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ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 19

La tercera parte, acompañada por la voz de Seung Joon Jeong,

descansó en el concepto de la introspección: se recrearon escenas

de meditación, seguidas de puestas en escena del contraste entre

el cuerpo inmerso en prácticas físicamente exigentes, como por

ejemplo correr, y el cuerpo en estado de relajación, con respi-

raciones sostenidas y pausas. La obra fi nalizó con un bailarín

que realizaba movimientos cotidianos pero de forma cada vez

más frenética, ubicado en el centro del escenario, rodeado de los

demás integrantes, que caían abruptamente al piso y se reincor-

poraban nuevamente, una y otra, y otra vez.

Lo más llamativo de Tensión Espacial fueron los dibujos que

trazaron los cuerpos, que aludían indudablemente al lenguaje

corporal oriental, así como las repeticiones de las secuencias que

dotaron de carnadura la idea oriental del movimiento automa-

tizado, como medio para alcanzar el estado de máxima concen-

tración interior que requiere la meditación.

El vestuario se destacó por su simplicidad: las bailarinas Maga-

lí del Hoyo, Julieta Gros, María Kuhmichel, Virginia Viberti,

María del Mar Codazzi y Yésica Alonso usaron ropa cotidiana

color negro mientras que los bailarines Diego Franco, Ernes-

to Chacón Oribe, Rafael Peralta, Enrique Martín Gil y Nelson

Nahuel Leiva iban de traje. A partir del segundo segmento, los

hombres dejaron de lado los sacos, creando un contraste entre el

negro inicial y el blanco de sus camisas. La iluminación, a tono

con la vestimenta, se compuso de claros y oscuros que realzaron

algunas escenas pero principalmente guiaron la mirada del es-

pectador.

LOS ARTISTAS

Kim Jae Duk, director de la Modern Table Dance Company

y coreógrafo invitado permanente desde 2010 en T.H.E. Dan-

ce Company, Singapur, es un enérgico y multifacético artista

coreano (es coreógrafo pero también compone la música que

utiliza en sus obras y recientemente lanzó su propio álbum di-

gital solista) con un peculiar interés en Latinoamérica. Empezó

a desarrollar su curiosidad y talento por la música y la danza en

la escuela secundaria, motivado por su madre, cantante de jazz y

gospel, e infl uenciado por el artista coreano recientemente falle-

cido Shin Hae Chul. También estudió fi losofía y reconoce en sus

obras el legado de Wittgenstein, particularmente del Tractatus

Logico-Philosophicus (1921).

Kim Jae Duk comenzó a trabajar con Seung en 2014. El cantan-

te de tan sólo 23 años se especializa en pansori (canto narrativo

tradicional coreano) desde hace ya diez años, y es quien aporta

El saludo fi nal de Kim Jae Duk, siempre sonriente, al frente de la CNDC

Fotos . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación

20 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

los elementos tradicionales que luego el compositor coreográfi -

co/musical adapta a sus creaciones contemporáneas. Aquellos

que se dedican al pansori lo hacen desde muy chicos, en función

de esto, Seung empezó tarde, pero según él es gracias a eso que

pudo encajar en un proyecto que traza puentes entre lo tradi-

cional y lo contemporáneo. En diálogo con esta cronista, Seung

señaló que se dedicó a la música por infl uencia de su media

hermana mayor, a pesar de la ferviente oposición de sus padres.

Tales fueron las repercusiones de la participación de Modern

Table Dance Company en la gala de apertura del Festival de

Danza Contemporánea de Buenos Aires (octubre de 2014, Tea-

tro San Martín) que fue posible que Kim Jae Duk regresara a

Buenos Aires para sumergirse en un trabajo intenso durante tres

semanas con la CNDC.

Balletin Dance robó unos minutos de un ensayo para poder

conversar con él. A lo largo de la charla, el creador demostró ser

un apasionado del trabajo con el cuerpo y con la música, y en

ningún momento lo abandonó su sonrisa.

¿Cómo fue que decidió trabajar con bailarines argentinos?

Me interesa toda Latinoamérica. Hace tres o cuatro años estuve

en Brasil y en Colombia para el Festival Cena de Danza Con-

temporánea (Brasil) y Manizales Festival (Colombia), y había

una red de diferentes festivales en Latinoamérica. Allí conocí al

presidente de una de las asociaciones de la red, Marcelo Zamora,

y el año pasado fui coreógrafo de su compañía. Cuando quise

venir a Buenos Aires, lo busqué a él y él organizó todo para que

viniera. Claro que la concreción del proyecto fue posible gracias

a KAMS y al Centro Cultural Coreano.

¿Cómo pensó esta obra?

El diseño siempre va primero. En el momento en que compuse

la música, diseñé el sonido en función de un sabor coreano y

argentino (está inspirado en cuestiones abstractas del tango y de

la música tradicional coreana), pero después en la práctica con

la compañía eso lo fui modifi cando. Fui componiendo a medi-

da que avanzó el trabajo con los bailarines. Las expectativas no

siempre son necesarias para la creación. Yo busco el movimien-

to vital del cuerpo, el valor del movimiento del cuerpo vivo,

la intensidad, el poder, lo relajado. Sentir la fuerza muscular.

Luego busco textos para interpretar. Mis temas fueron a veces

sociales, pero ahora me estoy focalizando en lo introspectivo,

interno, por eso la obra se llama Tensión Espacial, porque quiero

que realmente aparezca el poder de la relajación, el poder de

la velocidad, el poder del sentir, el poder de la inspiración. Si

el cuerpo del humano no se mueve, el mundo no se mueve, y

por eso la danza tiene tanto valor. El valor del movimiento del

cuerpo vivo.

Movimiento vibrante de los cuerpos vivos. Tensión y descarga en simultáneo

Foto . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación


¿Cómo trabaja ‘lo interno’ con los bailarines?

No tenemos mucho tiempo para explicar de qué se trata lo

interno, ellos aprenden el cómo se hace de lo que yo les mar-

co. Busco interpretar de manera sencilla mis movimientos.

De hecho los coreógrafos quieren interpretar, decir acerca de

un cierto objeto, de una cierta situación, pero yo lo siento

de otro modo. Mi propuesta es: en lugar de decir acerca del

movimiento, mostrar. Eso es lo que hace vibrar.

¿Qué puede decirnos acerca de combinar lo

contemporáneo con la tradición?

Elijo el pansori porque eso me hace ser, por eso existo, soy

coreano. Y por otro lado, el pansori no es ritmo, es tempo.

El ritmo es así, 1 2 3 4 5 6, seguimos el ritmo. La gente

hace danza con música, pero generalmente la música está de

fondo, y la danza es velocidad: lento, rápido, lento, rápido.

Pansori es sólo tempo, casi no hay ritmo. Eso es lo que tan-

to me gusta del mundo de Dios: todo lo que podemos ver

es el mundo, pero es nuestro mundo. Podemos interpretar

cualquier cosa con los números; consistencia, frecuencia, po-

demos ver eso, contar eso, pero el tempo, eso no lo podemos

contar. El pansori es lo que me hace dar cuenta de la existen-

cia. A veces es demasiado picante, como muy condimenta-

do, por eso en esta pieza lo quise probar bien suave. La parte

del pansori es la de la interpretación con el alma, el cantar

solo, el aparecer del sabor de Corea, sólo eso.

¿Cómo es una jornada de ensayo?

Aprendí sobre los ensayos a nivel profesional en Singapur.

Aprendí sobre el progreso, el cronograma… Incluyendo

pausa para el almuerzo, allá trabajamos de diez de la mañana

a siete de la noche. Los bailarines son muy disciplinados,

están muy concentrados todo el tiempo. Pero eso, para los

bailarines de acá es demasiado; ya cuatro horas es una gran

cantidad de tiempo. Entonces, con la CNDC trabajamos

cinco horas, pero eso incluye varios breaks y además vamos

a un ritmo bastante tranquilo.

Imagino que Ud. es muy exigente…

Cuando alguno pregunta por qué algo se hace así y no de

otra forma, yo pregunto si le gusta lo que está haciendo. Si

responde que no, le pido que se retire; y si no, si dice que le

gusta, le pido que haga; pero no, no explico. También acepto

las opiniones de cada bailarín, porque a pesar de que haya

quejas o encuentren difi cultades, todos ellos se quedaron,

y eso es porque tienen ganas, entonces intento realmente

comunicar, adoptar y cambiar las cosas -también- según sus

opiniones. La manera de dialogar con los bailarines y de

mostrar al máximo los movimientos es a través del amor,

hay que decir con mucho cariño y mucho amor. __BD

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En 2014, Jesús Guiraldi decidió poner en

marcha un festival llamado Una Cons-

tante en el Teatro El Cubo. Para sumar

propuestas decidió llamar al coreógrafo

Mauro Cacciatore, quien se encontraba

trabajando en un proceso denominado

hoy, Timba.

La buena recepción del festival llevó a es-

tos colegas a colaborar en el ciclo Tomá

Mate. Entusiasmados con lo que se em-

pezó a gestar, Cacciatore y Guiraldi co-

mentaron a Balletin Dance de qué se

trata y opinaron sobre algunos temas re-

lacionados a la danza.

¿Cómo surgió este proyecto?

Jesús Guiraldi. Lo que nos unió fue labu-

rar en el Festival Constante de diciembre

del año pasado, además ambos estamos

en un momento en que tenemos claro

lo que estamos haciendo. Nos prestamos

a generar cosas, abrir espacios, mostrar

nuestro trabajo afuera, a que lo vean.

¿Qué esperan del ciclo?

JG. Que participe un público ajeno a la

danza, ellos pueden ver otras cosas. No

me interesa que sólo vengan bailarines.

Mauro Cacciatore. A mí, particular-

mente, las devoluciones que más me han

aportado son las de la gente que no per-

tenece a la danza. Relatan desde lo que

vivieron al acercase al movimiento. Son

más participes y no están condicionados

por el lenguaje técnico.

AC T UA L I DA D

Con Altas ApuestasPor Nahuel Aguirre

Muchas veces directores y coreógrafos, temen arriesgarse con sus propuestas y

presentarse a un público general. “No van a entender o se van a aburrir”, son las

excusas habituales. Incluso Cacciatore tenía dudas y afi rmó que subestimaba la

apreciación de la audiencia.

MC. Al principio puse muchos “peros”. El material que trabajo no se ve mucho acá,

por eso tenía miedo que a la gente común no le guste, sin embargo lo que pasó en di-

ciembre en El Cubo fue muy loco, se veía a personas disfrutando vernos bailar.

JG. Yo también sentí eso. Estaban entregados a ver danza. Se sumergieron en el ima-

ginario. Hay algo importante del festival del año pasado, hubo gente que nunca en

su vida pensó que iba a ver lo que hace Mauro. Muchos no saben que es la técnica de

Merce Cunningham.

Con ganas de mostrar otra forma de hacer danza a un público masivo, estos jóvenes se

animaron a poner en marcha este ciclo, que pondrá en escena dos propuestas diferen-

tes, pero con un mismo objetivo: abrir espacios y compartir nuevos imaginarios con

el espectador.

¿Cómo describen sus propuestas?

JG. Las obras tienen que ver con el azar y lo indeterminado; entonces el espectador va

a presenciar siempre algo nuevo porque es una investigación que va mutando. Por otro

lado, son laburos que tienen muchas personas que aportan a un trabajo en común.

MC. Mi proyecto no está cerrado en su totalidad. Generamos un marco común donde la

Dos artistas emergentes, dos propuestas y un ciclo de danza que se desarrollará

en abril en el Teatro El Cubo. En esta entrevista, los bailarines Mauro Cacciatore

y Jesús Guiraldi, comentaron cómo surgió el proyecto, cómo lo abordarán y qué

esperan de él

Multiplicidad de lenguajes en Metadiégesis

Foto . Paola Evelina


idea no es ni que la música, ni que el movimiento condicione lo que se vea, ni que haga

asociaciones a lugares conocidos. En realidad es un espacio para investigar de ambas partes.

Tomá Mate se desarrollará los domingos de abril y tendrá como protagonistas las obras

Metadiégesis y Timba.

METADIÉGESIS

Escoge elementos propios del hip-hop y el parkour, que intentan conjugarse con la

danza contemporánea. Improvisando con las posibilidades espaciales, este grupo mul-

tidisciplinario interactúa y se desplaza para intentar convivir en escena, para crear un

mismo lenguaje.

JG. Investigamos e improvisamos sobre lo que trae cada intérprete para un material en

común. Hay momentos coreográfi cos pero es conclusión del aporte de todos. En abril

voy a presentar el primer resultado, de lo que llamo El Proceso Uno de esta investigación

que es larga y que va a terminar en noviembre de este año. En ese entonces quizás ya

esté cerrada como obra.

TIMBA

Los bailarines de Proyecto Even(t), crean

un ambiente similar al de un bar en el

que ofrecen movimientos de la técnica

Cunningham, mientras los músicos de

Desamble componen en base a líneas,

puntos y densidades. En escena, ninguno

depende del otro, ambos se complemen-

tan en un juego inspirado en el azar.

MC. Tomo los naipes como una herra-

mienta de composición. En los ensayos

además de entrenar técnica, nos concen-

tramos en lo que llamo problemáticas

coreográfi cas: creamos a partir de difi cul-

tades de movimiento y se analiza cómo

resolverlos. Cada difi cultad se plantea

desde el resultado de tirar los naipes,

mientras los músicos complementan la

pieza desde sus improvisaciones.

Por un lado efectista y shockeante, por

el otro técnico y experimental, estos jó-

venes apuestan mucho en este ciclo que

tiene como objetivo lograr que el públi-

co se sumerja en el imaginario y la dan-

za. Cuando decidieron el nombre del

ciclo los entrevistados determinaron que

“igual que con el mate, las buenas cosas

se comparten”. __BD

Inspirados en Cunningham

Foto . Camila Florines


Marcela Carta, ex bailarina y coreógrafa de la casa, se hizo

cargo de la dirección del elenco provincial este año. Ella

conoce desde adentro a la compañía y disfruta de este rol

que marca un nuevo desafío en su larga trayectoria artística

Marcela Carta asumió a principios de marzo la dirección del

Ballet Ofi cial de la Provincia de Córdoba y está feliz con esta

convocatoria que marca el inicio de un nuevo ciclo artístico tan-

to para el elenco como para ella. Carta es un producto del Teatro

del Libertador San Martín, se formó en su escuela -el Seminario

de Danzas Clásicas Nora Irinova- y fue primera bailarina duran-

te muchos años hasta su retiro en 2008. También en su escenario

fue donde mostró sus dotes como maestra repositora y ensayista,

y exhibió sus creaciones coreográfi cas.

En diálogo con Balletin Dance, la fl amante directora se mostró

feliz por su designación y por los logros que ha ido consiguiendo

desde que se ofi cializó su nombramiento, con sólido apoyo de

la dirección del Teatro provincial a cargo de Marcela Reartes.

Para ejemplifi carlos, señala que habían sido planifi cadas cuatro

funciones de El Lago de los Cisnes (versión de Mario Galizzi y

reposición coreográfi ca de Sabrina Streiff ), “pero pedí dos más a

la dirección y me las dieron” [que se realizaron a partir del 26 de

marzo], explicó. El coliseo también fue concediendo escenogra-

fía, vestuario y todo lo inherente a una puesta de esta enverga-

dura. “Tuvimos todos los ensayos de Lago… en el escenario, una

situación que pocas veces se daba para el Ballet… y contaremos

con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, a

cargo de Adrián Hávila Arzuza”.

Marcela Carta arranca sus tareas con una programación plani-

fi cada en 2014 en la que ella no participó personalmente, pero

está más que satisfecha porque “además de Lago…, vendrá Mau-

ricio Wainrot con Ocho Estaciones y a fi n de año haremos El

Cascanueces. En total serán veinte funciones aproximadamente”.

El objetivo de su gestión, será “que el Ballet de lo mejor de sí”

expresa ilusionada la maestra. “Es una compañía con gente de

muchísima experiencia y también con bailarines muy jóvenes,

P R OV I N C I A S | C Ó R D O B A

Nuevos Bríos para el Ballet Ofi cial

Por Luisa Heredia


El Ballet Ofi cial de la provincia en El Lago de los Cisnes

Foto . gentileza Teatro del Libertador

Marcela Carta es además psicomotricista, profesión

que le brindó una mirada diferente para sacar a la luz lo

mejor de cada bailarín. “Con los pacientitos hay que co-

menzar desde lo que pueden hacer, para lograr aquello

que parece imposible. En la danza, con los bailarines,

pasa lo mismo. Si el bailarín solamente escucha ‘está

mal’ no puede mejorar, necesita confi anza para luego

poder brillar en el escenario”.

abiertos y muy receptivos a aprender”. Por la normativa que rige

este elenco, el cuerpo estable tiene 56 bailarines, mitad hombres

y mitad mujeres. “Sin embargo, en este momento muchos están

por jubilarse o hay carpetas médicas y el elenco cuenta con me-

nos artistas en actividad. Para esta puesta contratamos refuerzos,

para completar 30 bailarines en escena, que ofrece un impacto

visual muy importante para el público”, explicó.

Ser de la casa, como suele decirse en el ambiente teatral, brinda

varios puntos a favor para la directora. Su relación con todos los

cuerpos artísticos, técnicos y administrativos, es un vínculo de

pares, y para ella esto es una ventaja. “Me conocen y hasta ahora

las cosas fl uyen muy bien”, destacó.

Con respecto a su gestión, Marcela Carta asegura que la danza

en el mundo ha cambiado. “Ahora los bailarines saben bailar,

actuar, cantar, hacen de todo. No se quedan solamente con lo

clásico sino que incursionan en diferentes lenguajes coreográ-

fi cos”. En ese sentido destacó la importancia que reviste para

los bailarines tener contacto con los otros cuerpos estables del

Teatro del Libertador (Orquestas y Coros) porque “además de

crecer artísticamente, es muy estimulante el apoyo mutuo entre

los distintos elencos”.

En este diálogo la directora también destacó la importancia que

tuvo en su carrera la formación que recibió en los dos años que

vivió en Buenos Aires y en las clases de perfeccionamiento cons-

tantes que ofrece esa ciudad. “Con Martín [Cippollone, su ma-

rido] cada peso que teníamos lo invertíamos en viajes a Buenos

Aires para tomar clases”. Por aquellas épocas, la generosidad de

Liliana Belfi ore para con ellos, desde lo artístico y también desde

lo económico, fue trascendental.

“El año pasado, por iniciativa de Alejandro Cervera [entonces

director del Ballet Ofi cial] viajamos a ver clases en el Teatro Co-

lón de Buenos Aires. Experiencias muy importantes y enrique-

cedoras porque ves otra forma de trabajar, otra dinámica para las

clases, que te permiten aprender muchísimo. Me gustaría que

nuestros bailarines también puedan ir al Colón o al Argentino

de La Plata a tomar clases, para tener esas vivencias”, agregó. Por

otro lado, uno de sus mayores anhelos, es que el Ballet Ofi cial

viaje y salga de las fronteras de Córdoba, “lo que sería una expe-

riencia importante”. __BD


en Cartel.

La Noche Transfi gurada fue creada sobre partituras de Arnold Schöenberg (Opus 4) y

será interpretada por Candela Rodríguez y Germán Farías. Según palabras del propio

Schöenberg, esta música “no ilustra ninguna acción o drama, sino que se limita a

‘pintar’ la naturaleza y a transmitir sentimientos humanos. Parecería que gracias a esta

actitud mi composición ha ganado cualidades que pueden satisfacer también a los que

no conocen lo que ella ilustra, es decir la posibilidad de ser apreciada como música

‘pura’ (. . .) La conclusión que cierra ésta partitura glorifi ca los milagros de la naturaleza

que ‘transforma’ una noche trágica en una noche transfi gurada.

Para hablar de Pléyades, creación sobre música de Frank Martin, Oscar Araiz utiliza

palabras de Gastón Bachelard: “Y cuando, en el cielo anónimo, nos fi jamos en una

estrella, resplandece para nosotros, su fuego se rodea de un poco de llanto, una vida

aérea viene a mitigar las penas de la tierra”.

Noche Transfi gurada / Foto . Serge Buff at

Noche Transfi gurada

+ Pléyades

Coreografía y dirección: Oscar Araiz / Director asociado: Yamil Ostrovsky

Grupo de Danza de la Universidad Nacional de San Martín (Unsam). Magali Brey, Rocío Castagnasso, Romina

Castillo, Sofía Crespo, Manuela Diez, Candela Rodríguez, Corina Tate, Antonella Zanutto, Nicolás Baroni, Oscar Farias,

Germán Farías, Martín Machín, Matías Mancilla, Gerardo Merlo, Juan Carlos Ojeda y Bernardo Villafañe.

Sábados 18 y 25 de abril, 21 hs. El Galpón de Guevara: Guevara 326, Tel: 4554-9877 (Pléyades en versión masculina)

Jueves 23 y 30 de abril, 7 de mayo, 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini: Corrientes 1543

(Pléyades en versión femenina)

Idea y dirección coreográfi ca: Ana Deutsch / Intérprete: Carla Di Grazia

Domingos 21 hs (hasta el 3 de mayo), 18 hs (del 10 al 31 de mayo).

Espacio Teatral ElKafka: Lambaré 866, Tel: 4861-5439

Doc

umen

tos

de Id

enti

dad “… La historia del hombre es un largo rodeo alrededor de su casa… y el hombre le-

jos de su casa se convierte en una llamada sin respuesta”, palabras del escritor jujeño

Héctor Tizón elegidas por Ana Deutsch para hablar de su pieza, “porque aluden en

parte a lo que me conmueve y es una de las motivaciones de este proyecto”.

“Tomo como punto de partida la relación cuerpo-movimiento-espacio –explica la

coreógrafa-, como una nueva indagación sobre la subjetividad. Surgen así breves

escenas que hacen visibles los momentos de intimidad y soledad entendida como

demandas lúdicas, de silencio y monólogo interior. La memoria, los sonidos y obje-

tos de uso cotidiano como acceso para una construcción poética”.

Carla Di Grazia / Foto . Gentileza de la producción

Coreografía y dirección: Graciela Ríos Saiz

Ballet Hispania: Natalia Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido, Eugenia Seijó

(baile), José Ismael Sierra Flores (guitarra), Mónica Poblete y Paula Suárez (voz)

Sábados 20:30 hs. Teatro del Museo Larreta: Mendoza 2250, Tel: 4784-4040

A La Luz del FlamencoEl espectáculo de Graciela Ríos Saiz, que ya lleva tres meses en cartel,

se presentará a partir de este mes con nueva música, nuevo vestuario,

nueva sala y nuevos horarios. “Una nueva puesta. Saetas, además de

seguiriyas, guajiras, tientos, tangos, alegrías y bulerías, se podrán escu-

char en este espectáculo” explicó la directora a esta revista.

Foto . gentileza de la producción


actualidad

La danza dirá presente una vez

más en la tradicional Caravana y

Mega Festival Solidario a benefi cio

del Hospital de Niños Dr. Ricardo

Gutiérrez, que este año se realizará el

domingo 10 de mayo

Junto con actores, deportistas, músicos,

periodistas, empresarios y dirigentes po-

líticos, fi guras de renombre en el ámbito

del baile participarán de la vigésimo se-

gunda edición del evento que organiza la

Asociación Mutual Conductores de Au-

tomotores (AMCA) con motivo de ce-

lebrarse el Día Internacional del Taxista.

El festival tiene como meta recolectar

donaciones para proveer de instrumen-

tal y equipamiento médico al nosoco-

mio. Este año, en el que el Hospital

celebra su 140º aniversario, buena parte

del dinero recaudado se destinará a la

construcción de un laboratorio de estu-

dios complejos.

La fi esta solidaria comenzará a las 9:30

hs. en la puerta de la casa central de

AMCA (Boedo 150). Desde allí partirá

una caravana de taxis, remises y vehí-

culos repletos de juguetes y obsequios.

Recorrerá las principales avenidas de

la ciudad y culminará en la puerta del

Hospital de Niños (Gallo 1330). Allí se

desarrollará un gran festival artístico du-

rante toda la tarde.

En ediciones anteriores actuaron Maxi-

miliano Guerra, Violetta, Palito Ortega,

Patricia Sosa, La Mosca, Axel, Agapor-

nis, Mora Godoy, Carlitos Balá, Casi

Ángeles, David Bolzoni, Antonio Bira-

bent, Panam, Topa y muchos otros ar-

tistas. Este año, los organizadores pro-

meten aún más sorpresas. Junto con los

artistas que ocupen el escenario, cientos

de otros famosos dejarán marcada la

huella de su mano en un mural como

signo de colaboración y apoyo a los chi-

cos internados en el Hospital.

La acción solidaria de AMCA se extien-

de al resto del año traccionando nue-

vas donaciones y aportando al sosteni-

miento general de la institución. Para

colaborar: Asociación Cooperadora del

Hospital de Niños Dr. Ricardo Gu-

tiérrez, Gallo 1360. Tel.: (011) 4962-

7739/2587. __BD

Una Gran Fiesta Solidaria Por Daniel Sousa

Mora Godoy ya dejó la huella de su mano en el

Hospital de Niños

Foto . gentileza de la organización


actualidad

Hasta el 20 de abril hay tiempo para

sumarse al proceso de construcción

participativa de la Ley Federal

de las Culturas. La convocatoria

está abierta a ciudadanos de todo

el país, quienes pueden acercar

sus iniciativas en forma digital

(por e-mail) o impresa (por correo

o personalmente). La danza está

presente

Mientras que el proyecto de la Ley

de Danza impulsada por los propios

hacedores del sector continúa sin tra-

tarse en el Senado, el país entero está

diseñando la nueva Ley Federal de las

Culturas (como ley marco) que reúne

21 núcleos temáticos que regularán la

actividad cultural… incluida la danza.

La importancia fundamental de la

cultura para el desarrollo humano y

Ley Federal de las Culturascomo patrimonio de la identidad nacional, patrimonio tangible e intangible, la cultura

como derecho, los sujetos, las disciplinas y los espacios culturales, pueblos indígenas,

el rol del Estado, límites éticos y legales, federalismo, políticas públicas y presupuesto

nacional, la producción, la cultura como trabajo, los derechos de los trabajadores, ges-

tión y formación, entre otros, son los temas que regulará esta ley.

Para participar los interesados deben descargar un formulario de internet. Informes:

[email protected], Dirección Nacional de Acción Federal, Secretaría de Políticas

Socioculturales del Ministerio de Cultura (Adolfo Alsina 1169, CP 1088, Buenos Aires).

La elaboración participativa de normas, establecida en el Decreto 1172 de 2003, es

un mecanismo creado en el marco de la Ley de Acceso a la Información Pública que

permite y fomenta la participación de cualquier persona, física o jurídica, en la elabo-

ración de una ley. A través de estas propuestas de la ciudadanía se busca construir de

forma colectiva el anteproyecto de la Ley Federal de las Culturas, concebida como ley

marco que incluya y exprese la gran diversidad cultural de la Argentina. Con el mismo

fi n, el Ministerio de Cultura de la Nación y el Frente de Artistas y Trabajadores de las

Culturas vienen realizando encuentros a lo largo del país

El borrador del anteproyecto propone una ley de y para todas las culturas, en la que el

federalismo sea razón de Estado, y que consagre el acceso irrestricto a los derechos cultu-

rales de los 40 millones de argentinos. Establece como sujetos culturales a todas las perso-

nas que habitan el territorio nacional, y establece que los artistas, técnicos-profesionales,

hacedores y gestores culturales sean defi nidos por su condición de trabajadores de las

culturas. También plantea la necesidad de crear un consejo asesor artístico y cultural para

lograr la participación de los colectivos de artistas y trabajadores de las culturas. __BD

Reunión en La Plata para debatir el anteproyecto de la Ley

Foto . Augusto Starita | Ministerio de Cultura de la Nación


De visita en Argentina, la bailarina e investigadora Tamalyn

Dallal analiza la escena de la danza oriental en el mundo.

Además reivindica la multiplicidad de estilos y destaca la

importancia de aprehender danzas a través de las vivencias

populares

Pionera del grupo Bellydance Superstars allá en 2003 en Estados

Unidos, Tamalyn Dallal es considerada dentro del circuito in-

ternacional de la danza oriental como una maestra de maestras.

Con un estilo llano e informal, ha formado referentes a lo largo

de más de 35 años de carrera. Vivió en aldeas, se codeó con reyes

y artistas, escribió tres libros y fi lmó otros tantos documentales.

Una suerte de propaladora de historias mundanas.

Hoy regresa a la Argentina, país que eligió para vivir entre 1985

y 1986, junto a su amigo Ryan Yanguchao, también bailarín y

oriundo de Beijing. “Él me comentó que uno de sus sueños era

visitar Argentina. Decidimos entonces venir juntos, me gusta

compartir los varios mundos en los que vivo, con amigos de

otros mundos”, dice Tamalyn a su regreso del seminario que

brindó el mes pasado en Córdoba.

Como referente e historiadora, ¿cómo ve el escenario de la

danza oriental en el mundo?

Ha crecido muchísimo. Hay mucha variedad en puntos de vista.

Es importante esta variedad: que no todos pensamos igual. No

todos bailamos igual. Así es un mundo interesante.

Lo importante es estar abierto al crecimiento personal en el bai-

le. A través del baile aprendemos sobre la vida interior y sobre

el mundo. Hay quienes quieren copiar un estilo; creo que algún

día van a cambiar y lograrán ser más individuales y únicos. Hay

otros que se interesan por los temas culturales y étnicos; es im-

portante buscar y entender más de la cultura. Pero si separan la

cultura del pueblo, sin respetar al pueblo, estamos en problemas.

Por ejemplo, analicemos la forma que se ha popularizado el baile

Iraqui-Kawliya. Las bailarinas rusas vieron a las gitanas iraquíes,

que eran refugiadas, huyendo a otros países para salvar su vida

y subsistiendo gracias a este baile. Hoy ya es moda en todo el

mundo, olvidando de quién viene. Sería un sueño ver gitanas

iraquíes bailando y enseñándonos su baile.

DA N Z A A R A B E

Tamalyn Dallal: De Aquí, de Allá, de Todas Partes

Por Eliana Gissara

¿Cómo afecta la expansión y el choque de culturas un mismo

baile?

Hay festivales de baile árabe muy grandes en todas partes del

mundo. Es interesante y es bello que surjan amistades entre bai-

larinas y bailarines de tantos países. A veces hay competencia

y celos, pero usualmente es a nivel local, entre bailarinas de la

misma región, no al nivel internacional. Nuestro baile comenzó

como baile de celebración, así que no es necesaria la negatividad

en nosotros. Hay espacio para todo el mundo.

En algunos países, adoran el baile pero tratan de quitar lo que es

árabe usando música americana o música china -por mencionar

alguna-, recurriendo a temáticas como halloween, vestidos de

vampiros u otras cosas innecesarias. Yo creo que primero hay

que aprender de la cultura, y después si se quiere variar, se pue-

de. Pero tienen que ser claros cuando lo enseñan y explicar de

dónde viene este baile. En este momento hay mucho prejuicio

contra la cultura musulmana, a través de los medios de comuni-

cación y de la política. Tenemos que superar los prejuicios. No

formar parte de ellos.

¿Está de acuerdo con la categorización de estilos según

países, como por ejemplo estilo egipcio, argentino, ruso o

americano?

Es interesante cómo han surgido estilos nuevos: “ruso y argenti-

no”. Cuando bailo en Asia, hay gente que sólo quiere saber del

ruso o sólo del argentino. Otros que no quieren saber de ellos.

Tienen que entender que los nuevos estilos son bellos, pero son

estilos que empezaron en forma personal algunas bailarinas o

bailarines muy talentosos. El estilo que ahora llaman “egipcio”

es nuevo. Hace 20 años las egipcias bailaban diferente. Hace 40

años, más diferente aún. Nuestro baile pertenece a un mundo

grande y bello para descubrir, que no se debe limitar a un estilo.

¿Cómo ha infl uido en su forma de bailar haber visitado

comunidades árabes en el mundo?

Antes de viajar y convivir en países árabes y otros lugares que

practican nuestro baile en sus celebraciones y forman parte de

su vida desde hace siglos, yo hacía más bien gimnasia y usaba

elementos. A los 45 años, empecé a conocer el baile más íntimo

de los pueblos. Era un buen momento para cambiar mi estilo

y hacer algo más interno, trabajar con energía, no gimnástica-

mente. Todo lo que hice antes estaba muy bien porque bailé


Tamalyn Dallal vive la danza

desde cada cultura

Foto . Denise Marino


comercialmente. Ahora disfruto de una manera diferente. Me

da satisfacción porque no trato de parecer joven o competir con

la juventud. Ya no me preocupo por lo que piensan los demás o

si me comparan con otras porque mi baile es mío, soy la dueña

de lo que hago y lo que siento. Es una madurez que vino con

estas experiencias entre culturas.

Sentí las tierras diferentes en mi cuerpo. África con energía te-

rrenal y Asia con energía del cielo. El Medio Oriente está en el

cruce de los dos continentes. Uso esta sabiduría en mi baile.

¿Puede citar alguna experiencia que le haya modifi cado la

forma de experimentar la danza?

En un viaje a África en 2007, estaba con beduinos en el oasis de

Farafra en Egipto. Eran puros hombres que comenzaron a tocar

música. Un hombre estaba bailando sobre una música que era

muy rápida, pero él bailaba lento, con una forma muy diferente

y extraña para nosotras. A su vez, tenía un palo grande que usaba

para apoyar su cuerpo. Había gente a la que eso no le gustaba,

no tenía la estética que acostumbramos. Para mí era fascinante

por la forma que él expresó la música en cámara lenta pero bai-

lando dentro de la música.

Después, en el mismo viaje, fui a Kenya. En la costa de Kenya

está la cultura Swahili, con infl uencias árabes y de la India. Las

mujeres bailaban tres formas de arte: Swahili, hindú y árabe.

Ellas eran muy terrenales con el árabe, también hacían movi-

mientos más lentos que la música. Otra vez, me quedé fascinada.

Cuando volví a El Cairo, Egipto, estaba en una discoteca e in-

tenté bailar lento con música rápida, usando mucha energía te-

rrenal. Lo importante es usar la energía porque si simplemente

bailás lento con música rápida se pierde el encanto. Una mujer

egipcia me dijo: “No sé lo que estás haciendo, pero por favor

enséñamelo. Me gusta mucho”.

En la última entrevista que realizamos para Balletin

Dance (año 2007), usted había afi rmado que “la falta de

comunicación entre oriente y occidente es la razón principal

de las guerras que estamos sufriendo”. ¿Sigue estando

de acuerdo con esta frase? ¿Ha cambiado algo desde esa

época?

No ha cambiado, pero siento esta frase más fuerte ahora. En

Estados Unidos y muchos otros países hay más y más prejuicio

y mal entendimiento. Eso viene de los periódicos, radio, televi-

sión e Internet, donde hablan del extremismo como si todos los

musulmanes fueran extremistas, o como si eso fuera el Islam.

Y manipulan al público con la forma en que hacen reportajes.

Hasta he oído en radio que los musulmanes no han contribuido

en nada a la civilización. Olvidan que Ziryab trajo civilización a

Europa cuando no había tal expansión. Dicen cosas que no son

verdad y la gente les cree porque no han viajado para investigar

con sus propios ojos.

Ya es mucho más que falta de comunicación. Es manipulación

para que continúen las guerras con fi nes económicos y no hu-

manitarios. Es muy peligroso. Está llegando al punto que este

año han matado árabes vestidos con sus ropas tradicionales sólo

por gusto. Los medios tienen mucha responsabilidad, porque

mucha gente no viaja fuera de su país y sus ideas dependen de lo

que dicen en las noticias.

Por último, ¿cree que las nuevas tecnologías y el auge de las

redes sociales han modifi cado en algún aspecto la forma en

que bailamos y vemos bailar?

Hay tanta información… Cualquier baile que queremos ver está

en Youtube. Bailarinas de todas las épocas, hasta de 1930, están

por Youtube. Es increíble el acceso que tenemos a través de me-

dios electrónicos. Tenemos grandes oportunidades de aprender y

educarnos. También, manejar nuestras carreras como bailarinas

o bailarines de una forma distinta. Podemos acceder al mundo

entero en minutos. Podemos arreglar seminarios, recibir contratos

y boletos de avión en minutos. Si uno es inteligente, los medios

electrónicos cambian la vida y abren las puertas al mundo entero.

Antes no viajábamos tanto. Pocas bailarinas tuvieron oportuni-

dad de ir a Egipto. Menos a estudiar con artistas famosos. Ha

cambiado todo y para bien. __BD

Bailarina, historiadora y directora, introdujo el uso de los

elementos en la danza oriental en Argentina

Foto . Denise Marino


El mes pasado se estrenó en el Teatro Astral de Buenos Aires

el espectáculo Hispania, una pieza que combina músicas de

conocidas zarzuelas y bailes de la escuela bolera

Con una puesta muy austera, el director de Hispania, Jorge Ma-

zzini recupera esas canciones que el público quiere escuchar -y

que quizás por la envergadura que lleva montar una zarzuela y

la escasa producción local no se ven- en un formato de cámara,

con cuatro músicos (con destacada participación del cantante

Fermín Prieto) y cuatro excelentes cantantes. Aquello de La

Maja y el Ruiseñor, o la Habanera, La Mazurca de las Sombrillas

o la Violetera… canciones que muchos de los espectadores su-

surraban y que acompañaban con un entusiasmado aplauso en

cada intervención.

DA N Z A E S PA Ñ O L A

Danza y Música de EspañaPor Gabriel Vaudagna Arango

Como acto central de la obra se realizó un Homenaje al Gran

Maestro Ángel Pericet con una serie de piezas de la escuela bolera

coreografi ados por su hermana Luisa e interpretadas con gran

precisión por el Ballet Sevilla. No se equivocó Luisa Pericet en la

entrevista que concediera a Balletin Dance publicada en la edi-

ción de marzo (Nº 240) cuando decía: “Siempre que se hacen

bailes boleros el público lo agradece…”. Tanto en las Sevillanas

Boleras como en los Panaderos de la Flamenca, el Bolero Liso o las

Seguidillas Manchegas; el público ovacionó de pie.

Las bailarinas con una notable entrega, frescura y gran manejo

de las danzas boleras lograron emocionar y traer el recuerdo de

los espectáculos realizados por la familia Pericet allá por los años

‘80 y ’90 del pasado siglo. Unas danzas que se hacen presente

para mostrar la gracia del sur andaluz, como diría Luisa, la téc-

nica del clásico y esa desenvoltura Mediterránea.

Hispania continuará presentándose durante el mes de abril en

el Teatro Astral de Buenos Aires, con producción de Ricardo

Gallo, coreografías de Luisa Pericet y dirección general de Jorge

Mazzini. __BDElenco completo de Hispania

Foto . gentileza de la producción

gurquel lederer - archivo de la revista argentina de danza 241b.pdf · descansó en el concepto de...

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