francisco de goya pdf
TRANSCRIPT
PINTOR ESPAÑOL
(1746-1828)
4º ESO I.E.S. JOSÉ SARAMAGO
AUTORRETRATO DE GOYA
“La fantasía abandonada de la razón produce monstruos, pero unida a ella es la madre de las artes”.
Goya
► Goya vive en un entorno histórico muy significativo: la España de finales del Siglo XVIII, cuyas características más destacables serían las siguientes: - Es un país socialmente atrasado, políticamente reaccionario, con fuertes desigualdades sociales entre las diversas clases, una agricultura en estado regresivo, carente de infraestructuras y de clases medias. - Existen ciertos círculos intelectuales abiertos a las ideas del Siglo de las Luces. Son los liberales, sin apenas peso político, opuestos al clero y a la monarquía. Estos intelectuales enseñarán a “pensar” a Goya, a dar forma a sus ideas, y a comprender la realidad humana. Goya irrumpe en el arte español cuando el Neoclasicismo está a punto de ceder ante el Romanticismo. Su creatividad se adelanta al Romanticismo y al Realismo, abriendo perspectivas al Impresionismo (pincelada ligera), Expresionismo (desgarro del mundo interior) y Surrealismo (sus fantasías oníricas). Se podría decir que no hubo género que él no tocara (retrato, bodegón, cuadro religioso e histórico, escena costumbrista) y técnica que no dominara (pintura mural, de caballete, cartones para tapices, grabado).
CONTEXTO HISTÓRICO DE GOYA
PRINCIPALES OBRAS
Entre 1774 y 1792, Goya es contratado por la Real Fábrica de Santa Bárbara para diseñar los cartones que sus artesanos convertirán en tapices. Con ellos se decorarán los comedores y dormitorios de las “casitas” que los Príncipes poseen en El Escorial y El Pardo. Los temas preferidos de Goya no celebran la grandeza y el poder, sino la alegría de la vida y la belleza; se relacionan con lo festivo y lo galante. Goya da un recital de tipos costumbristas: toreros, tonadilleras, actrices y gente del pueblo de Madrid, tales como lavanderas, mozas de cántaro, jugadores de naipes y cacharreros. Son los manolos, manolas, majos y majas… El género pastoril, el petimetre y la damisela rococó de la Corte francesa se han transformado con los Borbones españoles en tronío, majismo y manolería. Goya pintará más de 50 cartones de temática costumbrista. Los títulos reflejan las costumbres del pueblo de Madrid, a quien Goya retrata: es la vida de las clases aristocráticas y la vida del pueblo de Madrid, llena de colorido y alegría. El costumbrismo se refleja en: la indumentaria (siguiendo la moda rococó, después la neoclásica y como nexo de unión entre las dos etapas personajes vestidos con indumentarias “castizas”), las representaciones festivas (fiesta de la vendimia, distintos juegos, etc.), en momentos de dolor (protesta o tragedia del pueblo). La realización de los cartones exige al pintor ajustar al máximo los matices y los tonos de color e incluso las luces, ajustando la obra al entorno al cual se destina.
CUADROS PARA TAPICES
El cacharrero, 1779. Óleo sobre lienzo. 259
x 220 cm. Museo Nacional del Prado,
Madrid.
Cartón destinado al tapiz que decoraría el
dormitorio de los Príncipes de Asturias,
en la “casita” de El Pardo.
El quitasol,1777. Óleo sobre lienzo 104 x 152 cm. Museo del Prado, Madrid. Colores suaves y armonizados, cierta elegancia, gracia y delicadeza. Composición
triangular y pincelada minuciosa.
La gallina ciega,1788. Óleo sobre lienzo, 269 x 350 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
El juego tradicional de la gallinita ciega.
La cometa, 1777. Óleo sobre lienzo, 269 x 285 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
Carnaval de Antequera. Vuestro profesor disfrazado de Bandolero siguiendo la moda de los personajes goyescos.
El pelele (1792). Óleo sobre lienzo, 267 x 160 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
El albañil herido, 1787. Óleo sobre lienzo, 268 x 110 cm. Museo Nacional
del Prado, Madrid.
Plasma el mundo
amable de la abundante cosecha y
los niños alegres. El Guadarrama al
fondo, la luz gaseosa y las figuras
desdibujadas por la distancia, se inspiran
en el arte velazqueño. En su
paleta el gris se convierte en un color
amable.
El otoño o la vendimia (1786-1787). Óleo sobre lienzo, 275 x 190 cm. Museo del Prado, Madrid.
El entierro de la sardina, 1812.
Óleo sobre tabla, 82,5 x 52 cm.
Real Academia de San Fernando, Madrid.
La plenitud de Goya abarcará todos los campos de la pintura y su diversidad de técnicas y temáticas. Ante las técnica se muestra siempre en actitud abierta: aprendiendo. Ante la temática, trata todos los temas: la retratística, la pintura social, la pintura religiosa, la mitología (poco frecuente en su tiempo), e incluso sus propios sentimientos.
► Aguafuerte: se cubre con barniz la plancha de cobre sobre la que se raya el dibujo con un buril. Luego se vierte ácido nítrico con agua (aguafuerte) que corroe las partes rayadas dejándolas rehundidas para que acumulen la tinta. Se quita el barniz, se entinta y se imprime. ► Aguatinta: Se usa sobre planchas previamente grabadas al aguafuerte y sirve para dar difuminados o sombras. Se trazan estas con un pincel mojado en una tinta especial (aguatinta) sobre la plancha cubierta con resina y se vierte el aguafuerte que corroe las zonas con aguatinta.
El pintor pleno
► A los 42 años Carlos IV le nombra pintor de Cámara, ahora, la pintura de Goya se pliega a los gustos de la aristocracia, sin embargo no olvida su procedencia popular. A partir de 1792 contrae una enfermedad que le provoca sordera, sordera que condicionará la evolución de su arte. La primera fase de la obra de Goya bien puede culminar con los aguafuertes de los caprichos (1799). La razón saca del inconsciente los monstruos generados por el prejuicio, el fanatismo, la superstición, la ignorancia. Goya trata de mostrar así la sociedad en la que vive, como testigo de ella. En su estilo pictórico, Goya apuesta por el Realismo, representando el mundo tal como es: • Es cronista de la sociedad a través de una abundantísima serie de retratos En general, los retratos buscan realzar el temperamento, los rasgos psicológicos y sociales del retratado. Selecciona de sus personajes aquellas facciones, gestos y vestidos que pueden mostrar actitudes y emociones. Esta visión espiritual es especialmente cruda cuado se trata de la realeza, también retrata a la nobleza, a ministros e intelectuales y artistas contemporáneos. Abunda el retrato de cuerpo entero y el de busto.
Carlos III, el cazador.1788. Óleo sobre lienzo, 211 x 127 cm. Col. Banco Exterior de España.
María Luisa en traje de corte, 1800. Óleo sobre lienzo, 204 x 125 cm. Museo Capodimonte, Nápoles.
La familia de Carlos IV (1800-1801). Óleo sobre lienzo, 280 x 336 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
Monarquía española en el siglo XVIII
Monarquía española en el siglo XXI
Los Reyes Borbones de España. Desde Felipe V hasta Juan Carlos I
MªLuisa de Parma Carlos IV de Borbón, Rey de España
Godoy, Primer Ministro de Carlos IV
Los duques de Osuna y sus hijos, 1788. Óleo
sobre lienzo.
Composición triangular, colores suaves e
idealización de los personajes en un
ambiente amable, lleno de gracia y lujo.
La condesa de Chinchón, 1800. Óleo sobre lienzo, 216 x 144 cm. Colecc. Duques de Sueca
Gaspar Melchor de Jovellanos, 1798. Óleo sobre lienzo, Museo Nacional del Prado,
Madrid.
Con pincelada suelta y colorista capta la
personalidad del retratado, delante de una mesa en su
despacho y con gesto desilusionado, destacando
sobre un fondo oscuro. Simboliza el fracaso de las
ideas ilustradas en la España de Carlos IV.
● En su retratística, merece un apartado especial el retrato femenino, ámbito en el que, quizá, Goya consigue sus notas más personales, el eterno encanto femenino tiene en él una extensa y exquisita galería de matices.
La duquesa de Alba
La Duquesa de Alba hoy La Duquesa de Alba en el S. XVIII –época de Goya-
María Cayetana de Silva, duquesa de Alba, 1795. Óleo sobre lienzo, 194 x 130 cm. Madrid, colección Alba.
Dedicado, firmado y fechado en el ángulo
inferior izquierdo, simulando escritura en
la arena.
María Teresa Cayetana de Silva, duquesa de Alba (detalle), 1795.
Madrid, colección Alba.
Maja desnuda y maja vestida, 1798 -1800.
Óleos,94,5 x189 cm. Museo del Prado, Madrid.
Las figuras rompen con la tradición
académica, destacan la
sensualidad, el colorido y la
pincelada suelta. No se trata de un tema mitológico, sino de una mujer
real que mira al espectador, lo cual
tampoco era habitual.
• Trabaja la temática política y social
La carga de los mamelucos, 1814. Óleo sobre tabla, 226 x 345 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
Los fusilamientos de la Moncloa, 1814. Óleo sobre lienzo, 266 x 345 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
Los fusilamientos de la Moncloa o Sucesos del 3 de mayo de 1808 en la montaña del Príncipe Pío de Madrid
(1814). Óleo sobre lienzo. 266 x 345 cm. Museo Nacional del
Prado, Madrid.
El tema es la historia como desastre, como expresión de la violencia. No debieron gustar porque permanecieron en los depósitos hasta 1872.
El 3 de mayo de 1808 recreado con playmobil El 3 de mayo en el Museo de Cera de Madrid
•LOS ÚLTIMOS AÑOS DE GOYA. Las pinturas de la Quinta del Sordo
•Expresa sus propios sentimientos Manifestación de este aspecto son las pinturas de su casa, la Quinta del Sordo, situada a orillas del Manzanares en las cercanías de Madrid: todo son fantasmas, porque vive con ellos y ésa es su gran realidad, la Serie Negra (son las expresionistas Pinturas negras, 1820-1823). Goya da rienda suelta a sus monstruos: violencia. Brujería, degradación… En sus muros pinta 14 composiciones, un mundo de temática chocante. Seres extraños, brujas, parcas, viejos, beatos, borrachos, seres mitológicos, hombres que se baten a palos. En esa finca se dedica a la pintura y al grabado y sus obras serán expresión de la fantasía más exaltada, del misterio, de la pesadilla. En este sentido, no es extraño: - Que Goya vea al hombre transformarse en un monstruo, puesto que vive en un mundo dominado por fuerzas irracionales, por la decadencia de la razón, por la destrucción del hombre mismo. - Que Goya desarrolle imágenes terroríficas, metáforas de la condición humana. - Que nos muestre un arte con tremendo fondo de amargura (brujas desdentadas, machos cabríos, viejas, rostros de ambición y locura) y pesimismo.
Pinturas Negras, Goya trabaja al óleo sobre yeso: Las parcas, Duelo a garrotazos, Hombres leyendo, Paseo del Santo Oficio, La Leocadia, El gran cabrón, Saturno, Judith y Holofernes, Dos viejos, Dos viejos comiendo sopas, Dos jóvenes burlándose de un hombre. Muchas de las figuras negras parece que tienen su inspiración en la mente del pintor tras visitar manicomios, cementerios y hospitales de apestados. Es un alegato en contra de la Humanidad, la Historia, la Razón…
Lucha a garrotazos (1820-1821). Óleo sobre muro, trasladado a lienzo, 123 x 266 cm. Museo nacional del Prado, Madrid.
La elección del tema deviene simbólica y monumental: en el silencio y profundo anfiteatro de las sierras, los dos hombres libran una lucha feroz y ritual y se golpean con indiferencia, impulsados por un mecanismo ancestral de destrucción recíproca.
El aquelarre, 1820-1823. Óleo sobre yeso. 140 x 438 cm. Museo del Prado, Madrid.
El 27 de febrero de 1819, Goya compraba por 60000 reales una casa a orillas del Manzanares, cuyas habitaciones decorará al fresco con enigmáticas y personales Pinturas negras, El aquelarre presidía el comedor y representa una maléfica reunión de brujas, convocada por su amante Satán, bajo la apariencia de un macho cabrío. En 1873 fueron pasadas a lienzo, y en 1881 ingresaban en el Museo Nacional del Prado.
Dos viejos comiendo sopa (1820-1823). Óleo sobre muro. 144 x 66 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.
Alucinante deformación de la figura humana para expresar la esencia de la vejez: decrepitud, pobreza y soledad.
Saturno devorando a un hijo, 1820-1823. Óleo sobre pared,
trasladado a lienzo, 146 x 83 cm. Museo Nacional del Prado,
Madrid.
De una enorme intensidad expresiva con pincelada abocetada a base de manchas de color, estaba en la sala de la planta baja de la “Quinta del sordo” y representa al dios como símbolo de carácter tenebroso y de las fuerzas de la destrucción. Destaca el fondo oscuro que realza la figura de Saturno.
Saturno devorando a un hijo, detalle.
Es evidente que a Goya le preocupaba el poder de difusión de la estampa, muy superior al de la pintura. La crítica y la regeneración moral que sus amigos ilustrados defendían y propugnaban podía, de esta manera, llegar a círculos más amplios. Los desastres y los Disparates fueron censurados por el absolutismo de Fernando VII, no así la Tauromaquia, que se convirtió en el exponente de los valores tradicionales de la fiesta. ► LOS CAPRICHOS Goya inicia los trabajos en estos grabados tras contraer su enfermedad en 1792. Se compone de 80 láminas cuyos dibujos tienen como denominador común la crítica social en clave de humor. En ellos podemos encontrar un mundo de brujas, prostitutas, alcahuetas, ladrones , asesinos, duendes, frailes, diablos… Goya pinta La censura de los errores y los vicios humanos. Los títulos se inspiran en el refranero español.
Autorretrato, estampa nº 1.
El sueño de la razón produce monstruos (1797-1799). Estampa nº
43. Museo del Prado, Madrid.
Están calientes Volaverunt
En los grabados la técnica revolucionaria se une a la sensibilidad social de Goya y a la crítica mordaz de sus comentarios literarios.
► LOS DESASTRES Tras la invasión francesa de 1808, Goya realiza otra serie de grabados conocidos con el nombre de Desastres de la guerra: 82 estampas hechas en aguafuerte y aguatinta. Serán dibujos y grabados que tardarán mucho en salir a la luz pública (1863). Sin duda, los Desastres son la representación social más cruel y fuerte de la Guerra de la Independencia: ahorcados, empalados, apaleados, ajusticiados, degollados, fusilados, mutilados, hombres y mujeres que atacan o se defienden; soldados, guerrilleros, carretas cargadas de muertos…, y las consecuencias de la misma: para eso habéis nacido, enterrar y callar. El artista se siente obligado a dar testimonio de la tragedia colectiva y representa, no su vertiente heroica, sino su incidencia sobre el pueblo, agobiado por el hambre, el temor y la muerte. Los desastres recoge las espantosas impresiones de la contienda: la crueldad, el horror y el desgarro; reprobando la crueldad de ambos bandos. Muestra estos hechos con absoluta crudeza, sin presentar fondos que pudiesen desviar la mirada del espectador. Goya presenta lo que ojo humano ve: quiere incorporarnos a la escena como si llegáramos a ese lugar, pero no para sentarnos a contemplar el espectáculo, sino que nos pide una respuesta. Esta serie de los Desastres será culminada en 1814 con dos cuadros que ya conocemos: La carga de los mamelucos y Los fusilamientos.
Empalados Ahorcados
► LA TAUROMAQUIA Es una serie de grabados (33/40) creada en 1816, mitad narración siguiendo la línea de Moratín (algunas estampas son quizá ilustraciones para un libro suyo), mitad testimonio histórico; o quizá no sea otra cosa que el “homenaje” del ya viejo pintor a su enorme afición por el mundo de los toros, del que nos transmite su ambiente festivo, tenso y trágico. Aquí lleva a cabo estudios de movimientos y fuerza.
Ligereza y atrevimiento de Juanito Apiñani en la plaza de toros de Madrid (1814-1816). Estampa nº 20, Círculo de Bellas Artes, Madrid.
● Tras el fin del Trienio Liberal Goya marchó a Francia en 1824 y se estableció en Burdeos. Allí pintó sus últimas obras, donde retrató la gente y la vida sórdida y miserable de su entorno, hasta su muerte en 1828. Estos cuadros están pintados con una pincelada amplia y libre, suelta y abocetada, rápida y escueta, de claro matiz contemporáneo. Destaca la lechera de Burdeos. En sus últimos años empleó la nueva técnica de la litografía en una serie de estampas titulada Los toros de Burdeos.
► Litografía: consiste en dibujar con un lápiz graso o tinta litográfica sobre una plancha de piedra calcárea. Se baña la plancha con ácido que corroe las partes no engrasadas y deja el dibujo en relieve, se entinta y se imprime.
La lechera de Burdeos (1827). Óleo sobre lienzo. 74 x 68 cm. Museo del Prado, Madrid.
De alegre cromatismo e interesantísima por su
técnica suelta, casi impresionista y su claro
colorido. Se ha considerado como
antecedente del Impresionismo porque
Goya utilizó el retrato de la lechera como soporte de luz, plasmando con
pincelada suelta y manchas de color los valores atmosféricos.
2. 6. INFLUENCIA POSTERIOR DE GOYA
A pesar de que en la obra de Goya encontramos vestigios velazqueños e influencia de los dibujos y grabados de Durero y Rembrandt supone una innovación y una ruptura con la tradición, porque se atreve a crear su propio mundo, llegando a prescindir, si la situación lo requiere, de la apariencia visible, y a considerar la pintura como arte de testimonio y transformación más que de representación.
Goya rechaza el dibujo del Neoclásico frente al color y al movimiento. Y es esto precisamente lo que le lega al arte posterior: Romanticismo.
Con la descripción cruda de la realidad – como denuncia - influirá notablemente en el Realismo.
Con la técnica de las “manchas sueltas” influirá decididamente en los impresionistas.
Los expresionistas evocan el mundo de las pinturas negras al tratar de no separar arte y vida, al intentar plasmar el dolor y el miedo, el mundo interior de seres turbados, pero elevándolos de categoría, prescindiendo de representación concreta.
Cuando los surrealistas se afanan en expresar el mundo de los sueños incorporando a su pintura las técnicas del psicoanálisis, no “inventan” un arte nuevo, sino que continúan una tendencia que se ha mantenido en el arte pictórico desde el Bosco hasta Goya. Los elementos de crítica, de simbolismo y de visión interior del mundo son los mismos: las experiencias de la guerra, los monstruos, lo fantástico, lo extraño y perturbador, las alusiones al tiempo y a la muerte…
En general la pintura de los siglos XIX y XX, con todas sus escuelas y tendencias, tiene en Goya su fuente de inspiración, en temas, técnica, estilo, compromiso y concepción del mundo. Y sobre todo, porque hace entrar de modo definitivo en el mundo del arte la libertad de plasmar sus visiones teniendo siempre como fuente de inspiración al hombre y a la naturaleza.
Las aportaciones de Goya al arte contemporáneo son: la mancha pictórica, el uso libre del color, el dibujo rápido, la variedad técnica
y temática y la libertad creativa.
