particular performance vocal de Eric Burdon ha sido definida como "aulladora","conmovedora", y "profunda y gravosa como el carbón del noreste inglés en la ciudad de Newcastle, lugar de donde él proviene".Finalmente el palpitante órgano de Alan Price completa el sonido de la canción. Burdon más tarde dijo: "Estábamos buscando una canción que captara la atención de la gente", y tuvieron éxito: "House of the rising sun" fue un verdadero éxito transatlántico, llegando a ser nº1 en el Reino Unido (en julio de 1964) y en Estados Unidos (en septiembre, cuando fue el primer nº1 de la invasión británica que no era de The Beatles ).

Para hacer más grande su fama la canción quedó ubicada en el puesto 122 de la Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

LA CASA DEL SOL NACIENTE

Hay una casa en Nueva Orleans,que la llaman "El Sol Naciente".Y ha sido la ruina de muchos chicos.Y Dios sabe que yo soy uno de ellos.

Mi madre era costurera,y fue ella quien arregló mis tejanos.Mi padre era jugador de apuestas,allá en Nueva Orleans.

Ahora, lo único que un jugador necesita,es una maleta y un maletero para ella.Y únicamente se siente satisfechocuando está borracho.

Oh, madre, dile a tus hijosque no sigan los pasos que yo seguí,malgastando sus vidas en pecados y miseria,en la casa del sol naciente.

Bueno, tengo un pie en el andén,y el otro en el tren.

Voy de vuelta a Nueva Orleans,a cargar con esa bola y esa cadena.

Hay una casa en Nueva Orleans,que la llaman "El Sol Naciente".Y ha sido la ruina de muchos chicos.Y Dios sabe que yo soy uno de ellos.

LAST TRAIN TO LONDON / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA

Last train to London es una canción compuesta por Jeff Lyne para su banda Electric Light Ochestra (que muchos llaman en forma abreviada ELO).

Originalmente esta incluida en la 5ª posición del disco "Discovery", editado en 1979 por el sello Jet Records. Este disco es uno de los mas famosos que sacó la banda y esta canción fue numero uno en las carteleras musicales del Reino Unido.

En el video musical de esta canción se puede apreciar el sonido tan particular que distingue a esta canción de otras, que la hace muy popular aunque hayan pasado tantos años desde su creación.

Con un sonido "onda disco", esta banda que aparte de guitarras, bajo y batería, contenía violines, cellos y coros polifónicos, hizo este clásico que hasta el día de hoy le hacen "remixes" algunos Dj en fiestas a nivel mundial sin pasar de moda.

La letra en español:

ULTIMO TREN A LONDRES

Eran las 9:29Las 9:29 en la calle de atrás de la gran ciudadEl sol estaba bajandoHabía música en todo alrededorSe sentía tan bien

Era una de esas nochesUna de esas noches cuando sientes que el mundo deja de girarTú estabas parada ahíHabía música en el aireYo debería haber estado lejosPero sabía que tendría que quedarme

Último tren a LondresDirigiéndose ya afueraÚltimo tren a LondresDejando ya el puebloPero realmente yo quiero que esta noche dure por siempreRealmente quiero estar contigoDejemos que la música suene esta noche

Era una de esas nochesUna de esas noches cuando sientes que el fuego está ardiendoTodos estaban ahíTodos para compartirSe estaba tan bien

Allí estabas tu solaParecías ser la única por alrededorTenía que estar contigoYo nada mas podía hacerYo debería haber estado lejosPero sabía que tendría que quedarme

Último tren a LondresDirigiéndose ya afueraÚltimo tren a LondresDejando ya el puebloPero realmente yo quiero que esta noche dure por siempreRealmente quiero estar contigoDejemos que la música suene esta noche

Debajo de un cielo estrelladoEl tiempo aún estaba pero las horas realmente habían voladoYo no me di cuentaPero el amor estaba en tus ojosYo realmente debería haberme idoPero el amor continuó sin parar

Último tren a LondresDirigiéndose ya afueraÚltimo tren a LondresDejando ya el pueblo

Pero realmente yo quiero que esta noche dure por siempreRealmente quiero estar contigoDejemos que la música suene esta noche

Pero realmente yo quiero que esta noche dure por siempreRealmente quiero estar contigoDejemos que la música suene esta noche.

HAPPY XMAS (WAR IS OVER) / JOHN LENNON

"Happy Xmas (War Is Over)" es una canción del músico británico John Lennon grabada en los Record Plant Studios de Nueva York a finales de octubre de 1971 y publicada como sencillo.

La grabación cuenta con la asistencia en la producción de Phil Spector e incluye un coro de niños procedente del Harlem Community Choir, acreditados en el tema.

Si bien el tema figura como una canción protesta contra la Guerra de Vietnam, se convirtió pronto en un himno navideño, apareciendo en numerosos álbumes recopilatorios de canciones navideñas y spots publicitario.

La melodía de la canción ha sido comparada en ciertas ocasiones con clásicos del folk como "Skewball" o Stewball".

La letra se basa en una campaña de publicidad llevada a cabo a finales de 1969 por John y su mujer, Yoko Ono, quienes alquilaron vallas publicitarias y espacios en revistas para incluir el lema "War Is Over (If You Want It)", que puede traducirse al español como "La guerra ha terminado (si tú quieres)".

Las ciudades donde se desarrolló la campaña fueron Nueva York, Tokio, Roma, Atenas y Londres. Durante este tiempo, la opinión pública de Estados Unidos se había posicionado de forma unánime en contra de la Guerra de Vietnam.

La canción cuenta en voces con John Lennon, Yoko Ono y the Harlem Community Choir, Hugh McCracken, Stuar Sharf y Chris Osborn en guitarras, Nicky Hopkins en teclados y Jim Keltner en batería. Se desconoce quien fue el que tocó el bajo, aunque se dice que fue alguno de los guitarristas o el propio Lennon.

La grabación comienza con un leve susurro en el que John y Yoko felicitan las navidades a sus hijos, Julian y Kyoko.

Se dice que de forma errónea, la letra incluida en la colección de 1982 The John Lennon Collection atribuye el comienzo a un intercambio de felicitaciones entre John y Yoko. Sin embargo esa versión es la más escuchada.

El sencillo fue publicado el 6 de diciembre de 1971 en Estados Unidos; por su parte, en el Reino Unido sería retrasada su edición hasta noviembre del año siguiente. Tras la muerte de Lennon el 8 de diciembre de 1980, la canción sería reeditada como sencillo en el Reino Unido.

En 2003, "Happy Xmas (War Is Over)" sería reeditado como sencillo en formato CD con "Imagine" e "Instant Karma!" como promoción del DVD Lennon Legend: The Very Best of John Lennon.

HOW CAN YOU MEND A BROKEN HEART? / THE BEE GEES

"How Can You Mend a Broken Heart?" es una canción de The Bee Gees lanzada en 1971. La canción fue escrita por Barry y Robin Gibb en agosto de 1970, cuando los hermanos Gibb habían vuelto a reunirse luego de un período en el cual se había separado.

Ellos declararon, tiempo después, que originalmente habían ofrecido la canción a Andy Williams, pero a última hora los Bee Gees la grabaron con sus voces y la incluyeron en el álbum de 1971, Trafalgar.

La canción fue grabada un 28 de enero de 1971 en Londres. Donde la parte instrumental estuvo a cargo de: Barry Gibb (guitarra), Maurice Gibb (guitarra, piano, bajo), posiblemente Alan Kendall (guitarra), y Geoff Bridgeford (Batería), con cuerdas y viento-maderas controlados y conducidos por Bill Shepherd.

Mientras que los cantantes son Robin (solo en el verso de apertura, Barry (solo en el coro y el segundo verso), y Maurice (se le une a Barry y Robin en la armonía de los coros).

Fue lanzado como sencillo en mayo de 1971 después del álbum. El lado B del sencillo fue una canción que no fue lanzada en álbumes, "Country Woman".

Existe una versión alternativa de este tema romántico, la cual apareció en el Reino Unido, cuando fue entregada la primera edición del álbum compilatorio Bee Gees: Their Greatest Hits - The Record.

Esta nueva versión para los fanáticos tiene las voces distintas, el piano y el bajo. Es muy notorio que Barry, y no Robin, aparece cantando el primer verso, y que Barry no aparece después de cada coro. Éste fue un error en la grabación de los CDs, más ambos temas tienen excelente calidad. Las diferencias entre las versiones ilustran cómo los Bee Gees construyeron la canción parte por parte.

Ésta segunda versión, insatisfactoria en voz, piano y bajo sería rehecha para dar paso a la versión lanzada tanto en los singles como en el álbum.

Les dejamos la letra en español:COMO PUEDES REPARAR UN CORAZÓN ROTO?

Puedo pensar en aquellos días jóvenes, vividos por mi vidaEra todo que un hombre hubiera querido hacer.Yo nunca pude haber visto el mañana, pero jamás hable acerca de la penaCORO:Y Como puedes tú reparar un corazón roto?Como puedes tu hacer que la lluvia pare de caer?Como puedes tu hacer que el sol pare de brillar?Que hace que el mundo ruede?Como puedes tu reparar a este hombre roto?Como puede un perdedor jamás ganar?Por favor ayúdame a reparar mí corazón roto y déjame vivir otra vez.(Tarararararata...)Puedo aun sentir la brisa que susurra por los árbolesY las memorias brumosas de los días idosNosotros nunca pudimos haber visto el mañana, nadie dijo una palabra acerca de la penaCORO:Y Como puedes tu reparar un corazón roto?Como puedes tu hacer que la lluvia pare de caer?Como puedes tu hacer que el sol pare de brillar?Que hace que el mundo ruede?Y Como puedes tú reparar a este hombre roto?Como puede un perdedor jamás ganar?Por favor ayúdame a reparar mí corazón roto y déjame vivir otra vez.(tarararararata...)Por favor ayúdame a reparar mí corazón roto y déjame vivir otra vez.(tarararararata...)HE AIN'T HEAVY, HE'S MY BROTHER / THE HOLLIES

He Ain't Heavy, He's My Brother es una gran balada popular, la versión más conocida fue grabada por The Hollies en 1969. Sin lugar a dudas, uno de los más grandes éxitos del grupo y que se convirtió en una de las canciones más perdurables de la época. También se ha convertido en un himno para el amor fraternal.

En el Reino Unido que fue lanzada el 1 de septiembre de 1969. Mientras que en EE.UU. fue lanzado fue de 3 meses más tarde (1 de diciembre de 1969). Fue tanto el éxito que la canción alcanzo el puesto #3 en el Reino Unido y el # 7 en los Estados Unidos.

The Hollies registraron esta emocionante balada, con el piano del talentoso Elton John, y con el cantante Allan Clarke que le dio un toque muy sentimental a la letra. La canción había sido descubierta por el guitarrista Tony Hicks en un demo no editado.

La primera grabación de esta canción fue hecha por Neil Diamond, en el album "Taproot Manuscrito", pero como esta grabación fue lanzada después de la versión de The Hollies en

1969, por lo tanto seria Diamond el primero en grabarla, pero serian la banda inglesa los que la llevaron a la fama mundial.

Otras versiones fueron interpretadas años después por Olivia Newton-John, The Osmonds,Cher, The Housemartins ,Barry Manilow entre otros.

La letra en español:

NO ES UNA CARGA, ES MI HERMANOEl camino es largoCon un buen número de vuelta sinuosaEso nos dirige hacia quién sabe dondeQuien sabe cuándoPero soy fuerteFuertemente lo suficiente como para llevarloÉl no es una carga, él es mi hermanoy seguimosSu bienestar es de mi preocupaciónNinguna carga es él para soportarLograremos llegarPues séÉl no me estorbaríaÉl no es una carga, él es mi hermanoSi estoy cargado del todoEstoy cargado con el ánimo tristeEse el ánimo de todosNo se llena de la felicidadDe amor de unos a otrosEs un largo largo, caminodel cual no hay regresoMientras estamos en camino hacia alláporque no compartirY la cargaNo me agobia del todoÉl no es una carga, él es mi hermanoÉl es mi hermanoÉl no es una carga, él es mi hermano...

LAST KISS / PEARL JAM

Last Kiss es una canción compuesta por el georgiano Wayne Cochran en el año 1962. No tuvo mucha repercusión hasta que en junio de 1964 la banda estadounidense J. Frank Wilson and the Cavaliers hizo una versión, llevándola al puesto 2 en el top 40 pop chart americano.

Pero fue en 1999, luego de 33 años, cuando "Last Kiss" volvió a las radios de la mano de la banda de rock Pearl Jam, llegando a ser su mayor hit mundial hasta la fecha.

El tema originalmente fue lanzado simplemente como un single de navidad para el club de fans de la banda.

Pero la canción fue sonando en las radios de Estados Unidos, razón por la cual, la banda se vio obligada a lanzar un single para el público en general sobre este "cover" sesentero. Finalmente el single fue lanzado a la venta el 8 de junio de 1999, con lo cual se logró recaudar cerca de 10.000.000 de dólares, dinero que fue donado a los refugiados de a guerra de Kosovo.

La temática de la letra de la canción es sobre la historia de una pareja de adolescentes que sale a pasear en auto. En el camino tienen un accidente. Uno de ellos, una muchacha, muere. El sobreviviente, un muchacho, describe a lo largo de la canción los últimos instantes con su amada y de como debe portarse bien para que Dios lo lleve al cielo a rencontrarse con ella.

La canción se llama Last Kiss porque con sus últimas fuerzas, antes de morir, ella le puede dar un último beso de despedida. Como pueden ver una canción muy romántica.

Cochran escribió la canción inspirado en un accidente automovilístico en el que varios jóvenes de Barnesville, una localidad de Georgia murieron y dos fueron heridos gravemente cuando su coche golpeó un camión la semana previa de la navidad de 1962.

WIND OF CHANGE / SCORPIONS

"Wind of Change" es una "power ballad" escrita en 1990 por Klaus Meine, vocalista de la banda de rock Scorpions oriunda de Alemania.

Dado su gran éxito del tema la banda también registró una versión en ruso de la canción, con el título Ветер Перемен y una versión en español llamada Vientos de Cambio.

La letra esta inspirada por los cambios políticos en Europa del Este que ocurrían a finales de los noventas - como la caída del muro de Berlín, el incremento de la libertad en el bloque comunista (que pronto llevó a la caída de la URSS), y claramente el inminente fin de la Guerra fría.

En la letra salen mencionados lugares de la ciudad de Moscú, pues en ese suelo Scorpions escribió esta canción. Por ejemplo Moskva que es el nombre del río que corre a través de la capital rusa, y Gorky Park que es un parque de diversiones.

Wind of Changes ha sido usaba como un himno a la paz y a la libertad, fue participe de un cambio en el mundo a partir del fin de la guerra fría, inmortalizando un momento donde una canción puede ser el mejor arma para combatir la ignorancia de las guerras.

VIENTOS DE CAMBIO

Sigo al MoskvaAbajo hacia el Parque GorkyEscuchando al viento de cambioUna noche de verano de agostoSoldados que pasanEscuchando al viento de cambio

El mundo se está cerrandoHas pensado alguna vezQue podríamos estar muy juntos, como hermanosEl futuro está en el airePuedo sentirlo por todas partesSoplando con el viento de cambio

Llévame a la magia del momentoEn una noche de gloriaDonde los niños del mañana sueñanCon el viento de cambio

Caminando calle abajoRecuerdos distantesEstán enterrados para siempre en el pasado

Yo sigo al MoskvaAbajo hacia el Parque GorkyEscuchando al viento de cambio

Llévame a la magia del momentoEn una noche de gloriaDonde los niños del mañana comparten sus sueñosCon tú y yo

Llévame a la magia del momentoEn una noche de gloriaDonde los niños del mañana sueñan

Con el viento de cambio

El viento cambio sopla directamenteEn la cara de tiempoComo una tormenta de viento que circundaLa campana de libertad para la paz de espírituPermite cantar a tu balalaikaLo que mi guitarra quiere decir

Llévame a la magia del momentoEn una noche de gloriaDonde los niños del mañana comparten sus sueñosCon tú y yo

Llévame a la magia del momentoEn una noche de gloriaDonde los niños del mañana sueñanCon el viento de cambio.

IF YOU LEAVE ME NOW / CHICAGO

"If You Leave Me Now" es una famosa balada del grupo de rock Chicago y forma parte de su álbum Chicago X. Fue escrita y cantada por el bajista Peter Cetera y el single fue lanzado en julio de 1976.

El single lideró los ránquines de EE.UU. el 23 de octubre de 1976 y permaneció allí durante dos semanas, por lo que se convirtió en el primer éxito de la banda que llega al número uno.

También llegó al número uno en el Reino Unido, manteniendose en esa posición durante casi tres semanas.

Esta hermosa balada fue muy popular en las radios y en las fiestas de aquella época. Por su ritmo delicado y lento, una letra romántica que le pide a su amada que por favor no se marche era el hecho más característico que esta canción seria un hit que hasta en estos días podemos escuchar en alguna emisora.

En 1997, Peter Cetera la volvió a grabar para su disco solista You're the Inspiration: A Collection. También, Brotherhood of Man en el año 1980 la interpretó para su álbum Sing 20 Number One Hits. Lo mismo hizo en 1981 Elkie Brooks en su disco Pearls.

WE'RE NOT GONNA TAKE IT / TWISTED SISTERS

"We're Not Gonna Take It" es una famosa canción de la banda norteamericana de glam metal/heavy metal Twisted Sister y aparece en su album Stay Hungry de 1984.

Un 27 de abril de 1984 sale a la venta el single con este tema y como lado B el tema "You Can't Stop Rock & Roll" y se volvió en un clásico para la banda.

La canción fue escrita por el vocalista Dee Snider. Cabe señalar las influencias que tiene la canción, el autor cita la banda de glam rock Slade, la banda punk Sex Pistols, y el villancico "O Come, All Ye Faithful".

El single alcanzó el puesto # 21 en el Billboard Hot 100 singles chart, además años después esta canción se clasificó # 47 en el conteo del canal VH1 sobre las 100 mejores canciones de los 80's.

La canción se caracteriza por su famoso videoclip que fue dirigido por Marty Callner, donde se pone énfasis en las payasadas tipo comedia, donde un papá declara su desagrado por la banda.

La controversia surgió cuando la representación de la familia en el vídeo provocó un clamor popular y dejó bien marcado el mensaje que quería demostrar la banda. Incluso esto condujo a la formación del Parents Music Resource Center.

El actor que hace del padre en el video es Mark Metcalf. El actor Jeremy Sisto, fue quien hizo del adolescente quien luego pasó a actuar en la serie de televisión Six Feet Under.

Muchas bandas han interpretado este clásico del rock de los ochentas. Por ejemplo la banda de ska/punk Less Than Jake en 1997 la publicó en su disco Where's The Beef.

También los norteamericanos de The Huntingtons la cantaron en1998 para su album All the Stuff (And More)-Vol 1. La famosa cantante Joan Jett hizo lo mismo en el año 2001 para un disco tributo a los Twisted Forever llamado A Tribute To The Legendary Twisted Sister.

También se han grabado versiones en español como es el caso de la banda chilena Los Mox! quienes la tocaron bajo el titulo "No lo Aceptaremos" para su disco Con Cover. En México, la banda Moderatto la interpretó para una campaña contra la corrupción en dicho país.

Este hard rock con coro pegajoso ha logrado pegar hasta el día de hoy en las radios de todo el mundo y se ha convertido en un clásico de los ochentas y del rock.

La letra en español:NO LO VAMOS A AGUANTAR

Oh No, no lo vamos a aguantar,

no, de ninguna manera lo aguantaremos,no lo vamos a aguantar... nunca mas!!

Tenemos el derecho de elegir,de ninguna manera lo vamos a perder,esta es nuestra vida, nuestra canción.

Pelearemos por el poder de la justicia,no elijas nuestro destino porqueno nos conoces ni te pertenecemos.

Oh No, no lo vamos a aguantar,no, de ninguna manera lo aguantaremosno lo vamos a aguantar... nunca mas!!

Oh, eres tan condescendiente,tus calenturas son interminables,no queremos nada, absolutamente nada de ti.

Tu vida es banal y agotadora,aburrida y opresora,si esto es lo mejor que hacés, mejor no lo hagas.

Tenemos razónsomos librespelearemosya verás

Oh No, no lo vamos a aguantar,no, de ninguna manera lo aguantaremos,no lo vamos a aguantar... nunca mas!!

Simplemente trata y gánanos,no lo vamos a aguantar,Dale!!

No, no lo vamos a aguantareres un inútil y débilno lo vamos a aguantar nunca más.

Ahora dale y tirame unos veinte...

no lo vamos a aguantar más,maldito pin.

No, no lo vamos a aguantar másni a vos ni a tu uniformeno, no lo aguantaremos más.

ALL I HAVE TO DO IS DREAM / THE EVERLY BROTHERS

"All I Have to Do Is Dream" es una popular canción interpretada por The Everly Brothers, escrita por el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant en 1958.

Esta canción ocupó el lugar #141 en el ranking de la revista Rolling Stone en su especial The 500 Greatest Songs of All Time.

All Ive Got To Do Is Dream es una de las balada dulce y nostalgica, donde la voz de los cantantes es casi como un murmullo. Muchos la catalogan como delicada, poética, sublime, que parece hecha de un sueño.

No hay dudas que la versión más conocida es la que fue grabada por The Everly Brothers y apareció en su disco Everly Brother Best en 1959.

La primera versión fue grabada en tan sólo dos tomas el 6 de marzo de 1958. La canción también ha sido reconocida como una de las mejores canciones o singles de todos los tiempos.

Esta canción tiene el record de estar en el puesto # 1 del Billboard dos veces en solo un año, primero el 19 de mayo de 1958 y luego el 2 de junio de 1958 cuando nuevamente empieza a sonar en las radios. Para mas elogios, ese año la canción terminó en el puesto #2.

Como dato curioso: El lado B del single tenia el tema "Claudette", fue el primer gran éxito que escribió Roy Orbison, y estaba dedicado a su esposa. Dado el exito del single, Orbinson es contratado por la disquera de los Everly Brothers y asi pudo tambien llegar a la fama.

En 1963, el cantante Richard Chamberlain cantó este tema para su disco Richard Chamberlain Sings. En Francia, la cantante Sheila cantó una versión del tema en 1963 llamada "Pendant les vacances".

Barry Manilow (ese que canta Copacabana) hizo el "cover" de este tema en 2006 para su album The Greatest Songs of the Fifties.

TODO LO QUE TENGO QUE HACER ES SOÑAR

Soñar, soñar, soñar, soñar.Soñar, soñar, soñar, soñar.

Cuando quiero tenerte en mis brazosCuando te quiero y deseo tus encantosSiempre que quiero tenerte, todo lo que tengo que hacer esSoñar, soñar, soñar, soñar.

Cuando me siento triste en la nocheY necesito que me abraces fuerteSiempre que quiero tenerte, todo lo que tengo que hacer esSoñar.

Puedo hacerte mía, probar tus labios con sabor a vinoCuando sea, noche y díaEl único problema es, que se me va la vida soñandoTe necesito tanto que podría morirTe amo tanto y es por eso queSiempre que quiero tenerte, todo lo que tengo que hacer esSoñar, soñar, soñar, soñar.Soñar.

Puedo hacerte mía, probar tus labios con sabor a vinoCuando sea, noche y díaEl único problema es, que se me va la vida soñandoTe necesito tanto que podría morirTe amo tanto y es por eso queSiempre que quiero tenerte, todo lo que tengo que hacer esSoñar, soñar, soñar, soñar.Soñar, soñar, soñar, soñar.

REDEMPTION SONG / BOB MARLEY AND THE WAILER'S

"Redemption Song" es la ultima canción de Bob Marley and the Wailer's y aparece en el disco Uprising lanzado en 1980.

En el momento en que escribió la canción, a principios de 1979, Marley ya había sido diagnosticado con el cáncer que más tarde acabaria con su vida. De acuerdo a las palabras de Rita Marley, "Era un secreto toda la cantidad de dolor que tenía y trató de asumir que pronto empeoraría su salud, eso es una característica que se ve claramente en el álbum y en particular en esta canción".

La canción es considerada una obra maestra de Marley cuya letra es derivada de un discurso pronunciado por el orador africano Marcus Garvey.

A diferencia de la mayoría de las canciones de Bob Marley, esta es estrictamente una grabación acústica en solitario, que consta simplemente de Marley cantando y tocando su guitarra acústica, sin acompañamiento alguno. En posteriores actuaciones en vivo Marley decide usar a la banda en la interpretación del tema.

La canción también insta a los oyentes a "emanciparse de la esclavitud mental", porque "solo nosotros podemos liberar nuestras mentes". Estas líneas fueron tomadas de un discurso dado por Marcus Garvey en Nueva Escocia, en octubre de 1937 en la versión publicada en su revista Black Man:

"Vamos a emancipar nosotros mismos esa esclavitud mental, mientras que otros crean que el cuerpo es libre, pero nadie nos puede liberar la mente. El pensar es nuestra única regla, señores soberanos. El hombre que no es capaz de desarrollar y utilizar su pensamiento se ve obligado a ser el esclavo de otro hombre que usa su pensamiento..."

Si bien el tema expresa el sentimiento del panafricanismo que es un movimiento político, filosófico y social, que promueve el hermanamiento africano, la defensa de los derechos de las personas africanas y la unidad de África bajo un único Estado soberano, para todos los africanos, tanto de África como de las diásporas africanas.

La profesora de Literatura de la Universidad de New York llamada Mary Louise Pratt señala en el capítulo Crossing Borderlands:Composition and Post-Colonial Studies que esta canción habla abiertamente sobre "espacios sociales donde las culturas se encuentran, chocan, y luchan unos con otros, a menudo en contextos altamente asimétricas a las relaciones de poder , como el colonialismo, la esclavitud, o sus secuelas que atraen, ya que se viven en muchas partes del mundo hoy en día ".

El año 2001 en la re-edición del disco Uprising se puso a disposición de los fans como un bonus track una versión reggea interpretada por la banda. Esa misma versión figura en la compilación del 2001 One Love: The Very Best Of Bob Marley & The Wailers. Sin embargo, para los fans, la versión acustica sigue siendo la mejor y mas clasica en voz de Marley.

En el año 2004, la revista Rolling Stone colocó a la canción en el puesto #66 entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

La letra en español:

CANCION REDENTORA

Viejos piratas, si, ellos me robarony me vendieron a barcos mercantes

minutos después me sacarondel agujero mas cruelPero mis manos se hicieron fuertespor la mano del todopoderosonos levantamos triunfalmente en esta generaciónTodo lo que siempre he tenido son canciones de libertadnos ayudas a cantar estas canciones de libertad?Porque es todo lo que tengo, canciones redentoras.

Emanciparte de tu esclavitud mentalNadie excepto nosotros mismos puede liberar nuestras mentesNo tengas miedo de la energía atómicaPorque ninguno de ellos puede detener el tiempoCuanto tiempo más mataran nuestros profetasMientras nos quedamos mirando a otro ladoAlguien dijo esto es solo una partedebemos también nosotros escribir en el libro

Por que no ayudas a cantar, estas canciones de libertadPorque es todo lo que tengo, canciones redentoras,canciones redentoras, canciones redentoras.

Emanciparte de tu esclavitud mentalNadie excepto nosotros mismos puede liberar nuestras mentesNo tengas miedo de la energía atómicaPorque ninguno de ellos puede detener el tiempoCuanto tiempo más mataran nuestros profetasMientras nos quedamos mirando a otro ladoAlguien dijo esto es solo una partedebemos también nosotros escribir en el libro

Por que no ayudas a cantar, estas canciones de libertadPorque es todo lo que tengo, canciones redentorasTodo lo que tengo, canciones redentorasEstas canciones de libertad, canciones de libertad...

WILD WORLD / CAT STEVENS

"Wild World" es una canción del cantautor ingles Cat Stevens (ahora se hace llamar Yusuf Islam por su acercamiento al mundo musulman).

Aparece en su cuarto album titulado Tea for the Tillerman de 1970 y rapidamente se convirtió en la canción mas popular del disco puesto que el single fue bien recibido en los rankings.

La canción nos cuenta la descripsión de un amante que ha perdido su amor y fue inspirado por el quiebre sentimental de Stevens con su novia Patti D'Arbanville.

El single del tema fue lanzado en 1971 y solo alcanzó el puesto # 11 en el Billboard Pop Singles en EEUU. En el Reino Unido esta canción no fue single y se privilegió a otros temas del disco (que raro!!).

"Wild World" fue el puntapié inicial para el exito del disco Tea for The Tillerman que para muchos es el mejor disco que ha sacado Cat Stevens.

Esta canción ha sido interpretada por muchos artistas y en muchas ocasiones ha sido sinonimo de exito para dichos cantantes que usan este tema para lanzar sus carreras. Por ejemplo,la versión reggea de Jimmy Cliff, fue publicada unos meses antes que Stevens publicara la versión original y alcanzó el número ocho en el Reino Unido Singles Chart (ahí puede estar la respuesta al por qué Cat no quizo que sea single en ese territorio).

Algunos "cover" posteriores también han sido interpretadas en el estilo reggae, lo que indica que la mayoria se queda con la versión pop de Cliff aunque el tema sea escrito por Cat Stevens. Un ejemplo de esto sería la versión de Maxi Priest. Esta versión fue grabada y lanzada como single en 1988 y se dió el lujo de obtener buenos resultados en los rankings alcanzando el número cinco en el Reino Unido Singles Chart y # 25 en los EE.UU.

El 7 de julio del año 2007, esta canción se tocó dos veces en el concierto Live Earth. James Blunt se dió el lujo de cantarla en el Estadio Wembley en Londres, mientras que Yusuf Islam (ex Cat Stevens) la cantó en Hamburgo, Alemania.

En noviembre de 2008, en la re-edición del disco Tea For the Tillerman se incluye el demo original de Wild World.

Trivia: Sabias que Steven Demetre Georgiou se hizo llamar Cat Stevens porque su novia decía que tenía ojos de gato. Es seria todo!

I WAS MADE FOR LOVIN' YOU / KISS

"I Was Made for Lovin' You" es una famosa canción de la bada de hard rock Kiss, tuvo su aparición en el disco Dynasty lanzado en 1979. Esta canción fue el primer single lanzado para pormocionar ese album y fue lanzado en mayo de 1979. Fue escrita por Desmond Child, Paul Stanley y Vini Poncia.

La banda ganó un disco de oro por la venta de más de 1 millón de copias en Estados Unidos del single.

La canción también se convirtió en un hit al llegar al número 1 en Australia en 1979. Tambien lo fue en toda Europa occidental donde el tema lideró todos los rankings de las radios.

La canción fue uno de los pocos singles del grupo en tener exito en el Reino Unido en la década de 1970 aunque solo llegó al lugar 51 con una versión dustinta que duraba casi ocho minutos.

La canción se basa en la musica disco que fue popular en los Estados Unidos en la decada de los setentas.

El vocalista y guitarrista de la banda Paul Stanley, quien co-escribió la canción con Desmond Child y Vini Poncia, ha declarado que "I was Made for lovin' you" fue hecha para demostrar lo facil que es hacer una canción de onda disco.

A lo largo de los años desde su lanzamiento, la canción se ha convertido en un elemento basico en las actuaciones en vivo de Kiss, a pesar de sonar diferente de la versión de estudio.

Cuando Eric Carr se unió como nuevo baterista a la banda en 1980, la canción se empezó a tocar en un ritmo significativamente más rápido atribuido al estilo rapido de tocar por parte de Carr quitandole ese sonido a musica disco.

Existe una versión muy interesante donde la banda toca este tema acompañado por la Orquesta Sinfónica de Melbourne.

I JUST CALLED TO SAY I LOVE YOU / STEVIE WONDER

"I Just Called to Say I Love You" es un cancion escrita e interpretada por el famoso musico estadounidense Stevie Wonder y fue editada para el soundtrack de la pelicula The Woman in Red en 1984.

Esta hermosa balada trata simplemente de una llamada a alguien para decirle que el amor puede hacer que la vida sea magica incluso en los dias mas extraños.

Esta maravillosa y sentimental cancion tiene la escencia musical que imperaba en los ochenta, el uso de sintetizadores y cajas de ritmo, lo cual estaba muy lejos del Stevie Wonder más orgánico y experimental de los setentas.

Por estas razones el single tuvo muchas criticas que con el paso de los dias y el exito de la balada se fueron apagando.

La canción llegó al número uno en el Billboard Hot 100 y estuvo en ese puesto durante tres semanas a partir del 13 de octubre de 1984 y también se convirtió en el single mas vendido en el Reino Unido por un cantante solista y estuvo en la cima de los rankings britanicos por casi seis semanas. Además, la canción ganó un Globo de Oro y un Oscar por Mejor Canción Original de la pelicula en la cual forma parte de la banda sonora.

Tambien existe una controersia en torno a los derechos de autor del tema. Esta tiene que ver con Wonder y su ex socio Lee Garrett. Todo se debe a que Garrett afirma haber escrito la canción antes que esta fuera publicada. Pero todo quedo en palabras y acusaciones...

Con respecto a la estructura de la canción podemos decir que tiene dos versos y un coro.El protagonista de la canción refuerza el mensaje del título (y estribillo) para negar todos

los grandes momentos del año.La canción termina con un triple acorde, tambien conocido como cha-cha-cha.

Les dejamos esta balada que con el paso de los años siegue atrayendo esa nostalgia y ha sido versionada por diversas banda y cantantes que se han declarado fanaticos de esta pieza musical hecha por el gran Stevie Wonder.

SOLO LLAMÉ PARA DECIRTE QUE TE AMO

No es Año Nuevo que celebrarNo hay corazones de dulce cubiertos de chocolatepara regalarNo es comienzo de primavera,ni canción para cantarDe hecho, éste es solo otro día común

Coro:Sólo llamé para decirte que te amoSólo llamé para decir lo mucho que importasSólo llamé para decirte que te amoY lo digo desde el fondo de mi corazón

No hay lluvia de Abril, ni botones de florTampoco sábado de bodasen el mes de JunioPero esto qué es, es algo verdaderoHecho de esas tres palabrasque debo decirte

No hay buenos veranos, ni Julios calurososNo es luna llena que ilumineuna tierna noche de AgostoSin brisa de otoño, sin hojas cayendoNo es tiempo en que los pájarosvuelan hacia cielos del sur

No hay sol de Libra, ni Halloween,Ne es dar las gracias el júbilo navideñoque transmitesPero esto qué es, aunque viejo, tan nuevoLlenar tu corazóncomo tres palabras no podrían hacer.

MORE THAN WORD/ EXTREME

"More Than Words" es una famosa balada escrita y realizada originalmente por el grupo de rock Extreme.

Se caracteriza por ser acústica en torno a la intrincada guitarra de Nuno Bettencourt y la excelente voz de Gary Cherone (con los coros de Bettencourt) fue publicada en 1990 en el álbum Extreme II: Pornograffiti .

Apesar de ser una delicada balada, para los fans esta canción es de tipo funk metal que fue el estilo que tuvo la banda hasta su separación en 1996.

El 23 de marzo de 1991, "More Than Words" recala en los Billboard Hot 100 de los E.E.U.U. en el puesto 81 y poco después alcanzó el número uno, siendo asi uno de sus mas grandes exitos de la banda. Asimismo, logró alcanzar el puesto dos en el UK Singles Chart, donde el grupo tuvo éxito antes de su descubrimiento en América. A pesar de que habían hecho algunas actuaciones en los Estados europeos antes, esto condujo a la banda a su primer éxito en los Estados Unidos.

Extreme luego de "More Than Words" saco otra poderosa balada llamada "Hole Hearted", en la cual el ritmo es ligeramente más rápido que en "More Than Words", pero, no obstante, solo llego hasta el número 4 en los Estados Unidos y no pudo eclipsar el exito de esa balada dulce y tierna, digna para pasar una tarde con la polola en algun lugar del mundo.

La letra de la canción pide a la persona a quien se dirige a mostrar su amor a través de algo "más que palabras."... porque el amor tambien se manifiesta con actos (pasenme un pañuelo...).

Que disfruten este temon...

MAS QUE PALABRAS

Decir "te amo"No son las palabras que quiero oír de tiNo es que quiera que tuNo lo digas, pero si solamente supierasCuán fácil, sería que me mostraras cómo te sientesMás que palabras, es todo lo que necesitas para hacerlo realidadLuego, no tendrías que decir, que "te amo"Porque yo ya lo sabría

¿Qué harías tu, si mi corazón se rompiera en dos?Más que palabras para mostrarte que sientoQue tu amor para mí es real¿Qué dirías, si me guardara estas palabras?Entonces no podrías hacer las cosas de otra formaSimplemente diciendo "te amo"

Más que palabras...

Ahora que he intentado, hablarte y hacerte entenderTodo lo que tienes que hacer es cerrar tus ojosY solamente extender tu mano, y tocarmeManténme cerca nunca me dejes irMás que palabras, es todo lo que necesité que me mostrarasEntonces no tendrías que decir, que "me amas"Porque yo ya lo sabría

Más que palabras...

Más que palabras...

MOTHER / JOHN LENNON

"Mother" es una canción del ex-Beatle John Lennon, extraída de su álbum John Lennon/Plastic Ono Band publicado en 1970. Existe una versión cuya duración es mas corta, la cual sería utilizada como sencillo y posteriormente sería publicada en el álbum recopilatorio de 1975 Shaved Fish y en el famoso Lennon Legend: The Very Best of John Lennon. La cara B del sencillo incluye el tema "Why", interpretado por la controversial Yoko Ono.

Tambien hay que señalar que la batería fue tocada por su amigo y actor Ringo Starr quien fue su compañero de banda en los Fab Four.

La versión original (la que pueden escuchar en el video de arriba mientras leen)empieza con un sonido de campanas (que eran para introducir el tema de la muerte) que fueron eliminados para la versión del single como también unos brutales gritos de Lennon que le dan un toque especial a la canción con su letra desgarradora que es un grito hacía el cielo para sus padres, quienes lo abandonaron durante su infancia: su padre, Alf Lennon, abandonaría a la familia cuando John era niño, mientras que su madre, Julia Lennon, fue atropellada por un conductor ebrio cuando John tenía la edad de 17 años.

Lennon lamenta la pérdida de sus padres a través del tema, contraponiendo sus sentimientos a la realidad en versos como "Mother, you had me/but I never had you" o "Father, you left me/but I never left you". Este es el segundo tema de Lennon dedicado a su madre, ya que la canción "Julia", que aparece en el Álbum Blanco de The Beatles, tambien era dedicada a ella.

Según varios textos, Lennon se inspiró para hacer este tema mientras estaba en la terapia primal, que trabaja con el fin de desnudar al paciente de todas su defensas para revelar la "persona real". La viuda de Lennon, Yoko Ono, trabajó en la terapia junto con el doctor Arthur Janov, primero en su hogar de Tittenhurst Park durante tres semanas, y posteriormente en California, donde la pareja pasaría cuatro meses. Lennon describiría la terapia años despues como "algo más importante para mí que The Beatles." Otras canciones nacidas por la ayuda de la terapia primal serían "Working Class Hero" (que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon...temazo!!) e "Isolation".

En una entrevista Lennon dijo que "Mother" era la canción que "parecía quedar en mi cabeza", pero tenía ciertas dudas sobre su interés comercial, por lo que en un principio consideró publicar como single el tema "Love" pero no lo hizo y siguió firme a su idea del principio. "Love" sería publicada recién en 1982, dos años después de la muerte de Lennon por parte de un idiota.

La canción también fue lanzada como single del disco en directo Live in Nueva York city hecho por Lennon, la cual fue publicada despues de la muerte de este genio y loco musico brítanico.

Como dato para finalizar: El FBI le hizo seguimiento personal a Lennon durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos por manifestarse en contra de la Guerra de Vietnam y ser peligroso ya que hacpia pensar a la gente. En el año 2006 dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vio obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.

WILD HORSES / THE ROLLING STONES

"Wild Horses" es una canción de la banda britanica Rolling Stones. Forma parte de su álbum Sticky Fingers editado en 1971 y fue escrita por el vocalista Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards.

Esta canción fue grabada entre diciembre de 1969 y febrero de 1970. Existe un rumor sobre que Wild Horses fue escrita por Richards en respuesta al hecho de tener que dejar a su hijo Marlon para irse de gira con la banda. Aunque tambien se dice que Jagger reescribió la mayoría de esta canción para reflejar el final de su relación con Marianne Faithfull. Debido a esta versión, Jagger en persona declaró en la colección de los Stones Jump Back: The Best of The Rolling Stones: "Todo el mundo siempre dice que esto fue escrito sobre Marianne pero yo no lo veo así, todo eso estaba ya acabado por entonces. Pero me encontraba tremendamente conmovido por esta canción."

La banda de Country-Rock, The Flying Burrito Brothers grabó una versión de la canción, la cual fue sacada en 1970. Todo esto, ya que su lider, Gram Parsons, se había hecho amigo de Jagger y especialmente de Richards el año anterior, y decía que era una de sus canciones favoritas.

Los Stones la grabaron, junto con otras canciones de Sticky Fingers, en el Muscle Shoals Sound Studio en Alabama a principos de diciembre de 1969 sin la asistencia del productor Jimmy Miller. Los pianos en esta canción están interpretados por Ian Stewart y Jim Dickinson.

El single fue sacado a la venta en junio de 1971. Wild Horses llegó al puesto 28 en las listas de sencillos en los Estados Unidos.

Debido a su exito y gran calidad musical, esta canción ha resultado ser muy versionada por diversos artistas. Así ocurrió con Summerhill,Old and in the Way, The Sundays, Guns N' Roses, Bush, Tori Amos ,Labelle, The Lovemongers con Chris Cornell, Dave Matthews, Garbage, Charlote Martin, y más recientemente Alicia Keys, Shery Crowl, Adam Levine, Tre Lux, Iron and Wine, Deacon Blue y Elisa. Cabe señalar que la versión de The Sundays fue utilizada en un anuncio de Budweiser a comienzos de los 90's. Ademas en 1995 la banda grabó una nueva versión para su álbum acústico en directo de 1995 titulado Stripped.

Para finalizar, la famosa revista Rolling Stone la colocó en la posición 334 en su Lista de Rolling Stone de las 500 canciones más grandes de la historia del año 2004.

WHEN A MAN LOVES A WOMAN / PERCY SLEDGE

"When a Man Loves a Woman" es una canción grabada en 1966 por el cantante estadounidense Percy Sledge. La canción fue todo un exito de ventas llegando al numero uno del Billboard Hot 100 y del R&B singles charts.

La canción aparece acreditada a Calvin Lewis y Andrew Wright, que tocaban el bajo y los teclados con Sledge respectivamente, como autores de esta balada, pero en una entrevista para el programa de la televisión sueca "The Sixties", Percy Sledge admitió que la canción fue escrita realmente por él.

En la grabación del tema particiaron Spooner Oldham, tocando el órgano; Marlin Greene en guitarra, Alberto "Junior" Lowe en el bajo y Roger Hawkins quien tocó la batería.

Como dato curioso podemos decirles que la parte instrumental del tema fue pieza fundamental para la música del exito de la banda Procol Harum llamado A Whiter Shade of Pale que fue editada en 1967.

Esta canción fue un exitazo en ventas en el Reino Unido donde llegó al Top Ten de los Charts llegando a ocupar el cuarto puesto y en 1987 gracias a que la canción fue usada en un comercial de la marca de blue Jeans Levi's la canción retomó su exito llegando al segundo puesto de los rankings britanicos.

Pero en 1991, esta canción volvería a ser un exito debido a la versión mas renovada del cantante estadounidente Michael Bolton quien con su versión tocó el cielo de la fama cuando alcanzó el número uno en los EE.UU en todos los rankings y ademas ganó un grammy por su interpretación de esta notable balada.

Otros artistas que han grabado esta balada son: Bette Midler (EE.UU. # 35, grabada en 1980 para la película The Rose), Esther Phillips (EE.UU. # 73, publicada en 1966,con un cambio de roles en el titulo "When A Woman Loves A Man"), y la cantante canadiense Luba. También es muy notable la versión que hizo el cantante de country Kenny Rogers para su discazo "Always and Forever" de 1997.

Está canción ocupó el pusto #54 en la lista de la revista Rolling Stone en su especial "500 greatest songs of all time".

AND I LOVE HER / THE BEATLES

"And I Love Her" es una famosa balada del grupo (grupazo!!) The Beatles. Es el quinto tema del álbum A Hard Day's Night y se publicó como sencillo en los Estados Unidos el 20 de julio de 1964, alcanzando el puesto #12 en el Billboard. El lado-B del sencillo era la canción "If I Fell".

La canción fue compuesta en mayor medida por Paul McCartney, aunque John Lennon también colaboró con algunos versos. Dentro de su estructura, lo más característico es el sonido de la guitarra española de George Harrison y los bongós de Ringo Starr.

Años despues, John Lennon dijo en una entrevista con la revista Playboy que su principal contribución fueron las frases "A love like ours/Could never die/As long as I/Have you near me". Estas palabras de Lennon fueron apoyadas por el publicista de Los Beatles, Dick James quien dijo que mientras se tomaban un descanso en la grabación, Lennon sugirió al productor George Martin un arreglo en la letra del tema. Asi durante el descanso John escribió ese cambio de tono y la letra, lo cual fue muy constructivo para una canción comercial. Mientras que McCartney ha dicho que todo es falso y que el escribió de manera completa esta balada.

Otra rareza musical es que la canción fue compuesta bajo la técnica musical conocida como "tierce picarde" (tambien conocida como "tercera de picardía") la cual fue muy utilizada en el pasado por compositores como Bach. es un recurso armónico usado en música clásica. Sobre esta técnica pordemos mencionar que se refiere al uso de un acorde mayor de tónica al final de una sección musical que está en una tonalidad menor o modal. Esto se consigue al aumentar la tercera de la triada menor que se espera en un semitono para crear un acorde mayor, como una manera de resolver. Aqui les dejamos un buen ejemplo.

Existen diferentes versiones de esta canción que han alido en varios discos de la banda de Liverpool en todo el mundo, muchas de estas versiones difieren en el número de veces que se repite el riff de guitarra, y en otras es la voz de McCartney que puede escucharse simple o a dos voces dependiendo el disco que tengan.

Entre los artistas que han versionado esta hermosa canción se encuentran el brasileño Roberto Carlos, Rita Lee, John Farnham, Sarah Vaughan, Barry Manilow y The Wailers (si señores... la banda del querido Bob Marley).

TOO MUCH HEAVEN / THE BEE GEES

"Too Much Heaven" es una canción escrita por The Bee Gees. Esta balada fue la contrubución de la banda a la campaña "Music for UNICEF fond" (Fondo de la UNICEF para la música).Los Bee Gees interpretaron este tema en el famoso Music for UNICEF Concert (Concierto de la Música para la UNICEF) efectuado el 9 de enero de 1979.

Ademas, esta hermosa balada salió publicada en el disco numero trece de la banda de los hermanos Gibbs titulado Spirits Having Flown en 1979.La canción llego a los primeros puestos en las listas de los Estados Unidos y Canadá y estuvo dentro de los top-3 en el Reino Unido. Cabe destacar la participación de parte de la banda Chicago (James Pankow, Walt Parazaider y Lee Loughnane) en la grabación del tema en los estudios.

"Too Much Heaven" fue grabada nueve meses después de otro exito llamado "Night Fever". El single fue lanzado a fines del otoño de 1978 (fue originalmente propuesta para usarla en la película de John Travolta llamada Moment By Moment, pero fue sacada antes del lanzamiento de la película porque Barry Gibb pensó que la película era horrible y mala cuando vio un pedazo del thriller.), y empezó un lento ascenso a las listas de música.

La idea de trabajar para la UNICEF comenzó en el verano de 1978, cuando los hermanos Gibb anunciaron su proyecto más reciente en una conferencia de prensa en las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. Todas las ganancias que dieran los conciertos y el sencillo irían a la UNICEF, para celebrar el Año Internacional del Niño, designado a ser 1979.En efecto, la canción obtuvo más de 7 millones de dólares en ganancias en poco tiempo de su lanzamiento. El en ese entonces Secretario General de las Naciones Unidas Kurt Waldheim anunció esto como "an outstanding and generous initiative." (Una extraordinaria y generosa iniciativa).

Luego de esto los Bee Gees fueron invitados a la Casa Blanca, donde el presidente Jimmy Carter agradeció al grupo por su donación hacia esa causa. En la ceremonia, los hermanos presentaron a Carter con una de sus chaquetas negras de satín. Carter remarcó, con la tipica sonrisa de un politico, que él "no era un fan de la música disco" pero sabía suficiente acerca de su música porque su hija Amy era una gran fan.

Esta balada que tiene toques de bluseros es un clasico de la banda oriunda de Manchester que supo colocarle ritmo a los setentas...

THE WINNER TAKES IT ALL / ABBA

"The Winner Takes It All" es una canción del famoso grupo sueco ABBA. Es el primer single lanzado para promocionar su séptimo álbum Super Trouper en 1980.

La canción fue escrita por Benny y Björn. Según muchos rumores, Björn compuso la letra en menos de 2 horas, siendo la canción que más rápido se grabó de ABBA. Fue grabada el 6 de junio de 1980 en los estudios de Polar Music bajo el titulo "The Story Of My Life I".La letra de la canción habla sobre una mujer que le reclama a su pareja el por qué de su abandono y destrozo de la relación sentimental.

Para muchos esta canción está inspirada en el divorcio de Björn y Agnetha (ambos integrantes de la banda), que había ocurrido el año anterior. Björn ha negado muchas veces esto diciendo: en nuestro divorcio no hubo ningún ganador. Además, la letra y música de la canción muestran que la música del grupo maduraba, y que a comparación de otras canciones que

hablan de separaciones (como "Knowing Me, Knowing You" y "Mamma Mia"), "The Winner Takes It All" era una canción más triste y dramática.

El sencillo de "The Winner Takes It All" fue lanzado en julio de 1980, como un anticipo para su séptimo álbum. Este single marca el regreso de ABBA a la cima de las listas inglesas, obteniendo su octavo número uno en ese país, y el primero desde 1978.Además el sencillo también entró en el Top Ten en Bélgica, Irlanda, Holanda, Sudáfrica, Suecia, Noruega, Finlandia, Suiza, Austria, Alemania, Zimbabwe (?), México, Australia, Italia, Francia, Estados Unidos, Canadá y en España. Rápidamente se ha convertido en un exitazo de esta banda europea.

También existe un rumor que dice que ABBA hizo una versión en español, puesto que, en unas de las declaraciones del grupo Il Divo (que habían hecho una version de este tema) para el diario 20 minutos, se menciona lo siguiente: "Nuestra idea fue previa al fenómeno. Es una de las primeras canciones que se eligió para el disco y de eso hace más de un año y fue una de las primeras que grabamos. La verdad es que era una idea relativamente antigua. Y la letra española que hemos cantado de esta canción la escribió originalmente ABBA y la llegaron a cantar también. Es un poco la guinda del pastel para nosotros cantar un material original de ABBA pero siendo Il Divo". Si esto es cierto habría que buscarlo en algún bootleg o secuestrar de buena forma a un fanático que tenga esa cinta (?).

Para finalizar, mencionaremos que la canción forma parte actualmente del musical Mamma Mia!, basado en las canciones de ABBA. Además de eso, la canción ha sido recientemente versionada por la banda británica McFly con motivo de la selección de Inglaterra como sede de los Juegos Olímpicos de 2012.

GIVE PEACE A CHANCE / JOHN LENNON

"Give Peace a Chance" es una canción escrita e interpretada por John Lennon y originalmente acreditada erroneamente o por problemas judiciales a la famosa dupla Beatlemaniaca Lennon-McCartney. Sin embargo, cuando se reeditó en 1990 el álbum póstumo en vivo de Lennon con la banda Elephant's Memory, Live in New York City (Grabado en 1972) se acreditó únicamente la composición de este himno de protesta a John Lennon. Al igual que en los créditos del final del programa del 2006, The U.S. vs. John Lennon (en el cual aparece la canción) lista también a John Lennon como único escritor de la canción.

Los inicios de esta canción se dan en la famosa (y artistica??) encamada por la paz de John y Yoko cuando un reportero le preguntó al ex-Beatle qué intentaba hacer con esta "relajada" performance. John le respondió de manera magistral "todo lo que estamos diciendo es, dale una oportunidad a la paz espontáneamente". Esta frase le quedó gustando al músico y decidió hacer una canción bajo ese contexto.

Como muestran varias grabaciones mientras estaba en cama, cantó varias veces la canción, y finalmente, el 1 de junio de 1969, alquiló una grabadora de 8 pistas en unos almacenes locales de música y la grabó estando en la famosa y usada cama en la habitación 1742 en el Hotel Queen Elizabeth en Montreal Canadá, aunque la idea era que haya sido hecha en Nueva York pero la policia de ese pais no dejó entrar a Lennon por sus probemas judiciales por drogas.La sesión de grabación estuvo atendida por docenas de periodistas y varias celebridades, incluyendo a Timothy Leary, Rosemary Woodruff Leary, Petula Clark, Dick Gregory, Allen Ginsberg, Murray the K y Derek Taylor. Lennon tocó la guitarra acústica al cual se unió Tommy Smothers de los Smothers Brothers tocando también la guitarra acústica.

Una de las partes mas llamativas es el ultimo verso de la canción donde se refiere a "John and Yoko, Timmy Leary, Rosemary, Tommy Smothers, Bobby Dylan, Tommy Cooper, Derek Taylor, Norman Mailer, Allen Ginsberg y Hare Krishna". En la interpretación de Give Peace a Chance incluida en el álbum Live Peace in Toronto 1969 (la que tenemos en el video que le entregamos hoy), Lennon abiertamente declaró que no podía recordar toda la letra e improvisó con los nombres de los miembros de la banda con los que compartía escenario y todo lo que le vino en mente, diciendo a viva voz en el cantar: "John and Yoko, Eric Clapton, Klaus Voormann, Penny Lane, Roosevelt, Nixon, Tommy Jones and Tommy Cooper, y alguien."

Al ser considerada como un símbolo de protesta, ésta canción ha sido usada por muchos artistas y gente asociada a Lennon y que la han interpretado posteriormente para protestar o para recaudar fondos para alguna tragedia en algún lugar del mundo.

ROSANNA / TOTO

"Rosanna" es una exitosa cancion de la banda estadounidense Toto. Fue escrita por David Paich (que era tecladista y cantante del grupo) y el single fue lanzado en 1982. Aparece en el disco Toto IV, que es considerado uno de los mejores de esta agrupación.

La cancion fue un gran exito comercial para la banda que se dió el lujo de llegar rapidamente al puesto #2 en Billboard Hot durante 6 semanas y vendió mas de 2 millones de copias en EEUU.Este gran exito los llevo a ser nominados al Grammy en 1983, en donde se llevaron 6 Grammys con el album Toto IV incluyendo album del año y cancion del año (la mismisima Rosanna). Ademas, continuando con los premios, el sencillo Rossana gano 2 Grammys y fue certificado con disco de platino por las ventas.

Musicalmente esta canción trae una gran variedad de estilos, desde guiarras muy roqueras (trae un solo que deja los pelos de punta) hasta pianos al mas puro estilo del jazz. Esta entretenida mezcla de estilos es una de las caracteristicas mas notables de la banda.

La cancion es cantada por Steve Lukather y Bobby Kimball.La interpretación de esta canción fue muy mal entendida por algunos criticos y fanaticos al creer que era dedicada a la novia del tecladista Steve Porcaro, la famosa actriz Rosanna Arquette. Sin embargo, los miembros de la banda han dicho que solo fue una coincidencia y que la idea de Paich de colocarle ese nombre al tema era porque rimaba en el coro.

El video musical que fue hecho para promocionar mas el tema trae e su reparto a Cynthia Rhodes y al joven bailarín y actor Patrick Swayze (ese que nos hizo llorar en Ghost (?)) como uno de los bailarines. Ambos actores se reunirian en 1987 como estrellas de la pelicula Dirty Dancing.

MASSACHUSETTS / THE BEE GEES

"Massachusetts" es una canción de la banda The Bee Gees. Fue escrita y compuesta por los hermanos Gibbs ( Maurice, Barry y Robin) en 1967 como parte del repertorio del segundo disco de esta banda de Manchester llamado Horizontal que fue sacado a la venta en Enero de 1968.

Esta canción fue el primer gran exito de los Bee Gees ya que logró alcanzar la cima de las listas Británicas y ello hizo que los hermanos Gibbs, con sus melódicas canciones, se hicieran populares y el mundo musical empezara a mirarlos y escucharlos con mucha atención. Un buen ejemplo es lo que pasó en Japón, donde esta canción llegó al número uno de las listas Oricon y logró que los hermanos Gibbs fueran el primer grupo extranjero en lograrlo en tierras niponas.

En el aspeto musical esta balada cuenta con la mayor parte vocal interpretada por Barry Gibb, mientras que Maurice Gibb ayuda en los coros. La parte instrumental nos trae a Barry Gibb en la guitarra rítmica, Maurice Gibb a cargo del bajo, Vince Melouney en guitarra eléctrica y a Colin Petersen en batería. Ademas cuenta con un arreglo orquestal compuesto por el trombonista y director musical Bill Shepherd.

Originalmente Barry, Robin y Maurice Gibb escribieron esta canción para la banda australiana The Seekers. Pero esta banda de música Folk rechazó la idea por encontrarla poco comercial, sin embargo Los Bee Gees demostraron que esta balada conquistaría el mundo grabandola y cosechando buenas críticas.Pero en el año 2003, luego de la muerte de Maurice Gibb , The Seekers deciden grabar Massachusetts como homenaje a él.

Pero la canción tambien tiene una triste historia adjunta al éxito y la fama de la banda. Según declaraciones de Maurice Gibbs, poco despues de haber grabado y publicado esta balada se le

acercó en una presentación el manager de The Beatles: Brian Epstein y este le dijo que la canción era hermosa y que sería, sin lugar a dudas, el éxito de ese verano. Estas palabras fueron dichas horas antes del 27 de agosto de 1967, que es el día donde misteriosamente ocurre el fallecimiento de Epstein (no se sabe si fue abuso de drogas o un suicidio).

MRS. ROBINSON / SIMON AND GARFUNKEL

"Mrs. Robinson" es una canción del dúo musical Simon and Garfunkel editada en 1968 en el disco Brookends. Fue escrita por Paul Simon inicialmente para ser parte de la banda sonora de la película, dirigida por Mike Nichols, El graduado en 1967.

Según una cronica del productor cinematografio Peter Bart, que fue publicada el 15 de mayo de 2005 por la revista Variety, el director Mike Nichols quería que la banda sonora de El graduado contara con una que otra canción de Simon and Garfunkel. Segun la cronica, fue el productor Larry Turman quien solicitó a Simon que compusiera tres canciones para la película. Sin embargo Simon, que estaba con muchos conciertos debido a una gira por Europa, no pudo componer nada para la pelicular. Asi que cuando Nichols solicitó a Simon que le mostrara sus composiciones, el músico sólo tenía una canción que trataba sobre la ex-primera dama de Estados Unidos Eleanor Roosevelt (Mrs. Roosevelt en la canción), y el beisbolista norteamericano Joe DiMaggio. Tras escucharla atentamente, Nichols le dijo a Paul Simon: "Bueno amigo ahora la canción es sobre Mrs. Robinson, no sobre Mrs. Roosevelt".

Dentro de la pelicula la canción aparece en varios fragmentos de esta. Se utiliza una nueva versión distinta a la que luego sacarían como single. Es empleada especialmente en la escena donde el recién graduado Benjamin Braddock, protagonizado por el dos veces ganador del premio Oscar, Dustin Hoffman, mantiene una relación amorosa con una mujer casada y bastante mayor que él, la Señora Robinson, papel protagonizado por Anne Bancroft.

Debido al exito de la pelicula donde la canción fue muy llamativa para los espectadores, el dúo norteamericano Paul Simon and Art Garfunkel decidió re-grabar la canción con algunos cambios en la letra y fragmentos musicales para ser emitida como single.

Con respecto a la linea de la canción donde hace referencia a DiMaggio (considerado por la prensa norteamericana como el mejor beisbolista de la historia y ademas tuvo un romance bien comentado con Marilyn Monroe): "Where have you gone, Joe DiMaggio?/ Our nation turns its lonely eyes to you/What's that you say, Mrs. Robinson?/Joltin' Joe has left and gone away." En una editorial del New York Times publicada en marzo de 1999, poco después de la muerte de DiMaggio, Paul Simón explicó que esa estrofa era un un sincero homenaje al beisbolista

que toda su carrera deportiva la hizo en el New York Yankees. La idea era homenajear todo el heroismo de este deportista que quedó dentro de la cultura sin pretensiones, en un momenpopular del pais. Con respecto a eso, Simon menciona: "En estos días donde tenemos que ver solo disculpas del Presidente y entrevistas donde habla sin tapujos de cuestiones sexuales privadas, lamentamos lo que sucedió con Joe DiMaggio y lloro la pérdida de su gracia y su dignidad, su feroz sentido sobre la vida privada, su fidelidad a la memoria de de su esposa y el poder de su silencio. " Posteriormente Simon interpetó "Mrs. Robinson" en el Yankee Stadium, en honor a DiMaggio, en abril del mismo año.

Cuando el dúo publicó el single de esta canción en 1968, alcanzó el número uno del Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, lo cual fue todo un éxito ya que lo lograban por segunda vez en su carrera, tras haberlo hecho previamente con la melodica The Sounds of Silence.Un año después, la canción aparecía como parte del disco Bookends. Esta canción ademas le dió un premio Grammy a la banda en la categoria mejor grabación del año en 1969.

En 1969 fue Frank Sinatra que decidió grabar esta canción llevada a su estilo vocal para su álbum de 1969, My Way. En esta versión, Sinatra cambia una serie de líneas, reemplazando "Jesus" por "Jilly", que era el nombre de uno de sus mejores amigos.

PHOTOGRAPH / RINGO STARR

"Photograph" es una canción del que fuera baterista de The Beatles, el famoso Ringo Starr.Esta canción, además contó con la participación de George Harrison, que ayudó en la composición y en la grabación de coros y guitarras en esta aclamada canción.

Starr decidió lanzar el single un 5 de octubre 1973, alcanzando rapidamente el octavo puesto en los rankings británicos hasta alcanzar el número uno en el Reino Unido y EE.UU. con lo cual este baterista y actor britanico (?) volvía a acariciar la fama tal como ya lo habia hecho en su época Beatle.

La canción tambien forma parte del repertorio del famoso disco "Ringo" (para muchos el mejor disco que ha hecho este baterista en su etapa solista y que fue publicado en 1973) que tuvo, ademas de la ayuda de Harrison, a Paul McCartney y John Lennon colaborando en algunas canciones (aunque en ninguna trabajaron juntos) y debido a esto muchos pensaron que los fab-four se volvían a juntar para hacer de las suyas.

En "Photograph", Ringo Starr hace la voz principal y se hace cargo de tocar la batería, mientras que Harrison se encarga de tocar las guitarras acústicas (de 12 cuerdas) y cantar en los coros. Además cuenta con Jim Keltner ( en batería), Klaus Voormann (en el bajo), Nicky Hopkins (en el piano), Vini Poncia (en guitarra acústica ), Jimmy Calvert (guitarra acústica), Lon y Derek Van Eaton (en la percusión) y Bobby Keyes (que interpreta un solo de saxofón

tenor). Los delicados arreglos orquestales que se pueden escuchar en la grabación fueron hechos por Jack Nitzsche.

Existe un videoclip, que fue hecho para promocionar el single, y que muestra a Ringo caminando alrededor de su nueva casa que se habia comprado en esos días, que estaba ubicada en Tittenhurst Park, la que antes había sido el hogar de John Lennon y Yoko Ono.

Un 29 de noviembre del año 2002, Starr interpretó "Photograph" en el Concert for George, que fue un espectaculo hecho en el Royal Albert Hall de Londres para homenajear a Harrison a un año de su muerte. Sobre esta interpretación, la pagina web oficial de George Harrison mencionó: "Ringo Starr nos sacó a todos unas lágrimas de los ojos con esa canción que compuso junto a George, la que parecía resumir todo ese extraño sentimiento que rodeaba el máginifico espectaculo".En este concierto, Starr dijo que esta cancipon tuvo un nuevo significado tras la muerte de George, ya que la letra calzaba justo con todo ese dolor que dejó su partida para todos los que vivieron cerca de él. Especialmente en la parte donde dice: Every time I see your face/ It reminds me of the places we used to go/ But all I've got is a photograph,/And I realise you're not coming back anymore (en español: Todo el tiempo tiempo veo su cara/recuerdo esos lugares donde íbamos/Pero lo unico que tengo es una fotografía/ y me doy cuenta de que nunca volveras).

Una canción soberbia, de arreglos muy llamativos y con Starr mostrando otra vez sus dotes de cantante (en The Beatles tambien cantó por lo menos una canción por disco), que pese a no tener una gran voz, se la cree y saca canciones alegres con una simpleza majestuosa.

PIANO MAN / BILLY JOEL

"Piano Man" es una canción del cantante estadounidense Billy Joel. Es, sin lugar a dudas, la canción mas conocida y mas coreada en todo el mundo de este cantante que antes de ser un excelente pianista fue boxeador de ligas amateurs en Nueva York y que se retiró de esa actividad luego de una lesión a su nariz .

Esta canción aparece en el disco "Piano Man" editado en Noviembre 1973 y el single de esta canción fue todo un éxito, llegando a alcanzar el puesto #25 en la lista de sencillos Pop "Billboard", y el #4 en la lista de sencillos "Adulto Contemporáneo".

La letra de la canción es un relato ficticio inspirado en los días de Joel como cantante de salón en Los Angeles luego del fracaso de su primer álbum titulado Cold Spring Harbor.

Billy Joel plasmó sus sentimientos personales sobre este fracaso en los sueños frustrados de los personajes de su canción. Por aquella época, debido a las malas ventas del disco, el cantante estaba intentando solucionar una mala negociación de contrato con la casa discográfica Family Productions que lo tenía endeudado. Entonces tuvo que pasar varias noches "escondido" en un bar y actuando bajo el nombre de Bill Martin hasta que Columbia Records se le acercó para que firmara un contrato y lograra el éxito que lo llevó a los mas grandes escenarios del mundo

El personaje principal de la canción es un pianista de un desolado bar que nos describe las vivencias de un camarero de nombre John, la camarera, un anciano y los clientes frecuentes del bar que son Paul (un novelista "solterón") y Davy (que es marinero). Lo central de la historia es que todos estos personajes tienen en comun "sus sueños no realizados" y el pianista les ayuda a que se olviden de la vida por un rato con sus canciones para que pasen un momento grato.La parte del coro viene inspirada en esas tipicas canciones de bar, donde todos los clientes con sus cervezas y Gin Tonics empiezan a entonar unas palabras para el pianista: "Sing us a song. / You're the piano man. / Sing us a song, tonight. / Well, we're all in the mood for a melody, / and you've got us feeling alright."

En varias entrevistas, Joel ha admitido que todos los personajes de la canción, salvo el marinero Davy, fieron inspirados por personas reales que pasaban por el bar donde trabajaba.Ademas "Piano Man" fue ubicada en el puesto #421 en la lista que hizo el año 2004 la revista Rolling Stone sobre las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Esperamos que disfruten esta grandiosa canción, llena de melancolía, de poesía nocturna y de historias reales de gente comun y corriente que pasa a un bar para que el sabor de un licor y un sonido de un piano los lleve, aunque sea por 6 minutos, a un mundo soñado que quizás nunca les será eterno.

CARRIE ANNE / THE HOLLIES

"Carrie Anne" es una canción de la banda británica The Hollies. Fue lanzada como single un 26 de mayo de 1967 y logró un gran éxito en los charts.Esta canción llevó a la banda a un nivel de popularidad muy alto dentro de la actividad musical británica logrando asi su "época dorada" tanto interpretativa como creativa.

Esta gran canción fue escrita por Allan Clarke, Graham Nash y Tony Hicks. Dentro de la parte musical notamos una caracteristica muy notable ya que puede ser una de las primeras canciones pop británicas que experimentó con sonidos del Caribe, especialmente con el uso de los tambores de acero o Steelpanes, que son un instrumento de la música popular de Trinidad y Tobago que poseen una afinación en una escala cromática, aunque existen algunos de ellos

que son afinados en escala diatónica. Aproximadamente a los dos minutos de la canción se puede escuchar un solo de Steelpanes.

En el documental The History of Rock 'N' Roll de 1995, Graham Nash, afirmó que esta canción fue escrita para la cantante y actriz Marianne Faithfull, quien en ese entonces tenia una relación amorosa con el lider de los Rolling Stone, el etero Mick Jagger. Pero la banda se arrepintió a ultima hora del titulo: "Marianne" y lo modificó por "Carrie Anne" para que no sea tan evidente su inspiración.

Como dato curioso, la canción fue tan popular que los padres de la actriz canadiense Carrie-Anne Moss (The Matrix, Memento) le colocaron ese nombre debido a que el día en que nació esta "guapa" mujer esta pieza musical era muy popular por esos lares.

Esta canción se convirtió en un gran éxito en 1967, alcanzando el casillero # 3 en el UK Singles Chart. También fue un éxito en los EE.UU., alcanzando el puesto # 9 en las listas de éxitos norteamericana.

GOD / JOHN LENNON

"God" es una canción del musico britanico John Lennon, que pertenece a su primer disco en estudio (había hecho otros pero experimentales) John Lennon / Plastic Ono Band. El cual fue lanzado el 11 de diciembre de 1970 en los EE.UU. y el Reino Unido.

Esta canción causó mucha polémica cuando fue publicada, ya que trataba de manera muy fuerte los temas religiosos.De entrada Lennon describe a Dios como "un concepto por el cual medimos nuestro dolor" y luego empieza a declarar un discurso , donde saca todo su espiritu agitador, describiendo su visión sobre Dios en el mismo lodo que personajes como Adolf Hitler, y en la que conviven varios personajes y creencias de las cuales él no comparte como verdaderas: Elvis, Buda, la familia Kennedy, Jesús, Los Mantras, Los Reyes, el Yoga, Gita, I Ching, la Biblia, el Tarot, la Magia y Bob Dylan (cuando dice "no creo en Zimmerman"). Al final de esa llamativa lista, y en un tono muy especial, Lennon grita "No creo en The Beatles", esta alusión a su ex-banda viene de aquella vez que dijo ante la prensa que "Los Beatles eran mas famosos que Cristo", lo cual llevó a que la banda fuera censurada, le quemaran sus discos, perdieran fanáticos y los pifiaran en mas de alguna ocasión, todo por atacar la elección de creer o no creer en alguna religión.En esa parte de la canción, Lennon hace parar a la banda... Dejando el suspenso y el mensaje en el aire que "The Beatles eran adorados por sus pares como unos dioses".Su mensaje final es una declaración, junto a su amada Yoko, de su independencia y , la simple pero humana, creencia del uno en el otro

La sección final de la canción describe el cambio que tuvo Lennon desde la ruptura de The Beatles. Ahpi nos afirma que ya no es el "Dreamweaver" o "The Walrus", solo es "John".La ultima frase es "The dream is over" que era la frase perfecta de Lennon hacia todos los fans que querian la vuelta de la banda mas popular de la historia, pero este les decia que todo había llegado a su final, incluso los ideales Hippies y los sueños de paz y flores de los años sesentas.

En algunas entrevistas, Lennon señalaba ante las "punzantes" preguntas sobre la temática de esta canción que: si existía un Dios, y ese Dios somos todos los habitantes de este planeta.

Musicalmente la canción no contiene arreglos rebuscados, tampoco mucha producción, ya que la misión del disco era sacar un disco vivo, con sonidos sin tantos arreglos ni excesos de efectos de sonidos.Para esta canción y casi todo el álbum, el productor Phil Spector, solo utilizó cuatro músicos para que acompañen a Lennon en esta canción: El ex-Beatle Ringo Starr tocó la batería, Klaus Voormann, viejo compañero de The Beatles en sus tocatas por Hamburgo y quien diseñara la tapa del disco "Revolver", tocó el bajo. Billy Preston, quien habia tocado en la ultima etapa de Los Beatles, se hizo cargo del piano.

Una canción polemica pero fiel a los ideales de su autor. Lennon era asi, un soñador pero de la realidad, un nihilista moderno y con ritmo... Sea como sea simplemente es John.

KISS AND SAY GOODBYE / THE MANHATTANS

"Kiss And Say Goodbye" es una canción del grupo vocal de R & B, The Manhattans. Esta famosa balada fue publicada como single en Abril de 1976 y forma parte del disco homónimo que esta agrupación lanzó ese mismo año.

Escrita por Winfred "Blue" Lovett (integrante de Los Manhattans), originalmente esta balada fue pensada para que sea interpretada por el famoso cantante Glen Campbell. Pero antes de entregarsela a Campbell , Lovett interpretó la canción junto a su banda "Little Harlem" para que el productor Bobby Martin le hiciera algunos arreglos en la parte musical. Al final, decidieron volver a grabarla en los Sigma Sound Studios ubicado en Filadelfia.

En 1975, volvieron a grabar la canción y recien un año despues, aprovechando que la "onda disco" decrecía en popularidad, "Kiss and Say Goodbye" fue lanzado como single en todo el mundo.En un periodo donde las baladas romanticas pasaban por la poca originalidad de los productores, apareció esta canción especial para las "tan mencionadas" veladas romanticas o mirar la puesta del sol desde una playa junto a la pareja, aunque su letra hable de la melancolia

por un amor perdido. Tanto fue su popularidad que el single llegó a vender mas de un millon de copias y se convirtió en una canción clasica de la decada de los setentas.

Esta canción liricamente trata de una despedida de algun amor viajero o de una relación amorosa pasajera, con ese juego de voces magistrales que producen una atmosfera armonica muy llamativa para el oyente y le da ese toque especial a una balada magnifica. Ademas incluye una introducción hablada con voz y estilo similar a Barry White, lo cual a muchos les ha causado mas de alguna confusión cuando escucha el tema.

Esta canción, co-producida por el grupo y Bobby Martin, llegó al número uno en los rankings de R & B y Pop en la primavera de 1976 permaneciendo en ese puesto por dos semanas y ganando un disco doble de platino por las ventas del single.

GET UP (I FEEL LIKE BEING A ) SEX MACHINE / JAMES BROWN

"Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine" es una canción del "padrino del Soul" James Brown. Esta famosa canción, publicada como single en julio de 1970, es una de las canciones mas reconocidas de este gran cantante estadounidense que le cambió el sonido al soul.

Esta canción (tambien conocida simplemente como Sex Machine), escrita por el mismo James Brown junto a Bobby Byrd y Ron Lenhoff, es una de las primeras canciones grabadas junto a la banda The JB's, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la formula funky por excelencia denominada The One).

El cambio de músicos fue un paso fundamental para que Brown empezara a experimentar otros sonidos para el soul. Por ejemplo, en esta canción dejó de lado el papel protagonista de los instrumentos de vientos, por un rato, para hacer una canción basadas en los acordes pegajosos y agresivos de la bateria, bajo y guitarra.Ese riff repetitivo de la parte centar de la canción fue ideado por los hermanos Bootsy Collins (bajo) y Catfish (guitarra) inspirados en hace runa canción básica pero de resultados interesantes para la época.

Además, en esta canción, se destaca el entretenido y potente juego vocal entre Brown y el corista Bobby Byrd (que se dedica a gritar los "Get on up") quienes interactuan de manera notable mientras cantan el tema que contiene una letra simple y bastante armónica con muchos puentes espciales para improvisar, logrando una sensación de canción "ardiente" (?) llena de magia funk.

La canción e su versión single, fue todo un éxito en ventas y llegó a los primeros lugares de las listas norteamericanas.Luego de eso, Brown lanza un nuevo single de esta canción pero en una versión "en vivo" para promocionar su disco "Sex Machine" grabado en el Bell Auditorium de Augusta. Esta versión dura cerca de 11 minutos y es una explosión de funk marcada por improvisaciones vocales e instrumentales impresionantes y agresivas.

En 2004, "Sex Machine" fue rankeada número 326 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

IT NEVER RAINS IN SOUTHERN CALIFORNIA / ALBERT HAMMOND

"It Never Rains in Southern California" es una canción del cantante británico Albert Hammond. Esta canción escrita junto a Mike Hazlewood fue publicada como single el 21 de Octubre de 1972 siendo el primer gran éxito de este musico nacido en Londres.

La letra de esta canción que se refiere a las aventuras de un cantante que se muda a California para conseguir fama en Hollywood, pero no tiene el éxito buscado y todo su proyecto de vida se cae a pedazos.

Sobre el origen de esta preciosa canción, su interprete confesó en una entrevista que es autobiografica: "Es verdad eso de que nunca llueve ahí ... pero realmente fue escrita en Londres, mientras viajabamos junto a Mike (Hazlewood) rumbo a Los Angeles donde sabiamos que teniamos que hacer. Mientras viajamos le conté a Mike sobre mi estadía en España cuando era joven, donde empecé de cero, pidiendo monedas en las estaciones de trenes para poder comer ya que no me gustaba causarle problemas a mis padres. Una vez divisé a un primo que estaba en luna de miel por el país y antes de que parta su tren me fue a saludar y al verme me dijo: "¡Debería darte vergüenza esto que haces, voy a decirle a tus padres," y yo le dije "por favor, no le digas , él se va a volver loco y quizás me encierre! ". Entonces canceló su viaje y me llevó al hotel donde estaba hospedado, me dí un baño, me regaló ropa limpia y algo de dinero. Esas cosas le estaba contando a Mike y de eso saqué la idea de la canción, de esa lucha por tener fama, tratando de mostrar mis canciones en cada viaje, de Marruecos a España, de España a Inglaterra, de Inglaterra a los Estados Unidos... todo eso marcó mi vida y esta canción es la historia de mi vida".

Para Hammond esta es una de sus canciones mas importantes, no solo po ser el autor y porque cuente su historia de vida, sino que además el fue el productor, el interprete y el autor. "Para mí es una canción perfecta, todo el trabajo que hay detrás fue perfecto!!" agregó Hammond en una entrevista.

Esta es una de las canciones mas reconocidas de Albert Hammond, gracias a esa letra y sonido nostalgico que la hace una canción especial y que ha traspasado decadas quedanto como un clásico de los setentas.La canción fue un hit por todo el mundo, llegando al quinto lugar del aclamado Billboard Hot 100 en 1972 y a los primeros puestos en Japon, Suiza y Noruega.

EUROPA (EARTH'S CRY, HEAVEN'S SMILE) / SANTANA

"Europa (Earth's Cry Heaven's Smile)" es una canción instrumental de la banda Santana. Fue publicada en 1976 en el album Amigos, con el cual volvían al sonido de sus primeros discos dejando de lado sus experiemntaciones con el jazz y el blues.

El origen de esta canción viene cuando el guitarrista Carlos Santana escribió una canción inspirado por el caso una amiga que estaba con problemas de drogas y stress, la cual tituló "The Mushroom Lady's Coming to Town". Aunque esta canción jamás la interpretó en vivo ni la incluyó en algun disco, fue guardada hasta que se fue de gira con la banda Earth, Wind and Fire y se puso a interpretar su inédita pieza musical detrás del escenario y en las pruebas de sonido. Ahí fue donde el tecladista Tom Coster, que acompañaba a Santana, le pareció una canción interesante y sugirió al guitarrista que la grabara en su proximo disco.

La idea propuesta fue hecha realidad, y Carlos Santana junto a Coster se dedicaron a arreglar la canción en el estudio. Le incluyeron nuevos acordes, arreglos de producción y le cambiaron el titulo por "Cry Heaven's Europa (Earth's Smile)". Este titulo no se debe a un homenaje al continente europeo, sino que es en relación a un personaje de la mitología griega, llamada Europa ,que fue seducida por el dios Zeus transformado en toro, quien la llevó a Creta en su lomo.

Musicalmente es una de las piezas fudamentales en la carrera de Santana, una canción bella, delicada y emotiva, con un notable solo de guitarra por parte de Carlos Santana que llega a dejar los pelos de punta.

Muchos fanáticos han dudado la originalidad de este tema de Santana atribuyendo que ese riff utilizado es una copia del clásico de la banda chilena Los Angeles Negros titulado "Y Volveré" lo cual parece un chiste de mal gusto y simplemente puede ser visto como un dato volatil y "freak".

Esta canción fue un exitazo para la banda norteamerica y rapidamente se convirtió en una pieza clave para sus conciertos...

(JUST LIKE) STARTING OVER / JOHN LENNON

"(Just Like) Starting Over" es una canción del músico británico John Lennon publicada en su disco Double Fantasy en 1980, que seria el ultimo disco en vida de este gran personaje.

El single fue lanzado el 9 de octubre de 1980, le mismo día que Lennon celebraba sus 40 "primaveras" y era el primera canción elegida para promocionar el disco que traía nuevamente a la escena musical al ex-Beatle luego de un periodo de cinco años sin editar nuevo material tras retirarse de forma esporádica del mundo musical para implicarse en el cuidado de su nuevo hijo, Sean Lennon.

Lennon compuso esta canción mientras pasaba sus vacaciones en Bermudas y fue el producto de dos demos de canciones que tenía guardadas, estas eran "Don't Be Crazy" y "My Life".La idea de John Lennon era hacer una canción muy asociada al estilo musical de Elvis Presley y Roy Orbison, que era dos de sus idolos de juventud. Es por ello que la interpretación usa una voz nítida y precisa, con un acento muy usado en las baladas sesenteras y muy diferente a otras canciones que ya había editado.

Esta fue una de las últimas canciones grabadas para el álbum Double Fantasy debido a que Lennon no se sentía muy seguro de ella al encontrarla fuera del estilo de las demás canciones que componían el disco. Era tanta la inseguridad del artista hacía esta obra que el productor Jack Douglas mencionó en una entrevista el 2005 "No dejamos de escuchar la canción hasta el último día de ensayos". Además declara que fueron los músicos de sesión que aconsejaron a Lennon en colocar "Starting Over" en el álbum argumentandole que seria un gran éxito... y le apuntaron!!!.

En un principio, la canción fue titulada simplemente como "Starting Over", pero luego de que el ex-Beatle escuchara una canción con ese titulo decidió añadirle al titulo "(Just Like)" para evitar problemas con el titulo en la promoción del single en las radios.

La canción se convirtió en un éxito en ventas, dejando a Lennon nuevamente en los primeros lugares de las listas. Pero la canción recién alcanzó el número uno ,tanto en Estados Unidos (donde llegó al puesto #3) como en el Reino Unido (donde estaba en el casillero #8), tras la sorprendente muerte del músico el 8 de diciembre de 1980.

De ahi en adelante esta gran canción se convirtió en el sencillo más exitoso de la carrera musical en solitario de Lennon, manteníéndose cinco semanas liderando las listas norteamericanas.

CRIMSON AND CLOVER / TOMMY JAMES AND THE SHONDELLS

"Crimson and Clover" es una canción de la banda norteamericana Tommy James and The Shondells. Fue escrita por Tommy James y Peter Lucia y es una de las canciones mas famosas

de esta banda y de la decada de los sesenta, siendo considerada como un pieza clave de la música psicodelica. Fue publicada en noviembre de 1968 y alcanzó el primer en el Billboard Hott 100 en 1969, lo cual hizo que la canción se hiciera mas popular en el mundo.

El origen de esta canción viene por parte de un esfuerzo de Tommy James de componer un éxito para su banda sin ayuda de otro compositor, especialmente del productor Bo Gentry que le habia colaborado con varias de sus canciones mas exitosas. Además Gentry habia decidido no venderle mas canciones a la banda en señal de protesta con la discográfica Roulette Records que le debian algunos dineros de sus derechos de autor.Este fue una gran problema para la banda, la ida de uno de sus mejores compositores los dejaba al borde del abismo, ya que el manager y los productores de la banda ya habian amenazado a Tommy James con que si no conseguia un compositor para sus canciones simplemente su carrera se iria en picada al suelo. Pero James declaró que él se podía hacer cargo de las canciones y al ver que la idea no era aceptada por los productores y gerentes de la discográfica, se dispuso a taparles la boca con una canción.Así fue que, fiel a su idea de hacer una buena canción, James se juntó con el baterista Jim Payne en los estudios Allegra ubicados en la calle 1650 en Broadway y empezaron a escribir "Crimson and Clover" basados en la flor (trébol) y el color favorito (carmesí) del cantante.

Kenny Laguna, productor y tecladista que trabajó posteriormente con Joan Jett, fue un testigo de esa sesión de ensayos donde estos dos músicos crearon la canción. Laguna menciona "andaba por esos lados trabajando y me encontré con Tommy que me llamó a que vaya a escuchar lo que estaban haciendo en la sala de ensayos. Quedé impresionado con su trabajo, era una canción hermosa e increíble y entre ellos dos escribieron la canción, la arreglaron y tocaron todos los instrumentos en la grabación".

Esta canción es famosa por ese efecto vocal "tembloroso" que aparece en la parte final de la canción. Este efecto fue hecho por James enchufando su micrófono al amplificador de su guitarra, y, luego activando el efecto de trémolo o sucesión rápida de notas, y con eso empezó a cantar repetidamente la frase "crimson and clover, over and over" que es una caracteristica muy llamativa de esta gran canción que incluso muchos oyentes asombrados con ese efeto creyeron que lo que decia esa frase era "Christmas is over" en lugar de "crimson and clover".

Esta canción fue todo un éxito para esta banda, y de paso James les dejó claro a los produtores que tambien podía hacer una canción exitosa sin la ayuda de un compositor elegido por la discográfica.En 1981, la cantante Joan Jett junto a su banda The Blackhearts hizo una versión de esta magnífica canción con un toque mas punk y que llegó al séptimo puesto en los charts norteamericanos colaborando con más popularidad a este gran tema.

SAMBA PA TI / SANTANA

"Samba Pa Ti" es una canción de la banda norteamericana Santana. Publicada en 1970 como parte del repertorio del disco Abraxas, que es uno de los LP's historicos de esta banda y de la larga vida del rock debido a su fusión entre el blues, el jazz y la musica afrocubana que dejó a muchas personas sorprendidas ante tanta mezcla de sonidos y la belleza de canciones como esta que hoy comentamos.

Esta pieza instrumental es considerada como uno de los puntos mas altos en la carrera del guitarrista mexicano Carlos Santana, ya que él fue quien escribió e ideó la estructura musical de esta delicada y romantica "Samba Pa tí".La guitarra se toma la voz principal de la canción. Ella es la que nos habla con sus acordes mágicos y relajantes que nos dejan con esa sensación que solo los buenos "Blues" pueden hacer con sus delicados detalles.

Para Carlos Santana esta fue la primera canción que le dió el mensaje de que podía expresar sus emociones y sentimientos personales.En una entrevista para la revista "Mojo" el músico comentó sobre esta gran canción: "Recuerdo que estaba solo una noche y empezé a pensar que mi carrera musical era muy parecida a la de otros guitarristas como BB (King), George Benson o Peter Green. Esa noche escuché "Samba Pa' Ti" en la radio y sentí que me miraba en un espejo, porque ea mi cara, mi voz, mis dedos, mi identidad, mi singularidad. Todo se debe a que cuando la grabé no pensé en nada solo me dejé llevar por los sentimientos puros. Sospecho que esta canción trae embotellada muchas cosas personales, que no sabía como expresar o articular en una letra. Muchas veces me enfado porque no puedo decir el verdadero significado de esta canción y es debido a que simplemente salió de mí. Eso si que el mundo lo entiende".

La canción fue todo un éxito para el disco Abraxas pese a no ser lanzada como single promocional ya que las elegidas fueron "Black Magic Woman", "Oye Como Va" y "Hope You're Feeling Better". Pero la banda se soprendió cuando gente de la discografica Columbia le contaron que en el Reino Unido "Samba Pa Ti" habia entrado al UK Singles Charts en el puesto #27.Debido a eso, la banda decidió ir a promocionar su música a Inglaterra en 1974 y para ello idearon un compilado con sus canciones mas exitosas y usaron a esta pieza instrumental como el single promocional de su disco en tierra británicas.

Esta maravillosa canción se convirtió en una de las canciones mas conocidas de esta agrupación musical que le puso al Rock de los setentas ese toque afro-latino que impactó mucho en la escena musical estadounidense.

En 1982, el cantante oriundo de Puerto Rico, José Feliciano (que de joven se dió el lujo de tocar guitarra en el disco Rock'n'roll de John Lennon) lanzó una versión de esta canción y le incluyó una emotiva letra. Nuevamente fue un éxito...

DUST IN THE WIND / KANSAS

Dust in The Wind es el nombre de una canción interpretada por la banda norteamericana de rock progresivo Kansas, publicada en 1977. Llegó al lugar #6 de las listas de popularidad Billboard Hot 100.

Fue escrita por el guitarrista de la banda Kerry Livgren, y fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica difiere ostensiblemente de otros éxito de la banda, como "Carry On Wayward Son" y "The Wall" que tiene un grado mas de guitarras electricas y experimentacion.El interludio de la canción contiene una melodía distintiva interpretada por Robby Steinhardt, doblando sus solos de violín, viola y chelo, que fueron escritos a su vez por Livgren.

Está hecha con un profundo significado espiritual sobre la vida y como debemos enfrentarla.

Existen muchos grupos que la han incorporado a sus repertorios en conciertos por todos el mundo como Scorpions, The Moody Blues, Mägo de Oz, Metalium, Eric Benét, Keren Ann, Chantal Richard, Daughter Darling, J.B.O., Interface, The Eagles y Simon & Garfunkel y muchos mas. Tambien existe una version punk en español interpretada por al banda chilena Los Mox!, se llama "Polvo en el viento".Ya que se nos extravió el video con los subtitulos (ya que en la web no estan habilitados) les dejamos la letra en español:

POLVO EN EL VIENTO

Cierro mis ojossolo por un momento

y los momentos se vanTodos mis sueños

pasan ante mis ojosuna curiosidad

Polvo en el vientotodo lo que somos es polvo en el viento

La misma vieja canciónsolo una gota de agua

en el inmenso marTodo lo que hacemosse deshace en el suelo

aunque no lo queramos ver

Polvo en el vientotodo lo que somos es polvo en el viento

No cuelguesnada es para siempre

solo la Tierra y el cieloSe escapa

y todo tu dinerono comprara otro minuto

Polvo en el vientotodo lo que somos es polvo en el viento

Polvo en el vientotodo es polvo en el viento

CARRIE / EUROPE

"Carrie" es un super exito de la banda sueca de Hard rock Europe lanzada en 1987.Fue el tercer single lanzado de su mas clasico álbum The Final Countdown, y fue número 3 en el ranking Billboard Hot 100 en los EE.UU. durante el otoño de 1987. La producción del tema estuvo a cargo de Kevin Elson.

La canción fue escrita por el vocalista Joey Tempest y el tecladista Mic Michaeli durante el año 1985 entre giras y giras alrededor del mundo.Existe una primera versión de la canción que sólo consistía en teclados y voz, se interpretó en una gira por Suecia, el mismo año.La versión deñ Demo es similar, pero la versión final que se incluyó en el álbum se incluyó a los demas integrantes tocando el tema.

En los recientes conciertos de la banda Europe (siguen vigente en estos años y quien sabe si vuelven algun día al festival de Viña) interpretan una versión acústica de "Carrie" donde solo Tempest y su guitarra deleitan al publico de esta "Power-Ballad" mas clasica de finales de lo ochenta.

THE LADY IN RED / CHRIS DE BURGH

"The Lady in Red" es una canción del cantante y compositor irlandés Chris de Burgh. Esta famosa balada forma parte del disco Into The Light, que el cantante publicó en 1986. Gracias a esta hermosa canción de De Burgh ,que nació en la provincia de Santa Fé (Argentina) y fue guitarrista invitado de Supertramp en 1975, logró conquistar los rankings de 25 paises con esta balada que es una de las canciones mas reconocidas de la decada de los 80's.

La historia cuenta que Chris De Burgh se encontraba trabajando en una canción llamada "The Way You Look Tonight" pero un amigo le avisó que ya existia una cancion con ese titulo. Esto provocó un breve enojo en el cantautor irlandés que decidió tirar a la basura esa canción y componer otra, basandose en la misma idea.Entonces buscó la inspiración en su amada esposa Diane, con la cual había discutido y estaban peleados por cosas típicas de los quehaceres hogareños. En la letra de la canción De Burgh hace una critica a todos los hombres que se olvidan de sus mujeres luego de conquistarlas, a tal punto llega su amnesia temporal, que muchos se olvidan hasta del color de ropa que llevaban sus esposas en el momento de la conquista.

"Lady in Red" está inspirado en el momento en que el cantautor conoce a su actual esposa Diane. Esto ocurrió en un famoso club nocturno de Irlanda y Diane llevaba un precioso vestido rojo que dejó "loco" a De Burgh. En una entrevista, Chris De Burgh comentó acerca de esta hermosa balada que lo hizo famoso en todo el mundo: "Me dí cuenta que no somos conscientes de que las personas mas importante de nuestras vidas pueden estar sentadas a nuestro lado y con el paso del tiempo recien nos damos cuenta de esos pequeños detalles que los juntaron y conquistaron. Esa es la base de la canción".

Según De Burgh, la canción le tomó 20 minutos en escribirla pero demoró casi seis meses en arreglarla. " Como cualquier obra de arte, sea pintura o escultura, siempre hay que depurar cada detalle y eso lleva tiempo. Sé que al cantarla, la canción tiene un impacto de la vida de muchas personas. Incluso la tocan en funerales" comentó el cantante en una entrevista radial.

La canción fue un exito rotundo en la radios de todo el mundo y logró llegar al primer puesto en las listas del Reino Unido en julio de 1986. Mientras que en Mayo de 1987, la canción logró el tercer puesto en el Billboard.

Esta balada es considerada como una de las canciones escenciales en cualquer compilado que se haga sobre la música que acompañó a la decada de los 80's. Una romantica canción que hizo bailar a muchos a media luz, que ayudó a encontrar a esa "media naranja" o esa "palomita" que te hacía suspirar cuando pasaba fuera de tu casa o del colegio.

NIKITA / ELTON JOHN

"Nikita" es una canción del cantante británico Elton John. Publicada en el disco Ice On Fire de 1985, rapidamente se convirtió en una de los hits mas recordados de este exitoso cantante inglés.Esta canción, cuya temática es la Guerra Fria, fue lanzada como single el 29 de Octubre de 1985 y el 2 de Febrero de 1986 en el Reino Unido y Estados Unidos respectivamente.

Tal como ya mencionamos, esta balada tiene como contexto la Guerra Fria, que por esos años dividía al mundo entre un bloque Capitalista y un bloque Comunista, siendo una guerra que iba mas allá de las armas y los campos de batalla.Basado en eso, Elton John escribe esta canción que cuenta la historia sobre un ciudadado de Alemania Oriental (RDA), que se enamora de Nikita y que sueña con la caída del Muro de Berlin que los divide de muchas realidades y no deja que su amor sea libre.

Fue considerada como una de las canciones mas revolucionarias en plena época de la Guerra Fria, ya que Elton John lograba describir el lado humano de una guerra que solo dejaba penas, soledad y gente presa de su libertad.Tanto fue el éxito de esta canción, que muchas personas que vivian en Alemania Occidental luego de escuchar "Nikita" se dieron cuenta del mensaje sobre la libertad y el deseo de que su pais fuera uno solo. Fue un "Simbolo de Paz" para lograr que Alemania botara ese muro que solo les traía verguenzas, desigualdades y represiones.

Pero la canción tambien tiene algo de polémica, ya que al parecer en la canción, "Nikita" sería una mujer, pero en diversos países de Europa del Este (especialmente en Rusia) el nombre "Nikita" tambien es usado en los hombres.Pero en el video clip de la canción, el director Ken Russell, personificó a Nikita como una mujer que pertenecía al ejercito de la Alemania Comunista y que conuistaba el corazón de Elton John (?). El papel de Nikita fue hecho por la atleta, modelo y actriz británica Anya Major, que un año antes había actuado en el famoso spot publicitario "1984" usado en el lanzamiento para Norteamerica de la computadora Macintosh 128K de la empresa Apple.Para este video, Elton John aceptó la idea de Russell, que era hacer una historia de amor etre él y la chica rubia que era guardia en el ejercito alemán. Con ello retrató los sueños que ambos tenian de derribar muros y vivir en libertad, paz y juntos por siempre.

Pero Elton John nos tenía una sorpresa guardada sobre esta canción. Luego de su separación matrimonial, en 1988, con la ingeniera en sonido de nacionalidad alemán Renate Bluel, el músico declaró que la canción era sobre su homosexualidad, que la había admitido mientras estaba casado con Bluel y fue la causa principal de su divorcio.Por ello, Nikita en realidad era un hombre y todas las metaforas sobre libertad, paz y respeto eran para que la gente respete las relaciones homosexuales.

Sea como sea, la canción (que tiene en los coros a George Michael) fue todo un éxito en la carrera de John, convirtiendose en un hit dentro de los top ten de varios rankings alrededor del mundo. La canción llegó al casillero # 3 en el UK Singles Chart y también llegó a entrar en el top 10 en los EE.UU., posicionándose en el puesto # 7.

SUSPICIOUS MINDS / ELVIS PRESLEY

"Suspicious Minds" es una canción del famoso cantante estadounidense Elvis Presley. El single de esta canción fue publicado un 26 de agosto de 1969, siendo el ultimo single del denominado "Rey del Rock" en llegar al numero uno de las listas de Estados Unidos conviertiendose rápidamente en una pieza clasica en el repertorio de Elvis en sus ultimos conciertos.

En 1968, esta canción fue escrita y grabada por el compositor Mark James (que también puso su pluma en la clásica "Always On My Mind", que Elvis grabaría más tarde) pero fue un rotundo fracaso comercial para el artista oriundo de Memphis, asi que decidió mostrarsela a Elvis Presley, quien al escucharla junto a su productor Chips Moman la encontró una canción fantastica y muy hermosa. Elvis le prometió a su autor que le haria una versión emotiva que llegaría a ser todo un éxito... y lo logró.

Rápidamente Elvis y sus musicos empezaron a hacer los arreglos de esta canción para luego grabarla en Enero de 1969. En esa sesión tambien grabaron dos futuros singles como "In the Ghetto" y "Kentucky Rain", los cuales ayudaron a que Elvis volviera en gloria y majestad a su trono como el Rey del Rock.Al escuchar los demos que habia grabado Elvis, y saber que pronto sería un gran éxito en la carrera musical de su pupilo, el "satánico" Coronel Tom Parker (manager de Presley) intentó hacer su robo habitual sobre los derechos de autor de las canciones que le vendían a Elvis y al ver, que James no le tomaba en cuenta sus sucios dolares para que la canción pase a ser de la autoria de Presley, decidió detener la grabación de la canción. Pero Elvis no le hizo caso... la canción le encantaba y no quería perder la oportunidad de grabarla.

La canción nos relata sobre los problemas de una relación amorosa marcada por la inseguridad y los celos y contiene un llamativo fadeout en el minutos 3 con 52 segundos que tiene como duración aproximada unos 15 segundos y que, según los productores, fue hecho de manera intencional para transmitir la relación en la letra y la musica detro de la canción.Otro dato bien curioso es que en los coros dentro de la grabación de este temazo participó Donna Jean Godcheaux, quien luego seria vocalista de la banda de rock Grateful Dead.

La primera vez que Elvis cantó esta canción fue en el Hilton de Las Vegas el 31 de julio de 1969, un mes antes de que sea lanzada como single.

La canción fue todo un éxito en ventas y le ayudó a rcuperar la popularidad que había perdido a causa de malas peliculas y canciones de baja calidad. Tal como esperaba y habia jurado Elvis en los estudios mientras grababa esta hermosa balada, conviertiendose en su ultimo número uno en Estados Unidos antes de su misteriosa muerte.

La versión en voz de Elvis Presley fue considerada entre las 500 canciones mas grandes de la historia, ocupando el puesto #91 de ese ranking hecho por la revista Rolling Stone.

TOTAL ECLIPSE OF THE HEART / BONNIE TYLER

"Total Eclipse of the Heart" es una famosa canción de la cantante galesa Bonnie Tyler. Esta gran balada fue escrita por el productor Jim Steinman (quien trabajaba junto al cantante norteamericano Meat Loaf) para el quinto disco de Tyler llamado Faster Than the Speed of Night, que fue publicado en 1983.El single de esta canción fue lanzado a la venta el 5 de marzo de 1983 y llegó a los primeros lugares en los rankings de Estados Unidos, Reino Unido y Canadá.

De acuerdo a una entrevista que se le hizo a Steinman en Ocutbre del 2006 por el periodico australiano Herald Sun, este le habia ofrecido dos canciones al cantante Meat Leaf: "Total Eclipse of The Heart" y "Making Love Out Of Nothing At All" para que formen parte del repertorio de su disco Midnight At The Lost And Found de 1983. Pero razones de dinero y escritorio hicieron que esta canciones no fueran aceptadas por el manager de Meat Leaf. Por esta razón el productor decidió pasarle esta canción a Tyler y la otra fue aceptada por la banda Air Supply. Ambas fueron éxitos...

En la grabación de Total Eclipse of The Heart participaron el baterista Max Weinberg y el teclista Roy Bittan, que eran parte de E-Streets la banda que acompañaba al famoso cantante norteamericano Bruce Springsteen. La guitarra electrica fue grabada por Rick Derringer, que fue integrante de la banda sesentera The McCoys ( eso que se hicieron famosos por "Hang On Sloopy") y que alcanzó gran fama como en 1973 con la canción "Rock and Roll, Hootchie Koo."

La frase "Turn Around, Bright Eyes" fueron cantados por el cantante canadiense Rory Dodd, quien partició en varias canciones compuestas por Jim Steinman e hizo coros en varios discos de artistas famosos como: Carly Simon, Barry Manilow, Barbra Streisand, Lou Reed, Julian Lennon y Billy Joel.

Esta balada le dió otro rumbo a la carrera de Tyler y fue el eje fundamental para la fama internacional que tanto buscaba. De hecho se convirtió en el primer artusta galés en llegar al número uno del famoso Billboard en EE.UU.

Sin lugar a dudas, esta canción es la mas exitosa de la carrera artistica de Bonnie Tyler y llegó a vender, en 1983, mas de 60.000 copias por día, y en total ha llegado a vender cerca de 6 millones de copias.

PLEASE DON'T GO / KC & THE SUNSHINE BAND

"Please Don't Go" es una canción de la banda norteamericana de "onda disco" KC and the Sunshine Band. Fue publicada como single un 12 de Julio de 1979 y forma parte del disco Do You Wanna Go Party.Esta famosa canción, escrita por el vocalista Harry Wayne Casey y el compositor Richard Finch fue la primera balada que grabó esta famosa banda oriunda de Miami.

Si bien la caracteristica principal de KC & The Sunshine Band era hacer bailar "sin parar" al compás de la musica disco con hits que hasta estos días son clásicos en las pistas, por ese entonces el productor y bajista Rick Finch se dió cuenta que hacia falta una balada de amor en el repertorio de su banda. A pesar de que Finch encontraba que las baladas eran aburridas y hacían dormir a la gente, tuvo que reconocer que necesitaba una balada para marcar un quiebre musical entre tantos acordes de funk, disco y música pop. " Me puse a pensar que hacer y derrepente se me ocurrió que teniamos que hacer algo diferente. Asi que empezamos a reinventarnos pero sin salir del sonido típico que habiamos conseguido. Eso fue muy dificil para todos nosotros, no sabiamos que hacer, asi que empezamos a investigar y buscar alguna canción. Despues de tanto buscar llegamos a escribir 'Please Don't Go" recordaba el productor y compositor en una entrevista.

La canción, cuya letra es un grito a una segunda oportunidad en el amor, fue todo un éxito para la banda, que quedó muy sorprendida con dicho resultado ya que se alejaban de sus alegres ritmos con los cuales eran conocidos en el mundo entero.Please Don't Go llegó al quinto puesto del Billboard en 1979 y recién el 5 Enero de 1980 alcanzó el numero uno de dicho ranking. Gracias a esto, Please Don't Go llegó a ser el primer numero uno de la decada de los ochentas!!

Pero no todo era felicidad dentro de la banda, ya que a pocas semanas de que esta balada llegara al número uno en Estados Unidos, el productor Rick Finch decide abadonar la banda, lo cual provocó un quiebre dentro de los integrantes, que decidieron tomar nuevos rumbos en materia artistica. Luego de esto el vocalista y "dueño de la Quinta Vergara" (??) Harry Wayne Casey, tuvo el camino despejado para lograr su tan ansiada carrera artistica como solista... que pasó desapercibida, mientras Please Don't Go seguia sonando en la radios de todo el planeta.

NOTHING'S GONNA STOP US NOW / STARSHIP

"Nothing's Gonna Stop Us Now" es una canción de la banda norteamericana Starship. Fue lanzada como single el 23 de Febrero de 1987 y aparece en el disco No Protections que fue lanzado en Julio de ese año.El gran éxito de esta canción que llegó a los primeros lugares de los rankings de casi todo el mundo, fue impulsado por ser el tema principal de la comedia romantica Mannequin (que es protagonizada por Andrew McCarthy y la sensual Kim Cattrall (maniquí humano??) entre otros actores de renombre), con la cual fue nominada al Premio Oscar por "Mejor canción Original" en 1988.Recordemos, a modo de cultura general y rareza musical, que esta banda fue fundada por integrantes que vivieron y vieron la evolución de la sesentera banda psicodelica Jefferson Airplane, que en 1974 por idas y vueltas entre los músicos pasaran a llamarse Jefferson Starship y en 1984, por la ida del veterano Paul Kantner que era "dueño" de la palabra "Jefferson", simplemente quedaron con el nombre de Starship.

Esta hermosa canción, escrita por el reconocido cantautor Albert Hammond y la compositora Diane Warren, fue el paso fundamental para que esta banda se hiciera conocida en el mundo entero y lograran la fama necesaria para lanzar una carrera que luego estaria plagada de éxitos musicales que son parte del soundtrack de la década ochentera.

La historia de esta canción, empieza cuando el director de cine Michael Gottlieb, encargado de Mannequin, se contactó con los compositores Albert Hammond y Diane Warren par apedirle que escriban una canción contextualizada en una escena de la pelicula donde se muestra un casamiento. Para facilitarles la tarea a los dos compositores, Gottlieb le envió por correo el guión de la pelicula.En 1992, Albert Hammond comentó en la BBC que "me inspiré en mi relación con ex-esposa Claudia, de la cual me divorcié despues de siete años de casados. En un principio pensé escribir esta canción para interpretarla en algún disco, ya que contaba la historia de mi boda y como nos habiamos conocido. Pero despues le dije sobre esto a Diane, le conté "nadie pudo detener esa boda con esa mujer pero despues de siete años nos dimos cuenta que no tuvimos éxito" y de ahí nace Nothing's Gonna Stop Us Now ".

Luego de escribir la canción, se la enviaron al productor Michael Walden, que de inmediato llamó al estudio a los dos cantantes de Starship, Grace Slick y Mickey Thomas, para trabajar en la parte musical de la canción.Esos 4 minutos con 29 segundos de "Nothing's Gonna Stop Us Now" nos traen un estilo musical muy distinto al que los integrantes de Starship venian interpretando en sus anteriores éxitos, como We Built This City, donde mostraban mas riffs de guitarra y rock and roll con sintetizadores. Esto se debe a que no es una canción cien por ciento Starship sino que es una experimentación "popera" hecha por el productor Michael Walden junto a los cantantes Grace Slick y Mickey Thomas. Mientras que el aclamado guitarrista Craig Chaquico simplemente

fue un músico invitado y tuvo que sentarse a mirar como sus compañeros trabajaban solo con bases, samplers y musica envasada en computadoras.

El resultado fue una canción maravillosa, llena de arreglos que dejaron una melodía sólida y potente para el receptor. Slick demuestra todos su dotes vocales e incluso parece que hubiera vuelto a su juventud cuando cantada en Jefferson Airplane, mientras que su compañero Thomas cantó mil veces mejor que en muchas grabaciones con la Jefferson Starship. Ambos vocalistas se complementan "a full" cantando a coro. Es tanta la magía que ambos cantantes transmiten en la interpretación vocal de esta canción, que el crítico musical Joe Viglione de Allmusic los compara con el sonido de guitarras de la dupla Keith Richards /Ronnie Wood, de los eternos Rolling Stone, ya que ambos logran una duplicación del sonido simplemente a puro sentimiento.

Al ser lanzado el single, los resultado en cuanto a ventas fueron espectaculares. La canción en pocos días se convirtió en el mayor éxito musical de Starship, llegando a estar dos semanas en el # 1 en los EE.UU. y 4 semanas en el # 1 en el Reino Unido, donde fue el segundo single mas vendido de 1987. Ademas llegó a los primeros lugares en Alemania, Suiza, Suecia, Irlanda, Noruega y Francia.

Una canción inolvidable, digna de ser recordada ya que fue un éxito que , merecidamente,no dejó en paz a ninguna radio...

YEAR OF THE CAT / AL STEWARD

"Year of the Cat" es una canción del cantante y compositor escocés Al Stewart. Lanzada como single en Julio de 1976 en el Reino Unidos y en Octubre de ese mismo año en Estados Unidos, "Year of the Cat" fue la canción elegida para promocionar el disco del mismo nombre, que es uno de los mas populares en la carrera de este artista británico.

La historia de esta gran canción, comienza con un acontecmiento totalmente distinto a lo que muhcos piensan sobre la temática. Al Stewart escribió gran parte de esta canción luego de ver un triste y deprimente espectaculo del comediante Tony Hancock en Bournemouth, Inglaterra en el año 1966. Era el año donde el famoso comediante estaba sumergido en sus problemas con el alcohol y sus shows eran un desastre, a tal punto que dado que nadie se reía con sus chistes empezaba a insultar al público en señal de defensa o simplemente empezaba a hablar de su vida y todos los problemas que tenia que sobrecargar.Stewart dijo en una entrevista que: "Él (Tony Hancock) se paró en el escenario y dijo:" No quiero estar aquí. Estoy totalmente decepcionado con mi vida. Soy un perdedor total, aunque suene estúpido. No sé por que acepte venir para acá". Luego de esas palabras todos se rieron, ya que creian que era un nuevo personaje que había inventado... pero en realidad no estaba mintiendo. Me puse a mirarlo y me di cuanta que todo era real".

Luego de ese triste y deprimente espectaculo del comediante, Al Stewart escribió parte de la letra en honor a ese valiente actor que dejó su alma en el escenario y nadie le creyó. La canción fue titulada "Foot Of The Stage" y contenía una frase muy significativa en honor al famoso comendiante inglés, "Your tears fall down like rain at the foot of the stage" (en español es algo como "Tus lágrimas caen como lluvia sobre el escenario").Pero en 1968 todo cambió para la historia de esta canción. Mientras hacía unos espectáculos en Sydney, una mezcla de pastilllas para dormir y alcohol mataron a Harcock. Al saber esa lamentable noticia, Al Steward cambió de planes y decidió no publicar la canción, ya que no queria aprovecharse de la tragedia del humorista para vender su música. Asi que conservó la música y se dispuso a escribir una nueva letra para entregarle a su productor Alan Parson antes que edite el disco que estaban grabando.

Al final, Steward no publicó esta canción y la dejó en carpeta para buscar una nueva idea para la letra. Asi fue que un día mirando la famosa pelicula "Casablanca", publicada en 1942 con la dirección Michael Curtiz, se le vino a la mente la idea principal para letra de esa canción que andaba buscando.

La canción paso a llamarse "Year of the Cat" inspirado en una de las ideas de la astrología vietnamita. Según los expertos en la "bolita mágica", tambien se le conoce al año de Gato como el año del Conejo (entre un gato y un conejo mucha diferencia eh!!!). El año del "miau" es cada 12 años y se dice que es un año sin estrés y muy relajado para vivir. El año en que fue escrita la canción, 1975, justo era el año del gato... Es un buen dato para tener en cuenta.

La canción fue grabada en 1976 en los Abbey Road Studios, bajo la producción de Alan Parson, quien tambien colaboró tocando el saxofón.La canción fue co-escrita por compositor Peter Wood. La letra nos relata la historia de un turista que conoce y se enamora de una muchacha Hippie que laburaba en un mercado. Ambos pasaron una noche de pasión extrema, lo que tuvo como resultado que el turista perdiera el bus ese año 1975, o sea el desestresante año del gato.

Musicalmente esta canción es fenomenal ya que contiene largas secciones instrumentales que van dando mas vida a la historia que se cuenta en la letra. Estas secciones incluyen un solo de violín, de guitarra acúsitca y eléctrica (con una buena distorsión!!) y el a mencionado solo de saxofón.La canción hace una mezcla entre música folk con algo de jazz, lo cual es marca registrada de Alan Parson, que hizo esa excelente mezcla desde las mesas de sonido.

Esta canción se convirtió en el primer single de Al Stewart en entrar al Top 10 de las listas en EE.UU, alcanzando el octavo puesto.

Es uan de las canciones mas conocidas de este cantante oriundo de Glasgow y ha recibido muy buenas criticas por esta melodía que ya es parte del soundtrack de la vida de muchas personas.

TAKE IT ON THE RUN / REO SPEEDWAGON

"Take It on the Run" es una canción de la banda estadounidense REO Speedwagon publicada dentro de su noveno disco titulado Hi Infidelity. Fue lanzada como single en 1981 logrando una gran popularidad, ya que en esos años la banda tuvo su mejor momento musical cuando se dedicó a las comerciales y populares "Power Ballads".

Esta canción fue escrita por el guitarrista Gary Richrath inspirado en la canción "Keep on Lovin You", que el cantante Kevin Cronin habia compuesto para el mismo disco y que fue el primer single promocional que lanzaron para dar a conocer Hi Infidelity, obteniendo gran popularidad hasta llegar al primer puesto del Billboard.Richrath y Cronin pasaban por el mismo problema, ya que ambos estaban pasando por momentos difíciles en sus respectivos matrimonios y eso era un motivo de desahogo para escribir canciones.

En una entrevista ochentera, Richrath mencionó algunos datos de la historia de esta canción: "Recuerdo que cuando me dispuse a escribir esta canción, me desperté una noche, aún medio dormido y me senté frente al televisor. En ese intante estaban pasando una telenovela y me dispuse a verla mientras estaba tocando la guitarra. Mientras miraba esa telenovela pensaba:'Dios mio, las relaciones de estos tipos son peores que la mía. Me quedé allí y empezé a cantar acerca de los efectos de los chismes y la relación de estos con las rupturas matrimoniales. Asi que me fui por un tubo, ya que esa historia que miraba por televisión era similar a lo que yo estaba pasando en esos momentos".En esa noche, el guitarrista ya había escrito la canción casi en su totalidad, y la tituló "Don't Let Me Down" y la letra, segun el propio autor, era demasiado machista. Asi que se dispuso a arreglar la letra y parte d ela música hasta llegar al resultado final que era una canción llamada Take it on the Run...

Era 1981, y la banda había logrado un éxito monumental con la ya mencionada "Keep on Loving You". Entonces, tres meses despues, los productores y los integrantes de la banda deciden continuar esa buena racha musical lanzando "Take It on the Run" como segundo single y no se equivocaron en la elección ya que lograron el quinto puesto del Billboard. En esos días, la veterana banda Reo Speedwagon estaba en boca de todos y su popularidad iba en orden creciente."Take it On the Run" se diferenciaba de las demás baladas de la banda ya que privilegiaba el sonido de la guitarra eléctrica antes que el piano, lo cual atrajo mucho más al publico que queria escuchar el sonido mas rockero de esta banda orinda de Illinois.

La interpetación vocal de Kevin Cronin es emotiva, dura y actua de manera genial la letra de esta canción que tiene tintes a un dolor profundo por un amor perdido y la desgracia que produce en el que lo vive. La voz de Cronin es el protagonista principal de esta gran canción.Musicalmente la canción nos demuestra todo el talento individual de los integrante de REO Speedwagon en sus intrumentos. En esta canción se complementan de tal manera, que logran un sonido de rock suave perfecto.

El periodista Mike DeGagne, que escribe en la web AllMusic, hizo un breve pero potente comentario acerca de esta canción en su espacio en la web: "Mientras que "Keep on Loving You" fue un himno, "Take It on the Run" es una canción personal, incluso demasiado íntima, con un Cronin que hace un espléndido trabajo de hacer creer a los auditores que la letra de la canción se refiere a él como un personaje dentro de ella, logrando una ruptura en la parte musical". "Take it on the run" nos trae todo el talento musical de esta gran banda, que en lo 80's demostraron lo mejor de su repertorio con letras romanticas y fuertos riffs de guitarra par ahacer bailar a "media luz" a toda esa juventud que hoy escucha esta canciones con un gesto de nostalgia.

GOT MY MIND SET ON YOU / GEORGE HARRISON

"Got My Mind Set on You" es una canción del músico británico George Harrison, que fue publicada como single en Octubre de 1987, obteniendo un gran exito en ventas y obviamente en popularidad.Esta canción, que fue escrita por Rudy Clark y publicada en 1962 por James Ray, pertenece al disco Cloud Nine, que fue el regreso de Harrison a los estudios de grabación luego de cinco años alejado de la música.

Harrison había quedado encantado con esta canción cuando la escuchó en 1962, incluso intentó convencer a los demas Beatles para que la grabaran en algun disco, pero siempre tuvo respuesta negativas.Pero dado el fracaso de su disco Gone Troppo en 1982, Harrison entendió que si quería recobrar fama y promocionar de buena manera su próximo disco debía lanzar una canción de ritmo simple, de melodía pegajosa y que fuera un éxito comercial rotundo entre la gente. Para eso, decidió grabar su propia versión de "Got My Mind Set on You" y llamó a su viejo amigo Jeff Lynne (líder de la E.L.O) para que le ayude en la producción de la canción.

La idea de Harrison era probar suerte con una canción (muy, pero muy) alejada de su estilo musical que hasta ese entonces era influenciado por la música de la India y la utilización de instrumentos poco usuales en una estrella de rock, a eso se puede agregar que la canción que eligió George contenía una letra totalmente "nada que ver" del papel reflexivo hacia la sociedad y el ser humano que era el rol principal de la pluma de este ex-Beatle. Obviamente,

luego de escuchar esta canción en las radios, muchos de los fans de George Harrison no soportaron este cambio musical y llegaron a decir que su ídolo se había vendido a los medios y a la cultura de la basura ochentera. Incluso odian esta canción... más cuando el videoclip de esta canción fue pasado por MTV y algunos criticos musicales los tildaron de "es la típica canción que lanza un artista cuando está carente de ideas".

En su versión, Harrison mantiene el ritmo optimista y el empuje musical de la canción original. A todo eso, el ex-Beatle le incluye su dosis de humor e ironía, donde incluso en el video clip se le puede ver pidiendo perdón a los fans por esta escena musical tirada mas a lo comercial que a lo experimental.La mano de Jeff Lynne se nota especialmente en los coros, donde se puede apreciar cierta inspiración en la forma con que grababa las canciones de su banda Electric Light Orchestra. Además, muchos críticos han dicho que con esta canción, Lynne dió con el sonido característico que haría famoso a la superbanda The Traveling Wilburys, donde él compartia escenario con Dylan, Petty, Orbinson y Harrison en 1988.

La otra idea de Lynne fue llamar al famoso saxofonista Jim Horn, que había trabajado en discos de Paul McCartney, John Denver, Toto, John Lennon y otros artistas más. Horn interpreta el famoso solo de saxofón que se escucha en la canción y que le da un toque y una sensación especial a la parte musical.

Como era de esperar, Harrison y sus productores decidieron hacer un videoclip para promocionar la canción. Se publicaron dos videoclip de esta canción donde el mas famoso fue aquel donde se muestra a Harrison, sentado en su "living" y rodeado de objetos que se mueven por sí solos al ritmo de la canción. Incluso se muestra en la parte instrumental a un plástico Harrison que hace un impresionante salto mortal y varias volteretas dignas de un atleta olimpico... obviamente era un doble que suplantó al mítico guitarrista de The Beatles.

La canción cumplió ampliamente su objetivo propuesto por Harrison, ya que fue se apoderó del primer puesto en el Billboard Hot 100 en enero de 1988. Siendo el tercer y último número uno que Harrison lograba en Estados Unidos (primero fue "My Sweet Lord" en 1970 y luego "Give me Love (Give Me Peace on Earth)" en 1973). En su natal Inglaterra, la canción estuvo cuatro semanas en el segundo puesto del UK Singles Charts en 1988.

Más allá de todas las críticas que le han hecho a esta canción, Harrison dejó claro que su vuelta a la música venía de la mano con un nuevo concepto en cuanto a sus composicioes, donde se tiró mas al lado del pop y la música para las masas. Esta canción se convirtió en una de sus mejores canciones e su etapa solista y demostró toda su calidad dejando una canción que no le pertenece como una de las suyas, debido a su gran interpretación...

TRUE / SPANDAU BALLET

"True" es una canción de la banda inglesa Spandau Ballet, que fue publicada como single en 1983 logrando acaparar buenas críticas de la prensa y un éxito rotundo en los rankings de las radios británicas y Norteamericanas.Esta canción, escrita por el guitarrista Gary Kemp, es una de las principales piezas musicales de su gran disco, titulado al igual que la canción, True y que fue el responsable de dejar a la banda en la "cresta de la ola de la fama".

La historia cuenta que Kemp estaba buscando alguna idea para escribir una balada, ya que eso era éxito seguro en plena época ochentera. Pero él no queria una simple y vaga melodía, lo que quería era hacer una canción como esas que dejaron sus ídolos musicales como Al Green o Marvin Gaye.Un día, tirado en su cama, mirando televisión y rasgando su guitarra , llegó a la melodía que luego daría vida musical a "True". Kemp llegó a saltar de alegría por lograr su porposito y rápidamente llamó por telefono a su hermano Martín, que era el bajista de la banda, para que este fuera a su casa a escuchar la nueva melodía que había creado.

Luego venía la etapa de crear la letra de esta canción. Para ello, Gary Kemp se inspiró en la idea de escribir acerca de esas personas que no saben si ese amor que le demuestra su pareja es verdadero, ya que para ellos es dificil poner en manifiesto sus sentimientos y les dá hasta verguenza hacerlo frente a la persona que realmente quieren y aman. Además, la letra fue la forma con que el guitarrista logró plasmar toda su tristeza, ya que en esos días sufría mucho por un amor no correspondido... Ese dato es "very important" para la historia de la canción.En una entrevista para su página oficial, Gary Kemp dió mas pistas sobre la inspiración de la lírica: "La letra fue delicadamente influenciada por Lolita de Nabakov, que era uno de los libros que ella (la chica que lo tenía trsite y meláncolico) me había dicho que leyera alguna vez. Lamentablemente lo hice tarde, y lo leí luego de que lo nuestro se había acabado". Además recalca el secreto para el éxito de esta cancion: " Nunca tomamos en serio el potencial de esta canción hasta cuando empezamos a grabarla en Compass Point. Me acuerdo que estabamos escuchándola luego de regrabarla y nos dimos cuenta de toda la energía que contenía, a tal punto que antes de que terminara de sonar, todos los que estabamos allí presentes, desde los miembros del grupo hasta los asistentes del productor, estaban cantando junto a mí. En ese momento supe que la canción tenía algo especial."

Lo mismo recalcó el productor Tony Swain en una entrevista para el libro 1000 UK #1 Hits de Jon Kutner y Spencer Leigh: "Grabamos el álbum True en las Bahamas, y estoy seguro que mucha de la energía de ese lugar quedó plasmada en el disco. Es cierto que esta canción no fue algo complicado, pero tiene ese "que sé yo"... Tiene algo raro. Es que la canción sigue viviendo día a día, tiene cerca de dos millones de reproducciones por año en las radios de Estados Unidos y se utiliza en escenas de bodas en varias peliculas. Es agradable sentir que trabajaste en un disco que duró años y eso siempre lo llevo con orgullo".

Es cierto lo que dice Swain, es que "True" fue un éxito a nivel mundial y aunque pasen los años, las modas y los estilo musicales, esta hermosa balada siempre estará en el soundtrack de muchas relaciones amorosas por su simpleza y hermosa letra. Y eso no lo hacen muchos...La canción fue número uno en el UK Singles Charts en la primavera de 1985 y estuvo ahí durante cuatro semanas e hizo lo mismo en varios rankings de otros paises europeos.En Estados Unidos el éxito fue igual e incluso más importante, ya que llegó al casillero #4 del Billboard Hot 100 y logró quitarle fama a una de las bandas que le hacían "collera" en hits y popularidad en esos años. Nos referimos a los Duran Duran... Pero eso es otra historia y para otra canción.

Les dejamos esta hermosa balada cosecha 1983, especial para bailar con la novia, novio o ese típico amigo(a) "con ventaja". Lo importante es disfrutar la buena música y esta canción merece aplausos!!!

BREAK MY STRIDE / MATTHEW WILDER

"Break My Stride" es una canción del cantante, compositor y productor musical estadounidense Matthew Wilder.Esta famosa canción, escrita por Wilder y Greg Prestopino, fue la canción elegida para ser publicada como single, el 26 de Noviembre de 1983, para promocionar su disco I Don't Speak the Language que había lanzado ese mismo año.

Con esta pegajosa y rítmica melodía, Wilder logró llegar a los puestos mas altos de los rankings en todo el mundo, a tal punto que muchos periodistas especializados en música empezaron a observarlo con "buenos ojos", debido a su visible talento musical y la inteligencia de componer un hit que dejó a todo el mundo bailando a sus pies.

Con un llamativo riff de teclado y con una melodía inspirada en la música oriunda de Jamaica, esta canción llamaba la atención de forma inmediata al oyente.Wilder logró dar con una gran canción inspirada en el Synthpop que por esos años era grito y plata en los rankings de la música popular y en las radios, que veían como cada día aparecía nuevas bandas con ese estilo musical.La canción tiene todo lo necesario que toda canción Pop debe tener: Buenos solos de teclados inspirados especialmente en el reggea, un gancho musical basado en un buen ideado coro que en solo minutos hace que el oyente ya la esté "palabreando" y una interpretación vocal simple por parte de Wilder. Esos tres detalles hacen que "Break My Stride" sea un bondadoso paraíso musical que en tan solo tres minutos puede hacer bailar a cualquiera en una fiesta.

Los resultados de este single fueron espectaculares para la principiante carrera musical de Wilder. Ese año 1983 no lo olvidará este músico, ya que su mítica "Break My Stride" lo dejó en la cima de diversas listas en Europa y su natal Estados Unidos.Por ejemplo en Estados Unidos la canción llegó al casillero #5 del Billboard Hot 100 en 1983, mientras que en el Reino Unido llegó al cuarto lugar en el UK Singles chart en Enero de 1984, siendo una gran sorpresa para todos los críticos...Pero la sorpresa siguió latente ese 1984 cuando la canción la "rompía" en España, Noruega, Suecia, Suiza y hasta en Japón.Todo hacía presagiar que este joven de bigote, llamado Matthew Wilder llegaba para apoderarse de las listas y ser la voz del pop ochentero pero la historia diría otra cosa....

Lamentablemente esta sería la única canción reconocida de este artista norteamericano, ya que sus demás singles no tenían el mismo carisma que este inconfundible éxito en su carrera y poco a poco fue perdiendo popularidad hasta desaparecer de la escena musical y pasar de los micrófonos, escenarios y discos propios a sentarse detrás de las mesas de sonido, y hacer una gran carrera como productor musical.

Con "Break My Stride" el señor Matthew Wilder logró ser catalogado como un artista emblema "one-hit wonder", que es la forma con que en la industria musical se le conoce a esos artistas que tienen una pequeña primavera de fama debido a un solo hit y luego desaparecen del mapa artístico. Obviamente hay muchos más que recaen en esta larga lista...

Una canción inolvidable, llena de chispa para bailar y gozar con amigos. Además ha sido muy versionada por diversos artistas que han visto en "Break My Stride" un buen cover para llamar la atención de sus fans...

BLACK DOG / LED ZEPPELIN

"Black Dog" es una canción de la famosa banda inglesa Led Zeppelin y fue publicada dentro del disco Led Zeppelin IV, que es uno de los trabajos mas aplaudidos de esta banda de Heavy Metal y que contiene una batería de éxitos y canciones que ya son de culto para los fans de esta gran agrupación rockera.Un 8 de Noviembre de 1971 fue el día en que la banda lanzó a la venta este gran disco y a la vez el single de esta canción junto a Misty Mountain Hop en la cara B.El EP tuvo un gran éxito entre la gente, logrando entrar en los primeros lugares de varios charts del mundo y colocando a la banda en la cumbre de la popularidad en el planeta, siendo solo superados por The Beatles en ventas de discos.

Esta canción que abre el cuarto disco de los Zeppelin, fue compuesta por Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones en las míticas sesiones de grabación en los estudios de Atlantic Records.La historia cuenta que el bajista John Paul Jones fue quien empezó a escribir la canción luego de escuchar el disco 'Electric Mud" del gran Muddy Waters, ya que quedó impresionado con el sonido del bajo en varias de las canciones que contenía dicho disco .En pocos minutos, Jones ya tenía escrita la famosa línea de bajo y el riff de guitarra, el cual fue depurado en el estudio por los dedos del maestro Jimmy Page que le incorporó uno que otro efecto de sonido a su guitarra en la interpretación y posterior grabación.Page utilizó varias pistas de sonido en la grabación de las partes de guitarra, esto lo hizo grabando varias veces el riff y luego sobreponerlos como si fueran bizcochos de una rica y esponjosa torta (?). Aparte de eso, Page tuvo la genial idea de usar varios amplificadores dentro del estudio, para que suene potente el riff. Allí esta el secreto de esta canción...

Luego de eso, Page y Bonham empezaron a grabar las partes de batería y los cortes que el guitarrista había ideado para que Plant improvise la letra de la canción. Bonham, fiel admirador del gran Little Richard, se inspiró en la canción "Keep a Knockin" para idear la parte de la batería.Ese juego entre guitarra y batería es uno de los detalles musicales mas llamativos dentro de la canción, ya que la gran interpretación de la guitarra de Page y la dureza de los golpes a la caja por parte del gran John Bonham, crea un ambiente digno del rock más ácido y que nos muestra toda la potencia de esta famosa banda en su nivel máximo de inspiración musical y experimentación en los arreglos de estudio.Al escuchar la canción, se nota que Page disfrutó como un niño tocar guitarra en esta grabación, ya que puso sus mejores solos, arregló y regrabó varias partes e incluso se dió el lujo de crear un efecto que hace pensar que se a a caer sobre el escenario luego de tanto movimientos de dedos.

Luego de que sus compañeros ya tenian terminada la música, Plant empezó a escribir la letra de la canción, basandose en la idea que le planteó Jones: "Que sea una canción para bailar y saltar".Los arreglos vocales fueron ideados por Robert Plant, que se inspiró en la canción "Oh Well", que la banda inglesa Fleetwood Mac había publicado en 1969. En esta canción destacaba el hecho de que la parte vocal se cantaba sin acompañamiento musical alguno, creando un ambiente divertido en la canción. Plant tomó esa idea y la plasmó en la canción que estaban grabando.La idea del vocalista de Led Zeppelin calzó muy bien en la canción y le dió ese efecto dinámico, marcado con ecos y efectos vocales, que hace tan interesante a esta pieza clásica del rock.

Terminada la canción, los cuatro integrantes empezaron a buscarle un título a su nueva creación. Se "cranearon" diversos titulos, pero nada los convencía.Días despues, la banda se dirigía a los estudios ubicados en Grange Headley, con el fin de grabar su mega-hit "Starway To Heaven". Ese día se les atravezó en el camino un enorme perro de color negro y Plant con sus compañeros, luego de mirarse las caras con risas y picardía, decidieron colocarle a su canción: "Black Dog". Así de simple, aunque dicho titulo no tiene nada qe ver con la temática de la letra... Aunque con los Led Zeppelin nunca se sabe.

Así nace esta clásica y potente melodía llamada "Black Dog". Una canción que nos trae todo el "power" de este cuarteto inglés que revolucionó con sus canciones al mundo con espectaculares riffs, potentes solos de batería y una producción exquisita para el oído delos amantes del buen rock.Con su "Perro Negro", los Led Zeppelin nos demostraron todo su talento musical y nos convence del por qué son catalogados como una de las mejores bandas de hard rock de todos los tiempos.

ALL MY LOVING / THE BEATLES

"All My Loving" es una canción de la famosa banda inglesa The Beatles. Esta exitosa canción, compuesta por el bajista Paul McCartney (aunque en los créditos del disco aparece que la autoría es de la dupla Lennon/McCartney por motivos comerciales), fue publicado como single el 8 de Febrero de 1964 y forma parte del disco "With The Beatles" que la banda lanzó al mercado en Noviembre de 1963.

"All My Loving" es una de las mejores canciones de The Beatles y es considerado como el mejor single que lanzaron los "Fab Four" antes de 1965.La pluma y la creatividad de Paul McCartney quedó muy marcada en la letra y la música de esta canción, de hecho el bajista ha mencionado en entrevistas que esta es de las pocas canciones en donde escribió primero la letra antes que la música.El origen de esta canción está marcado por un poema que Paul le había escrito a su novia Jane Asher. Lo curioso de ese poema, era que varias de esas hermosas frases nacieron mientras el bajista de The Beatles se afeitaba una mañana de 1963. Luego de eso, Paul quedó asombrado con ese poema que había escrito y fue tanta su felicidad que decidió agregarle música. Pasó toda una noche arreglando la canción en su habitación para luego enseñársela a Ringo, John y George.

Finalmente se la enseño al resto de la banda y decidieron grabarla para el LP que estaban preparando en ese entonces. Así que los cuatro chicos de Liverpool se pusieron al hombro sus guitarras, los bajos y se sentaron detrás de la batería para grabar "All My Loving" un 30 de julio de 1963 en los "rescatados" estudios Abbey Road en la capital de Inglaterra.

"All My Loving" es una canción de amor que tiene cierto optimismo en su letra ante un amante que tiene una relación marcada por la distancia. Además se nota claramente que la letra tiene cierta influencia de su anterior single llamado "P.S. I love you".Musicalmente la canción marca un cambio en el sonido de la banda, ya que se diferenciaba de las melodías alegres que habían lanzado como single y aquí nos regalaban una canción con cierto sabor agridulce en su parte musical pero que mantenía toda la calidad de la producción y los arreglos del señor George Martin.La genialidad de Martin en esta canción se puede notar es esos cambios melódicos descendentes en la parte del coro, lo cual era un detalle interesante para los especialistas en música porque, hasta ese entonces, pocos artistas se atrevían a usar esa estructura musical en canciones del género rock y del pop. Eso indica que The Beatles se atrevían a todo, sin importar el aspecto económico ni la popularidad ya que eran buenos músicos y gustaban experimentar sus canciones en el estudio.

George Harrinson fue el encargado de las partes de guitarra eléctrica, donde puso todo su talento y le dio un toque a música "Country" inspirado en las piezas musicales Chet Atkins, un famoso guitarrista estadounidense del cual Harrison era fanático a rabiar. Pero ahí no quedó todo el trabajo de Harrison, ya que también arregló el solo de guitarra, que a pesar de ser breve es muy potente en su interpretación y donde dejó muy claro que era un discípulo de Carl Perkins.John Lennon siempre mencionó que estaba muy a gusto con la parte de guitarra de esta canción, considerandola como una de las canciones mas completas de su "partner" McCartney.

Estos detalles musicales dejaron bien claro que The Beatles era una banda que iba mas allá de ventas y popularidad en 1964, porque musicalmente estaban a otro nivel y esto hizo que muchos empresarios musicales empezaran a "poner oreja" en sus canciones y empezaron a reclutar bandas jóvenes para imitarlos con singles de dudosa calidad y que en varios casos solo quedaban con uno a dos singles lanzados al publico para luego ser despachados al olvido.

Con "All My Loving" los Beatles daban un gran paso para que el mundo se rinda a sus pies y dejaban muy en claro que ellos venían para quedarse por un buen rato con una batería de éxitos.Una canción inolvidable y pieza clásica para la carrera musical de una de las principales bandas más influyente en la historia de la música.

YOU MAKE ME FEEL BRAND NEW / THE STYLISTICS

"You Make Me Feel Brand New" es una canción de la famosa banda norteamericana de soul The Stylistics.Esta hermosa balada fue lanzada como single en 1974 y logró que este quinteto vocal, oriundo de Philadelphia, lograra un sorprendente éxito en las listas norteamericanas y europeas,

llegando a vender cerca de un millón de copias alrededor del planeta y siendo considerados, desde ese entonces, como uno de los grupos mas importantes del genero soul.

Esta canción fue escrita por los famosos compositores Linda Creed y Thom Bell, que se convirtieron en una dupla musical muy consagrada e importante para la música de Philadelphia ya que colaboraron arduamente en escribir canciones exitosas para bandas como The Stylistics y The Spinners, que eran emblemas musicales de esa ciudad.

La canción es, sin lugar a dudas, una de las baladas mas famosas de la decada de los 70's. Bajo la producción de Bell la banda hizo una canción notable, marcada por esa energia suave y romantica del soul y con un juego de voces interesante que cuenta con un falsete bien usado e interpretado por Russell Thompkins y una voz tenor que fue cantada por Airrion Love, que le dá esa sensual sensación de ternura y ambiente "xxx" (?) a la balada.Aanlizando la letra de la canción, podemos dar cuenta que es un poema dedicado a la pareja. Especialmente a esa mujer que nos aguanta todo y que nos han marcado con buenas cosas y momentos inolvidables dentro de la relación. Para los (locos) enamorados, esta canción les cae como anillo al dedo...

Para los periodistas especializados en el analisis musical, esta balada marcó un antes y un despues dentro de las musica romantica publicada hasta esos días. Es que "You Make Me Feel Brand New" fue una de las primeras baladas con el formato Quiet Storm, que con el paso de los años haría de las suyas en el mundo de la musica pop. Este formato, que viene derivado del título de una gran canción de Smokey Robinson, se caracteriza por aquellas baladas que contienen letras muy emotivas marcadas por una musica lenta, con acordes sensuales y que crea un ambiente seductor, especial para bailar bajo la luz de la luna o en una cita romantica con un buen vino chileno. Este formato musical fue muy marcado en la musica negra y abrió las puertas para que las radios hicieran programas nocturnos con este tipo de baladas para que sus auditores pasen una agradable velada romantica o descanso.

"You make me feel Brand New" fue una canción muy famosa en los 70's. A pocos días de su lanzamiento escaló hasta la posición #2 en los Billboard Hot 100 en Estados Unidos y se mantuvo ahí por 2 semanas. Además, la balada llegó a la posición #5 en la lista Billboard R&B."En tierras británicas, la sensual "You Make Me Feel Brand New" llegó a segundo lugar del UK Singles Chart en agosto de 1974.

Les dejamos esta gran canción, que es de aquellas inolvidables, dignas para escuchar en una noche con la pareja o en periodo de "conquista". Un temazo de tomo y lomo, que hoy les traemos para que den rienda suelta a la nostalgia...

LOVE HURTS / NAZARETH

"Love Hurts" es una canción de la banda de escocesa Nazareth. Fue publicada como single en 1974 (para Europa) y en 1975 (para Norteamerica) logrando conquistar las radios, llegando a los primeros lugares de las listas de ambos continentes y considerada, por los críticos, como una de las mejores "Power Ballads" de la historia del rock.Esta potente balada fue el impulso que la banda necesitaba para mostrar su talento musical al mundo, e hizo que su disco Hair of the Dog fuera uno de los mas vendidos entre 1974 y 1975, logrando la suma de casi dos millones de copias vendidas por todo el planeta.

Debido al gran impacto que provocó esta balada en la gente, muchos creen que esta canción fue escrita por alguno de los integrantes de Nazareth. Pero no es así la cosa, ya que "Love Hurts" fue escrita por la pareja de compositores compuesta por Felice y Boudleaux Bryant para que la interpretaran los Everly Brothers, quienes la lanzaron como single en Julio de 1960, logrando un éxito mas bien moderado, entrando en algunos rankings pero no en gran popularidad. Al año siguiente fue el turno del gran Roy Orbison, que hizo su versión de esta balada y la publicó como lado B de la canción "Running Scared". Su resultado fue mejor que el de los simpáticos hermanos Everly, puesto que logró llegar al quinto puesto en Australia y tuvo buenas criticas en Inglaterra.

Pero la versión de Nazareth fue la que hizo mas reconocida a esta balada, debido a su potencia vocal y gran sonido, digno de una banda de Hard Rock con experiencias previas y harto rodaje sobre los escenarios, aunque noe ra muy famosos hasta ese mítico 1975.Es que antes de 1975, Nazareth estaba logrando algo de fama por EE.UU. a través de extensas giras, una que otra aparición en T.V. y varias canciones que se podían escuchar en las radios. Pero todo cambió cuando decidieron hacer su propia versión de "Love Hurts". Con esa balada la banda tuvo las puertas abiertas en los medios de comunicación, sonaron en todas las radios, sus conciertos ya eran masivos y tenían un disco que se vendía como "pan caliente". La espera y el esfuerzo habían dado frutos...

Es que la canción tuvo que esperar casi 15 años para que sea un éxito y de mano y voz de los Nazareth llegó a ser coreada por millones de personas, especialmente de aquellos que tienen el corazon roto y buscan resguardo en esta hermosa canción.Se cuenta que los integrantes de Nazareth dudaban de que esta canción fuera un éxito e incluso habían pensado en lanzarla como lado B del single, reemplazándola por alguna pieza que fuera mas roquera. Menos mal que no tomaron esa idea, sino aún serían unos desconocidos.

Musicalmente la canción es una joya. Con una batería muy marcada, y acordes de guitarra distorsionados, le dan un toque mas que especial a la "Rola". Mas el canto emotivo por parte Dan McCafferty, que le dá ese sentido dramático a la balada con una potencia interpretativa digna de un cantante de Rock pesado, hacen de la canción una balada digna para mirar el amanecer o disfrutar a media luz con la pareja. Es que la voz McCafferty suena desgarradora,

golpeada, herida y emocionada al igual que la guitara de Manny Charlton que hacen creer que en sus cuerdas caen gotas de amor perdido.Además los "chascones" se dan el lujo de cambiar la frase "love is like a stove/it burns you when it's hot" de la original por "love is like a flame/it burns you when it's hot". Se desconoce el por qué hicieron ese cambio...Nazareth nos enseña y da clases de como hacer un buen "cover", sin caer en el apuro comercial de tantos artistas que se aprovechan de mala manera de esta idea para promocionar sus carreras.

"Love Hurts" fue un verdadero hit. Con ella Nazareth llegó al casillero #8 en el Billboard Hot 100 a comienzo de 1976. Además entró al UK Single Charts en el puesto #15 en 1977. Además estuvo dentro de los Top Ten de los rankings de Noruega, Francia, Canadá, Austria, Alemania y Holanda.

Por eso, todo fans del buen rock y de la buena música sabe que "Love Hurts" es un elemento básico en la historia de las "Power ballads" y es la canción mas reconocida de los Nazareth en todo el mundo.

THE MAN WHO SOLD THE WORLD / DAVID BOWIE

"The Man Who Sold the World" es una canción de famoso músico británico David Bowie que fue incluida en el álbum del mismo nombre, lanzado el 4 de Noviembre de 1970 y que contenía una portada muy polémica para esos años.Aunque el disco no tuvo tanto éxito en materia comercial, para muchos críticos es considerado como una pieza fundamental para la carrera de Bowie, ya que es en este disco donde trabaja por primera vez con su banda de apoyo "Spiders from Mars", que serían los protagonistas secundarios del gran éxito musical de este personaje camaleónico.

En esos años Bowie pasaba por una increíble crisis de identidad y esto lo dejaba muy expresado en las letras de sus canciones. Era tanta su desesperación por buscar un molde de identidad o algún camino que le dijera la realidad de su personalidad que muchas veces se escondió bajo maquillajes extravagantes y en la creación de personajes ficticios.Una de esas canciones era "The Man Who Sold the World", que trata sobre un hombre que no se reconoce a sí mismo y eso le provoca momentos malos, de poca autoestima y mucha confusión.En algunas entrevistas Bowie ha descrito a su canción como un homenaje abierto a la juventud y de como ellos van descubriendo su verdadera personalidad con el paso de los años basados en un proceso lento, donde los sentimientos juegan un papel muy (pero muy) importante.

Pero dentro de la letra tambien podemos encontrar ciertas frases extraídas o inspiradas en obras literarias de algunos de los poetas favoritos del cantante.

Uno de esos poemas era "Antigonish" de Hugh Mearns, que trata especificamente sobre las personalidades múltiples . Obviamente este poema le cayó como anillo al dedo a Bowie que pasaba por esos días una crisis de identidad y decidió plasmar esa idea de Mearns en la temática de esta gran canción.

Si hacemos un análisis a la letra en lo profundo y con "pinzas", como si fuéramos un cirujano que opera canciones (?), podemos señalar que todo empieza con la imagen de "caminar por una escalera" que es la figura poética del encuentro de Bowie con su verdadera personalidad, de la cual pensaba que ya estaba bajo tierra y en el olvido. Con esta sorpresa, al sentir que aún tenía una personalidad definida, el cantante empieza a pedir perdón y a dar excusas de que él nunca se fue por otro camino y que siempre tuvo un punto de vista definido pero tuvo que venderse al mundo con el nombre de Ziggy Stardust (que era el personaje alter ego que usó Bowie para darle un estilo conceptual a sus canciones) porque era el disfraz perfecto para sentir que la vida solo era diversión y relajo.

Aunque "The Man Who Sold the World" no fue lanzada como single promocional del disco igual logró ser una de las canciones mas reconocidas en la extensa y cambiante carrera musical de David Bowie.Recien en 1973 la canción fue lanzada como single cuando apreció en el lado B del single que incluía "Space Oddity" solo para Norteamrica. En el Reino Unido fue lanzada ese mismo año como lado B del single que promocionaba a la canción "Life on Mars?". En ambos lanzamientos la canción, junto a sus respectivos lados A, logró llegar a los primeros lugares de los rankings.

Sin embargo, la canción tambien contó con la ayuda de los covers que vinieron con los años, donde cada artista coopero con el éxito de esta gran canción. La primera en lanzar una nueva versión de la canción fue la cantante británica Lulu, que en 1974 y bajo la producción del mismisimo Bowie (que además tocó el saxo), logró colocar a "The Man Who Sold the World" en el cuarto puesto del UK Singles Charts.Tuviero que pasar casi 20 años y varias veriones más para que la canción volviera a entrar en las listas de las radios y esta vez fue el turno de la famosa banda de rock Nirvana que la interpretó en 1993, durante su presentación en MTV Unplugged. Esta versión fue lanzada en el álbum póstumo MTV Unplugged in New York al año siguiente y colocó a "The Man Who Sold the World" de moda en los 90's liderando todos los rankings norteamericanos.

Una canción adaptable a cualquier época, un himno a la juventud que siempre busca algun simbolo de personalidad o un estereotipo que sirva de emblema para sus ideales y hecha por uno de los artistas mas influyentes en la historia del rock...

MORE THAN A FEELING / BOSTON

"More Than a Feeling" es una canción de la banda norteamericana Boston, que fue su single debut en las pistas rockeras en Septiembre de 1976.Además esta canción forma parte de su exitoso disco debut homónimo, que llegó a vender millones de copias en todo el mundo (hasta el año 2003 tenía cerca de 17 millones de copias vendidas) y fue galardonado como Multiplatino.Con este disco, el mundo del rock en los setentas le daba la bienvenida en gloria y majestad a esta interesante banda, que contenía mucha potencia en los riffs del ingeniero Tom Sholz (era graduado con honores del prestigioso MIT) y la maravillosa voz de Brad Delp.

Comenzemos con la historia que hay detrás de este primer y exitosos single de una de las bandas mas influyentes del rock del Hard Rock.Esta canción fue escrita por "el mateo" Sholz y su inspiración principal para componerla vino de una canción llamada "Walk Away Renee"de la banda norteamericana The Left Banke, la cual fue muy exitosa a mitad del año 1966. Además, en el libro de Dave Marsh, titulado The Book of Rock Lists, se señala que el riff de guitarra que acompaña al coro de "More Than a Feeling" tiene cierta similitud sonora con los acordes de la clásica pieza de The Kingsmen llamada "Louie Louie".Pero no todo fue un "Copy & Paste" musical, ya que Sholz demoró casi cinco años en escribir y arreglar cada detalle de la canción. Para eso trabajó "como chino" en su estudio de grabación casero que estaba ubicado en el sótano de su casa, el cual fue la fábrica de casi todas las canciones de ese primer disco, ya que los contratos y las discograficas no le tenían mucha confianza a estos muchachos que solo querían tocar buen rock.

El arduo trabajo de Tom Scholz dió buenos frutos para la banda. Como buen ingeniero, se dedicó a analizar cada acorde y a revisar cada detalle de las armonías de la guitarra, bajo y hasta la batería. Es que todo tenía que tener un orden perfecto, ningun detalle se podía escapar en la mesa de sonido y ese fue el rasgo principal para que la canción sea una pieza clásica del buen rock y de la musica de los 70's.

Otro aspecto que destaca en esta canción, es que en el fondo de todo ese mágico trabajo de producción hecho por el guitarrista y John Boylan, toda la melodía está basada en un simple riff de guitarra que solo contiene cuatro acordes y que en la decada de los 90's la banda de grunge Nirvana les "robaría" descaradamente en su canción "Smells Like Teen Spirit". Para muchos especialistas, que no dudan de la calidad musical de Cobain y compañia, esa canción fue una completa estafa para el trabajo de Scholz y simplemente "la sacaron barata" al no ser acusados de plagio.Sobre este episodio tan comentado, muchos fanáticos de Nirvana defienden este polemico momento musical argumentando que Cobain odiaba a rabiar esa canción y decidió hacerle un homenaje irónico con el fin de burlarse abiertamente de la musica de Boston.Simplemente lo dejamos a juicio del lector...

La canción logró algo inimaginable para la banda en cuanto a ventas y popularidad. Es que el single llegó a quinto puesto del Billboard Hot 100 y con eso la fama creció de manera tan rápida que de un día par aotro pasarond en tocar en pequeños bares de pueblo y grabar en el sótano de la casa de Scholz a llenar estadios por todo su país y firmar un contrato para una gran discográfica.Con el paso del tiempo la canción ho ha estado ajena a diversos rankings que hacen los medios de comunicación para llamar a la nostalgia y darle mas premios a las melodías que marcaron la historia de la música popular. Por ejemplo la revista Rolling Stone colocó a "More Than a feeling" en el ultimo lugar de su lista "500 Greatest Songs of All Time" y en año 2009 fue puesta en el lugar #39 en la lista de las mejores canciones del hard Rock de todos lo tiempos hecha por el canal de televisión VH1.

Una canción memorable, llena d epotncia y que es parte fundamental para la historia del Hard Rock....

VENUS / SHOCKING BLUE

"Venus" es una famosa canción de la banda holandesa Shocking Blue y que fue lanzada como single en 1969 obteniendo una inesperada popularidad en Estados Unidos y en gran parte de Europa.Con esta canción, la banda formada por Robbie Van Leeuwen, Klassje Van Der Wal, Cornelious Van Der Beck y la cantante Mariska Veres, lograron entrar en la leyenda de la música de los 70's y ser considerados como una banda muy interesante debido a su particular estilo musical que mezclaba el rock psicodelico, con el blues mas aterrador y con aires apegados al Acid Rock.

Esta canción fue escrita por el guitarrista y sitarista Robbie Van Leeuwen que inspirado en el riff de guitarra acústica de la canción "Pinball Wizard" de los The Who empezó a componer esta canción. Pero la canción de la cual Van Leeuwen usó como pilar fundamental para la música de "Venus" fue una pieza musical llamada "The Banjo Song" (también conocida como "Oh Suzanna") que pertenecía al disco The Big 3 with Mama Cass Elliot, publicado en 1963 por esta famosa banda folk norteamericana que solo duró 3 años pero nos regaló varios hits.No se sabe si hubo acusaciones de plagios hacia la banda o si Van Leeuwen era muy amigo del compositor Tim Rose para que este le dejara "copiar" gran parte de la música y los arreglos de "The Banjo Son" que fue realmente la melodía que dio nacimiento a esta maravillosa canción, que sería la puerta a la fama mundial que tanto necesitaba y buscaba esta banda oriunda de la tierra del mago del futbol Johan Cruijff .

La voz principal en "Venus" estuvo a cargo de la bella Mariska Veres que, luego del éxito de la banda por todo el mundo, muchos críticos de espectáculos la compararon con Grace Slick ( la voz de Jefferson Airplane) especialmente por la potencia y la afinación de su voz.La historia cuenta que Veres llegó en 1968 a la banda en reemplazo del vocalista Fred De Wilde, que decidió abandonar la banda para hacer su servicio militar. Con la llegada de esta gran cantante la banda empezó una nuevo proceso musical, donde el objetivo estaba en ir mas allá de liderar las listas de su país, como ya lo habían logrado en 1967 con la canción "Lucy Brown is back in town".

La banda lanzó el single que incluía a "Venus" a finales de 1969 y en Febrero de 1970 le llegó la noticia que esa canción era grito y plata en Estados Unidos porque llegó al primer puesto del Billboard Hot 100 y habían sido galardonados con un disco de oro por las copias vendidas de ese gran single. No había duda, Los Shoking Blues lograban dar una gran paso en su carrera.Luego de eso le llegaron fax a su casa discográfica que decían que la canción lideraba los charts en Francia, Alemania, Suiza, Italia, España, Japón y en el Reino Unido. La banda vivía su momento de gloria...Pero también hubo una curiosidad en torno a esta canción, ya que tras liderar la mayoría de los rankings de Norteamerica y parte de Europa, en su natal Holanda no llegaron al número uno, ya que "Venus" solo llegó al tercer puesto.Pero eso no le quitaba a la canción el cartel de "clásico setentero"....

Pero la fama de la canción no se acabó en los 70's. En Mayo de 1986 el trio vocal Bananarama, la publicó como single y la "Venusmanía" volvió al mundo.En voz de estas tres mujeres, la canción nuevamente alcanzó el primer puesto del Billboard y en el Reino Unido, donde la canción estuvo 13 semanas en el top ten de los charts.

Les dejamos esta gran canción que cautivó en los 70's y los 80's al publico y que hoy es considerada como una de las canciones mas reconocidas de los Shoking Blues, una banda interesane, poco conocida pero que dejó una melodía para la leyenda del rock...

BLAME IT ON THE BOOGIE / THE JACKSONS

"Blame It on the Boogie" es una canción de la banda norteamericana The Jacksons (que fueron mas conocidos en el mundo entero como The Jackson Five). Esta particular canción fue lanzada como single en Octubre de 1978 captando gran éxito en los charts y las radios estadoundenses. Dos meses despues de su lanzamiento como single,"Blame on the Boogie" fue incluida en el disco "Destiny", que fue el disco que los devolvió a la fama, tras un breve decenso en las ventas debido a constantes peleas con su discografica.

Pero la historia de esta canción empieza en Inglaterra, lugar donde hacía de las suyas el cantante y productor Mick Jackson, que no tenía nada que ver con los hermanos de Michael. En ese mitico año1978, Mick estaba trabajando en la composición de una canción para Stevie Wonder. Esa canción tenía como titulo "Blame it on the Boogie" y pretendía ser todo un éxito en voz de ese "hombre orquesta", pero fue rechazada por el artista y sus productores simplemente porque la encontraron muy"simplona" y con pocas ideas para ser considerada un hit en las radios.Pero Mick Jackson no se quedaría de brazos cruzados...

Mientras Mick Jackson buscaba algún interprete para su canción, en Estados Unidos Los Jackson Five estaban saliendo adelante luego de un mal momento en su carrera musical. Los problemas con el sello Motown, hicieron que la banda practicamente se fuera en picada a los ultimo lugares de los rankings. Además tuvieron que cambiar el nombre de la banda simplemente por The Jackson, ya que al renunciar con la Motown, estos se quedaron con la marca "Jackson Five". Es que asi son los empresarios...

La nueva etapa de los hermanos Jackson comienza cuando firman contrato con la CBS Records en 1976. Esa desciño marcó el regreso a los primeros lugares de los charts a Michael Jackson y su brigada de hermanos que hacían cantar y bailar sin parar al mundo.Poco a poco la banda iba retomando el rumbo en su carrera musical con nuevos singles que llegaban a los primeros lugares en las listas de las radios, mientras sus discos se vendían como pan caliente.

Era 1977 y la banda estaba en búsqueda de nuevas canciones para que sean incluida en su tercer disco con su nuevo sello, el cual se llamaría Destiny.Los productores de los Jackson Five se fueron en busqueda de canciones por todo el mundo. Buscaban nuevos ritmos y a uno que otro compositor que quieran colaborar con un hit y que no cobre tan caro.Asi fue como en Fracia, uno de los representantes de The Jacksons escuchó una canción llamada "Blame it on the Boogie", la cual estaba siendo probada con algunos artistas galos. Este representante de la banda quedó muy a gusto con la canción, y que calzaba con el estilo musical de los chicos Jackson y además contenía un titulo muy llamativo y bastante comercial.El problema estaba que Mick Jackson, al no encontrar un interprete para su canción, había decidido lanzar "Blame it on the Boogie"como un emblema inicial para su carrera solista.Obviamente esa idea no le gustaba al productor de los J5, que decidió comprar los derechos de la canción y partir a toda prisa a Estados Unidos para que su banda la grabe y entre a los charts primero que la versión original.

Sin decirle nada a Mick Jackson, los J5 grabaron en secreto esta canción bajo una producción muy rápida para que salga antes al mercado que la versión del autor.

Al final ambas canciones fueron publicadas en 1978 y solo con un día de diferencia. Esto fue muy raro, y la prensa no se quedó de brazos cruzados y bautizaron este episodio como 'The Battle of the Boogie', ya que ambas canciones peleaban en los rankings. Además todo era muy confuso debido a la similitud de los apellidos, ya que eran los hermanos Jackson contra Mick Jackson y daba para todo entre el publico. Algunos incluso pensaban que eran hermanos y que todo era una estrategia comercial para que la banda lograra el doble del éxito con este "temazo", pero cuando vieron y compararon las fotos de ambos artistas se dieron cuenta que estaban mas perdidos que piojo en peluca.

La confusión llegó a tal punto que la prestigiosa revista de música "Melody Maker" se mandó una "talla" que hasta el día de hoy tiene a Mick Jackson masticando su rabia. En la revista se dedicaron páginas y páginas a los hermanos Jacksons y fundamentaban su talento musical con la composición de "Blame it on the Boggie". Hasta ahí el señor Mick Jackson ya se quería matar, pero cuando lee que la revista había catalogado su versión como pobre y de escasas ideas, ahí ya queria explotar de rabia e ir a ahorcar a ese periodista que se había mandando un error del porte de un buque.

Muchas personas prefieren la versión de los J5, mientras otros se quedan con la versión original del músico inglés. Pero esta batalla musical tuvo como ganador a Michael Jackson y compañía porque lideraron los rankings en el Reino Unido y Estados Unidos, seguidos muy de cerca por el Jackson inglés...

SELF CONTROL / LAURA BRANIGAN

"Self Control" es una canción de la cantante (y tambien actriz) estadounidense Laura Branigan, que fue lanzada como single en 1984.Esta canción se convirtió en el hit que hizo de Laura Branigan una artista reconocida a nivel mundial, dejandola en la cima de los rankings, en las portadas de los diarios y que los empresarios de la televisión se la pelearan por tenerla en sus estelares cantando esta gran canción.La fama de esta canción sirvió para dar título al álbum más reconocido en la carrera de esta cantante de origen italo-irlandés que dejó todo su talento en los escenarios y quedó como una de las estrellas mas famosas del pop ochentero.

La carrera de Branigan venía respaldada por el gran éxito de "Gloria", que era una canción escrita por los músicos italianos Giancarlo Bigazzi y Umberto Tozzi y que fue lanzada como single en 1982 con la gran voz de esta cantante. Con esa canción, que en 1979 había sido grabada por Tozzi, la cantante logró liderar los charts británicos y estadounidenses, dar giras por todo el mundo y ganar un grammy, Discos de Oro y dos de Platino. El mundo musical se rendía a los pies de esta hermosa y talentosa cantante...

1983 fue el año donde la fama de Branigan no decayó, sino que fue todo lo contrario a lo que pensaban los criticos de las revistas musicales. Con su disco "Branigan 2" se decidió a experimentar con el Synth-Pop y le dió buenos resultados, especialmente con la versión que le hizo a la canción francesa "Solitaire".

Pero la canción que le daría el éxito planetario y todas las portadas de las revistas sería "Sel Control" en 1984.Esta canción originalmente fue escrita por los compositores italianos Giancarlo Bigazzi y Piccolo Steve para su compatriota Raf (Raffaele Riefoli), que era un cantante "New Wave" muy conocido en el pais del Calcio. La versión de Raf , publicada en 1983, destacaba por su interesante uso de sintetizadores y por ser una oscura balada que mezclaba toda la energía Disco-Tecno-Pop. Con "Self Control", Raf se hizo famoso en toda Europa, especialmente en los clubes de baile y el movimiento Underground ochentero.

Branigan se aprovechó de la fama de esta canción y decidió hacer su propia versión para incluírla en su tercer disco. Eso si, a diferencia de los que pasó con "Gloria" o "Ti Amo", esta vez le habían ahorrado trabajo, ya que la canción fue grabada originalmente en ingles y no tuvo que "sudar la gota gorda" para contratar a un traductor que le hiciera los arreglos en su idioma.

Bajo la producción del alemán Jack White, Branigan grabó una versión más cercana al estilo Pop de "Self Control", donde nos relata sobre una chica que vive una agitada vida en las noches y tiende a perder el control por todas les presiones y desafios amorosos.Los productores de la cantante decidieron eliminar ese solo de teclado ue se escuchaba en la versión original y decidieron reemplazarla por un llamativo riff de guitarra y le agregaron una nueva parte de batería.La canción tuvo más éxito que sus antesesoras y vino a ser su grande hit internacional, colocandose en la cima de todos los rankings del mundo. Además fue una de las canciones que no podían faltar en el repertorio de los Dj's en las fiestas y en las pistas de baile.

"Self Control" fue un megahit mundial. Lideró los rankings en toda Europa y dejó a Laura Branigan en la cima de la fama y como una de las leyendas de la musica de los 80's...

WHEN SOMETHING IS WRONG WITH MY BABY / SAM & DAVE

"When Something Is Wrong with My Baby" es una canción del dúo de música soul y Blues Sam & Dave, que fue publicada como single en Enero de 1967.Esta hermosa y delicada balada, escrita por los famosos compositores Isaac Hayes y David Porter, se convirtió en una de las canciones mas coreadas y reconocidas por le publico en la extensa carrera musical de estos dos chicos oriudos de Miami.

El secreto de los hits de esta dupla formada por Samuel David Moore (que hacía la voz tenor) y Dave Prater (tenor/barítono) recaía en su impactante calidad musical, que tenia caracteristicas muy especiales al lado de los demás artistas de soul que rondaban los charts en ese entonces.Una de esas caracteristicas era su amplio uso de instrumentos de bronce que se mezclaban perfectamente con la lujosa y delicada interpretación vocal por parte de Sam y Dave, quienes ponían todo su talento en el gospel para darle vida a estas mágicas melodías.

Obviamente "When Something is Wrong With My Baby" fue una de esas canciones que "la rompió" de tal manera que los charts se rindieron a los pies de Sam y Dave.El famoso compositor y reportero canadiense Rob Bowman dijo que esta balada "es de las canciones mas representativas del Soul y una de las mas famosas en la historia de este género musical". Por su parte el trompetista Wayne Jackson, integrante de la banda de sesión Mar-Keys (banda que participó en la grabación de este tema) señaló que nunca antes había escuchado una melodía como la que contiene esa balada y recalcó que "es una de las mejores canciones de todos los tiempos".

"When Something is Wrong With My Baby" llegó al segundo lugar del prestigioso ranking de R&B en Estados Unidos y no fue lanzado como single en el Reino Unido, por temor a que la canción no entre en los charts del país del Wembley, lo cual fue un error que siempre le pseó al productor Hayes y del cual siempre dijo arreprientirse.

Les dejamos esta hermosa canción, especial para una cita romantica o para caminar bajo la lluvia...

SON OF A PREACHER MAN / DUSTY SPRINGFIELD

"Son of a Preacher Man" es una canción de la cantante britanica, de Pop-Soul, Dusty Springfield que fue lanzada como single el 8 de Noviembre de 1968 y a la vez fue incluída en el disco Dusty in Memphis a principios de 1969.Esta canción fue el éxito mundial que colocó a la hermosa Dusty Springfield entre las mejores voces de finales de los 60's y en la historia del Pop.Además de éxito de esta canción, el disco Dusty in Memphis fue el puntapié inicial en el giro musical de la cantante, que influenciada en el rock psicodélico y la metamorfosis del Blues, hizo un disco fenomenal que incluso fue colocado entre los mejores LP's de la historia del Rock.

Esta canción fue escrita por los compositores John Hurley y Ronnie Wilkins y la letra trata sobre una joven que mantiene una relación amorosa con el hijo de un predicador muy respetado en su pueblo. Lo impactante, es que ellos mantienen su relación en secreto, para no

ser descubiertos por el predicador. Pero ese joven es todo para esa niña y le declara su amor eterno, ya que ese hijo de predicador la tiene loca de amor...Hurley y Wilkins inicialmente se la ofrecieron a Aretha Franklin, que casualmente era hija de un predicador, pero al escucharla varias veces junto a sus productores decidieron rechazar la oferta al considerarla como "una falta de respeto". Años despues recapacitarían, pero esa es otra historia...

Pero los autores de la canción no se cansaron de presentar su "joya" a diversos artistas, hasta que llegaron a la puerta de la cantante Dusty Springfield que por esa época pasaba por una baja venta de sus discos y su popularidad estaba decreciendo a causa de la revolución Hippie y las bandas de rock psicodelico.Dusty aceptó de inmediato grabar esta canción, y realmente fue una ayuda escencial para relanzar su carrera musical.Asi fue como en Septiembre de 1968 en los American Studios de Memphis y bajo la producción de Jerry Wexler, Tom Dowd y Arif Mardin, esta cantante oriunda de Londres grabó "Son of a Preacher Man".La canción se convirtió en un hit internacional llegando al casillero #10 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos y al puesto #9 del UK Singles Charts a finales de 1968.

Como ya habiamos mencionado, la cantante Aretha Franklin había rechazado esta canción, pero luego de escuchar la versión de Dusty Springfield, decidió grabarla dos años despues.Lo mismo hicieron Joss Stone, Bobbie Gentry, Sarah Connor, Tina Turner, y Natalie Merchant. Entre los famosos que son hijos de predicador podemos encontrar a Marvin Gaye, Wyclef Jean, Tim Curry, John Hurt, John Ashcroft y Martin Luther King Jr.

Les dejamos esta gran canción, en voz de una de las cantantes mas famosas del Reino Unido, que en Marzo de 1999 y con tan solo 59 años de edad encontró su muerte a causa de un cancer de mama, del cual luchó hasta el ultimo día de su vida...

PAPA WAS A ROLLIN' STONE / THE TEMPTATIONS

"Papa Was a Rollin' Stone" es una canción de la banda de soul, rhythm and blues y pop The Temptations que fue lanzada como single un 28 de Septiembre de 1972 y se convirtió en una de las canciones mas famosas de esta agrupación vocal oriunda de Detroit.Con esta canción, que fue incluída en el disco All Directions, la banda lograba renacer en gloria y majestad a la popularidad mundial luego de experimentaciones musicales influenciadas por la psicodelía setentera y el soul en su estado mas oscuro.

Esta canción fue escrita por los famosos compositores, pertenecientes al legendario sello Motown, Norman Whitfield y Barrett Strong y fue grabada en primera instancia por The

Undisputed Truth en el año 1971, pero la canción no logró el éxito que tanto le habían prometido los productores y la dejaron almacenada en algun lugar para olvidarla rápidamente.Un año despues el productor Norman Whitfield, que trabajaba junto a los Temptations en la grabación de su nuevo LP, decidió presentarles la olvidada y mal interpretada "Papa was a Rollin' Stone".Pero elegir esta canción como una pieza del disco no fue fácil debido a que el cantante Dennis Edwards odiaba la canción. La razón de su disgusto con esta pieza musical era la fecha que se dice al inicio de la canción: 3 de septiembre, ya que coincidía con la fecha en que murió su padre, que era un famoso predicador. Edwards, que estaba seguro que ese detalle no fue una mera coincidencias, estaba tan disgustado con esa frase que increpó violentamente a Whitfield en una sesion de grabación.

Mas allá de las peleas y las coincidencias de fechas, la nueva versión de "Papa Was a Rolling Stone" es una de las mejores joyas musicales que nos regalaron los Temptations, ya que combina arreglos musicales notables. Una parte de bajo muy interesante y a la vez misteriosa, un amenazante toque de baterpia y unos ligeros toques de Jazz en los bronces, hacen que esta canción sea una experimentación muy notable de Soul Psicodélico...La interpretación vocal es otro punto alto de este hit setentero. Mucha improvisación y buenos adornos vocales logran una mágica sensación para el oyente.No hay dudas de que estamos frente a una pieza clásica del Soul y de la música popular contemporánea...

"Papa Was a Rollin' Stone", en voz The Temptations, llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 y ganó tres premios Grammy en 1973. Pero no solo fue famosa en Norteamerica, ya que en el Reino Unido la canción llegó al puesto #14 del UK Singles Charts.Con el paso de los años, esta canción no a dejado de aparecer en rankings y en las radios de todo el mundo, por ejemplo la revista Rolling Stone la situó en el puesto #168 dentro de su lista titulada como "The 500 Greatest Songs of All Time".

DONNA / RITCHIE VALENS

"Donna" es una canción del cantautor estadounidense Ritchie Valens que fue publicada como single en 1958.Valens, que hizo bailar a todo el mundo con La Bamba, es considerado por muchos artistas (entre esos el gran Carlos Santana) como el pionero del movimiento del rock and roll latino. Pese a que no hablaba ni una pizca de español y la unica relación que tenía con el mundo latino era el origen mexicano de sus padres.

Pero no solo de "La Bamba" hizo su carrera, ya que tambien dejó un legado de hermosas canciones que maravillaron al mundo en su corta pero fructífera carrera que se vió terminada

en un accidente aéreo, donde perdió la vida junto al gran Buddy Holly y J.P "El Big Bopper" Richardson. Ese fatídico hecho se conoce como "el día en que murió la música".

Pero volvamos a lo estrictamente musical. Una de esas canciones que Valens dejó como legado es una hermosa balada llamada "Donna", la cual estaba dedicada a Donna Ludwig, que supuestamente fue su novia aunque oficialmente nadie sabe si realmente lo fueron.

La historia cuenta que Valens y Ludwing se conocieron en la secundaria en San Francisco y el músico estaba locamente enamorado de esta niña, y fue tanto su amor hacía esta muchacha que le escribió esta preciosa canción.

"Donna" destaca por ser una balada lenta y bastante simple, pero de una calidad inigualable y que marcó a muchos cantantes "poperos" que tenían en las baladas su mejor "caballo de batalla".Valens nos canta sobre esa niña de nombre Donna que lo dejó loco y que desde el momento en que él vió su rostro angelical jamás volverá a ser el mismo. Hasta allí la canción parece ser una simple balada Pop hecha para bailar pegados en las fiestas, pero la diferencia viene en el estado de ánimo del cantante, que no tiene el timbre vocal de los grupos vocales integrados por jovenes de raza negra pero tiene esa energía simple, suave sin tanta tecnica ni gritos que deja a la balada como una joya de repeticiones armonizadas de manera perfecta, como si fuera un Mantra.

Esta canción fue lanzada como single a finales del año 1958 y a la poste fue la ultima canción que grabó Valens antes del fatídico acidente aéreo.Un mes despues de la muerte del músico, la canción llegó al casillero # 2 del Billboard Hot 100, siendo una de las canciones mas famosas de este gran artista...

TELEPHONE LINE / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA

"Telephone Line" es una canción de la banda británica Electric Light Orchestra que fue publicada como single en Mayo de 1977 y fue incluída en el aclamado disco multiventas en todo el mundo A New World Record .Esta hermosa balada es una de las canciones mas clásicas del repertorio de esta banda liderada por el maestro Jeff Lynne y logró liderar los rankings de toda Europa con estos maravillosos acordes.

La historia cuenta que gracias al disco A New World Record, los muchachos de la Electric Light Orchestra quedaron muy felices porque lograron igualar el éxito de su pieza anterior titulada Face The Music. Es que repitieron la misma formula musical, la cual estaba representada en hacer canciones poperas con arreglos musicales magistrales.

Una de esas piezas musicales mas notables de esa época dorada dela banda es "Telephone Line", cuya autoría pertenece a Jeff Lynne, y se convirtió en una de las baladas mas aclamadas en la historia de la agrupación.

La magia de la canción va mas allá de la música, ya que contiene una letra fenomenal donde se utiliza un narrador que quiere hablar con su amada, pero esta mujer no le contesta y su único "premio de consuelo" es conversar su pena a un operador telefónico.

Lynne se dió el lujo de crear un melodrama cuyas frases son memorables. Un buen ejemplo la aprte que dice: "I look into the sky/The love you need ain’t gonna see you through" y la parte dle coro " Oh, telephone line/Give me some time/I’m living in twilight."

A esa hermosa poesía, Lynne y compañía le idearon una hermosa música, llena de arreglos orquestales que van mas allá de un simple acompañamiento. Incluso, muchos críticos musicales han advertido que esta canción puede ser facilmente reconocida como una mini-sinfonía clásica mezclada con instrumentos disgnos del buen rock.

Esta canción entró al Top Ten, tanto en el Reino Unido y los Estados Unidos, alcanzando el puesto # 8 en territorio britanico y llego a la casilla # 7 en el país del dólar, dodne además logró el primer disco de Platino para la banda en tierras norteamericanas.Tambien logró liderar los charts Nueva Zelanda, Austria, Alemania, Holanda, Suecia y Suiza.

PATA PATA / MIRIAM MAKEBA

"Pata Pata" es una canción de la cantante sudafricana Miriam Makeba que fue lanzada como single en 1967.Con esta pegajosa y ritmica canción esta famosa cantante y activista africana logró llegar a los primeros lugares de los rankings en todo el mundo, logrando entrar con fuerza y mucho éxito a mercados musicales tan importantes como el de Estados Unidos e Inglaterra.

Esta canción fue escrita en 1957 por Makeba, pero recien en 1967, y bajo los consejos de sus productores, decidió entrar a un estudio de grabación y cantarla para su nuevo LP, que llevaría el nombre de la canción.Lo llamativo de la canción, es que esta cantada en idioma xhosa, que es una de las once lenguas oficiales de Sudafrica y que pertenece al grupo étnico del cual la cantante es originaria.

"Pata Pata" fue toda una sorpresa musical en el otoño de 1967, el cual estaba plagado de bandas rockeras que caminaban por la psicodelía y la experimentación musical algo rebuscada.

Es que Makeba se asesoró musicalmente con el famoso músico Hugh Masakela, quien le hizo el trabajo mas importante de la canción, nos referimos a los arreglos.Masakela le dió a "Pata Pata" ( que en español sería algo como "toca, toca") ese sabor a samba, con toques musicales maravillosos y potenció el coro con un divertido y efectivo juego de voces, que nos deja cantando en pocos minutos esa frenética palabra.De agradecimiento hacia toda la ayuda de Masakela en este hit, Miriam Makeba le regaló una canción llamada "She's desn't write", la cual fue grabada en el aclamado disco Emancipation of Hugh Masakela en 1968.

"Pata Pata" fue todo un éxito alrededor del mundo y en el mercado estadounidense un suceso nunca antes visto. legó al casillero #12 del Billboard Hot 100 y recorrió los cinco continentes cantando esta energética canción bailable.Uno de los paises que visitó en su gira mundia fue Chile, donde Miriam Makeba fue invitada a participar del Festival de Viña del Mar en 1972, donde le dedicó su tema “Pata Pata” al presidente Salvador Allende. Al escuchar las pifias del publico, que se comía día a día las mentiras de diarios como El Mercurio, la cantante no bajó la mirada y les gritó: “Viva el presidente Allende”, para luego cantar su hit que dejó a las pifias y los ideales a un lado.

Esta canción es considerada como la obra cumbre de la carrera musical de Makeba, que además de ser una famosa cantante tambien luchó por la libertad de su país y se convirtió en un ícono de la lucha contra el apartheid en su país y en cada concierto siempre mostraba algo caracteristico de su tierra natal.

THIN LINE BETWEEN LOVE AND HATE / THE PERSUADERS

"Thin Line Between Love and Hate" es una canción del famoso grupo vocal estadounidense The Persuaders que fue lanzada como single en 1971Gracias a esta canción esta banda, oriunda de Nueva York, logró la fama mundial entrando en los primeros lugares de los charts de todo el mundo.

Esta canción fue escrita por los hermanos Robert y Richard Poindexter (que además fueron los productores en la grbación de este hit) y contaron con los arreglos de Jackie Members.La idea de estos compositores era ofrcer esta canción a algun cantante pop necesitado de algun hit, pero al no recibir ofertas concretas por la canción decidieron contratar a un cuarteto vocal formado por Douglas "Smokey" Scott, Willie Holland, James Holland y Charles Stoghill, estos chicos se hacían llamar en el escenario: The Persuaders.

Los Persuaders escucharon la canción y en minutos dijeron que tenían que grabarla, pero pidieron un requisito escencial a los productores. El requisito era que tenían que grabar esta canción con sus propios musicos, para suerte del grupo los hermanos Poindexter no pusieron ninguna queja ni reclamo.

La banda de apoyo de los Persuaders tenía como nombre "Young Gifted and Black" y estaba formada por los guitaristas Angel Luis Paniagua y Ronny Drayton, el bajista Harry Giscombe, el baterista Leroy Quick y el tecladista Paul Young.Asi fue como Los Persuaders junto a los "Young Gifted and Black" grabaron la hermosa y delicada "Thin Line Between Love and Hate".

El sello discgráfico Atlantic Records fue la resposable de lanzar el single debut de este grupo vocal y no lo hizo nada de mal, ya que en pocas semanas llegaron a vender mas de un millón de copias.Además estuvo dos semanas liderando el Billboard R&B charts en Estados Unidos, donde tambien llegó a la casilla #15 del Billboard Hot 100 chart y recibió un disco de oro por parte de la RIAA en 1971.

LODI / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

"Lodi" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival, que fue lanzada como single en Abril de 1969 y posteriormente formó parte del repertorio del exitoso disco Green River, que fue publicado en Agosto de ese mismo año.Esta canción fue otro de los aciertos musicales que nos dejó esta banda, que en un periodo de 4 años las hizo todas en el mercado musical, siendo considerados como pieza fundamental para la historia del rock.

La meláncolica melodía de "Lodi" fue escrita por John Fogerty, en plena "Creedencemanía", ya que la banda todo lo que sacaba como single se convertía en disco de Oro en tan solo semanas despues de ser lanzado.En esta canción Fogerty reflexiona sobre esos días donde la fama era solo un sueño lejano y algo anhelado desde cuando, junto a Clifford, Cook y Tom Fogerty, formaban parte de The Golliwogs y recorrían bares de pequeñas localidades tocando sus riffs y entonando canciones de sus artistas favoritos.

En la canción, John nos relata una historia sobre un músico que se encuentra deambulando por Lodi, un pequeño pueblo que se encuentra a casi 70 millas de Berkeley y que se caracteriza por ser un lugar donde se fomenta la agricultura.Este músico se encuentra algo cansado y deprimido, ya que solo toca en bares y la paga no es muy buena y lo único que quiere es irse del pueblo para probar suerte en otro lugar o simplemente acabar con el sueño de ser famoso.La historia tiene cierta relación con esos años cuando Los Creedence se hacían llamar The Golliwogs y tenía que recorrer muchos pueblos como Lodi, donde tocaban en bares llenos de borrachos, un publico que ni escuchaba sus canciones y con equipos en muy mal estado.

De hecho en una entrevista con la revista Rolling Stone, el baterista Doug Clifford recordó con mucha nostalgia (?) esos días cuando la banda tocó en Lodi: "Solo habían 9 personas sentabas en cada local, esas nueve personas además estaban borrachas y reclamaban para que bajemos el volumen de los instrumentos ya que querpian dormir".Con la letra queda claro que John Fogerty no quiere volver a vivir esos trágicos momentos que toda banda debe pasar si es que quiere ser famosa...

En materia musical, "Lodi" no se queda atras de los demás singles de esta banda. Con una base sólida pero melancolica, donde hasta los acordes del bajo de Stu Cook se desvían en degarradores sonidos que simulan la soledad de un músico esperando otra oportunidad.En el canto, el señor John Fogerty deja de lado sus gritos a lo Little Richard y nos regala una interpretación acorde a la temática de la canción. con un sentir triste y algo agridulce para los oyentes.

Pero los fanáticos de la banda no quedaron muy a gusto con esta canción, ya que no traía todo el poder rockero del cual los Creedence los tenía acostumbrado, y eso se vió reflejado en que solo llegó al puesto #52 del Billboard Hot 100.

Les dejamos toda la melancolía y el sentimentalismo de "Lodi", una canción para disfrutar en la carretera mirando la vida pasar...

ARTHUR'S THEME (BEST THAT YOU CAN DO) / CHRISTOPHER CROSS

"Arthur's Theme (Best That You Can Do)" es una canción del cantautor estadounidense Christopher Cross que fue lanzada como single en 1981 y fue publicada en el soundtrack de la pelicula Arthur (protagonizada por una cinta Dudley Moore y Liza Minnelli).

Pero esta canción tambien fue parte del soundtrack de la vida musical de Cross, que tuvo su momento de fama creciente en ese mítico verano de 1981.

La decada de los 70's no había sido fructifera para el aclamado pianista y compositor Burt Bacharach, ya que fracasos comerciales y personales hiieron que su carrera musical estuviera al borde del abismo. Pero con la llegada de los 80's la tormenta calmó y con nuevo aires (y nueva esposa), el compositor empezó a recuperar la fama, especialmente con nuevas composiciones para tandas comerciales y proyectos cinematográficos.

Asi fue como llegó a escribir una pieza musical llamada "Arthur's Theme (Best That You Can Do)" para que sea la canción principal de una pelicula llamada Arthur, y de la cual su director, Steve Gordon, había decidido que Bacharach fuera el encargado de la banda sonora.

"Arthur's Theme (Best That You Can Do)" tiene todos los detalles tipicos de las composiciones de Bacharach: un interesante juego de acordes que decienden y crecen sobre una melodía memorable y con detalles muy bien arreglados.

En cuanto a la letra, Bacharach le pidió ayuda a Carole Bayer Sager, una compositora y cantante estadounidense que entre sus canciones se encuentra la famosa y superhiperversionada:"A Groovy Kind Of Love".

Bayer Sager y Bacharach se convirtieron en una dupla de compositores muy prestigiosa y aclamada por los criticos y fue tanta la unión mediante el trabajo que terminaron siendo pareja.Pero volvamos a la canción...

Bacharach y Sager escribieron una letra muy acorde a la temática y el guión de la película, y decidieron que el artista que tenía que poner la voz al tema tenía que ser Christopher Cross, que por ese entonces era uno de los cantantes pop con mas futuro en el ámbito musical y con una fama en notable crecimiento.

Cross pescó la canción, le hizo unos cuantos arreglos y la grabó, y además la llevó al número uno de todos los rankings del mundo.

Pero antes de ser lanzada como single, la canción tuvo que adoptar a otro compositor en su creditos. Se trataba del músico australiano Peter Allen (que además en ese entonces era pareja de Liza Minnelli), que alegó con justa razón el uso de la frase: "When you get caught between the moon and New York City" que pertenecía a una canción inédita que habían escrito junto Bayer Sager un año antes de este proyeco musical.

"Arthur's Theme (Best That You Can Do)" llegó al #1 del US Billboard Hot 100. Mismo logro tuvo en Japon, Suecia y Noruega.Además, en 1981, esta canción ganó un Premio de la Academia a mejor canción original, de igual forma ganó un Globo de Oro.Por ello esta canción es considerada como una pieza clásica del pop ochentero y en mas de algun compilado nostalgico o un cassette perdido por ahi la encontraremos con su encantadora melodía...

BABY COME BACK / PLAYER

"Baby Come Back" es una canción de la banda norteamericana Player, que fue lanzada como single en el año 1977 para promocionar su disco debut homónimo, que fue toda una sorpresa en las radios y los charts.

Con esta canción, la banda alcanzó su "peak" en cuanto a popularidad, ya que pasó a liderar varios rankings alrededor del mundo y quedaron para siempre en la memoria musical de los aclamados años 70's.

Esta canción fue escrita por Peter Beckett (voz y guitarra) y Crowley JC (voz, teclados y guitarra), ambos miembros fundadores de Player y dueños de las canciones de la banda.La historia cuenta, que la inspiración para componer esta canción vino luego de la ruptura amorosa de Beckett con su novia. Luego de 5 años de relación, el término de su relación dejó bastante deprimido al músico, que se dió la tarea de dejar plasmada toda su tristeza en las estrofas de "Baby Come Back".Beckett, que tambien escribió "Twist of Fate" para Olivia Newton-John y "After All This Time" para Kenny Rogers, decidió incluir esta canción dentro del primer disco de su banda, aunque no confiaba mucho en esta balada, el tiempo le daría una sorpresa tan grande como el Titanic.

Si analizamos la parte musical de este superhit, nos podremos dar cuenta que contiene un ritmo muy similar a la canción "She's Gone" del famoso dúo Hall & Oates.Con unos fantásticos riffs de guitarra y un llamativo juego de voces, "Baby Come Back" logra en el oyente una sensación de suavidad, de erotismo limitado por el bombo de la bateria que simula un latido de corazón marchante y partido por la soledad.

Tal como habiamos mencionado al comienzo de este post, "Baby Come Back" dejó a la banda en la cima de la fama, ya que logró llegar al primer lugar del Billboard en 1978. Eso si, hay que señalar que fue el único "number one" de la banda, ya que de ahí en adelante la fama se fue diluyendo con el paso de los años.

SEPTEMBER / EARTH, WIND & FIRE

"September" es una canción de la banda de música disco norteamericana Earth, Wind & Fire que fue lanzada como single un 18 de Noviembre del año 1978.Esta canción, que fue incluída en el disco The Best of Earth, Wind & Fire: Vol. 1, se convirtió en una de las piezas musicales mas populares de la banda, siendo considerada una pieza clásica para el Pop de finales de los 70's y parte importante de la historia de la polémica música disco que tuvo su invasión en el mundo marcando a varias generaciones.

Esta canción fue escrita por Maurice White, Al McKay y Allee Willis, y tiene la particularidad de que su melodía transmite un espíritu positivo, que hace feliz al oyente. Es por ello que sus autores la describen simplemente como una "música buena onda".

La historia sobre el surgimiento de esta canción, cuenta que fue escrita durante las sesiones del disco "I Am" y marcó el debut como compositor de Alle Willis, quien en ese entonces no se atrevía a mostrar sus canciones.

Willis era un fanático de la filosofía oriental, la cual estaba ligada a vivir la vida de manera posítiva, por lo tanto el contenido de sus canciones tenían ese "condimento". Eso hacía que la lírica de sus piezas musicales se diferenciaran de otras bandas que compartian el mismo estilo melódico.Se cuenta que una tarde, luego de que la banda terminara sus sesiones de grabación, Maurice White le facilitó a Willis un libro llamado "The Greatest Salesman In The World".La temática del libro marcó la vida de Willis, y se hizo adicto a ese tipo de lecturas acudiendo semanalmente a una librería llamada Bodhi Tree, ubicada en Los Angeles.Esa experiencia mística, hizo que Willis se acercara a una nueva forma de comunicar, de escribir y de hacer de la música una herramienta fundamental para darle al mundo un mensaje de paz, amor y que todos los problemas tiene una solución mas allá de las armas.Basado en esas lecturas y su nueva forma de ver la vida, escribió la letra de "September", que en un principio era un poema de casi 30 hojas, paso a ser una canción emocionante y fantástica, donde Willis plasmó todo su talento como compositor."Yo había comenzado a escribir la intro en el estudio y luego me retiré. Al llegar, me sorprendí porque mis compañeros ya habían arreglado la canción y dije "Oh Dios, ellos se interesaron en mi trabajo". Yo estaba seguro que sería un éxito" explicó Willis en una entrevista a un diario estadounidense.

Dentro de la letra de "September" existe una fecha bastante enigmatica. Esa fecha es:"21st night of September", que a traido mas de alguna pregunta hacía la banda sobre la razón de esa enigmatica noche.En dicha entrevista, Willis se dedica a contar la historia de esa frase: "Maurice (White) fue quin escribió esa primera estrofa. Cuando la escuché, altiro me llamó la atención y le dije '¿Por qué el 21?. Entonces él me respondió que era un perfeccionista y que le gustaba atar todos los cabos muy cuidadosamente, por lo que colocar la fecha 21 marcaría al oyente, ya que este se preguntaría a cada rato: ¿Por qué 21?. Realmente no tienen ningún significado real, simplemente calzaba dentro de la canción". Además agrega: "White siempre tenía esa manía de escribir canciones con fechas o cosas que dejaran curiosos a los fanáticos. Eso se convirtió en una caracteristica muy particular de Earth, Wind & Fire".

Otro dato sobre esta canción, es que comunmente se confunde la primera parte del coro como "Party On", cuando en realidad es "Bada-Ya." Sobre el significado de "Bada-Ya", los compositores han mencionado que no tienen ningun sentido, simeplemnte fue usado para que calze en la canción ya que las demás frases escogidas no entraban en esa parte melódica y además sonaban "anticuadas".

"September" fue todo un éxito para esta gran banda. Llegó al octavo puesto del Billboard Hot 100 y además fue certificada como disco de Oro por la RIAA, tras vender un millón de copias.En el Reino Unido, la canción logró una similar fama, siendo considerada como una de las canciones mas famosas de Earth, Wind & Fire en ese sector de Europa. Ocupó el tercer puesto de UK Singles Charts y tambien recibió un disco de Oro.

BAD GIRLS / DONNA SUMMER

"Bad Girls" es una canción de la cantante norteaericana Donna Summer, que fue lanzada como single en Julio del año 1979, obteniendo gran popularidad en las radios y logrando gran aceptación de la crítica que la pusieron en el trono como la reina de la música disco, en ese entonces.La canción fue puesta en libertad con el fin de promocionar el disco, tambien titulado, Bad Girls, el cual logró muy buenas críticas y es, hasta estos días, su dsco mas exitoso de su extensa carera musical.

Se cuenta que la inspiración de esta canción vino en 1977, cuando Summer estaba redactándole una carta a su secretaria personal y en un "break" esta inocente niña le empezó a contar a la cantante una anecdota bien rara. La anecdota de la secretaria, era que unos días atras, mientras esperaba un taxi a altas horas dela noche, un policia la ofendió fuertemente cuando la quería llevar presa tras confundirla con una prostituta.Summer, que puso al parecer mucha atención, tomó muy en cuent esas palabras d esu secretaría y en un, dos por tres se le ocurrió una idea para escribir una canción bajo el título de "Bad Girls".

Con la idea "fresquita", Donna decidió trabajar la canción con Bruce Sudano, que años despues sería su pareja, para que este le hiciera todo lo que tiene que ver con arreglos musicales.Sudano, que era miembro de la banda Brooklyn Dreams, citó a sus compañeros Eddie Hokenson y Joe Esposito para grabar la música de la canción. Al parecer estaba naciendo un nuevo hit...

Luego de ensayar la canción y hacer uno que otro arreglo a la melodía, la banda y Donna Summer se dirigieron a los estudios de grabación Casablanca Records, que estaba dirigida por Neil Bogart.Al escuchar la canción, Bogart no quedó muy a gusto ya que la encontró muy rockera y no calzaba con el estilo msuical que Donna venía haciendo en sus singles anteriores. Para el jefe, esta canción no tenía mucho futuro y le sugirió a Summer que se la cediera a Cher, ya que se adaptaba mas al estilo musical de esa eterna y super-operada cantante. Finalmente, Donna Summer se negó a vender su canción, asi que pescó la cinta y se la llevó a su casa...

Un año despues, mientras la cantante preparaba su séptimo disco en los estudios Casablanca, el productor Steve Smith se dió cuenta que aún había espacio para agregar una canción mas al disco. Fue en ese momento donde Donna Summer se acordó de "Bad Girls" y decidió ir en busca de esa cinta para agregarla a su LP.El otro productor, el señor Giorgio Moroder, quedó impactado con esa canción y decidió colocarla en la lista de posibles singles para el disco.

Finalmente la canción fue el segundo single que promocionó el disco. El primer corte fue "Hot Stuff", que fue todo un hit a nivel mundial y dejó a Summer en la cima de la música disco con un sonido bien rockero.Luego vino el turno de "Bad Girls", que siguió en la misma linea de su antecesora logrando entrar al primer puesto del Billboard Hot 100, donde se mantuvo por casi 5 semanas. Además tuvo un exito muy similar en el reino Unido, donde la canción llegó a la casilla #14 del chart.Y pensar que la encontraban muy rockera...

SEALED WITH A KISS / BRIAN HYLAND

"Sealed with a Kiss" es una canción interpretada por el cantante estadounidense Brian Hyland y fue publicada como single en el año 1962, obteniedo buenos resultados en los charts de Inglaterra y Estados Unidos.Con esta canción, la popularidad de este ídolo juvenil, que la rompía a principios de la década de los 60's, estaba mas allá de las nubes y las muchachas estaban locamente enamoradas de este adolescente de casi 20 años que aparecía con una guitarra, todo engominado, espinillento pero con un aíre seductor (?).

Era inicio del año 1962, y Brian Hyland competía, tanto en las ventas de discos como en imagen, con cantantes de la talla de Paul Anka, Bobby Vee o Neil Sedaka, que conquistaban día a día los diales de las radios y llenaban teatros cantando simples pero tiernas y románticas canciones llenas de frases de amor, de desamor y ultramegadesamor.

Los asistentes de Hyland querían liderar esta batalla comercial y decidieron, junto a la discográfica, empezar a hacer los contactos para que su pupilo interpretara una canción hecha por Gary Geld y Peter Udell, que por esos años formaban una dupla "de miedo" en la creación de hits para nuevos talentos.Geld y Udell, pese a que aún estaban aprendiendo "las malas artes", ya eran considerados dentro del medio musical como una de las asociaciones mas confiables para elaborar hits radiales.Por eso, los asitentes del ídolo juvenil querían contar con su ayuda a toda costa...

Luego de lograr contactarse con Geld y Udell y charlar un rato sobre contratos y cheques, la dupla de compositores le presentó una canción a Hyland. Esta era "Sealed With a Kiss", una

balada especial para capturar los oídos y las experiencias de los adolescentes enamorados, una canción que tenía estilo y que estaba con un sonido muy diferente al que practicaban Anka o Sedaka."Sealed With a Kiss" tuvo su creación de una forma muy particular, incluso podriamos decir que fue premio de una improvisación.Resulta que Gary Geld gustaba de la música clásica, de hecho en su curriculum aparecía unos cuantos estudios serios de piano y composición en Academias de renombre. Una tarde Geld andaba en busca de una canción y para empezar su trabajo decidió interpretar un ejercicios de dedos en su piano como precalentamiento. De esa improvisación salió una interesante melodía, que sonaba llamativa, que tenía forma de buen Pop y que dejó impresionado al compositor, que pescó su libreta y empezó a darle rienda suelta a lo que despues sería "Sealed With a Kiss".

Existe cierta confusión sobre si la canción fue interpretada primero por Hyland o por la agrupación vocal The Four Voices (que la publicó en 1960).Sobre ese tema, Hyland mencionó en el libro 1000 UK #1 Hits, de Jon Kutner y Spencer Leigh, lo siguiente: "Yo grabé "Sealed With a Kiss" un año antes que lo hicieran los The Four Voice, que hicieron una versión muy al estilo de los Brothers Four. Sonaba lenta y no tenía mucha energía, por lo que no fue un éxito. Ahí fue cuando le dije a los productores que tenían que haber lanzado primero mi versión".Ese dato nos dice que la versión de Hyland estuvo guardada por casi dos años sin ver la luz y fue reemplazada por una penosa versión que pasó sin pena ni gloria por las listas de venta.

En el momento de ser lanzada en voz de Hyland, la canción tomó una nueva formma. Iba directamente al sector juvenil, con unos fabulosos arreglos musicales hechos a la medida del cantante."Sealed With a Kiss" fue el mayor hit en la corta carrera musical de Hyland, ya que llegó a liderar los charts en ambos lados del Atlántico, siendo un himno juvenil y una canción que con los años pasó a ser una joya de los 60's.

Si bien Hyland había tenido su mejor momento a los 16 años cantando inocentemente una canción llamada "Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini", con "Sealed With a Kiss" ya se le mostraba más maduro, con cierta fijación inocente hacia las mujeres, ellas eran su presa, ellas eran las que coreaban su nombre.

HELLO, GOODBYE / THE BEATLES

"Hello, Goodbye" es una canción de la emblemática banda britanica The Beatles, que fue lanzada como single el 24 de Noviembre del año 1967 sólo para Gran Bretaña y tres días después fue lanzada para Estados Unidos y el resto del mundo.

Esta pieza musical, que tiene coloridos tintes Pop, fue incluída dentro del famoso LP Magical Mystery Tour, que fue la banda sonora de una película experimental y bastante absurda que publicó la banda en las vacaciones de Navidad del año 1967 y que recibió más críticas que aplausos por parte de la gente. Eso dejaba claro que Los Beatles tambien se equivocaban...

Sobre el nacimiento de esta canción la historia cuenta que un día apareció por la cada de Paul McCartney, ubicada en Cavendish Avenue, Londres, el señor Alistair Taylor, que era amigo de la banda y asistente del manager Brian Epstein.Mientras compartían un buen banquete, Taylor le preguntó a Paul sobre el secreto para escribir canciones de gran calidad y de que manera lograba captar tantas buenas ideas para las letras. "Macca", sorprendido por la pregunta, decidió invitar a Taylor a su sala de estar para darle una demostración empleando el armonio que tanto gustaba tocar por las tardes.Para hacer el experimento, Paul le pidió a Taylor que grite la frase contraria a lo que él cantaba, como por ejemplo: Si Paul cantaba sí, Taylor debía decir no; si le cantaba blanco, el asistente del manager cantara negro, y así seguir hasta llegar a una buen letra. En un momento Paul dijo hola y Taylor le dijo Chao, y con eso ya tenían una buena canción.

En su biografía, titulada Many Years From Now, Paul McCartney menciona que "en esta canción hay una influencía en Géminis, especialmente en los gemelos. Esto de la dualidad es un tema bastante universal y profundo- mujer,hombre, gato, perro, blanco, negro, alto, bajo, el bien, el mal. "Hello Goodbye" fue una canción fácil de escribir y trata sobre esa dualidad, pero visto de una manera positiva. "Tú me dices adiós, yo te digo hola. Me dices que pare, yo digo que siga", si te fijas yo defiendo el lado positivo de la dualidad, y es hago que practico todos los días"

Bajo el título "Hello, Hello", Los Beatles trabajaron y grabaron la canción un 2 de Octubre de 1967 en los míticos estudios Abbey Road. En esa sesión los cuatro chicos de Liverpool grabaron 14 tomas, donde mezclaron las partes de piano, teclados, batería y percusiones varias como bongos, congas y tambores.Luego de eso, la banda se juntó el 19 de Octubre para segur trabajando la canción. En esa oportunidad se arreglaron las voces, donde Paul decidió doblar su interpretación mientras que Harrison y Lennon se ocuparon de los coros.En ese momento la canción estaba casi terminada, pero a última hora George Martin (historico productor y quinto Beatle) decidió usar dos violas, que apoyaran las partes de piano creadas por "Macca".Uno de los que tocó las partes de viola fue Ken Essex ( el otro suertudo fue Leo Birnbaum), quien en una entrevista dijo sobre su participación: "Los cuatro Beatles estaban presentes en el estudio. Uno de ellos, vesido con un traje que parecía pijama, estaba sentado en el piso dibujando en una hoja de papel". Al parecer esa frase va dedicada al Beatle que usaba anteojos.

Luego de terminar la canción y grabarla, Martin y la compañía disquera decidieron que "Hello, Goddbye" fuera lanzada como single junto a "I Am The Walrus", cuya autoría era 100% "made in" Lennon. Pero no todo pintaba color de rosa, ya que habia que elegir cuál canción ocuparía el lado A y eso generó mucha polémica dentro de la banda. Los que defendían la canción de Paul, aseguraban que era una buena melodía Pop que generaría buenos recursos a las arcas de la banda, mientras que los que apoyaban la obra de Lennon, defendían su postura apelando a la experimentación musical y la psicodelía, que por esos años hacía de las suyas entre la juvetud que pedía paz, amor y libertad.Finalmente ganó "Hello, Goodbye" dejando en el lado B la composición de Lennon que no pudo esconder su enfado ante tamaña desición y disparó años después a los medios su posición sobre esta canción aludiendo que no tenía mucha importancia para la historia de la banda y que eran sólo "tres minutos de contradicciones sin sentidos". Fuerte!!

Mientras la canción sonaba en las radios y en la TV, donde se hizo un interesante video promocional grabado en el teatro Saville de Londres, McCartney explicaba filosóficamente a una revista que "la respuesta es sencilla. Es una canción sobre el todo y la nada. Si tú tienes negro tienes que tener blanca. Eso es lo sorprendente de la vida".

A pesar del enojo de John y las explicaciones "raras" de Paul, esta canción fue todo un éxito para la banda, logrando llegar a los primeros lugares de los charts en todo el mundo y siendo considerada como una de las canciones más emblemáticas de esta banda que revolucionó los sonidos del mundo, que cambió la música y que hizo que todos los ciudadanos del mundo cantaran al mismo compás sus fantásticas creaciones...

WORKING CLASS HERO / JOHN LENNON

"Working Class Hero" es una canción del músico británico John Lennon, que forma parte del repertorio de su disco debuto como solista John Lennon/Plastic Ono Band, que fue publicado el 11 de Diciembre del año 1970.Con este disco, Lennon logró muy buenas criticas por parte de la prensa. Esa misma prensa mundial que pensaba que despues de los Beatles, sus integrantes pasarían al olvido y que las buenas canciones de Lennon, McCartney, Harrison y Starr quedarían colgados como cuadros de obras de arte sesentero.

Tras tres álbumes experimentales y con poco sabor a Pop y Rock, Lennon decide dar su gran paso ahora como ex-Beatle lanzando una joya musical llamada John Lennon/Plastic Ono Band, cuyo título rinde honor a la banda de musicos que lo acompañaban en las canciones. Un disco con letras personales, con una euforía que se transmite en todas las canciones. Con un Lennon rebelde, a ratos depresivo y en otros momentos irónicos. Pero tambien con conciencia social, que sería su bandera de lucha durante su nueva decada de vida terrenal. En especial su

repudio a la diferencia de clases sociales, un producto generado del capitalismo imperante en el mundo...

Desde que era parte The Beatles, Lennon se consideraba en varias entrevistas como un miembro -y heroe- de la clase obrera, ya que había sobrevivido en una casa sin sus padres y al cuidado de una tía, que el músico de cariño le llamaba Mimi. Sin embargo, si uno analiza bien las biografias de Lennon se pueden dar cuenta que su infancia y juventud no la pasó en una cuna obrera, mas bien la casa en donde se estaba quedando era un hogar de clase media, donde lo unico que le faltaban era el amor paternal, algo que a Lennon siempre le dolió y dejó plasmado su sentir en más de una canción.Distinto era el caso de Ringo, Paul y George, que realmente venían de la clase obrera y pertenecían a una clase menos acomodada y muy ligada al trabajo y al esfuerzo por ganar unos billetes más.Pero Lennon tendría sus motivos para ser un heroe de la clase obrera... Y quizás de las experiencias de vida de sus amigos decidió escribir una canción dedicada a esa gente que nació en esa clase social y tendra que vivirla por años. A ellos, Lennon les dedicó "Working Class Hero".

En esta "rola" vemos a un John Lennon disfrazado de Dylan (que era uno de los ídolos musicales del ex-Beatle), a pura guitarra acústica y furiosa voz entonando una canción con aroma armónico a la tambien valiente "Master Of War".Con acordes simples, "Working Class Hero" se convierte en una canción que protesta contra las maldades del mundo capitalista, con el repartir lo necesario a cada rebaño humano y toma esa idea para decirle a la gente que la única fomar de acabar con esas injusticias sociales es luchando, no resistiendo.Más allá de debatir si Lennon fue un revolucionario de tomo y lomo (hay gente por ahí que dice que todo lo hacía para "vender"), hay que señalar que en esta canción deja muy en claro su postura politica y social, dejando a "Working Class Hero" como su aporte a tantos himnos defensores a los obreros, a la clase trabjadora que en realidad mueven a un pais.

En una entrevista con la revista Rolling Stone, en Enero de 1971, Lennon se dió el gusto de hablar sobre esta canción y la catalogó de "revolucionaria". Además agregó: "Espero que entiendan que está dedicada a los trabajadores y no para los idiotas y maricones" refiriendose especialmente a la gente de los gobiernos, que podrían usarla para sus campañas políticas.Pero Lennon no se quedó ahí en la conversación sobre esta canción, luego agrega que: "Por otra parte, ojalá no la ignoren, porque es para toda esa gente de la clase obrera, como yo. No importa si eres superior o inferior dentro de esa clase, ya que algunos la transformaron como clase media, un invento de la "máquina"... Todo viene de mi experiencia y espero que esto sea una advertencia para todas las personas, ya que estoy hablando de una canción revolucionaria... No cualquier canción sino que es una canción para la revolución".

En las sesiones de grabación "Working Class Hero" se convirtió en una canción que le trajo mas de algun problemilla a Lennon. Es que debido a su forma tan detallada de trabajar, el músico buscaba grabar una voz especial, que le causara mucha satisfacción. Es por ello que el músico grabóvarias tomas de la canción cn distintas voces pero ninguna calzaba con su gusto o con lo esperado.Varios participantes de esas sesiones de grabación concuerdan con que Lennon se cabeceaba día y noche buscando el tono perfecto para su canción en defensa de los obreros. A tal punto que la frustración llegaba a su momento mas duro cuando de rabia golpeaba las paredes del estudio y a ratos, cuando escuchaba el resultado de una toma y esta no le gustaba pecaba sus cosas y se iba a pensar a algun parque cercano.

Finalmente, Spector y Lennon decidieron incluír en el disco una de las tomas que va mezclada con dos sesiones de grabación, hechas en estudios diferentes. Por eso, si escuchan detenidamente y con mucho cuidado podran percatarse que en un momento dado el sonido de la guitarra y la voz cambia a mitad de camino. Un curiosidad para analizar en los hogares (?).

Una canción universal, valiente y que a pesar del paso de los años y que ha pasado mucha agua debajo del puente su temática sigue tan vigente como en epocas pasadas... Que raro no?

BABY, I LOVE YOU / THE RONETTES

"Baby, I Love You" es una canción del grupo vocal femenino estadounidense The Ronettes, que fue lanzada como single en Noviembre de 1963 siendo el segundo gran éxito de esta agrupación que fue un furor en los sesentas gracias a las genialidades del productor Phil Spector, que detras de las perillas tenía una caja para sacar hits en voz de estas tres talentosas damas.

Luego del rotundo éxito que cosecharon Veronica Bennett (que luego tomaría el nombre de Ronnie Spector), su hermana Estelle Bennett y su prima Nedra Talley con la interpretación de "Be My Baby", la banda y el productor Phil Spector decidieron retomar esa idea musicaly lanzar inmediatamente un nuevo single para que la fama y los chueques se eleven hasta las nubes mas altas.Para ello, Spector se contactó nuevamente con el compositor y productor Jeff Barry y con, el tambien compositor, Ellie Greenwich, ambos autores del primer hit de la banda, para que empezaran a trabajar en una nueva canción para sus Ronettes. Estos dos "artesanos de canciones" le enviaron inmediatamente una cinta al "loco" Spector con una canción llamada "Baby, I Love You" que contenía una armonía muy parecida a "Be My Baby" y sonaba como un futuro hit. La versión que llegó a las manos de Spector contaba con la voz de una joven cantante llamada Cher, que por ese entonces hacía sus primeras apariciones en la escena musical estadounidense. Años despues, y bajo la tutela del mismísimo Spector, volvería a

cantar esta canción pero en una versión a puro piano y mas lenta, y a la vez mas emotiva. Pero eso es otra historia... Volvamos a 1963.

Asi fue como Spector, luego de escuchar la canción, quedó bastante motivado con la ídea y empezó a trabajar esta melodía para que la puedan interpretar las Ronettes. Para ello recurrió a su famoso "Muro de sonidos", que fue una llamativa técnica de producción donde se resaltan las percusiones con un eco bastante inusual en ese entonces. Además se duplica y a la vez se desfasan los canales de sonido para que la canción logre un efecto de sonido que no vaya tan de la mano con la melodía principal. Este "Muro de sonido" contiene gran cantidad de coros (con aires celestiales), instrumentos de cuerdas y de bronces, siendo un trabajo de producción donde cada detalle tiene que ir en su momento justo. De ese proceso sale "Baby, I Love You", listo para que las Ronettes le pusieran su sello vocal.

Luego de la grabación de este "temazo", la banda y el sello discográfico que las tenía en sus filas en ese entonces deciden lanzar "Baby, I Love You" en Noviembre de 1963 pero la carrera ascendente del single se vió truncada por una tragedía que paralizó a todo el mundo: El asesinato del Presidente estadounidense John F. Kennedy el 22 de Noviembre de 1973.Luego de ese impactante suceso, la gente y los medios de comunicación se empeñaron en rendir un luto sobre la muerte de su líder político. Para ello quitaron de las ventas y de las emisoras radiales las canciones que tengan aroma a "optimismo". Una de esas canciones fue el segundo single de The Ronettes.Segun Spector, ese fue el motivo que llevó a "Baby, I Love You" a tan sólo ocupar la casilla #24 del Billboard Hot 100, que contrastaba con el megaéxito que lograban en el Reino Unido, cuando se supo que la canción estaba en el puesto #11 de los charts.

A pesar de no igualar el éxito cosechado con "Be My Baby", esta canción tambien fue interpretada por otros artistas, que la tenían como una canción épica para la décad a delos 60's. Ese es el caso del famoso galés destructor de guitarras Dave Edmunds, que grabó una versión de esta canción en 1973 para rendirle un homenaje a su amigo Phil Spector y resultó ser todo un éxito en tierras británicas.Siete años despues de la versión de Edmunds, vino el turno de la banda de Punk Rock estadounidense The Ramones, que interpretaron magistralmente esta canción bajo la producción del famoso productor y tambien lograron cosechar gran éxito en Inglaterra.

En resumen, una canción genuina, llena de detalles que la hacen ser una de las canciones mas famosas de las Ronettes y de toda la década de los 60's..

S.O.S / ABBA

"S.O.S" es una canción de la famosa banda sueca ABBA, que fue publicada como single un 14 de Junio del año 1975 obteniendo grandes comentarios por parte de la prensa y la crítica en general.Para muchos estudiosos de ABBA, esta canción marca mucho a la carrera de la banda ya que fue el primer hit mundial que llevó a que estos cuatro chicos de Estocolmo se hicieran famosos en toda Europa.

Era el año 1974 y la banda no la pasaba muy bien. Es que pasaban por el fracaso de su single "So Long" y su sello discográfico le pedía un hit, un temazo que entrara en el Top 20 de los charts mundiales. Pero la cosa no sería tarea fácil y tendrían que esperar casi un año para que ABBA tenga un superhit que fuera coreado en varias partes del planeta, como lo fue su archiconocido debut llamado "Waterloo".

Asi fue como un 22 de Agosto de 1974, Benny Andersson y Björn Ulvaeous, los cabezillas creativos del grupo, le presentaron al productor Michael B. Tretow una canción llamada "Turn Me On", que sonaba bastante interesante y llamativa.La banda y su productor no dudaron en grabarla y le hicieron todos los arreglos necesarios y rebuscados con detalles de pianos impresionantes y una actuacion vocal notable de las voces femeninas a cargo de Agnetha Fältsko y Anni-Frid Lyngstad.En un principio se pensó publicarla como lado B del malogrado single "So Long", pero a ultima hora decidieron colocar otra canción y guardar esa versión demo para un futuro LP.

"Turn Me On" trataba sobre una mujer que le pide desesperadamente a su hombre que la rescate de las penurias, de la mala vida y de un pasado triste. Pero ese rescate no es por medio de palomas ni grandes instrumentos de ingeniería (?) sino que debe rescatarla de ese abismo solo con amor, o sea, entregandole cariño y seguridad. Increíbe letra!!!

Fue en una de las sesiones de grabación para el disco ABBA, tercer LP de la banda, cuando el manager Stig Anderson escuchó la "rola" y decidió pedirle a sus pupilos que le cambien el título a esa magnifica pieza musical. Su sugerencia fue "S.O.S", un título acorde a la temática de la letra y más llamtivo para ser lanzado como single. La banda aceptó de inmediato esa idea...

Al lanzar "S.O.S" al mercado mundial, la canción fue todo un suceso para ABBA. Rápidamente la canción alcanzó la fama mundial llegando a los primeros lugares en Austria, Canadá, Irlanda, Noruega, Holanda, Italia y Zimbabwe (!); y llegó al número 1 en Nueva Zelanda, México, Sudáfrica, Bélgica y Alemania. ABBA ya había traspasado fronteras internacionales y eso los dejaba como estrellas del POP.Pero no todo quedaba en esos paises. En mercados tan importantes como el del Reino Unido y Estados Unidos la canción fue todo un éxito. En tierras de Obama, "S.O.S" llegó a la casilla #15 del Billboard Hot 100, y tuvo un record que jamás fue reconocido a la banda, ya que fue

la primera canción en la historia del Top 20 estadounidense en la que el título de la canción y el nombre del artista o agrupación son palíndromos (que son palabras, números o frases que se leen igual hacia adelante que hacia atrás).

Minetras que en tierras británicas la canción llegó al sexto puesto y fue un gran hit radial, a tal punto que varios músicos britanicos quedaron impactados con esta balada de ABBA. Uno de ellos fue Pete Townshend, guitarrista y lider creativo de la banda The Who, que en una entrevista a la radio BBC en el año 2009 reveló que "S.O.S" es una de sus canciones favoritas de ABBA y que ese LP homónimo de la banda sueca fue como un bálsamo ante toda la furia rockera y rebelde de su banda a mediados de los 70's.

Les dejamos este temón de una de las bandas más prestigiosas en la historia del Pop y que tiene varios records de ventas en varias partes del planeta y ya son una leyenda musical...

SONG SUNG BLUE / NEIL DIAMOND

"Song Sung Blue" es una canción del cantautor estadounidense Neil Diamond, que fue lanzada como single en Agosto de 1972 con el fin de promocionar el disco Moods, una de sus tantas joyas musicales que nos regaló este gran artista oriundo de Brooklyn.Diamond es considerado por muchos como uno de los artistas mas completos dentro de la escena de música popular. Sus canciones han ayudado a relanzar las carreras de muchos artistas y sus discos en vivo son verdaderos tesoros sonoros, llenos de fantásticos arreglos orquestales y letras reflexivas sobre la vida y el mundo en que vivimos.

Era 1972 y la carrera de Diamond por fin había tomado vuelo gracias al rotundo éxito en los medios de "New Orleans" y la aclamada "Sweet Caroline". Es que luego de probar varios singles y de cederle canciones a varios artistas que ganaron fama gracias a él, ya era hora que el cantautor saque a relucir su talento en todos los escenarios del mundo.

Con la llegada de la tan ansiada fama, Diamond se dedicó a escribir y escribir canciones como loco. Buscaba ideas donde sea y así fue como una tarde mientras escuchaba el famosisimo "Concierto para piano N°. 21" de Wolfgang Amadeus Mozart se le ocurrió una genial la idea para "tejer" una canción.El resultado fue "Song Sung Blue", con acordes muy parecidos a la melodía de Mozart y que Diamond, un detallista profesional, no quedó muy a gusto ya que la encontraba "muy simple y con un mensaje en la letra muy básico".Intentó arreglarla incluyendole un coro mas potente pero la cosa iba perdiendo el sentido comercial que necesitaba para el disco y decidió dejarla tal cual, a pesar de su descontento por el resultado obtenido.Para el autor, esta canción no pintaba para single ni menos se le pasaba por la cabeza que sería un éxito comercial y la ídea de colocarla en el disco fue con la misión de que sea una simple

canción de "relleno". Así, con esa ídea en mente, se fue con la cinta bajo el brazo a los estudios de grabación.

Pero el encargado de decirle a Diamond que la canción estuviera presente en Moods fue el señor Russ Regan, que era un empresario de la industria musical y dueño de UNI Records (sello discográfico para el cual trabajaba Diamond). Al escuchar la canción, Russ quedó maravillado con la melodía y abrazó al cantante gritandole una frase con todo el estilo de la gente del mundo empresarial: "tus derechos de autor crecen cada día más!!!". Años despues, en una entrevista con un medio Inglés, Regan dijo: "Aunque la letra lo dice todo y no había mucha confianza en ella, resultó ser una de las piezas musicales mas importantes para Neil".

Si hay algo ( de lo poco) que tenemos que agradecerle a los empresarios, es su buen olfato comercial y hacer de las cosas simples un producto altamente vendible. Con "Song Sung Blue" la cosa fue parecida, ya que al ser lanzada como single la ventas se fueron a las nubes, legando al puesto #1 del Billboard Hot 100, casillero que no era visitado por Diamond desde el suceso de "Cracklin' Rosie".Pero la fama de Diamond traspasó fronteras gracias a esta canción y el continente europeo tuvo que rendirse a los pies ante los acordes de "Song Sung Blue". En el reino Unido alcanzó el primer lugar del UK Singles Charts y la canción pasó a ser pieza clave en sus conciertos.

A raíz de toda esta fama no esperada por Neil "Diamante", la canción se convirtió en una de las piezas musicales mas reconocidas de su trayectoria musical. Su asombro lo hizo público en 1996, cuando en las notas de disco compilatorio "In My Lifetime" mencionó sobre esta canción: "Jamás le tomé la atención al mensaje, lo encontraba muy básico, y no quize adornarla tanto ni colocarle un coro. No tenía ídea que sería un gran éxito o que la gente la cantaría".

Hay que decir que al igual que en las matemáticas, la música siempre tiene otro color cuanco esta hecha de cosas simples y eso las hace siempre bienvenidas ya que generan mas asombro que esas brutales experimentaciones de larga duración que a veces nos hacen caer en un aburrimiento traumático con sus riffs de larga duración y un "tarreo" insignificante.Diamond hizo eso, buscó algo simple, algo extrañamente simple pero que llegó a la gente de una manera espectacular y se convirtió en una de las piezas claves para el crecimiento de su fama...

HOPELESSLY DEVOTED TO YOU / OLIVIA NEWTON-JOHN

"Hopelessly Devoted to You" es una canción de la cantante y actriz australiana (de origen británico) Olivia Newton-John, que fue publicada en 1978 para promocionar el soundtrack de la famosa comedia musical Grease, la cual estaba protagonizada por la cantante y el famoso actor John Travolta.

Esta canción se convirtió en uno de los hits musicales de esta talentosa cantante que cautivó a todo el mundo con su belleza natural y su magistral tono de voz.

La historia cuenta que el día en que el director Randal Leiser decidió reclutar a Olivia para el papel protagónico de su nueva pelicula, esta inocente mujer le pidió que dentro del contrato esté estipulado una canción que fomente su carrera musical en solitario y sin la compañia de Travolta.La pelicula se llamaba Grease, y estaba basada en un musical creado por Jim Jacobs y Warren Casey, del mismo título, que data de 1972. Esta cinta fue la película que lanzó al estrellato mundial a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar la carrera de John Travolta como actor de verdad (?).

Las filmaciones de la película iban del todo bien, el director de la cinta sacaba buenas cuentas antes de entrar a editarla pero había un problema muy serio: Nadie se quería hacer cargo de la canción que tenía que cantar Olivia en solitario.Los productores encargados del soundtrack de la cinta, los autralianos John Farrar y Barry Gibb (si gente, el integrante de Bee Gees) tenían tanta "pega" que se les había olvidado lo que estipulaba el contrato y eso podía traer problemas legales por parte de la artista y su manager.

La cinta ya estaba a punto de ir a edición y Farrar estaba como loco escribiendo canciones para la película pero ninguna calzaba con el estilo musical que quería experimentar Olivia Newton-John. La cosa se podía volver fea...Las presiones por parte de la discográfica ya tenían en la horca al pobre de Farrar, asi que le presentó a la cantante una balada con tono sesentero llamada "Hopelessly Devoted To You", la cuál, a decir verdad, no tenía convencido del todo al autor, quien la veía como un producto muy lejano de las baladas Pop imperantes e esos años y además los arreglos eran bastante simples...Pero la artista la aceptó de inmediato... Era una buena oportunidad para mostrar su talento vocal en una balada al estilo Brenda Lee.

Fue grabada por Olivia mientras la pelicula estaba siendo editada en 1977 y los porductores terminaron incluyendo esta hermosa balada dentro de la banda sonora de la pelicula.Eso les traería buenos beneficios a la cinta luego de ser presentada al mundo.Es que las aventuras de Sandy y Danny, que eran dos jóvenes que se conocieron en las vacaciones de verano, tuvieron un romance y que se habían despedido para siempre hasta que se encuentran de casualidad en la escuela, marcó a mucha juventud a finales de los 70's y sus canciones quedaron dentro del cancionero popular. Entre esas canciones, aparece "Hopelessly Devoted to You" que llegó a ser nominada en 1979 a los Premios Oscar en la categoría a Mejor Canción. Finalmente ese premio cayó en manos de Dona Summer y su gran interpretación en la canción "Last Dance" (escrita por Paul Jabara).

Pero esta pérdida más que desfavorecer a la canción la hizo más famosa y eso se vió reflejado con el tercer lugar que ocupó en el ranking Billboard, el segundo lugar en los charts Británicos, su rotundo éxito en Neva Zelanda, Japón, Canadá y España entre otras partes del mundo donde las parejas bailaban pegados esta hermosa balada.

Les dejamos esta gran canción de una de las artistas mas reconocidas a nivel mndial y que nos cautivó con su belleza y su gran talento artistico...

HOLD THE LINE / TOTO

"Hold the Line" es una canción de la banda estadounidense Toto, que fue publicada como single en el año 1978 y fue el primer paso a la fama promocionando su aclamado primer disco homónimo, que es considerado una de las joyas musicales de esta gran banda compuesta por seis músicos "de verdad".El disco Toto le presentó al mundo como la unión de seis jóvenes musicos dueños de un talento inigualable podían lograr una mezcla de Pop y Rock muy variada e influenciada por varios estilos musicales. El primer gran paso para dejar el anonimato musical fue "Hold The Line", una pieza que ya es clásica dentro de la historia del rock y que hasta estos dias es tocada en varios medios de comuncación por todo el planeta.

Era el año 1977, y en un estudio de grabación de Columbia Records se juntaron seis musicos que apenas bordeaban los 20 años de edad (a excepción del vocalista, que era 10 años mayor que el resto de la banda). Estos eran: el bajista David Hungate, el cantante Bobby Kimball, el guitarrista Steve Lukather, el baterista Jeff Porcaro y los tecladistas David Paich y Steve Porcaro. Todos estos músicos no eran para nada desconocidos dentro de la escena musical estadounidense, ya que habían trabajado como músicos de sesión para artistas de la talla de Boz Scaggs, Aretha Franklin, Barbra Streisand y Jackson Browne. Es por ello, que la banda no le tenía miedo a las experimentaciones musicales ni a la mezcla de estilos porque podían tocar una simple balada romantica hasta una pieza extravagante de rock clásico sin "despeinarse".

En una de esas sesiones de grabacion, cuando ya habían decidido trabajar en un disco bajo el nombre de Toto. el tecladista David Paich le presentó a sus amigos una pieza que había escrito días antes de reformar la idea de hacer una banda. Era "Hold the Line", una canción con aires de Pop-Rock que hablaba sobre los misterios del amor.En una entrevista hecha en el año 2005 a un medio estadounidense, David Paich mencionó sobre los origenes de esta canción:" Todo empezó con el riff de piano, ese con el cuál empieza la canción. Me gustó tanto la idea de ese riff que no paraba de tocarlo día tras día en busca de otros acordes que le acomoden. De repente se me vino a la mente la frase "Hold the line, love isn't always on time" y empecé a cantar.... Fue una bendición. La frases vinieron a mí en la noche mientras dormía y me levanté a escribir los demás versos. En dos horas la canción

estaba hecha. es que a veces las canciones llegan con rapidez y otras veces tardo como dos años en crear una melodía".

La canción estaba al gusto de los demás integrantes del grupo, que vieron en "Hold The Line" una pieza que daría que hablar en los charts. Con sus candentes solos de guitarra y el riffs de piano que llama bastante la atención, esta canción contenía todo para ser un éxito en el verano de 1978.

Cuando por fin salió a la venta el single con esta canción, los seis integrantes de la banda estaban muy nerviosos con la aceptación de la gente y en especial, de los medios de comunicación.Pasaban los días y la canción no formaba parte de los repertorios de las radios y el fantasma del fracaso rondaba por los estudios de grabación donde preparaban los ultimos acordes de su primer LP.Pasaron los días, hasta que una mañana mientras el guitarrista Steve Lukather dormía junto a su señora recibió una llamada de su madre. Esta le decía que estaban pasando en la radio "Hold The Line" y este se puso tan feliz que busco el dial de la radio y empezó a salat en ropa interior por todos su departamento gritando con mucha emoción la frase "estoy en la radio, estoy en la radio" mientras su mujer los abrazaba y lo felicitaba por su logro.Mientras el guitarrista celebraba en su casa, Bobby Kimball se enteraba de la noticia gracias a una simple casualidad. Se encontraba aún duermiendo y había dejado programada su radio favorita para que sonara a todo volumen cerca del mediodía, para que se vaya directamente a los estudios de grabación. La canción con la cual despertó fue... "Hold The Line"!!! No podía despertar más feliz, con su canción sonando en la radio y mas encima su estación radial favorita. De inmediato corrió en busca de su telefono para llamar a Paich. Cuando se logró comunicar con el autor de esta "rola" altiro sintió la alegría por el logro obtenido ya que Paich gritaba a viva voz junto a su novia.Toto lograba su primer gran paso hacía la fama absoluta...

Con el paso de los días, la canción lograba escalar hasta el puesto # 5 del Billboard Hot 100, lo cual era maravilloso para la banda. Mas encima lograron gran éxito en el Reino Unidos y esto se vió reflejado en su posición en los charts británicos donde quedó en el puesto #14.No había dudas, el comienzo soñado para toda banda estaba en los acordes de "Hold The Line", una canción que pasó a ser pieza clave en la musica popular y una de sus cacniones as coreadas en todos los conciertos que dan por el mundo hasta la actualidad.

Fue tanta la importancia de "Hold The Line" para la banda, que incluso sirvió de excusa para la despedida de Steve Lukather de la banda en el año 2008. Tras 30 años sobre los escenarios con Toto, el guitarrista decidió retirarse de los riffs y la lejanía de su familia tras las giras. En su carta de despedida le dijo a sus fans en su página web: "Sinceramente ya lo hice todo. Esto

no es una ruptura de la banda sino que senti que tocar "Hold The Line" con la cara seria no era una buena señal. Tenía 19 años cuando la grabé... Ahora tengo 50".

Es que pueden pasar los años, pero esta canción sigue en el cancionero popular!!

RUN TO ME / BEE GEES

"Run to Me" es una canción del famoso grupo de música Pop Bee Gees, que fue lanzada como single en Julio del año 1972 con el fin de promocionar su octavo disco de estudio titulado "To Whom It May Concern", que es considerado una de sus joyas musicales mas impresionantes en la primera etapa de este grupo formado por los talentosos hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb.Esta preciosa balada quedó en la historia de la banda al ser un éxito en las radios y los charts de todo el mundo y dejó muy en claro que la marca musical de los Bee Gees era sinonimo de calidad.

Cuando el mundo musical veía como la moda psicodélica ya iba en decadencia junto con los gritos de paz y amor, en la escena musical aparecian muchas bandas y cantantes solistas que querían volver a lo simple, especialmente a cantar esas inagotables baladas Pop.Una de esas bandas que se aprovecharon del paso de la moda experimental del rock, fue la de los hermanos Gibbs, que tenían un talento profesional en crear canciones de excelencia para el Pop.Con sus baladas llenas de detalles bien recortados y con un amplio conocimiento en el uso de orquestas y de las influencias de varios cantantes de principios de los 60's, lograban hacer hits mundiales.

Era tanto su talento, que creaban una balada en cualquier lugar o instante. Asi ocurrió una tarde de Abril del año 1972, cuando los hermanos Gibbs se encontraban de paseo en la casa de su manager Robert Stigwood, ubicada en la famosa ciudad de Beverly Hills. En ese momento, mientras charlaban sobre los futuros proyectos de la banda y el próximo disco que estaban a punto de entrar a grabar, los tres hermanos Gibbs empezaron a idear una nueva balada. Barry, Robin y Maurice pescaron sus guitarras y empezaron a tocar unos acordes que sonaban bastante bien.Mientras su manager los felicitaba por su profesionalismo y talento musical, estos tres chicos se divertían presentandole una nueva canción que salió de la nada.Con una letra muy tierna, que describe a un hombre solitario y que desea que alguna vez llegue a sus brazos una mujer que ha fracasado en el amor para cobijarla y defenderla de los miedos.Stigwood ya sacaba cuentas alegres...

El 12 de Abril de ese año, los Bee Gees grabaron esta canción bajo el titulo "Run To Me" en los IBC Studios, ubicados en Londres.En ella Barry y Robin se lucen cantando las estrofas y el coro bajo un tono melódico hermoso y a la vez melancólico. Mientras que Maurice tambien tiene una actuación dentro de la canción cantando en un tono muy bajo en los coros junto a sus dos hermanos.La melodía logra el mismo efecto que la interpretación. Con una introducción en tonos menores y con una armonía suave, en unos simples minutos pasa a la gloria, con un coro pegajoso y a la vez hermoso con la decoración vocal.Los Bee Gees siempre jugaban con el drama en sus canciones y en "Run To Me" lo vuelven a hacer y a decir verdad, fue una de sus formulas mas efectivas para lograr el éxito que los tiene como leyendas del Pop.Con un arreglo de cuerdas memorable, llenos de detalles cuidadosamente grabados y depurados en el estudio, esta canción parece sacada del cielo, musicalmente hablando.

"Rub To Me" fue un hit que dejó a los Bee Gees en lo alto de la fama. Luego de estar tres años fuera del Top Ten del UK Singles Charts, la banda lograba romper esa mala racha con esta canción que entró en el puesto #9 y eso fue celebrado como si hubieran ganado el título mundial de Futbol.En Estados Unidos su fama tambien iba en crecimiento. Con su puesto # 16 en el Billboard Hot 100, esta canción pasó a ser un clásico de la balada romántica setentera.

Aunque los Bee Gees no gustaba mucho de tocar esta canción en sus conciertos y al parecer, tampoco gustan del disco al cual pertenece esta hermosa balada, no hay dudas de que es una de las melodías mas aclamadas de esta banda que años después serían gritos y plata con su aporte a la música disco.

SHOUT / THE ISLEY BROTHERS

"Shout" es una canción del grupo norteamericano The Isley Brothers, que fue lanzada como single un 21 de Septimebre del año 1959.Esta canción marcó el debut oficial en las pistas de los hijos de la familia Isley oriunda de Cincinnati que perdiraría con gran éxito por muchos años mas, siendo considerada por la prensa como la banda con mas años de actividad en la historia del rock.

Pero antes de publicar esta canción que los llevó a la fama, Los Isley Brothers no la pasaban muy bien. Tras un debut en las pistas en el año 1955, la muerte de Vernon tras un accidente en bicicleta marcó a sus hermanos y decidieron parar sus giras y conciertos.Luego de estar casi dos años fuera de la escena musical, estos jóvenes decidieron pescar sus maletas y escapar a Nueva York, con la misión de captar la atención de algun productor y grabar discos.

Pero nada les salía como se lo habían planteado. Las oportunides de presentar sus talentos parecían escasas y una que otra vez los invitaban a participar en pequeños conciertos o para cantar en las iglesias.Pero 1959 fue su año. Luego de varias conversaciones con dirigentes de sellos y con varios productores, se les presentó la oportunidad de actuar como "teloneros" en los conciertos que daría el famoso cantante Jackie Wilson en Washington, DC.Fue en una de esas actuaciones, mientras la banda le rendía un tributo a Wilson entonando la famosa "Lonely Teardrops", cuando el vocalista Ronald Isley empezó a improvisar una llamativas frases con una voz muy particular:"WELLLLLLLLLLL... you know you make me want to SHOUT". En ese momento sus hermanos Rudy y O'Kelly se unieron a la improvisación y sacaron una canción de pregunta-respuesta que atrajo al publico y a la cuál aplaudieron sin cesar.Toda esa energía que traía la canción le llamó la atención a un ejecutivo del sello RCA, llamado Howard Bloom, quien espero el final del show para ir a camarines y decirle a los chicos Isley que aceptáran firmar un contrato con el fín de grabar esa canción.

Lo que no sabía Bloom es que esa llamativa canción no era una simple improvisación. Realmente era una pieza musical que era usada por los Isleys Brothers cuando tocaban en su iglesia y que fue ideada por el tecladista Herman Stephens, que los acompañaba en esas primeras sesiones cristianas.Por eso la primera respuesta de los hermanos Isleys fue que esa canción no estaba en sus planes para ser grabada pero sí tenían otro repertorio muy utilizado y experimentado en los shows. Pero Bloom, como buen empresario, quería que grabaran "Shout" y nadie lo sacaba de esa idea.Esa improvisación sólo era utilizada por la banda para animar el espectáculo y hacer que la gente baile, salte, grite y haga pedazos todo. Pero ante la idea de Bloom, tuveiron que idear una nueva letra y tratar de implantar toda esa energía en vivo en el disco que grabarían.

Asi fue como un 5 de Agosto del año 1959 y en una sola toma los Isley Brothers grabaron "Shout" en los estudios que la RCA tenía en Nueva York.Par esa oportunidad Rudolph, Ronald y O'Kelly Isley idearon nuevas frases a la enigmática letra y cambiaron ciertas partes de la música para que sonara con más potencia.A la semana de publicarla como single, en Septiembre de 1959, la popularidad de la banda iba en crecimiento y la canción ya sonaba en las radios y en las pistas de baile."Shout" llegaba al puesto #47 del Billboard, en una época donde entrar a ese charts era cosa seria por tanto artista de calidad paseando por ahí.Además, las ganancias eran muy psitivas para la banda y el sello. La cifras finales arrojaron que el single llegó a vender más de un millón de copias y que en un año en las listas ya tenía varios "covers" en el resto del mundo.Esto llevó a que los hermanos Isleys le compraran una lujosa casa en Nueva Jersey para que su madre descanse y disfrute de sus éxitos en la radio.

Además, este gran éxito que tuvo la canción hizo que la RCA les hiciera firmar un contrato por más años aunque los "peces gordos" no estaban muy felices con esa decisión. La razón, muchas personas decían que no entendían nada lo que cantaba estos tipos y simplemente seguían el ritmo pegajoso de la canción.

Mas allá de ese detalle, "Shout" quedó entre las canciones mas famosas de la década de los 60's y fue el primer gran paso para estos chicos que sólo querían ser famosos y sonar en una radio...

SPANISH HARLEM / BEN E. KING

"Spanish Harlem" es una canción del cantante estadounidense Ben E. King, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1960 y se convirtió en el primer hit de este famoso artista que despues la rompería en los charts con "Stand By Me".Esta hermosa balada fue el primer paso para la carrera como solista de Ben E. King, luego de abandonar a The Drifters por problemas de repartición de las ganancias.

Esta canción fue escrita por el compositor Jerry Leiber y el productor Phil Spector, mientras que la producción corrió a cuenta del mismo Leiber junto a su compañero Mike Stoller.Cuesta entenderlo, pero "Spanish Harlem" es de las primeras canciones que contaron con la pluma y creatividad de Spector antes que revolucionara la escena musical con su famoso "Muro de Sonido".Cabe señalar que todo el oficio y el gusto por el trabajo en estudios de grabación que cultivó el "loco" Spector fue influenciado por sus amigos y maestros Leiber y Stoller. De ellos aprendió los secretos de las "perillas" y varias "mañas" para hacer de una canción simple algo inolvidable.

Esta hermosa canción cuenta con una melodía simple, con una mínima orquestación que contaba solo con una guitarra española, marimbas y batería. Con esos tres instrumentos lograron crear una melodía encantadora y clásica, donde la simpleza lo puede todo.Con detalles de interpretación vocal que son notables, esta balada estaba lista para ser un hit mundial.La letra de la canción nos describe el famosos vecindario de Nueva York llamado "Spanish Harlem", lugar donde se concentra la mayor población latina de la ciudad y que cuenta con un patrimonio cultural muy variado (en ese lugar nació el famoso rapero Tupac Shakur y además fue el lugar donde se hizo famoso Tito Puente). Pero todo eso era opacado por la alta tasa de delincuencia y los problemas sociales que aquejaban a sus residentes en esa época.

La letra de la canción al parecer es un homenaje a ese hermoso lugar pero luego de descubrió que no era original. Sí señoras y señores, la letra de esta canción era una adaptación de la lírica de una famosa canción del folclore Checo llamada "Rozmarýnka". En esta canción tambien se

describe esa idea simbólica de un jardín de rosas que permanece olvidado en medio del pavimento de la ciudad y que espera que alguien se pare frente a ellas y las lleve a un jardin hogareño donde se sientan seguras y en confianza.

Finalmente Spector y Leibner le cedieron su canción a Ben E. King, que venía de un mal momento luego de separarse de su banda The Drifters por problemas de dinero y choque de egos con los demás integrantes.La voz de King sonaba perfecta para esta hermosa balada y le dió le toque final a esta magnífica obra musical.Al ser lanzada como single, las ganancias fueron positivas. El señor Ben E. King lograba entrar al Top Ten del Billboard y los productores celebraban a "grito pelado" como si hubieran ganado el super tazón (?).

Una canción sin tantos arreglos de orquesta no tanta experimentación de sonidos. Una balada simple, donde el talento vocal del artista resalta y saca aplausos.Una canción clásica que quedó dentro del repertorio popular de la década de los 60's y que hoy en día es un tren con parada en la nostalgía absoluta.

INSTANT KARMA! (WE ALL SHINE ON) / JOHN LENNON

"Instant Karma! (We All Shine On)" es una canción del músico británico John Lennon que fue publicada como single en Febrero de 1970.Es una de las canciones mas famosas de la fructífera carrera como solista de este talentoso músico qe venía de hacerlas todas con The Beatles y que quedó en la historia de la música popular como un ícono y un personaje muy influyente para muchos músicos.

Esta canción fue escrita por Lennon en tan solo un día y bastó sólo una semana para grabrlaa y publicarla como single. En una entrevista el ex-Beatle mencionó que "la escribí en el desayuno, lo grabé antes de almorzar y la edité durante la cena". Si bien esa frase tenía algo de ficción, lo cierto es que John creó esta canción una mañana sentado frente al piano y luego que la terminó, partió corriendo a los estudios Abbey Road a grabar su nueva canción.

En los estudios, Lennon cantó varias veces la canción e hizo varias tomas hasta que llegó su amigo y productor Phil Spector, quien sería el encargado de hacer los arreglos musicales al gusto del cliente. "Phil (Spector) entró a la sala y me dijo, '¿Cómo la quieres?' y yo le dije, 'Tú sabes, como las de 1950" Él me respondió, 'OK', y empezamos a trabajar. Hice unas tres tomas y estaba lista. El único detalle estaba en los bajos, pero Spector lo arregló de inmediato. Despues de eso nos fuimos a casa" comentó Lennon en una entrevista con la Revista Playboy en 1971.

Para la grabación final de "Instant Karma!" Lennon citó a todos sus amigos que colaboraban en su proyecto musical The Plastic Ono Band. Para la grabación de esta canción Lennon contó con la ayuda Billy Preston en el piano, Klaus Voormann en el bajo y los teclados, Alan White tocó la batería, el tambien ex-Beatle George Harrison colaboró en la guitarra eléctrica, y la polemica Yōko Ono grabaría su hermosa (?) voz en los coros junto al que fuera asistente de The Beatles Mal Evans.En una semana esto músicos sudaron la gota gorda grabando distintas tomas de la canción y soportando el extraño trabajo de Spector, quien en una ocasión hasta llevó una pistola para poner orden dentro del estudio. Entre balazos y ampolletas en el suelo, la canción fue tomando forma hasta ser publicada como single.

En la canción, Lennon nos habla sobre el Karma, que es una supuesta energía metafísica que deriva de las acciones de las personas. En palabras sencillas, el hacer buenas acciones traen un efecto positivo hacía el futuro y el hacer malas acciones traen consecuencias negativas. Eso se conoce como "causa y efecto".Lennon siempre se mantuvo informado sobre las doctrinas hindú y budista, en donde el Karma toma cierta importancia con respecto a las reencarnaciones. De esas ideas, escribe "Instant Karma" donde hace una rendición de cuentas sobre las acciones de los humanos y los perfila hacía el futuro, el cual, según él, estaba a la vuelta de la esquina.

Las ideas planteadas por Lennon fueron muy bien recibidas por su amigo y compañero en The Beatles, George Harrison quien quedó muy interesado sobre la temática de la letra.George, que era un fanático de la religión hindú, quedó muy a gusto con la relación que hizo Lennon del Karma con la actualidad mundial y el hecho de lanzar una canción con esta temática lo encontró muy original.

La canción fue todo un éxito en Europa y Norteamerica. "Instant Karma!" llegó al tercer puesto del Billboard Hot 100 y en el Reino Unido llegó a la casilla #5.Tambien lideró los charts en Francias, Suiza, Suecia, Alemania, Canadá y Australia, llegado a ser una de las canciones mas populares de este grn artista que fue asesinado el 8 de Diciembre de 1980.

Les dejamos esta hermosa canción, una joya escrita por Lennon con mucho sentido social y pacifista. Un soñador, un genio tildado de loco pero mas que eso un luchador con canciones que protestaban contra las balas y la injusticia de este mundo tan maltratado y plagado del individualismo disfrazado de globalización...

KUNG FU FIGHTING / CARL DOUGLAS

"Kung Fu Fighting" es una canción del músico jamaiquino Carl Douglas que fue lanzada como single en Septiembre de 1974 y que rápidamente se convirtió en un hit planetario a tal punto de ser considerada como una de las piezas mas significativas de la onda disco.Gracias al éxito de esta canción, Carl Douglas quedó para siempre dentro de la categoria de artista "one-Hit Woonder".

Era Marzo del año 1972, y Douglas no lograba concretar su proyecto para lanzar una carrera musical independiente y sacaba sus ganas trabajando como cantante de sesión para las grabaciones de diversos artistas del Sello discográfico Pye.La estadía de Douglas en suelos britanicos se debía a que tenía que trabajar y estudiar a la vez hasta que por fin pudo titularse de Ingeniero en Sonido y empezó a trabajar en varios proyectos musicales como asesor y productor. Asi fue como logró mostrar todo su talento como productor y compositor cuando trabajó en la banda sonora de la pelicula Embassy, del directo Richard Roundtree cuyo guión estaba inspirado en una novela de Stephen Coulter.Gracias a ese interesante trabajo, el talento de Carl Douglas iba creciendo y muchos productores ya querían firmar algun contrato con este joven oriundo de Jamaica.

Pero Douglas quería ser famoso y estaba en busca de esa canción que lo suba al trono de la fama y que lidere los charts en todo el mundo.Era mediados del año 1974, y el músico había firmado una contrato con Pye Records para lanzar un single. Pero la canción nunca llegaba...Una de esas tardes Carl, que además de ser talentoso en la música era un fanático del Kung Fu, se sentó frente al televisor para mirar una pelicula cuya trama tenía que ver con las artes marciales. Ese momento fue importante para su carrera artistica, ya que estaba frente a una buena temática para una canción. En esos años donde todos hablaban de amor, de la flor o de las injusticias sociales, nadie hablaba del Kung Fu y eso sonaba bastante original.Luego de ver la pelicula y anotar unas cuantas frases Carl fue a degustar de un concierto del pianista canadiense de jazz Oscar Peterson y fue en ese show donde se le ocurrió la idea para crear la música a su futuro hit.

Al otro día, Carl ya tenía finalizada su canción, pero ahora se le venía lo mas dificil: Convencer a su productor, el aclamado Asia Bibbu.Biddu ya le había dicho claramente a Carl que tenía que grabar como lado A de su single la canción "I Want To Give You My Everything", que la había escrito junto a Larry Weiss especialmente para el debut en las pistas de Douglas.Cuando el músico le presentó "Kung Fu Fighting" a Biddu, este casi se va al suelo de tanta sorpresa acumulada. Es que era muy arriesgado que en el single debut de su carrera se "tirara a los leones" con una canción que hablaba sobre artes marciales.Para el productor indio-británico, la llamativa "Kung Fu Fighting" solo calzaba como lado B del single y luego le restó importancia a la canción.

"Kung Fu Fighting" no estaba destinada a ser un éxito. Es que Carl Douglas ya tenía grabado un buen material para el lado A de su sencillo y el trabajo fue duro. Cada sesión de grabación duraba tres horas y luego pasabamos dos horas arreglando cada detalle de la canción" señaló Biddu en una entrevista hecha a un medio británico en el año 2004.Luego de dejar lista la canción ya mencionada como lado A, Douglas le pidió a Biddu grabar esa canción que hablaba sobre las artes marciales aunque sea como lado B. Biddu aceptó de mala manera y le dijo que tenía que ser en sólo 10 minutos ya que después tenía que trabajar con otros artista. Asi fue como en dos tomas, Carl grabó la canción y luego editaron ciertas partes para dejarla lista para el single.

Fue en ese monento cuando apareció por el estudio el señor Robin Blanchflower que ocupaba el cargo de gerente de Pye Records.Blanchflower le dijo a Biddu: ¿Puedo escuchar los tracks? a lo que el productor tuvo que decir simplemente que sí. Cuando el gerente del sello escuchó "Kung Fu Fighters" simplemente exclamó: "Esta debe ser la cara A, me encanta y es original". Biddu no lo podía creer y Carl Douglas saltaba de alegría...

Al ser lanzado el single, la canción de Carl fue un hit mundial y rápidamente escalaba en los charts. En el Reino Unido, la canción llegó al primer puesto del UK Singles Chart y dejó a Biddu como el primer productor asiático en colocar una canción en esa posición.La canción tambien entró al Top Ten del Billboard Hot 100 y causó furor en las pistas de baile con su famoso riff de música oriental.A finales del año 1974, Douglas saltaba de alegría al saber que su single ya había vendido 10 millones de copias en todo el mundo.

Les dejamos esta famosa canción que de seguro hará bailar a mas de algun lector al ritmo de la música oriental e imitando los precisos movimientos del gran Bruce Lee, que era el gran ídolo de este cantante que tocó las estrellas con esta simple pero potente canción...

HARD TO SAY I'M SORRY / CHICAGO

"Hard to Say I'm Sorry" es una canción de la banda estadounidense Chicago, que fue lanzada como single en Mayo del año 1982 e incluída en el disco Chicago 16, que fue publicado en Junio de ese mismo año.Esta balada marcó un cambio radical en el sonido de la banda, cuyos primeros discos setenteros estaban muy ligados al Jazz Rock, y los ayudó a no decaer en la popularidad con el fin de renovar sus sonidos e ir en busca de nuevos fanáticos y experimentar con el Pop más dulzón. Es que los integrantes de Chicago traían sobre sus hombros una carga muy pesada de buenas críticas y discos memorables que los dejaron como una de las bandas mas interesantes de la década de los 70's.

La decada de los 80's no empezaba muy bien para la banda. Diversos cambios en la formación y la repetición monótona de sus estilos musicales hiciero que sus nuevos discos no entraran ni al Top 50 de los charts. Las ventas decaían y los conciertos ya no daban las ganancias de antaño. Chicago, la banda que lo tuvo todo, estaba pasando por un mal momento.El único remedio para estos malos momentos era renovar el catalogo de canciones y experimentar nuevos sonidos que esten muy cercanos a lo que por esos días se escuchaba en la radio.

Asi fue como el vocalista Peter Cetera y el productor David Foster se unieron para escribir una balada que deje a la banda nuevamente en los primeros lugares de los charts. Es cierto, la bandaya había probado suerte en 1976 con una canción romantica llamada "If you leave me now", que fue el gran hit de esta agrupación y que vendió millones de copias por todo el mundo.Pero en esta ocasión, Cetera y Foster querían una balada que no tuviera instrumentos de vientos y que se alejara de los acordes del tan manoseado Soft Rock y que esté mas ligada a los sonidos modernos, especialmente al uso de sintetizadores y guitarras distorsionadas. Ambos músicos lo tenian mas que claro, había que adaptarse a los 80's...

Asi nace "Hard to Say I'm Sorry", una balada que venía coon la misión de revitalizar a la banda y seguir haciendo historia.Cetera contó en una entrevista que esta canción esta inspirada en la balada "After The Love Has Gone "del grupo Earth, Wind & Fire que contado con la producción y los arreglos del talentoso Foster. Con ese molde ritmico, ambos empezaron a crear este nuevo hit, donde David Foster se dió el lujo de tocar el piano en la pista, aparte de hacer el trabajo de productor.Pero eso no fue todo, ya que en la sesión de grabación tambien hubieron cambios liderados por el productor. Para la grabación de "Hard to Say I'm Sorry", Cetera y Foster decidieron no llamar a los demás integantes de la banda y contratar a unos músicos de sesión, en donde estaban tres integrantes de la banda Toto. Estos eran Steve Lukather en guitarra junto David Paich y Steve Porcaro que ayudaron en los sintetizadores.Los unicos integrantes de Chicago que participaron en la grabación de este hit fueron el mencionado Peter Cetera (que estuvo a cargo de la voz principal, el bajo y las guitarras) y Bill Champlin, que por esos dias se integraba a la banda para tocar teclados.

El resultado final fue una balada épica y que quedó en la banda sonora de la década de los 80's para toda la eternidad acompañada de un emotivo videoclip filmado en Grecia.El single que incluía esta canción llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 y ayudó a que la banda no pasara al olvido y se renovara. Mientras que en el Reino Unido la balada fue un hit potente, llegado al cuarto puesto de los charts y dejando en claro que Chicago enía cuerda para rato.

Una balada para recordar viejos tiempos, para ir de paseo por la nostalgia de esos bailes a media luz cuando los lentos eran el plato principal en las fiestas para iniciar el romance de manera inocente,pudorosa y fantpastica...

LOS MEJORES VOCALISTAS DEL ROCK (SEGUN RADIO PLANET)

La historia es la siguiente, a comienzo del 2009 la radioemisora britanica Radio Planet se le ocurrió la genial idea de hacer una una encuesta entre sus "radioescuchas" para crear un "ingenioso" top list denominado The Greatest Voice in Rock Top 40.Cada persona que llamaba a la radio o votaba por internet se daba el lujo de apoyar a su vocalista favorito de este stilo musical tan famoso llamado "rock". Es por ello que puede sorprender el resultado o quizas a mas dealguno los deje conforme... pero tambien dá para muchas dudas como por ejemplo, que hace ahí Paul Rodgers y el "corazon de abuelita" Bono???... donde esta Lennon, McCartney, Fogerty, Elvis o Cobain???...Cualquier duda, queja, insulto sobre esta lista dejela aca en un humilde post o sino muerda su rabia escribiendole algo a la radio...Para nosotros, fanaticos de la buena musica y del rock, esto es igual que el ranking de selecciónes de futbol que tira la FIFA cada mes... porque solo sirve para pasar un buen rato.

Aqui les va la lista de los mejores vocalistas del Rock, según la radio Planet:

1. Robert Plant ( mitica y excelente voz de los pelucones Led Zeppelin)2. Freddie Mercury (Genio de la historica banda inglesa Queen)3. Paul Rodgers ((?) + canturreaba en Free)4. Ian Gillan (Potente voz de los Deep Purple)5. Roger Daltrey (pelucón de The Who)6. David Coverdale (de la banda de hard rock Whitesnake)7. Axl Rose (de los famosos Guns & Roses)8. Bruce Dickinson (pilotea aviones y canta en Iron Maiden)9. Mick Jagger (de Los Rolling Stones)10. Bon Scott (fallecido vocalista de AC/DC)11. David Bowie (hombre camaleon)12. Jon Bon Jovi (eterno joven que canta en Bon Jovi)13. Steven Tyler (ese de la boca grande y que es la voz en Aerosmith)14. Jon Anderson (la voz de Yes)15. Bruce Springsteen (tambien conocido como The Boss)16. Joe Cocker (gran voz!!... oriundo de Sheffield)17. Ozzy Osbourne (genio y figura del Heavy Metal)

18. Bono (futuro "santo" y vocalista de U2)19. Peter Gabriel (Fundador de la mitica banda Genesis)20. James Hetfield (vocalista de Metallica)21. Janis Joplin (la primera mujer en ser considerada estrella del rock'n'roll)22. Chris Cornell (grandiosa voz de las bandas Audioslave y Soundgarden)23. Roger Chapman (segun información buscada en la web canta en la banda Family)24. Phil Lynott (la voz de la banda Thin Lizzy)25. Glenn Hughes (ex bajista y vocalista de Deep Purple y Black Sabbath)26. Steve Perry (voz inigualable de la banda Journey)27. Jim Morrison (simplemente...genio de The Doors)28. Alex Harvey (voz de The Sensational Alex Harvey Band)29. Rob Halford ( gran voz de la banda Judas Priest)30. Ronnie James Dio (una de las voces mas importantes del rock cantando en Dio)31. Sammy Hagar (cantante de origen libanes que fue parte de Van Halen)32. Meat Loaf (actor y cantante de la banda que lleva su nombre)33. Alice Cooper (pionero del glam rock)34. Geddy Lee (compositor, arreglista e intérprete de Rush)35. Brian Johnson (ex-camionero, fanatico de las carreras de auto y vocalista de AC/DC)36. David Gilmour (ex-modelo (?), fans de la aviación y voz de los Pink Floyd)37. Fish (tiene bella esposa y fue voz de la banda Marillion)38. Dave Lee Roth (gran voz de los Van Halen)39. Biff Byford (voz de la banda britanica Saxon)40. Neil Young (el primer grunge y capo del rock)

¿QUIEN INFLÓ EL ZEPPELIN?Quizas muchos ya saben ese dato anecdotico de que el nombre de la banda Led Zeppelin surgio a raiz de un mal chiste de Keith Moon (energetico baterista de la banda The Who) que dijo que la banda que estaban formando Page y Plant fracasaria como un Zeppelin de plomo. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: "Después de cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un caballero que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estaba hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije 'Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar 'Led Zeppelin'. y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este negocio...' Asi fue como dos meses después, empezé a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, le sugerí 'Led Zeppelin', a Page le gustó e incluso salieron con la misma portada de disco que yo había planeado."

PELEA POR UN TRONO IMAGINARIOEn 1976, uno de los pioneros del rock, el frenetico Jerry Lee Lewis fue detenido por la policía a las puertas de la mansión de Elvis Presley, la famosa Graceland, bastante borracho y apuntando con un revólver a la lujosa casa y ademas le gritaba repetidamente al rey del rock que sacara su ‘grasiento trasero’ de allí dentro para dilucidar cuál de los dos era el auténtico rey del tan aclamado rock.

LA MEJOR FOTO DEL ROCKLa fotografia que muestra a Paul Simonon, integrante del grupo "panky" britanico The Clash, golpeando su bajo contra el escenario, en el Palladium de Nueva York el 21 de septiembre de 1979 (que ademas es la portada del discazo "London Calling"), fue reconocida como la imagen emblema del punk y considerada como la mejor foto tomada de la historia del rock de todos los tiempos, segun un sondeo realizado por la revista britanica Q en la que participaron las 100 mejores cronistas y fotografos de todo el mundo. "Trasmite gran emocion. Ya es una imagen clasica y captura el momento cuspide del Rock & Roll, la perdida total del control", declaró Paul Du Noyer, editor de la revista Q.

DEEP/CDEn el año 1974, Deep Purple (con la formación Coverdale-Blackmore-Lord-Hughes-Paice), dió un único recital en Melbourne, Australia, como parte de un festival llamado "Sunbury Festival". Pero en el momento que la banda tenía que tocar se desató una tormenta muy fuerte y todo el público quedó aplastado en medio del barro y mojado por la lluvia. Cuando los Deep Purple terminaron de tocar, inmediatamente se dirigieron a su furgoneta, y cuando estaban a punto de partir sucedió algo que el señor Coverdale contó en una entrevista: "(...) de pronto escuchamos música desde el escenario, aparentemente una banda de unos jóvenes se había subido al escenario y empezó a tocar con nuestros equipos que los técnicos aún no habían sacado del lugar... pudimos ver que el lugar casi se vino abajo y nuestros asistentes lucharon para sacar a la banda de nuestros equipos y del escenario. Tiempo después me enteré que esa banda con grandes "cojones" era nada más ni nada menos que AC/DC, sonreí cuando lo supe, fue genial! Muchos años más tarde recordamos juntos ese momento compartiendo unas cervezas".Las cosas no?....

EL ORIGEN DE UN GUITARRA FAMOSAEl famoso guitarrista del grupo Queen, Brian May, de joven siempre quiso tener una guitarra, especialmente una Fender Stratocaster, pero esta era demasiado cara, y al no tener suficiente dinero, decidió diseñar una la cual construyó él mismo juntocon la ayuda de su padre. El resultado: la legendaria Red Special, dueña el sonido inconfundible de Queen, utilizando para ello madera de caoba del marco de su chimenea y unos muelles de una vieja motocicleta.

CANCIONES VENDIDASCierto día el tan hablado Michael Jackson le preguntó a su, por aquel entonces, buen amigo el ex-Beatle Paul McCartney cuál era la mejor manera de invertir sus ganancias. McCartney , e buena onda, le aconsejó entrar en el mundo de las editoriales de canciones, así que Michael Jackson le hizo caso y compró los derechos editoriales de las canciones de The Beatles. “Pensé que era un chiste cuando me lo dijo. Ni por un momento se me pasó por la cabeza que fuera a comprar mis canciones”, reconoció meses despues un asombrado McCartney.Ademas de eso, hasta ese entonces el cuarteto de Liverpool había impedido que cualquiera de sus temas sirviera como fondo musical de un anuncio televisivo. Y adivinen que hizo el "Rey del Pop"... Lo primero que hizo tras comprar aquellos derechos fue ceder una de las canciones a la compañía deportiva Nike a cambio de una suma más que respetable de dolares.

GRANDE MICK!!En la película Performance lanzada en 1970, el cantante de los Rolling Stones, Mick Jagger, interpreta a una estrella del rock bisexual ya retirada de los ruedos. Pero una de las protagonistas de la cinta era Anita Pallenberg, quien por aquel entonces estaba saliendo con el guitarrista de los Stones y amigo de Jagger, nos referimos al "capo" Keith Richards. En una de

las escenas románticas, Pallenberg introdujo su lengua en la boca de Jagger y trabajó hasta conseguir ponerlo en acción, como pudieron comprobar los que se encontraban en el estudio. Pero la escena llegó a ser tan súbida de tono, que derritió hasta las camaras, que fue retirada del montaje final por temor a censuras. Pero se dice que existe una versión sin cortes la cual llegó hasta un festival porno en Ámsterdam, en donde logró uno de sus galardones maximos.

GUERRA DE EGOSLa primera vez que los Beatles visitaron Estados Unidos, en febrero de 1964, se reunieron en Miami con Muhammad Ali, por entonces llamado Cassius Clay, para muchos el más grande boxeador de todos los tiempos.El encuentro entre la banda mas famosa de esos momentos y el boxeador capeon de campeones fue arreglado por la prensa. Los Beatles venían de tocar en el show televisivo de Ed Sullivan, registrando una cifra record de televidentes hasta ese momento: 75 millones en todo Estados Unidos. Mientras que Cassius Clay estaba en Miami a la espera de su primer combate por el título de los pesos pesados, título que le ganaría días más tarde a Sonny Liston.Al entablar conversa los musicos con el bozeador empezaron a hablar todo egolatras de sus hazañas, hay que recordar que Lennon tenía 23 años, Harrison solo 17 y Cassius Clay 22.En definitiva, todos eran grandes y no se dejaban vencer en la conversación. Menos mal que no se fueron a los golpes porque ya sabemos quien iba a ganar.El encuentro tuvo lugar en el gimnasio donde entrenaba Clay. Flashes, chascarrillos, macadas y una histórica foto donde los cuatro de Liverpool simulan sucumbir ante un golpe del boxeador.

DYLAN LO QUE DYLANEn diciembre de 1963, el Comité de Emergencia de las Libertades Civiles le concedió al gran Bob Dylan un galardón por su contribución a la causa de los derechos civiles. Dylan se presentó a la cena puntual, pero con el paso del acto y del coctail que quedó tan borracho que acabó vomitando en los baños. Cuando por fin subió al estrado a recoger su premio, el ‘políticamente correcto’ cantautor sorprendió a su audiencia asegurando que veía en sí mismo algo de Lee Harvey Oswald, el supuesto asesino del Presidente John F. Kennedy. Fue abucheado, pifiado e insultado por todos los presentes. Unos minutos más tarde reflexionaba en voz alta: “Si digo la verdad, ni siquiera sé lo que es la política”.

SOLO QUERIA PASARLO "CHANCHO"Por increíble y hasta chistoso que parezca, Axl Rose, lider y voz de los Guns N’ Roses, siempre se declaró un seguidor de los "tecnos" Depeche Mode, tanto que los persiguió hasta conseguir invitarlos a su mansión de Beverly Hills para conocerlos y compartir una cena. Pero encontrarse con un cerdo muerto no fue del agrado de los británicos, quien era unos estrictos vegetarianos. Poco después de ese acto, la banda de "Enjoy the silence" emitían un comunicado de prensa en el que aseguraban que ‘el grupo no quiere asociarse con nadie que vaya por ahí matando cerdos sólo por diversión’.

¿QUE SUCEDIÓ?El "rey del rock" era también el mayor coleccionista de armas del rock, muchas de las cuales aún adornan las paredes de su mansión, Graceland. Incluso hay quienes dicen que dispararle a los aparatos de televisión era uno de sus pasatiempos favoritos.Cuando le presentaron al Presidente Nixon, Presley le regaló un Colt 45. A sus novias también las agasajaba con revólveres caros y llamativos. El día que supo que sus guardaespaldas Red y Sonny West habían publicado un libro titulado Elvis: What Happened? (Elvis: ¿Qué sucedió?), en 1976, Presley, tras esnifar una buena cantidad de cocaína y bien pertrechado con un cinturón cargado de pistolas, despertó a parte de su personal al grito de “¡Arriba! ¡Vamos a cazar cabezas! ¡Vamos a matar a esos hijos de puta!”

JOHN FOGERTY CONTRA JOHN FOGERTY¿Qué puede haber más extraño que una demanda contra uno mismo? Para empezar, el principal compOsitor de la banda Creedence Clearwater Revival, John Fogerty había firmado un contrato en su juventud que lo tuvo diez años en dique seco, al impedirle cantar las canciones de su extinta banda para su carrera solista en las decadas de los ochentas y noventas. Después, llegó la demanda de su antigua compañía discografica, Fantasy. Bien es cierto que se trataba de abogados que servían a la misma persona en momentos distintos de su trayectoria, pero también no deja de ser curioso que John Fogerty se demandara a sí mismo por haber plagiado la canción “Run Through The Jungle” de los Creedence Clearwater Revival años más tarde en solitario y titularla “The Old Man Down The Road”. Aunque las canciones son casi iguales, John Fogerty, a través de su antiguo sello Fantasy, perdió la demanda interpuesta contra John Fogerty tras presentarse ante el juez, guitarra en mano, para mostrarle las diferencias que en relaidad son pocas. Increible!!!!

CUESTION DE FESu fe le llegó en las alturas al interprete de "Tutti Frutti". Durante un viaje a Australia en 1957, uno de los motores del avión en el que viajaba comenzó a arder. Little Richard se puso a rezar en voz alta, asegurándole al Señor que dejaría su vida en el rock si le permitía salvarse de esta tragedia que tenia ante sus ojos. Tras aterrizar sin problemas, se dirigió al puente de la Bahía de Sydney y tiró todas sus joyas, convirtiéndose poco después en un predicador; además vendió todos sus derechos de autor futuros por 10.000 dólares. Cumplió, pero no por mucho tiempo: en 1962 estaba de nuevo sobre los escenarios tocando sus temas con su llamativa voz y en 1980 presentó una demanda para recuperar sus derechos de autor. Por eso, cada vez que vuela sufre el temor de enfrentarse a la ira divina del Señor!!!!.

LED NOBS

“Esos cuatro monos chillones no van a seguir usando un apellido prestigioso sin permiso”. Esta frase pasó a la historia del rock. Los cuatro monos chillones eran Robert Plant, Jimmy Page, John Bonham y John Paul Jones. Juntos, los Led Zeppelin, una gran banda de rock.La frase la pronunció la condesa Eva Von Zeppelin, aristócrata danesa, descendiente del inventor de los Zeppelin, que llevó a juicio al grupo por usar su apellido como nombre de la banda, indignada de que “cuatro monos chillones” le ensuciaran el patronímico. Y eso desconociendo todas las historias jugosas de los Zeppelin de gira donde no dejaban groupie sin cabeza y hotel en buen estado.El veredicto final favoreció a la banda. Ganó el juicio y pudo seguir usando el nombre. Eso sí, aconsejados por sus asesores, cuando fueron a Dinamarca, tierra de la condesa, decidieron tocar como The Nobs y no como Led Zeppelin.

CASI CAMBIARON LA HISTORIA OTRA VEZ...LOS BEATLES CASI ESTUVIERON DE VUELTA

Tal como lo leen, por iniciativa de McCarntey, la banda se iba a reunir en 1974 pero el nombre de Yoko Ono reapareció, y se complicó esta idea.Los Beatles estuvieron a punto de volver a los escenarios en 1974. Por iniciativa de su bajista, Paul McCarntey, sucedieron dos cosas: la comunión de intereses con John Lennon y la disolución del regreso menos pensado.Así lo asegura Peter Ames Carlin en la biografía “Paul McCartney: Una vida”, el músico extrañaba a los Beatles y viajó a California para visitar a Lennon en su estudio de grabación.Aquella visita resultó ser auspiciosa porque junto a Stevie Wonder (presente en el estudio), los líderes de la banda inglesa tocaron hasta la madrugada, y agendaron una reunión en la que ultimarían detalles para la vuelta de la famosísima banda.La cena se dio en la mansión que Lennon tenía en Malibú, y que compartía con May Pang, su pareja durante los 18 meses en los que estuvo separado de Yoko Ono. Justamente, este último nombre era el que McCarntey no debía pronunciar… pero lo hizo.Entre copa y copa, acuerdo y acuerdo, McCarntey le comentó a Lennon que tiempo atrás, en Nueva York, se cruzó con Yoko (señalada como la artífice de la separación de Los Beatles), y que ella quería verlo. Lennon anotó el deseo de su ex pareja y poco tiempo después la visitó; la pareja se reconcilió y los planes de vuelta fracasaron. Todo por el accionar del nostálgico y celestino Paul McCartney.

ENTRE LA MUSICA Y EL BALON

Antes de alcanzar fama mundial por sus canciones y sus dotes de "don Juan", el señor Roderick David Stewart, mas conocido en los escenarios como Rod Stewart, tenia la idea de ser un jugador profesional de futbol. Si, tal como leen, este cantante de la voz rasposa en su juventud y alentado por su padre (que tambien fue jugador de futbol pero categoria amateur en Escocia) tenia la idea de ser un crack del balompié y romper redes por el mundo con sus goles.

Stewart pasó jugando en las categorías inferiores de club ingles Brentford que actualmente juega en los potreros de la cuarta división liga inglesa (Football League Two). Pero al no poder subir al primer equipo y no obtener ningun contrato profesional para jugar en las ligas mayores de Inglaterra, Rod decide abandonar la pelota y tomar una guitarra para recorrer toda Europa, formando bandas hasta llegar al exito con los The Faces y el resto todo lo sabemos.

Es por ello que antes de cada gira el cantante se juega una "pichanguita" con sus amigos en algun parque o en el mismo estadio donde colocan el escenario. Ademas dentro de sus shows muestra sus destrezas con la "esferica" lanzando balones autografiados al publico.

Pero este musico nacido en Londres pero de padres escocéses, tambien se le conoce como un hincha "a morir" del Celtic de Glasgow, al cual siempre sigue desde las galerias mientra su apretada agenda de conciertos se lo permita. Hasta el mismo club le ha hecho homenajes como ese "mitico" 26 de mayo de 2007 cuando levantó sobre el mismo césped de Hampden Park el trofeo que acreditaba al equipo "católico" como ganador de la Copa escocesa.

Ademas de esos homenajes, el club le dió una localidad de por vida en el Celtic Park para que el interprete de "Maggie May" pueda disfrutar de los partidos de su club, especialmente el clasico con el Glasgow Rangers que tambien es llamado Old Firm.

Es tanta su pasión por este club que en una visita a Argentina declaró al diario Olé:"Quiero a Lionel Messi y Carlos Tevez en el Celtic. Cualquiera de los dos sería un refuerzo fantástico para nuestro equipo. A Messi lo sufrimos en la Liga de Campeones y a Tevez lo sigo en el Manchester United". Sin lugar a dudas, un sueño que todo hincha quisiera para su club... pero cuestan mas que una entrada vip a un concierto del rubio ingles.

Pero el dinero al parecer le sobra a Rod, que para jugar con sus amigos (de hecho tiene un club llamado "Los Vagabundos" que juegan en actos beneficos) se dió el lujo de mandar a contruir una cancha de futbol con las medidas profesionales en su rancho. Incluye tribunas techadas y camarines para jugar el deporte mas lindo del mundo.

Es un pequeño dato del hincha mas famoso del Celtic!!

GARCÍA MÁRQUEZ Y LOS BEATLES

El famoso escritor colombiano Gabriel García Marquez, autor de textos tan universales como Amor en tiempos del cólera y su famoso 100 años de soledad tambien cayó rendido a la musica del cuarteto de Liverpool. Es por ello que a finales de 1980 escribió una vivencia basada en este grupo de rock britanico:

Así es: la única nostalgia común que uno tiene con sus hijos son las canciones de los Beatles. Cada quien por motivos distintos, desde luego, y con un dolor distinto, como ocurre siempre con la poesía. Yo no olvidare aquel día memorable de 1963, en México, cuando oí por primera vez de un modo consciente una canción de los Beatles. A partir de entonces descubrí que el universo estaba contaminado por ellos.En nuestra casa de San Angel, donde apenas si teníamos donde sentarnos, había solo dos discos: una selección de preludios de Debussy y el primer disco de los Beatles. Por toda la ciudad, a toda hora, se escuchaba un grito de muchedumbres; "Help, I need somebody”.

Alguien volvió a plantear por esa época el viejo tema de que los músicos mejores son los de la segunda letra del catálogo: Bach, Beethoven, Brahms y Bartok. Alguien volvió a decir la misma tontería de siempre: que se incluyera a Bosart. Alvaro Mutis, que como todo gran erudito de la música tiene una debilidad irremediable por los ladrillos sinfónicos, insistía en incluir a Bruckner. Otro trataba de repetir otra vez la batalla a favor de Berlioz, que yo libraba en contra porque no podía superar la superstición de que es oiseau de malheur, es decir, pájaro de mal agüero. En cambio, me empeñe, desde entonces, en incluir a los Beatles.

Emilio García Riera, que estaba de acuerdo conmigo y que es un critico e historiador de cine con una lucidez un poco sobrenatural, sobre todo después del segundo trago, me dijo por esos días: “Oigo a los Beatles con un cierto miedo, porque siento que me voy a acordar de ellos por todo el resto de mi vida”. Es el único caso que conozco de alguien con bastante clarividencia para darse cuenta de que estaba viviendo el nacimiento de sus nostalgias. Uno entraba entonces en el estudio de Carlos Fuentes, y lo encontraba escribiendo a maquina con un solo dedo de una sola mano, como lo ha hecho siempre, en medio de una densa nube de humo y aislado de los horrores del universo con la música de los Beatles a todo volumen.

Esta tarde, pensando todo esto frente a una ventana lúgubre donde cae la nieve, con mas de cincuenta años encima y todavía sin saber muy bien quien soy, ni que carajos hago aquí, tengo la impresión de que el mundo fue igual desde mi nacimiento hasta que los Beatles empezaron a cantar. Todo cambio entonces. Los hombres se dejaron crecer el cabello y la barba, las mujeres aprendieron a desnudarse con naturalidad, cambió el modo de vestir y de amar, y se inicio la liberación del sexo y otras drogas para soñar. Fueron los años fragorosos de la guerra de Vietnam y la rebelión universitaria. Pero, sobre todo, fue el duro aprendizaje de una relación distinta entre los padres e hijos, el principio de un nuevo dialogo entre ellos que había parecido imposible durante siglos.

UN FANS DE ABBAPuede que suene extraño, raro y casi para la risa pero el mítico bajista de los Sex Pistols, Sid Vicious, era un gran admirador del grupo pop sueco ABBA. Era tanto su fanatismo por las baladas y la onda de este grupo formado por dos matrimonios que muchas veces intentó conocerlos.

Asi fue que Sid Vicious (en la foto) estando en un aeropuerto de Inglaterra esperando un vuelo hacía Estados Unidos y en un estado etílico alto, vió aparecer en una de las puertas al cuarteto sueco que tanto admiraba. En seguida empezó a correr hacia la banda gritando "Hey soy Sid de los Sex Pisols me gustan sus canciones!!", mientras los cuatro suecos arrancaban desesperados de un borracho "jugoso" con pinta punk. Notable!!!

IZZY EN COMAEsta anédota tiene como protagonista a Izzy Stradlin, guitarrista de los frenéticos Guns'n'Roses. Muchos saben que este "pelucón" padecía en aquella epoca de un serio problema con las sustancias ilícitas. Durante una de las giras de la banda se subieron al avión unos policias haciendo una redada en busca de drogas. Izzy, que llevaba guardado en una bolsita un gran cargamento decidió, bajo su desesperación de ser pillado y algunas pocas neuronas, meterselo todo de una vez. El resultado fue una sobredosis que lo dejó internado en un hospital en estado de coma... fruto de esa experiencia escribió la canción "Coma" que aparece en el álbum Use Your Illusion I.

IGGY Y SU ORIGEN DEL POPMuchos señalan que Iggy se convirtió en Iggy Pop a raíz de una simple anécdota. En su ciudad había un vagabundo llamado Jim Popp que periódicamente perdía el vello facial a consecuencia de una extraña enfermedad. Ocurre que un día Iggy apareció en un ensayo con su banda Prime Movers con las cejas afeitadas lo que llevó al asombro y posteriores risas de sus compañeros a tal punto que uno d elos asistentes le dió su comparación con el mencionado vagabundo bautizandolo como Iggy Pop, y miren lo bien que le quedó!!.

DARK SIDE OF THE "MOON"Si hubo alguien especialista en destrozos de hoteles y "parrandas" que daban para escribir libros es fue Keith Moon (gran baterista de The Who). Este músico, reconocido por lanzar muebles desde las alturas de los mejores hoteles europeos, fue protagonista de una de las anécdotas mas increibles. Ocurrió en su humilde fiesta de cumpleaños celebrada en un hotel de Michigan. Al llegar al lugar decidió estacionar su auto... en una alberca!!!!!. Nadie sabe realmente si de verdad lo hizo ya que el estado etílico de los invitados aun tienen nubosos recuerdos de esa "party". Sin embargo el cantante de los Who, Roger Daltrey, afirma que: "pagamos una factura de 5000 dólares por los daños. Recuerdo vagamente el auto en el agua de la alberca"…

SE ASPIRÓ AL PADRE!!!En el año 2007 el Rolling Stone, Keith Richards aseguró en unas declaraciones a una revista que se había aspirado a su padre por la nariz (?). Usted se preguntará ¿Que onda?...

Aquí va la explicación... Resulta que durante una juerga tipica de los rockeros se llegó a un punto donde el alcohol y las drogas dejan al ser humano sin razonamiento y esto le pasó a Richards quien al quedarse sin "polvos" decidió buscar las cenizas de su padre que había muerto en 2002, y aspiro un poco de ellas. "Aspiré a mi padre, no pude resistir echarme un lineazo de él" declaró a la revista. Sin embargo, con el apso de los días el musico aseguró que todo era una broma que se entendió mal entrela gente y lo que hizo con las cenizas de su padre fue dejarlas bajo un árbol. Pero el reportero que tomó la nota con el guitarrista admitió que su satánica majestad si había hecho lo de las cenizas.

UN DIA EN LA VIDA DE JOHN LENNON

El lunes 8 de diciembre de 1980 fue el último día en la vida de John Lennon, uno de los músicos mas influyentes del siglo XX.En la mañana de ese lunes, Lennon había mandado un saludo grabado a todos los neoyorkinos que se despertaban a laburar, dandoles personalmente la noticia que ya estaba a la venta su nuevo disco titulado Double Fantasy, que rompió 5 años de inactividad musical, debido a que el músico queria dedicar su tiempo a la familia.

En ese momento que se transmitía su mensaje por la radio, John desayunaba en esa cafeteria de siempre y arreglaba su "agenda diaria" con las actividades arealizar para promocionar su emblematico disco, del cual se sentia muy contento, ya que habia salido un trabajo de gran calidad..Luego de eso regresó a su apartamento en el Dakota, donde recibió varias entrevistas por telefono y recibió en su habitación a la fotografa estadounidense Annie Leibowitz para cumplir con una sesión de fotos que hasta hoy en día es muy reconocida. Leibowitz fue la autora, ese día, de esas imagenes memorables en la que Lennon aparecía desnudo besando a su amada y criticada Yoko Ono, la cual fue publicada en la portada de la revista Rolling Stone, una portada que se convertiría después en la mejor de los últimos 40 años según un jurado de periodistas especializados.

Terminada esa sesión de fotos, el músico salió rumbo a su estudio de grabación para ensayar las canciones que incluiria en alguna futura gira de conciertos . Antes de subirse a su automóvil, le firmó una copia del Double Fantasy a un "misterioso" fan que lo esperó durante largo rato a las afueras del Dakota.

Ese fanático de Lennon, fue el culpable de su muerte, fue él quien al conseguir la firma se quedó ahi en el Dakota, esperandolo hasta que el autor de Imagine regresó al rededor de las 22:50 hrs. a reposar de su día agitado. Ese supuesto fans llamado Mark David Chapman, que de joven fue hospitalizado por una enfermedad mental, le disparó 5 balazos dirigidos a la espalda de Lennon, 4 de estos dejaron al "Beatle más polémico y reflexivo" moribundo en los brazos de su Yoko Ono.

A las 11:07 P.M. de ese 8 de Diciembre de 1980 John Lennon era delarado muerto mientras lo llevaban en un coche policial al hospital. Se nos habia ido el autor de melodias inmortales, el que dijo que los Beatles eran mas famosos que Jesús, el Beatle corto de vista que se animó en plena Beatlemania a sacar un libro de poesia sin importarle las criticas. y fue él quien nos dijo que el amor es real y la realidad es amor. Se nos fue Lennon, un artista total que estaba convencido de que todo lo que necesitaba la humanidad era amor, pero quedó su leyenda, sus mensajes y sus canciones.

Con el paso de los años, el misterio de esta trágica muerte ha sido estudiada por muchos teórico que creen que tal vez Chapman no fue simplemente un loco actuando solo, como se reportó en su momento. Esto se debe a que Chapman no siguió los patrones habituales de alguien que asesina a una celebridad, ya que evitó la publicidad y se rehusó a dar entrevistas luego de cometer ese inhumano acto.Recordemos que John Lennon era un ardiente manifestante pacifista y muchos estamentos de seguridad lo tenian vigilado en todos su actos, por eso algunas personas creen que Chapman estaba trabajando para el FBI. De hecho en el año 2006 dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vio obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.Otros hasta piensan que Chapman pudo haber sido hipnotizado por la CIA, quien además se aseguró de que pudiera atravesar dos importantes aeropuertos, sin que su arma fuera descubierta.

Al conmemorarse hoy 29 años de la muerte de John Lennon, salieron a la venta unas supuestas grabaciones del músico, mientras en varios países realizan diversos homenajes. De acuerdo con una página en internet, las grabaciones inéditas del ex Beatle, habrían sido hechas en agosto de 1980 en Nueva York, pero la autenticidad de los temas “Mystery Train”, “Stay” y “Dream Lover”, no ha sido corroboradas, aunque me quedo con esa frase que dijo ayer Louie Harrison (hermana de George) sobre todos estos nuevos materiales recopilatorios que estan sacando sobre los cuatros integrantes de la banda mas influyente de la historia: "cualquier nuevo material que saquen sobre ellos es simplemente raspar la olla".

Para finalizar simplemente diremos...Viva Lennon y sus canciones valientes!!!

Pd: Un 8 de Diciembre, pero de 1945, nacía el gran músico, cantante y actor Jim Morrison, lider creativo de la mítica banda The Doors...

LENNON Y EL NUMERO 9

A 30 años de la sorpresiva muerte del gran John Lennon, a causa de un supuesto fanático, hoy el mundo rinde tributo a este gran musico que quiso cambiar el mundo a punta de canciones con mensajes de amor y paz.Es que Lennon se convirtió en un personaje muy reconocido en todo el planeta, primero por ser el líder y fundador de una de las bandas que le puso el soundtrack a toda una decada y cuya influencia quedó como regalo para muchas bandas y luego, en su carrera como solista, donde compuso un himno a la paz mundial llamado "Imagine" y lideró varias campañas en contra de las guerras y endefensa de la clase obrera.Un revolucionario, un loco, un genio, un personaje extraño, un profeta del rock pero en su simpleza fue un músico extraordinario dueño de un talento artistíco único y muy valorado.

Como homenaje a este personaje, queremos dejar este extraordinario documento escrito por Orlando Sanchez en la página www.beatlesjpgr.com, donde relata la relación entre Lennon y el número 9. El fin de este documento es nombrar ciertos momentos de la vida del músico que estan relacionados con ese número. Ahí vamos!!!

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John Lennon siempre fue conciente del hecho que el numero 9 había dominado su vida.

John nació a las 6:30 p.m. (6+3=9) el 9 de octubre de 1940.Su hijo, Sean, nació el 9 de octubre de 1975.Brian Epstein vio por primera vez a los John y a los Beatles en el Cavern Club de Liverpool el 9 de Noviembre, 1961; y el aseguro su contrato de grabación con EMI en Londres el 9 de mayo de 1962.El disco debut Love Me do apareció en el sello Parlophone R4949John conoció a Yoko Ono el 9 de noviembre 1966. El apartamento de John y Yoko se localizaba en la Calle 72 Oeste, Nueva York (7+2= 9) y su principal número en su apartamento del edificio Dakota fue al principio 72.El número de la placa del automóvil que atropello y mato a su madre fue el LKF 630 (nueve), iba conducido por el alguacil de policía número 126 (nueve)."Penny Lane" (9 letras) se encuentra en el distrito postal 18 (nueve) en Liverpool (nueve letras)."Sgt Pepper" tiene 9 letras, como los nombres de algunas personas claves que rodearon la vida de John: Mimi Smith, Jim Gretty quien le vendió a John su primera verdadera guitarra en la tienda de Frank Hessy; Mr Stevenson, su director en el Instituto de Artes de Liverpool; Bob Wooler en el Cavern Club; el Maharishi; y Bill Harry, editor del periódico musical "Mersey Beat".Julian Lennon nació en el hospital General de Sefton 126 (nueve) Liverpool. Tanto la madre de John como su padrastro fueron declarados muertos allí.

En el colegio, Lennon rindió NUEVE exámenes para lograr el certificado General de educación , y no aprobó ninguno !.El primer grupo de John se llamo The Quarrymen (nueve letras).La cubierta del album de John: "Walls and Bridges" destaca una pintura que el hizo a la edad de 11 años. Esta muestra a un jugador de fútbol con un gran numero 9 sobre su camisa.La canciones de John incluian "Revolution 9", "#9 Dream" y "One after 909", el cual había sido escrito en casa de su madre en el 9 de Newcastle Road, Wavertree, Liverpool.John incluso bromeaba que una de sus mas importantes canciones tenia nueve palabras: "All we are saying is Give Peace a Chance".John vendió su casa en Tittenhurst Park a Ringo, el 9 de setiembre de 1973.John creía que la señal de que su matrimonio esta escrito en las estrellas era que los nombres de John Ono Lennon y Yoko Ono Lennon juntos destacaban la letra "o" .. 9 veces !Cuando John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980; la diferencia de 5 horas de tiempo significaba que era ya el 9 de diciembre en Inglaterra. Su cuerpo fue llevado al Hospital Roosevelt, situado en la Novena Avenida, Manhattan.John fue declarado muerto a las 11:07 p.m. (suma , otra vez, igual a 9).

¿CANCIONES QUE SE PARECEN?

El portal web "eljueves.es" tiene una interesante sección llamada "Tomando Nota" la cual tiene la divertida misión de demuestrar las coincidencias acústicas entre canciones de diferentes grupos y cantantes.Al coger dos canciones y compararlas, les dejaban a los lectores que dieran sus propias conclusiones sobre lo que habían escuchado. Algunos se enojaban porque le quitaba prestigio a su banda favorita, otros quedaban impactados por el "robo" y otros refutaban el video dando clases de composición musical via internet.Pero bajo los videos que pubicaban en la web, los editores de la sección colocaron la siguiente advertencia: "No se trata de hablar de plagio, sino de mostrar – mezclando una y otra canción – lo mucho que se parecen sus melodías". Ahí está lo interesante, puesto que solo el oyente podía decir si era o no era un plagio o una simple coincidencia de acordes de guitarra o una leve similitud en la armonía vocal.