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Trabajo práctico Nº3

El mundo clásico

A partir de los cambios en la representación de la figura en la estatuaria greco-romana,

reflexionar sobre la constitución del canon clásico y relevar la influencia en los objetos

mobiliario/ indumentaria.

Se realiza un diseño incorporando en el mismo los temas tratados en clase.

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Escultura Griega

La escultura es la manifestación artística en la que más destacaron los griegos. El tema

que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para representar

a héroes, divinidades y mortales.

Al igual que en su arquitectura, los griegos valoraron especialmente la proporción,

el equilibrio y el ideal de belleza. Los materiales que más emplearon fueron el mármol y el

bronce.

Grecia Arcaica

Cuando los artistas griegos comenzaron a esculpir en piedra partieron del punto donde se

habían detenido los asirios y los egipcios.

Aprendieron de los Egipcios a modelar figuras erguidas de los jóvenes, a señalar las

divisiones del cuerpo y los músculos que las sujetan entre sí.

De ellos aprendieron las técnicas escultóricas en piedra y adoptaron muchas de sus

características. Los elementos más significativos de este período son:

La concepción de la figura humana como canon o conjunto de equivalencias

matemáticas de partes significativas del cuerpo (el puño, el pie, el brazo o la medida que

cada escultor elija), lo que da lugar a una imagen ideal o estereotipo del griego. Los kouroi

representaban a personajes reales, pero es no se encuentran rasgos personales del

sujeto, la figura terminaba reducida a medidas y convencionalismos.

El concepto de estatua-bloque, según el cual la figura era una suma de cuatro

vistas (frente, espaldas y los dos costados). Se trabajaba desde un bloque, tallando el

relieve que correspondía a cada vista. Al final se empalmaba las uniones en las esquinas.

La posición estática, erguida o sentada (para los dioses griegos), con los brazos

pegados al cuerpo y a las piernas. Las plantas de los pies se encuentran también

adheridas al suelo aunque parezca que se disponen en plan de marcha. Esta rigidez es

uno de los rasgos arcaicos que más tarda en desaparecer.

La ley de frontalidad, que se cumple especialmente en las estatuas varoniles.

Según esta ley, el cuerpo queda dividido en dos mitades simétricas, pero libres en sus

movimientos, de manera que la escultura puede indicar un desplazamiento de atrás hacia

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adelante, pero no en sentido lateral. Brazos y piernas pueden estar en distinto plano, pero

sin quebrantar la simetría desde el frente.

Dama de Auxerre

Es de piedra caliza con una altura de 0,75 m. Procede de

Creta. Museo del Louvre (París).

Escultura de bulto redondo que representa a una mujer

joven vestida hasta los pies. Está erguida y frontal, con

las piernas juntas, y sólo anima la figura su brazo derecho

doblado, con la mano en el pecho (que puede tener un

significado ritual o mostrar una actitud de recato).

La cabeza está muy cuidada: ojos almendrados y sonrisa

arcaica, con las comisuras ligeramente elevadas. El pelo

se distribuye a ambos lados del rostro, en gruesas trenzas

o tirabuzones, con un tratamiento geométrico muy

cuidado. La túnica, con decoración incisa formando

cuadrados y bandas, se ciñe a la cintura con un ancho

cinturón, resaltando senos y caderas. De los hombros

parte un manto, incompleto. Manos y pies son todavía

esquemáticos.

Como toda la estatuaria griega, estuvo policromada con

colores vivos que no se han conservado.

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Grecia Clásica

Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y

posturas menos forzadas.

Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores buscaban la perfección y la

belleza ideal, aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias (esculturas del

Partenón), Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes

Para lograr la belleza física ideal los escultores estudiaban matemáticamente las

proporciones que debería tener un cuerpo humano perfecto.

Con esta meta la escultura va a progresar rápidamente en el dominio del naturalismo.

En la época clásica los griegos reprodujeron la realidad, basándose en las

proporciones numéricas y aplicaron tres conceptos a las estatuas: la armonía de

proporciones, el principio de diartrosis y la postura del contraposto.

Fijaron como modulo la cabeza y, a diferencia de los egipcios, variaron el canon

de belleza ideal del cuerpo humano con el transcurso del tiempo: durante el siglo V la

proporción armónica fue de siete cabezas (Ej.: Doriforo, de Policleto), y en el siglo IV se

elevó a ocho (Ej.: Apoxyómenos, de Lisipo).

Concibieron el desnudo como un esqueleto perfecto, regido por la movilidad de las

articulaciones; este principio de la diartrosis les hizo acentuar la división entre el tronco y

las extremidades, y dentro del torso marcaron nítidamente los pectorales, la cintura y el

pliegue inguinal.

Rompieron con la ley de frontalidad al adoptar la postura de contraposto, donde

una pierna actúa de sostén y la otra se flexiona, desnivelándose la línea recta de las

caderas.

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Grecia Helenística

Este período las esculturas fueron dotadas de mayor movimiento, así como de gran

realismo. Ya no se trataba de representar el ideal de belleza, sino la naturaleza tal cual

es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso, trágica (Ej. Muerte de Laocoonte y sus

hijos).

Sus principales características son:

Acentuación de las formas, que nos lleva a un barroquismo que se deja ver en la

manifestación de los sentimientos, mayor movimiento y gran variedad de actitudes.

Multiplicación de temas, abundan las representaciones de ancianos, niños, Venus

y mitología.

Escopas y Lisipo son escultores destacados de este período.

El Doríforo, o atleta portador de lanza, en el que

se logra una armonía de fuerzas contrapesadas,

la pierna derecha, recta, que sostiene el peso del

cuerpo, se equilibra con el brazo izquierdo

doblado, mientras que la pierna izquierda doblada

está equilibrada con el brazo derecho recto. La

rodilla derecha, más alta, la cadera izquierda más

baja y viceversa. La cabeza se vuelve a la

derecha y torso y caderas se desvían ligeramente

a la izquierda, también se contraponen

movimiento y estabilidad. La figura aparece dando

un paso, pero manteniendo el equilibrio estático.

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Escultura Romana

La escultura romana fue evolucionando a lo largo del tiempo, coexistiendo dos corrientes

estéticas paralelas: una popular y realista y otra aristocrática e idealista. Predominan una

u otra según los diversos momentos históricos. La evolución del retrato se puede estudiar

por la forma de los ojos, la barba y el cabello.

Época Republicana:

A diferencia de la idealizada escultura griega, el retrato romano trataba de reflejar con

fidelidad los rasgos individuales del retratado, sin omitir los defectos, de ahí que fuera de

un penetrante realismo. El origen de los retratos se relaciona con la tradición etrusca de

hacer máscaras funerarias en cera de los antepasados que eran portadas en

Laocoonte y sus hijos

Sus autores fueron Agesandros,

Polidoros y Atenodoros. Se encontró

bastante deteriorada y fue restaurada

en numerosas ocasiones, en el

Renacimiento por ejemplo, por Miguel

Ángel. Representa el castigo que se

le dio a un sacerdote troyano por

dudar del caballo de Troya, matando

tanto a él como a sus hijos con

serpientes marinas. Hay quien dice

que el castigo no fue por esta razón

sino por casarse y tener hijos y no

dedicarse totalmente a Zeus. Capta el

dolor físico pero, sobre todo, el dolor

interno y moral al ver morir a sus

hijos. Son cuerpos en tensión

intentando librarse de las serpientes.

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las procesiones del entierro y se guardaban en el hogar. Al principio sólo los patricios

romanos que habían ejercido cargos públicos tenían derecho a retratos. El retrato

republicano acusa el carácter del retratado así como su rango social. Junto a retratos de

cuerpo entero, de pie, hay bustos sólo de la cabeza y cuello. Los hombres carecen de

barba y llevan el pelo corto.

Época Imperial

Durante la época de Augusto se abre paso el idealismo griego y los refinamientos

helenísticos en la escultura romana. El arte se hará oficial y político, siendo el emperador

la figura más retratada. Los retratos más conocidos son el Augusto de Prima Porta, un

retrato thoracato - como mando militar con coraza- de rasgos idealizados en una postura

inspirada en el Doríforo de Policleto y el Augusto Pontífex Maximus que luce toga y manto

sobre la cabeza. Los retratos femeninos tienen el pelo recogido en un moño con raya en

medio

En cuanto al relieve histórico destacan los del Ara Pacis o altar de la paz, realizado en

mármol, con un altar y una construcción rectangular que lo rodea. El muro exterior tiene

dos frisos: en el basamento una decoración vegetal muy clásica y encima relieves

narrativos con escenas del cortejo procesional de Augusto y su familia, cuyos rostros y

actitudes son verdaderos retratos.

Al emperador Trajano se debe la Columna Trajano. El relieve continuo recorre el fuste; es

histórico y narrativo ya que relata las campañas del emperador contra los Dacios. Las

figuras están llenas de movimiento. Es un bajorrelieve pictórico, con un fondo

de arquitecturas y paisaje con gran sensación de profundidad. Refleja el poder imperial.

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Mobiliario

Grecia

El mobiliario griego se origina en el egipcio y oriental, luego evoluciona hacia un lenguaje

propio. Así, al principio, los muebles se recubrían de metales, marfil o maderas finas,

como sucedía con los muebles egipcios, también se pintaban de colores. Con el tiempo,

los muebles griegos se volvieron más sencillos, con menos elementos decorativos. En

Grecia se da poca importancia a los muebles por lo que no tenía ningún lujo ni valor.

Hacia el final de la cultura helénica el mobiliario volvió a ganar en calidad y riqueza. El

mobiliario griego incluía escenas de la vida cotidiana, representaciones en relieves en

mármol y pinturas, como pueden ser las de los jarrones pintados. Existían diversos tipos

de asientos en las antiguas casas griegas, había modelos de sillas con pies rectos o

curvos, algunos podían terminar en garras de león. El respaldo podía ser curvo u oblicuo,

rematado por una palmeta. Los muebles más populares eran los asientos:

Diphros: taburete con patas curvadas.

Thronos: un asiento con reposabrazos, respaldo alto y predela. Estaban decorados con

flores de loto y cabezas de leones, cisnes y carneros.

Klismos: silla con cierta vocación estética y no solo práctica. Tenía cuatro patas curvadas,

las dos patas traseras se prolongaban por encima del asiento curvándose, formando así

el respaldo. Era una silla muy cómoda y elegante; fue muy imitada en el siglo XVIII.1

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Roma

La gran incorporación al mobiliario proveniente del mundo romano es el uso de telas y

tapices como complementos decorativos y que llegan desde pueblos orientales alejados

del Imperio. El mobiliario es escaso en las casas romanas, pese a ello, existían gran

variedad de muebles. Había hasta cinco tipos de mesas diferentes, de origen griego; con

formas geométricas y tres o cuatro patas. Las patas solían estar labradas en forma de

animales.

También tenían todo tipo de asientos, taburetes sin brazos ni respaldo, sillas

entronizadas, sillones para comer recostados.

Cuando las sillas tenían respaldo se las llamaba cátedras. En Roma seguía existiendo la

silla en forma de tijera y plegable. Había también una silla, la biselium. Era muy alta, recta

y con capacidad para dos personas. Los laterales o los brazos del bisellium podían estar

rematados por cabezas de animales. Al igual que la silla curulis, carecía de respaldo.

Había también sillas de piedra con respaldo cóncavo decoradas con relieves o

inscripciones.

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En Roma, al igual que en Grecia se comía recostado en lechos, estos lechos estaban

colocados según estructuras tradicionales en torno a una mesa central. Normalmente

había tres lechos. Podía haber más de un equipo completo de muebles, se han

encontrado casas con hasta doce lechos y cuatro esas, es decir, cuatro conjuntos

completos. La colocación de los comensales estaba prefijada de antemano, así el invitado

de honor se colocaba el lecho medius.

Los tres lechos tenían los nombres de imus, medius y summus, según la situación frente a

la puerta de acceso.

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Además del mobiliario propiamente dicho, también son muy importantes los elementos

puramente decorativos, como pueden ser elaboradas molduras con motivos florales,

relieves en estuco, paredes pintadas con frescos y mosaicos en el suelo representando

escenas cotidianas y numerosas estatuas.

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Bibliografía

Gombrich. La historia del Arte

http://www.arteespana.com/esculturaromana.htm

http://www.claseshistoria.com/

http://recursos.cnice.mec.es/latingriego/Palladium

http://es.scribd.com/doc/45900058/Historia-del-mueble-Egipto-Grecia-y-Roma#scribd

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Memoria descriptiva

A partir del mobiliario griego y especialmente de los taburetes de patas curvas y las

primeras sillas, diseñé dos prototipos tomando como punto de partida sus características

principales. También desarrollé una estampa a partir de la forma de los muebles

modificándolo.