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EBAU TEMA 1. FUNDAMENTOS DEL ARTE II. LA OBRA PICTÓRICA DE GOYA: CARACTERÍSTICAS

GENERALES Y PERIODOS ARTÍSTICOS

Fundamentos del Arte II Profesora Ana Galván Romarate-‐Zabala

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TEMA 1. LA OBRA PICTÓRICA DE GOYA: CARACTERÍSTICAS GENERALES Y PERIODOS ARTÍSTICOS 1. Características Generales La figura culminante del arte español y una de las más grandes de la historia universal es FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES1. Nació en el seno de una familia de artesanos en Fuendetodos (Zaragoza) en 1746 y murió en Burdeos (Francia) en 1828.

Goya vivió en una ÉPOCA CONVULSA, a caballo entre los siglos XVIII y XIX, en la lucha sin tregua entre la Ilustración y el Liberalismo frente al Absolutismo del Antiguo Régimen. Fue coetáneo de Goethe en literatura y de Beethoven en música. Pero no hay un único Goya, hay Goyas muy diferentes, un patriota que se duele de la invasión napoleónica y la guerra que trae consigo y a la vez un afrancesado que confía en una España moderna e ilustrada. De ahí que analizando su obra podamos revivir personajes y acontecimientos históricos no siempre felices: guerras, invasiones, la lacra del analfabetismo y la ignorancia, las supersticiones y el fanatismo religioso, el zarpazo de la Inquisición... Aunque también asistimos a su fascinación por la vida, por sus amigos, por los paisajes, las fiestas y costumbres populares (bailes, verbenas, juegos). Todo está en Goya, todo lo pintó: la realeza y las clases populares, el heroísmo del pueblo, la belleza femenina, la ternura infantil, los sueños y pesadillas, el mundo interior del artista, etc. Fue un artista visionario y radicalmente moderno. Por si fuera poco, en sus obras representa de forma fidedigna la moda de la época, la evolución del rococó al neoclasicismo, la indumentaria popular y la aristocrática, las texturas de las telas, los tocados, el “majismo”, es decir, la versión castiza y popular de los españoles –particularmente madrileños-‐ de los siglos XVIII y XIX. Goya contó con importantes MECENAS, COMITENTES Y COLECCIONISTAS de su obra, como el infante don Luis, los Duques de Osuna, Jovellanos, el conde de Floridablanca –ministro y defensor de la política ilustrada de Carlos III-‐, Godoy y especialmente la realeza –fue Pintor de Cámara de los reyes Carlos III y Carlos IV-‐ y retrató también al “Deseado indeseable” Femando VII, el rey felón. Contó con la AMISTAD de lo más granado de la intelectualidad, los burgueses y los aristócratas de la época –como la Duquesa de Alba-‐ y entre sus comitentes estaba también la Iglesia a la que, llegado el caso, fustigaba sin piedad. De hecho, fue investigado por la Inquisición pero sin mayores consecuencias. Aunque no tuvo una formación académica equiparable a sus amigos ilustrados como el poeta Moratín o el político Jovellanos, Goya era un INTELECTUAL liberal2 a su manera, como se trasluce a través de sus obras y sus cartas a su amigo del alma, Zapater.

1 En la web del Museo del Prado existe una completísima información sobre este gran artista

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De carácter alegre, su gran afición era la caza, pero también le apasionaban los conciertos, la ópera, el teatro, la danza, las tertulias, las fiestas con sus amigos, los toros, etc. Del rey abajo, todo el mundo me conoce, decía Goya. La riqueza de su trayectoria vital y artista se demuestra en sus autorretratos, de una variedad fascinante. No es extraño que, ante su longeva vida, porque murió con 82 años, su pintura bascule entre variadas INFLUENCIAS. En verdad, Goya reconocía que solo había tenido tres maestros: la Naturaleza, Velázquez y Rembrandt. Podemos añadir, además: *El arte clásico. *La pintura italiana. *El arte flamenco, esencial como referente para sus cartones para tapices. *La pintura coetánea inglesa, que pudo conocer a través de estampas. Goya se expresaba con un lenguaje propio e innovador y no se adscribe a un movimiento concreto, por lo tanto su obra es difícilmente clasificable en un determinado corriente estética o movimiento cultural. Si bien su pintura guarda concomitancias con ESTILOS ARTÍSTICOS bien diversos, no siguiendo un orden cronológico lineal, sino de una forma solapada: *Sus fuentes de inspiración son no son solo artísticas y literarias, también se inspira en la realidad del tiempo que le tocó vivir.

*En el joven Goya que se forma con el pintor aragonés José LUZÁN, encontramos la cercanía del artista al arte tardobarroco clasicista y rococó.

*En muchos de sus retratos es perceptible la influencia del arte Rococó, del Neoclasicismo ilustrado o del Romanticismo.

*El protagonismo que otorga al pueblo como sujeto de la historia, la expresión de los sentimientos, de los sueños y lo irracional, de lo sublime y pintoresco están en la base del Romanticismo y lo relacionan con Delacroix o Géricault en algunas pinturas, dibujos y grabados. Además Goya aseguraba que no existían reglas en la pintura, preconizando la libertad del artista, algo que será muy valorado por los artistas románticos3. Ejerció una influencia casi obsesiva en Delacroix.

*Se ha considerado que sus frescos de San Antonio de la Florida de Madrid son preimpresionistas, como también la discutida Lechera de Burdeos. En estas obras concede gran importancia a la mancha, suelta y pastosa. Además, influirá de forma determinante en el “padre” del Impresionismo, Édouard Manet. La obra del pintor francés no se entiende sin Goya (la fusión del fondo con el suelo, la temática y personajes de algunos de sus cuadros, la pincelada).

2 Para Manuela Mena, una de las grandes expertas sobre este artista, sobre las ideas políticas de Goya todavía hay mucho que investigar. Su arte si que revela las ideas dominantes de su tiempo: el imperio de la razón, la Ilustración. Valeriano Bozal le considera un intelectual. 3 Ya clamaba el romántico Schiller que “el arte es el hijo de la libertad”. Por lo demás, a Goya le sublevaban las imposiciones.


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La maja desnuda inspira a la Olimpia de Manet. Y Los fusilamientos del 2 de mayo dejaron su huella en La ejecución del emperador Maximiliano I de Manet o la Matanza en Corea de Picasso.

* Sus Pinturas Negras, Caprichos y Desastres de la Guerra son precursores del Expresionismo, Surrealismo

y el arte de vanguardia. Aunque la producción artística de Goya es sumamente compleja y variada, podemos encontrar algunas NOTAS DISTINTIVAS de su arte:

* Desde el punto de vista técnico, Goya fue un excelente pintor y grabador. Junto con Durero, Rembrandt y Picasso forma parte del elenco de grandes grabadores de la historia. En este sentido, destacan los Disparates, los Caprichos –donde critica de una manera ácida y despiadada a la sociedad de su tiempo-‐ y Los Desastres de la Guerra. En ellos plasma el horror de la Guerra de la Independencia contra los franceses. En sus últimos años utiliza una técnica de grabado sobre piedra recién descubierta, la litografía.

Asimismo, fue un dibujante muy dotado. En sus dibujos4 veía la realidad con humor, ironía y escepticismo. Sus dibujos son obras de intensidad ya romántica (desengaños amorosos, etc.) Se conservan unos mil dibujos de su producción.

Goya dominaba la técnica al óleo, la pintura mural (fresco), la pintura sobre hojalata, etc. * La esencia de su pintura está en el color. Su pincelada es suelta y pastosa, muy preciosista en ocasiones.

Consigue gradaciones tonales y sutiles transparencias especialmente en la indumentaria. *En cuanto a la luz, es esencial para modelar las figuras y trazar las texturas de los tejidos. Otorga un gran

protagonismo a las telas, tocados y joyas. * Hoy nadie duda de la complejidad conceptual de las pinturas, grabados y dibujos de Goya. Son ricos en

múltiples sugerencias como apreciamos también en los títulos de muchas de sus estampas. Goya es un artista metafórico que utiliza la realidad para crear metáforas visuales, cuyo interpretación y significado en ocasiones se nos escapan (Disparates, Pinturas Negras, etc.) Son obras muy pensadas.

* La TEMÁTICA que aborda en su producción artística es muy diversa. Sintetizando mucho, podemos distinguir:

4 Los dibujos de los Álbumes A y B será la base de los grabados Los Caprichos.

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Retratos. Goya analiza y capta de una forma asombrosa la personalidad, la psicología profunda de sus personajes. En ellos, con matices y de una forma muy sutil, nos desvela los sentimientos, los diferentes estados de ánimo, la alegría, la tristeza, el miedo, el horror, la felicidad, etc. De ahí que sea un extraordinario retratista del ser humano indiferentemente de su género, edad o condición social. Retrató a los niños en pinturas memorables, empezando por su propio nieto, Marianito. La mujer está omnipresente en su obra con retratos inolvidables que forman parte de nuestro imaginario cultural como las majas, la condesa de Chinchón, la duquesa de Alba, etc. Como retratista no tiene rival. En los retratos áulicos y ecuestres sigue las composiciones de Velázquez, con una figura en primer plano que se destacaba sobre un fondo de paisaje. También, como en el pintor sevillano, funde el suelo con el fondo en algunas composiciones de retratos.

Temas religiosos (en su doble vertiente, de religiosidad amable o de anticatolicismo exacerbado, fustigando la Inquisición, los vicios del clero, etc.) Innova en las representaciones de figuras bíblicas como Judit y Holofernes. Las brujas suelen simbolizar el mal, la incultura y la superstición oscurantista.

Historia contemporánea (donde el protagonista es el pueblo anónimo como vemos en la carga de los mamelucos del 2 de mayo de 1808 y los Fusilamientos del 3 de Mayo de 1808)

Escenas costumbristas (caza, juegos, diversiones, danzas); oficios y procesiones (lavanderas, cacharreros...) Las más variadas fisonomías y caracteres se muestran en los personajes de estas obras.

Mitología (Saturno) y alegorías (agricultura, comercio, industria). Críticas sociales (incultura, supersticiones, fanatismos religiosos, matrimonios concertados). Escenas de violencia descarnada, especialmente vinculadas a la guerra. En ocasiones parece recrearse de

forma morbosa en escenas violentas como en los Caníbales contemplando restos humanos del Museo de Beçanson (Francia).

Paisajes –aunque generalmente como fondo de escenas-‐ como el espectacular que aparece en Duelo a garrotazos o en los cartones para tapices.

Doce bodegones. Animales (perros, toros, pavos, gatos...). Como espíritu ilustrado que era, tuvo una extraordinaria

sensibilidad hacia los animales, en especial los perros a los que representó en numerosas ocasiones de forma magistral. Ello no fue óbice para que fuera un apasionado de las corridas de toros que reflejó en sus grabados dedicados a la Tauromaquia como Los Toros de Burdeos (1824-‐25). No siempre los animales tenían connotaciones positivas: las aves nocturnas, los mochuelos que aparecen en los grabados de los Caprichos son personificaciones de fuerzas maléficas.

El mundo interior del artista, algo que enfatiza y que lo liga al Romanticismo: los sueños, pesadillas, fantasías, temores, la locura, etc.

Conviene señalar que la producción artística de Goya es muy extensa, pero existe mucha controversia sobre la autoría de algunas de sus obras que expertos en este artista ponen en duda. Es el caso por ejemplo, de La lechera de Burdeos, El Coloso, Duelo a garrotazos, incluso ¡las Pinturas Negras!... Los MUSEOS Y MONUMENTOS donde podemos contemplar la obra de Goya son, entre otros: *El Museo del Prado de Madrid. *El Museo de Zaragoza, el Patio de la Infanta y el Palacio Arzobispal de Zaragoza.


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*El Museo Goya de Castres (Francia). *Basílica del Pilar de Zaragoza. *Cartuja de Aula Dei de Zaragoza. *Museo Goya-‐Colección Ibercaja de Zaragoza. *Museo Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. *Casa Natal y Museo del Grabado en Fuendetodos (Zaragoza). *Ermita de San Antonio de la Florida de Madrid. *Basílica de San Francisco el Grande de Madrid. *Museos de pintura de toda Europa (España, Francia, Inglaterra, Alemania, Hungría...), Estados Unidos, Rusia, etc. 2. Períodos Artísticos Su producción artística experimentó diversas etapas que vamos a diferenciar en función de su biografía, los acontecimientos históricos y las corrientes estéticas con la que guarda concomitancias. Sintetizando mucho, podemos distinguir cuatro etapas: 1. El joven Goya5 (1760-‐1774). Los inicios artísticos en Aragón. La lección de Italia Goya pasó su niñez y primera juventud en ZARAGOZA. Allí estudió en el taller de un pintor tardobarroco, más cercano al rococó italiano que al francés, llamado José LUZÁN. Con él aprendió los rudimentos de la pintura. Sus primeras obras atribuidas son de carácter religioso, dentro de esas corrientes estéticas. Gracias a Luzán, conoció a los hermanos BAYEU, muy importantes para su carrera profesional. En 1763 se trasladó a Madrid con el deseo de hacer fortuna en la capital como pintor de la Corte. En la capital trabajará en el taller de Francisco Bayeu. Con 23 años fue a ITALIA y se cree que pasó allí dos años. Nada tiene de particular que se fuera al país transalpino puesto que muchos artistas de la época lo hacían, habitualmente becados. Pero Goya se fue a Roma por sus propios medios. Poco sabemos de sus estancia allí. En Roma tuvo ocasión de analizar el arte clásico –dibujó el torso Belvedere y el Hércules Farnesio-‐, el arte de los grandes pintores del Renacimiento y el Barroco italiano y también el de sus coetáneos neoclásicos, puesto que cuando él viaja a Italia es el estilo emergente y predominante en ese momento. En Italia se cree que perfeccionó la técnica de pintura al fresco y que su pintura mejoró radicalmente.

Se conserva el “Cuaderno italiano” y consta que participó en un concurso organizado por la Academia de PARMA con la pintura Aníbal contempla Italia desde los Alpes que no ganó el primer premio, aunque recibió una mención. A la vuelta de Italia, en 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid ¿por conveniencia?6 con Josefa Bayeu, hermana de Francisco y Ramón Bayeu. Francisco Bayeu fue uno de los grandes pintores españoles del siglo XVIII. 5 Sobre esta etapa, consúltese la espléndida conferencia de Gonzalo M. Borras en el Museo del Prado https://www.museodelprado.es/actualidad/multimedia/goya-‐antes-‐del-‐viaje-‐a-‐madrid-‐1746-‐1775/0695097f-‐1675-‐474b-‐bbcd-‐13825df94111

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Con Josefa Bayeu tuvo ocho hijos pero solo le sobrevivió el más pequeño, Javier, su heredero, que también fue pintor. En Zaragoza recibió sus primeros encargos dentro de una temática religiosa como por ejemplo, el fresco de La adoración del nombre de Dios en la Basílica del Pilar y los once óleos de carácter monumental de la Cartuja de Aula Dei , verdadera obra maestra.

Es un gran conjunto mural que cuenta la historia de la Virgen María.

2. Goya en MADRID: Ascenso y Triunfo en la Corte. (1775-‐1793) Goya era ambicioso y buscaba triunfar en la CORTE MADRILEÑA. Los primeros encargos que recibe en Madrid son gracias a su relación con los Bayeu. Cuando llega a la capital del reino en 1775 está totalmente formado como pintor y empieza a trabajar feliz como pintor de cartones de tapices para la Real Fábrica de Santa Bárbara. En 1780 ingresa, además, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En esta ciudad inicia su faceta retratista que le servirá para abrirse camino en la alta sociedad española. En estas obras presenta una gran conexión con la pintura de Mengs7, el pintor neoclásico más afamado del momento, el que marca las directrices del arte en la Corte madrileña. Cartones para tapices Los “CARTONES” son pinturas que sirven de modelo para realizar tapices con la finalidad de decorar los Palacios Reales de los monarcas de la época. Estos tapices se fabricaban en la Real Fábrica de Santa Bárbara8, una iniciativa ilustrada que todavía existe. La relación de Goya con la Real Fábrica duró 18 años y en ellos realizará obras emblemáticas de su producción de contenido amable y popular así como de clara influencia rococó:

6 Así lo cree Gonzalo M. Borrás. Cfs. https://www.youtube.com/watch?v=OjZnMw5IW2U 7 Este gran pintor y teórico bohemio (de Bohemia, actual Chequia) tenía como ideal estético aunar la belleza con la perfección. 8 Véase http://www.realfabricadetapices.com


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escenas de caza, galantes (el Quitasol, el Columpio), danzas y juegos (la gallina ciega), el ciclo de las estaciones (La nevada, verdadera obra maestra), etc. En los cartones para tapices construye el espacio como si fuera un escenario en el que situar los personajes con un fondo paisajístico de gran belleza. La claridad espacial domina las composiciones, rica en colores pastel, malvas, azules y carmines. El albañil herido tradicionalmente se ha considerado como uno de los cartones para tapices de carácter crítico-‐ social pero también se ha interpretado como un albañil borracho ya que los compañeros que llevan al perjudicado, lejos de estar preocupados, muestran unos rostros jocosos y risueños.

El Quitasol bascula entra la influencia del Rococó francés y el neoclasicismo de Mengs.

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En La boda anuncia el tono crítico que aparecerá después en los dibujos y las estampas de los Caprichos: muestra lo que parece a todas luces un matrimonio de conveniencia, costumbre denunciado por los ilustrados como su amigo el escritor Leandro Fernández de Moratín. En los cartones para tapices descuellan los temas dedicados a las cuatro estaciones, asunto que gozaba de una larga tradición en el arte –en pinturas, mosaicos e incluso tapices-‐. Goya innova porque no sigue la iconografía tradicional de ligar este tema a la mitología o la alegoría sino que lo enlaza con escenas contemporáneas de la vida en el campo.

La maestría de Goya es extraordinaria para captar de forma poética y verista a un tiempo, la vendimia, la ventisca...


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Retratos En la década de 1780 Goya se hace cada vez más popular. Desde ese año ya es Académico y en esa década le llueven los encargos como RETRATISTA, a la vez que continúa pintando cartones para tapices para el rey. Había conseguido triunfar en la Corte plenamente, algo que le halagaba profundamente y se vanagloriaba, como contaba a su amigo Zapater, de pintar para la más alta aristocracia y desde luego para el Rey. Su actividad como retratista va afianzando su prestigio. Fue pintor de los reyes Carlos III y Carlos IV. En 1788 muere el rey Carlos III y le sucede en el trono Carlos IV y la reina María Luisa de Parma, que serán también comitentes habituales de las obras de Goya. Su relación con el rey Carlos IV fue muy estrecha y éste le nombró Pintor de Cámara en 1789. Cobra honorarios altos y se añade el “de” a su apellido, dándose así ínfulas de personaje de la nobleza y gran artista. A caballo entre los siglos XVIII y XIX, Goya realizó espléndidos retratos de reyes, aristócratas y burgueses, muchos de ellos pertenecientes a su círculo de amistades. En c. 1789 retrató a la reina María Luisa con tontillo, un amplio traje que recuerda a los guardainfantes barrocos del siglo XVII. La reina, aunque no fuera muy agraciada, aparece luciendo sus mejores galas a la francesa, tocada con un gran sombrero de plumas y encajes, portando, además una cruz estrellada. Recordemos que Goya en los retratos de los reyes no es nada adulador, algo que no parece importar a los monarcas que se contaron siempre entre sus principales mecenas.

Goya recibió muchos encargos de los Duques de Osuna. Los retrató con sus hijos en una cuadro memorable, uno de los más célebres realizados por este pintor. En esta obra, de exquisitas tonalidades grisáceas y verdosas, con una técnica sutil y precisa, revela la personalidad de los retratados: la ternura infantil, la delicadeza de la duquesa y el carácter bonachón de él, de luto, por la muerte de su padre. Probablemente para este tipo de retrato familiar y colectivo se inspiró en modelos británicos o flamencos. En esta obra sigue las indicaciones de Mengs al pie de la letra sobre cómo debe ser un retrato: personas de diferentes géneros y edades, etc. En esta etapa sigue realizando composiciones RELIGIOSAS clasicistas bajo el influjo de Mengs como vemos en el Cristo en la Cruz o la Inmaculada Concepción, ambos en el Museo del Prado. En ella rompe con la tradición barroca de esta tipología, siendo ya neoclásica, al adaptar los ropajes al cuerpo de una forma natural y poco dinámica.

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3. Luces y Sombras. Goya Atormentado (1793-‐1823) En el año Goya 1792-‐93 cae gravemente ENFERMO. Incluso se teme por su vida. Finalmente sana pero queda en él una secuela de por vida: en 1794 se queda completamente sordo. La sordera le aislará y propiciará que su carácter sea más avinagrado y retraído. Es un lugar común considerar que con la aparición de su sordera, Goya pierde su vitalismo optimista tan apreciable en sus cartones para tapices para dar paso a una pintura mucho más amarga y crítica. En verdad, no siempre es así, tal y como prueban los alegres frescos de San Antonio de la Florida, las majas –en su versión vestida y desnuda-‐ o el luminoso retrato de la Marquesa de Santa Cruz.

En la neoclásica Ermita de San Antonio de la Florida de Madrid, de planta de cruz griega, se encuentran los portentosos frescos del Milagro de San Antonio realizados por Goya. La escena principal transcurre en la cúpula donde una multitud asiste asombrada a un milagro de San Antonio de Padua en el que resucita a un asesinado para que confiese la inocencia del padre del santo que había sido acusado falsamente de haberle matado. Lo novedoso y genial de Goya es que traslada la escena al Madrid contemporáneo de la época donde reinan los majos y las majas en un ambiente alegre, festivo y un tanto profano. Llaman la atención en estas pinturas la presencia en las pechinas de ángeles femeninos: las llamadas “ángelas”. Este templo, que ha sido denominado “la Capilla Sixtina de Madrid”, fue uno de los más populares de esta ciudad, donde las jóvenes casaderas acudían al santo a pedirle novio, particularmente las modistillas.

Fuente de la imagen con los nombres de los personajes: http://slideplayer.es/slide/24196/

En 1799 Goya es nombrado primer pintor de Cámara, el máximo escalafón de su carrera cortesana y un año después pinta el RETRATO áulico de la Familia de Carlos IV, el ejemplo más paradigmático de la influencia de Velázquez en Goya. En ella aparece retratada la familia real al completo. El propio pintor se autorretrata pintando, emulando al Velázquez de las Meninas. Como el gran cuadro de Velázquez, esta pintura es de gran tamaño. El artista muestra a los personajes en tres grupos, a modo de friso, para dar un cierto dinamismo a la


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pintura. Goya, ha renunciado a los juegos de perspectiva de Las Meninas de Velázquez, pero gracias al uso audaz de la luz y al color consigue diferenciar distintos planos en profundidad. Saca el carácter de los personajes pero los embellece por fuera. Los personajes femeninos lucen trajes de estilo Imperio. Siendo una obra cercana al Neoclasicismo, la representación de las telas y el esplendor de las joyas y condecoraciones parecen recuerdos rococós en su preciosismo, con una pincelada muy suelta y pastosa. Es, en definitiva, un cuadro emblemático de la pintura española, manifiesto del poder Borbón en 1800.

La Condesa de Chinchón es uno de los retratos más deliciosos de Goya. En ella representa a la esposa de Godoy embarazada de su primogénita Carlota. Porta un tocado con espigas, símbolo de la fecundidad y una sortija con un retrato de su poderoso esposo, quien por lo demás, fue un gran coleccionista de arte. Esta pintura es un agudo retrato psicológico de una mujer tímida y sensible. Es la quintaesencia del retrato cortesano goyesco. Tanto la Condesa de Chinchón como la Marquesa de Villafranca pintando a su marido o la Marquesa de Santa Cruz, son excelentes ejemplos de la cercanía de la pintura de Goya hacia el Neoclasicismo, pero siempre con su toque personal. La Marquesa de Santa Cruz aparece tendida, como una moderna Venus-‐Musa, en un canapé. Era una de las hijas de los Duques de Osuna y toda una celebridad de la época por su belleza, que loaban poetas y escritores. El tocado de hojas de roble con frutos es un símbolo de virtud, constancia y fortaleza. La lira alude a su afición por la música.

Goya define nuevas tipologías de retratos aristocráticos prodigiosos cercanos al Romanticismo como los magníficos del Conde Fernán Núñez, todo un dandi muerto prematuramente, o burgueses como el del actor Isidoro Máiquez, una figura que responde al estereotipo romántico de artista con el pelo alborotado, la camisa con lazada, mirada ensoñadora y sensible...

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La maja desnuda es una Venus moderna pintada para Godoy, el “Príncipe de la Paz”, a caballo entre la diosa del amor y la belleza de la Antigüedad y la Olimpia de Manet. Con esta obra se mide con Tiziano y Velázquez. La carga de los mamelucos, el 2 de mayo de 1808 y los fusilamientos del 3 de mayo de 1808, fueron pintados al final de la Guerra de la Independencia por encargo de Fernando VII.

Han sido interpretados como emblemas patrióticos de la resistencia frente a la invasión napoleónica, aunque también se ha subrayado su valor como alegato contra la violencia. Sea como fuere, son cuadros de temática histórica de una intensidad expresiva absolutamente moderna. Han tenido gran transcendencia en la historia del arte. Poco afín al rey Fernando VII, a partir de 1815 se fue alejando paulatinamente de la Corte, centrándose en la producción de retratos, obras para la Iglesia, los Disparates, los últimos Caprichos, etc.


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Caprichos, Disparates, Desastres de la Guerra y Pinturas Negras A partir de la década de los 90 del siglo XIX, Goya explora la parte oscura del subconsciente. Su portentosa fantasía e imaginación se hace todavía más presente en LOS CAPRICHOS (1797-‐98), ochenta grabados al aguatinta y aguafuerte que hace motu propio, es decir, que no son de encargo, y donde “la invención tiene ensanche” como él aseguraba. En estos grabados de finales del siglo XVIII nos muestra una nueva sensibilidad, más expresiva, más moderna, más sórdida y sombría. Se centra en dos temas fundamentalmente: el galanteo y la brujería, aunque también critica a los eclesiásticos viciosos (gula, lujuria). Por ello no es extraño que la Inquisición se interesase por estas estampas.

El impresionante El sueño de la razón produce monstruos es expresión programática de lo que iban a ser sus Caprichos. Es un autorretrato psicológico y alegórico. A partir de esta obra entra en el mundo subterráneo de los sentimientos más oscuros, de la perversidad y del mal. Goya toma partido por la Razón: aparece el artista dormido sobre su mesa de trabajo-‐ presumiblemente trasunto del propio Goya-‐ acosado por aves de la noche

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que se acercan volando. Uno de los búhos, agresivo, le alcanza al artista el portalápices para que dibujo lo que él trae consigo. El lince, animal de la noche, está sentado vigilante, en alerta, con los ojos bien abiertos.

DISPARATES-‐PROVERBIOS fue el título con el que la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando denominó al conjunto de 22 grabados realizados al aguatinta y al aguafuerte, que Goya realizó entre 1815 y los años del Trienio Liberal. Goya no los publicó en vida. Fueron editados en 1864. Son estampas de contenido hermético y de difícil interpretación. Los temas presentes son muy variados, muestran un mundo absurdo y onírico donde se mezcla lo real con lo imaginario: el miedo, la violencia, el misterio, la comicidad, etc. Estas estampas son un claro antecedente del Surrealismo.

Los Desastres de la Guerra La crueldad desatada con la invasión napoleónica tiene su reflejo en los grabados LOS DESASTRES DE LA GUERRA. Fechados entre 1810-‐1814, estos grabados nos muestran de forma descarnada la violencia inaudita, irracional, degradante de la Guerra de la Independencia. Se ha considerado como el primer alegato antibelicista. Esta visión de la guerra tan personal es muy del Romanticismo y la encontraremos de forma similar en artistas románticos franceses como Géricault. Estas estampas se quedaron sin publicar cuando se marchó de España a Burdeos y vieron la luz en 1863.


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En 1819, cansado y decepcionado, Goya compra una finca cercana al río Manzanares de Madrid, la QUINTA DEL SORDO y se refugia en ella. En sus paredes llevará a cabo, entre 1820-‐1823, un impresionante conjunto pictórico: las Pinturas Negras. La denominación de PINTURAS NEGRAS procede tanto de la temática como del sombrío colorido presente en las 14 pinturas murales que decoraban la Quinta del Sordo. En ellas nos muestra maldad, desesperación, amargura. Son expresiones pesimistas cercanas al fin de sus días marcados por la enfermedad. Esta exploración del subconsciente está en la base del Expresionismo y el Surrealismo. Aparecieron pintadas directamente al óleo sobre la pared de su casa. Goya no dio nombre a las obras, los títulos con los que hoy las conocemos fueron dados por los expertos que las investigaron. Hoy se conservan en el Museo del Prado.

Saturno es quizá la Pintura Negra más célebre. Es de un dramatismo feroz. En esta obra la referencia mitológica puede ser interpretada como una alegoría del miedo a perder el poder, porque Saturno devoró a sus hijos, sabedor de que ellos se lo iban a arrebatar. Se ha llegado a decir, que más que devorar a un hijo, es una hija, por sus curvas anatómicas.

En el Aquelarre, aparecen brujas y brujos de rasgos animalescos. Son imágenes sombrías, de pesadilla y alucinación, de fuerte carga expresiva. Perro semihundido es el mejor cuadro de la historia del arte para el pintor Antonio Saura.

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4. Retiro y Exilio. Goya en BURDEOS (1824-‐1828) Los últimos años de su vida Goya los pasa en su retiro o exilio de BURDEOS (Francia). Allí vivían muchos exiliados españoles. Goya solicitó permiso para trasladarse a Francia por lo delicado de su salud, con el fin de tomar las aguas medicinales en un balneario francés. En ese momento, en Francia se había restaurado la monarquía borbónica en el poder, apoyada por una potente burguesía. En Burdeos comenzó una nueva época, corta pero intensa, la última. Aunque era sordo, viejo, torpe y achacoso, no por ello dejó de pintar, grabar y dibujar. Con 80 años comenzó a practicar la litografía, dejando algunas obras maestras en esa técnica nueva de grabado como los Toros de Burdeos. En Burdeos continúa siendo pintor del Rey, hasta que se jubiló con salario completo en 1826.


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Entre las obras de esta etapa descuella el dibujo Aún aprendo, todo un testimonio de vida y La lechera de Burdeos, una pintura de asunto amable, con colorido claro que poco tiene que ver con las Pinturas Negras. Es casi como un cuadro de Renoir, en las tonalidades, los ropajes, la pincelada y el fondo de luz. También realizó dos retratos extraordinarios, obras cumbre de su producción pictórica: los de sus amigos Moratín y Juan Bautista de Muguiro.

Acompañado de Leocadia Zorrilla, su compañera de sus últimos años, murió en Burdeos el 16 de abril de 1828. Supuestamente está enterrado en la Ermita de San Antonio de la Florida de Madrid, donde se conservan los frescos que realizó en 1789. Como CONCLUSIÓN, podemos destacar que Goya ocupa una situación única en la historia del arte occidental donde es considerado por un lado, como uno de los grandes maestros de todos los tiempos y por otra, el primer y auténtico artista moderno. Sus obras son un espejo –halagador-‐ en unos casos –demoledor y grotesco-‐ en otros, del mundo que le tocó vivir. Aunque Goya careció prácticamente de discípulos, su huella e influencia ha sido y es profunda en la cultura occidental. Se le considera el iniciador de la pintura moderna, el artista seminal que influirá en Picasso, Dalí y los surrealistas, el arte de vanguardia y los artistas contemporáneos de las más variadas tendencias. Fuentes de Documentación e Imágenes https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/goya-‐y-‐lucientes-‐francisco-‐de/39568a17-‐81b5-‐4d6f-‐84fa-‐12db60780812 https://www.museodelprado.es/recurso/goya-‐y-‐lucientes-‐francisco-‐de/4997b179-‐627f-‐4680-‐9612-‐13a5162b30e0 https://www.goyaenelprado.es/obras/lista/?tx_gbgonline_pi1%5Bgocollectionids%5D=10 http://goya.unizar.es/ http://www.fuendetodos.org/casa.html# http://perso.wanadoo.es/e/juanro23/mapamenu.html http://cvc.cervantes.es/actcult/goya/default.htm http://www.metmuseum.org/toah/works-‐of-‐art/06.289/ Blog de Algargos Blog de Algargos: http://algargosarte.blogspot.com.es www.artehistoria.com www.WikiArt.com https://www.nationalgallery.org.uk/documents/goya-‐exhibition-‐in-‐focus?viewPage=3 http://slideplayer.es/slide/24196/

ebau. apuntes fundamentos del arte ii: la obra pictÓrica de goya: caracterÍsticas generales y...

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