fotografia

Teoría y práctica de la Fotografía (2009-2010) 1

Teoría y práctica de la Fotografía

Primer Cuatrimestre 09-10

… todo es mentira…

La misma realidad se puede fotografiar de mil formas distintas.

Programa en fotocopiadora

Contenidos:

1er bloque: fotografía y comunicación

2º bloque: fotografía como arte

Bloque práctico: manejo de la cámara (cosas muy básicas)

[email protected]

Evaluación:

Hay que venir a clase, aunque no se pasa lista.

1er tipo de trabajo: teórico, lecturas. Hay 5 en total, en plan teórico.

2º tipo de trabajo: tbjo de investigación sobre la fotografía.

3er tipo de trabajo: el uso de un tipo de fotografías en la sociedad – Abuelos en la sociedad.

Examen el último día de clase: elaboración de un texto a partir de una imagen o unas

preguntas.

Tbjo práctico: retratos, fotos de bodegón.

Entregar un número de fotos de retratos y de bodegones.

Reportaje en la calle con tiempo y entregas periódicas (10/20 fotos)

Tutorías 12-15 martes

Despacho de bellas artes Viernes 12-15


La representación fotográfica

La fotografía conlleva una labor, una intención, más allá del azar.

- Técnicas y recursos en la representación fotográfica

Lenguaje visual: son los elementos sencillos que, no apareciendo en la imagen, conforman

una estructura y son los que transmiten el significado de la imagen.

· Líneas:

Una imagen fotográfica está estructurada sobre un entramado de líneas visibles e invisibles

que unifican la composición y le confieren equilibrio.

Estas líneas colaboran en conferir diferentes sensaciones según sean sus configuraciones.

Las líneas pueden verse expresamente o intuirse implícitamente en la foto. Pueden ser tanto

horizontales y verticales como diagonales.

La línea horizontal puede dar sensación de ahogo o de tranquilidad, dependiendo de los

elementos que queden por encima o por debajo.

Más allá de la representación estética, se puede expresar una ideología. También para ello

sirven las líneas.

· Las Formas:

Hablamos de formas como elementos que conforman e interpretan la fotografía. La forma no

es más que la apariencia externa de las cosas, cuya identificación, a través de la imagen fijada

con la cámara

Por ejemplo, la foto del tío con las mariposas. Toda la simetría de las cajas de mariposas

transmite una sensación respecto al personaje, que es un matemático muy metódico y

ordenado.


· La Textura:

Es un elemento clave para la construcción de superficies y planos. Es importante para

determinar la profundidad de la imagen.

Ayuda a percibir la realidad de la creación. El grano ayuda a interiorizar la veracidad. Los

elementos que definen la textura son:

- el enfoque

- la sensibilidad de la película

· La Luz:

Es fundamental para definir la morfología del texto visual.

Sebastião Salgado es un fotógrafo que juega mucho con la luz.

Robert Frank tiene la foto del autobús. El contraluz supone contundencia, fuerza.

La luz suave, homogénea, transmite tranquilidad, calidez.

Manuel Navarro Forceda: es el ganador del premio “Caminos de hierro” en 2002. Usando la

luz consigue aportar la contundencia y la rapidez de las vías del tren. Continúa las escaleras

mecánicas con la luz.

En la peli “Macbeth”, de Orson Welles, el director de fotografía usa el contraluz para no

enseñar la cara de las brujas y así lograr dar susto y aportar el dramatismo que merece la

escena.

La foto del perfil de Fidel castro iconiza al personaje.

· El Contraste:

Se refiere a la diferencia de niveles de iluminación entre las sombras y las luces. Nos referimos

en este contexto a la diferencia entre el blanco más blanco y el negro más negro.

Al subir el contraste y perder los grises se pierde la definición. La DENSIDAD es la gama de

grises.

--Ver peli: “El séptimo sello”, de Ingmar Bergman. Gunnar Fischer es el director de

fotografía. Hay una escena en la que se pierde la densidad (gama de grises) y aumenta el

contraste.

El aumento de contraste elimina grados de realidad, pero aporta fuerza y crudeza.

A la vez el contraste aporta elegancia.


· El Color:

Las propiedades del color son muy útiles, porque atraen la atención hacia la dirección que

deseamos de la fotografía.

Es un elemento que puede transmitir fuerza, crudeza, tranquilidad… pueden dar seguridad,

elegancia.

Depende de cada cultura la interpretación del sentido de cada color, pero es la saturación lo

que determina lo objetivo del color.

Al bajar la saturación se consigue aportar realidad y crudeza a la imagen.

En cada momento del día la temperatura de color cambia. A cada temperatura de color le

corresponde un color concreto.

· Composición:

Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad,

de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado

· La Perspectiva:

Es aportar sensación de tridimensionalidad o dejar plana la imagen, de forma que transmita

sensaciones.

· El Ritmo:

Dentro de la composición es la repetición de elementos gráficos que, a través de un conjunto y

juego de volúmenes, conforman una imagen armoniosa.

Conjuntamente con las líneas, da sensación de infinitud.

Los elementos que alteran el ritmo son fundamentales en fotografía. Se conocen como “grito

visual”, cuando hay algo inesperado que rompe la repetición en la imagen.

· La Proporción:

Concepto compositivo que alude a la relación entre sujeto y objeto representado y el propio

espacio de la representación.


· El Equilibrio:

Equilibrar los elementos que componen la imagen y distribuir sus pesos.

· Situaciones compositivas:

Recursos que estabilizan y sustentan la imagen fotográfica.

Las composiciones clásicas son las que atienden a formas geométricas básicas. Son las que se

extraen directamente de la pintura tradicional.

Foto bomberos con aceite en los pectorales: recuerda a un rectángulo.

Foto terrorista con fusil escultura virgen con niño: ambas recuerdan a un triángulo.

· Regla de los tercios: Es la regla básica, heredada de la “sección áurea” de los griegos. Se

trata de dividir el espacio rectangular en 3 bandas iguales, tanto horizontal como

verticalmente. Los puntos de intersección son los puntos fuertes del encuadre.

Leyenda: el nacimiento de la plástica

Una chica enamorada de un soldado que tiene que ir a la guerra. Ella pinta el contorno de la

sombra de él, proyectada en la pared, y cuando él muere en la guerra ella adora a la pintura.

Historia de la fotografía

En el siglo XVII-XVIII el ser humano seguía teniendo la necesidad de mantener la

representación de algo que perdure. Las siluetas se pusieron muy de moda en ese tiempo, ya

que era una manera fácil y económica de mantener el recuerdo de algún familiar.

En 1802, Thomas Wedgwood hizo un papel sensible a la luz impregnándolo con nitrato de

plata con la intención de crear siluetas por superposición.


En esos papeles pone hojas para que queden fijadas. Al principio no consigue fijar la imagen y

ésta se iba con el tiempo.

JFW Herschel consiguió fijar las imágenes a través de una solución salina aplicada a los

papeles.

Antes de esto ya se conocía el principio de la cámara oscura. Ya en el siglo XIV se usaban

cámaras oscuras para trasladar la realidad tridimensional a bidimensional. Con esto se

conseguía la sensación de perspectiva.

La primera fotografía se consigue uniendo la cámara oscura al papel fotosensible, y esto se lo

inventa Nicéphore Nièpce. Eran 2 hermanos, químicos ellos, interesados en el tema. El otro

hermano murió, y Nicéphore siguió su investigación.

Conoció a Daguerre, un escenógrafo caradura que se queda con la información y las

investigaciones de Nièpce cuando éste muere. En 1833 presentó el primer aparato, al que

llamó Daguerrotipo.

De forma paralela, en Inglaterra, William Henry Fox Talbot y sin contacto alguno con Francia,

también consigue plasmar imágenes de hojas en papel emulsionado con material fotosensible.

Las llamó imágenes fotogénicas.

Al incorporar la cámara oscura consigue imágenes en negativo. Es el que inventó la fotografía

tal y como la conocemos. Era el Calotipo. El Daguerrotipo no tenía la posibilidad de

reproducirse. El Calotipo sí.

Hippolyte Bayard, sin contacto con Talbot, inventa algo parecido unos años antes, pero los

franceses estaban locos perdíos con el Daguerrotipo y no le hacen caso. Por ello hace una

simulación de su muerte, haciéndose una foto como si estuviera muerto y escribe un mensaje

de protesta detrás de las copias, encabronao por no haber sido reconocido en su país.

Hercules Florence era un farmacéutico que ideó un proceso para copiar sus recetas y sus

cosas, y lo autodenominó como “fotografía”.

George Eastman inventó en 1888 la forma de revelado como existe hoy en día, y a la vez

presenta una cámara de fácil manejo por la gente.

En 1861 se consigue lo que se conoce como la primera fotografía en color de la historia,

aunque no es una foto realmente.

En 1903 se saca la 1ª fotografía en color mediante un sistema llamado “autochrome” e

inventado por los Lumiere. Era un sistema de emulsión mediante almidón de patata.


Tipos de Cámara:

Gran Formato, Medio Formato y Pequeño Formato.

Gran Formato: usa una placa trasera grande. Esto se llama plano frontal. Usa negativos

grandes. Son de una sola placa.

Medio Formato: son más pequeñas, con negativos intermedios y usan rollo de película,

en vez de placa única.

Pequeño Formato: son las más ligeras, de paso universal (35 mm).

Visor Directo o Réflex

Visor Directo: Una cosa es la que ve el ojo y otra es la que ve el objetivo. La diferencia se

llama Error de Paralaje. Se soluciona construyendo las cámaras Réflex.

Réflex: con un sistema de Pentaprisma se usa un espejo para ver lo que realmente entra por

el objetivo.

El Plano focal es donde está la película o el sensor; es donde se proyecta la realidad.

El Obturador es una ventana que abre y cierra para dejar pasar la luz. Todas las cámaras réflex

tienen un regulador de la velocidad de obturación para controlar el tiempo que se tira el

obturador abierto.

El Diafragma está al fondo del objetivo, y se regula su apertura con un anillo marcado con una

numeración. Son números f (2’8, 3’5, 5’6, 8, 11, 16, 22, 32…), cuanto mayor es el número f, la

apertura es MENOR.

La numeración ft o m indica la distancia a la que estamos enfocando.

La distancia focal es la distancia entre el plano focal y el objetivo. Hay 3 tipos básicos de

objetivos:


· Objetivo de Distancia Focal corta (Gran Angular): son ángulos de visión muy amplios. Gran

campo de visión. 0-28 mm

· Objetivo de Distancia Focal media: es el estándar para los 35 mm de paso universal,

comparable a la visión humana. 30-50 mm

· Objetivo de Distancia Focal larga (Teleobjetivo): 50-∞ mm

Como alternativa existen los ZOOMs, objetivos de distancia focal variable.

Cuanta mayor apertura tenga un objetivo, mejor calidad va a dar el mismo. La luminosidad es

muy importante.

La sensibilidad es muy importante también. Viene marcada por una medida, a través de una

norma internacional ISO (antiguamente se usaba la norma ASA, americana, o la DIN, alemana).

Es importante saber la sensibilidad a la hora de trabajar con material fotosensible, ya sea

película o sensor.

Baja: 25, 50

Sensibilidad Media: 100, 200, 400

Alta: 800, 1600, 3200

Cuanta mayor sea la sensibilidad, menos luz hará falta para registrar la luz del exterior. Se

debe regular manualmente con cada carrete. En digital se puede regular en cualquier

momento.

Es importante saber la sensibilidad que vamos a usar a la hora de regular la exposición. Existe

una función que es el compensador de exposición.

|____|____|____|____|

-2 -1 0 +1 +2

Se usa para regular pasos intermedios del diafragma, cuando no queremos que sea

exactamente un número f concreto.


Velocidad de Obturación

Escala:

B 1,2 4,8 15 30 60 125 250 500 1000 2000 …

En la mayoría de las cámaras viene un número marcado en rojo, y es el número que aconseja

el fabricante para usar con FLASH.

Para echar una foto hace falta tener en cuenta tanto la sensibilidad como el diafragma y la

obturación.

Una velocidad de obturación inferior o igual a 60 puede provocar que la foto salga borrosa. A

partir de 125 no hay problema.

Una vez conocida la sensibilidad y la obturación, debemos calcular el diafragma. Las cámaras

tienen un elemento llamado FOTÓMETRO, que funciona pulsando levemente el disparador, sin

llegar a disparar del todo. Mediante un display nos indica si la selección de diafragma es

adecuada o no, diciendo si hay que subir o bajar el número f.

Tantas veces como disminuyamos el tiempo de obturación hay que aumentar el diafragma, y

al revés: tanto como disminuyamos el diafragma hay que aumentar la velocidad de

obturación.

Sin embargo, según la configuración que usemos, la misma foto saldrá distinta en cada caso.

Cuando el objeto que queremos retratar está en movimiento hay que bajar lo más posible la

velocidad de obturación.

· Barrido: acompañar el movimiento del objeto con velocidad de obturación alta (>1/1000)

· Flash estroboscópico: se mantiene el obturador abierto y se ilumina de forma discontinua

algo que está en movimiento.

Ansel Adams es un fotógrafo muy importante que propone el “sistema de zonas”. [Wikipedia:

El Sistema de Zonas proporciona al fotógrafo un método sistemático para definir con

precisión la relación entre la manera en la que ve el sujeto fotográfico y el resultado que

alcanzará el trabajo. En cierta forma, el Sistema de Zonas juega el mismo papel que la gestión

del color para los fotógrafos digitales. Permite una correlación directa entre el mundo visual y

la copia fotográfica final.]


Con velocidades muy bajas se consigue mucha definición y una textura en plan romántico,

ideal para fondos de escritorio.

· Fotos de noche con la luz de las estrellas: obturador abierto toda la noche y registra todo

el recorrido de las estrellas en el cielo.

PROFUNDIDAD DE CAMPO

Es la distancia comprendida entre los puntos del tema a fotografiar más próximos o más

alejados a la cámara que pueden ser reproducidos en la película con un enfoque aceptable.

Factores que intervienen:

- Distancia de enfoque: cuanto más cerca esté el objeto, menor es la profundidad de campo.

- Distancia focal: cuanto mayor sea la distancia focal del objetivo (teleobjetivos), menor

será la profundidad de campo.

- Diafragma: cuanta mayor sea la apertura de diafragma (nº f bajo), menor será la

profundidad de campo.

Con objetivos de poca distancia focal, la nitidez y la saturación es mayor. Según aumentamos

la distancia focal se aumenta el grano, se pierde nitidez y la saturación se va a la mierda.

La sensibilidad de los negativos o el digital también repercuten en la saturación y la nitidez. A

mayor sensibilidad se produce una pérdida de saturación y nitidez y un aumento del grano

(ya sea película o digital –pixelado-).


(Revelado:

Hay 3 procesos:

1- coges la película, las partículas a las que ha dado la luz se ennegrecen, y a las que no les

ha dado se dejan tal cual.

2- se eliminan las partículas a las que no ha dado la luz, y la parte de aquellas a las que ha

dado poca luz.

3- tenemos un negativo con partes oscuras y transparentes que luego se van a positivar.

Fotografía Digital

Fundamentos

La fotografía digital es una herramienta que nos ofrece un cambio ontológico, una nueva

forma de entender la fotografía. Pasamos de un soporte físico (película) a un soporte digital –

léase digital- (informático, electrónico).

A través del CCD se captan las imágenes y se almacenan en una memoria (tarjeta) y luego se

usa un ordenador para visualizarlas.

A través de la digitalización se puede pasar de analógico a digital (se puede pasar de negativo

a PC o de foto en papel a PC).

En una cámara analógica hay que cuidar de los negativos, mimarlos y protegerlos. A través de

la imagen digital conseguimos que no exista un soporte físico (aunque haya cámara o tarjeta,

no es realmente físico, son ceros y unos que se interpretan en el LCD de la cámara o en el PC).

La imagen digital se construye mediante unidades mínimas de información: píxeles.

La fotografía digital lo que hace es nombrar cada puntito (cada píxel) con un código binario,

que es el lenguaje informático.

Hay 4 conceptos relacionados con el píxel:

· Resolución:

Es la relación entre el píxel de una imagen y una medida real, que generalmente es la pulgada

(píxeles por pulgada: ppi o ppp). Cuanto mayor es la resolución hay más píxeles y éstos son

más pequeños. El píxel no tiene una medida propia, objetiva. El píxel es abstracto, es un


concepto sin medida, sin dimensión ni aplicación real. Dos fotos pueden tener la misma

resolución, pero distinto tamaño real.

La resolución tiene que ver con la definición de la foto.

La interpretación de la resolución es la cantidad de píxeles que existen en una pulgada.

Imaginemos un cuadrado con una pulgada de lado (es decir, 1x1 pulgada). La resolución la

dará el número de píxeles que tenga cada lado. Así, una imagen cuya resolución sea de 3

píxeles por pulgada, tendrá en total 9 píxeles (3x3 píxeles).

Ejemplos de resolución:

- PC o monitor: 72 ppp

- Impresión: 150/200 ppp

- Impresión profesional de alta calidad: 300 ppp. Por ejemplo para pósters, carteles, portada

de un libro, etc.

- Dibujo lineal en blanco y negro: 600 ppp

En una foto de 1x1 pixeles se mezclan todos los parámetros (color, luz, grises…). Es algo

uniforme.

En una de 2x2 píxeles se empiezan a apreciar algunos cambios de color, por la media que hace

de ellos.

A medida que vamos aumentando la resolución de una imagen se van apreciando los detalles,

se aumenta la información.

En una imagen de 512x512 píxeles se iluminan unos 262000 píxeles, por lo que la calidad

empieza a ser apreciable y no se distinguen los cuadritos por separado.

Cuantos más píxeles tiene una imagen, mayor nitidez y definición va a tener.

Cuanto más se aumente la imagen (el tamaño real, en cm.) más se aumenta el tamaño del píxel

(porque la resolución es la misma), y más se van notando los píxeles por separado.


· Profundidad de bits

Mide los valores posibles que puede tener cada uno de los píxeles que forman la imagen.

A mayor profundidad de bits (más bits de información por cada píxel), la imagen tiene más

colores disponibles y puede representar su color de forma más precisa.

A mayor profundidad de bits, mayor será el tamaño del archivo de la imagen.

Pensemos en B&N: en analógico, del negro al blanco, existe un número infinito de grises.

Según ampliemos una foto analógica, se va ampliando esa gama de grises en un continuo,

como que se difumina.

En digital es necesario nombrar cada uno de esos tipos de grises, lo que implica aumentar el

tamaño de la foto según sea mayor esa gama de grises. Sin embargo, se considera que el ojo

humano distingue unos 256 tipos de grises, así que en digital se nombran sólo esos 256 grises.

Pensemos ahora en binario. Informáticamente, 1 bit significa que cada palabra se compone de

1 solo número: 0, 1. En una fotografía con 1 bit de profundidad, consideramos que el 0 es

negro y el 1 es blanco. Por lo tanto, una foto digital de 1 bit sólo sería capaz de registrar blanco

y negro, sin grises intermedios.

0 1

A medida que aumentamos la profundidad de bits, vamos aumentando la cantidad de grises

intermedios entre el negro y el blanco.

Por ejemplo, con 3 bits de profundidad, cada palabra tendría 3 cifras (que sólo pueden ser 0 y

1), por lo que el resultado en número de grises (incluyendo blanco y negro) sería 23 (2·2·2=8):

000 001 010 011 100 101 110 111

Así, para llegar a 256 tipos de grises tenemos que usar una profundidad de bits de 8bits:

28= 2·2·2·2·2·2·2·2= 256

Para una imagen de 10x10 píxeles, donde cada píxel tiene una profundidad de 8bits (cada

píxel ocupa 8 bits), calculamos que en total tiene 800 bits de información.


En informática, la unidad de medida siguiente al bit es el byte, compuesto de 8 bits:

1 byte (B) = 8 bits

1 kilobyte (KB) = 1024 B = 1024·8 bits

1 megabyte (MB) = 1024 KB = 1024 · 1024 · 8 bits

1 gigabyte (GB) = 1024 MB = 1024 · 1024 · 1024 · 8 bits

Por lo que, para 100 píxeles, que en total pesan 800 bits, su expresión informática son 100

bytes.

B/N = 1 bit / píxel

Escala de grises = 8 bits / píxel

Color de alta densidad = 16 bits / píxel

Color Verdadero RGB (colores primarios) = 24 bits / píxel

Color CMYK (colores secundarios) alta calidad = 32 bits /

píxel

Cogemos el color verdadero, que se compone de los colores primarios Rojo (R), Verde (G) y

Azul (B). Si le aplicamos un valor a cada tono de color de 8 bits cada uno, tenemos 256 tipos

de rojo, 256 tipos de verde y 256 tipos de azul. 8 bits·3gamas de color = 24 bits. En definitiva,

tenemos que para el color verdadero tenemos 224 bits, por lo que podemos reproducir casi 17

millones de colores distintos.

Sistema aditivo: RGB. Añadiendo Rojo Azul y Verde obtenemos el blanco.

Sistema sustractivo: CMYK. Para obtener el blanco no añadimos, sino que sustraemos color.

Sistema LAB: es un sistema muy profesional en el que no se modifica el color al cambiar la

luminosidad.


· Profundidad de color

La Fotografía Digital de Alta Calidad libro sobre foto digital que el profesor considera el

mejor del mundo mundial. Es caro del carajo. El autor es José María Mellado.

Medidas y formatos de la imagen fotográfica digital

Me remito a lo que sale en la tabla de más arriba:

1 byte= 8 bits

1 Kb = 1024 bytes

1 Mb = 1024 Kbytes

1 Gb = 1024 Mbytes

1 Tb = 1024 Gbytes

1 Petabyte = 1024 Terabytes

1 Hexabyte = 1024

Petabytes

and so on…

· Dimensión

Por ejemplo, una imagen RGB de 690x528 píxeles, y una resolución de 300 píxeles / pulgada,

proporciona un cálculo de:

Tamaño real = 24cm x 18cm

690x518px=357.420 px

357.420x24bits=8.578.080 bits

Remuestreo

El remuestreo consiste en alterar la cantidad de datos de imagen al cambiar las dimensiones

en px o la resolución de la imagen.

Al disminuir la resolución (nº de px), se borra información de la imagen. Si aumenta la

resolución (más cantidad de px), se añaden nuevos píxeles.

Interpolación

Es el proceso por el cual el PC se inventa los píxeles que faltan al ampliar la imagen en el

remuestreo. Cuando remuestreamos en un programa de edición de imagen (como PhotoShop),


podemos hacerlo en base a diversos tipos de interpolación. Reinterpreta la realidad según los

criterios que le indiquemos.

El método más rápido es que los píxeles nuevos cogen información de los píxeles contiguos y

se comportan en relación a esa información.

La interpolación es la base de la fotografía digital, ya que las cámaras usan este sistema para

interpretar y plasmar la realidad. Siempre deben calcular los cambios entre cada parte de la

imagen.

Redimensionado

Al desactivar la opción de remuestrear imagen, estamos bloqueando el número de píxeles en

la imagen. Al no cambiar la cantidad de información (tiene el mismo número de px) la imagen

pesa lo mismo (si antes pesaba 1Mb, aunque cambiemos el tamaño en cm, al existir el mismo

número de píxeles, después pesará 1Mb igualmente… la foto será una mierda, pero cabrá en

un email).

La Cámara Digital

Respecto al analógico, la principal distinción de las cámaras digitales es que hay una

grandísima variedad en el mercado.

Las cámaras digitales almacenan las fotografías en tarjetas de memoria de distintos tipos

(cantidad de almacenamiento, velocidad, etc). Es muy importante usar una tarjeta adecuada

en cada caso, pues el peso de cada foto determina el tiempo que tarda la cámara en

almacenarla en la tarjeta. Si la tarjeta tiene una tasa de transferencia baja, tardará mucho en

guardar fotos pesadas, por lo que dependiendo de la situación en la que estemos puede

darnos igual o darnos mucho por culo.

Enfoque

Enfocar es dejar nítido aquello que está a una distancia concreta.

Hay dos tipos en las cámaras digitales:

- Enfoque automático: a través de unos sensores es la cámara la que decide qué enfocar. No es

algo que nosotros podamos controlar a voluntad. Cuando nos acercamos a los objetos, cuando

hay muchos elementos en el encuadre, cuando las condiciones de luz en todo el campo no son


homogéneas… en estas ocasiones el enfoque automático es fatal. Normalmente tiende a

enfocar el primer término.

Sin embargo hay algunas cámaras que permiten controlar mínimamente el enfoque

automático a través de parámetros del menú.

- Enfoque manual

Medición de la luz

- Luz incidente: en el que mide la luz que incide sobre el área de interés. Se mide con un

fotómetro externo. Es la más adecuada, pues es la forma más acertada de medir la luz.

- Luz reflejada: es el que se mide la luz que refleja el área de interés. Es el método que utilizan

los fotómetros internos de las cámaras de fotos. La cámara mide la luz que desprende el

objeto. A través del disparador, pulsándolo levemente sin llegar a disparar, se activa la lectura

de la luz reflejada.

> Normalmente medir la luz reflejada no es lo adecuado, pues no puede saber lo que nosotros

queremos.

El sistema de medición de luz de las cámaras se llama TTL (through the lens), y se basa en

distribuir una serie de zonas de sensibilidad y va leyendo los distintos puntos de luz que

existen.

Hay 3 tipos de medición de luz en las cámaras:

- Medición Evaluativa: va a permitir una gran cantidad de las zonas que existen en el

encuadre. Ideal para fotos de paisajes o cosas así.

- Medición Evaluativa Parcial: se centra en algunas zonas concretas dejando otras al margen.

Es muy útil por ejemplo para retratos y fotos en las que un objeto destaca sobre el resto.

- Medición Central Puntual: es mucho más concreta que la parcial. Ideal para retratos, fotos de

detalle, contraluces…

Balance de Blancos

Es clave y fundamental para entender la fotografía digital. Es el proceso por el cual la cámara

sabe cuál es el color blanco puro respecto a la temperatura de color que hay en la situación en

que nos encontremos. Electrónicamente y de forma automática recalcula el resto de colores y

las dominantes en base a este dato.


El concepto de balance de blancos está directamente relacionado con la temperatura de color.

Temperatura de Color

Es el método usado para cuantificar el color de

la luz. Se expresa en Kelvins (K). Cada

condición de luz tiene una dominante de color.

El balance de blancos tarda un tiempo muy

corto (pero un tiempo al fin y al cabo) en

calcular la dominante y recalcular los colores.

En analógico es un coñazo, porque el ajuste se

tiene que hacer manualmente usando filtros

concretos o negativos adaptados a las

condiciones en las que vayamos a trabajar.

En digital todo esto se hace electrónicamente.

El parámetro de las cámaras que nos permite

ajustar esto es el AWB (automatic white

balance).

Las cámaras digitales tienen varias opciones preestablecidas para poder elegir el balance de

blancos:


El automático a veces es suficiente, pero hay ocasiones que no basta para calcular el tipo de

luz que tenemos. Ahí es donde tenemos que elegir el tipo de balance de blancos adecuado a

cada tipo de luz, incluso teniendo en cuenta si queremos conseguir algún tipo de efecto chulo.

Zoom Óptico / Zoom Digital

Las cámaras digitales suelen incluir un zoom digital (que NO tienen las cámaras analógicas y

tampoco la mayoría de cámaras réflex, sólo las compactas y algunas semiréflex).

El zoom óptico no es una ampliación real de la imagen. Lo hace por interpolación, de una

forma informática como podríamos hacerlo desde un programa de edición fotográfica. El

zoom digital es una mierda, porque exactamente lo mismo podemos hacerlo en un Photoshop

o un Gimp de forma más tranquila y con más calidad.

Sensores

La cámara digital no tiene película, no hay un soporte químico donde incida la luz. Sin

embargo sigue teniendo unos dispositivos en los que se registra la realidad. Pueden ser de

dos tipos:

- Lineal: es un cacharro plano normalmente utilizado por escáners y cosas así.

- Matricial: es una matriz compuesta de una serie de sensores que actúan electrónicamente. El

más extendido es el CCD.

CCD

Es un fotodiodo que a través de la reacción con la luz envía datos electrónicos relativos a esa

reacción.

El CCD está compuesto por una serie de celdillas que tienen unos filtros que hacen posible

ajustar la visión del CCD a la visión humana. El ser humano es incapaz de ver ciertos colores

(por encima del violeta y por debajo del rojo), pero el CCD sí sería capaz de corresponderlos.

Cada 4 celdillas, hay filtros que se distribuyen en: 1 rojo + 1 azul + 2 verdes. El motivo de esto

es que el ser humano es especialmente sensible al color verde dentro de la luz.

- Matriz Bayer de filtros de color: es un tipo de filtros de tantos.


Tamaño de la Imagen

Es ajustable en los menús de las cámaras. El tamaño máximo viene a ser la

Hay que tener en cuenta que el tamaño y la resolución vienen relacionados. Por ejemplo, en

una cámara que dé 8 Megapíxeles, la matriz será de unos 4000x2000 píxeles, lo que

determina el tamaño final en cm de la foto y la resolución que va a tener (recordemos que no

es lo mismo resolución que tamaño).

Corresponde al potencial de uso de la cámara de los píxeles de los que dispone el CCD.

Objetivos

No es igual en analógico que en digital, pues lo que para analógico (que imprime la imagen en

película de 35mm) es un objetivo gran angular, por ejemplo de 24mm, en digital (con un CCD

mucho más pequeño que la película química) ya no es gran angular. Aquí entra el concepto de

tasa de equivalencia. Normalmente las cámaras digitales tienen una tabla de equivalencias

que explican cómo afecta la aplicación del mismo objetivo en una cámara analógica y en esa

digital en concreto.

Formatos

Los formatos fotográficos más comunes son 4:3 y 3:2. Menos usado en foto es el 16:9.

Sensibilidad

La mayoría de las cámaras digitales tienen opción de cambiar la sensibilidad de las mismas.

Algo habitual es entre 100 ISO y 1600 ISO, pero lo suyo es usar sensibilidades de 100 ISO o

200 ISO. A medida que aumentamos la sensibilidad en digital, aumenta el ruido, que es un

concepto equivalente al grano en analógico. En otras palabras, cuando aumentamos la

sensibilidad en digital nos arriesgamos a ver el píxel.

El canal azul es el que aumenta más el ruido, es más sensible al aumento de sensibilidad.

Exposición

Al hacer ajustes de exposición es distinto en analógico y en digital. En digital exponemos para

las luces (sacar toda la información posible de la luz), y en analógico revelamos para las

sombras.


Retardo

Las cámaras digitales tienen un leve retardo en el disparador que NO tienen las analógicas.

Las digitales buenas (y caras del copón) no tienen retardo, pero lo habitual es que sí, y hay que

tenerlo en cuenta.

Distancia hiperfocal

Es la distancia de enfoque en la que se consigue la mayor profundidad de campo,

extendiéndose ésta desde la mitad de dicha distancia hasta el infinito.

Se trata de calcular, una vez enfocado al infinito, cuál es el primer elemento que sale enfocado

(nítido). Hay distintas formas, unas más complejas que otras, pero a través del visor

normalmente se puede intuir. Entonces enfocamos a ese objeto y ganamos un montón de

profundidad de campo antes del objeto.

Compensador de exposición

Se trata de mejorar la imagen oscureciendo o aclarando el aspecto general de la captura

mediante un cacharro con un símbolo +/-

El Reportaje

Es un trabajo difícil, porque el fotógrafo está solo con su cámara y se encuentra en situaciones

de lo más variado. Por muchos nombres que se pongan a los reportajes al final el trabajo viene

a ser el mismo:

- Fotoperiodismo: al final, todo fotógrafo que se dedica a fotoperiodismo, tiene unas claves

de trabajo muy concretas.

· Noticia: tiene un compromiso con la realidad muy específico. Lo que vale hoy quizá no

valga mañana.

· Realidad

· Instante: le interesa captar un instante preciso de lo que está pasando.

· Foto ilustración: en muchos casos, la fotografía es una ilustración de la realidad, un reflejo.

· Acontecimientos: tiene que pasar algo especial, no vale con lo cotidiano.

· Denuncia


Un ejemplo muy claro es la foto del Ché, de Alberto Korda, un fotógrafo cubano. Es una foto no

demasiado buena. Su hoja de contactos (un resumen de todas las fotos del carrete en pequeño

para decidir cuáles se van a ampliar), es un poco mediocre, y centrada casi totalmente en Fidel

Castro. Sólo 2 de las fotos son del Ché, absolutamente anecdóticas, pero que luego han tenido

un impacto grandísimo.

El miliciano, de Robert Capa, es otra foto que ha llenado páginas y libros. Hay más fotos en

similar actitud, lo que hace pensar que está preparada o ensayada.

Joe Rosenthal es el fotógrafo que hizo la foto de los soldados levantando la bandera y que

luego inspiró esculturas, películas, etc.

La foto del chino delante del tanque también es clave en la historia. Hay muchas más fotos y

vídeos del mismo instante, lo que demuestra que es un momento importantísimo y uno de

esos ejemplos de aprovechar el momento.

Documentalistas

Si hay alguna distinción respecto a los fotoperiodistas, puede ser que los docum. no están

sujetos a encargos concretos. Tienen libertad para hacer las fotos que quieran. Pueden

preparar con calma las fotos que hacen.

· Reportajes temáticos

· Expresividad de los personajes

· Acontecimientos significativos

· Fuerza de la realidad

· Impresiones sobre el referente

· Ideología del fotógrafo: esta foto es mía. El fotógrafo quiere plasmar su personalidad y lo

que quiere decir en cada foto que hace.


Weegee

Era un fotógrafo americano muy especial. Le gustaba fotografiar acontecimientos

catastróficos (asesinatos, matanzas, incendios, …), cositas así muy relacionadas con gangsters,

cine negro y cosas así. Era tan conocido y reputado que se enteraba de los asesinatos antes

que la policía. Llegaba e incluso modificaba la escena del crimen a su gusto para hacer la foto

como a él le gustase.

Eva Rubinstein

Es una fotógrafa argentina afincada en Nueva York. Era bailarina, pero al llegar a NY abandona

la danza y se dedica a la foto. Su formación artística define su concepción de la fotografía.

Capta una sociedad estadounidense desde la perspectiva femenina.


Elliot Erwitt

Es un fotógrafo fascinante para el profesor. A pesar de su experiencia en Europa, él se

establece en Nueva York, que es donde desarrolla su carrera. Su voluntad es captar la realidad

y expresarla de forma hasta casi cómica. Quiere dar una nueva perspectiva a la realidad, a

veces rozando lo inverosímil.

Tiene fascinación por los perros. Sus fotos son muy chocantes, siempre buscando el sentido

cómico y la sonrisa.

W. Eugene Smith

Es un fotógrafo que comienza a trabajar en la II Guerra Mundial, de la que sale herido, y con

esa experiencia desarrolla el resto de su carrera. Trabaja para Life, donde trabajan una gran

cantidad de fotógrafos importantes.

Su foto más impactante y donde se refleja toda la fuerza de su obra es la del niño deforme por

las consecuencias nucleares.


Dorotea Lange

Es una fotógrafa moderna, dinámica, muy involucrada con la sociedad americana. Es

contratada para fotografiar gran parte de los parques nacionales de USA y reservas de indios.

Su voluntad es dar a conocer los aspectos más escondidos y recónditos del país americano a

sus habitantes.

La paradoja y la metáfora eran aspectos que ella buscaba (foto de next time try the train.

Relax).


Henry Cartier Bresson

Como dibujante era tan tremendamente malo que decidió dedicarse a la fotografía. Lo que no

puedo dibujar, lo fotografío. A partir de él todos los fotógrafos aprenden de su obra.

No tiene la presión del fotógrafo que busca el instante. Era paciente y captaba cosas sin

sobresaltos. Se dice que tenía una cámara con el objetivo torcido para que no supieran que

estaba echando una foto a donde apuntaba.

Es el fundador de la agencia Magnum en la que casi todos los grandes fotógrafos han

trabajado. Estuvo en todos los países, en todas las situaciones, en todos los momentos.

Encontraba densidades en las situaciones que eran difíciles de hallar. Estaba en el momento

adecuado en el instante preciso.

La foto de la calle Moufletard, la del niño feliz con las botellas, refleja toda una forma de vida.


Doisneau

Es el fotógrafo del Beso, la foto que se creía que era un robado y que luego se supo que estaba

preparada… Trabajaba en una fábrica de coches y lo dejó para dedicarse a la fotografía.

Trabajó para Vogue, para Life…

Sabe captar la profundidad y la vida de la Francia de los 50. Es un artista que busca plasmar la

vida, partícipe de la corriente life, como la vida misma…

Tina Modotti

Es una gran fotógrafa mejicana, casada con otro fotógrafo llamado Weston (¿?). Son

fundadores de un movimiento intelectual en Méjico, junto con los Frida Kalo y compañía.

Fotografía toda la sociedad mejicana que está al lado de la revolución. Todas las fotos que hay

de Frida Kalo son hechas por Tina Modotti.


Al contrario que su marido (más duro, frío…), es una mujer con una mirada más reivindicativa

y más dulce.

Agustí Centelles (Se llegó a llamar el Robert Capa valenciano).

Fotógrafo español conocido por que su archivo fotográfico estuvo en Francia durante 50 años

sin poder salir de allí. Es un valenciano que fotografía la guerra y se exilia, pero al volver a

España no trae sus fotos consigo. Son unas fotos muy duras y con mucho sentimiento.

Evidentemente era republicano.

Carlos Pérez Siquier


Es un almeriense de los años 50/60, cuando los fotoperiodistas y los documentalistas

empiezan a ser valorados y socialmente reconocidos. Hace un reportaje sobre la Chanca que

es todavía admirado y paradigma de aquel tiempo.

Lisette Model

Es austriaca, y se caracteriza por su visión del mundo de la mujer. Es la representante de la

mujer en la fotografía. Su marido era pintor, y gracias a eso y su contacto con el mundo

intelectual de la época se puede erigir como gran fotógrafa, que escribe libros y hace

importantes exposiciones. Su lema es que hay que disparar desde el estómago.

Ramón Masats

Se dedicó a los documentales de TVE durante mucho tiempo, pero se considera el fotógrafo de

los tópicos españoles. Durante los 60/70 recorre España buscando esos tópicos de cada

región.

Ricard Terré

También va buscando esos momentos especiales de la vida. Le interesas todas las fotos que

tengan que ver con lo cotidiano, lo visceral.

Juan Manuel Díaz Burgos

Es un fotógrafo español que va en la misma línea de los anteriores, buscando lo cotidiano.


Se va a la Habana a retratar la sociedad cubana y su realidad.

Sebastiao Salgado

Brasileño, premio Ppe de Asturias. Trabajó en Magnum, pero luego creó su propia agencia. Es

enviado especial de Unicef y es muy reconocido en el mundillo.

Graciela Iturbide

Es una de las fotógrafas mejicanas más importantes. Hizo una foto de Nuestra Señora de las

Iguanas. Es una García Rodero a la mejicana. Hace fotos llenas de misterio, donde la religión y

la realidad se mezclan. Busca mucho el punto de vista simbólico. Hace fotos de matanzas de

animales y ritos del estilo.

Cristina García Rodero

Es una fotógrafa con mucha fuerza, que fotografía todos los acontecimientos extraños y más

emblemáticos de España, pero desde un punto de vista más del espectador. Era muy

sinvergüenza, pero en el buen sentido, porque para hacer una foto del entierro del niño con la

madre mirándote hay que tener muy poca vergüenza.

Javier Arcenillas

Es un fotógrafo con un trabajo muy bueno y completo. Juega mucho con los desenfoques e

incluso filtros ahumados. En su web (http://www.javierarcenillas.com/) incluye como las 12

reglas para ser buen fotógrafo.

Juan de la Cruz Mejías


Es un fotógrafo especializado en fotos de bodas, pero con un estilo muy personal. Pero no le

vale cualquier boda, sino que analiza cada situación y valora si le merece la pena. Luego en vez

de reportaje personal lo que hace es una exposición con las fotos que hace.

Trabajo pa hacélo: REPORTAJE

Hay que intentar plasmar algún aspecto de los vistos en clase.

· Ejercicio n 6: reportaje fotográfico de algún evento al aire libre y extenso en el tiempo. De

10 a 20 fotos y relacionadas entre sí.

Tener en cuenta:

- Composición: jerarquía de elementos.

- Iluminación

- Referencias a estados concretos de la realidad: paradojas, metáforas, etc.

Presentación en disco o en papel.

FECHA: el último día de clase.

La comunicación a través de la fotografía es una comunicación a distancia. Se realiza hacia un

público desconocido o anónimo. Es un acto abierto a muchas posibilidades, fundamentado en

intenciones, propuestas… pero el mensaje está incompleto hasta que llega al destinatario.

Esta comunicación establece una relación entre el fotógrafo y el destinatario, sobre todo de

tipo psicológico. Dependiendo de cómo, dónde y de qué manera se haga la foto, obtendremos

una u otra respuesta del receptor. Vicente Román dice que la fotografía puede tener un efecto


búmeran, a veces indeseado, hacia el fotógrafo. Según sea el contexto sociocultural en que yo

me encuentre, sabré el sentido que busco con una fotografía, y si no lo sé puedo obtener

resultados imprevistos y contrarios.

La fotografía, al ir destinada a un público anónimo, se produce una decodificación igualmente

anónima. Obtenemos así 2 posibles resultados: la realidad aludida o la realidad representada.

La aludida se refiere a lo que hay en la foto, sin más. La representada implica alusiones

psicológicas y culturales, muy sujeta al contexto.

La imagen fotográfica, dentro de un contexto comunicativo, funciona como un elemento

semántico, con sentido propio. Entrelazados entre sí, estos elementos conforman una

estructura completa.

La foto de Gervasio con el niño negro es un claro ejemplo de realidad representada, cargada

de elementos semánticos que aportan un significado propio, que siempre permanecerá con la

foto.

La foto del bebé con los pulgares del adulto como si fuera el mando de la PlayStation es otro

ejemplo de semántica.

Umberto Eco siempre habla de la semiótica de la imagen, sea fotográfica, cine, pintura… Habla

de competencias enciclopédicas, ya que la experiencia ha creado una rutina interpretativa por

la que siendo conscientes de nuestra formación, hemos crecido influidos por una serie de

imágenes que han creado una referencia que reconocemos de inmediato. Habla de

estereotipos visuales capaces de expresar ideas propias capaces de modificar el significado

final. La experiencia y la formación funcionan como nichos de significado que al repetirse

después nos transportan de vuelta a dichos significados. El mensaje no es recibido por la

intención concreta y puntual de un fotógrafo de expresar una idea, sino por la alusión a

referentes universales aprehendidos de forma anterior.

Gerardo Tales habla del fenómeno visual comunicativo a nivel de connotación. Lo propone

desde el terreno de la subjetividad. Los elementos base de construcción de la imagen (líneas,

por ejemplo) proponen una connotación, una intención subjetiva. Para él, desde la semiótica,

el sistema de comunicación real está en la profundidad de la imagen, en los niveles de

connotación, de significado de los elementos mostrados en la imagen.

En el terreno de la publicidad es obvio y evidente que la connotación y el significado subjetivo

son muy importantes. El uso de elementos base es asumido como vehículo de la connotación.


Es fundamental la idea que queremos expresar con la fotografía. Imagen Texto. El fotógrafo

siempre elabora su creación.

Lenguaje fotográfico: tiene 2 funciones.

- Función Simbólica (o figurada)

- Función Emocional: es lo que hace reaccionar respecto a una foto específica.

El uso simbólico serviría para la comunicación del pensamiento, mientras que el uso

emocional consiste en la evocación, expresión y excitación de sentimientos y actitudes.

Hemografía es una fotografía de sangre (¿?)

La fotografía abstracta juega con la abstracción, valga la rebuznancia. Juega con la

interpretación del espectador. Depende mucho de la función emocional

Teoría del lenguaje fotográfico (by Joan Costa)

Es interesante por la originalidad de su propuesta, no por su acierto global.

Dice que la función de la fotografía es “La creatividad y sensibilidad para elegir e interpretar el

objeto y para usar la tecnología, transformar un objeto físico o una idea en una imagen, no

necesariamente analógica o literal”.

Establece 3 caminos de reflexión: el fotógrafo, la realidad que está ahí, y la fotografía en sí

misma.

Elementos en la imagen fotográfica:

- Signos de realidad exterior: caracteres analógicos o reproductivos. Es por ejemplo

reconocer una cara, un brazo, un ojete…

- Signos de realidad interior: caracteres psicológicos, interpretativos o estilísticos. Son los

que surgen de mí mismo al ver la foto para interpretar el contenido.

Fragmentos de la realidad y rasgos de la personalidad e intencionalidad del fotógrafo.


Joan Costa identifica un tercer elemento: el RUIDO. Es un elemento puramente fotográfico

que dificulta la interpretación de la fotografía. Crea una información exclusivamente

fotográfica que entorpece la reproducción de lo real. Para Costa este elemento tiene mucha

importancia. Para él este ruido lo puede componer tanto una distorsión, un desenfoque, un

contraluz, etc.

¿Qué vemos en la foto? ¿Podemos identificar en una foto todo aquello que veríamos en la

realidad? ¿Hasta qué grado de analogía llega la fotografía en relación con su referente? ¿Hasta

qué punto es verdad lo que vemos en una fotografía?

La foto de la góndola tiene el siguiente proceso:

Análisis por separado de los signos de realidad exterior, los signos de realidad interior y los

ruidos. Para ello cuadricularemos la foto. Al contarlos salen un follón de cuadros. Teniendo en

cuenta los elementos de realidad exterior, nos percatamos que son muy pocos en relación al

resto de la foto. Lo demás depende de los signos de realidad interior y el ruido que contiene la

foto.

El resultado es, aproximadamente, que la foto del gondolero contiene un 1,5% de objetividad

frente a un 98,5% de abstracción.

De la teoría de Costa podemos reseñar el concepto de ruido o parásito, como elemento

puramente fotográfico, que usa el fotógrafo para completar el mensaje que desea transmitir.

Comprensión de la imagen fotográfica

Cuando abrimos un periódico o en su portada, lo primero que se busca de nosotros es

interpretar lo que estamos viendo. Cualquier fotografía implica un comportamiento, una

actitud al respecto.

La imagen como texto requiere que sea rápida su asimilación y comprensión, sobre todo en

publicidad.

Fotopoder

Quien controla la imagen (su captación, edición, difusión…) tiene un poder respecto a la

sociedad que recibe la fotografía.


La fotografía es una de las herramientas más fuertes y con más poder en cualquier ámbito de

la vida. Un ejemplo es la fotografía como certificado. Las fotografías sirven para dar fe de actos

y de cosas de las que no hay ningún otro documento que sirva para su verosimilitud.

El poder que tiene una cámara colgada al cuello es algo que va más allá de las normas sociales

y de protocolo.

La influencia de la fotografía en un periódico o un contexto similar es enorme. La iconografía

expresa mucho más de lo que pretende la foto en sí.

El fotógrafo siempre elige cómo echar la foto. Elige el encuadre, la composición, etc.

Independientemente de la realidad exterior que decía Costa.

Roles Fotográficos

A partir de la lección anterior es posible identificar estos 3 aspectos de la fotografía, aunque

no son algo absoluto y aislado entre sí.

a. La fotografía como verdad

Es la fotografía como testimonio del referente, como realidad objetiva, como espejo de la

verdad. Usada sobre todo en ciencias empíricas para decir “esto es así”. También son las

fotografías de catálogos. También las fotos documentales, fotos de catástrofes. Los signos de

realidad exterior están más presentes, nos expresan la fidelidad de la foto.

La principal función que ejerce la fotografía aquí es la equivalencia. El uso de los elementos de

composición no es tan importante ni relevante como en otros tipos.

b. La fotografía como apariencia

El grado de subjetividad es mucho mayor. La labor del fotógrafo es crucial para expresar

ideas. Los signos de realidad

La realidad es sólo un pretexto, una herramienta para producir imágenes. Es la plasmación de

una idea, una voluntad imaginada por el creador. El uso de los elementos de composición ya

es clave para poder reflejar esas ideas. Los signos de realidad externa están usados para crear

un sentimiento.

c. La fotografía como estímulo


Hay una apariencia significativa. Lo que el fotógrafo busca es obtener una reacción del

espectador. Hay una “llamada” que estimula al espectador y más que crear, extrae un

sentimiento fuerte y natural.

Hay distintos tipos de estimulaciones: sexual, infantil. La estimulación infantil es la más fuerte

y la más frecuente. Produce una reacción mucho más intensa que cualquier otro tipo.

Retórica Fotográfica

Vistos los tipos de estímulo, apariencia, etc., es hora de hablar de la retórica. Una fotografía

debe ser impactante, llena de recursos metafóricos, ironía, humor… Cualquiera de estas cosas

da un sentido mucho más intenso a la fotografía.

Es una forma de hechizar, en cuanto a engañar, dar a entender otras cosas a través de

elementos psicológicos y significativos.

Herbet List es un fotógrafo alemán al que no interesa la realidad tal cual. Su intención es dotar

sus creaciones de una retórica muy fuerte.

La retórica es la forma de dar un nuevo sentido a la foto a través de recursos de composición

(líneas, iluminación, contraste, color…)

Algunas veces la persuasión sobre lo real es mínima, pero la interpretación de lo real es muy

fuerte.

En otras ocasiones se produce una deformación intencionada de la realidad para expresar

ciertas ideas y voluntades.

Exagerando a través de los medios técnicos se consigue también la retórica.

También se consigue seleccionando bien el momento de la fotografía y eligiendo tal o cual

ángulo o punto de vista.

Las ambigüedades dentro de la misma foto, las actitudes de lo que se fotografía, son también

herramientas de la retórica fotográfica.

También debemos tener en cuenta las leyes de la Gestalt. En concreto la ley de agrupación

hace que veamos como un grupo uniforme el conjunto de elementos similares. En el momento

en que sacamos uno de los elementos lo vemos como aislado.

La composición de fotos con elementos del escenario donde se toman es muy frecuente en la

fotografía de prensa. Jugando con la ironía y el humor se componen situaciones que inducen

ideas y posturas ideológicas en el espectador.


El examen es escribir un artículo sobre un tema concreto (un epígrafe de la asignatura) en relación a una

fotografía que el profesor aporta. Por ejemplo, la foto de Pepe Blanco, Rubalcaba y el otro como si fuera la última

cena, y hablar sobre la retórica en el mensaje fotográfico.

La película “El gabinete del doctor Caligari” es un ejemplo de escenografía y fotografía retórica

muy cuidada.

La Metáfora

O cómo se sugiere a través de lo visual ideas y realidades contrapuestas mucho mayores. Toda

la fotografía es metáfora. La interpretación de la fotografía se basa en cómo a través de algo

queremos transmitir otra cosa distinta.

El paso de la realidad reflejada a algo más es la metáfora. La publicidad es pura metáfora.

Cuando vemos la foto, toda esa sensación está construida en base a unos conocimientos y una

experiencia anterior, además de un bagaje cultural aprehendido.

Relacionado con esto encontramos la polisemia y los dobles sentidos.

La construcción de pensamiento, y no la realidad representada, es el resultado de una

intención cuya herramienta es la metáfora visual.

Chema Amador es un poeta de la imagen que usa recurrentemente la metáfora en sus

creaciones, sobre todo de forma irónica [foto de la mujer con vestido blanco y copa de vino

como si fuera el chocho].

Alegoría

A través de una imagen alude a un concepto más amplio y abstracto. [Andalucía de Arte

cuadro de Julio nosequé // Pacharán La Navarra Foto del levantador de piedras…]

Witkin es un fotógrafo que lleva la alegoría al extremo del mal gusto (fotos compuestas con

muertos)

Símbolos

Se hace una referencia a través de símbolos fácilmente reconocibles a conceptos e ideas que el

fotógrafo quiere transmitir.

¿QUÉ VEMOS?


-Aspectos reales.- evidentes y están ahí.

-Aspectos subjetivos.- nos ayudan a completar el mensaje de la fotografía.

Recursos estilísticos y lingüísticos

La fotografía representa tanto la realidad como la ficción total. La interpretación de la realidad

es modificada por el creador, por la técnica utilizada o por el punto de vista del observador.

Grados lingüísticos

Hablamos de grados no de forma absoluta, sino como algo que va a ir como un termómetro al

acercarse a lo real. Los grados lingüísticos se distinguen en los siguientes elementos:

a) representación de la realidad

b) comprensión

c) significado

d) impacto

1) DE LA REALIDAD A LA ABSTRACCIÓN

La iconicidad es el grado de parecido que una representación posee de su referente.

Según A. Moles “el concepto de iconicidad se refiere al hecho de que una imagen es la imagen

de un objeto real. Un símbolo es un signo que retiene en muy poca medida elementos del

objeto que designa; en otros términos, se le parece poco”.

Cuando más abstracta sea una imagen con respecto al objeto que representa, menos icónica

es. Por lo que una imagen es más icónica que otra, en la medida en que tenga más propiedades

comunes con el esquema perceptivo del propio objeto.

A medida que la imagen deja de parecerse al objeto representado, podemos observar ciertas

dificultades en su descodificación.

2) DE LA SENCILLEZ A LA COMPLEJIDAD

Una imagen sencilla, simple aporta una información fácil de descodificar. Exige poco esfuerzo

de atención y poco tiempo de dedicación para su comprensión.

Las imágenes confusas, complejas requieren del espectador más tiempo de dedicación para su

análisis y entendimiento.


Una imagen compleja no precisa tener muchos elementos y, a la inversa, una imagen simple,

no necesariamente tiene que tener pocos elementos.

El nivel de complejidad de una imagen va a estar vinculada a los siguientes aspectos:

a) Grado de reconocimiento de la realidad

b) Tipo de composición

c) Valor cultural, social, político…de los elementos que aparecen

d) Relaciones de los elementos entre sí

3) GRADOS DE SIGNIFICADO

Hay imágenes que tienen un significado obvio y único, es decir, no ofrecen al espectador la

posibilidad de descubrir otros sentidos distintos al que aparecen representados. Estas son las

imágenes monosémicas.

La mayoría de las imágenes nos dicen más cosas de lo que realmente muestran: imágenes con

significados variados y ambiguos: imágenes polisémicas.

4) EL IMPACTO, GRADO DE ORIGINALIDAD

Una imagen puede estar formada bien por elementos nuevos o bien por elementos repetidos.

En el primer caso, la imagen es original y en el segundo es redundante.

La originalidad no se logra utilizando sólo signos abstractos, sino realizando un planteamiento

que no responde, exclusivamente, a los tópicos y clichés ya establecidos.

Si una imagen es totalmente original, el espectador puede tener dificultades para su

comprensión. Lo novedoso provoca siempre desconcierto en el público, porque todos los

elementos incorporados en la obra no son conocidos o son demasiados nuevos.

Algunos elementos que entran en juego en la originalidad son:

a) las características del destinatario

b) el grado de iconicidad

c) la disposición espacial de los objetos organiza su interpretación

d) los objetos se organizan de forma no esperada por el receptor

e) el punto de vista seleccionado ofrece una visión distinta de los objetos

f) la finalidad del mensaje


Tenemos que tener en cuenta el punto de vista del fotógrafo para se partícipe de las imágenes.

Las imágenes redundantes no hacen más que repetir los esquemas plásticos y perceptivos que

otras imágenes han provocado antes.

Cuando la redundancia se utiliza para establecer modelos o formas de comportamiento que

pueden resultar reconocibles y fáciles de asumir por el espectador nos hallamos ante el

estereotipo.

Los estereotipos constituyen imágenes fijadas en el imaginario colectivo normalmente

asociadas a juicios de valor discutibles o a lugares comunes.

Se caracterizan por la repetición y aunque no aportan nada en el ámbito de la información sí

que sufren un proceso de renovación significativa al insertarse en un nuevo contexto y un

nuevo mensaje.

DENOTACIÓN-CONNOTACIÓN

La denotación es lo que literalmente nos muestra una fotografía. Umberto Eco dice que es “la

referencia inmediata que un término provoca en el destinatario del mensaje en una cultura

determinada”.

La denotación es el nivel objetivable de la imagen. La connotación no nos es mostrada, no es

observable directamente ni es igual para todos. Está estrechamente ligada a un nivel objetivo

de lectura.

Para Eco “es la suma de todas las unidades culturales que el significante puede evocar

institucionalmente en la mente del destinatario”.

LA POSE

La pose nos transmite una información sobre el personaje. Los gestos de un individuo pueden

expresar alegría, angustia, vitalidad, fastidio…son signos de un lenguaje que compartimos de

manera implícita todos los días.

El lenguaje corporal establece una relación entorno-objetos. El repertorio de mensajes no

verbales es muy amplio en el que las manos juegan un papel muy importante en el mensaje

visual.

LOS OBJETOS


Los objetos que aparecen en la fotografía permiten contextualizar un personaje. A través de

los objetos podemos hacer distintas asociaciones.

Los objetos pierden su identidad específica y adquieren un segundo sentido. No existen

normas para identificar a un objeto o a una serie combinada de ellos con una tipología. La

interacción que pueden establecer entre sí no es constante, se modifica en cada caso, por la

relación con nuevos elementos y por nuevos contextos.

LA ILUMINACIÓN

A través de los efectos lumínicos podemos crear la connotación que modifiquen

sustancialmente la realidad. Puede transformar a un personaje espiritual en un individuo

tenebroso o ridículo.


TEMA 5 FOTOGRAFÍA Y PENSAMIENTO

El tema del espejo es muy importante en fotografía. Narcisismo.- lo que yo quiero es mi propia

imagen.

La imagen fotográfica como un sistema simbólico. Entender la fotografía como algo que

desarrolla conocimiento y actitudes.

Del simbolismo a la sustitución.- traslado de aquello que forma parte de la realidad a otro

concepto.

Sartori dice que vivimos en una sociedad totalmente teledirigida. Hemos pasado de pensar a

ver. La televisión ha transformado al Homo Videns.

Homo sapiens homo videns

La imagen por encima de todo (Sartori)

“Hay un cambio en los procesos cognitivos de la sociedad donde lo visible, lo visual, es lo que

se entiende, mientras lo que no se ve es más difícil de entender” Ver sin entender.

La imagen global es Sartori, un instrumento de antropogeneización. Genera un nuevo

anthropos, un nuevo tipo de población con un empobrecimiento de la capacidad cognitiva y

con un mayor control por parte del Estado.

R. Cubert “hemos aprendido antes a ver que a leer”.

McLuhan “la imagen, en un contexto amplio, mundial, vale más que la realidad. la aldea

global.

La fotografía electoral es un claro ejemplo de cómo se puede transformar la realidad.

Códigos importantes en la fotografía electoral

a) el propio fotógrafo

b) alegorías, imágenes no personales

c) importancia de la vestimenta en las fotos de campaña

fotografia

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