el cine como recurso didáctico - maszornoza la religión en el arte; el cine · 2018-12-08 · un...

2012

El cine como recurso didáctico

2. Historia del Cine: Cine Mudo

El cine como recurso didáctico

Cine Mudo

Antes de 1918

Actividad 1

Francia

En este apartado veremos la evolución del Cine Mudo en Francia, Estados Unidos y Suecia antes de 1918.

Buster Keaton

La guerra introducirá cambios importantes que son tratados en el Cine de Posguerra:

Francia: Escuela Impresionista y los Movimientos Vanguardistas.

Alemania: Escuela Expresionista, La Kammerspislfilm y la Corriente Realista.

Cine Soviético: Cine Prerrevolucionario,Cine Postrevolucionario y la Etapa de Madurez.

Estados Unidos: Star-System, las Superproducciones y los Europeos en Hollywood.

Por último revisaremos a los autores más destacados del Cine Mudo: David Wark Griffith, Abel Gance, Vsevold Pudovkin y SergeiMikhailovich Eisenstein.

La evolución de la industria cinematográfica está estrechamente ligada al desarrollo de los acontecimientos económicos, sociales ypolíticos. Así, la irrupción de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) repercute sobre la situación del mercado cinematográfico mundial,alterando, de manera decisiva, la posición alcanzada por las diferentes cinematografías nacionales.

Los países que participan en la contienda verán disminuir su producción de películas, especialmente Francia que antes de la guerraacapara el 80 por 100 de los mercados mundiales, pero que muy pronto será incapaz de atender su propia demanda. Estos serán losaños en los que el cine norteamericano, aprovechando el receso en la producción francesa, vivirá su gran desarrollo, tanto a nivelindustrial como artístico, sentando las bases sobre las que habrá de construirse el nuevo arte.

Visiona el reportaje de Días de cine: Homenaje al cine mudo

En estos años, la casa Gaumont compite con la Pathé, ampliando la producción de películas.

El cine como recurso didáctico Formación en Red

Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF

http://www.rtve.es/alacarta/videos/programa/despedida/1331350/

En 1911, Louis Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción de la Gaumont inicia una serie que, frente a latendencia teatral imperante, supone un retorno al realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad. En la serie La vida tal comoes (La vie telle qu'elle est) (1911-13), se incorporan importantes avances técnicos, decorados más realistas, la sobriedad en lainterpretación de los actores, la creación de algunos efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación del primer plano.

Después realiza Fantomas (1913-16), un excelente serial policíaco por episodios, con una inspiración fantástica que inspirará a lossurrealistas; y que incluso sugerirá ideas a Luis Buñuel para utilizarlas en 1930 en La edad de oro (L´age d´or ). Feuillade continuótrabajando durante la gran guerra con otros dos seriales por episodios: Les Vampires y Judex (1915-16).

En estos seriales actuaba Musidora, que, además de la primera vampiresa del cine, era novelista, poeta, pintora y realizadora. Musa delsurrealismo y del cine vanguardista, dirigió diez filmes -varios de ellos basados en novelas de Colette- de las que sólo se conserva Sol ysombra (1922), una de las cuatro películas que realizó en España, dónde vivió unos años por su romance con el rejoneador cordobésAntonio Cañero.

Musidora

También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla, "tipos", que con sus bufonadas adquieren gran popularidad. Amenudo, ruedan en la calle peleas y persecuciones a las que los cómicos incorporan caídas y acrobacias imposibles.

El gran innovador de la escuela cómica francesa fue Max Linder, que entre 1911 y 1913 alcanzó su etapa de mayor éxito, siendoconsiderado, en esos años, el actor más popular de toda Europa. Algunos rasgos de su personaje, como el sombrero, el bigote o susandares, inspiraron a Chaplin, como él mismo reconoció.

Max Linder



http://cinemauniverse.blogspot.com/2009/07/louis-feuillade-uno-de-los-mas-grandes.htmlhttp://cinemauniverse.blogspot.com/2009/07/louis-feuillade-uno-de-los-mas-grandes.htmlhttp://fr.wikipedia.org/wiki/Musidorahttp://www.lips.org/bio_linder.asphttp://www.lips.org/bio_linder.asp

Estados Unidos

El Western

Hollywoodland

En 1913, se pone en marcha un proceso judicial auspiciado por los Independientes - un grupo de empresarios judíos de origencentroeuropeo en su mayoría - que se dedican a la exhibición y producción de películas, y que pretenden terminar con el monopolio delcomercio que desde 1908 está en poder del trust de Edison, la Motion Pictures Patents Company.

En 1917, el Tribunal Supremo de Washington pronuncia una sentencia favorable a los Independientes, dando por finalizado el sistemamonopolista de Edison. A partir de este momento, las firmas primitivas, incluida la Edison Co., irán desapareciendo y serán losIndependientes quienes tomen el relevo.

The Great Train Robbery

Antes de que se disuelva el monopolio de Edison, algunos de los Independientes abandonan las ciudades, desplazándose a las lejanasregiones del Oeste, con el fin de esquivar las frecuentes disputas legales. Allí hallarán una gran variedad de paisajes, una brillanteiluminación natural y un clima constante durante prácticamente todo el año, condiciones muy propicias para el rodaje en exteriores. Yserá en esas regiones donde habrá de nacer el género americano por excelencia, el western.

Aunque el western ya contaba con algunas obras como Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, 1903), de Edwin S. Porter,es en este entorno privilegiado donde comenzará a tomar forma cinematográfica la epopeya del oeste, adoptando la mitología propia dela conquista y la colonización del territorio, aún recientes en la historia.

Los westerns provocarán una verdadera conmoción formal y temática. También aparecen las primeras figuras con enorme popularidad,como Bronco Billy (Anderson) y Tom Mix.



De película

Nuevas Productoras

Fotogramas o imágenes de Broncho Billy,Tom Mix y W.S.Hart

Uno de los directores que más aportó a este nuevo género fue Thomas H. Ince. Él creó en 1913 un nuevo cow-boy, Río Jim,interpretado magistralmente por William Shakespeare Hart, conocido como "el hombre de los ojos claros". Pero además, Ince empiezaa dar protagonismo a la naturaleza, y sus westerns son dinámicos y visuales.

La labor realizada por Ince es ingente; entre las películas que produce,dirige, supervisa o monta personalmente, y aquellas cuyo guión esobra suya, ronda los 800 títulos. Además, aporta al cine una teoría de la división del trabajo, según esquemas muy férreos, a partir deun guión muy rígido, que ha de ser respetado en todas las fases de la realización del film, para asegurarse de que todas las películasllevarán su estilo. Es por ello, el primero en incorporar un guión escrito a la realización, ya que anteriormente la dinámica habitualconsistía en improvisar sobre un argumento desarrollado en unas breves notas.

Puedes ver y/o descargar desde aquí The great train robbery. Disponible en Archive.org.

Los Independientes acabarán estableciéndose a la cabeza de la industria cinematográfica en Norteamérica.

Adolph Zukor, tras el éxito alcanzado con la importación de Elizabeth, Reina De Inglaterra (Les amours de la Reine Elisabeth),(H.Desfontaines-L.Mercanton), protagonizada en 1912 por Sarah Bernhardt, puso en marcha su empresa Actores Famosos en ObrasFamosas (1). Pero no tardará en despojar al incipiente Star-system de la carga teatral del Film d'Art.

Adolph Zukor, Mary Pickford y Doug Fairbanks

Durante estos años surgieron estrellas de la talla de Mary Pickford, las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Douglas Fairbanks, elcómico Mack Sennett y nuevos nombres como Rodolfo Valentino y Theda Bara. Las estrellas facilitaron el éxito a Hollywood en todoslos mercados del mundo.



http://silentgents.com/DDInce.htmlhttp://archive.org/details/the-great-trainrobberyhttp://archive.org/details/collectie_filmcollectiefhttp://silentgents.com/DDZukor.html

Para saber más

La Comedia

Hermanas Gish, R.Valentino, Theda Bara

Además, Zukor creó, en colaboración con otros empresarios, la Paramount, una corporación que controlaba una red de más de cincomil salas por todo el país, y producía películas de alto costo y larga duración, al ritmo de un lanzamiento de gran calidad a la semana.

. Carl Laemmle, otro independiente, fundó la Universal.

. Los hermanos Warner, la Warner Bros.

. Wilhelm Fuchs, que pronto adoptó el nombre de William Fox, fue el padre de la Fox.

. Samuel Goldfish, que también cambió su nombre pasando a llamarse Samuel Goldwyn, creó con Marcus Loew la Metro-Goldwyn-Mayer.

Zukor seguido por los demás Independientes estableció los primeros modelos efectivos de organización industrial, algunos de los cualesaún se aplican en la actualidad. Sin embargo, en la conformación del relato cinematográfico, quedaban aún caminos por trazar. FueDavid Wark Griffith el que, utilizando sistemáticamente recursos cinematográficos diversos, inauguró una verdadera narrativa fílmica.

Las grandes Majors

(1) Famous Players in Famous Plays

En estos años, la escuela cómica norteamericana tomó el relevo de la francesa y, de la mano del director canadiense Mack Sennett,inauguró la "edad de oro" de la comedia.

Es la época de los cortometrajes cómicos, de uno o dos rollos, que se pasaban dentro de un programa múltiple, junto con el noticiariode actualidad y antes de la película central. Pero aumentó su demanda, lo cual favoreció el desarrollo del género.



http://en.wikipedia.org/wiki/Famous_Players_Film_Company

Amar el Cine: Capítulos 6,7 y 10

Para saber más

Actividad 2

Keystone comedies

En 1912, Mack Sennett participó en la fundación de la productora Keystone, y con las Keystone Comedies fue conquistando a todoslos públicos. Sennett lanzó a los mayores talentos cómicos del momento. Charles Chaplin, Roscoe "Fatty" Arbuckle, Buster Keaton,Harold Lloyd y Gloria Swanson, entre otros, actuaron en las Keystone Comedies. Sennett desarrolló, en una absoluta libertad, unestilo que tiene su motor en la vocación destructiva del artista. Las persecuciones frenéticas, las carreras y las caídas, las batallas contartas de crema o a porrazo limpio, forman parte de un mundo de destrucción del que no escapa nadie. Sennett muestra especial pasiónpor la ridiculización del orden establecido, eligiendo como blanco a aquellos que detentan la autoridad. Han pasado a la historia susridículos policías, los Keystone Cops, y sus atractivas bañistas, las bathing beauties. Este modelo cómico propuesto por Sennett recibeel nombre de slapstick (1), y cada una de las unidades cómicas que lo componen, se llaman gags .

T.H.Ince, D.W.Griffith y Mack Sennett

En 1915, tres firmas independientes se unieron para formar la Triangle Pictures Corp. Cada una de ellas aportó su respectivo directorartístico: Thomas H. Ince, D. W. Griffith y Mack Sennett . Quedaron así ligados los tres creadores que más aportaciones han hecho alcine norteamericano en unos años decisivos para el nacimiento del séptimo arte.

Haz clic sobre el botón Pulse aquí para visualizar los capítulos.

(1) slapstick

Visionado:



http://www.northernstars.ca/actorsstu/sennettbio.htmlhttp://en.wikipedia.org/wiki/Slapstick

Suecia

Para saber más

Visualiza algunas películas para hacerte una idea del cine de Mack Sennett o de los Keystone Cops enarchive.org.También puedes introducir estos términos en cualquier buscador y encontrarás cientos de películas.

V.Sjöström, Greta Garbo, M.Stiller

Suecia se incorporó a la producción cinematográfica a partir de 1907, con la productora A. B. Svenska Biografteatern (1). En elladebutaron en 1912 dos artistas procedentes del teatro, Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Ellos conducirán a la cinematografía sueca aun lugar de excepción en el panorama internacional.

En los primeros años, recibieron influencias de los melodramas mundanos del cine danés pero pronto se inspiraron en la tradiciónliteraria nórdica, con su carga poética, una influencia temática que podría haberlos conducido a una estética teatral similar a la del Filmd'Art francés. No fue así ya que estos directores buscaron nuevas formas de expresión para poder profundizar en la psicología de lospersonajes. Además vieron en los westerns de la Triangle que la naturaleza tomaba protagonismo dentro de la épica del relato, y ellosla incorporarán como recurso dramático de la narración. La naturaleza, expuesta en toda su grandeza, participa del drama íntimo de lospersonajes y juega un papel esencial en el desenlace dramático de los acontecimientos. Un recurso de evidente raíz expresionista queposteriormente será empleado por Friedrich Wilhelm Murnau.

Actor y realizador, Victor Sjöström, con su crudo realismo, es uno de los grandes del cine. Su obra cumbre fue La carreta fantasma(Körkarlen, 1921), basada en una obra de Selma Lagerlöff. Además de realizar importantes películas, fue posteriormente mentor deIngmar Bergman (realizó su última aparición en 1957 cuando, con 78 años, protagonizó la magistral Fresas salvajes de Bergman). Lasobras de la escuela sueca provocaron en todo el mundo una verdadera conmoción estética. Mauritz Stiller fue el descubridor de unajoven actriz llamada Greta Lovisa Gustavsson, posteriormente conocida como Greta Garbo. Stiller, Sjöström y Garbo, acabaránmarchando a Hollywood en los años veinte.

Fotogramas de La carreta fantasma (Sjöstrom) y La saga de Gösta Berling (Stiller)

(1) A. B. Svenska Biografteatern



http://archive.org/search.php?query=Mack%20Sennett%20AND%20collection%3Amoviesandfilmshttp://archive.org/search.php?query=Keystone%20Copshttp://archive.org/http://www.claqueta.es/directores/victor-sjostrom.htmlhttp://en.wikipedia.org/wiki/Mauritz_Stillerhttp://svenskfilmindustri.com/about-sf/history/

De película

Actividad 3

Cine de Posguerra

Francia

Desde aquí puedes acceder a un fragmento de La carreta fantasma.

Visiona un fragmento de La carreta fantasma u otro filme de Sjöström y observa el uso fílmico de los exteriores y su realismo.

En la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), el cine había superado ya sus primeros veinte años de vida. Habían quedadoatrás los esfuerzos que condujeron a la invención del cinematógrafo, las luchas por su patente, el nacimiento del espectáculo y la puestaen marcha de la industria. Muchos habrán de incorporarse, a partir de ahora, a la búsqueda de una nueva expresión puramentecinematográfica, ante la que se abren múltiples caminos a explorar. Las primeras escuelas habían brillado de manera fugaz, para luegodesaparecer. Otras lo harán a partir de ahora.

Cartel y fotogramas de Los Nibelungos y Metrópolis de Fritz Lang

La guerra supuso un tremendo golpe para la industria del cine francés que era, hasta ese momento, hegemónica en muchos países. Porcontra, fue un periodo de grandes aportes muy ligados a las vanguardias artísticas.



http://www.criterion.com/films/27630-the-phantom-carriagehttp://www.youtube.com/watch?v=hWUM-dnwKNw

La Escuela Impresionista

Tras la guerra y frente a la hegemonía alcanzada por el cine americano, se hizo necesario volver a levantar la industria cinematográficafrancesa. En este sentido destacó la labor realizada por un grupo de artistas con una profunda formación intelectual, encabezados porLouis Delluc, teórico, crítico y fundador de varias revistas que, a partir de 1920, se pasa a la dirección. Influido por el cinenorteamericano -y sobretodo por el sueco- opta por un cine psicológico, que intentaba librar a la imagen de la materia, mostrandovisualmente el pensamiento, el alma de los personajes.

Carteles de films de Delluc, L´herbier, Gance y Epstein

En torno a Delluc, surgió un grupo de artistas, próximos en su afán innovador y vanguardista, que rechazaba el cine como unamercancía para las masas. Era la que será llamada Escuela Impresionista en la que destacaron Marcel L'Herbier (cuya aportaciónmás destacable fueron los decorados con fuertes influencias del cubismo y el expresionismo en la ambiciosa L´inhumaine (1924), AbelGance (Vd. Autores) y Jean Epstein que sorprendió por la sutileza con la que se acercó a la realidad social tras unos inicios másliterarios con la brillante La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher, 1928).

Fotogramas de La caída de la casa Usher (Epstein) y Napoleón (Gance)

Abel Gance destacó por una obra ambiciosa y visionaria que exploró nuevos caminos en el cine. Es autor de obras esenciales como laantibélica Yo acuso (J´accuse (1), 1919) y la vanguardista La rueda (La roue (2), 1923), que impactó notablemente a suscontemporáneos. En su desmesurado Napoleón (Napoléon vu par Abel Gance (3) 1923-1927) exploró nuevos caminos expresivos ytécnicos.

Esa confluencia del cine con las vanguardias artísticas de la época se canalizó a través de un nutrido grupo de estudiosos y teóricos,habituales de los Cine-Clubs, término creado por Louis Delluc, fundador además del primero de la historia, en 1920.

A ese impulso contribuyó Germaine Dulac, teórica de arte, que se inició en 1915 con películas convencionales, pero que será una delas principales impulsoras del cine Avant-garde con películas que aspiraban a la abstracción y que daban más espacio a sentimientos y



http://marnie.alfred.free.fr/louisdelluc.htmhttp://www.lips.org/bio_LHerbier_gb.asphttp://cinema.encyclopedie.personnalites.bifi.fr/index.php?pk=9114http://cinema.encyclopedie.personnalites.bifi.fr/index.php?pk=9114http://cinema.encyclopedie.personnalites.bifi.fr/index.php?pk=13898http://www.cineartistes.com/fiche-Germaine+Dulac.html

Para saber más

Actividad 4: Lectura

sueños. En 1928 dirigió y montó el considerado primer film surrealista, La coquille et le clergyman, con guión de Antonin Artaud, unacinta que provocó mucha controversia en los círculos vanguardistas.

Otro teórico, el italiano afincado en París Ricciotto Canudo, empleó por primera vez la expresión "Séptimo Arte", en 1914, en suManifiesto de las siete artes (4).

(1) J´accuse

(2) La roue

(3) Napoléon vu par Abel Gance

(4) Manifiesto de las siete artes

Impresionismo y Expresionismo son términos acuñados para designar sendos movimientos pictóricos, que perdieron casicompletamente su sentido original cuando se trasladaron mecánicamente al cine: si en la plástica habían representado corrientesestéticas más o menos precisas y filosóficamente opuestas, en el cine terminaron usándose de modo mucho más difuso.

Es así como cuando los historiadores y los críticos de cine hablan de expresionismo, en realidad se refieren a todo el cine mudoalemán, cuya variedad no alcanza a explicarse sólo por la influencia que efectivamente recibió del expresionismo pictórico. En elcaso francés el uso del término impresionismo se ha dado de manera similar (designa todo o casi todo su período mudo) y esaún más discutible, porque la influencia de la pintura impresionista sobre los cineastas fue muy acotada.

Desde una perspectiva más amplia, sin embargo, es interesante comparar el cine de Francia y Alemania durante los años deentreguerras, que fueron tan críticos para la historia política contemporánea como fecundos para la creación cinematográfica. Enambas cinematografías se encuentran experiencias formales de vanguardia y también la necesidad -opuesta perocomplementaria- de aproximarse a la realidad "tal cual es". Sobre el final de la década del '20, tanto el cine francés como elalemán se destacaron en el mundo por haber logrado una armonía entre la audacia artística y la producción industrial, dosrasgos que generalmente se consideran antagónicos pero que no lo fueron en ese momento. En varias ocasiones hubocolaboraciones entre empresas francesas y alemanas, que se dieron naturalmente por compartir un mismo mercado y porque susrespectivas estrellas eran populares en ambos países. Por eso es posible ver a la francesa Yvette Guilbert en Fausto de Murnauo al alemán Francis Lederer en Mamá Colibrí de Duvivier, entre muchos ejemplos posibles que también se prolongan a losrubros técnicos. A su debido tiempo, las dos cinematografías aprovecharon la llegada del cine sonoro para realizar alegresmusicales, que se diferenciaron de la mayor parte de sus pares norteamericanos porque incorporaron la música a la narrativa (enlugar de interrumpir una con otra) y procuraron que la cámara conservara la fluidez "musical" que había alcanzado en la últimaetapa muda.

Ambos países tuvieron sus propios autores relevantes, que en algunos casos continuaron con éxito sus respectivas carreras enel cine sonoro y excepcionalmente fueron elevados a la categoría de artistas nacionales, como sucede con Fritz Lang para losalemanes y Jean Renoir para los franceses. También tuvieron cineastas que quizá no puedan definirse como autores, pero quesorprenden por la sensibilidad y el oficio con que fueron capaces de poner escena temas muy distintos entre sí y siempre coneficacia, como fue el caso de Julien Duvivier en Francia y Georg W. Pabst en Alemania.

Por supuesto que hubo también notorias diferencias entre ambas cinematografías. Una forma práctica de advertirlas consiste encomparar, al menos superficialmente, La pasión de Juana de Arco y Vampyr, los dos films que el danés Carl T. Dreyer filmó enFrancia y Alemania respectivamente. Ambas son obras de similar virtuosismo formal, pero si en una hay emoción, razón ytrascendencia espiritual, en la otra hay angustia, irracionalidad y muerte en vida; si en una importa la zona sobrenatural, interior yreconfortante que representa la idea de Dios, en la otra lo sobrenatural es siempre ominoso y asume toda clase de formasexteriores y caóticas; si en una el mal es concreto y lo ejercen los hombres por cuestiones coyunturales de poder, en la otra esinexplicable y se materializa en un ser monstruoso al que se conjura siguiendo una serie de instrucciones arcanas.



http://www.cylcultural.org/cine/artaud/http://it.wikipedia.org/wiki/Ricciotto_Canudohttp://en.wikipedia.org/wiki/J%27accuse_%281919_film%29http://filmsdefrance.com/FDF_La_Roue_rev.htmlhttp://fr.wikipedia.org/wiki/Napol%C3%A9on_%28film,_1927%29http://fgimello.free.fr/enseignements/metz/textes_theoriques/canudo.htm

De película

Movimientos Vanguardistas

Esas y otras diferencias se fueron profundizando con el devenir político de la década. Lo más parecido a una saga nacional quetuvo el cine francés de esos años fue la bella Trilogía del puerto de Marcel Pagnol, poblada de amables personajes de provinciacuya humanidad les hace trascender su condición de arquetipos. En Alemania, en cambio, Hitler exaltaba Los Nibelungos yestaba cada vez más cerca de transformarse en una versión internacional del Dr. Mabuse, mientras que por esos años FritzLang, el responsable de haber plasmado ambas visiones, prefería tomar la figura de un asesino serial, quitarle las sombrastranquilizadoras del expresionismo e instalarlo para siempre en la realidad urbana contemporánea. El devenir político profundizóesa tendencia: Francia, aunque tuvo sus militaristas, fue capaz de proponer La gran ilusión. Alemania, en cambio, prefirió Eltriunfo de la voluntad.

En este breve artículo titulado Expresionismo alemán vs. Impresionismo francés Fernando Martín Peña nos acerca al uso deestos términos artísticos al cine.

¿Conoces la pintura impresionista? Seguro que sí pero, si no es así, echa un vistazo a algunas obras y comenta brevemente enqué conectan con el uso del término Impresionismo en Literatura o Cine.

Desde aquí puedes acceder a Napoléon vu par Abel Gance.

En el seno de este ambiente inquieto e intelectual, surgieron a partir de 1920, las primeras vanguardias cinematográficas que, dentro dela senda abierta por los impresionistas, buscaban formas de expresión más osadas y provocativas. Primero adoptaron la forma de laabstracción y el geometrismo pero, a partir del manifiesto surrealista de André Bretón (1924), buena parte del cine experimental francésse incorporó la revolución estética del movimiento. Una de las aportaciones más brillantes al surrealismo (1) cinematográfico fue la delaragonés Luis Buñuel, que había llegado en 1925 a París y, tan sólo tres años después, dirigía su primer film, Un perro andaluz (Unchien andalou (2), 1928), una obra fiel al ideario surrealista, producida en colaboración con Salvador Dalí. En 1930, Buñuel escribió yrealizó -ya en solitario- La edad de oro (L´age d´or otro hito surrealista.



http://www.allthatmovies.com/history/adventure/drams/comedy/adventure/comedy/action/action/biography/10-napoleon-1927.html

Amar el cine: Capítulo 11

La passion de Jeanne dÁrc (Dreyer)

Junto a Buñuel, son muchos los artistas extranjeros que pasaron por París. Destacó el danés Carl Theodor Dreyer que realizó en 1928La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne dÁrc), una obra clásica del cine mudo, construida con primeros planos dramáticos,y modelo por la sobriedad en el tratamiento de los hechos. Las versiones a las que podemos acceder son variaciones de la original quese destruyó.

También en estos años, el cineasta brasileño Alberto Calvacanti realizó una obra importante, en la que ya se vislumbra la vocacióndocumentalista del autor que, a partir de 1934, habrá de integrarse en la célebre escuela documentalista inglesa.

Además, empezaron a destacar durante los años veinte Jean Renoir y René Clair. Si bien Renoir realizará sus mejores trabajos con lallegada del cine sonoro, la obra muda de Clair sí que resulta muy representativa del cine francés de estos años. Sus primeras películasse inscriben dentro del vanguardismo cinematográfico, pero a partir de 1927, con la adaptación al cine del vodevil Un sombrero de pajade Italia (Un chapeau de paille dÍtalie) la obra de Clair adoptó un inofensivo carácter satírico, con el que retrató a la sociedad burguesade su tiempo. A partir de este momento, Clair desarrolló un talento especial para el tratamieno de la farsa, a través de la caricatura, fría ycalculada, de una época y de sus tipos.

René Clair (izq.). Un chapeau de paille dÍtalia (1927)

Capítulo 11: "Movimientos" (10´) Un perro andaluz.

Consulta el PDF Ficha ténica y minutaje para conocer los contenidos completos del capítulo.



http://cinema.encyclopedie.personnalites.bifi.fr/index.php?pk=8392file:///D|/Perfiles/tmog0006/Escritorio/CINE/pdf/Modulo_2_Historia_V/11_mov_cinematograficos.pdf

Para saber más

Actividad 5

Alemania

(1) surrealismo

(2) Un chien andalou

Visiona el reportaje de rtve en el programa Días de cine: Homenaje a 'Un perro andaluz'

Estudios UFA

Durante la Gran Guerra, el gobierno alemán puso en marcha una empresa de producción cinematográfica, con la que abastecer de



http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-0055-01/surrealismo.htmlhttp://eoran.com/unchienandalou/espanol/http://www.rtve.es/alacarta/videos/television/perorandaluz/797187/

Para saber más

Actividad 6

La Escuela Expresionista

películas propias -y con argumentos propagandísticos propios- a las salas del país. De esta iniciativa surge en 1917, la UFA (UniversumFilm A.G.) (1), con espectaculares reconstrucciones históricas de alto costo, alguna de ellas dirigidas por Ernst Lubitsch, que en 1923marcharía a Hollywood donde daría al cine algunas de las comedias más perspicaces de la historia.

La espectacularidad en las reconstrucciones de los acontecimientos era en buena parte deudora de las grandes puestas en escena deMax Reinhardt, renovador del teatro alemán de la anteguerra, en cuya escuela se formaron buena parte de los artistas del nuevo cinealemán.

(1) Universum Film A.G.

Visiona el reportaje de Día de cine: Centenario de los estudios Babelsberg (UFA)

La cinematografía alemana se vio enriquecida con la incorporación de un universo temático y formal procedente de la EscuelaExpresionista (1) , que nació como movimiento pictórico de vanguardia, en Munich, hacia 1910. El expresionismo propuo unainterpretación subjetiva de la realidad que, desde la óptica del artista, se presentaba distorsionada.

El gabinete del Dr. Caligari (1919)

En 1919 El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari (2), Robert Wiene) produjo una ruptura estética, que en el cinedio forma a un universo de fantasía, poblado por personajes de pesadilla. En esta obra aparecían ya claramente definidas todas laspropuestas formales y temáticas del movimiento expresionista. Los decorados eran de artistas dl grupo Der Sturm y la historia muestraa Cesare, un médium que, bajo la influencia hipnótica del macabro doctor Caligari, comete una serie de crímenes espeluznantes.

Con esta obra, sus guionistas, Carl Mayer y Hans Janowitz, plantearon una metáfora de difícil interpretación, en la que Caligari sería elEstado alemán y Cesare representaría al pueblo, arrastrado por sus gobernantes a la guerra. Esta denuncia política desapareció delguión definitivo con la incorporación al proyecto del realizador Robert Wiene. Éste añadió dos escenas nuevas, una al principio y otra alfinal, con las que alteraba de manera decisiva el sentido inicial de la historia, que pasó a ser el relato de un loco. Pero estos cambiosargumentales no limitaban las innovadoras contribuciones plásticas de esta obra:

Una atmósfera inquietante, con decorados de líneas oblicuas, inestable y de proporciones deformadas.

Los actores, con maquillajes y vestuario sorprendentes, estilizando sus movimientos y la interpretación para integrarse en esaescenografía alucinante.



http://de.wikipedia.org/wiki/Max_Reinhardthttp://www.ufa.de/company/historie/http://www.rtve.es/alacarta/videos/programa/dia-cine-centenario-los-estudios-babelsberg-ufa/1369584/http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5381.htmhttp://de.wikipedia.org/wiki/Carl_Mayer_%28Drehbuchautor%29http://de.wikipedia.org/wiki/Robert_Wiene

Amar el Cine: Capítulos 1, 7 y 11

Falsos efectos de iluminación, pintando luces y sombras sobre los decorados.

Fotogramas de El estudiante de Praga, El Golem y Nosferatu

Paul Wegener y Stellan Ray dirigieron la hermosa El estudiante de Praga (Der studen von Prag, 1913). Paul Wegener y HenrikGaleen recuperaron con El Golem (Der Golem (3), 1920), una antigua leyenda judía checa; Paul Leni narró en El hombre de las figurasde cera (Wachsfigurenkabinett, 1924), las macabras visiones de un joven poeta en un museo de cera; Friedrich Wilhelm Murnaualcanzó las más altas cotas artísticas dentro de este estilo con Nosferatu, el vampiro (Nosferatu, eine symphonie des Grauens (4),1922), adaptación libre (para no pagar derechos) de la novela Drácula de Bram Stoker. Murnau sustituyó el rodaje en estudio y losdecorados expresionistas por la filmación en exteriores naturales, escogiendo minuciosamente los rincones urbanos y los paisajes. Coneste cambio de elementos fantásticos en un entorno real, Murnau confirió al relato una inquietante veracidad.

La Escuela expresionista mostró predilección por los temas fantásticos, las antiguas leyendas o los oscuros escenarios de terror, unatendencia que muchos estudiosos reconocen como claro reflejo de la inestable situación política y social que atravesaba la reciéninaugurada República de Weimar.

Fritz Lang (dcha.): Cartel de Los nibelungos y fotograma de Metrópolis

Otra figura importante de esta escuela fue el vienés Fritz Lang que, tras haber estudiado arquitectura y Bellas Artes, aportó alexpresionismo una nueva concepción arquitectónica y monumental que encontró su pleno desarrollo en Los Nibelungos (Die Nibelungen,1923-24), colosal epopeya germánica en la que se anuncia el renacimiento de un misticismo racial cercano al nazismo. Metrópolis (5)(1926), su siguiente película, es un relato futurista que presenta una sociedad dividida según su raza en dos estamentos fundamentales:el de los señores y el de los infrahombres, esclavos que viven bajo tierra, sometidos al poder de las máquinas. Se trata de una narraciónbastante confusa ideológicamente en la que un joven burgués, hijo del capitalista, libera por amor a sus obreros de la tiranía de unamaquina, una mujer-robot. El film finaliza con la reconciliación entre capitalismo y trabajo. La autora de este guión y del de LosNibelungos fue Thea Von Harbou, esposa de Lang en la época y futura militante nazi, a quien se ha considerado responsable última dela inclinación ideológica en ambas obras. Al poco estimulante argumento de Metrópolis, Lang incorporó su prodigioso dominio en laarticulación de espacios, volúmenes y claroscuros, aportando a la historia del cine algunas de las imágenes más revolucionarias yllevando al expresionismo arquitectónico a su más alto nivel artístico en el cine.




http://www.classichorror.free-online.co.uk/wegener.htmhttp://www.leninimports.com/fritz_lang.htmlhttp://de.wikipedia.org/wiki/Thea_von_Harbou

Para saber más

De película

Actividad 7

La Kammerspislfilm

(1) Escuela Expresionista

(2) Das Kabinett des Dr. Caligari

(3)Der Golem

(4) Nosferatu, eine symphonie des Grauens

(5) Metrópolis

Desde aquí puedes ver y/o descargar El gabinete del Doctor Caligari. Disponible en archive.org.

Desde aquí puedes ver y/o descargar Nosferatu, el vampiro. Disponible en archive.org.

Visionado:

Si aún no las conoces, ahora es el momento de descubrir El gabinete del Dr. Caligari, El Golem, Nosferatu oMetrópolis. Si ya las conoces, atrévete con otras de las que se nombran.

¿Qué aspectos del cine expresionista han tenido más peso en el cine posterior?

Ampliación:

Visiona los reportajes del archivo de rtve en el programa Días de cine: Luces y sombras del expresionismoalemán

Max Reinhardt y Carl Mayer. Una escena de Kammerspielfilm



https://muzderauli.wordpress.com/tag/max-reinhardt/http://www.archive.org/details/DasKabinettdesDoktorCaligariTheCabinetofDrCaligarihttp://www.galeon.com/meyrink/golem.htmhttp://nosferatumovie.com/http://metropolis1927.com/#homehttp://archive.org/details/DasKabinettdesDoktorCaligariTheCabinetofDrCaligarihttp://archive.org/details/silent_filmshttp://archive.org/details/Nosferatu_DVD_qualityhttp://archive.org/details/silent_filmshttp://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-luces-sombras-del-expresionismo-aleman/724377/http://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-luces-sombras-del-expresionismo-aleman/724377/

Para saber más

De película

Actividad 8

Mientras el expresionismo evolucionaba rápidamente con nuevos efectos de iluminación, decorados mas perfectos y, en algunos casos,escenarios naturales, surgió otra corriente dentro de la escuela alemana, una reacción realista inspirada en las experiencias escénicasdesarrolladas por Max Reinhardt en el Kammerspiel o Teatro de cámara. Se trata del Kammerspielfilm (1), que abandona los temasfantásticos y los decorados expresionistas, para intentar una aproximación al drama cotidiano de unos personajes sencillos, inmersos enun espacio reducido, la modesta vivienda, que, sin más atributos, adquiere aquí un carácter claustrofóbico.

Esta propuesta fue impulsada, en gran medida, por la labor del guionista Carl Mayer, cuyos dramas resultaban a veces simplistas y algoteatrales. Directores importantes se sintieron atraídos por esta corriente del expresionismo, en la que aportaron al cine alemán algunasde sus más grandes obras cinematográficas.

F.W.Murnau: fotogramas de El último y Fausto

Tal es el caso de F.W. Murnau, que con El último (Der letzte Mann (2), 1924), condujo con talento al cine alemán del expresionismo almás puro realismo social. Pero además, no dejó de innovar en el lenguaje plástico aportando a la narración la dinámica de una cámaraen constante movimiento, ya fuera a través de travellings subjetivos (atando la cámara al pecho del operador) y travellings circulares ode movimientos de grúa (ubicando la cámara en el extremo de una escalera de incendios). De este modo, con Murnau, la cámaraquedó definitivamente liberada de su estatismo. Tras Tartufo (Tartüff, 1925), adaptación libre de la obra de Molière, y Fausto (Faust,1926), Murnau, que se encontraba en el momento más alto de su carrera, abandonó su país y, como tantos otros, marchó a Hollywood.

(1) Kammerspielfilm

(2) Der letzte Mann

Puedes ver desde aquí una secuencia de El último.

Visonado:

Disfruta del placer de descubrir El último.

Ampliación:

Visiona el reportaje del programa Días de cine: Homenaje a F.W. Murnau



http://www.murnau-stiftung.de/en/01-05-00-murnau.htmlhttp://en.wikipedia.org/wiki/Kammerspielfilmhttp://www.miradas.net/0204/clasicos/2004/0411_elultimo.htmlhttp://youtu.be/FULPDnOUg3Uhttp://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-homenaje-murnau/652241/

La Corriente Realista


De película

La reacción realista iniciada por el Kammerspielfilm fue ampliamente rebasada por un grupo de cineastas alemanes, de los cualesdestacó George Wilhelm Pabst que realizó Bajo la máscara del placer (Die Freudlose Gasse, 1925) con Greta Garbo y La caja dePandora (Die Büchse der Pandora, 1929) con Louise Brooks.

G.W.Pabst: fotogramas de Bajo la máscara del placer y La caja de Pandora

Con estas películas el cine alemán inauguraba una tendencia profundamente realista y polémica, de marcado carácter social, queademás abandonaba definitivamente las últimas reminiscencias de la estética teatral presentes en el expresionismo. Esa corrienterealista quería reflejar las miserias y contradicciones de una sociedad en decadencia, sometida al desequilibrio económico queatravesaba el país. Así se convirtió el cine en vehículo de transmisión de la realidad social de un momento histórico concreto, primerpaso en la configuración de un cine comprometido social y políticamente. En 1930 filmó la tragedia social Carbón (Kameradschaft) yadaptó la famosa opereta de Bertolt Brecht La ópera de los tres centavos (Die Dreigroschenoper, 1931).

Si te interesa la obra de Bertolt Brecht y su relación con el cine, ahí van dos interesantes artículos:

Las huellas de Brecht en el cine de Pepe Gutiérrez-Álvarez (Caosenlared.net)

Bertolt Brecht & Charles Chaplin (Miradas de cine)

Bertolt Brecht

Lee y comenta alguno de los dos artículos, señalando que aspectos te parecen más interesantes de la relación de Brecht con elcine.



http://www.claqueta.es/directores/georg-wilhelm-pabst.htmlhttp://old.kaosenlared.net/noticia/las-huellas-de-brecht-en-cinehttp://bit.ly/A1fKZN

Cine Soviético

El Cine Prerrevolucionario

El Cine Postrevolucionario

Puedes ver y/o descargar en Archive.org Die Freudlose Gasse.

Los primeros años tras la revolución soviética (1917) dieron lugar a una de las escuelas más brillante de la historia del cine y a algunosde los autores que más han marcado el desarrollo del cine.

Cartel de Acorazado Potemkin, Serguéi M. Eisenstein, 1925

La producción de la Rusia prerrevolucionaria es poco valiosa. En 1896, Moisson y Doublier, operadores de la casa Lumière, rodaronLa coronación del zar Nicolás II (Le couronnement du tsar Nicholas II). Pronto llegaron hasta Moscú y San Petersburgo las sucursales dela casa Pathé pero no será hasta 1907 cuando se abrirán las primeras productoras nacionales de importancia.

En 1917 estalló la revolución de Octubre, constituyéndose un gobierno presidido por Lenin, que derivó rápidamente hacia un régimen departido único. Se hizo necesaria, entonces, la aplicación de un instrumento que pudiese llegar de forma masiva a todo el pueblo, en sumayoría analfabeto. Tal vez fuese Lenin el primer dirigente que expresó de forma explícita el potencial que los políticos verían en el cinecuando afirmaba en 1922 que "de todas las artes, el cine es para nosotros la más importante" . De hecho, régimen soviético impulsó unavigorosa industria fílmica dentro de la URSS. El 27 de agosto de 1919 ya había firmado el decreto de nacionalización de la industriacinematográfica, en virtud del cual esta actividad, junto con la radio, pasaba a depender del comisariado de Educación del Pueblo(Anatoli Lunacharski). Y al mes siguiente se creó en Moscú la Escuela Cinematográfica del Estado (G.I.K.). De este esfuerzosurgieron artistas tan importantes como Eisenstein, Kulechov, Pudovkin, Dziga Vertov o Dovjenko.



http://archive.org/details/joylessStreetdieFreudloseGasse1925

Para saber más

Actividad 10

Kuleshov: Aventuras Mr.West y El rayo de la muerte

En los años que siguieron a la revolución, la escuela soviética dio muestras de una gran autonomía en su personalidad debido en partea la dificultad y retraso con que llegaban las influencias exteriores. Inmersos en una atmósfera vanguardista, producto del clima post-revolucionario, un grupo de jóvenes creadores aportó una nueva y revolucionaria dimensión a la expresión cinematográfica. Lev V.Kuleshov, joven cineasta y profesor del Instituto de Cine, inauguró en 1921, el Laboratorio Experimental. Allí realizó diversosexperimentos encaminados a demostrar el poder del montaje en el cine. Algunos de ellos serán incorporados, con el paso de los años, atodos los manuales de técnica cinematográfica. Kuleshov realizó numerosas películas entre las que destaca la simpática sátira Lasaventuras extraordinarias de Mr. West en el país de los Bolcheviques (Neobychainye priklyucheniya mistera Vesta v strane bolshevikov,1924).

También, en esta línea vanguardista, se enmarcan los trabajos experimentales de la FEKS (Fábrica del Actor Excéntrico) fundada en1922. Inspirada en los movimentos escénicos más innovadores y en los recursos del circo y del Music-hall, propone un cine de carácterburlesco emparentado con la Commedia dell'Arte italiana.

Vertov: Cine-Ojo

En estos años, también sobresale la obra del cineasta judío de origen polaco Dziga Vertov. Trasladado muy joven a Moscú, se convirtióen uno de los grandes documentalistas de la historia del cine. Vertov estaba muy ligado a los movimientos artísticos de vanguardia,como el constructivismo y el suprematismo de Kasimir Malevich. Sus propuestas en el cine fueron revolucionarias, eliminando losrecursos artificiosos, el guión, los actores, la iluminación artificial y los decorados. Él se propuso captar la realidad y se hizo célebre conel movimiento "Cine-ojo" y con el noticiario "Cine-verdad" (Kino-Pravda), en los que aplicaba sus teorías (1), y con los que influyó deforma permanente en la teoría y la práctica del cine documental.

(1) Dziga Vertov y la realidad arrancada a través del cine por César de Vicente Hernando . Disponible en DiagonalWeb, Miércoles 8 de junio de 2011. Número 151 Número 152



http://es.wikipedia.org/wiki/Lev_Kuleshovhttp://es.wikipedia.org/wiki/Lev_Kuleshovhttp://www.filmreference.com/Directors-Pe-Ri/Pudovkin-Vsevolod.htmlhttp://www.diagonalperiodico.net/Dziga-Vertov-y-la-realidad.htmlhttp://www.diagonalperiodico.net/

Etapa de Madurez

Amar el Cine: Capítulos 3, 6 y 11

Puedes visionar en el archivo de rtve los siguientes documentales del programa Días de cine:

Vanguardia soviética.

Dziga Vertov y el Cine-Ojo (Kino-Glaz).

A estas interesantes propuestas teóricas y experimentales, se unió pronto la innovadora labor de un grupo de jóvenes artistas quellevaron al cine soviético a su etapa de madurez, imponiéndose como una de las cinematografías más avanzadas del mundo. El másimportante de esos realizadores fue Sergei M. Eisenstein (Vd. Autores) autor de varias de las obras más trascendentes de la historiadel cine desde El acorazado Potemkin (Bronenósets Potyomkin, 1925) hasta Iván el Terrible (Ivan Groznyy, 1945).

Fotogramas de La huelga y La fiebre del ajedrez

Otra figura relevante es Vsevolod I. Pudovkin (Vd. Autores) con su trilogía revolucionaria que abre la adaptación de la obra de GorkiLa madre (Mat´ (1), 1926) y cierra con Tempestad sobre Asia (Potomok Chingis Khana, 1928).

Tanto en las películas de Pudovkin,como en las de Eisenstein se impone una revolución común, la del montaje, aplicado hasta susúltimas consecuencias, y la de sus imágenes, llevadas al límite del realismo. En este aspecto, se puede decir que con la escuelasoviética, el montaje alcanza su madurez.

Alexander Dovzhenko: Fotogramas de La tierra

Alexander Dovzhenko cerró su trilogía ucraniana con la lírica y hermosa obra maestra La tierra (Zemlya, 1930), una visiónconmovedora de la vida campesinas que supera la propaganda política. Ésta película, con elementos como la conexión de imágenes sinrelación directa con el argumento y su lenguaje poético, ha influido en muchos directores.




http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-vanguardia-sovietica-3/1036099/http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-vanguardia-sovietica-2-dziga-vertov-cine-ojo-kino-glaz/1013730/http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/figuraseisenstein.htmhttp://en.wikipedia.org/wiki/Vsevolod_Pudovkinhttp://es.wikipedia.org/wiki/Aleksandr_Dovzhenko

Para saber más

De película

Estados Unidos

El Star-System

(1) Mat´

Puedes ver y/o descargar El acorazado Potemkin . Disponible en Archive.org

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo,convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos seencontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial.

Los 10 mandamientos de Cecil B. de Mille

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo,convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos seencontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos de las películas aumentaron demanera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos desarrollados porAdolph Zukor en la Paramount.



http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1714.htmlhttp://archive.org/details/BattleshipPotemkin_644

Amar el Cine: Capítulo 4

Rodaje en la Metro (La Boheme, 1926)

Sin embargo, buena parte del éxito de una producción dependía de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, y unode los trabajos más importantes será su promoción. Se dice que fue D.W. Griffith quien empezó a firmar sus películas y a colocar a losactores en los títulos de crédito. Gracias a esa iniciativa, los actores comenzaron a ser conocidos, generándose una demanda por partedel público. Así aparece en la nueva industria el Star-System. Gloria Swanson, Louise Brooks, Claudette Colbert y Greta Garbofueron estrellas de esta época, junto a los grandes cómicos. Ya en los años 20 aparecieron también el sistema de estudios (studiosystem), siguiendo el modelo de Irving Thalberg en la Metro, y el cine de géneros cinematográficos.

En 1922, las principales empresas se agruparon en torno a la Motion Picture Producers & Distributors of America Inc., organismoencargado de establecer una normativa que articule el funcionamiento interno de las empresas y sus relaciones. Pero el presidente deesta asociación, el ex-senador republicano Will H. Hays, irá más allá en el desarrollo de sus funciones y redactará un célebre códigomoral, el Código Hays (1), al que se verá sometida la industria de Hollywood a partir de 1930.

Capítulo 4: "Las estrellas de la pantalla".

Consulta el PDF Ficha ténica y minutaje para conocer los contenidos completos del capítulo.



http://en.wikipedia.org/wiki/Irving_Thalberghttp://en.wikipedia.org/wiki/Irving_Thalbergfile:///D|/Perfiles/tmog0006/Escritorio/CINE/pdf/Modulo_2_Historia_V/4_las_estrellas.pdf

Para saber más

Actividad 11

Las Superproducciones

(1) Código Hays

Visiona el reportaje de rtve en Días de cine: Homenaje a Greta Garbo

En los años 20, la joven industria norteamericana vivía su mejor momento, lo que le permitió hacerse con algunos de los más reputadosprofesionales europeos, sobre todo alemanes. Antes de que esto ocurriese, la influencia del cine alemán y de las grandiosasreconstrucciones históricas de Ernst Lubitsch, alcanzaron los Estados Unidos, donde comenzaron a producirse películasespectaculares de alto costo como El ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad, Raoul Walsh, 1924) o Ben Hur (Fred Niblo, 1926).

Los diez mandamientos (De Mille)

Cecil B. De Mille fue el cineasta que llevó este género grandilocuente al límite de sus posibilidades con la producción de una serie deobras adaptadas de la Biblia. La primera fue Los diez mandamientos (The Ten Commandments, 1923), pieza que volverá a versionarcon gran éxito en 1956. También son los años del western, género en el que comienza su carrera el director John Ford, y, sobre todo,de la escuela cómica norteamericana, que inaugurara Mack Sennett antes de la guerra, y que, en ese momento, se encontraba enplena madurez, con figuras de la talla de Buster Keaton, Harold Lloyd o Stan Laurel y Oliver Hardy (conocidos como "El gordo y elflaco" (1)) y, por supuesto, el genial Charles Chaplin (Ver detalles en el apartado Autores).

Buster Keaton

El original Buster Keaton trasciende lo cómico con sus extraordinarios gags de particular carga poética. Se trata de un realizador y actormagnífico que mostró su inocente perplejidad ante la grotesca crueldad del entorno,en obras maestras como El maquinista de laGeneral (The General, 1927), The Cameraman (1928), The Navigator (1924), y muchas otras.

Por otro lado, surgió en estos años un cine americano que, al igual que la literatura del momento, adoptó un estilo directo, tomado de lacrónica periodística. Ejemplo de ello fue la obra de King Vidor, entre la que destaca la película Y el mundo marcha (The Crowd, 1928),



http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%B3digo_Hayshttp://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-homenaje-greta-garbo/752647/http://www.cecilbdemille.com/http://www.haroldlloyd.com/cms/http://www.laurel-and-hardy.com/http://www.laurel-and-hardy.com/http://www.laurel-and-hardy.com/http://www.busterkeaton.com/http://sensesofcinema.com/vidor/

Amar el Cine: Capítulos 8 y 10

Para saber más

De película

Ampliación: Alberti y la comedia americana

retrato de la realidad social norteamericana del momento, en el que un modesto empleado trata, inútilmente, de ascender en la escalasocial.

Lois Weber es la única directora en la época muda y una de las más importantes del cine americano, ya que sus obras no desmerecíande las de sus colegas. Sin embargo, se vio obligada a hacer cine independiente. Hypocrites (1915), Too Wise Wives y The Blot, ambasde 1921, son muestras de su calidad, con caracterizaciones y una preocupación por los detalles en el estilo que anticipaba a directoresposteriores como Bergman o Altman.

Fotograma de The crowd (Vidor) y Lois Weber con un cartel de The Blot


(1) El gordo y el flaco

Puedes acceder a El ladrón de Bagdad en Archive.org.

Puedes acceder a algunas películas de Buster Keaton en archive.org.

Rafael Alberti , como otros intelectuales del 27, era un gran aficionado al cine, especialmente al cine cómico americano. El librode Alberti Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos es un recorrido mágico por los actores del cine cómicoestadounidense. El título del libro se lo da José Bergamín.



http://www.nwhm.org/education-resources/biography/biographies/lois-weber/http://es.wikipedia.org/wiki/El_gordo_y_el_flacohttp://archive.org/details/ThiefOfBagdad1924http://archive.org/search.php?query=%28buster%20Keaton%29%20AND%20collection%3A%28silent_films%29

Actividad 12

Europeos en Hollywood

Yo era un tonto... llena también sus páginas con otros actores que al público de hoy le resultan prácticamente desconocidos. Esel caso de Larry Semon, Ben Turpin, Louise Fazenda o Harry Langdon. "Entre esos actores que hoy casi nadie recuerda estáCharles Bowers, un personaje aparentemente muy sencillo, el pequeño burgués sin aspiraciones que inventa una máquina paraque los huevos no se rompan y otras por el estilo. No hay referencias de él en ese momento en España. Posiblemente Alberti vioa este actor en Francia" (Utrera).

Al apostar por estos actores cómicos, Alberti se hacía eco de los vientos que soplaban en la Residencia de Estudiantes y quetanto influyeron en el cine de Luis Buñuel, la pintura de Salvador Dalí o la literatura del 27. "Para los escritores jóvenes de esaépoca, había dos grandes bloques bien diferenciados en el cine. El propio Buñuel los delimita. En un bloque estaban las grandespelículas como Metrópolis, de Fritz Lang, o Napoleón, de Abel Gance. Frente a esas películas, Buñuel dice que ellos prefieren ladelicadeza y la sencillez de las películas de Charlot, Buster Keaton, Harry Langdon y todos los demás actores cómicos", recalcaUtrera.

Puedes encontrar esta información y más sobre la obra de Alberti y su relación con el cine en el libro de Rafael Utrera Poéticacinematográfica de Rafael Alberti, Sevilla, Fundación El Monte, 2006.

Puedes leer uno de los poemas de ese libro haciendo clic en Pulse aquí.

Repasa alguna de las películas de Buster Keaton que puedes encontrar en De película y señala algún aspecto que te hayallamado la atención.

Carteles films Lubitsch, Sjöström, Murnau y von Stroheim

El cine romántico también alcanzó relevancia, sobre todo con la figura de Greta Garbo que llegó a Hollywood procedente de Suecia,junto con los más importantes directores de aquella cinematografía: Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Sjöström realizó, entre otraspelículas importantes, la obra maestra, El viento (The Wind, 1920).

Pero frente al éxito de la Garbo, tanto Stiller como Sjöström, al igual que muchos otros cineastas llegados de Europa, hallaron grandificultad a la hora de abordar una producción de calidad en el seno de una industria que priorizaba la rentabilidad económica y que seregía por un sistema de producción en cadena.



http://www.gretagarbo.com/Offical_Website_of_Greta_Garbo/Home.html


El "toque" Lubitsch

Otros europeos, como los alemanes Ernst Lubitsch y F.W. Murnau y los austríacos Josef von Sternberg y Erich von Stroheim,realizaron algunas de las obras más importantes del cine americano de estos años. A Lubitsch se debe el comienzo de la alta comediaamericana, que basa su acción en ligeros enredos resueltos con genialidad, el llamado "toque Lubitsch". Lubitsch marcará un estilopropio de comedia fina, humor discreto, sabia ironía y excelente puesta en escena. El desfile del amor (The Love Parade, 1929), Unahora contigo (One Hour with You, 1932) o La viuda alegre (The Merry Widow , 1934) son algunas de sus comedias más populares deesta etapa.

Por su parte, Murnau llegó a Hollywood precedido por el prestigio de su obra alemana, lo cual le permitió afrontar sus proyectos conbastante libertad. En su película americana más reconocida, Amanecer (Sunrise, a song of two humans (1), 1927), Murnau incorporóde forma coherente, dentro de un universo plástico dotado de fuertes connotaciones pictóricas, tanto elementos procedentes de suexperiencia artística previa en la Escuela expresionista alemana, como del más puro realismo americano. Murnau murióprematuramente, aunque antes logró finalizar una última obra maestra realizada en los archipiélagos de Polinesia y que se inscribedentro del género documental: Tabú (1930).

El austríaco Josef Von Sternberg, inauguró el género de cine de gansters con La ley del hampa (Underworld, 1927). Sternbergaporta, al tratamiento de la historia y de los personajes, un preciso análisis de tipos y del entorno social en el que se mueven, y unavisión romántica de la rebeldía, próxima al anarquismo, que no abandonará a lo largo de toda su filmografía.

Poster La ley del hampa y fotograma de La reina Kelly

En esta misma línea realista, destaca la obra de Erich von Stroheim , que muestra, desde una óptica personal, un universo decadentey perverso, y analiza los aspectos más bajos de la condición humana. Esta actitud moral de Stroheim ante los acontecimientos narradosestá presente de forma manifiesta en toda su obra, especialmente en Esposas frívolas (Foolish Wives, 1921), en Avaricia (Greed, 1923)y en La reina Kelly (Queen Kelly , 1928), que no llega a finalizar y que supone, además, el fin de su carrera como realizador. Y es esteposicionamiento moral el que habrá de depararle el rechazo de parte de la profesión, de la crítica y, por supuesto, de los censores.




http://www.lubitsch.com/

Para saber más

De película

Actividad 13

Autores

Charles Chaplin

(1) Sunrise

Puedes acceder a Sunrise en Archive.org

Puedes ver desde aquí un fragmento de La ley del hampa (en inglés).

Investiga un poco sobre qué es lo que se llama "toque Lubitsch".

En los apartados anteriores ya hemos mencionado a algunos de los autores más destacados del Cine Mudo. Ahora vamos a fijarnoscon más detalle en algunos de ellos:

David Wark Griffith.

Abel Gance.

Vsevold Pudovkin.

Sergei Mikhailovich Eisenstein.

D.W. Griffith



http://en.wikipedia.org/wiki/Sunrise:_A_Song_of_Two_Humanshttp://archive.org/details/sunriseASongOfTwoHumans1922http://www.criterion.com/films/21766-underworld

Chaplin y Charlot

Sus Inicios

Miembro de una humilde familia de actores, la infancia de Charles Chaplin (1889–1977) transcurrió en los escenarios londinenses, a losque se incorporó como actor infantil con tan sólo cinco años de edad. Esta primera etapa de su vida estuvo marcada por la miseria, a laque puso fin su entrada en la importante compañía de pantomima de Fred Karno, en la que perfeccionó sus conocimientos artísticos,alcanzando gran prestigio como actor cómico. Las giras que realizaba la compañía por Estados Unidos le permitieron entrar en contacto,en 1913, con el productor y director de la Keystone, Mack Sennett, con quien firmó su primer contrato en Hollywood.

Su Incorporación en Hollywood

En esta nueva etapa, Chaplin añadió a su vocación de intérprete la de escritor y director, labor que ya realizaba en la gran mayoría delas películas de estos primeros años, en los que comenzó a tomar forma su célebre Charlot, el vagabundo romántico, de buenosmodales y cierta picaresca, cuya trascendencia radica en la dimensión humana que Chaplin incorporó al personaje, ausente en lamayoría de los tipos cómicos de las Keystone comedies.

Su Filmografía

Entre los cortometrajes que realizó durante estos años, destacan Vida de perro ( A Dog's Life, 1918), ¡Armas al hombro! (ShoulderArm's!, 1918), Día de paga (Pay Day, 1922) y El peregrino (The Pilgrim, 1922).

Algunas escenas de los cortos de Chaplin

En 1921, realizó su primer largometraje (50 minutos), El chico (1) (The Kid), que evoca la pobreza de sus años de infancia en Londres,pero que supone ante todo una evolución del universo del autor, con la incorporación del elemento trágico a sus comedias.

Gracias al éxito de El chico, Chaplin fundó, en 1923, con el actor Douglas Fairbanks, la actriz Mary Pickford y el director David WarkGriffith, máximas figuras artísticas del Hollywood de aquellos años, la productora United Artists, para la que realizará su siguientepelícula, Una mujer de París (A Woman of Paris, 1923), en la que Chaplin no participó como actor. Se trata de una obra capital de lahistoria del cine, considerada por muchos críticos como la primera muestra de cine psicológico y primer estudio realista de costumbres.Debido al vigor que imprime a la narración y a sus hallazgos visuales, Una mujer de París colocará a Chaplin entre los más grandesrealizadores del momento, sin embargo, la película fue un completo fracaso comercial.



http://www.chaplinalife.com/index.html

Para saber más

De película

Recomendación

Escenas de: El chico (izq.), La quimera del oro (centro) y Luces de la ciudad (dcha)

Debido precisamente a este fracaso, en sus siguientes películas, La quimera del oro (2) (The Golden Rush, 1925) y El circo (The Circus ,1928), Chaplin volvió a encarnar a su célebre vagabundo.

El éxito de estas producciones le permitió abordar sus siguientes obras desde la más absoluta libertad temática y creativa. En Luces dela ciudad (City Lights, 1931), realizó un amargo retrato de las injusticias sociales; en Tiempos modernos (Modern Times, 1936), últimapelícula muda del autor, con banda musical y efectos sonoros, propuso una sátira tragicómica en torno a la deshumanización delsistema capitalista y de la mecanización del trabajo; y El gran dictador (The Great Dictator, 1940), nueva sátira política en la que Chaplinse enfrentó a las dictaduras nazi y fascista. La actitud valiente y combativa que adoptó el autor en estas obras seguirá presente enMonsieur Verdoux (1946), una lúcida farsa sobre la frágilidad de la moral, inspirada en un argumento de Orson Welles.

Escenas de: Candilejas (izq.), Rey en N.York (centro) y Condesa de Hong-Kong

Su postura crítica no fue bien vista desde el Comité de Actividades Antiamericanas, que le llamó a testificar. En esta situación,Chaplin abandonó definitivamente los Estados Unidos, en 1952, para realizar en Inglaterra sus siguientes películas: Candilejas(Limelights, 1952), melodrama sentimental con cierto carácter autobiográfico; Un rey en Nueva York (A King in New York, 1957), en laque arremetía contra el Comité de Actividades Antiamericanas; y, su última película, en la que además interpreta un pequeño papel decamarero, La condesa de Hong Kong (The Countess from Hong Kong).

(1) Estephen M. Weissman: Chaplin: a life. www.ChaplinALife.com © 2008 All Rights Reserved.[consultado 17/04/2012]

(2) The Kid

(3) The Golden Rush

Puedes acceder desde aquí a The Gold rush

Visiona el reportaje de Días de cine

'Luces de la ciudad', 80 años



http://www.chaplinalife.com/http://es.wikipedia.org/wiki/The_Kid_%28pel%C3%ADcula_de_1921%29http://www.filmsite.org/gold.htmlhttp://www.youtube.com/watch?v=rPEE5T5iMKohttp://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-luces-ciudad-anos/999754/

Actividad 10

David Wark Griffith

¿Por qué el hombrecillo de Chaplin ha sido el personaje más universal del cine?

D.W. Griffith con Fairbanks, Pickford y Chaplin

Cuando David Wark Griffith (1875-1948) comenzó su producción de películas, el cine se encontra dando aún sus primeros pasos.Apenas habían transcurrido veinte años desde que los hermanos Lumière estrenaran su Tren llegando a la estación en el salón Indiende París. Y aunque las salas de exhibición se nutrían de un elevado número de pequeñas producciones, el cine no pasaba de serconsiderado una atracción menor, un divertimento sin más valor en sí mismo. El reto entonces era proporcionarle una dimensión artísticay comercial que pudiese ponerle al mismo nivel que otros espectáculos de la época. Griffith es el artífice en la consecución de estosobjetivos.

Comenzó como actor en compañías de teatro e hizo sus pinitos como escritor antes de llegar al cine. Conoce bien el melodrama teatral ylas novelas victorianas (Dickens) y naturalistas (Zola, Tolstoi) así como los recursos y trucos del teatro itinerante. Entre 1908 y 1912 rodócasi quinientas películas para la Biograph.

David Wark Griffith

En esas primeras obras se aprecia parte de estas innovaciones narrativas:

Los argumentos repiten el esquema de una familia burguesa amenazada por un peligro que acaba superándose para restablecerel orden.

Hace uso ya con cierto criterio de recursos como el flash-back y el acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción(planos medios y primeros planos).

Utiliza la iluminación con fines dramáticos, panorámicas, Travellings, decorados naturales, fundidos, apertura y cierrede objetivo, Flou, sobreimpresiones, variadas formas de Raccord a través de objetos, miradas y gestos, con la colaboracióninestimable de su operador de cámara Billy Bitzer.

Los catchs (recortes en negro dentro del plano) y los desenfoques creativos.

El uso intencional de la profundidad de campo.



http://sensesofcinema.com/griffith/

Y la técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planosde cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de algunavíctima inocente). Consiguió tal perfeccionamiento en esta técnica que a partir de entoncés este tipo de montajes pasaron aconocerse como "salvamento en el último instante de Griffith" (Griffith´s Last Minute Rescue).

Griffith rodando y fotograma del El nacimiento de una nación

En 1915 dirigió El nacimiento de una nación (The Birth of the Nation) considerada como el despegue del cine con relación al teatrofilmado, debido fundamentalmente a que:

En ella Griffith consigue sistematizar y dar coherencia a todos los elementos narrativos que antes se habían utilizado de formamás o menos ocasional.

Construye un lenguaje propio, sólido y eficaz.

Fija unas convenciones que la gramática fílmica no perderá ya nunca.

Además, la película -que trata de la relación entre dos familias rivales en la Guerra de Secesión americana- sitúa al cine dentro delaparato industrial, por el alto presupuesto con el que contó el film (115.000 dólares de la época que sirvieron, entre otras cosas, paramover a más de 15.000 personas), por la insólita duración del film para la época (2 horas y 45 minutos) y porque su estreno llevóaparejado un espectacular éxito de público, aunque también fue causa de escándalos y críticas por su sesgo racista.

Un año más tarde dirigió Intolerancia (Intolerance (1)) en la que colaboraron von Stroheim, Browning, Fleming...) donde tiró la casa porla ventana elevando el presupuesto a la increíble cantidad de dos millones de dólares (de 1916), que invirtió en colosales decorados yen la contratación de miles de extras. El argumento, basado en la intolerancia de la que ha hecho gala la humanidad a lo largo de lostiempos, se estructuró en cuatro episodios que recreaban distintas épocas y geografías. Para aglutinar la disparidad histórica de loscuatro episodios, Griffith introdujo un motivo poético que evocaba unos versos de Walt Whitman, "Endlessly rocks the Cradle/Uniter ofhere and hereafter".

Sin embargo, Intolerancia resultó un enorme fracaso comercial. Ni el público ni la crítica (salvo los directores rusos, a los que la películainfluyó notablemente algún tiempo después) se mostraron dispuestos a asumir con naturalidad los entresijos simbólicos de la nuevapropuesta de Griffith. Visto desde hoy, sin embargo, el film reúne de nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con una eficacia tancontundente, sino más, que la mostrada en El nacimiento de una nación.

Griffith, como muchos otros directores, se lanzó a la aventura de crear sus propias productoras. Así, en 1915, participó junto a Ince ySennett en la Triangle Pictures, que tuvo una vida muy corta.

Poco despues, en 1919, Griffith fundó junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford y Charles Chaplin, la productora United Artists (conlo que reivindicaba el status del director como estrella).



Para saber más

De película

Actividad 13


Fotogramas de Intolerancia y Lirios rotos

Sus siguientes largometrajes -entre los que destaca Lirios rotos (Broken Blossoms , 1919)- tendrán cada vez menos éxito. En 1930 rodósu primer film sonoro, Abraham Lincoln (D. W. Griffith's 'Abraham Lincoln ). Totalmente arruinado, sus bienes fueron subastados en 1935y sólo él mismo pujó por los derechos de sus películas.

(1) Intolerance

Puedes acceder a Intolerance en Archive.org

Puedes ver otras películas de D.W. Griffith en su página de IMDB.

A través de los enlaces que te proporcionamos visona alguna película de Griffith. Señala los aspectos técnicos que más te hanllamado la atención en ellas.

Lee el trabajo de Daniel Narváez La visión cinematográfica de D. W. Griffith .

¿Crees que puede prescindirse el fondo moral y político de una película a la hora de valorarla?

Intenta citar alguna película que te guste aunque rechaces las ideas que transmite.



http://www.claqueta.es/1929-silente/intolerancia-intolerance.htmlhttp://archive.org/details/Intolerancehttp://www.imdb.com/name/nm0000428/videogalleryhttp://fama2.us.es/fco/frame/new_portal/textos/num3/DavidWarkGriffith.pdf

Abel Gance

Abel Gance y carteles de sus principales filmes

De Abel Gance (1889-1981), el más inquieto del grupo francés de la Escuela Impresionista, destaca su obra tremendamente ambiciosay visionaria. Calificado por algunos de grandilocuente, pedante y melodramático, su obra ha sido reivindicada por realizadoresposteriores como Kurosawa o Coppola. Son innegables sus aportaciones en la búsqueda de nuevos recursos con los que construir unnuevo lenguaje cinematográfico que le sitúan entre los grandes constructores de la sintaxis fílmica junto a Griffith, los expresionistas ylos soviéticos.

Su alegato contra la guerra Yo acuso (J´accuse (1),1919) tuvo un enorme éxito internacional y Gance fue incluso a Estados Unidos apresentarla ante un público en el que estaban Griffith y las hermanas Gish. En La rueda (La roue (2), 1923), tragedia del ferroviarioSísifo, Gance potencia, en un fragmento antológico, los recursos del ritmo y del montaje corto, utilizado antes por Griffith en Intolerancia,para componer una autentica sinfonía visual, compuesta por breves imágenes que acompañan a la locomotora en el recorridointerminable de su trayecto.

Fotogramas de La roue (1923)

Con Napoleón (Napoléon vu par Abel Gance (3) 1923-1927), Gance fue más allá aún en su exploración del universo de las imágenes,utilizando recursos experimentales tremendamente innovadores, como la asociación de ideas a través de la sobreimpresión de variasimágenes en la pantalla, el tríptico o pantalla triple (que él llamó Polyvision (4)) que, por su mayor superficie horizontal, le permitíadesplegar sus escenas más grandiosas en una inmensa panorámica. También empleó cámaras muy ligeras ubicadas en lugaresinsospechados, como en un caballo al galope o en un proyectil disparado al aire. Los encuadres obtenidos resultaron espectaculares.

Fotograma de Napoleón



http://fr.wikipedia.org/wiki/Abel_Gance


Para saber más

De película

Vsevold Pudovkin

Fotogramas de Napoleón en Polyvision

Innovador impenitente, en 1934 sonorizó el film con un procedimiento que puso a punto con André Debrie y que ellos llamaban"perspectiva sonora", que era un antecedente del sonido estereofónico. En 1937 investigó con el óptico Pierre Angénieux el"pictógrafo", para sustituir los decorados reales por maquetas o fotos (y se dice que trabajaba con imágenes virtuales antes de sumuerte en 1981).

Sin embargo, tras el fracaso de su primer filme sonoro, La fin du monde (1931), una historia de ciencia-ficción, la carrera de Gance -quese prolongó hasta los años sesenta- fue irregular, aunque hoy es reivindicada por un sector de la historiografía. En la carrera posteriorde Gance, destacan sus ambiciosas producciones Austerlitz (1960) y Cyrano et d’Artagnan (1963). Dejó varios proyectos sin realizarcomo su saga inconclusa sobre Napoleón y una producción épica sobre la vida de Cristo que habría llevado el nombre de La DivineTragédie, para la que no encontró financiación.

Abel Gance fue un gigante del arte cinematográfico, un genio creador de obras maestras que inspiraron a varios cineastas degeneraciones posteriores.


(1) J´accuse

(2) La roue

(3) Napoléon vu par Abel Gance

(4) Polyvision

Desde aquí puedes acceder a Napoléon vu par Abel Gance .



http://en.wikipedia.org/wiki/J%27accuse_%281919_film%29http://filmsdefrance.com/FDF_La_Roue_rev.htmlhttp://fr.wikipedia.org/wiki/Napol%C3%A9on_%28film,_1927%29http://1895.revues.org/68#tocto3http://www.allthatmovies.com/history/adventure/drams/comedy/adventure/comedy/action/action/biography/10-napoleon-1927.html

Pudovkin y carteles de sus principales films

Procedente del Laboratorio Experimental de Lev Kuleshov, el ruso Vsévolod I. Pudovkin (1893-1953) debutó con un corto cómico, Lafiebre del ajedrez (Chakhmatnaïa goriachka, 1925), y algunos documentales. En 1926 inició su trilogía revolucionaria compuesta por LaMadre (Mat´(1), 1926), versión libre de la famosa novela de Máximo Gorki, El fin de San Petersburgo (Konets Sankt-Petersburga, 1927)y Tempestad sobre Asia (Potomok Chingis Khana (2), 1928).

El tema recurrente de las tres películas es la toma de conciencia revolucionaria por parte de una persona corriente que, ante losacontecimientos, acaba comprometiéndose y teniendo un comportamiento heroico: en La Madre es una mujer del pueblo, en El fin deSan Petersburgo un joven campesino y en Tempestad sobre Asia un cazador mongol.

Fotogramas de La madre y El fin de San Petersburgo

Pudovkin se detiene más en el drama íntimo de los personajes, frente al cine de masas de Eisenstein. La complejidad de la construcciónde sus argumentos, y su prodigiosa puesta en escena era posible gracias al uso de unos "guiones de hierro" que Pudovkin preparabaminuciosamente.

Utilizaba magistralmente el montaje, pasando de lo coral a lo íntimo, como una concepción sinfónica, en la que alternaba, por medio delas acciones paralelas, los relatos individuales con los grandes temas colectivos. A diferencia de Eisenstein, sus metáforas son masrealistas, en este sentido se acerca más a Griffith. Para Pudovkin el montaje se establecía a priori, es decir, en el guión escrito, mientrasEisenstein defendía el valor del montaje a posteriori (aunque dibujaba previamente completos storyboards), utilizado para acentuarmediante el choque de imágenes todos los conflictos. En sus películas sonoras Pudovkin indagó sobre el valor del sonido comocontrapunto.

Un grave accidente de automóvil - que costó la vida a su guionista Nathan Zarkhi- le alejó del cine hasta que la segunda GuerraMundial le llevó a movilizarse, junto a Eisentein y Gerasimov, para rodar varias películas patrióticas. Tras la guerra tuvo algunosproblemas con la censura estalinista pero nunca abandonó la URSS ni su militancia comunista. Viajó por Europa y la India y filmó suúltima película en 1952, El regreso de Vassili Bortnikov (Vozvrachtchenie Vassilia Bortnikova). Falleció un año más tarde a causa de uninfarto en Riga.

Fotogramas de Tempestad sobre Asia



http://www.filmreference.com/Directors-Pe-Ri/Pudovkin-Vsevolod.html

Para saber más

De película

Actividad 15

Sergei Mikhailovich Eisenstein

(1) Mat´

(2) Potomok Chingis Khana

Puedes acceder a La Madre en Archive.org. Subtítulos en italiano.

Si te ha interesado lo que has leído sobre el cine soviético y aún no la conoces, ahora es un buen momento para visionar Lamadre u otro film de Pudovkin o Dovzhenko.

Carteles de los principales films de Eisenstein

Valor Social y Político de su obra

La obra de Sergei M. Eisenstein (1898-1948) va ligada a los diferentes conflictos bélicos y revolucionarios que marcaron su biografía.Así se define toda su obra, enmarcada entre el resurgimiento obrero narrado en La huelga (Stachka, 1924), su primera obra, y la agitadavida del zar Iván IV, narrada en las dos partes de Iván el Terrible (Ivan Groznyj (1), 1943-1945).

Entre ambas obras Eisenstein realizó El acorazado Potemkin (1925), Octubre (Oktyabr', 1927) -ambas sobre los conflictosrevolucionarios rusos-, La línea general (Generalnaïa Linïa, 1929) -rebautizada como Lo viejo y lo nuevo-, sobre las ventajas de lacolectivización agraria, ¡Que viva México! (2) (Da zdravstvuyet Meksika!, 1931), obra inacabada sobre la revolución mexicana yAlexander Nevski (Aleksandr Nevskiy , 1938), una epopeya sobre el príncipe ruso que se opuso a la invasión de las tropas teutonas enel siglo XIII, pero además dejó algunos proyectos inconclusos como La pradera de Bejín.

El componente político de sus películas, realizadas para la propaganda oficial, demuestra la importancia que concedieron al cine, porprimera vez en la historia, los mandatarios de un régimen. En una época en la que la mayor parte de la población era analfabeta, lasautoridades soviéticas querían difundir una filmografía nacional que generase una conciencia colectiva acorde con sus planteamientos.Una circunstancia inherente al cine desde sus inicios y que jamás abandonaría ya.



http://es.wikipedia.org/wiki/La_madre_%28pel%C3%ADcula%29http://www.imdb.com/title/tt0019286/http://archive.org/details/pudovkinmathttp://es.wikipedia.org/wiki/Sergu%C3%A9i_Eisenstein

Fotgramas de ¡Qué viva México!

Valor Cinematográfico de su obra

La obra de Eisenstein es esencial por sus inimitables aportaciones al lenguaje, especialmente las derivadas de su peculiar uso delmontaje. Eisenstein, planteó las combinaciones de planos como conflictos que generasen respuestas emocionales en el espectador(montaje de choque). Una vez conseguido el choque emocional, se producía la sensibilización hacia el problema tratado. Es lo quebautizó con el nombre de "montaje de atracciones", y que puso en práctica desde su primera obra, La huelga. Al final de la película, enla que los huelguistas son reprimidos por las fuerzas zaristas, Eisenstein introdujo los planos de unas reses sacrificadas en el matadero.Con esta metáfora visual, que no guarda ninguna relación con el universo ficcional de la película, Eisenstein rompía la narración paraestablecer una comparación entre los huelguistas y las vacas: todos son víctimas inocentes de una masacre.

Fotogramas de Acorazado Potemkin, Octubre y La línea general

Al año siguiente, en El acorazado Potemkin, Eisenstein volvía a retratar una rebelión popular, en este caso la llevada a cabo por losmarineros de un acorazado contra su oficialidad. En su escena más famosa, la de la escalinata de Odesa, el director soviético volvió ahacer gala de una maestría única en el empleo del montaje. La secuencia narra el abatimiento a tiros de los habitantes de Odesa, en suintento de subir las escaleras que dan acceso al palacio gubernamental. Los 170 planos de la secuencia la alargan hasta seis minutos,dilatando el tiempo real de la escena, y demostrando hábilmente la capacidad del montaje para crear el tiempo cinematográfico. Lapelícula, que contiene también empleos muy sutiles en la combinación de planos, dio a conocer a su autor en todo el mundo, aunque fueprohibida en muchos países por su contenido revolucionario.

En Octubre (3) Eisenstein recuperó lo más experimental de su repertorio narrativo: montaje de atracciones, inversiones del tiempo,angulaciones forzadas.... La película, basada en el relato Diez días que conmovieron al mundo del norteamericano John Reed,rememora los acontecimientos revolucionarios de 1917. En una secuencia de la película, que narra el ascenso de Kerenski al poder,Eisenstein vuelve a romper la narración, comparando al gobernante con Napoleón y con un pavo real, y sugiere, a base de sutilescombinaciones de planos, la incapacidad para gobernar del dirigente socialrevolucionario.

A partir de estas películas, Eisenstein recuperó un pulso narrativo más convencional, aunque todas sus obras siguen mostrando suoriginal capacidad narrativa. Capacidad que se hace extensible al empleo de la composición en el plano, de los encuadres, lailuminación, e incluso en la utilización del color y del sonido, con el que pudo experimentar sus teorías de contrapunto sonoro en susúltimos filmes.

Eisenstein es uno de los pocos directores en la historia del cine que, partiendo de la influencia que recibió de las películas de Griffith,fue capaz de plantear un lenguaje alternativo al del cine americano, una propuesta más compleja e intelectual. Definió cinco tiposdiferentes de montaje (métrico, rítmico, tonal, sobretonal e intelectual) y propuso combinaciones de planos basadas en los ideogramaschinos, es decir la suma de dos planos no relacionados crean una metáfora o concepto nuevo.

La complejidad de su planteamiento dio como resultado filmes no siempre de fácil comprensión para el espectador medio, quedifícilmente podía asumir toda la riqueza narrativa de sus propuestas. Se puede observar un ejemplo acudiendo a las explicaciones delpropio Eisenstein, sobre la secuencia citada anteriormente de Octubre:

"Vamos a examinar la ascensión de Kerenski al poder y la dictadura tras la sublevación de julio de 1917. Los subtítulos indicando sus



Para saber más

De película

Actividad 16

sucesivos nombramientos ("Dictador", "Generalísimo", "Ministro del ejército y de la marina", etc...), dan una nota cómica, intercaladoscon los cinco o seis planos de Kerenski subiendo las escaleras del Palacio de Invierno, todos exactamente de la misma duración. Aquíse plantea un conflicto entre la hueca adulación de las denominaciones y el paso monótono con que el personaje sube por unasescaleras siempre iguales. Consecuencia intelectual: ridículo de la absoluta nulidad de Kerenski. Se crea un contrapunto entre laexpresión literal y casi estadística de una idea, y la representación visual de una determinada persona, incapaz de cumplir obligacionesque aumentan sin cesar. La incongruencia de estos dos factores da lugar a una decisión puramente intelectual por parte del espectador,a expensas de esa persona determinada".

Son planteamientos difíciles de asumir en su totalidad por el público menos formado, especialmente si se compara con el realismointuitivo de las propuestas de Griffith, que comprendemos mejor al haberlas asumido el cine comercial americano. Con todo, Eisensteines uno de los directores más influyentes de la historia del cine, y muchas de sus propuestas han

el cine como recurso didáctico - maszornoza la religión en el arte; el cine · 2018-12-08 · un...

Documents