Arte RupestrePaleolítico Superior

La prehistoria va desde 3.000.000 de años hasta el 10.000 a.C.

3.000.000 a 200.000 a.C. – Paleolítico Inferior

200.000 a.C. a 3.500 a.C – Paleolítico Medio

35.000 a.C. a 10.000 a.C. – Paleolítico Superior

En el Paleolítico Superior aparece el Arte Rupestre. En este período vivían en pequeños grupos de 35 a 40 personas. Se desarrollaron pequeñas armas.

En la zona de Cantabria se descubren cuevas donde se encuentran pinturas rupestres (elaboradas en el Paleolítico Superior).

Cromlch – Santuario de Stonhenge

Se encuentra en el suroeste de Inglaterra, en Salisburi. Fue construido en diferentes etapas. Se estima que el comienzo de la construcción (en etapas) fue hace 5.000 a.C., a la mitad del período neolítico. Las piedras se extrajeron de la montaña Preseri, a unos 300 kilómetros de distancia. Piedras que pesan alrededor de 50 toneladas. Se necesitaron 12 millones de horas para contruir esto. La respuesta para construir esto fue una especie de calendario solar, otras teorías decían que era un templo. Las nuevas teorías le asignan una nueva función, sería una especie de templo a la luna. Las piedras pequeñas son 29 piedras y media, que representan el ciclo lunar. Está orientado en base a los puntos cardinales, lo que se deriva con que los hombres de la época ya tenían conocimientos astronómicos. En el lugar hay 56 hoyos que predecían los eclipses. Estos hoyos estaban rodeando el templo. El monumento está ubicado en una llanura. Cada 13 días se señalaba una piedra y cada 2 días se señalaba un hoyo, con el fin de predecir eclipses. Las 5 piedras azules (ubicadas en el centro) son piedras de areniscas y se trajeron a posterior, de a 32 kilómetros de distancia. Se compone de 30 dinteles, a 4 metros del suelo. Se le atribuyó esto a una tribu llamada Druidas, de origen selta, pero la presencia Druida fue 1000 años después de la construcción de este templo. El concepto de autoridad se comienza a diseñar en el Paleolítico Superior, para el momento de caza. La caza se piensa que era por la noche, es por este motivo del templo. Al surgir la Agricultura, surge un protagonismo del So, pasando de la asociación de la mujer a la Luna, a pasar a protagonizar el hombre en su

asociación al Sol. Con la agricultura, surge la propiedad “esto es mio”. El rol de los hechiceros es conciliar el pasado con el presente. Se decía que era el mismo dios, pero con otra cara (se pasa del protagonismo de la luna, al protagonismo del sol). En el solsticio de invierno coinciden los dos astros, en el mismo día que se le da la noche más larga, representando la conciliación con el ahora.

Arte EgipcioDos tipos de arquitectura funeraria: Templos y Tumbas.

Tumbas: En el período Neolítico, se encuentran los primeros montículos, elaborados de piedra. La forma que lo siguió fue la Mastaba, que eran unas tumbas, revestidas de ladrillo. Luego le siguieron las pirámides escalonadas. La primera pirámide se denomina “Pirámide de Saqqara”, por estar ubicado en la llanura de Saqqara de unos 60 metros de altura.

Luego surgieron las pirámides conocidas actualmente. Éstas concordaban exactamente con los puntos cardinales. Existen 4 teorías de cómo la hacían: 1) Clavaban una bara y a través de la sombra determinaban el norte. 2) A través de la estrella polar, marcaban el punto medio del recorrido, lo trasladaban al suelo, marcando el norte. 3) 4)

Lo que utilizaban era la piedra caliza y el granito para construir las pirámides. La mano de obra eran personas del Estado, a las que se les pagaba. Alrededor de la pirámide, habían pueblos con médicos, carpinteros, etc. En alguna pirámide llegaron a trabajar 10.000 personas. Un capataz de la obra ganaba el doble de lo que recibía el médico.

Las teorías de por qué se construyeron las tumbas de pirámide son 2: 1) Porque cuando crece el Nilo dejan montículos con forma de priámide donde pensaban que fue el origen del pueblo egipcio.

Pirámide de Saqqara.

Al principio fueron pequeños montículos, luego maztabas, hasta que fueron pirámides escalonadas.

Características de la construcción egipcia: Todo Egipcio es medido y la base está en el río que marca un tiempo preciso. Lleva una precisión absoluta en cálculos, de esta manera hacen entrar la luz de la estrella sirio a la tumba, por ejemplo.

Pirámide de Keops

2750 a.C. 150 m de altura 5hts de Superficie 2.300.000 de bloques se utilizan

Pirámide de Kefrén

2521 a.C. 143 m de altura

El sol es el creador de todos los seres vivos. Toda las arquitecturas funerarias estaban destinadas a ese sol. El conjunto funerario se erige más allá del valle. Las pirámides se encuentran en el bajo Egipto, los templos en el alto Egipto. Los egipcios veían a la muerte como algo vital para la vida.

Es sabido que Egipto es el país de las pirámides, esas montañas de piedra que se yerguen como hitos del tiempo sobre el distante horizonte de la historia. Por remotas y misteriosas que puedan parecernos, mucho es lo que nos revelan acerca de su propia historia. Nos hablan de un país tan perfectamente organizado que fue posible, en él, amontonear esos gigantescos montes de piedra en el transcurso de la vida de un solo faraón, y nos hablan de faraones tan ricos y poderosos que pudieron obligar a millares y millares de operarios o esclavos a trabajar para ellos año tras año, a extraer bloques de las canteras, a arrastrarlos hasta el lugar de la construcción y a colocarlos unos sobre otros con los medios más primitivos, hasta que la tumba estuviera dispuesta para recibir los restos mortales del faraón. El faraón era considerado un ser divino que gobernaba sobre estos últimos y que, al abandonar esta tierra, subiría de nuevo a la mansión de los dioses de donde había descendido. Las pirámides, elevándose hacia el cielo, le ayudarían probablemente en su ascensión. En cualquier caso, ellas defenderían el sagrado cuerpo de la destrucción, pues los egipcios creían que el cuerpo debía ser conservado para que el alma viviera en el más allá. Por ello, preservaban el cadáver mediante un laborioso método de embalsamiento, vendándolo con tiras de tela. En torno a la cámara mortuaria se escribían ensalmos y hechizos para ayudarle en su tránsito hasta el otro mundo. Los egipcios creían que la conservación del cuerpo no era suficiente. Si también se perennizaba la apariencia del faraón, con toda seguridad éste continuaría existiendo para siempre. Por ello, ordenaron a los escultores que labraran el retrato del faraón en duro e imperecedero granito, y lo colocaran en la tumba donde nadie pudiese verlo, donde operara su hechizo para ayudarse a su alma a revivir a través de la imagen. En un principio, tales ritos estaban reservados a los faraones, pero pronto los nobles de la casa real tuvieron sus tumbas menores agrupadas en hileras alrededor de la del faraón. Antes, en un pasado distante y horrendo, existió la costumbre de que al morir un hombre poderoso sus esclavos y sus criados le siguieron a la tumba, para que llegara al más allá en conveniente compañía, por lo que estos últimos eran sacrificados. Más tarde, esos horrores fueron considerados demasiados crueles o demasiados costosos, y el arte constituyó un rescate. En lugar de criados reales, a los grandes de esta tierra se le ofrecieron sus imágenes por sustituto. Los retratos y modelos encontrados en las tumbas egipcias se relacionan con la idea de proporcionar compañeros a las almas en el otro mundo. Estos relieves y pinturas murales nos proporcionan un reflejo extraordinariamente animado de cómo se vivió en Egipto hace milenios. Los

pintores egipcios poseían un modo de representar la vida real completamente distinto al nuestro. No era lo más importante la belleza, sino la perfección. La misión del artista era representarlo todo tan clara y perpetuamente como fuera posible. Por ello no se dedicaban a tomar apuntes de la naturaleza tal como ésta aparece desde un punto de mira fortuito. Dibujaban de memoria, y de conformidad con reglas estrictas que aseguraban la perfecta claridad de todos los elementos de la obra. Su método se parecía, en efecto, más al del cartógrafo que al del pintor.

Cada cosa tuvo que ser representada en su aspecto más característico. En la representación del cuerpo humano, la cabeza se veía mucho más fácilmente en su perfil; así pues, la dibujaron de lado. Pero si pensamos en los ojos, nos los imaginamos como si estuvieran vistos de frente. De acuerdo con ello, ojos enteramente formales fueron puestos en rostros en rostros vistos de lado. La mitad superior

del cuerpo, los hombros y el tórax, son observados mucho mejor de frente, puesto que así podemos ver cómo cuelgan los brazos del tronco. Pero los brazos y los pies en movimiento son observados con mucha claridad lateralmente. A esta razón obedece que los egipcios en esas representaciones, aparezcan tan extrañamente planos y contorsiones. Además, los artistas egipcios encontraban difícil representar el pie izquierdo desde afuera; preferían perfilarlo claramente con el dedo gordo en primer término. Así, ambos son pies vistos de lado, pareciendo poseer la figura del relieve dos pies izquierdos. No debe suponerse que los artistas egipcios creyeran que las personas eran o aparecían así, sino que, simplemente se limitaban a seguir una regla que les permitía insertar en la forma humana todo aquello que consideraban importante. No sólo fue el conocimiento de formas y figuras el que permitió que el artista diese cuerpo a sus representaciones, sino también el conocimiento de su significado. Nosotros a veces, llamamos grande a un hombre importante. Los egipcios dibujaban al señor en mucho mayor tamaño que a sus criados e incluso que a su propia mujer. Uno de los rasgos más estimables del arte egipcio es que todas las estatuas, pinturas y formas arquitectónicas se hallan en su lugar correspondiente como si obedecieran una ley. A esta ley, a la cual parecen obedecer todas las creaciones de un pueblo, la llamamos estilo. Resulta muy difícil explicar con palabras qué es lo que crea un estilo, pero es mucho más difícil verlo. Las normas que rigen todo el arte egipcio confieren a

cada obra individual un efecto de equilibrio y armonía. El estilo egipcio fue un conjunto de leyes estrictas que cada artista tuvo que aprender en su más temprana juventud. Las estatuas sedentes tenían que tener las manos apoyadas sobre las rodillas; los hombres tenían que ser pintados más morenos que las mujeres; la representación de cada divinidad tenía que ser estrictamente respetada: Horus, el dios – sol, tenía que aparecer como un halcón, o con la cabeza de halcón; Annubis, el dios de la muerte, como un chacal o con la cabeza de un chacal. Cada artista tuvo qua pender también arte de escribir bellamente. Tuvo que grabar las imágenes y los símbolos de los jeroglíficos clara y cuidadosamente sobre piedra. Pero una vez en posesión de todas esas reglas, su aprendizaje había concluido. Nadie pedía una cosa distinta, nadie le requería que fuera original. Por el contrario, probablemente fue considerado mucho mejor artista el que supiera labrar sus estatutos con mayor semejanza a los admiradores monumentos del pasado. Por ello, en el transcurso de tres mil años el arte egipcio varió muy poco. Sólo hubo un hombre que rompió las ataduras del estilo egipcio. Fue un faraón de la decimoctava dinastía, conocida entonces como Imperio nuevo, que se fundó después de una catastrófica invasión de Egipto. Este faraón, llamado Amenofis IV, fue un hereje. Rompió con muchas de las costumbres consagradas por una remota tradición. Las pinturas encargadas por él debieron asombrar a los egipcios de ésta época por su novedad. Se hizo retratar con su mujer, Nefertiti, jugando con sus hijos bajo la bendición del sol. Algunos de sus retratos lo muestran como un hombre feo, tal vez porque deseó que los artistas le representaran en toda su humana flaqueza, o, quizás, estaba tan convencido de su importancia única como profeta que hizo hincapié en que se le representara fielmente. Sucesor de Akenatón, fue Tutankamón, cuya tumba con sus tesoros fue descubierta en 1922. Algunas de esas obras siguen obedeciendo al moderno estilo de la religión de Atón, en particular el dorso del trono del faraón se halla sentado en su silla en una actitud que debió escandalizar a los puritanos egipcios. Su esposa no aparece más pequeña que él, y pone suavemente la mano sobre su hombro, mientras el dio sol, representado como un globo dorado, extiende sus manos bendiciéndolas. Es muy posible que esta reforma artística acaecida en la decimoctava dinastía fuera facilitada por el faraón al importar, de otros países, obras mucho menos conservadoras y rígidas que los productos egipcios. En una isla del Egeo, Creta, habilitaba un pueblo excelentemente dotado, cuyos artistas gustaban preferentemente de representar el movimiento. Pero esta apertura del arte egipcio no debió persistir mucho. Ya durante el reinado de Tutankamón las antiguas creencias fueron restauradas, y la ventana al exterior quedó cerrada nuevamente. El estilo egipcio, tal como había existido desde hace mil años, continuó existiendo durante otro milenio o más, y sin duda los egipcios creyeron que continuaría eternamente.

Carencias Generales del Arte Egipcio: • Hoy en día, están fuera del contexto para el que fueron creadas. • Carecen de colorido original y están en lugares diferentes, por lo tanto nada tiene que ver con la función, entorno y significado. • No fue hecho para el disfrute de los seres humanos vivos, la función que cumplían esas obras era la de acompañar a los muertos en la vida ultraterrena. • Lo que llega a nuestros días es fragmentado y deteriorado. • La mayor parte fueron hecho para la clase privilegiada. • Sus creaciones eran utilitarias y tenían una finalidad religiosa. • El pueblo egipcio era práctico (para satisfacer sus necesidades), pocas obras fueron creadas para el simple disfrute, la mayoría estaban relacionadas con alguna práctica mágica, para cumplir una misión determinada. • Inexistencia de una concepción de arte como creación de obras originales, o como forma de expresión de la vida interior individual del autor. • La posición del artista subordinada a los privilegiados y no gozaba del prestigio y poder de los escribas. • Aportes a la humanidad: La vocación de la eternidad y la lucha contra la llegada inexorable de la muerte y el olvido.

Pintura y Escultura: • Esquematización (por el convencionalismo). • Importancia de la geometría. • Convencionalismo: el ancho del puño como unidad de medida (canon). • El tamaño de los personajes dependen del sexo y jerarquía. • Las estatuas son rígidas, diseñadas para ser vistas de frente. • Cabeza y troncos simétricos, los brazos pegados al cuerpo. • Las esculturas tienen nombre de dios o persona. • Aparecen imágenes de plantas y de animales, aunque planos son de gran naturalismo. • Tenían inscripciones jeroglíficas. • En el caso de los miembros inferiores ambos son derechos o ambos son izquierdos, mientras el ojo y el tronco de frente. • El color es plano, delimitado por las líneas que marcan el contorno de la figura.

Arquitectura: • Lo mejor que se ha conservado son templos y tumbas, se conoce menos la arquitectura doméstica y palaciega. • Tiende al gigantismo y dan sensación al espectador de insignificancia y pequeñez. • La ortogonalidad (a presencia de ejes perpendiculares) y la axialidad (ordenamiento respecto a un eje longitudinal). • En el Imperio Antiguo (menfita) 2778-2423 a.C., se ejecuta en el delta (Cheops, Kefren y Micerino). • La pirámide evoca la idea de estabilidad y duración.

La evolución de las tumbas: ○ Montón de arena rodeada de circulo de piedras (3200 a.C.) ○ Tumbas con muretes de piedras. ○ Mastabas ○ Pirámides escalonadas (Sakkara) ○ Hipogeos (1650 – 1085)

Escultura y Dibujo:

Piete señala que la Escultura surgió antes que el dibujo. Dice que a la hora de elaborar una estatuilla se necesita mucho menos conocimiento que para el dibujo. Las primeras estatuillas (según él) no tenían ningún rasgo individualizador. Inclusive señalo que la escultura antropomórfica le precede a lo zoomórfica y por eso el considera que la escultura tiene un valor propio, es independiente de la arquitectura y es así, que sostiene que en Egipto la escultura tiene un valor propio.

Chafer sostiene que es cierto que lograr la forma es mucho más fácil que dibujar la forma y eso es así si lo miramos desde una perspectiva occidental, pero no así para desde el punto de vista oriental. Éste se fija en la idea del concepto. El hombre oriental busca representar de la mejor manera la idea que tiene, en cambio el hombre occidental tiene una mirada abarcativa. El hombre egipcio le cambia la idea de tiempo y espacio. Se elimina todo rasgo individualista del objeto en la civilización egipcia, por la necesidad de estabilidad.

Los Egipcios tenían una concepción materialista de las cosas, para salvar el espíritu tenía que haber algo material.

En la actualidad, el hombre actual se relaciona con el Antiguo Egipto en su búsqueda por la vida eterna, y eso se refleja en su Arte, que buscaban que sea eterno para lograr la vida eterna.

En la paleta de Narmer dibujada en el Imperio Medio se abandona el planismo exagerado y aparece la idea de profundidad que se logra a través de la perspectiva cenital, hay una concepción escalonada.

Durante la época final, durante los gobiernos de los Ramses, se utilizó mucho la perspectiva “a vuelo de pájaro” e inclusive aparece una mayor dramatización. Se da en el pueblo egipcio un trueque, los dioses bajan para gobernar y el pueblo le construye estatuas y templos. El escultor busca darle una imagen a ese dios.

En una primera instancia se utilizó la imaginación, donde se relacionaban con animales, cuando los dioses se volvieron antropomórficos (con forma humana) se sustituyó la imaginación por la observación. Se hacían esculturas con piedra y metal.

GreciaPeríodos:

Período Oscuro (S. XII a VIII)

Período Arcaico (S. VII a V)

Período Clásico (S. V a IV)

Período Helenístico (S. IV a I)

Grecia Continental, cuya principal ciudad es Atenas. Grecia Insular, que son todas sus islas. Grecia Asiática, que es lo que hoy es Turquía.

La pesca, era su principal fuente de alimentación junto con los olivos. En su clima, predomina una luz meridional. La vida del hombre griego, se da fuera de su casa. Predomina el ganado caprino, producto que es una zona montañosa (80%).

Sectores sociales divididos en privilegiados que poseían sus tierras en los valles, mientras que los campesinos en las montañas.

Estado = Polis. Cada uno poseía su forma de gobierno, organización social.

Se conoce la realidad del Período Oscuro a través de los poemas Homéricos.

Desde la zona de Macedonia, sufrió invasiones por pare de los Aquerios, Jonios (S. II) y por último los Dorios en el 1500 a.C.

En el siglo VIII sufrieron una fuerte crisis que se solucionó a través de la emigración, colonizando otros territorios. Desarrollaron la Agricultura y realizaban intercambio con la metrópoli. Loas colonias mandaban cereales, trigo y la metrópoli enviaba vino, olivos.

En el siglo VII se establece la ley escrita. Con el apoyo de las clases populares, los Tiranos llegaron al poder, elaborando decretos a favor de éstos.

En el Siglo V se da la guerra con los Persas, lográndolos expulsar, donde en Atenas aparece la figura de Pericle, con una flota naval gigantesca, en el período clásico.

Eran ciudadanos los de padre y madre ateniense, los hijos, mujeres estaban excluídas. Las mujeres sólo se encargaban de traer hombres atenienses al mundo.

El vínculo sexual no era por amor, placer ni amistad, se la consideraba devoradora de los placeres.

Escultura Arcaica

Las Koral: mujeres representadas en escultura. Los Koural: hombres

Esculturas geometrizadas, simétricas, rígidas, frontalidad, tienen color. Son construídos a partir de un bloque monolítico. Transformación decorativa de la realidad. Todos tienen un pire que avanza, el puño cerrado es la medida para construir el resto del cuerpo.

Las esculturas de piedra se realizaban con cincel, se pintaban y añadían accesorios.

Cleovis y Biton (5800 a.C.)Altura: 2,13 metros.

Contexto General: La concepción de la escultura occidental nace con Grecia. Comienzan a diferenciarse de las obras egipcias, poseen un estilo propio y se abandonan esculturas colosales para tener tamaño más natural. Se apartan de los relieves narrativos como tema central. Se abandonan las fuertes cargas expresivas de hombres y animales. La Escultura Griega inicia camino al naturalismo desde el período Arcaico. El Artista se basa en su conocimiento. La figura humana y el desnudo son la representación del humanismo griego. La desnudez es el aporte de los griegos en la escultura; producto de que la religión politeísta y antropomórfica, le dan forma humana a los dioses. Se representan a deportistas y jóvenes divinizados. Se parte de un ideograma geométrico hasta un Helenismo fundamentalmente recargado (cada vez se le da más movimiento). A los griegos se van a interesar cada vez más en la conquista de la Anatomía, es decir representar cada vez mejor un cuerpo y darle cada vez más movimiento. Otro aspecto importante, es la búsqueda de la perspectiva, si bien son figuras tridimensionales, el impacto visual es bidimensional.

Contexto: Hubieron contactos artísticos y económicos con Egipto. Influencia de Creta, una civilización muy importante. En Grecia habían talleres importantes sobre

todo en el Peloponeso, en las polis de Corinto, Misenas y Olimpia aunque la más importante era la ciudad de Atenas. Los valores escultóricos son los siguientes: Rígidos, Cuerpos estructurados, vigorosos. La cabeza está insertada en el tronco, prácticamente no tienen cuello. El pelo se representa en bucles, en líneas rígidas, que contribuye a la reforzación de la cabeza con el tronco. El rostro es un rostro duro, sin demasiada demostración, clásico del período Arcaico. El equilibrio, el orden era sinónimo de belleza. La juventud representada es la juventud Aristocrática, previo a las Guerras Médicas (Guerra con los Persas). Las esculturas eran dedicadas, con una firma, en el basamento y se ponían a quien iban a ser dedicadas y quien la había realizado. Estas esculturas, a raíz de esto, nos da el indicio que eran realizadas en talleres. El primer escultor, fue Dedalos, no te daba prestigio ya que era un trabajo de esclavos, como todos los trabajos manuales.

Análisis preiconográfico de Clovis y Pitón: Se le atribuye la obra a Polímedes de Argos, se sospecha que pertenecen a este autor porque quedaron 2 sílabas que da el indicio que fue este autor. Trabajaban en talleres bajo la dirección de un maestro. Cada taller tenía sus secretos, el método de repetición egipcio ya no se da en Grecia. Los Artistas separaban la obra y bajo las directrices del maestro comenzaban a realizar. Se partía de un prisma y en cada cara se dibujaba, y se lo comenzaba a trabajar y el maestro era el que le daba el toque final. Se pintaban las obras para dar la sensación de corporeidad, de que es un cuerpo.

Cleovis y Bitón: Lo que le da la idea de que era un conjunto a través del relato Herodoto que se basó en un relato mitológico. Tiene un tamaño gigantesco. Las cabezas eran de figura redondeada. Poseían un cuello ancho. La frente es prácticamente aplastada. Los hombres son ángulos rectos, dándole geometrización, puños cerrados y pectorales salientes. Poseen líneas en pectorales, ingle que le dan el sentido de rigidez.

La mamá de Cleovis y Bitón que asistía a una fiesta de consagración de la Diosa Era, en un carro de bueyes, como no llegaba a tiempo, Clovis y Bitón sustituyeron a los bueyes. Cuando llegaron, la madre le pide a la Diosa que le de el mayor honor que le puede dar un Dios. Mientras duermen, mueren, ya que pasan a una mejor vida.

Moraleja: Una persona debe morir en el apogeo de su vida.

Análisis técnico de Clovis y Pitón: Realizado con una técnica extractiva (de extraer la piedra y modelándola) y de tosca ejecución. Se trabaja el cuerpo a través de los planos frontales, se comienza con un prisma y se va modelando. El siguiente trabajo es trabajar en planos frontales de dos a dos. Una vez que se obtenía eso, se comenzaba a trabajar las zonas curvas y pectorales. Se trabajan los muslos, firmes, grandes, que transmiten poder, son figuras grandes aún producto de la influencia de Oriente, y donde luego, las esculturas van evolucionando hacia un tamaño más naturalista. La cabeza sigue siendo inexpresiva, reflejan tensión, producto de que van a acceder a la morada de los dioses. El volumen de la figura se asentúa de arriba hacia abajo. Parecería que se divide en dos: de la cabeza hacia la cintura, y de la cintura a los pies.

A principio las esculturas fueron de barro cocido y marfil, luego de bronce o de mármol. El mármol de Grecia (que es de lo que están hechas Cleovis y Bitón) provenía de Paros, de Naxos y el mármol Pentélico. Este mármol es poroso, es más maleable y es de una enorme vitalidad y transmite una sensación de piel palpitante, dándole un rasgo más real. Se utilizaban herramientas abrasivas, los esmeriles, elementos que cumplían la función de afilar, raspar, pulir, los trepanos y cinceles con diferentes puntas.

Una primera parte consistía en desbatabar el bloque (sacar el bloque de la cantera), luego le daba forma de prisma, después dibujaban en cuadritos y las cuatro caras en cada lado del prisma. Y con el puntero se buscaba llegar al punto en el que tenía que detenerse para coordinar con el compañero. Los ojos son almendrados. Las cualidades que da este mármol: 1) da cuenta de unidad en la estructura. En ocasiones eran pintados, pero el pulido y color blanco del mármol reflejan la luz del sol.

Supuestos plásticos y estéticos: La escultura se aparta del marco arquitectónico, acá tienen un valor propio. Se valoran en 3 aspectos: masas, volumen y calidad táctil. La masa alude a la solides del cuerpo, donde se apoyan los pies. El volumen está vinculado al concepto de espacio, dentro de la tridimensionalidad del objeto. Dentro de la tridimensionalidad aparecen aspectos bidimensionales, como por ejemplo en los pectorales, al ser vistos de frente. La calidad táctil producto que a la vista, el mármol es similar a la piel, pero no así en el contacto con ella.

Se mantiene, en la escultura arcaica, el eje de simetría bilateral determinado por 3 puntos: La ceja, la nariz y el ombligo. Ese eje de simetría bilateral no le permite un movimiento lateral.

Los puños cerrados le dan rigidez y acentúan tirantez. La sonrisa arcaica, es el origen de lo gestual al movimiento. Se rompe con la tradición de la escultura arcaica, producto de la influencia en los Persas. Se pasa de una cabeza enorme a una cabeza proporcional, en el siglo V. Hay un abandono de los convencionalismos. Los griegos hacían esto, con un sentido de trascendencia, como forma de relacionar la escultura con la política.

En el movimiento de Cleovis y Bitón tiran el carro, toman el papel de los bueyes representando el trabajo, el esfuerzo y la vitalidad, fuerza de voluntad para poder superar los errores y los obstáculos.

Estos individuos trascienden el mundo imperfecto de la cotidianeidad, a través de ese esfuerzo, de esa fuerza de voluntad, lucharán contra las imperfecciones cotidianas, y esa lucha constante, permitirá una juventud externa, en búsqueda constante de la perfección, para acercarse a los dioses. Esa sonrisa que demuestran, es seña de desafío cumplido.

Interpretación: Guthir decía que estos jóvenes se establecían en un Dios y ese Dios es la máxima exponencia de la belleza, ese Dios es Apolo. Dios de la belleza. Los griegos señalaban que en cada personas encontramos dos tipos de belleza: 1) Belleza Apolinia, belleza de la forma, que la podemos encontrar en cualquier especie (pintura, juventud, moderación muy diferente a la belleza de las pasiones, deseo, la belleza dionizada.

Apolo prescide, según Guthir, el tránsito de la niñez a la vidilidad. Apolo purifica la culpa, lava el pecado en un dios que cura lo físico y lo moral.

Decálogos de la moral (lo que debe hacer el hombre griego): Observar el límite. Odio a la desmesura. Ser reverente al hablar. Temer a la autoridad. Inclínate ante la divinidad. No te ufanes de la verdad. Gobierna a la mujer.

Los padres son referentes morales y éticos, de sus hijos, y debían enseñar esto a sus hijos.

Doríforo de Policleto

Doríforo: Portador de la lanza Construido en 440 a 430 a.C. Siglo V.

Conocemos el Doríforo a través de las copias romanas hechas en mármol, el original fue construido en bronce.

Contexto Político: Se produce un verdadero saque de la ciudad de Atenas en el 480 – 479 a.C. Los griegos si bien habían rechazado a los persas, vivían bajo su amenaza. Por lo tanto hay una necesidad de afirmar la identidad Helénica, que llevó el florecimiento del Arte. La influencia del Oriente se deja de lado, y se enriquece un estilo propio. El Artista cambia su mirada acerca de lo que ve en la naturaleza. Filipo II de Macedonia, invade el territorio Heleno, iniciando una nueva era en el 360 a.C. Es el comienzo del período Helenístico.

Policleto: Era un escultor que no era Ateniense, sino se cree que era de Argos o Sición, ambas polis fueron neutrales durante las Guerras Médicas. Luego apoyaron en el siglo V a Atenas en la guerra con Esparta. Argos tiene una tradición en el trabajo del bronce que la ubica como la más importante en el producción de bronce.

Alguien que no era ateniense, era bastante complicado de trabajar en Atenas, en determinado tiempo histórico.

Policleto es muy importante porque incorpora el concepto de Simetría. La Simetría es la conmensurabilidad de las partes. La conmensurabilidad tiene que ver que la belleza de las aprtes con el todo, y no en la belleza de las partes.

Escribió el Canon, hacia mediados del siglo V, y es ahí donde justificaba la simetría de las partes.

Crisipo (filosófico histórico) explicaba como así lo contaba el médico Galeno, 600 años más tarde. Hay un equilibrio entre los músculos tensos y distendidos, entre las partes flexionadas y rectas. La belleza física ideal está sometida matemáticamente a las proporciones del cuerpo humano, en búsqueda del dominio del naturalismo, como medio de captar la humanidad. Una humanidad superior llena de valores.

El principio de simetría en una composición artística es que cada parte, cada forma sea clara y definible. Esto es típico también del período Arcaico.

Ahora se le agrega que esta simetría tenga un contenido filosófico. Pitágoras lo que quería era buscar el sustrato de las cosas, explicar los fenómenos visibles. Esta teoría de Pitágoras se desarrolla en el siglo VI, contemporáneo a Policleto. Ese sustrato era el número, ya que nos permite la armonía numérica purificar el alma- La armonía numérica tenía una finalidad espiritual.

Pericles estuvo influenciado por Pitágoras y por ende la vinculación entre el pensamiento Pitagórico y Policleto, hizo que Pericles contratara a alguien no ateniense, en búsqueda de un acuerdo ideal de hombre.

En el templo de Hera, Fridias realizo una estatua colosal y en esa técnica copia la técnica de Criselefantina, técnica creada por Policleto.

Se estima que fue construido el Doríforo en el 440 a.C. Se encontró en el siglo XVI en la villa Adobrandini de Frascatti. Vino a Italia como botín de guerra, destrozado. El restaurador se guió por la imagen de un caumofeo. La reconstrucción de la copia fue en mármol.

Análisis Preiconográfico: La mejor copia, es una copia de mármol que está en Roma. No es una figura de colosal, mide 2,12 metros. Hay una actitud de marcha. Mirada distante, pero no de victoria. Líneas pélvicas y pectorales siguen siendo rígidas. Es un cuerpo simplificado y

su anatomía es exagerada. Hay otra copia de mármol que se encuentra en Pompeya, 79 d.C.

Análisis Formal: La original se realizó en bronce, a través del método de la fundación, que requiere un modelo propio. Las copias de mármol se hacen a partir de las técnicas extractivas. El torso es un rectángulo, la cabeza es una esfera, muslos cilíndricos, pero sumamente aligerados por las líneas curvas de los hombres.

Se utiliza el mármol por las cualidades de éste. Se trabajaba con ceras y brillas para obtener transparencia, homogeneidad, cristalinidad.

En el año 500 a.C., ya se utilizaban los punteros de hierro. Para obtener forma se utilizaba el cincel plano para sacar bloques de mármol y el cincel dentado que se utilizaba para dar forma. Se hacían modelos previos de terracota y barro.

Apareció en el libro de Plino en su historia natural, hablaba de fusoria como el arte de fundir los metales. Y habla de escultura el arte de trabajar la piedra.

Método Punteo: Se realizan una serie de puntos en el modelo que luego a través de una máquina se trasladan al bloque. También se utilizaba la plomada para el traslado de puntos.

Estas esculturas, después, sufrían un proceso en el cual el mármol se lustraba, y se le revestía, pintaba con cal. Los diferentes colores con los que se pintaban, eran bastantes suaves, y además eran bastante discretos. Este proceso se lo conoce como Ganosis.

A partir del siglo IV el lavad con agua y una sustancia llamada leija.

Un historiador, Writtkower decía que hasta en el período helenístico se seguían pintando los ojos.

Con respecto a la invención del método de fundición de bronce, atribuido a Teodoro y Roico, proveniente de la ciudad de Samius, Grecia. Utilizando el método de la cera perdida, que consiste en construir un molde de arcilla, conocida como el núcleo de arcilla, se pintaba con cera, se hacía un armazón metálico que luego se fundía y así se incorpora el bronce fundido. La cera se derritía, se abría el molde y así quedaba la escultura, de manera tosca. El bronce da color rojizo similar a la piel. Se hacía por partes y luego se soldaba.

Valoración estética: Comienza a abandonarse la ley de frontalidad. Hay un mayor efecto de

tridimensionalidad. Permanecen características de la escultura arcaica: como el estado de reposo, de no alejarse totalmente de la simetría absoluta. Hay una disposición de contraposto, que significa equilibrio compensado entre los miembros relajados y los miembros tensos. Las esculturas van siendo cada vez más naturalistas.

Se intenta captar un momento, cristalizarlo y hacerlo intemporal. Esto se ve en el rostro, en esa mirada. Esto tiene que ver con Ethos (equilibrio, la belleza formal, la contención) y el Pathos (tiene que ver con lo instantáneo, lo expontaneo). En este caso hay un predominio de Ethos.

Cada parte está subordinada a la unidad pero cada parte a su vez tiene determinado nivel de autonomía, que esta cobra sentido al ver la unidad.

Función, Significado y Símbolo: Alto contenido humanista de la escultura griega. El hombre es la medida de todas las cosas como decía Protagoras. En el convergen todas las ideas del bien y del mal. Surge la idea de la verdad y que la verdad es única, unitaria. Este hombre desnudo con una lanza es símbolo de la armonía perfecta. El equilibrio clásico significa quietud en el movimiento y movimiento en la quietud.

Estas esculturas se ponían alrededor de los templos y el triunfador era visto con admiración y temor. Ha sido bendecido con la victoria y la victoria es la máxima virtud. Este doríforo representa ni más ni menos que Aquiles.

La madre de Aquiles, Tetis, una neinera (diosa) y el padre es un mortal, Peleo. La madre al ver esto, lo sumergió en el lago Vestigio, tomándolo del talón, para darle vida eterna.

El héroe es el que le da el servicio a la polis, sintetiza el nacionalismo griego y la búsqueda de la perfección humana acercándose a la divinidad, o la enteada al Olimpo, la tierra de los dioses.

La lanza es símbolo de fuerza, guerra. Es arma de hierro en contra posición a la espada que es de carácter celestial.

En este doríforo representa tranquilidad en su mirada, rostro, colocándolo por encima de la vida y la muerte. Este doríforo sigue combatiendo contra si mismo, en la búsqueda de la belleza y la perfección para poder entrar al Olimpo.

Apoxiómeno de Lisipo

Es una obra que se cree que pertenece a 320? a.C.. Se está en la transición hacia el Helenístico. El original es de bronce. Apoxiómeno significa “el que se quita el aceite”. Se le atribuye otro significado: joven que se quita el polvillo con el estrillo (es una barrita). A Lisipo se dice que proviene de la ciudad de Sicione. El tamaño es de 2,05 metros de altura. Lisipo había trabajado como escultor para Filipo II y Alejandro de Macedonia. No trabajo otro materia que no fuese bronce. Retrató de pequeño a Alejandro. Por el tiempo histórico en el que produce su obra, se lo ubicaobras, entre el esplendor de Atenas y Esparta y la invasión de los macedonios. Esta entre el Clasicismo y el Helenístico. Según Plinio se le adjudicaba a Lisipo cerca de 1500, pero se ha confirmado unas 30 obras. Era un gran admirador de Policleto, pero comienza a ver a la naturaleza como su verdadera maestra, habiendo una influencia indirecta de Aristóteles. Y desde ahí que expresa que no hay que imitar a los “maestros” sino que hay que imitar a la naturaleza.

Análisis Pre iconográfico: Joven, desnudo y esbelto. Acá el cuerpo es de la proporción de 8 cabezas, uno más que el Doríforo. Se percibe un brazo elevado casi a la altura del hombro. La figura está apoyada sobre un pedestal prismático. Se apoya sobre una pierna el cuerpo que al estar separada, ayuda a generar la idea de equilibrio. Está representado en un momento cotidiano, se atrapa el movimiento momentáneo. Los brazos extendidos incorporan el espacio y ya nos obliga para percibirlo el girar en torno a él. La ley de frontalidad se entra a romper. Esa visión lateral que como espectadores debemos de tener para apreciar brazo-rostro-cuerpo.

Análisis Inconográfico: Es un atleta cubierto de aceite, representado en un gesto cotidiano. Las piernas están mas alargadas que las del Doríforo, modificándose el Kanon. Muchas copias de mármol fueron a Roma, donde pertenecieron una a Marcos Agripa, donde las ubico en el Panteón. El Aposiómeno ya da la idea de tercera dimensión. Pareciera que estuviera abrazando en un cuadrilátero. Hay una leyenda que señala que Erarles fue el creador de los juegos olímpicos y que éstos fueron disputados desde 776 a.C. en el período de noviluño, período que le antecede al solsticio de verano. Las olimpiadas en realidad era el período entre cada Juego Olímpico en honor a Zeus. Los atletas llegaban 10 meses antes a la ciudad y se debía cumplir un requisito: ser griego. A los que triunfaban se le entregaba una corona de olivo y en su homenaje se realizaba una escultura. Los atletas se los representaba con esa idea de vencedores, sin embargo, en este caso no es así.

Análisis formal y técnico: Hay formas abiertas, de volúmenes, mayor ligereza en el cuerpo. Los brazos cuadriláteros, hay un apoderamiento de la técnica geométrica. Desaparece la división en planos. Hay una anatomía más natural, la cabeza más pequeña, los ojos más profundos, las proporciones en el rostro cambian. La nariz es más estrecha. La cabeza es más ovalada, la boca es pequeña y triangular. Los labios son de forma del montes de venis. El cuello es más musculoso.

Símbolo y significado: Al igual que el Doríforo, revela una determinada concepción del hombre y del lugar que ocupa en el mundo. Pone de manifiesto el cambio de la concepción de la vida. Ya no es un triunfador el que es representado, sino que representa la vida cotidiana. Se constata que aquellos valores del clasicismo, van dando paso a otros valores. Aquellos valores grandiosos, dejan paso a una concepción del hombre más inferiorizado, hay una concepción más pesimista. Acusa un rostro cansado, de la lucha. Se manifiesta trabajo y lucha, necesaria para la competición. Es una obra tardía de Lisipo (lo hizo con mucha edad). Se simboliza la controversia entre dos épocas. La expresión post-clásica del sufrimiento, hay una concepción realista del hombre. Los griegos entendieron que el verdadero trabajo del espíritu humano consiste en ordenar la realidad. No se posee más que aquello que está ordenado. Este Aposiómeno simboliza la plenitud pero también la decadencia. Intenta buscar las proporciones que sintetice una profunda comprensión del arte que invitara a la reflexión. El Lisipo demuestra que también desde la cotidianeidad también puede ser un héroe.

Laocoonte

Original fue hecha en bronce. Se presume que fue creado a fines del S. III al S. III. La copia romana en mármol es del Siglo I d.C. Los autores fueron Poliodoro, Agexandro y Atenodoro.

Contexto histórico: Período Helenístico. Es un período donde se da el auge de determinadas ciudades. Alejandría en Egipto, Pergamo en Asia Menor y Antiopía en Siria. Es un período de desarrollo del pensamiento. Cambia el relacionamiento del ciudadano con la Polis, hay cierta indiferencia respecto a la importancia de las instituciones. Se da un reajuste psicológico del hombre griego, en donde la vida comunitaria perdió fuerza. Vuelve a prevalecer la vida privada frente a la pública, y la soledad. El legado escultórico griego más el romano, formarán el concepto de clasicismo.

Contexto histórico y origen: Se lo ubica en el siglo II (pero no es seguro, por detalles como el material e inscripciones en la base). Se lo identifica con Poliodoro, porque el coincide con otro grupo escultórico llamado Menelao con el caballero Patroclo, (que ese sí tiene toda la inscripción afirmando pertenecer a Patroclo). Con respecto al momento en que fue creado, se estima que fue en el Siglo II a.C., porque apareció otro grupo escultórico llamado el altar de pergamo con características similares al Laocoonte. La explicación más prudente, es que estos artistas reprodujeron obras helenísticas para los romanos. Otros sostienen que el

Laocoonte podría ser una adaptación de bronce del S. III y II donde se los unió para hacerlos coincidir con el relato mitológico.

La copia romana fue descubierta en el año 1506 en el Palacio de Tito. Fue restaurado por Bernini (siglo XVI). Otro aspecto es la importancia de las escuelas en esas ciudades. La escuela de Rodas (de Poliodoro), se la vincula al atar de Pergamo y al Laocoonte. El artista está condicionado a la hora de realizar una obra. Aparece una necesidad del retrato, que según el poder social del tratado va a ser lo que se va a tratar de retratar.

El artista en el momento de la creación responde a las necesidades de un público o a sus necesidades expresivas. Aparece un nuevo tipo de intelectual, el hombre culto. La lectura y el estudio privado habían reemplazado las funciones de la comunidad. El público al cual está dirigido el arte, se va a polarizar, entre el hombre sabio y la masa popular. Estas obras no son fácilmente comprensibles para quien no tiene un bagaje. El autor apela a lo estético. En ésta escultura aparecen dioses que son fuerzas cósmicas elementales: luz, agua, cielo. Eso debe ser expresado para todo el público, para hacerlo, el artista busca esa tendencia colosal, estimulando la curiosidad del pensamiento.

Análisis Preiconográfico : Aparecen 3 figuras masculinas, desnudas. Donde 2 serpientes son desenroscadas por el Laoconte. Figura central se apoya en una peana, mientras que una de las figuras (derecha) se apoya sobre dos bloques, eso supone la ampliación del soporte. Parece apoyarse en esa peana porque visualizamos la rigidez de su ropa. Pierna de la derecha está doblada y la de la izquierda está tensionada. Laoconte con ambas manos sujeta la serpiente.

Figura de la izquierda, imagen parece desvanecida, mientras la imagen de la derecha (en sentido contrario al grupo) lleva una túnica.

El Laoconte es un sacerdote troyano del templo de Neptuno. Neptuno le envía las 2 serpientes en forma de castigo. Es un relato mitológico tomado de un poema “Eneida”, del siglo I a.C. Aunque muchos sostienen que primer se hizo la escultura, la cual inspiró el poema. Otros sostienen que la inspiración no fue Eneida, sino las obras de Sófocles (pero estas, en vez de dos hijos era uno).

Análisis técnico y formal: Aparece una técnica extractiva que parte de una bidimensionalidad para llegar a una tridimensionalidad. La técnica extractiva se realiza a través del trabajo paralelo del frente y la parte de atrás. Las esculturas forman un triángulo. Hipoteniza, comienza en el ángulo de la cabeza del Laoconte y el otro vértice es la cabeza de la figura de la derecha. La verticalidad está rota. La elipse la

dota de movimiento al grupo esultórico, hay curvas, contracurvas. Los cuerpos en escorso le dan el sentido de volumen a la obra (por ejemplo: en la curva de los pectorales del Laoconte, también en las figuras de las serpientes). Aparecen curvas abiertas y cerradas, y contraste de claro-oscuro, todo esto acentúa el dramatismo. Los detalles del cabello, las venas, etc. son un gran virtuosismo táctil, siendo una característica del helenismo. La expresividad de los rostros, de los cuerpos, la rugorisidad de sus texturas, son características particulares del período helenístico.

Valoración estética: Según Pollit (historiador del arte) las búsquedas experimentales plásticos del siglo IV son definidoras de los resultados plásticos del siglo III y se manifiestan a través del triunfo de la emoción humana.

Dos vertientes que conforman la estructura de la personalidad según Griegos: Pathos: Reacción inmediata que se tiene frente a algo. Ethos: Es algo premeditado. Es la belleza formal.

Esta escultura prioriza el Pathos. Se transmite el dramatismo, la tragedia. Lo gestual supera la composición formal del rostro. La elaboración formal se pierde ante lo gestual (pathos). El dolor y la emoción están en función de los contraste de esos cuerpos (cuerpos encogidos de los pequeños, mientras que el cuerpo del anciano se amplía con la tragedia). Son recursos plásticos que están al servicio de la emoción. La experiencia de los sentidos, el gusto por lo sensorial, el logro táctil, son fenómenos apreciados unilateralmente. Los valores plásticos sensoriales no son un invento de un día para el otro sino que siguen una línea. El grupo de Laocoonte esos valores plásticos son matizados.

Hay un contraste con las rígidas estrías de los paños de los vestidos que se alejan del ritmo de las figuras, dotando de dinamismo funcional. La rigidez hace que acentúe aún más el ritmo y los gestos de las figuras.

Función, Símbolo y Significado: El tema es la venganza de los dioses olímpicos. El tema está en cómo captar la figura para transmitir la experiencia interna, que es el significado principal de la obra. La lucha del anciano y la serpiente representa el pensamiento conciente, intelectual, erudito que perdió confianza en sus dioses y se entrega a la fatalidad de lo imprevisible. Refleja las tensiones entre el pensamiento racional y las viejas creencias. Escultura cumple la función de forzar al espectador a reflexionar no sólo sobre el objeto representado, sino también sobre su actitud. Colosal es la tragedia cotidiana de la lucha contra lo incomprensible. Lo incomprensible es el ataque ilógico de los dioses no solo al anciano (representa lógica), sino a los jóvenes (representan la inocencia).