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SE ANEXAN 15 HOJAS
El Barroco
SITUACIÓN
Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está
encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran esta
etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la
muerte de Johann Sebastián Bach (1750), que será el genio indiscutible de esta época.
CONTEXTO HISTÓRICO
Las monarquías absolutas dominan el panorama
político de una Europa que está sumida en un continuo de
luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en
manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren
mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos
en los que la música siempre estará presente. Se
convierten, para ello, en mecenas de los mejores
artistas, los cuales trabajarán en sus grandes cortes y
palacios.
CONTEXTO CULTURAL
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia.
En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de
Vega, Calderón, Cornielle o Moliere; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez,
Murillo, Rubens o Rembrant; además de destacar científicos
como Galileo Galilei, Torricelli o Newton.
La palabra Barroco significa recargado, excesivo o
adornado, por lo que es común encontrar obras de arte en
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las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce con el nombre de "Horror Vacui"
(miedo al vacío).
El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el Renacimiento, sino
que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el
SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El
sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en
la ópera.
CONTEXTO MUSICAL
Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama
musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos los
parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma de ordenar y
racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J.
P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien
establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio
que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas...."
Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible
los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,...). La ópera será
el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA
Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que
darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. A continuación destacamos las
más importantes:
LA MONODÍA: Los compositores de Barroco consideraron excesiva
la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya
que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello,
una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía
acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental).
Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una
mayor expresividad. En el campo donde más se desarrolló fue en la
ópera.
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EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera
ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la canción. La melodía principal es
acompañada por esas sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar sobre
las mismas (manteniendo su estructura), creando un relleno armónico que va cambiando
durante toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo
serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa.
ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el
concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en
los que se establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de
acordes. Además, a lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música
utilizando compases. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier
atisbo de ritmo libre.
NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo para la
música orquestal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo
de instrumentos (tutti, concertino, soli,...). Es un recurso para dar mayor expresividad a la
música.
PERIODOS DE LA MÚSICA BARROCA
Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:
PRIMER BARROCO: Ocuparía la primera mitad del siglo XVII. Se da un mayor
predominio de la música vocal sobre la instrumental. Los compositores realizan
experimentos armónicos que más tarde darán lugar a la música tonal en cierto
modo producido por el nacimiento de la ópera. En esta época se produce un rechazo
al contrapunto renacentista. Los compositores más destacados son: en Italia C.
Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius.
BARROCO MEDIO: La música instrumental gana terreno y se
pone a la altura de la vocal. Se abandona poca a poco la
música modal y hay una vuelta hacia el contrapunto. Los
compositores más relevantes de esta época son: H. Purcell en
Inglaterra y J.B. Lully en Francia.
BARROCO TARDÍO: Se da un predominio de la música
instrumental sobre la vocal. La tonalidad queda totalmente
establecida. Las figuras más representativas son: los
italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F.
Haendel y G.P. Teleman.
MÚSICA RELIGIOSA
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La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el
Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan
en la música profana para crear nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será
el "policoralismo", que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta
técnica surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio
arquitectónico permitió la colocación de dos coros contrapuestos. En Roma
evolucionará exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de
la iglesia. El ejemplo más espectacular lo encontramos en "La misa de la
catedral de Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan en
distintas posiciones ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se
le atribuye a Orazio Benevoli.
La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más representativa, y la católica
continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos géneros se aplicarán las novedades de la
música barroca.
En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a continuación:
EL ORATORIO
LA CANTATA
LA PASIÓN
EL ORATORIO
Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (arias,
coros, interludios, recitativos...). Además, tiene otras similitudes como la gran extensión y el
carácter dramático; sin embargo en el oratorio
encontramos características propias:
Los textos son religiosos, normalmente
extraídos de la Biblia.
El oratorio no se escenifica.
Se interpreta en un lugar de culto
sagrado.
Existe la figura de un narrador que va
explicando la acción mediante el
recitativo.
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Los grandes compositores de este género son G.F. Haendel, cuyo oratorio más conocido es "El
Mesías" y J.S. Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".
CANTATA
El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge en contraposición
a la sonata (música para sonar). Es un género que nace dentro de la música vocal profana,
destinado a ser interpretado en los salones de la aristocracia; sin embargo, fueron los músicos
de la iglesia protestante los que lo convirtieron en una forma de
música religiosa, cambiando el texto, que ahora se basará en
fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas religiosos.
La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio,
pero se diferencia de éste en que será más breve. Las melodías
solían estar divididas en frases que finalizaban con un calderón
(influencia del coral).
Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su cantata 147 (Jesús
la alegría de los hombres) y a G.P.Telemann.
LA PASIÓN
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de
Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la
pasión también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura
del narrador es el evangelista que relata mediante un recitativo todos
los acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son
interpretados por los solistas, mientras que otros personajes
(discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro.
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos
obras fundamentales: "La pasión según San Mateo" y "La pasión según
San Juan".
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La Ópera
LOS ORÍGENES DE LA ÓPERA
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales que trabajarán
financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como "La Camerata Fiorentina".
Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado las composiciones
del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la esencia principal
que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al
oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar
las raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia
la música era monódica y con un acompañamiento instrumental; esta
música estaba cargada de una gran expresividad. Basándose en estos
principios nacerá la técnica de la monodía acompañada, que será la
base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz
de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como "la obra
de arte total", ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro,
danza,...
La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que lograba una gran
expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra; se consolidará como uno de las
formas con más protagonismo a lo largo de los posteriores siglos.
LOS CASTRATI
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que desarrolló su mayor
actividad. Sin embargo, durante varios siglos se recurrió a la castración masculina para que el
cantante pudiera conservar la voz clara y aguda (blanca) en su edad adulta. Esta práctica tiene
su origen en la Edad Media, debido a que a las mujeres les estaba prohibido cantar en las
iglesias. En el siglo XVI el papa Pablo IV prohibió las voces femeninas en la catedral de San
Pedro y con ello comenzó la hegemonía de los castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son
las siguientes:
No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que
cantaban óperas y todo tipo de música profana.
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Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo hoy lo podríamos
equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo un futbolista de élite.
Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática, por lo que algunos podían
aguantar hasta un minuto manteniendo una misma nota y sin respirar.
Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara de la emoción.
El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey español Felipe V, al
que dicen que curó de su melancolía cantándole todas las noches, durante 10 años, las
mismas cuatro canciones.
TIPOS DE ÓPERA
Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:
ÓPERA SERIA: Basada en argumentos
mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de
ópera que va a existir y será el preferido por
la aristocracia debido a su refinamiento. Es
muy compleja debido a sus argumentos y a su
gran despliegue técnico. A este tipo pertenece
la primera ópera: "Orfeo".
ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los
argumentos son cotidianos y fáciles de
entender. El despliegue de medios de este
género no es demasiado grande, se convertirá en la ópera preferida del pueblo, ya que
además de ser más asequible económicamente y más fácil de entender para todo tipo de
personas, era bastante típico que el argumento fuese una crítica social hacia las clases
poderosas. La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B.
Pergolesi, titulada "La Serva Padrona" en 1733.
Música Instrumental
MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que
había empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un
papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de
la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan
debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música,
surgiendo la figura del virtuoso.
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Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima expresividad.
Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones instrumentales que
los interpreten:
MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir
pensando específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades
técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer
gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Uno
de los géneros más importantes de música para solistas será "la fuga" (forma
contrapuntística por excelencia), que será desarrollada
por autores como J.S.Bach. Dentro de los instrumentos
solistas destacarán el órgano, el violín, el clave...
MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música
interpretada por dos o más instrumentistas sin llegar a
ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo
destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el
género preferido por la nobleza. Normalmente, en este
tipo de música, un instrumento realizará los acordes del
bajo continuo, mientras que los otros se encargarán de las
distintas melodías.
MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias.
Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la
obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la
elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del concierto.
A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión cuántos y
cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio
Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su
obra Orfeo.
FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL
A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes
formas instrumentales barrocas, que marcarán no sólo este
periodo sino toda la música posterior.
LA SUITE: es una forma compleja compuesta por la
sucesión de danzas de distinto carácter. El número y la
disposición de las danzas es variable. Aunque existen suites
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escritas para un solo instrumento, la forma se desarrollará más dentro de la música
orquestal, siendo uno de los principales compositores J.S.Bach.
LA SONATA: el significado de la palabra sonata es "música para sonar" (tocada por
instrumentos). Es una forma compleja, ya que se desarrolla en cuatro movimientos que
contrastan en cuanto al tempo. La estructura de ésta fue establecida por Arcángelo
Corelli.
EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir
contraponer cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres movimientos
contrapuestos en cuanto al tempo. Según como intervengan los instrumentos el concierto
puede ser:
Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de
solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la
interpretación de la obra. Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los
"Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.
Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta
con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300
conciertos para solista, como las "Cuatro Estaciones", compuesto para violín.
LOS INSTRUMENTOS BARROCOS
En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:
FAMILIA DE VIENTO:
El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista.
El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo XVIII.
El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como J.S. Bach
desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados.
FAMILIA DE CUERDA:
El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores luthiers, como la familia
Stradivarius, van a realizar los mejores violines de la historia. La familia de cuerda
frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la gran protagonista de la música
barroca.
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COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de
esta etapa. Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:
JOHANN SEBASTIAN BACH
(1685-1750) Alemania
Uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos, la
obra de Bach es enorme y abarca gran cantidad de géneros,
aunque siempre reverente con la fe que lo inspiraba.
Descendiente y progenitor de una amplia familia de músicos,
compuso en un estilo algo pasado de moda para su época, pero con
una maestría y un lenguaje complejo a la vez que accesible.
Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido del
que lo rescataría casi un siglo más tarde Félix Meldelssohn. Fue
conocido en su época como virtuoso organista e improvisador,
aunque hoy su figura trascienda como creador. Desde niño
demostró un interés y talento espectacular para la música, una
pasión que le hizo ir a pie a Hamburgo para oír y conocer las obras que allí se interpretaban. Fue
organista en Weimar y Maestro de Capilla en Leipzig.
PRINCIPALES OBRAS:
Seis conciertos de Brandenburgo - 1721
El clave bien temperado (libro I) - 1722
Pasión según San Mateo - 1729
Misa en si menor - 1733 a 1738
Oratorio de Navidad - 1734
Variaciones Goldberg - 1742
El clave bien temperado (libro II) - 1744
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ARCANGELO CORELLI
1653-1713 Italia
Compositor y violinista italiano que contribuyó a la cristalización
del Concerto Grosso. Autor de numerosas obras instrumentales
(Concierto de Navidad, La Follia, sonatas,...), padre de la sonata para
violín e inspirador de un grupo de compositores posteriores para
este instrumento. Era hijo de una acaudalada familia de
terratenientes. Estudió en Bolonia donde tomó lecciones de violín de
uno de los discípulos de Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad
principalmente en Roma, salvo dos viajes que realizó a Alemania,
donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal
Ottoboni (que luego sería nombrado papa como Alejandro VIII)
En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali, entre otros. Compuso
48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo continuo), además de doce para violín y continuo,
que hasta la llegada de Haydn batían récords de publicación y reedición.
PRINCIPALES OBRAS:
Doce sonatas en trío Op. 1 - 1681
Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 - 1685
Once sonatas en trío Op. 3 - 1689
Doce sonatas solistas Op 5 - 1700
Doce Concerti Grossi Op. 6 - 1713
GIROLAMO FRESCOBALDI
1583-1643 Italia
Compositor y organista italiano, creador de escuela en su instrumento
y en la música vocal del primer barroco. Tenía una inmensa fama,
reconocida por los críticos y tratadistas de la época, y muchos años
después (hasta entrado el siglo XIX) su música seguía utilizándose como
ejemplo en la enseñanza musical.
Poco se sabe de su infancia; hay autores que afirman que su padre
era también organista. Ferrara era entonces uno de los centros más
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progresistas de Europa y su duque Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las
innovaciones de Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se concentró
además en el órgano, trabajando a las órdenes de importantes mecenas como Bentivoglio, el
cardenal Aldobrandini y, en Florencia, para los Medici. Así mismo, desempeñó una importante
labor de organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María de Trastevere y en
San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas instrumentales para órgano.
PRINCIPALES OBRAS:
Tre canzoni - 1607
Madrigales - 1608
Toccate - 1614
Ricercari y canzone - 1615
Capricci - 1624
Segundo libro de Toccate - 1626
Canzone - 1628
Dos libros de Arie musicali - 1630
Canzone instrumentales - 1635
GEORG F. HAENDEL
1685-1759 Alemania-Inglaterra
Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42 años. En su
familia no había músicos, pero el talento de Haendel de niño hizo que
estudiara con Zachow, con quien se convirtió en organista e
intérprete de clave, además de dominar el violín y el oboe. Emprende
varios viajes por toda Europa y conoce importantes compositores.
Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años más tarde cae en
el olvido, del que renace al cumplir los cincuenta años, cambiando su
género favorito de la ópera al oratorio. Más tarde, la ceguera le
impediría seguir componiendo, aunque no interpretando música en el
órgano. Fue un compositor muy prolífico, que en comparación con
J.S.Bach ponía más el acento en la melodía que en el contrapunto.
Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo maduro, inclinado al
oratorio, ha servido de modelo al subgénero del oratorio inglés.
PRINCIPALES OBRAS:
Almira (ópera) - 1704
La resurrección (oratorio) - 1708
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Rinaldo (ópera) - 1710
Música acuática (orquesta) - 1717
Radamisto (ópera) - 1720
Julio César (ópera) - 1724
Orlando (ópera) - 1733
Seis Concerti Grossi Op. 3 - 1734
Saúl (oratorio) - 1739
El Mesías (oratorio) - 1741
Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) - 1749
JEAN-BAPTISTE LULLY
1632-1687 Italia-Francia
Compositor francés de origen italiano (Giovanni Batista Lulli). De
cuna humilde, consiguió llamar la atención del caballero de Guise, que
lo lleva a París, donde serviría al rey Luis XIV, que pone a su
disposición una orquesta de violines donde crece su fama como
violinista, como compositor y director. Fue el encargado de componer
muchos ballets de corte, a los que el rey era muy aficionado.
También destaca su colaboración con Molière en la música de
varias representaciones. Otro colaborador habitual suyo fue
Quinault, que escribió la mayoría de los libretos de sus óperas.
Consiguió fortuna y poder, llegando a ser secretario real.
Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que sustituye por otro más
elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho la prosodia natural de las palabras musicales.
Fue uno de los creadores de la obertura francesa y ejerció una gran influencia sobre otros
contemporáneos como Purcell.
PRINCIPALES OBRAS:
Ballet de las estaciones - 1661
Ballet de las artes - 1663
Música para "El marido forzado" (de Molière) - 1664
Ballet de las musas - 1666
Ballet Flora - 1669
Música para "El burgués gentilhombre" - 1670
Alceste (ópera) - 1674
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Proserpina (ópera) - 1680
Faetón (ópera) - 1683
CLAUDIO MONTEVERDI
1567-1643 Italia
Compositor italiano que revolucionó el mundo de la música
aplicando medios tradicionales con nuevos fines. Considerado
uno de los padres del género operístico, fue el responsable de
los drásticos cambios que tendrían lugar en la música a partir
de 1600.
Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que
sus madrigales, motetes y música sacra en general son más
tradicionalistas. Su invención más importante es el denominado
"Stile Concitato", es decir, la reproducción realista de batallas
y otros escenarios afectivos, que tendría influencia sobre
Merulo en Italia y Schütz en Alemania.
Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su Cremona natal trascendió
primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su
reputación había quedado bien establecida, cuando comienzan a aparecer críticas a su estilo, que
pone a la música al servicio de las palabras.
PRINCIPALES OBRAS:
Sacrae Cantiunculae (motetes) - 1582
Segundo libro de madrigales - 1590
Orfeo (ópera) - 1607
Arianna (ópera perdida) - 1608
Tirsi e Clori (ballet) - 1616
Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) - 1624
Mercutio y Marte - 1627
La finta pazza licori (ópera perdida) - 1627
Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) - 1632
La coronación de Popea (ópera) - 1642
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GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI
1710-1736 Italia
A pesar de la brevedad de su vida, este compositor italiano
tuvo una gran influencia sobre los posteriores compositores
galantes y clasicistas, especialmente en Mozart. Aunque trabajó
tanto la ópera seria como la cómica, es en este último
subgénero donde destaca su genio, especialmente en el
intermedio "La serva padrona", cuya representación póstuma en
París desencadenó la llamada Guerra de los Bufones, entre los
que defendían y se oponían a la italianización de la ópera.
Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona de
Pergola, adoptando más tarde el apellido Pergolesi. Tenía una
malformación física en la pierna y era de salud endeble.
Después de estudios iniciales en Jesi, se traslada a Nápoles, donde aprende música con de
Matteis, Greco y Durante, que lo nombra ayudante de maestro. Contó con la protección del
príncipe de Stigliano y los duques Caracciolo.
PRINCIPALES OBRAS:
Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) - 1731
Lo frate 'nnamorato (comedia) - 1732
La serva padrona (intermedio) - 1733
Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) - 1734
L'Olinpiade (ópera con libreto de Metastasio) - 1735
Stabat Mater - 1749
Livietta e Tracollo - 1753
Misa en fa mayor - 1805
Salve Regina - 1845