Asesor: ARQ. CHOZA HERNANDEZ JOSÉ GREGORIO

INTEGRACIÓN PLÁSTICA

2014

EQUIPO 7

o López Gómez Shirley Alejandra

o Alonzo Marín

o Pech Montenegro

o Peralta Palmer

o Kuc Suarez

GRUPO MQ3

- EXPRESIONISMO

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CONTENIDO

INTRODUCCIÓN ........................................................................................................................................ 3

Capítulo 1 ..................................................................................................................................................... 4

1. EL EXPRESIONISMO ............................................................................................................................ 4

1.2 DEFINICION ...................................................................................................................................... 5

1.3 ORÍGENES E INFLUENCIAS .............................................................................................................. 9

1.3.1 Influencias del expresionismo ............................................................................................... 11

2. CARACTERÍSTICAS ........................................................................................................................... 11

3. DESARROLLO .................................................................................................................................... 12

3.1 Movimiento arquitectónico expresionista. ............................................................................... 12

4. ARQUITECTURA ................................................................................................................................ 14

4.1 Arquitectura escultorica .............................................................................................................. 15

4.2 Arquitectura de facade .............................................................................................................. 15

4.3 Forma de proyectar ..................................................................................................................... 16

4.4 Deutscher Werkbund ................................................................................................................... 16

4.5 Escuela de Ámsterdam................................................................................................................ 17

4.6 Arbeitsrat für Kunst ........................................................................................................................ 18

4.7 Der Ring .......................................................................................................................................... 19

4.8 Neues Bauen ................................................................................................................................. 19

5. ESCULTURA ....................................................................................................................................... 20

6. ARTISTAS INFLUYENTES ..................................................................................................................... 21

6.1 David Alfaro Siqueiros ................................................................................................................. 21

6.2 José Clemente Orozco ........................................................................................................... 23

6.3 Jorge González Camarena ............................................................................................................. 28

6.4 Diego Rivera ............................................................................................................................. 31

CONCLUSION .......................................................................................................................................... 33

BIBLIOGRAFIA .......................................................................................................................................... 34

- EXPRESIONISMO

3

INTRODUCCIÓN

El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como

de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad

de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear,

obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron

de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el

sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas)

Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la propia percepción de los

sentidos, puesto que la invención del automóvil, del telégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dio a

la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que requería de percepciones mucho más aceleradas.

Sin embargo, todos estos cambios no fueron aceptados con tanta euforia por la joven generación de

artistas como en su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de la modernización (alienación,

aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistas, en su

función de apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban

"un arte nuevo para un mundo nuevo". Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más

íntimos del ser humano...

- EXPRESIONISMO

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Capítulo 1

1. EL EXPRESIONISMO

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se

plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía,

etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición

del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de

las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un

movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de

tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al

impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo

XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior

del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más

subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la

descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a

cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de

diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.

Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término

genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura

que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera

Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un

deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los

lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión

subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual,

fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad,

a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica,

abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su

carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron

reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la

muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente

se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias

históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia

existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así,

mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e

interior.

El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un

expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista

(Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se

percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco,

- EXPRESIONISMO

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Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die

Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no

adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva

Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter

más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera

generación expresionista.

1.2 DEFINICION

La transición del siglo XIX al XX comportó numerosos cambios políticos, sociales y culturales. Por una

parte, el auge político y económico de la burguesía, que vivió en las últimas décadas del siglo XIX

(la Belle Époque) un momento de gran esplendor, reflejado en el modernismo, movimiento artístico

puesto al servicio del lujo y la ostentación desplegados por la nueva clase dirigente. Sin embargo, los

procesos revolucionarios efectuados desde la Revolución francesa (el último, en 1871, la

fracasada Comuna de París) y el temor a que se repitiesen llevaron a las clases políticas a hacer una serie

de concesiones, como las reformas laborales, los seguros sociales y la enseñanza básica obligatoria. Así,

el descenso del analfabetismo comportó un aumento de los medios de comunicación y una mayor

difusión de los fenómenos culturales, que adquirieron mayor alcance y mayor rapidez de difusión,

surgiendo la “cultura de masas”.

Por otro lado, los avances técnicos, especialmente en el terreno del arte la aparición de la fotografía y

el cine, llevaron al artista a plantearse la función de su trabajo, que ya no consistía en imitar a la

Imagen 1 Ecce homo (1925), de Lovis Corinth,

Pinacoteca de Basilea.

- EXPRESIONISMO

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realidad, pues las nuevas técnicas lo hacían de forma más objetiva, fácil y reproducible. Igualmente, las

nuevas teorías científicas llevaron a los artistas a cuestionarse la objetividad del mundo que percibimos:

la teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud y la subjetividad del tiempo

de Bergson provocaron que el artista se alejase cada vez más de la realidad. Así, la búsqueda de nuevos

lenguajes artísticos y nuevas formas de expresión comportó la aparición de los movimientos

de vanguardia, que supusieron una nueva relación del artista con el espectador: los artistas vanguardistas

buscaban integrar el arte con la vida, con la sociedad, hacer de su obra una expresión del inconsciente

colectivo de la sociedad que representa. A la vez, la interacción con el espectador provoca que éste se

involucre en la percepción y comprensión de la obra, así como en su difusión y mercantilización, factor

que llevará a un mayor auge de las galerías de arte y de los museos.

El expresionismo forma parte de las llamadas “vanguardias históricas”, es decir, las producidas desde

los primeros años del siglo XX, en el ambiente previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el final de

la Segunda Guerra Mundial (1945). Esta denominación incluye, además, al fauvismo, el cubismo,

el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, eldadaísmo, el surrealismo, etc. La vanguardia está

íntimamente ligada al concepto de modernidad, caracterizado por el fin del determinismo y de la

supremacía de la religión, sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la

confianza en la tecnología y el progreso, en las propias capacidades del ser humano. Así, los artistas

pretenden ponerse al frente del progreso social, expresar mediante su obra la evolución del ser humano

contemporáneo.

El término “expresionismo” fue utilizado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste Hervé,

que utilizó la palabra “expressionisme” para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de

los Independientes de París en 1901, en contraposición al impresionismo. El

término alemán “Expressionismus” fue adaptado directamente del francés –ya que expresión en alemán

es ‘Ausdruck’–, empleándose por primera vez en el catálogo de la XXII Exposición de la Secesión de

Berlín en 1911, que incluía tanto obras de artistas alemanes como franceses. En literatura, fue aplicado

por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller.5 Posteriormente, el término expresionismo fue

difundido por el escritor Herwarth Walden, editor de la revista Der Sturm (La tormenta), que se

convirtió en el principal centro difusor del expresionismo alemán. Walden aplicó inicialmente el término

a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920. En cambio, la aplicación del término expresionismo

ligado exclusivamente al arte alemán de vanguardia fue idea de Paul Fechter en su libro Der

Expressionismus (1914), que siguiendo las teorías de Worringer relacionó las nuevas manifestaciones

artísticas como una expresión del alma colectiva alemana.

- EXPRESIONISMO

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El expresionismo surgió como reacción al impresionismo:

así como los impresionistas plasmaban en el lienzo una

“impresión” del mundo circundante, un simple reflejo de los

sentidos, los expresionistas pretendían reflejar su mundo

interior, una “expresión” de sus propios sentimientos. Así,

los expresionistas emplearon la línea y el color de un modo

temperamental y emotivo, de fuerte contenido simbólico.

Esta reacción frente al impresionismo supuso una fuerte

ruptura con el arte elaborado por la generación precedente,

convirtiendo al expresionismo en un sinónimo del arte

moderno durante los primeros años del siglo XX.7 El

expresionismo supuso un nuevo concepto del arte, entendido

como una forma de captar la existencia, de traslucir en

imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente,

de reflejar lo inmutable y eterno del ser humano y la naturaleza. Así, el expresionismo fue el punto de

partida de un proceso de transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y

el informalismo. Los expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos, su

estado anímico, propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a un decadentismo de

corte neorromántico. Así, el arte era una experiencia catárquica, donde se purificaban los desahogos

espirituales, la angustia vital del artista.

En la génesis del expresionismo un factor fundamental fue el rechazo al positivismo, al progreso

cientificista, a la creencia en las posibilidades ilimitadas del ser humano basadas en la ciencia y la

técnica. En cambio, se empezó a generar un nuevo clima de pesimismo, de escepticismo, de

descontento, de crítica, de pérdida de valores. Se vislumbraba una crisis en el desarrollo humano, que

efectivamente se vio confirmada con el estallido de la Primera Guerra Mundial. También cabe destacar

en Alemania el rechazo al régimen imperialista de Guillermo II por parte de una minoría intelectual,

ahogada por el militarismo pangermanista del káiser. Estos factores propiciaron un caldo de cultivo en el

que progresivamente se fue gestando el expresionismo, cuyas primeras manifestaciones se produjeron en

el terreno de la literatura: Frank Wedekind denunció en sus obras la moral burguesa, frente a la que

oponía la libertad pasional de los instintos; Georg Trakl se evadió de la realidad refugiándose en un

mundo espiritual creado por el artista; Heinrich Mann fue quien más directamente denunció la sociedad

guillermina.

La aparición del expresionismo en un país como Alemania no fue un hecho aleatorio, sino que se explica

por el profundo estudio dedicado al arte durante el siglo XIX por los filósofos, artistas y teóricos

alemanes, desde el romanticismo y las múltiples aportaciones al campo de la estética de personajes

como Wagner y Nietzsche, hasta la estética cultural y la obra de autores como Konrad Fiedler (Para

enjuiciar obras de arte visual, 1876), Theodor Lipps (Estética, 1903-1906) y Wilhelm

Worringer (Abstracción y empatía, 1908). Esta corriente teórica dejó una profunda huella en los artistas

alemanes de finales del siglo XIX y principios del XX, centrada sobre todo en la necesidad de

expresarse del artista (la “innerer Drang” o necesidad interior, principio que asumió posteriormente

Kandinski), así como la constatación de una ruptura entre el artista y el mundo exterior, el ambiente que

lo envuelve, hecho que lo convierte en un ser introvertido y alienado de la sociedad. También influyó el

cambio producido en el ambiente cultural de la época, que se alejó del gusto clásico grecorromano para

admirar el arte popular, primitivo y exótico –sobre todo de África, Oceanía y Extremo Oriente–, así

como el arte medieval y la obra de artistas como Grünewald, Brueghel y El Greco.

Imagen 2. Tirol (1914), de Franz Marc,

Staatsgalerie Moderner Kunst, Múnich.

- EXPRESIONISMO

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En Alemania, el expresionismo fue más un concepto teórico, una propuesta ideológica, que no un

programa artístico colectivo, si bien se aprecia un sello estilístico común a todos sus miembros. Frente

al academicismo imperante en los centros artísticos oficiales, los expresionistas se agruparon en torno a

diversos centros de difusión del nuevo arte, especialmente en ciudades

como Berlín,Colonia, Múnich, Hannover y Dresde. Asimismo, su labor difusora a través de

publicaciones, galerías y exposiciones ayudaron a extender el nuevo estilo por toda Alemania y, más

tarde, toda Europa. Fue un movimiento heterogéneo que, aparte de la diversidad de sus manifestaciones,

realizadas en diversos lenguajes y medios artísticos, presentó numerosas diferencias e incluso

contradicciones en su seno, con gran divergencia estilística y temática entre los diversos grupos que

surgieron a lo largo del tiempo, e incluso entre los propios artistas que los integraban. Incluso los límites

cronológicos y geográficos de esta corriente son imprecisos: si bien la primera generación expresionista

(Die Brücke, Der Blaue Reiter) fue la más emblemática, la Nueva Objetividad y la exportación del

movimiento a otros países supuso su continuidad en el tiempo al menos hasta la Segunda Guerra

Mundial; geográficamente, si bien el centro neurálgico de este estilo se situó en Alemania, pronto se

extendió a otros países europeos e incluso del continente americano.

Después de la Primera Guerra Mundial el expresionismo pasó en Alemania de la pintura al cine y el

teatro, que utilizaban el estilo expresionista en sus decorados, pero de forma puramente estética,

desprovista de su significado original, de la subjetividad y el desgarramiento propios de los pintores

expresionistas, que se convirtieron paradójicamente en artistas malditos.13 Con el advenimiento

del nazismo, el expresionismo fue considerado como “arte degenerado” (Entartete Kunst),

relacionándolo con elcomunismo y tachándolo de inmoral y subversivo, al tiempo que consideraron que

su fealdad e inferioridad artística eran un signo de la decadencia del arte moderno (el decadentismo, por

su parte, había sido un movimiento artístico que tuvo cierto desarrollo). En 1937 se organizó una

exposición en elHofgarten de Múnich con el título precisamente de Arte degenerado, con el objetivo de

denostarlo y mostrar al público la baja calidad del arte producido en la República de Weimar. Para tal fin

fueron confiscadas unas 16.500 obras de diversos museos, no sólo de artistas alemanes, sino de

extranjeros como Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse,Picasso, Braque, Chagall, etc. La mayoría de

Imagen 3. El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner, Pinakothek der

Moderne, Múnich.

- EXPRESIONISMO

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esas obras fueron vendidas posteriormente a galeristas y marchantes, sobre todo en una gran subasta

celebrada en Lucerna en1939, aunque unas 5.000 de esas obras fueron directamente destruidas en marzo

de 1939, suponiendo un notable perjuicio para el arte alemán.14

Tras la Segunda Guerra Mundial el expresionismo desapareció como estilo, si bien ejerció una poderosa

influencia en muchas corrientes artísticas de la segunda mitad de siglo, como el expresionismo

abstracto norteamericano (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), el informalismo (Jean

Fautrier, Jean Dubuffet), el grupo CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) y

el neoexpresionismo alemán –directamente heredero de los artistas de Die Brücke y Der Blaue Reiter, lo

que queda patente en su nombre–, y artistas individuales como Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard

Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes, etc.

1.3 ORÍGENES E INFLUENCIAS

Aunque se conoce principalmente por expresionismo al movimiento artístico desarrollado en Alemania a

principios del siglo XX, muchos historiadores y críticos de arte también emplean este término de forma

más genérica para describir el estilo de gran variedad de artistas a lo largo de toda la Historia. Entendido

como la deformación de la realidad para buscar una expresión más emocional y subjetiva de la

naturaleza y del ser humano, el expresionismo es pues extrapolable a cualquier época y espacio

geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como El

Bosco, Matthias Grünewald,Quentin Metsys, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco, Francisco de

Goya, Honoré Daumier, etc.

Las raíces del expresionismo se encuentran en estilos como el simbolismo y el postimpresionismo, así

como en los Nabis y en artistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Asimismo,

tienen puntos de contacto con el neoimpresionismo y elfauvismo por su experimentación con el

color. Los expresionistas recibieron numerosas influencias: en primer lugar la del arte medieval,

especialmente el gótico alemán. De signo religioso y carácter trascendente, el arte medieval ponía

énfasis en la expresión, no en las formas: las figuras tenían poca corporeidad, perdiendo interés por la

realidad, las proporciones, la perspectiva. En cambio, acentuaba la expresión, sobre todo en la mirada:

los personajes se simbolizaban más que se representaban. Así, los expresionistas se inspiraron en los

principales artistas del gótico alemán, desarrollado a través de dos escuelas fundamentales: el estilo

internacional (finales del siglo XIV-primera mitad del XV), representado por Conrad Soest y Stefan

Imagen 4. La Crucifixión, tabla central del Retablo de Isenheim (1512-1516),

de Matthias Grünewald, Museo de Unterlinden, Colmar.

- EXPRESIONISMO

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Lochner; y el estilo flamenco(segunda mitad del siglo XV), desarrollado por Konrad Witz, Martin

Schongauer y Hans Holbein el Viejo. También se inspiraron en la escultura gótica alemana, que destacó

por su gran expresividad, con nombres como Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. Otro punto de

referencia fue Matthias Grünewald, pintor tardomedieval que aunque conoció las innovaciones del

Renacimiento siguió en una línea personal, caracterizada por la intensidad emocional, una expresiva

distorsión formal y un intenso colorido incandescente, como en su obra maestra, el Retablo de Isenheim.

Otro de los referentes del arte expresionista fue el arte primitivo, especialmente el de África y Oceanía,

difundido desde finales del siglo XIX por los museos etnográficos. Las vanguardias artísticas

encontraron en el arte primitivo una mayor libertad de expresión, originalidad, nuevas formas y

materiales, una nueva concepción del volumen y el color, así como una mayor trascendencia del objeto,

ya que en estas culturas no eran simples obras de arte, sino que tenían una finalidad religiosa, mágica,

totémica, votiva, suntuaria, etc. Son objetos que expresan una comunicación directa con la naturaleza,

así como con las fuerzas espirituales, con cultos y rituales, sin ningún de tipo de mediación o

interpretación.

Pero su mayor inspiración provino del postimpresionismo, especialmente de la obra de tres artistas: Paul

Cézanne, que comenzó un proceso de desfragmentación de la realidad

en formas geométricas que desembocó en el cubismo, reduciendo las

formas a cilindros, conos yesferas, y disolviendo el volumen a partir

de los puntos más esenciales de la composición. Colocaba el color por

capas, imbricando unos colores con otros, sin necesidad de líneas,

trabajando con manchas. No utilizaba la perspectiva, sino que la

superposición de tonos cálidos y fríos daba sensación de profundidad.

En segundo lugar Paul Gauguin, que aportó una nueva concepción

entre el plano pictórico y la profundidad del cuadro, a través de colores

planos y arbitrarios, que tienen un valor simbólico y decorativo, con

escenas de difícil clasificación, situadas entre la realidad y un mundo

onírico y mágico. Su estancia en Tahití provocó que su obra derivase a

un cierto primitivismo, con influencia del arte oceánico, reflejando el

mundo interior del artista en vez de imitar la realidad. Por

último, Vincent Van Gogh elaboraba su obra según criterios de

exaltación anímica, caracterizándose por la falta de perspectiva, la inestabilidad de los objetos y colores,

que rozan la arbitrariedad, sin imitar la realidad, sino que provienen del interior del artista. Debido a su

frágil salud mental sus obras son reflejo de su estado de ánimo, depresivo y torturado, lo que se refleja

en obras de pinceladas sinuosas y colores violentos.

En última instancia cabe remarcar la influencia de dos artistas que los expresionistas consideraron como

precedentes inmediatos: el noruego Edvard Munch, influido en sus inicios por el impresionismo y el

simbolismo, pronto derivó hacia un estilo personal que sería fiel reflejo de su interior obsesivo y

torturado, con escenas de ambiente opresivo y enigmático –centradas en el sexo, la enfermedad y la

muerte–, caracterizadas por la sinuosidad de la composición y un colorido fuerte y arbitrario. Las

imágenes angustiosas y desesperadas de Munch –como en El grito (1893), paradigma de la soledad y la

incomunicación– fueron uno de los principales puntos de arranque del expresionismo. Igual de

influyente fue la obra del belga James Ensor, que recogió la gran tradición artística de su país –en

especial Brueghel–, con preferencia por temas populares, traduciéndolo en escenas enigmáticas e

irreverentes, de carácter absurdo y burlesco, con un sentido del humor ácido y corrosivo, centrado en

Imagen 5. La iglesia de Auvers-sur-

Oise (1890), de Vincent Van

Gogh,Musée d'Orsay, París.

- EXPRESIONISMO

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figuras de vagabundos, borrachos, esqueletos, máscaras y escenas de carnaval. Así, La entrada de Cristo

a Bruselas representa la Pasión de Jesús en medio de un desfile de carnaval, obra que causó un gran

escándalo en su momento.

1.3.1 Influencias del expresionismo Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un país socialmente

desazonado en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la

pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y

concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.

Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es el simbolismo, que se extiende entre 1880 y

1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como un búsqueda en la cual el

artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos

subjetivos, las fantasías y los sueños.

Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo pasado por

encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor, mediante la utilización

de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de enmascarados y de personajes caricaturescos;

recreando la oposición hostil del individuo y la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor

se convierte en la expresión de lo amenazador y desconocido.

El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del miedo, la

desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos son temas que Munch

representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el grito sea la expresión pictórica de un

sentimiento de miedo personal mientras paseaba con un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el

desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de otras culturas.

Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia primitivista, representaron para

los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.

2. CARACTERÍSTICAS

A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente, carente de dogmas, se

pueden establecer una serie de criterios objetivos que la definen. Dentro de las múltiples obras

expresionistas que hoy se conocen, e independientemente de las grandes diferencias que entre ellas hay,

también se pueden ver aspectos comunes:

1. Distorsión de las formas para suscitar la emoción.

2. Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas, frente a la experiencia

interior.

3. Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo.

4. Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una exploración y representación

del concepto más profunda que la construcción misma.

5. Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único concepto.

- EXPRESIONISMO

12

6. Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas, los rayos,

el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un carácter

más mineral que vegetal o animal, característica presente también en el modernismo.

7. Uso del potencial creativo del artesano.

8. Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo.

9. Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible en el empleo de

influencias de culturas tan variadas como el islámico, Egipto, la India, o las

arquitecturas romana o griega.

10. Concepción artística de la arquitectura.

3. DESARROLLO La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria,

Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos materiales, suscitado en ocasiones por

el uso de formas biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de

materiales de construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas

combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y

sociales producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas utópicas y un

programa socialista romántico. La arquitectura expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre

todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De

carácter fuertemente experimental y utópico, las realizaciones de los expresionistas destacan por su

monumentalidad, el empleo del ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de

excentricidad.1

Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal (1914) de Paul

Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de artisticidad y defiende la sustitución del ladrillo

por el cristal. Vemos así, por ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914, de

Bruno Taut, autor que también plasmó su ideario por escrito (Arquitectura alpina, 1919).2 La

arquitectura expresionista se desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für

Kunst, Der Ring y Neues Bauen, vinculado este último a la Nueva Objetividad; también cabe destacar la

Escuela de Ámsterdam. Los principales arquitectos expresionistas fueron: Bruno Taut, Walter Gropius,

Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.

3.1 Movimiento arquitectónico expresionista.

Definen esencialmente el carácter expresivo en una obra:

➢ El Material

➢ La función

➢ La ornamentación

Un edificio es expresivo si este muestra la realidad constructiva, si en la fachada se muestra la función,

- EXPRESIONISMO

13

definimos así arquitectura expresiva El término expresión según el diccionario significa: manifestación,

declaración y especificación de una cosa. Manifestación de un pensamiento, sentimiento o deseo.

Concepto y pensamiento del expresionismo en el arte. El expresionismo es aquella corriente artística que

buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la

realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del

XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento,

particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de

representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa

sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas

se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

El expresionismo es una manera de Potenciar, el impacto emocional del espectador a través del colorido,

las formas retorcidas, la composiciónagresiva, etc., estos son algunos de los objetivos de los artistas que

practican esta forma de pintar. Siempre que respondan a esta intención de moldear la realidad para

volcarse sobre la emoción interior.

Algunos de los grandes maestros de la pintura se consideran expresionistas en este sentido. Tal sería el

caso del Greco, cuyas figuras son cualquier cosa menos realistas. También Edvar Munch fue un gran

cultivador del expresionismo en sus cuadros, así como Van Gogh, algunos cuadros de Gauguin, etc.

Según entraba el siglo XX el expresionismo se definió más como corriente característica dentro de los

"ismos" de la vanguardia, o mejor, en oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista del cubismo.

Estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la

literatura.

Munch, Edgard

Pintor de nacionalidad Noruega, nacido en el año 1863. Munch influyó en el Expresionismo alemán.

Su obra La Niña Enferma de 1885-1886 está inspirada en la muerte de su hermana por tuberculosis y en

ella se ve el expresionismo neurótico con que intensifica las imágenes de la realidad. Le fascinaba el arte

de Van Gogh y también le impresionó el brillante colorido del neoimpresionismo.

Caracteristicas Generales

• Realidad a partir del sentimiento de parte del Autor.

• Composición a través de pinceladas anchas y muy largas.

• Trazo arbitrario de color sin ninguna regla

El grito: Sentimientos del autor "Estaba allí, temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito

perforando la naturaleza". Estasfrases nos hablan de una hipersensibilidad del autor. La situación

personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y

traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente y se ocupa de retratar lo

más tétricamente posible, en el momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su

- EXPRESIONISMO

14

madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito

visceral.

Simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi

una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los colores,

violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al

espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos

testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima

perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla.

Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el

sentimiento del autor y no una verdad racional.

En estas pinturas que tenemos acá podemos ver una notable similitud en cuanto a la perspectiva forzada,

pero podemos ver también una notable diferencia en lo que se refiere a los trazos los colores y a las

formas que en la obra “EL GRITO” se presentan con más violencia. La madre muerta

La desesperación y el deseo de evasión se muestran en un personaje mediante la colocación de las

manos sobre la cabeza.

4. ARQUITECTURA

La arquitectura expresionista se desarrolló

principalmente en Alemania países

bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se

caracterizó por el uso de nuevos materiales,

suscitado en ocasiones por el uso de

formas biomórficas o por la ampliación de

posibilidades ofrecida por la fabricación en masa

de materiales de construcción como el ladrillo,

el acero o el vidrio. Muchos arquitectos

expresionistas combatieron en la Primera Guerra

Mundial, y su experiencia, combinada con los

cambios políticos y sociales producto de

la Revolución alemana de 1918, desembocaron en

perspectivas utópicas y un

programa socialista romántico. La arquitectura

expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van

de Velde,Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las

realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del ladrillo y la

composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad.

Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal (1914) de Paul

Scheerbart, donde ataca elfuncionalismo por su falta de artisticidad y defiende la sustitución del ladrillo

por el cristal. Vemos así, por ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914,

de Bruno Taut, autor que también plasmó su ideario por escrito (Arquitectura alpina, 1919). La

arquitectura expresionista se desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für

Kunst, Der Ring y Neues Bauen, vinculado este último a la Nueva Objetividad; también cabe destacar

Imagen 6. Goetheanum (1923), de Rudolf Steiner,Dornach.

- EXPRESIONISMO

15

la Escuela de Ámsterdam. Los principales arquitectos expresionistas fueron: Bruno Taut, Walter

Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf

Steiner.

“La expresividad de la Arquitectura depende directamente de las convicciones formales aceptadas por el

público”. El nuevo romanticismo en artesanal. En el periodo que siguió a la primera guerra mundial, se

también en un renacimiento, de los oficios manuales. La arquitectura expresionista `progreso

paralelamente en un boom de las industrias artesanales; después, cuando la vanguardia empezó a perder

interés por este tipo de industria, los días de expresionismo estuvieron también contados.

La actitud de los artistas exaltaba la estética de la máquina, pero por otro, diseñaban principalmente para

los métodos manuales de producción.

El mismísimo Meter Behrens, que en 1910 había denunciado todos estos sueños románticos y que en

1910 se había pronunciado contra una regresión de la producción industrial en serie que los oficios

manuales, promovía en 1922 estos oficios y aquel romanticismo diciendo que eran las cosas que hacían

soportable la vida. Este intento de retrasar el reloj de la historia es la cara reaccionaria del romanticismo.

Su cara progresista iba uncida a un pesimismo acerca del futuro de la civilización, algo que los

expresionistas comparten con los críticos del periodo moderno.

Las principal razón de que artistas y arquitectos tuviesen en tal alta estima los oficios manuales era que

parecían garantizar el contacto con el pueblo.

Adolf Verne le atribuía un sentido vigoroso y cordial de la forma, un color audaz y poderoso, un placer

por los perfiles atractivamente vivos, y una afición por lo novedoso y sorprendente. Se ignoraba el hecho

de que estas cualidades habían sido abstraídas de las obras del arte popular que hacía mucho tiempo

habían pasado a la historia. Como el retorno al campo, el retorno a los oficios manuales implicaba una

búsqueda romántica de los orígenes, una vuelta a la utopía conservadora.

4.1 Arquitectura escultorica

El carácter escultórico de los arquitectos de Ámsterdam intentaron dar a sus fachadas era: naturalmente

más fácil de conseguir en los edificios exentos. Muchas locuras de los arquitectos habrían sido

inaceptables de no haber presentado una remota similitud con propósitos familiares, pero sin embargo la

tradición tuvo también el efecto negativo ya que impidió a los arquitectos holandeses explorar

libremente sus inclinaciones al tratamiento escultórico de la forma.

Con su fidelidad al ladrillo, ignoraron las posibilidades del Hº. Aº. materia que Berlage había titulado el

material de la arquitectura monumental del futuro.

4.2 Arquitectura de facade

La arquitectura de los nuevos barrios residenciales de Ámsterdam era en gran medida una arquitectura

de fachada. Aplicando medios puramente formales se dio a cada calle y a cada bloque un carácter

distinto que permitía a sus habitantes identificarlos, muchos arquitectos comprendían que esta

característica chocaba con la esencia de la vivienda en serie pero una expresión estrictamente funcional

de estos suburbios con sus numerosas plantas idénticas, había desembocado en la monotonía.

Los arquitectos de la escuela de Ámsterdam rechazaban la monotonía inhumana. Los 22cm. del muro de

- EXPRESIONISMO

16

fachada deben conseguir el milagro, deben provocar la liberación de los que el hombre teme

inconcientemente.

4.3 Forma de proyectar Del interior al exterior: la fachada como resultado. Cuando él se enfrentaba a un proyecto lo hacía caso por caso y

sin una idea común más allá que darle la importancia que él creía necesaria a la función de edificio. Esto producía

que sus edificios crecieran de dentro para fuera y sin darla más función a la fachada que mostrar el mero resultado

de lo que ocurría en el interior del edificio. Pese a eso, hubo de hacer encargos en los que sólo se encargó de

diseñar la fachada y lo hizo de forma más que notable.

Esta forma de pensar hace que edificios pasen casi desapercibidos para el peatón desde el exterior, pero que sean

obras de gran calidad formal, espacial y funcional. Esa importancia de la función hace que sus proyectos tengan

formas aparentementecaprichosas pero que en el fondo están meticulosamente estudiadas. Cuando Adolf Hitler

llegó al poder no se exilió voluntariamente de Alemania como lo hicieran otros compañeros de profesión, tuvo

que mantenerse con encargos de viviendas unifamiliares, ya que no comulgaba con la arquitectura del régimen

nacionalsocialista.

4.4 Deutscher Werkbund

La Deutscher Werkbund (Federación alemana del trabajo) fue el primer movimiento arquitectónico

relacionado con el expresionismo producido en Alemania. Fundada en Múnich el 9 de

octubre de 1907 por Hermann Muthesius, Friedrich Naumann y Karl Schmidt, incorporó posteriormente

a figuras como Walter Gropius, Bruno Taut, Hans Poelzig, Peter Behrens, Theodor Fischer, Josef

Hoffmann, Wilhelm Kreis, Adelbert Niemeyer y Richard Riemerschmidt. Heredera del Jugendstil y de

la Sezession vienesa, e inspirada en el movimiento Arts and Crafts, su objetivo era la integración de

arquitectura, industria y artesanía a través del trabajo profesional, la educación y la publicidad, así como

introducir el diseño arquitectónico en la modernidad y conferirle un carácter industrial. Las principales

características del movimiento fueron el uso de nuevos materiales como el vidrio y el acero, la

importancia del diseño industrial y el funcionalismo decorativo.

La Deutscher Werkbund organizó diversas conferencias publicadas posteriormente en forma de

anuarios, como El arte en la industria y el comercio (1913) y El transporte (1914). Asimismo, en 1914

Imagen 7. Pabellón de Cristal para la Exposición

deColonia de 1914, de Bruno Taut.

- EXPRESIONISMO

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celebraron una exposición en Colonia que obtuvo un gran éxito y difusión internacional, destacando el

pabellón de vidrio y acero diseñado por Bruno Taut. El éxito de la exposición provocó un gran auge del

movimiento, que pasó de tener 491 miembros en 1908 a 3000 en 1929. Durante la Primera Guerra

Mundial estuvo a punto de desaparecer, pero resurgió en 1919 tras una convención en Stuttgart, donde

fue elegido presidente Hans Poelzig –sustituido en 1921 por Riemerschmidt–. Durante esos años se

produjeron varias controversias sobre si debía primar más el diseño industrial o el artístico,

produciéndose diversas disensiones en el grupo.

En los años 1920 el movimiento derivó del expresionismo y la artesanía al funcionalismo y la industria,

incorporando nuevos miembros como Ludwig Mies van der Rohe. Se editó una nueva revista, Die

Form (1922-1934), que difundió las nuevas ideas del grupo, centradas en el aspecto social de la

arquitectura y en el desarrollo urbanístico. En 1927celebraron una nueva exposición en Stuttgart,

construyendo una gran colonia de viviendas, la Weissenhofsiedlung, con diseño de Mies van der Rohe y

edificios construidos por Gropius, Behrens, Poelzig, Taut, etc., junto a arquitectos de fuera de Alemania

como Jacobus Johannes Pieter Oud, Le Corbusier y Victor Bourgeois. Esta muestra fue uno de los

puntos de partida del nuevo estilo arquitectónico que empezaba a surgir, conocido como estilo

internacional o racionalismo. La Deutscher Werkbund se disolvió en 1934debido principalmente a la

crisis económica y al nazismo. Su espíritu influyó enormemente en la Bauhaus, e inspiró la fundación de

organismos parecidos en otros países, comoSuiza, Austria, Suecia y Gran Bretaña.

4.5 Escuela de Ámsterdam

Paralelamente a la Deutscher Werkbund alemana, entre 1915 y 1930 se desarrolló una notable escuela

arquitectónica de carácter expresionista en Ámsterdam (Países Bajos). Influidos por el modernismo

(principalmente Henry van de Velde y Antoni Gaudí) y por Hendrik Petrus Berlage, se inspiraron en las

formas naturales, con edificios de diseño imaginativo donde predomina el uso del ladrillo y el hormigón.

Sus principales miembros fueron Michel de Klerk, Piet Kramer y Johan van der Mey, que trabajaron de

forma conjunta infinidad de veces, contribuyendo en gran manera al desarrollo urbanístico de

Ámsterdam, con un estilo orgánico inspirado en la arquitectura tradicional holandesa, destacando las

superficies onduladas. Sus principales obras fueron el Scheepvaarthuis (Van der Mey, 1911-1916) y

el Eigen Haard Estate (De Klerk, 1913-1920).

- EXPRESIONISMO

18

4.6 Arbeitsrat für Kunst

El Arbeitsrat für Kunst (Consejo de trabajadores del arte) fue fundado en 1918 en Berlín por el

arquitecto Bruno Taut y el crítico Adolf Behne. Surgido tras el fin de la Primera Guerra Mundial, su

objetivo era la creación de un grupo de artistas que pudiese influir en el nuevo gobierno alemán, con

vistas a la regeneración de la arquitectura nacional, con un claro componente utópico. Sus obras

destacan por el uso del vidrio y el acero, así como por las formas imaginativas y cargadas de un intenso

misticismo. Enseguida captaron miembros provenientes de la Deutscher Werkbund, como Walter

Gropius, Erich Mendelsohn, Otto Bartning y Ludwig Hilberseimer, y contaron con la colaboración de

otros artistas, como los pintoresLyonel Feininger, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil

Nolde y Max Pechstein, y los escultores Georg Kolbe, Rudolf Belling y Gerhard Marcks. Esta variedad

se explica porque las aspiraciones del grupo eran más políticas que artísticas, pretendiendo influir en las

decisiones del nuevo gobierno en torno al arte y la arquitectura. Sin embargo, tras los sucesos de enero

de 1919 relacionados con la Liga Espartaquista, el grupo renunció a sus fines políticos, dedicándose a

organizar exposiciones. Taut dimitió como presidente, siendo sustituido por Gropius, aunque finalmente

se disolvieron el 30 de mayode 1921.

Imagen 8. Torre Einstein (1919-22), de Erich Mendelsohn,

Potsdam.

- EXPRESIONISMO

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4.7 Der Ring

El grupo Der Ring (El círculo) fue fundado en Berlín en 1923 por

Bruno Taut, Ludwig Mies van der Rohe, Peter Behrens, Erich

Mendelsohn, Otto Bartning, Hugo Häring y varios arquitectos más,

a los que pronto se añadieron Walter Gropius, Ludwig

Hilberseimer, Hans Scharoun, Ernst May, Hans y Wassili

Luckhardt, Adolf Meyer, Martin Wagner, etc. Su objetivo era, al

igual que en los movimientos precedentes, renovar la arquitectura

de su época, poniendo especial énfasis en los aspectos sociales y

urbanísticos, así como en la investigación en nuevos materiales y

técnicas de construcción. Entre 1926 y 1930 desarrollaron una

notable labor de construcción de viviendas sociales en Berlín, con

casas que destacan por el aprovechamiento de la luz natural y su

ubicación en zonas verdes, destacando la Hufeisensiedlung (Colonia

de la Herradura, 1925-1930), de Taut y Wagner. Der

Ring desapareció en 1933 tras el advenimiento Del nazismo.

4.8 Neues Bauen

Neues Bauen (Nueva construcción) fue el nombre que se dio en arquitectura a la Nueva Objetividad,

reacción directa a los excesos estilísticos de la arquitectura expresionista y el cambio en el estado de

ánimo nacional, en el que predominaba el componente social sobre el individual. Arquitectos como

Bruno Taut, Erich Mendelsohn y Hans Poelzig se volvieron hacia el enfoque sencillo, funcional y

práctico de la Nueva Objetividad. La Neues Bauen floreció en el breve período entre la adopción

del plan Dawes y el auge del nazismo, abarcando exposiciones públicas como el Weissenhof Estate, el

amplio planeamiento urbano y proyectos de promociones públicas de Taut y Ernst May, y los

influyentes experimentos de la Bauhaus.

Imagen 9. Chilehaus (1923),

de Fritz Höger,Hamburgo.

- EXPRESIONISMO

20

5. ESCULTURA

La escultura expresionista no tuvo un sello estilístico común,

siendo el producto individual de varios artistas que reflejaron en

su obra o bien la temática o bien la distorsión formal propias del

expresionismo. Destacan especialmente tres nombres:

Ernst Barlach: inspirado en el arte popular ruso –tras un

viaje al país eslavo en 1906– y la escultura medieval alemana,

así como en Brueghel y El Bosco, sus obras tienen cierto

aire caricaturesco, trabajando mucho el volumen, la profundidad

y la articulación del movimiento. Desarrolló dos temáticas

principales: lo popular (costumbres cotidianas, escenas

campesinas) y –sobre todo después de la guerra– el miedo, la

angustia, el terror. No imitaba la realidad, sino que creaba una

realidad nueva, jugando con las líneas quebradas y los ángulos,

con anatomías distanciadas del naturalismo, tendiendo a la

geometrización. Trabajó preferentemente enmadera y yeso, que

en ocasiones pasaba posteriormente al bronce. Entre sus obras

destacan: El fugitivo (1920-1925), El vengador (1922), La

muerte en la vida (1926), El flautista (1928), El

bebedor (1933), Vieja friolera (1939), etc.

Wilhelm Lehmbruck: educado en París, su obra tiene un marcado carácter clasicista, si bien

deformado y estilizado, y con una fuerte carga introspectiva y emocional. Durante su formación

en Düsseldorf evolucionó desde un naturalismo de corte sentimental, pasando por un

dramatismo barroco con influencia de Rodin, hasta un realismo influido por Meunier. En 1910 se

instaló en París, donde acusó la influencia de Maillol. Por último, tras un viaje

a Italia en 1912 comenzó una mayor geometrización y estilización de la anatomía, con cierta

influencia medieval en el alargamiento de sus figuras (Mujer arrodillada, 1911; Joven de pie,

1913).

Käthe Kollwitz: esposa de un médico de un barrio pobre de Berlín, conoció de cerca la miseria

humana, hecho que la marcó profundamente. Socialista

y feminista, su obra tiene un marcado componente de

reivindicación social, con

esculturas, litografías yaguafuertes que destacan por su

crudeza: La revuelta de los tejedores (1907-1908), La

guerra de los campesinos (1902-1908), Homenaje a

Karl Liebknecht (1919-1920).

Los miembros de Die Brücke (Kirchner, Heckel, Schmidt-

Rottluff) también practicaron la escultura, ya que su

experimentación con laxilografía les permitió fácilmente pasar a

Imagen 10. El espíritu

guerrero (1928), de Ernst Barlach,

Gethsemanekirche, Berlín.

.

Imagen 11. Madre con

gemelos (1927), de Käthe Kollwitz,

Käthe-Kollwitz-Museum, Berlín.

- EXPRESIONISMO

21

la talla de madera, material que les resultaba muy conveniente para su expresión intimista de la realidad,

ya que la tosquedad y el aspecto irregular de ese material, su aspecto bruto e inacabado, incluso

primitivo, suponían la perfecta expresión de su concepto del ser humano y la naturaleza. Se percibe en

estas obras la influencia del arte africano y oceánico, del que alababan su simplicidad y su aspecto

totémico, que trasciende el arte para ser objeto de comunicación trascendental.

En la década de 1920, la escultura derivó hacia la abstracción, siguiendo el rumbo de las últimas obras

de Lehmbruck, de marcada estilización geométrica tendente a la abstracción. Así, la obra de escultores

como Rudolf Belling, Oskar Schlemmer y Otto Freundlichse caracterizó por el abandono de la

figuración en aras de una liberación formal y temática de la escultura. Sin embargo, perduró un cierto

clasicismo, influido por Maillol, en la obra de Georg Kolbe, dedicado especialmente al desnudo, con

figuras dinámicas, en movimientos rítmicos cercanos al ballet, con una actitud vitalista, alegre y

saludable que fue bien recibida por los nazis. Su obra más famosa fue La Mañana, expuesta en

el Pabellón de Alemania construido por Ludwig Mies van der Rohe para la Exposición

Internacional de Barcelona de 1929. Gerhard Marcks realizó una obra igualmente figurativa, pero más

estática y de temática más expresiva y compleja, con figuras de aspecto arcaico, inspiradas en las tallas

medievales. Ewald Mataré se dedicó principalmente a los animales, de formas casi abstractas, siguiendo

el camino iniciado por Marc en Der Blaue Reiter. Otros escultores expresionistas fueron Bernhard

Hoetger, Ernst Oldenburgy Renée Sintenis, mientras que fuera de Alemania cabría citar

al francés Antoine Bourdelle, el británico Jacob Epstein, el croata Ivan Meštrović, el español Victorio

Macho, elholandés Lambertus Zijl, el polaco August Zamoyski y el finlandés Wäinö Aaltonen.

6. ARTISTAS INFLUYENTES

6.1 David Alfaro Siqueiros

(Chihuahua, 1898 - Cuernavaca, 1974) Pintor

mexicano, figura máxima, junto a Diego Rivera y

José Clemente Orozco, del muralismo mexicano.

Tributaria de la estética expresionista y la retórica

declamatoria que le exigía su radicalismo político,

su pintura aunó la tradición popular mexicana con

las preocupaciones del surrealismo y el

expresionismo europeos.

En 1914, con apenas dieciséis años, se alistó en el

ejército constitucionalista para luchar por la

Revolución, una experiencia que le llevaría a

descubrir "las masas trabajadoras, los obreros,

campesinos, artesanos y los indígenas... (y sobre

todo), las enormes tradiciones culturales de nuestro

país, particularmente en lo que se refiere a las

Imagen 12. Autorretrato de David Alfaro Siqueiros

- EXPRESIONISMO

22

extraordinarias civilizaciones precolombinas."

Pero si importante fue la influencia de este hallazgo en años clave para su formación, no lo fue menos la

huella que dejaron en él los tres años que pasó en Europa, hacia donde partió en 1919. La suma de

ambas experiencias determinó por igual su pensamiento artístico, que cristalizó en el manifiesto que

publicó en Barcelona en la revista Vida Americana en mayo de 1921, coincidiendo con los primeros

encargos de Vasconcelos.

Sin embargo, pronto se deterioraron sus relaciones con el gobierno. Su afiliación al Partido Comunista

de México, su decisiva participación en la fundación del Sindicato de artistas y de su periódico (El

Machete), junto a la creciente oposición a la política oficial manifestada a través de sus artículos,

hicieron que dejara de recibir encargos a partir de 1924 y que, al año siguiente, decidiera dedicarse

exclusivamente a las actividades políticas.

Siqueiros reiniciaría su trayectoria artística en los años treinta, pero fue la militancia ideológica la que

determinó el rumbo de su vida. En 1930, tras pasar varios meses en la cárcel por su participación en la

manifestación del 1 de mayo, Siqueiros fue mandado al exilio interior en Taxco. En 1936 volvió a

luchar, esta vez en la guerra civil española, al lado del ejército republicano. De 1940 a 1944 estuvo

desterrado en Chile por su participación en el asesinato de Trosky y en 1960 fue encarcelado de nuevo

acusado de promover la "disolución social". Cuando salió de la cárcel, cuatro años después, llevaba

consigo las ideas de la que sería su última obra: Marcha de la Humanidad en América Latina hacia el

cosmos.

Para Siqueiros socialismo revolucionario y modernidad tecnológica eran conceptos íntimamente

relacionados. Estaba convencido de que la naturaleza revolucionaria del arte no dependía tan sólo del

contenido de sus imágenes sino de la creación de un equivalente estético y tecnológico en consonancia

con los contenidos. Toda su vida artística estuvo presidida por la voluntad de crear una pintura mural

experimental e innovadora.

Siqueiros adaptaba sus composiciones a lo que él

llamó la "arquitectura dinámica", basada en la

construcción de composiciones en perspectiva

poliangular. Para ello estudiaba cuidadosamente

los posibles recorridos de los futuros espectadores

en los lugares que albergarían sus murales y

definía así los puntos focales de la composición.

Siqueiros llegó a utilizar una cámara de cine para

reproducir la visión de un espectador en

movimiento y ajustar más eficazmente la

composición a esa mirada dinámica.

Su anhelo por lograr la adecuación entre las

Imagen 13. Detalle del Retrato de la clase media de

Siqueiros

- EXPRESIONISMO

23

técnicas pictóricas y la contemporaneidad tecnológica le llevó a crear en 1936 un Taller Experimental en

Nueva York. Las prácticas del taller buscaban integrar la arquitectura, la pintura y la escultura con los

métodos y materiales ofrecidos por la industria. Allí se experimentaba a partir de lo que Siqueiros

denominaba "el accidente pictórico", esto es, la práctica de la improvisación mediante técnicas como el

goteo de pintura y las texturas con arena. Los chorreones y salpicaduras dejadas caer sobre el lienzo, que

luego pasarían a ser emblemáticas del expresionismo abstracto americano, fueron una práctica gestada

en el taller de Siqueiros, al que asistieron Jackson Pollock y otros jóvenes que llegarían a formar la

primera generación de artistas estadounidenses con un lenguaje propio.

El mural que realizó en la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas (1939-1940, Ciudad de México)

bajo el título Retrato de la burguesía, recoge el aprendizaje obtenido tras las investigaciones efectuadas

a lo largo de toda la década de los treinta y constituye una de las obras murales más significativas del

siglo XX. Siqueiros eligió para el mural la escalera principal del edificio.

La primera fase del proyecto, para el que contó con un equipo de ayudantes en el que figuraban artistas

tan significativos como Josep Renau, consistió en un análisis del espacio arquitectónico. El objetivo era

adecuar la composición de modo que las tres paredes y el techo quedaran integrados en una superficie

pictórica continua. Para Siqueiros crear un campo visual dinámico y continuo, en sintonía con el del

espectador que subiera o bajara la escalera, era tan importante como el tema representado.

6.2 José Clemente Orozco

(Zapotlán, actual Ciudad Guzmán, 1883 - México, 1949) Muralista mexicano. Unido por vínculos de

afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a las controvertidas personalidades

de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período

de entreguerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas

por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.

Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latinoamérica, aunque la afirmación tenga

sólo un valor relativo y deban considerarse las peculiares características del arte que practicaba,

poderosamente influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que

informó el trabajo de los muralistas mexicanos. Empeñados éstos en llevar a cabo una tarea de

educación de las masas populares, con objeto de incitarlas a la toma de conciencia revolucionaria y

nacional, debieron buscar un lenguaje plástico directo, sencillo y poderoso, sin demasiadas concesiones

al experimentalismo vanguardista.

A los veintitrés años ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos para completar su formación

académica, puesto que su familia había decidido que aprovechara sus innegables condiciones para el

dibujo en "unos estudios que le aseguraran el porvenir y que, además, pudieran servir para administrar

sus tierras", por lo que el muchacho inició la carrera de ingeniero agrónomo. El destino profesional que

el entorno familiar le reservaba no satisfacía en absoluto las aspiraciones de Orozco, que muy pronto

- EXPRESIONISMO

24

tuvo que afrontar las consecuencias de un combate interior en el que su talento artístico se rebelaba ante

unos estudios que no le interesaban. Y ya en 1909 decidió consagrarse por completo a la pintura.

Durante cinco años, de 1911 a 1916, para conseguir los ingresos económicos que le permitieran

dedicarse a su vocación, colaboró como caricaturista en algunas publicaciones, entre ellas El Hijo del

Ahuizote y La Vanguardia, y realizó una notable serie de acuarelas ambientadas en los barrios bajos de

la capital mexicana, con especial presencia de unos antros nocturnos, muchas veces sórdidos,

demostrando en ambas facetas, la del caricaturista de actualidad y la del pintor, una originalidad muy

influida por las tendencias expresionistas.

De esa época es, también, su primer cuadro de grandes dimensiones, Las últimas fuerzas españolas

evacuando con honor el castillo de San Juan de Ulúa (1915) y su primera exposición pública, en 1916,

en la librería Biblos de Ciudad de México, constituida por un centenar de pinturas, acuarelas y dibujos

que, con el título de La Casa de las Lágrimas, estaban consagrados a las prostitutas y revelaban una

originalidad en la concepción, una búsqueda de lo "diferente" que no excluía la compasión y optaba,

decididamente, por la crítica social.

Puede hallarse en las pinturas de esta primera época una evidente conexión, aunque no una visible

influencia, con las del gran pintor francés Toulouse-Lautrec, ya que el mexicano realizó también en sus

lienzos una pintura para "la gente de la calle", lo que se ha denominado "el gran público", y ambos

eligieron como tema y plasmaron en sus telas el ambiente de los cafés, los cabarets y las casas de mala

nota.

Orozco consiguió dar a sus obras un cálido clima

afectivo, una violencia incluso, que le valió el

calificativo de "Goya mexicano", porque

conseguía reflejar en el lienzo algo más que la

realidad física del modelo elegido, de modo que

en su pintura (especialmente la de caballete)

puede captarse una oscura vibración humana a la

que no son ajenas las circunstancias del modelo.

Conservó este sobrenombre para dar testimonio

de la Revolución Mexicana con sus caricaturas en

La Vanguardia, uniéndose de ese modo a la

tradición satírica inaugurada, a finales del siglo

XIX, por Escalante y Villanuesa.

Un año decisivo

Una fecha significativa en la trayectoria pictórica de José Clemente Orozco es el año 1922. Por ese

entonces se unió a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y otros artistas para iniciar el movimiento

muralista mexicano, que tan gran predicamento internacional llegó a tener y que llenó de monumentales

obras las ciudades del país. De tendencia nacionalista, didáctica y popular, el movimiento pretendía

Imagen 14. Dioses del mundo moderno (1932)

- EXPRESIONISMO

25

poner en práctica la concepción del "arte de la calle" que los pintores defendían, poniéndolo al servicio

de una ideología claramente izquierdista.

Desde el punto de vista formal, la principal característica de los colosales frescos que realizaba el grupo

era su abandono de las pautas y directrices académicas, pero sin someterse a las "recetas" artísticas y a

las innovaciones procedentes de Europa: sus creaciones preferían volverse hacia lo que consideraban las

fuentes del arte precolombino y las raíces populares mexicanas. Los artistas crearon así un estilo que se

adaptaba a la tarea que se habían asignado, a sus preocupaciones políticas y sociales y su voluntad

didáctica; más tarde (junto a Rivera y Siqueiros) actuó en el Sindicato de Pintores y Escultores,

decorando con vastos murales numerosos monumentos públicos y exigiendo para su trabajo, en un claro

gesto que se quería ejemplarizante y reivindicativo, una remuneración equivalente al salario de cualquier

obrero.

Orozco era pues un artista que optó por el "compromiso político", un artista cuyos temas referentes a la

Revolución reflejan, con atormentado vigor e insuperable maestría, la tragedia y el heroísmo que llenan

la historia mexicana, pero que dan fe también de una notable penetración cuando capta los tipos

culturales o retrata el gran mosaico étnico de su país.

Embajador artístico e incansable viajero

En 1928 el artista decide realizar un viaje por el extranjero. Se dirigió a Nueva York para presentar una

exposición de sus Dibujos de la Revolución; inició de ese modo una actividad que le permitirá cubrir sus

necesidades, pues Orozco se financia a partir de entonces gracias a sus numerosas exposiciones en

distintos países. Su exposición neoyorquina tuvo un éxito notable, que fructificó dos años después, en

1930, en un encargo para realizar las decoraciones murales para el Pomona College de California, de las

que merece ser destacado un grandilocuente y poderoso Prometeo; en 1931 decoró, también, la New

School for Social Research de Nueva York.

Pero pese a haber roto con los moldes academicistas y a su rechazo a las innovaciones estéticas de la

vieja Europa, el pintor sentía una ardiente

curiosidad, un casi incontenible deseo de

conocer un continente en el que habían

florecido tantas civilizaciones. Los beneficios

obtenidos con su trabajo en Nueva York y

California le permitieron llevar a cabo el soñado

viaje. Permaneció en España e Italia, dedicado a

visitar museos y estudiar las obras de sus más

destacados pintores.

Se interesó por el arte barroco y, desde

entonces, puede observarse cierta influencia de

estas obras en sus posteriores realizaciones, Imagen 15. Prometeo (1944)

- EXPRESIONISMO

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sobre todo en la organización compositiva de los grupos humanos, en la que son evidentes las grandes

diagonales, así como en la utilización de los teatrales efectos del claroscuro, que descubrió al estudiar las

obras de Velázquez y Caravaggio, que le permitió conseguir en sus creaciones un poderoso efecto

dramático del que hasta entonces carecía, gracias al contraste entre luces y sombras y a las mesuradas

gradaciones del negro en perspectivas aéreas.

Se dirigió luego a Inglaterra pero el carácter inglés, que le parecía "frío y poco apasionado", no le gustó

en absoluto y, tras permanecer breve tiempo en París, para tomar contacto con "las últimas tendencias

del momento", decidió emprender el regreso a su tierra natal. Allí inició de nuevo la realización de

grandes pinturas murales para los edificios públicos.

Con la clara voluntad de ser un intérprete plástico de la Revolución, José Clemente Orozco puso en pie

una obra monumental, profundamente dramática por su contenido y sus temas referidos a los

acontecimientos históricos, sociales y políticos que había vivido el país, contemplado siempre desde el

desencanto y desde una perspectiva de izquierdas, extremadamente crítica, pero también por su estilo y

su forma, por el trazo, la paleta y la composición de sus pinturas, puestas al servicio de una expresividad

violenta y desgarradora.

Su obra podría enmarcarse en un realismo ferozmente expresionista, fruto tal vez de su contacto con las

vanguardias parisinas, a pesar de su consciente rechazo de las influencias estéticas del Viejo Mundo; el

suyo es un expresionismo que se manifiesta en grandes composiciones, las cuales, por su rigor

geométrico y el hieratismo de sus robustos personajes, nos hacen pensar, hasta cierto punto, en algunos

ejemplos de la escultura precolombina. Hay que recordar al respecto que Orozco, Rivera y Siqueiros, el

"grupo de los tres" como les gustaba llamarse, defendían el regreso a los orígenes, a la pureza de las

formas mayas y aztecas, como principal característica de su trabajo artístico.

Una vastísima obra monumental

Cuando, en 1945, publicó su autobiografía, el cansancio por una lucha política muchas veces

traicionada, el desencanto por las experiencias vividas en los últimos años y, tal vez, también el

inevitable paso de los años, se concretan en unas páginas de evidente cinismo de las que brota un aura

desengañada y pesimista. Europa nunca llegó a comprenderle, porque sus inquietudes estaban muy

alejadas de las preocupaciones que agitaban, en su época, al continente, y porque no entendía, tampoco,

el contexto social en el que Orozco se movía.

Su gigantismo, sus llamativos colores, aquella figuración narrativa que caía, de vez en cuando, en lo

anecdótico, respondían a unas necesidades objetivas, a una lucha en definitiva, que parecieron exóticas

en el contexto europeo. Era un arte que pretendía servir al pueblo, ponerse al servicio de cierta

interpretación de la historia, en unos murales de convincente fuerza expresiva.

Hay que poner de relieve, como muestra del trabajo y las líneas creativas del pintor, las obras que

realizó, entre 1922 y 1926, para la Escuela Nacional Preparatoria de México D. F., entre las que hay

un Cortés y la Malinche, cuyo tema pone de relieve un momento crucial en la historia de México, en

- EXPRESIONISMO

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trazos transidos de luces y sombras. De 1932 a 1934, realizó para la Biblioteca Baker del Darmouth

College, Hannover, New Hampshire, Estados Unidos, una serie de seis frescos monumentales, uno de

los cuales, La enseñanza libresca genera monstruos, además de aludir oscuramente a su maestro Goya,

supone una sarcástica advertencia en un edificio destinado, precisamente, a albergar la biblioteca de una

institución docente.

Para la Suprema Corte de Justicia de México D.

F., Orozco realizó dos murales que son un

compendio de las obsesiones de su vida: La

justicia y Luchas proletarias, pintados durante

1940 y 1941. Por fin, en 1948 y para el Castillo

de Chapultepec, en México D. F., Orozco llevó

a cabo el que debía ser su último gran mural,

como homenaje a uno de los políticos que, por

sus orígenes indígenas y su talante liberal, más

cerca estaban del artista: Benito Juárez.

Miembro fundador de El Colegio Nacional y

Premio Nacional de Artes en 1946, practicó

también el grabado y la litografía. Dejó, además,

una abundante obra de caballete, caracterizada

por la soltura de su técnica y sus pinceladas

amplias y prolongadas; sus lienzos parecen a

veces una sinfonía de tonos oscuros y sombríos,

mientras en otras ocasiones su paleta opta por

un colorido brillante y casi explosivo.

Entre sus cuadros más significativos hay que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena muestra de

su primer interés por los ambientes sórdidos de la capital;Combate, de 1920, y Cristo destruye su cruz,

pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la actitud vital e ideológica que

informó toda la vida del artista. De entre sus últimas producciones en caballete, el Museo de Arte

Carrillo, en México D. F., alberga una Resurrección de Lázaro, pintada en 1947, casi al final de su vida.

En la producción de sus años postreros puede advertirse un afán innovador, un deseo de experimentar

con nuevas técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya realización utilizó

fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la pintura nacional y la importancia

de su figura artística decidieron al presidente Miguel Alemán ordenar que sus restos recibieran sepultura

en el Panteón de los Hombres Ilustres.

Imagen 16. Cortés y la Malinche

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6.3 Jorge González Camarena

La historia de México, sus raíces e imaginario nunca fueron tan majestuosos como cuando los retrató

Jorge González Camarena, uno de los grandes pintores que ha dado el país, tan genial como su gran

amigo Diego Rivera, pero sin el reconocimiento mundial de éste.

Hoy lunes 24 de marzo se cumplen cien años del nacimiento del artista, quien dedicó casi toda su vida al

muralismo, la pintura de caballete (más de 2 mil piezas) y la escultura, sobre todo para narrar, mediante

su obra, la época que le tocó vivir, “con un profundo compromiso nacional”, como él mismo explicó al

recibir el Premio Nacional de Artes en 1970.

No obstante la gran relevancia del legado del pintor jalisciense, éste padece la indiferencia oficial: “si

viviéramos en otra época sería distinto, pero a la actual burocracia cultural la obra de mi abuelo

simplemente no le interesa o ni la conocen”, explica Marcel, el nieto mayor de González Camarena.

Es por ello que el homenaje para celebrar el centenario del natalicio del artista no será hoy, como

correspondería a su gran talento, en el Palacio de Bellas Artes, donde se encuentra su espléndido

mural Liberación, en el cual plasma que el hombre sólo puede librarse de sus ataduras por medio del

conocimiento, sino en una sencilla ceremonia organizada por el Instituto Politécnico Nacional (IPN),

que exhibe en sus muros Alegoría de la ciencia y la tierra.

Jorge González Camarena nació el 24 de marzo de 1908 en Guadalajara, Jalisco, donde residían sus

padres, Arturo González y Sara Camarena, originarios de Arandas, quienes inculcaron en su familia el

amor y el respeto por la riqueza cultural del país.

Tuvo siete hermanos, entre ellos Guillermo (el inventor de la televisión a color y con quien

frecuentemente se confunde al muralista).

Desde niño, Coque (como lo llamó siempre con afecto su nieto Marcel) se sintió atraído por el arte. Sus

primeros trabajos los realizó tallando guijarros hasta darles la forma que quería, moldeando arcilla que

cocía en un horno construido por él mismo o bien dibujando tiras cómicas protagonizadas por personajes

de su invención, losChiquinitos, las cuales vendía a sus compañeros de la escuela.

Cuando la familia González Camarena se mudó a la ciudad de México, el maestro de pintura de la

primaria donde estudiaba Jorge, el pintor Francisco Zenteno, reconoció sus dotes artísticas y le aconsejó

ingresar a la Academia de San Carlos.

Así fue como, a los 14 años, el muchacho comenzó a asistir a la institución donde pronto se convirtió en

ayudante de Gerardo Murillo, Dr. Atl, al tiempo que demostró su interés por defender al gremio artístico.

Promovió el movimiento estudiantil para llevar a Diego Rivera a la dirección de San Carlos, y formó

parte del consejo de maestros y alumnos para formular un plan de estudios más avanzado.

En 1929, a los 21 años, cuando se perfilaba ya como el gran artista que llegó a ser, comenzó a escribir y

dibujar para publicaciones como Revista de Revistas y Nuestro México. Al mismo tiempo, realizaba sus

primeras investigaciones sobre arte prehispánico y popular, elementos que formaron parte esencial de su

composición plástica.

En 1932 fue comisionado para restaurar los frescos del siglo XVI del convento de Huejotzingo, Puebla,

donde radicó durante dos años.

“Tras redescubrir los frescos del convento franciscano, publicó un estudio sobre el resultado de sus

investigaciones en la Revista Futuro, descubriendo que en esos muros trabajó el último pintor azteca y

primer artista mexicano Marcos Cipactli, quien, como demostró mi abuelo, también pintó el lienzo

original de la Virgen de Guadalupe, desmintiendo así su origen sobrenatural”, explica, en entrevista

con La Jornada, Marcel González Camarena.

- EXPRESIONISMO

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Así como preparaba sus pinturas con pigmentos naturales, inspirado en las técnicas de los tlacuilos del

México antiguo, el pintor fue un apasionado de la música, “se incorporó tanto a la vida cotidiana de

Huejotzingo, que inclusive se integró a la orquesta del pueblo, un cuarteto de música prehispánica,

tocando la chirimía. Ahí comenzó a estudiar también el pensamiento mágico y las tradiciones de los

antiguos mexicanos”.

En 1939, el artista pintó su primer

mural, Alegoría de Zimapán, en el hotel

Fundición, de Zimapán, Hidalgo. Poco más

tarde, realizó uno de sus mejores trabajos,

el Díptico de la vida, mural compuesto por

dos tableros, pintado en el edificio

Guardiola, de la ciudad de México.

Esta obra causó polémica, ya que González

Camarena representó el tema de la vida con

un hombre y una mujer desnudos, “dueños

de la fuerza cósmica que respira la

humanidad”, decía.

En defensa de la obra, recuerda Marcel,

“Salvador Novo comentó ‘no es si son

morales o inmorales, sino si son murales o

inmurales’. Finalmente, el temblor de 1957 le causó pequeñas grietas al edificio, pretexto suficiente para

que las autoridades decidieran destruir la obra”.

González Camarena es autor de obras como La erupción del Xitle, mural al óleo-cera que se ubica en el

museo de sitio de la zona arqueológica de Cuicuilco, en el Distrito Federal; el bajorrelieve policromado

en piedra, mosaico y pintura de hule realizado en el muro exterior de la Casa de Estudios del Instituto

Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, “que hoy es el símbolo de esa escuela y se reproduce

incluso en los anillos de sus graduados”; así como del impresionante mural Belisario Domínguez, de 130

metros cuadrados, pintado al óleo en el plafón, y los tres muros del cubo de la escalera del edificio del

Senado de la República.

El artista también trabajó en la fachada del edificio que ocupó Televicentro, ahí realizó una obra de 900

metros cuadrados, titulada Frisos de la televisión, a base de relieves escultóricos en cemento

policromado con incrustaciones de cerámica, mismos que tras las remodelaciones de Televisa fueron

destruidos.

En 1950 hizo otra de sus grandes obras en el edificio del Instituto Mexicano del Seguro Social de Paseo

de la Reforma: en el vestíbulo pintó el mural México, con técnica a la vinilita, donde representa la

construcción de nuestro país. Además, en la entrada principal realizó dos grupos escultóricos, El

Trabajo y Maternidad.

En el Museo Nacional de Antropología pintó el mural en acrílico Las Razas, que se utilizó para

imprimir, el 12 de octubre de 1992, un sello postal en conmemoración de los 500 años del

descubrimiento de América.

Su obra muralística cruzó fronteras: en la universidad de la ciudad de Concepción, en Chile,

está Presencia de América Latina, obra hecha en 300 metros cuadrados que se reprodujo en una

Imagen 17. Mural en Bellas

Artes.

- EXPRESIONISMO

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estampilla postal que conmemoró el 75 aniversario de esa casa de estudios y que, en un certamen

realizado en Viena en 1996, fue premiado como “el más hermoso del mundo”.

En 1978, dos años antes de morir, realizó su último mural: Trilogía de Saltillo, pintado en el cubo de la

escalera principal del edificio de la Presidencia Municipal de Saltillo, Coahuila.

**

México también debe a González Camarena la salvación del fuerte de San Juan de Ulúa, en Veracruz.

En 1953 pretendían destruirlo para construir en su lugar unas bodegas y un muelle.

En esa época el maestro se encontraba pintando Águila en Vuelo, mural al óleo de 250 metros cuadrados

realizado sobre el plafón del edificio del Banco de México, “al saber del atentado que se pretendía

cometer, con gran conciencia cultural, fundó el Comité Pro Defensa y Restauración del Castillo de San

Juan de Ulúa, y gracias al apoyo de distinguidos veracruzanos, logró salvar ese patrimonio nacional”,

señala su nieto.

El 23 de junio de 1966 González Camarena se convirtió en miembro titular del Seminario de Cultura

Mexicana. Además, gracias a un concurso en el que resultó triunfador, realizó la representación pictórica

del retrato escultórico de Michelangelo Buonarotti, obra que se encuentra en la casa natal del artista

italiano en Caprese. Por este retrato, el gobierno de Italia le otorgó al pintor mexicano la condecoración

al Mérito en Grado de Commendatore della Republica.

A finales de los años 70, el gobierno de México le encargó a González Camarena un obsequio para el

pueblo búlgaro, un San Jorge. El maestro fue invitado a Bulgaria a develar el cuadro, y las autoridades

de ese país, encantadas con el cuadro, le ofrecieron realizar una exposición itinerante que recorrería

varios países durante un año, comenzando por su capital Sofía, y concluyendo en el Museo de Arte

Moderno de Nueva York.

“Pero la colección personal de mi abuelo era de apenas cinco pinturas, pues todo lo vendía. Le

compraban hasta los lienzos en blanco, le preguntaban, ‘maestro, ¿qué va a pintar en esa tela?’, él decía,

‘no sé’, y le respondían, ‘pues lo que sea se lo compro, no importa cuando lo termine’.

“Para la exposición en Bulgaria, sabedor de que los coleccionistas no prestan sus cuadros por tanto

tiempo, propuso que le diera un año para preparar una colección personal. Durante el último año de su

vida, a marchas forzadas, produjo cerca de 80 cuadros, considerados por él como lo más representativo

de su obra.

“Desafortunadamente para el pueblo mexicano y para el mundo la exposición itinerante nunca se

realizó: mi abuelo murió el 24 de mayo de 1980 debido a un derrame cerebral. Fue velado en el Palacio

de las Bellas Artes, donde se le rindió un homenaje nacional de cuerpo presente. Sus restos reposan en la

cripta familiar en el panteón de Dolores, nunca hemos querido que se le traslade a la Rotonda de las

Personas Ilustres, aunque nos lo han solicitado en diversas ocasiones.

“Jorge González Camarena fue, antes que un gran artista, un hombre sencillo. Nunca buscó la fama,

aunque mantuvo relación con todos los políticos de la época, siempre pensó que sólo le quitaban el

tiempo y que eran unos hipócritas. Por eso decía que toda la historia estaba manipulada y quería plasmar

en sus murales lo que consideraba la verdad.

“Disfrutaba, por ejemplo, sentarse en un ladrillo a comer con un albañil porque le gustaba mucho la

compañía de la gente humilde, decía que era más honesta, más auténtica”, señala Marcel.

La obra que González Camarena pintó durante el último año de su vida se repartió entre su familia,

como él lo dispuso en su testamento, luego de ganar un pleito legal de 13 años con el crítico Antonio

Luna Arroyo, quien involucró a la Universidad Nacional Autónoma de México para pelear 22 cuadros.

- EXPRESIONISMO

31

La mayor parte de sus trabajos de caballete se encuentran en colecciones privadas, tanto nacionales

como extranjeras (por ejemplo, el museo Soumaya, o el acervo del empresario estadunidense Henry

Ford).

Algunos de sus cuadros también se encuentran en el Museo de Arte Moderno y se sabe que uno de sus

grandes coleccionistas fue el ex presidente José López Portillo.

A cien años de su nacimiento, hay muchos pendientes para que su legado sea conocido y apreciado, en

primera instancia, en esta tierra que retrató con pasión y esplendor: “la historia se encargará de darle el

lugar que le corresponde, quien vea su obra sabrá por qué, de eso no tengo la menor duda”, concluye

Marcel.

6.4 Diego Rivera

(Guanajuato, 1886 - ciudad de México, 1957) Pintor mexicano, considerado uno de los principales

muralistas de su país. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en

especial, España, Francia e Italia), donde se

interesó por el arte de vanguardia y abandonó el

academicismo.

Las obras de este período reflejan, por un lado, un

acusado interés por el cubismo sintético (El

guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina,

y por otro, una gran admiración por los

fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por

Giotto), lo que motivó su alejamiento de la

estética cubista anterior.

Identificado con los ideales revolucionarios de su

patria, Rivera volvió desde tierras italianas a

México (1922), en un momento en que la

revolución parecía consolidada. Junto con David

Imagen 18. Mural en el ITESM.

Imagen 19. Diego Rivera y Frida

Kahlo

- EXPRESIONISMO

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Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma

significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento

(como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento

muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.

Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar

grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca,Palacio Nacional y Palacio de las

Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera

abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del

pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo

vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que

evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a

las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).

Artista comprometido políticamente, Rivera

reflejó su adhesión a la causa socialista en sus

propias realizaciones murales y fue uno de los

fundadores del Partido Comunista Mexicano.

Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de

nuevo en México, se casó con la pintora Frida

Kahlo, que había sido su modelo.

En la década de 1930 marchó a Estados Unidos,

donde puso su arte al servicio de la exaltación del

maquinismo; realizó diversas exposiciones y

pintó grandes murales en las ciudades de San

Francisco, Detroit -decoración del Instituto de

Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -

Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por

sus contenidos socialistas.

De 1936 a 1940 Rivera se dedicó especialmente a la pintura de paisajes y retratos. Ensayista y polémico,

publicó junto a André Breton un Manifeste pour l'Art Révolutionnaire (1938). Por otro lado, este gran

pintor mexicano legó a su país una destacada colección de figuras indígenas que instaló en su casa

museo, llamada elAnacahualli.

Imagen 20. El porteador de flores, de Diego Rivera

Kahlo

- EXPRESIONISMO

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CONCLUSION

Aportes relevantes para la arquitectura del siglo XX.

El siglo XX ha sido testigo de los enormes saltos tecnológicos que han alterado radical y

fundamentalmente las normas de vida de los últimos cien años.

Tuvo importantes desarrollos de las nuevas tecnologías y materiales relativos a la construcción:

➢ Construcción de losa plegable

➢ Prefabricación estructural

➢ Estructuras de tensión

➢ Construcción de cascarón de concreto

➢ Sistemas radiales de encristalado han tenido un fuerte impacto sobre la expresión de las formas.

Los grandes estadios, las salas de concierto, las iglesias, los aeropuertos, las estaciones de trenes, los

complejos industriales y las instalaciones culturales: una amplia gama de construcciones inspiradas en la

tecnología se desarrolla por estar centrado en obras cuya estructura ha sido llevada al punto de

desarrollar su retórica propia, y por haberse convertido en el elemento más sobresaliente en la definición

de la construcción, el enorme alcance de la tecnología y su repercusión en la arquitectura a través de la

ingeniería.

El manejo de la línea curva como expresión de ligereza y flexibilidad, dominio de los materiales

explotando al máximo sus cualidades, tanto del hormigón como del vidrio.

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BIBLIOGRAFIA

Crepaldi, Gabriele (2002). Expresionistas. Electa, Madrid. ISBN 84-8156-330-7.

De Micheli, Mario (2008). Las vanguardias artísticas del siglo XX. Alianza Editorial,

Barcelona. ISBN 978-84-206-7883-2.

Rodríguez Ruiz, Delfín (1993). La arquitectura del siglo XX. Historia 16, Madrid.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/siqueiros.htm

http://www.jornada.unam.mx/2008/03/24/index.php?section=cultura&article=a10n1cul