“EL ESTILO CLÁSICO DE HOLLYWOOD, 1917-1960. ESTILO CINEMATOGRÁFICO Y MODO DE PRODUCCIÓN HASTA 1960” – Bordwell, Staiger y Thompson

Desde 1917: el modelo clásico se hizo dominante utilizaron sistemas narrativos, temporales y espaciales similares. El sistema de producción de estudio se había ornanizado: la división del trabajo, el guión de continuidad y un sistema administrativo jerárquico.

Hasta 1960: si bien se siguen haciendo ese tipo de películas, en esa década se creía que la industria del cine había llegado al fin de su madurez. La mayoría de las empresas de producción de habían pasado a la televisión, muchos habían reducido sus propiedades inmobiliarias a los estudios, ya se había alcanzado cierto nivel tecnológico: películas en color de gran definición, formato panorámicoy sonido magnético de alta calidad. Otros estilos empezaron a cuestionar el estilo del clasicismo.

1. Un cine excesivamente obvio

Típico filme de Hollywood estilo colectivo: serie de expectativas obvias acerca de la forma y estilo cinematográfico. Hollywood: vasta empresa comercial que incluyó cientos de realizadores y miles de películas y ha existido durante más de 6 décadas. Estilo clásico de Hollywood características repetidas que se observan a lo largo del análisis crítico de un conjunto de películas. Hay reglas impuestas que establecen límites rigurosos a la innovación individual (de los autores). Intenta disimular su artificio por medio de técnicas de continuidad y una narrativa invisible, hace una película comprensible y no ambigua con un atractivo emocional mundial. No se deja nada al azar: el detalle más ínfimo tiene su importancia en el esquema psicológico global del filme. Implica cualidades estéticas muy definidas: “Antes de que haya autores, hay restricciones; antes de que haya desviaciones, hay normas”. El cine norteamericano nos gustaba y sus realizadores eran esclavos de ese estilo. Pero, si se los dejaba en libertad, sus películas eran asquerosas. El cinéma de salarie representa el clasicismo de Hollywood.Normas, paradigmas y estándaresEl cine de Hollywood ha funcionado históricamente como una serie de normas. Si bien se lo vincula con el clasicismo que tiende hacia la armonía y la estabilidad, “ninguna película de Hollywood ES el sistema clásico”: hay normas clásicas que no se cumplen. El estilo colectivo ofrece una gama de alternativas (paradigma) con elementos que pueden, de acuerdo a las reglas, sustituirse entre ellos (ofrece alternativas limitadas). Los distintos recursos no sólo son equivalentes sino que aparenec juntos (entradas para un flashback: actitud pensativa de un personaje, primer plano de un rostro, el fundido encadenado, la voz over, el flashback sonoro. Normas estéticas: la cinematografía clásica constituye un sistema estético que puede caracterizar rasgos sobresalientes del trabajo individual. El sistema no puede determinar todos los detalles insignificantes de la obra, pero aísla las prácticas habituales y pone límites a la invención. Objetivo: permite la creación de obras de arte. Consecuencias: la desobediencia a una norma estética no es necesariamente un acto negativo, puede sufrir cambios rápidos y considerables. Es el principio básico de la construcción artística. Normas técnicas: como los sistemas métricos y las convenciones de géneros.

Normas prácticas o sociopolíticas: como los valores éticos de un personaje representado en la obra.El cine de Hollywood se ha tornado rigurosamente uniforme debido a su dependencia de un modo económico de producción y consumo cinematográficos específicos. Las normas se han convertido en recetas que repiten de forma rutinaria un producto estereotipado.Niveles de generalidadTres niveles: Recursos: elementos técnicos: iluminación de tres puntos, montaje en continuidad, música cinematográfica, encuadre centrado, fundidos, etc. Sistemas: los dispositivos técnicos adquieren importancia sólo cuando entendemos sus funciones. Por ej.: un fundido en tres secuencias puede expresar el paso del tiempo, pero esto también se puede hacer por corte. Relaciones entre sistemas: los sistemas son relaciones entre elementos, el estilo total puede definirse como la relación recíproca entre estos sistemas. La lógica narrativa, el tiempo y el espacio interactúan entre sí, siendo el tiempo y el espacio los vehículos para la causalidad narrativa.Espectadores, esquemas y disposiciones mentalesTeorías ilusionistas: el espectador de Hollywood es poco más que un receptáculo. Se requieren de él pocas aptitudes de atención, memoria, discriminación, deducción o comprobación de hipótesis. L ilusión no es engañar a la vista sino que el espectador participa a la hora de crear esa ilusión (no se debe poner a pensar en si eso sucedería o no en la realidad).Hollywood establece u horizonte de expectativas que registra desviaciones y modificaciones con una sensibilidad exagerada. Si no obedece al esquema, entonces el espectador aplica otro esquema, menos probable. El espectador de cine clásico repasa las alternativas normalizadas por el estilo, de la más a la menos probable. A través de los esquemas provocan que el espectador realice actividades concretas.El estilo de la historia“… este mismo amo ha estado pidiendo la misma película durante cincuenta años”.Siempre hubo continuidad histórica. Sin embargo, lo que cambia a través de la historia son los diversos recursos utilizados para representar la continuidad temporal (intertítulos, cortes, iris, fundidos y cortinillas).La película tipoReglas que las películas conformistas intentan seguirlas.

2. Causalidad y motivación de la historiaUna película narrativa consta de tres sistemas: Lógica narrativa: definición de sucesos, relaciones causales y paralelismos entre los sucesos. Representación del tiempo: orden, duración, repetición. Representación del espacio: composición, orientación, etc.Cualquier parámetro técnico puede funcionar dentro de alguno de estos sistemas o de todos ellos.Una película narrativa no suele tratar a sus sistemas como iguales. En cualquier texto, un cierto componente (la dominante) subordina al resto. En Hollywood funciona como dominante un tipo

específico de causalidad narrativa, que hace de los sistemas espacial y temporal sus subordinados. Historia: sucesos de la narración en sus supuestas relaciones espaciales, temporales y causales. Es nuestra construcción mental. Trama: totalidad de los materiales formales y estilísticos de la película. Es la película que tenemos ante nosotros.Causas y efectos Trama: desarrollo minucioso y lógico de las leyes de causa y efecto. La secuencia de hechos no constituye la trama. Hay que poner énfasis en la causalidad y en la acción y reacción de la voluntad humana. La causalidad es el armazón de la historia clásica y puede estar centrada en los personajes (personal o psicológica), en causas naturales (inundaciones) o en causas sociales (instituciones o procesos de grupos).En las películas de Hollywood se suelen buscar causalidades de tipo impersonal que luego van a afectar al personaje (hay una guerra, eso influye en el personaje que tiene que ir a la guerra y dejar a toda su familia). Las causas impersonales pueden iniciar o alterar el desarrollo de una trama que, a partir de ese momento, continúa por causas personales.Si el personaje tiene que actuar como principal agente causal, tiene que estar definido como un conjunto de cualidades o rasgos claros y coherentes. Los personajes se individualizan con rasgos, tics o muletillas (por ejemplo, la importancia de un nombre propio característico: Moll Flanders es más creíble que Paddy el irlandés). Estos se tipifican por su ocupación, edad, género e identidad ética, agregándoles rasgos individualizados. Los actores de Hollywood creaban una correspondencia perfecta entre estrella y papel (no como en e Star System donde el bueno siempre era bueno y el héroe no salía de su papel). Se presentaba a la estrella como personaje como si fuera la primera vez. Pone énfasis en la acción, la expresión exterior del sentimiento interior que construye la psicología de personaje.El personaje principal era el motivo para señalar etapas significativas en el desarrollo de la acción (por ejemplo, usaba la misma frase y la repetía a lo largo de la carrera). Tiene un papel causal debido a sus deseos, siempre están orientados hacia un objetivo que es el que crea el conflicto que surge de los obstáculos que se presentan ante el deseo del personaje. En el primer acto establece su objetivo, en el último lo alcanza. Ahí aparece el típico melodrama del héroe contra el villano con objetivos opuestos.Se crean problemas que los personajes deban resolver, se los presentan mientras intentan resolverlos y terminan con una resolución clara.

Relación causa – efecto: la acción provoca una reacción. Cada paso tiene un efecto que a su vez se convierte en una nueva causa. El comienzo nos muestra una acción ya en desarrollo que tiene una causa primaria, un origen lejano pero específico. El final debe estar justificado causalmente, es decir, que se debe analizar la psiquis del personaje para ver por qué hizo lo que hizo.

MotivaciónProceso por el cual una narración justifica su material y la presentación de la trama de dicho material. Puede ser: compasiva, realista, intertextual o artística.En Hollywood se deja bien en claro las razones por las cuales un personaje hacer aquello que es importante, sea lo que fuere. Hay una justificación adicional. Además, hace que el espectador tenga noción de lo que pasó en las anteriores películas de Hollywood ya que establece una

relación entre una y otras en algunas películas (en Sin Aliento aparece un retrato del personaje principal de Casablanca).3. La narración clásicaComo espectadores debemos construir la historia de una película a través de la trama, es decir, la película en sí. Utilizar la cámara como narrador: presenta un mundo ficticio filmándolo para que lo podamos disfrutar. Pero, como la narración puede aprovechar cualquier técnica cinematográfica para que transmita información sobre la historia, a veces se utiliza la cámara como el punto de vista del personaje (para conversaciones, expresiones faciales, etc). Montaje: ocultar implica que la narración es imperceptible y discreta. No hay que dejar rasgos de esa filmación. Características de la narración clásica: más o menos consciente de sí misma: en mayor o menor grado demuestra su reconocimiento de estar presentando información al público. ¿Hasta qué punto es consciente la narración de esar dirigiéndose a un público? más o menos conocedora: la forma más común de limitar el conocimiento del narrador consiste en convertir en narrador a un personaje determinado. El conocimiento implica un punto de vista. ¿Cuánto sabe la narración? más o menos comunicativa: disposición de la narración de compartir su conocimiento. ¿Hasta qué punto está dispuesta la narración a decirnos lo que sabe?La narración modestaLa película clásica de Hollywood utiliza la secuencia de créditos para iniciar la narración de la película. El acompañamiento musical ya indica la presencia de la narración. Titulo: nombrará o describirá al protagonista principal; indicará la naturaleza de la acción; sugiere el lugar donde se desarrollará la acción; motivo de la película; tiempo de la acción. Los créditos que enumeren el reparto puede reforzar el título (“Protagonizada por”), presentando la jerarquía de la película. Presentan un alto grado de evidencia porque se dirigen explícitamente al público.Época CaracterísticasAntes de 1917

introducción de personajes por medios que dirigían la atención al acto de la narración

Período mudo

secuencia de créditos sobre pantallas negras o fondos de diseño estandarizado

tipo de letra: podía indicar el período o la locación de la historia títulos expositivos para anunciar los rasgos más sobresalientes de la

narración introducción de personajes en la primera aparición en la historia. Los

comentarios de los títulos (matón) fueron sustituidos por imágenes del personaje inmenso en su comportamiento típico (pegándole a un perro)

títulos de diálogoAños ´20 secuencia de créditos sobre imágenes en movimiento o dibujos animados

los créditos pueden anticipar un motivo que aparecerá en la historia las imágenes de los títulos pueden establecer el espacio o partes de la

acción que va a desarrollarse

los créditos y primeras secuencias de la acción pueden hacer grandes revelaciones sobre la narración

Después

películas sin títulos expositivosVS

las primeras secuencias de una película contenían más títulos expositivos y de mayor longitud

Ahora

siempre comienzan con un largo título expositivo que explica el tema, seguido por la rápida introducción y el bosquejo de los personajes por medio de títulos y actos

el montaje comprime una longitud de tiempo o espacio considerables (pone almanaques para ver el paso del tiempo o todos los recitales en vez de contarlo)

Cualquier película narrativa debe informar al espectador de los sucesos previos a la acción que vemos.La apertura debe explicar con brevedad pero de forma clara los hechos esenciales que el público debe conocer para entender la historia. En pocos minutos, los personajes se tienen que decir unos a otros lo que nosotros necesitamos saber.Causalidad, personaje y punto de vistaLa narración podría mostrárnoslo todo, pero se niega. También puede variar en cuanto al espacio (filmando desde cualquier lado lo que se quiere mostrar), pero no en cuanto al tiempo (el flashback se limita a presentar lo que recuerda el personaje).Los personajes anuncian sucesos a través del diálogo y la acción física, no la narración. Por eso, antes de que los ladrones dejen de hacer crímenes, ellos son los que deben decírnoslo.Cuando hay que suprimir información se hace a través de los personajes porque son ellos los que pueden tener secretos (con respecto a nosotros).La regla del tres: debe repetir aquella información que sea importante para la historia y que resulte necesaria tres veces: una vez para el espectador atento, otra para el medio y otra para el lento. NO hay que decirlo las tres veces del mismo modo.La película clásica suele contener un número reducido de planos con punto de vista subjetivo. Una vez hecho este plano, la cámara dará varios planos de la misma situación desde distintos puntos de vista objetivo.La música como destinoDesde un principio, el acompañamiento musical ha aportado al cine su factor de continuidad más evidente. Cine mudo: el piano o la música orquestal acompañaban a las imágenes realzándolas e indicando cómo debía responder el público. Principios de los años ´30: auge de las bandas sonoras utilizaban la música de forma que influyera de forma continua junto con la acción. Se anticipan unos segundos a la acción: “los personajes nunca saben qué va a ocurrirles, pero la música sí”.La música expresa los estados mentales de los personajes y puede reforzar el punto de vista. Los recuerdos de material musical utilizado previamente deben estar motivados por la repetición de una situación o por la rememoración de un personaje.La narración que reaparece

Mínima expresión al final de la película: “The End” el narrador es un discreto punto final.Después de 1970 no se solía usar Fin y ponían la mayoría de los créditos (ampliados) al final. Los personajes esperan constantemente la resolución: dicen frases de finales (“Ha sido un largo camino”). También se utiliza mucho la perspectiva de la grúa que aleja a la cámara hasta un ángulo elevado sobre la imagen final.El pasillo sinuosoLa ocultación del artificio hace que ver la película sea como observar la realidad. La cámara es el narrador y el espectador.Espectador: una vez que vio a un personaje en sus primeras impresiones, le resulta difícil destruir esa imagen. Igualmente no es un cambio drástico, sino una desviación que vuelve al camino del cual se había extraviado.Si hay demasiadas sorpresas a lo largo de la película nos haría dudar de la verosimilitud de la narración.El guión perfecto no deja lugar a dudas, no ofrece explicaciones, no empieza nada que no pueda terminar.

4. El tiempo en el Cine Clásico

Con mayor frecuencia, la narración clásica emplea estrategias características para manipular el orden y la duración de la historia.

El orden Temporal: La búsqueda de significado.

El cine clásico de Hollywood rechaza el juego radical con la cronología que proponen otros directores, como ser Epstein. La película clásica suele mostrar los sucesos de la historia en un orden de 1-2-3. Los acontecimientos se revelan a partir de ahí.

Dar noticias del futuro está prohibido con especial rigor, ya que un flashforward haría que la omnisciencia y la supresividad de la narración resultasen evidentes. La única manipulación permisible es el flashback.

Aun así, la mayoría de los flashbacks son breves y expositivos que dan información necesaria acerca del pasado del personaje (en el cine sonoro este recurso fue remplazado por el dialogo expositivo).

Entre 1939 y 1953, cuatro películas MI comienzan con una historia que sirven de marco y hacen un flashback para contar el grueso de la acción principal, antes de volver a dicha historia. De manera muy compleja, se utilizan flashbacks: contradictorios, paralelos, que abarcan toda la duración de la película, flashbacks dentro de flashbacks dentro de flashbacks, y un flashback narrado por un hombre muerto.

En el cine clásico se tiende a utilizar flashbacks que fueron originados por la memoria del personaje. Aquí cooperan varias entradas: Imágenes del personaje pensando, efectos ópticos (fundidos, desenfoque), música y referencias específicas al período de tiempo que estamos a punto de entrar.

Sin embargo, los flashbacks no tienen la función principal de revelar rasgos y características de los personajes.

Las manipulaciones del orden de la historia en el cine clásico no se hacen con otro motivo que enriquecer la lógica y la causalidad del orden de la narración de la historia ayudando a la búsqueda de

significado y un sentido coherente al material presentado. De esta manera, el espectador alcanza: una integración temporal, el proceso de fusionar la precepción del presente, la memoria del pasado y las expectativas el futuro.

De este modo, la causalidad permite al espectador del cine clásico integrar el presente con el pasado y formar hipótesis definidas acerca de sucesos venideros de la historia. Entonces, si la lógica y la causalidad no cooperasen, el espectador no podría construir una historia coherente a partir de la narración. Por lo tanto, en todo momento, el espectador se está preguntando qué ocurrirá en la siguiente escena.

En fin, la correspondencia relativamente estrecha entre el orden de la historia y el orden narrativo de la película clásica ayuda al espectador a crear una sucesión organizada de hipótesis y un ritmo firme de pregunta y respuesta.

Duración, plazos y fundidos.

La narración muestra los sucesos importantes y evita los intervalos que los separan. Los intervalos omitidos quedan codificados como una serie de signos de puntuación; intertítulos expositivos y efectos ópticos (fundidos, fundidos encadenados, cortinillas). El fundido encadenado, es un fundido durante el que la pantalla nunca llega a estar totalmente en negro, haciendo que la historia avance con suavidad. Es un modo magnífico de suavizar las discontinuidades espaciales, gráficas e incluso temporales. Sirve de puente entre una situación y otra sin interrumpir bruscamente la acción y sin necesidad de dar explicaciones.

En cuanto a la transición del sonido, no queda bien hacer un fundido de sonido, por lo que en en vez de esto, el personaje acabaría su frase en el dialogo y haría una pausa; entonces se introduciría de forma gradual el ruido de del siguiente plano

Montaje paralelo

El montaje paralelo es un proceso narrativo: Se entrelazan dos o más líneas de acción en diferentes lugares, manipulando tanto el orden como la duración. El montaje paralelo clásico sigue la pista a la causa y efecto personales, crea plazos de tiempo y evita que la narración se restringa al único punto de vista de un personaje.

Se puede ver un montaje paralelo:

Simultáneo, dos líneas de acciones pasando al mismo tiempo: Mientras un personaje está comiendo algo, muestran a otro que está corriendo, Al Mismo TIEMPO exacto.

O puede ser no Simultáneo, muestran a un personaje haciendo algo a la mañana, y siguen con la otra line de acción mostrando a otro personaje a punto de irse a dormir.

5. El espacio en el cine clásico

Resulta evidente que el estilo clásico convierte el espacio puramente gráfico de la imagen fílmica en un vehículo para la narración.

Al describir el uso del espacio en el cine clásico tenemos tendencia a utilizar el término “transparente”, lo que demuestra el interés del cine por hacer que el plano pase inadvertido. La pantalla debe asimilarse a una lámina de cristal a través de la que el espectador mira la escena real.

(Palabras propias) Lo que se quiere llegar en el cine clásico en cuanto al espacio, es la similitud con la realidad. De esta manera estarían a un paso más en su deseo por subordinar todo en función de la lógica y la causalidad de la narración de la película. En consecuencia, se combinan la composición de la imagen y el montaje para crear una intensa representación del espacio tridimensional.

El Espacio clásico de Hollywood se crea en planos a través de varios indicios de profundidad, que se genera mediante la iluminación; distintos elementos de la composición de un plano como ser el desenfoque y el enfoque, el equilibrio.

En cuanto al montaje, se hacen uso de recurso que deben respetarse como por ejemplo: la línea de eje de 180º la cual se debe respetar para que no haya saltos de eje; el montaje de continuidad de dirección y de miradas. De esta manera el espectador tiene un control sobre el espacio de la escena y lo que está aconteciendo en él. Además se utilizan recursos básicos de perspectiva como ser el punto de fuga por ejemplo.

En conclusión, si el cine clásico hace de la pantalla un cristal, es en parte porque convierte un sistema espacial de extraordinaria coherencia en un vehículo para la causalidad narrativa.

6. Plano y Escena

Del Montaje al découpage:

Montaje: ensamblaje de planos

Découpage: la división de las imágenes de acuerdo con el guión, la proyección de la acción narrativa sobre el material cinematográfico.

Para Hollywood, el plano es la unidad básica de material. Pero esta unidad de material ya es una unidad de significado, ya que es considerada una unidad mínima de planificación. El plano se convirtió, entonces, en el ladrillo a partir del que se construía la película.

En Hollywood, el director o montador tenían una gama específica de opciones y limitaciones: como ser cantidad mínima y máxima de planos por película, cantidad mínima y máxima de duración de planos, si bien cada película mantenía su propia escala de segmentación de estas cantidades.

Anatomía de la escena:

Las secuencias de montaje, las escenas de persecución y los amplios pasajes de montaje forman parte del paradigma clásico, pero la escena clásica de gente actuando en un escenario limitado, es piedra angular de la dramaturgia clásica.

En el cine clásico, la anatomía de la escena es mixta, es tanto un segmento separable como el eslabón de una cadena. Como tal, se puede considerar que la escena tiene dos fases más o menos diferenciadas; la exposición y el desarrollo. Estas fases organizan todos los sistemas de narración en funcionamiento: causalidad, tiempo y espacio.

En la fase expositiva de la escena, la narración especifica el tiempo, el lugar y los personajes importantes. Al comienzo de la escena, hay dos formas de establecer el espacio: de forma inmediata y general (mostrando todo un edificio entero, ej.) o de forma gradual, que inicia con un detalle o el personaje en la escena y después va mostrando el lugar.

La fase expositiva de la escena no se limita a señalar el lugar, sino que también sitúa a los personajes dentro del mismo. Además, la escena clásica debe revelar de inmediato dos cosas acerca de los personajes: sus posiciones espaciales relativas y sus estados mentales.

En cuanto al desarrollo de la escena clásica, existen dos procesos que se llevan a cabo: En primer lugar, desarrolla o cierra las líneas de causa y efecto que previamente han quedado abiertas. La tarea restante de la escena clásica consiste en abrir y quizá desarrollar otra cadena causal.

En síntesis, la película como la escena se basan en las mismas actividades de visionado: crear y comprobar primeras impresiones; unir acciones por medio de sus consecuencias anticipadas; sopesar y evaluar hipótesis alternativas acerca de causalidad, tiempo y espacio.

7. Los límites de la diferencia

En Hollywood, la novedad y la originalidad se consideraban cualidades valiosas y se pensaba que cada historia requería un estilo visual único. La cuestión reside, sin embargo, en qué principios regían esta búsqueda de la diferenciación. Qué límites se ponen a la variedad!

Un elemento de diferenciación, se da a partir de los diferentes géneros y estilos dentro del cine clásico, permitiendo variedades y ciertas originalidades. Sin embargo, no deberíamos dar demasiada importancia a la cualidad distintiva de estos géneros, ya que el cine clásico tiende a unificar los atractivos dispares de cada género y a limitar su estilización. De esta manera, los brotes de estilización seguían ciñéndose a la norma clásica en tanto que la norma define la duración y la extensión permisibles de la estilización.

La asimilación de la vanguardia europea:

Hollywood se ha ido renovando perpetuamente a través de la asimilación de técnicas de movimientos experimentales, expresionistas, entre otros.

El tipo de cine que más influencia tuvo sobre Hollywood era el alemán. Al que le han copiado ciertas técnicas impresionistas de iluminación, uso de la cámara y efectos especiales. Sin embargo, la asimilación de la técnica alemana, por anhelada que fuera, se hizo de un modo selectivo. Algunos recursos se insertaron en contextos genéricos solamente.

Por otro lado, el paradigma clásico de Hollywood tuvo cierta asimilación de las técnicas estilísticas del cine soviético. Asimismo, el decorado podía hacer de este cine de montaje un espectáculo por méritos propios, realzando el efecto rítmico y emotivo, conceptos del cine de montaje alemán y soviético también.

El caso de film Noir (el cine negro).

El cine negro, que no es precisamente un género, se postula como un desafío al sistema predominante clásico en Hollywood. De esta manera, se presentan cuatro formas que desafían al cine clásico, que son utilizadas en el cine negro:

1. Un ataque contra la causalidad psicológica2. Un desafío a la relevancia del romance heterosexual. La heroína del cine negro es

fascinante pero potencialmente traidora.3. Un ataque contra el final feliz motivado

4. Una crítica de la técnica clásica. Utiliza iluminación nocturna, rodaje en exteriores, un espacio inquietante e inestable y composiciones tensas. El estilo visual del cine negro inquieta al espectador para expresar la desorientación de héroe.

El cine negro, que es rechazado por el cine clásico de Hollywood, termina siendo seguido e imitado en algunos aspectos por el cine clásico.

Finalmente el argumento de más peso para la diferenciación dentro del cine de Hollywood ha sido expuesto por la teoría de los autores. Así, se establecen diferencias y estilos establecidos por los diferentes autores en el proceso narrativo de una película.