ESCULTORES• Auguste Rodín • Miguel Ángel• Mirón(Eleutera)• Gian Lorenzo Bernini• Donatello• Juan Martínez Montañés• Julio González• Miguel Barceló• Cristina Iglesias

Auguste Rodín Escultor francés, que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica

expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.

Nació en París el 12 de noviembre de 1840, era hijo de un oficial de policía. Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.

Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse. Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel.

Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura, el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota.

Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos.

La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en las Puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de las Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador, Adán y Eva. En 1886 terminó Los burgueses de Calais, esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica.

Rodin también produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, así como del pintor Jules Bastien-Lepage, también hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes. Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917. Una parte de su obra puede verse en el Musée Rodin, de París.

Algunas de sus obras

El Pensador(1900)

Descripción: Bronce. 1,98 x 1,29 x 1,34 m.Localización: Museo Rodin. ParísAutor: Auguste Rodin

El beso (1886)

Descripción: Mármol. 1,90 x 1,20 x 1,15 m.Localización: Museo Rodin.ParísAutor: Auguste Rodin

Puertas del infierno (1917)

Descripción: Bronce. 18 x 12 pies.Localización: Museo Rodin. ParísAutor: Auguste Rodin

Los burgueses de Calais (1895)

Descripción: Bronce. 0,82 x 0,94 x 0,75 m.Localización: Museo Rodin. ParísAutor: Auguste Rodin

Miguel Ángel

Arquitecto, pintor y, ante todo, escultor, Miguel Ángel es el máximo exponente de la larga lista de ingenios individuales que el Renacimiento italiano alumbrará. Asimilable en sus inicios a la corriente del Cinquecento, en su magnífica obra es apreciable, casi desde los comienzos de la misma, una potente manifestación de los sentimientos que derivará en monumentales y poderosas figuras por completo manieristas

En Caprese, provincia de Arezzo, nace Miguel Ángel en el año de 1475, en el seno de una familia noble: los Buonarroti. Ya desde pequeño su vocación queda manifiesta, tomando su padre finalmente la decisión de enviarlo a formarse al taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Sin embargo, y a pesar de que con dicho maestro su aprendizaje en el campo del dibujo es indiscutible, será en la escuela creada por los Médici en el Jardín de San Marcos donde Miguel Ángel se revele realmente como el gran escultor que llegará a ser.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:

1. Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido.

2. Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.

Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

Algunas de sus obrasSe trata de la colosal escultura del David de Miguel Ángel Buonarrotti, representado como un niño, en lugar del longevo rey de los salmos.Esculpido sobre una pieza de mármol de Carrara se trata de "un adolescente victorioso sobre la tiranía y la fuerza del opresor".En este caso Goliat.Esta estatua de David de 5,35 metros de altura y 500 años de antigüedad, se conserva en la Galería de la Academia de Florencia, traspasa el tiempo y el espacio y hoy es el símbolo de "la defensa de las libertades republicanas de la ciudad y sus habitantes contra la tiranía medicea. De los Médicis". Provocan con su libertad la hipocresía popular ante un desnudo.Las diferencias, las armas que utilizan para defenderse y liberarse.El Ángel Caído las alas del libre albedrío y el David la honda usada con la inteligencia del más débil.

La Piedad. Escultura en mármol de Miguel Ángel. Basílica de San Pedro, Vaticano. El escultor ha creado en mármol —su material preferido— dos seres de los que excluye la dimensión temporal (ambos representan la misma edad). La perfección de la talla y el pulido de la superficie contribuyen para que Cristo y la Virgen, sin gestos de dolor, expresen un drama universal. Miguel Ángel utilizó un esquema compositivo de tipo piramidal para agrupar las figuras de Cristo y la Virgen

Moisés

De Miguel Ángel, es una escultura renacentista del siglo XVI, Cinquecento en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515.Es de mármol de Carrara realizada en bulto redondo, de cuerpo entero y sedente. 

Mirón (Eleutera, actual Grecia, ?-?, s. V a.C.) Escultor griego. Fue el

principal escultor griego de su tiempo, exponente del llamado estilo severo y precursor de los grandes maestros del clasicismo pleno. Nació en Beocia, pero desarrolló su actividad, entre el 470 y el 440 a.C. aproximadamente, en Atenas, donde obtuvo la ciudadanía. Las fuentes literarias le atribuyen numerosos obras, en particular estatuas de atletas y héroes. Sin embargo, sólo se le han podido asignar con certeza tres, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos.

Las dos primeras, sobre todo, son emblemáticas del estilo de Mirón, centrado en la plasmación del movimiento a través de las tensiones del cuerpo. El Discóbolo, que está captado en el instante anterior a la realización de un movimiento violento, constituye un ejemplo magistral de equilibrio dinámico, de desnudo juvenil ágil y vivo: el brazo derecho y la pierna izquierda insinúan el movimiento; el brazo izquierdo y la pierna derecha sugieren equilibrio.

Una idea semejante se encuentra en el grupo de Atenea y Marsias, plasmado en el momento en que el sátiro se detiene ante la diosa antes de retroceder. Estas dos obras, de figuras estáticas pero llenas de vitalidad y en las que se adivina el movimiento, hacen que Mirón sea considerado un artista adelantado a su tiempo, que buscaba por todos los medios superar la inmovilidad característica del estilo arcaico.

Mediante copias fragmentarias se ha podido reconstruir la estatua del Anadumenos, un atleta que recuerda al Discóbolo por la estructura del cuerpo. No se conoce el bronce titulado Vaca, situado en la plaza del mercado de Atenas, que reportó a Mirón una gran fama en su tiempo y fue motivo de inspiración para numerosos epigramistas por su intenso realismo.

Algunas sus obras

Minotauro, de una fuente en Atenas, parte del grupo perdido de Mirón de Teseo y el Minotauro. (Museo Arqueológico Nacional de Atenas)

Reducción en bronce romana delDiscóbolo de Mirón, siglo II, Gliptoteca de Múnich Nacimiento Eleuteras. Nacionalidad Grecia antigua.

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680) Escultor, arquitecto y pintor

italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice.

Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe.

Algunas de sus obras

Esta escultura muestra el momento en que Dafne comienza a transformarse en laurel al ser alcanzada por Apolo, una metáfora de la fragilidad y la volatilidad de las cosas.

La obra maestra de Bernini, en la que la santa, casi desmayada, parece flotar junto al ángel, que acaba de sacar el dardo de su pecho.

La tumba de Urbano VIII representa al pontífice en bronce, mientras que el sepulcro es de mármol blanco y de colores claros. La composición de la obra es piramidal y en la cima, el Papa se muestra orgulloso, como un emperador.

Donatello (Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor

italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.

Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional, el estilo vigente en Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San Jorge, su primera obra famosa, de la que Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de moverse dentro de la piedra».

Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros pasos en el difícil arte de la fundición en bronce.

Después de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la acción dramática, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicológica. De este período son El Condottiero Gattamelata, "Judith y Holofernes" y "Los milagros de San Antonio".

La expresividad de su obra en esta época sentará escuela no sólo entre los escultores posteriores sino también entre pintores, como Mantegna. Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.

Algunas de sus obras

Con esta escultura se produce la recuperación de uno de los modelos clásicos llamados a tener una mayor proyección en la escultura posterior: el retrato ecuestre.Tipología esencialmente urbana, aparecerá unida, como su paradigma, el Marco Aurelio, a la ostentación visual de la imagen del poder.El Coleonni de Verrocchio será su gran "rival".

El San Jorge de Donatello posee una dimensión radicalmente equilibrada. El escultor traduce en esta obra la idea de clasicismo en monumentalidad y presencia compacta del volumen. Todo ello tratado con la armonía que proporciona la verticalidad de la figura y el equilibrio compositivo de la cruz del escudo.

El David de bronce posee un modelado y proporciones clásicas si bien la actitud de la figura muestra relación con la gracia de algunos modelos de Ghiberti. La figura muestra a un joven pensativo, no exento de cierta melancolía, que ofrece, por encima de la normatividad del clasicismo, una nostálgica poética del sentimiento identificativa de las obras de Donatello.

Juan Martínez Montañés

(Alcalá la Real, España, 1568-Sevilla, 1649) Escultor español.Es una figura sobresaliente de la escultura en madera policromada, la técnica escultórica que alcanzó mayor desarrollo en la España de los siglos XVI-XVII. Su nombre y el de Gregorio Fernández suponen los puntos culminantes de este arte peculiar, que respondió al ambiente de piedad y devoción característico de la Contrarreforma. De ambos, el último capitalizó la escuela castellana de la talla en madera, mientras Martínez Montañés fue la cabeza visible de la escuela andaluza o sevillana.

Llevó a cabo una producción vastísima, religiosa en su totalidad con la única excepción de un busto de Felipe IV (perdido), que debía servir de modelo para la estatua ecuestre encargada al italiano Pietro Tacca. El Cristo de la clemencia y La Inmaculada Concepción de la catedral de Sevilla se cuentan entre sus estatuas más admiradas. Pero su obra maestra es el retablo mayor del monasterio de San Isidoro del Campo, en Santiponce, que incluye las magníficas figuras orantes de Alonso Pérez de Guzmán el Bueno y doña María Alonso Coronel.

Su obra influyó en escultores como Alonso Cano y Juan de Mesa, de quienes fue maestro, y también en los principales pintores de la escuela sevillana del siglo XVII, entre ellos Velázquez y Zurbarán. Pacheco mantuvo con él una estrecha relación y a menudo policromó sus estatuas.

Escultura del Cristo de la Clemencia o de los Cálices (1603-1604), sacristía de la catedral de Sevilla. Fue realizada por encargo del arcediano hispalense Mateo Vázquez de Leca

Imagen de Santo Domingo penitente, del año 1605.La policromía fue realizada por Francisco de Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli, hoy en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

IGLESIA DE SAN MIGUEL DEl RETABLO MAYOR –BATALLA DE LOS ANGELES – MADERA POLICROMADA – S.XVII. JEREZ DE LA FRONTERA, (CADIZ)

Julio González (Barcelona, 1876 - Arcueil, 1942). Escultor y pintor español. Hijo de una

familia de orfebres catalanes, aprendió a forjar en el taller familiar. No obstante, él quería ser pintor y con ese propósito marchó en 1900 a París, donde entra en contacto con Picasso y Gargallo. A pesar de dedicarse a la pintura en sus comienzos, sus conocimientos del metal forjado le llevan a iniciarse en la escultura. De 1910 datan sus primeras máscaras de metal repujado, en las que se advierte una sensibilidad cercana a las experiencias cubistas.

En 1922 celebra su primera exposición individual. A partir de 1927 centra su actividad artística en la escultura. En sus primeras obras escultóricas en hierro, González aborda dos temáticas, las naturalezas muertas y las máscaras. En las primeras se aprecia la influencia del cubismo, y en las segundas, del arte negroafricano.

En 1929, con las series El beso y El sueño, se aleja definitivamente del cubismo para adentrarse en la abstracción. Sin embargo, no podemos hablar de González como de un artista abstracto, ya que su constante ir y venir entre la figuración y la abstracción lo convierte en un escultor singular. En 1931, colabora con Picasso en la realización de la escultura en hierro forjado para el monumento a Apollinaire. Es su período más experimental, durante el que se adentra en territorios inexplorados, haciendo que sus piezas de hierro constituyan dibujos en el espacio.

Algunas de sus obras

Cap de la Montserrat cridant (1942) 

Con ella, González resumía todo el dolor y dramatismo que la guerra podía imprimir en un rostro humano. Era la figura de una campesina que con paso firme se planta altiva y desafiante, sosteniendo en una mano una hoz y en la otra un niño.

Un sueño forjado en hierro

En un apasionante viaje desde el oficio artesano a las vanguardias, su innovadora experimentación metálica, aprovechando sabiamente los recursos de la forja, el recorte y la soldadura autógena, le convirtió en uno de los grandes escultores del siglo XX.

Cabeza llamada El Túnel

Pequeña campesina

Su obra abarca la pintura, la escultura, la cerámica y la fundición. Y se ha convertido en un artista versátil y en constante evolución, tanto en la técnica como en los materiales. A conocer un poco más sobre la vida de uno de los nombres máximos de la pintura europea contemporánea.

Miguel BarcelóNació en Felanitx (Mallorca, España) en 1957. Es una de las figuras más destacadas de las artes plásticas en su país. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca y en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Al año siguiente volvió a su ciudad natal y formó parte de Taller Lunatic, un grupo de arte conceptual. El reconocimiento internacional le llegó luego de su participación en la Bienal de São Paulo de 1981 (donde sus obras mostraban influencias del neoexpresionismo alemán y la transvanguardia italiana) y en la Documenta de Kassel de 1982.

Barceló ha avanzado a lo largo de su vida por caminos muy variados, lo que lo ha convertido en un artista versátil y en constante evolución, tanto en la técnica como en los materiales. Los dibujos de insectos y moluscos de sus primeras exposiciones dejaron paso a cajas con materiales en descomposición. Su obra abarca la pintura, la escultura, la cerámica y la fundición.

Es un artista que en sus obras revela una preocupación por la investigación experimental. Una de sus principales características es el tratamiento de la materia pictórica, que plasma en sus cuadros para lograr efectos de relieve. Su obra refleja, desde un primer momento, un notable interés por los motivos procedentes de la naturaleza, tanto terrestre como marítima, donde emplea una paleta oscura, en tonos ocres con una gran densidad cromática, que ha ejercido una gran influencia entre sus colegas más jóvenes.

Fueron sus viajes y estancias por Europa, Estados Unidos y áfrica Occidental (Mali) los que han marcado su trayectoria artística a lo largo de los últimos años. Pero vale destacar que en todas sus obras está presente la luz de su isla natal.

Algunas de sus obras

Mobili Bronce. 105 x 188 x 240 cms.

Boc Encapironat Bronce 200 x 170 x 60 cm.

Elefandret Bronce400 x 170 x 160 cm

Cristina Iglesias

Nacida en San Sebastián en 1956, Cristina Iglesias es una escultora vasca, que decide, luego de abandonar sus estudios en Química, matricularse en la Chelsea School of Arts de Londres para practicar su verdadera vocación.Allí se verá fuertemente influenciada por la escultura británica, lo que se notará en la posterioridad con sus obras. Asimismo, su estilo es muy variado, y gusta de emplear diversidad de materiales en sus trabajos.

De este modo encontramos cemento, madera, hierro, fotografías y cristal, entre otra gran cantidad de elementos. Gusta además de las maderas policromadas con pigmentos naturales, lo que le otorga a sus obras una cierta sobriedad muy bien alcanzada.

Su obra más relevante quizás sea La Imagen del Animal, una obra simplemente maravillosa que la llevó a la fama tanto a nivel nacional como internacional, realizada con los elementos mencionados anteriormente y que definitivamente revolucionó la técnica escultórica hasta ese entonces practicada.

Otro de sus mayores logros, ha sido recibir el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Algunas de sus obras

Doble pabellón suspendido en una habitación(2005)

Untittled (Venecia II), 1993

LA puerta

Jaume PlensaEscultor español, considerado uno de los mejores del panorama nacional. Ha realizado numerosas exposiciones, individuales y colectivas, no sólo en España sino en todo el mundo. El éxito a nivel internacional le llegó en 1997. A lo largo de su carrera obtuvo importantes premios. Artista español, de los más prestigiosos del momento.Es uno de los escultores contemporáneos con mayor relevancia nacional e internacional. En su obra, la cual es muy elaborada y personal, y en la que usa distintos materiales -como resina de poliéster, acero, hierro, agua, cristal o nylon-, el espectador debe interactuar con las piezas. Su producción artística se basa en la dimensión del hombre y su relación con el entorno. 

Nació en Barcelona en el año 1955, y hoy vive y trabaja en esta ciudad y París. Se formó en la Llotja y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi. Las técnicas de la escultura las aprendió cuando trabajó en un taller de reparaciones mecánicas.

En su carrera obtuvo importantes becas; por ejemplo, en 1979 fue becado por el Ministerio de Cultura, en 1982 por la Caixa y al año siguiente por la Generalitat de Cataluña.

Las primeras obras las realizó en hierro forjado mezclado con poliéster. En 1983-1984 empezó a moldear el hierro con la técnica de la fundición. Además, pudo desarrollar un concepto escultórico de formas zoomórficas (que tiene forma o apariencia de animal).

Por estos últimos trabajos se lo considera como uno de los precursores del neoexpresionismo español. En los noventa produjo una modificación tanto en lo material como en lo formal, ya que empezó a utilizar diversos materiales, como los desechos metálicos, el poliéster, las resinas. Fue a través de éstos que elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, dándole especial importancia al espacio.

Logró reconocimiento internacional en 1997, luego de su exposición itinerante mostrada en importantes espacios europeos, como la Galerie Nationale de Jeu de Paume de París.

Entre 1999 y 2003 Jaume Plensa se transformó en uno de los pilares de la escenografía mundial, al reinterpretar, junto a la La Fura dels Baus, cuatro óperas clásicas ("La Atlántida" -de Falla-, "El martirio de San Sebastián" -de Debussy-, "La condenación de Fausto" -de Berlioz-, y "La flauta mágica" -de Mozart-) y, solo, un montaje teatral contemporáneo "La pareti della solitudine" -de Ben Jelloun-.

Por estas producciones logró gran éxito a nivel mundial, por lo que fue invitado a participar en importantes festivales, como el de Salzburgo en Austria y el de la Trienal del Ruhr en Alemania (ambos dirigidos por Gérard Mortier).

Obtuvo, además, diversos premios, entre los que se encuentran: el Primer Premio de Escultura del XXXIX Salón de Montrouge (1994), el Premio de la Fundación Alexander Calder (1996) y el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte a la mejor obra presentada en Arco´98. Recientemente fue distinguido con el título de Doctor Honoris Causa por la School of the Art Institute of Chicago.

Algunas de sus obras

Entre sueños es el nombre de esta cabeza monumental, que sobre una pila de zapatos, sirve de homenaje para los artistas visitantes extranjeros.La obra es del artista español Jaume Plensa y creo que resume en una exquisita metáfora las problemáticas que atraviesan nuestro tiempo: hambre, enfermedad e insomnio.La pieza está emplazada en el stand de El País de la feria de ARCO 2008.

"El alma del Ebro"