Download - Tema 1 Introducción al arte
TEMA 1 Los agentes
del mercado del arte
Introducirse en el Mercado del Arte
Introducirse en el Mercado del Arte – Tema 1
Espacio Plano B // 2015 /2/
ÍNDICE TEMA 1 1. EL MERCADO DEL ARTE [pág. 3]
1.1. ¿Qué es? [pág. 3] 1.2. ¿Quiénes son? [pág. 3] 1.3. Breve evolución del mercado [pág. 3]
2. EL MARCHANTE [pág. 7]
2.1. ¿Cuáles son las principales diferencias con un galerista? [pág. 7] 2.2. El marchante virtual [pág. 7]
3. EL CONSULTOR DE ARTE [pág. 7] 4. EL MERCADO SECUNDARIO [pag. 8]
4.1. Las casas de subastas [pág. 9] 5. LOS COLECCIONISTAS [pág. 10]
5.1. Perfiles [pág. 10] 5. 2. Motivaciones de compra [pág. 12]
6. FERIAS DE ARTE [pág. 12]
6.1. Orígenes [pág. 12] 6.2. Principales ferias internacionales [pág. 13] 6.3. Costes de participación [pág. 15]
7. LOS CRÍTICOS DE ARTE [pág. 16]
7.1. Revistas especializadas en arte contemporáneo [pág. 17] NOTA ACLARATORIA INICIAL:
A lo largo del curso, como el título indica, vamos a hablar de cómo
introducirse en el mercado del arte, la calidad del trabajo de un artista no es
inferior por no estar dentro del mercado, ni superior por trabajar con varias
galerías. Vamos a profundizar en cuáles son los mecanismos habituales de
entrada, cada uno decidirá si quiere entrar o cuanto menos intentarlo y quiénes
decidirán seguir produciendo al margen del mercado.
Por tanto el mercado no decide quién es mejor o peor artista, sino qué
piezas/obras de los artistas son vendibles en el mercado actual, tal y como
funciona en el presente, esto tendría también muchos matices.
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1. EL MERCADO DEL ARTE
1.1. ¿Qué es?
Una definición que nos puede servir sería:
El mercado del arte es el conjunto de agentes individuales e instituciones
que se dedican a la explotación comercial del arte.
1.2. ¿Quiénes son?
Los principales agentes, iremos desarrollando el trabajo de cada uno, son:
- Consultor de arte
- Casas de subastas/mercado secundario
- Coleccionistas
- Ferias de arte
- Marchantes
- Instituciones
- Entidades privadas [bancos, fundaciones…]
- Galerías de arte
1.3. Breve evolución del mercado
La realización de encargos directos a un artista/artesano por parte del
cliente era la fórmula habitual de comercialización del arte. Así en la Antigua
Grecia, el artesano no producía de una manera libre, sino que existía un
encargo directo del cliente que no solamente escogía el objeto [vasija, vaso,
jarras, platos…] sino que en la mayoría de los casos elegía los motivos
decorativos del mismo [colores, formas…]. Habrá que esperar hasta el siglo XV
para encontrar una distinción clara entre artesano y artista.
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El prestigio del artista llegó con el Renacimiento italiano, gracias a los
encargos de la Iglesia y al mecenazgo de la realeza y el resto de la nobleza.
Los artistas salen del anonimato de los gremios y de los talleres de artesanos,
comienzan a ganar relevancia individual, se convierten en maestros, son
considerados como trabajadores intelectuales, cada vez mejor pagados…
Aparecen los pintores de la Corte a sueldo de los reyes que no solamente
trabajan para ellos, sino que aconsejan qué otras piezas de qué otros artistas
deben adquirir, así estos artistas se convierten en los primeros marchantes,
aconsejando la compra de obras de terceros.
Los aristócratas renacentistas pusieron en auge la colección de
antigüedades, objetos provenientes de la arqueología, nacieron los anticuarios
modernos… Todas estas compras tenían una finalidad: que sus gabinetes,
dónde trabajaban y recibían a diversas personalidades destacaran del resto
gracias a piezas difíciles de conseguir, extravagantes, de alto valor económico,
se pasa de la contemplación casi piadosa de las obras de arte a una
contemplación algo más sensorial e intelectual.
¿Pensáis que en la actualidad la motivación de compra sigue siendo tener
algo exclusivo, extravagante a un alto precio?
La respuesta es sí, muchos coleccionistas basan sus compras en la
obtención de cierto estatus social gracias a ellas y lo único, lo exclusivo, lo que
no tiene nadie más sigue siendo una regla prioritaria dentro del mercado del
arte y lo que provoca, en muchas ocasiones, los elevados precios de las
piezas.
Durante el siglo XV las ciudades con mercado artísticos más activos eran
Venecia, Florencia y Roma, se comienzan a aplicar normas para tener un
control sobre dicho mercado, como la fijación de unos espacios y la prohibición
de otros para realizar las ventas y así tener un mayor control fiscal sobre las
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transacciones. En el siglo XVI Amberes es el centro mundial del arte con más
de 300 pintores y grabadores.
En Amberes, surge una iniciativa interesante: la creación de un mercado
estable de artistas en una de las plantas de la Bolsa de la ciudad, donde se
producía la venta directa por parte de los artistas. Imaginaos que el
ayuntamiento dónde vivís decide poner en marcha esta iniciativa, crear un
mercado de artistas, en principio es una idea estupenda, ¿pero cuál es el
problema para el artista?
El principal problema es que el mismo artista tiene que estar atendiendo su
espacio en este mercado y le quedaría poco tiempo para la producción, si cada
vez tiene más clientes más horas le tendrá que dedicar a la producción y
menos al puesto del mercado con lo cual tendrá que contratar a alguien que
venda sus piezas, este pasaría a ser su marchante. Pues a pequeña escala y
simplificando este sería el funcionamiento del mercado del arte, el artista no
puede hacerse cargo de las tareas de producción y venta por ello necesita de
un intermediario [galerista o marchante], después todo se complicará con la
aparición de muchos más agentes.
En el mercado de Amberes, y en otros muchos que surgieron, se producía
algo que ya se ha perdido, el contacto directo entre los artistas y los
compradores, podían charlar, comentar, el artista obtenía mucha información
de esos “coleccionistas” e iba adaptando su obra a la demanda. ¿Creéis que
esto ocurre a la actualidad, que el artista adapta su producción a las demandas
de los coleccionistas?
En principio tendemos a pensar que no debe ser así, que el artista debe ser
autónomo en su creación, seguir su libre albedrío y centrar su producción en lo
que él cree conveniente, pero en muchos casos, sobre todo en el caso de
artistas que están medidos en el mercado y viviendo de él, la adaptación de las
obras a los clientes es muy grande. Imagínate que te representan 3 galerías,
alguna internacional, y que a mitad de una de tus exposiciones individuales se
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venden todas las piezas, evidentemente el galerista te va a presionar para que
produzcas más piezas semejantes a las expuestas para seguir vendiendo y
también al artista le suele interesar porque son ingresos.
Además cuando un artista se asienta en el mercado los coleccionistas
quieren piezas reconocibles de ese autor, por lo tanto el artista sigue
produciendo piezas con una temática y estética muy similares, entre otras
cosas, para asegurarse las ventas. Podemos decir que el éxito en el mercado
condiciona la producción de la otra.
Imaginaos que ese artista tiene ya un amplio recorrido en el mercado, lo
lógico es que un museo de arte contemporáneo tenga interés en realizarle una
exposición individual y no le van a solicitar piezas que rompan totalmente con
su estilo sino piezas representativas de todo su trabajo. Hablando con varios
artistas muchos se encuentran atrapados en su producción, pero siempre les
contesto que si han conseguido vivir de su trabajo quizás el mal es menor.
Siguiendo con la evolución del mercado llegamos al siglo XIX y la aparición
de los Salones de París, el centro del arte de la época, tanto los oficiales como
los de los rechazados [de aquí nacieron las principales corrientes de finales del
XIX y principios del XX]. Se popularizó la práctica de exponer al público el
trabajo de los artistas y someterlo a la crítica de arte.
Terminados los salones, los posibles compradores visitaban los
estudios/talleres de los artistas para adquirir las piezas que les habían
interesado. ¿Qué ocurría aquí?, lo que hemos comentado antes que los
coleccionistas “molestaban” a los artistas, no les dejaban trabajar, ocupaban
gran parte de su tiempo en culminar la venta… de ahí la necesidad de la
aparición del marchante.
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2. EL MARCHANTE
Definición: comerciante privado de arte
2.1. ¿Cuáles son las principales diferencias con un galerista?
- El galerista tiene un espacio físico habitual donde realizar las
exposiciones y las ventas y el marchante no tiene ese espacio, o bien
realiza la venta directa en la casa/oficina/local del comprador o busca
espacios donde realizar dichas exposiciones
- Un galerista además de marchante es un comisario de arte en su propio
espacio
2.2. El marchante virtual
Con la llegada de Internet aparecieron varios marchantes que
comercializaban sus piezas a través de este medio, también con la llegada de
la crisis muchas galerías se han cerrado y han cambiado su modelo de negocio
vendiendo ahora a través de una plataforma digital.
El problema de este modelo es que para que un comprador se decida
tiene que ver físicamente la pieza y a través de Internet esto es imposible, de
ahí que las ventas de arte a través de esta herramienta únicamente se realicen
de artistas muy consagrados, ya que lo importante no es tener tal o cual pieza
de Tàpies, sino tener un Tàpies como valor seguro.
3. EL CONSULTOR DE ARTE
Su principal tarea es aconsejar al comprador, qué piezas le convienen
para su colección tanto a nivel artístico como de inversión, cómo comenzar una
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colección, también se pueden encargar de la catalogación, restauración y
conservación de colecciones tanto públicas como privadas, realizan labores de
tasación y transacciones de compras y ventas.
Con la crisis han puesto especial énfasis en la difusión de colecciones
privadas. Como muchos museos, fundaciones, centros culturales… han visto
mermado su presupuesto, han anulado o han disminuido el número de
exposiciones de producción propia, es decir, aquellas que organizan ellos
desde el principio con los elevados costes que esto supone. Una fórmula más
económica es exponer parte de colecciones privadas que bien los
coleccionistas ceden temporalmente o cobran un alquiler [aún así sale más
barato que montar una exposición propia]. Los encargados de realizar de
puente entre las colecciones privadas y los museos en muchas ocasiones son
estas consultorías de arte que cobran una cantidad por este trabajo.
4. EL MERCADO SECUNDARIO
El mercado secundario no es otra cosa que la reventa de la obras, bien
entre particulares bien a través de una casa de subastas.
El mercado secundario puede acabar con la carrera de un artista, ¿por
qué?. Imaginaros que un coleccionista tiene 20 piezas vuestras y se quiere
deshacer de ellas porque necesita ese dinero, lo primero que ocurrirá es que
saturará vuestro mercado, es decir, si sigues en activo y tienes varias
exposiciones al año, tú y tus galeristas decidís el número de piezas que hay en
el mercado para regular la oferta y la demanda, si se inyectan 20 piezas más
que no esperabais en ese mercado quizás os quedéis sin coleccionistas para
las próximas exposiciones porque ya tendrán una pieza vuestra y quizás más
barata, porque si se quiere deshacer de ellas rebajará su coste.
Además el mensaje que se da al mercado es muy negativo, si alguien se
quiere quitar de encima tus piezas, el resto de coleccionista se plantearán, ¿por
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qué las vende?, ¿quizás es que no se revalorizarán?, o ¿por qué ha dejado de
apostar por este artista?...
Lo que se debería hacer, aunque no está regulado en ninguna parte, es
que si un coleccionista quiere vender una pieza, primero debería ponerse en
contacto con el galerista y tratar de que el galerista compre esa pieza para
después ponerla de nuevo a la venta de una forma controlada. Pocas veces se
hace esto, cuando la venta es entre particulares, ni el galerista ni el artista se
enteran de esta circunstancia y lo que es todavía peor, por esta reventa el autor
no percibe ninguna cantidad económica, los derechos se saltan y es como si se
vendiera un coche entre particulares.
Si se quiere cumplir con la legalidad, la Secretaría de Cultura [a
septiembre de 2014] estipula que se produce esta reventa, el artista debería
recibir un 3% de la cantidad de venta, siempre que la pieza tenga un valor
mayor de 3.000€, un 1,5% saldría del vendedor y un 1,5% del comprador. Para
mí un porcentaje escasísimo, casi ridículo e insultante.
4.1. Las casas de subastas
Realizan una venta organizada de un objeto de arte o un lote de objetos,
generalmente tiene un carácter público, con una fecha y hora fijada y las piezas
son conocidas a priori por los posibles compradores. Deben autentificar las
obras y comprobar la propiedad de las mismas. El que pague una mayor
cantidad, haga una mayor puja, se queda con el objeto a subasta.
Se utilizan generalmente dos sistemas:
- Puja a brazo alzado, la que hemos visto en las películas
- Sobre cerrado. Se habilita una urna, en un sobre se escriben los datos
del comprador y lo que puja. Al finalizar se abren todos los sobres y
quien haya realizado la mayor puja se queda con el objeto subastado.
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Las dos casas de subastas más importantes a nivel internacional son:
- Sotheby’s. Fundada en 1744 en Reino Unido con la subasta de un
amplio lote de libros propiedad del fundador. Desde 1804 dedicada a las
Bellas Artes. En 2013 tuvo un volumen de negocios de 127 millones de
dólares.
- Christie’s. Fundada en 1766 en Londres. Dedicada a las Bellas Artes y
objetos decorativos. Posee 53 oficinas en 32 países.
5. LOS COLECCIONISTAS
5.1. Perfiles
Según un estudio de la revista Artemanía, realizadas más de 100
entrevistas a galeristas, estos son los perfiles más habituales de coleccionistas:
- El de toda la vida:
o Hombre
o Mayor de 60 años
o Altos ingresos económicos
o Generalmente el gusto por el arte le viene de tradición familiar
o Gustos muy definidos
o Buscador de piezas concretas que aporten valor a su colección
o Fiel a sus galeristas
o Colección amplia
- El entendido:
o Alto nivel cultural, altos conocimientos de Arte
o Alrededor de 45 años
o No siempre va ligado a un alto poder adquisitivo
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o Más centrado en los artistas que en las piezas
o Conoce la trayectoria de los artistas en algunas ocasiones mejor
que sus propios galeristas
o Compra en ferias, galerías, pero sobre todo directamente al
artista
o Colección reducida, piezas seleccionadas con mucha
minuciosidad
- El neófito:
o De 25 a 45 años
o Piezas de un valor medio-bajo
o Apasionado por la primera compra
o Deseo de tener algo único
o Aconsejado completamente por el galerista
o Variedad de gustos y soportes
- El profesional de éxito:
o De 30 a 50 años
o Abogados, arquitectos, notarios, médicos…
o Compras de forma puntual, no pretende tener una colección
o Compra como regalo o para decorar su despacho
o No es un entendido, aconsejado por el galerista
o Se deja guiar por un gusto personal [me gusta o no me gusta, sin
más pretensiones]
En España, donde no hay un gran tradición de colección de arte, la
mayoría de las galerías en su día a día viven de las compras de los
profesionales de éxito, por ello a un nuevo galerista siempre se le aconseja que
realice un listado exhaustivo de estos profesionales de la ciudad y que realice
inauguraciones exclusivas para ellos, que se ponga en contacto con sus
colegios profesionales, etc.
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5. 2. Motivaciones de compra
Podemos indicar tres principalmente:
- Por mero placer estético, esa pieza les gusta y creen que quedará bien
en su casa y así poder contemplarla diariamente.
- Incorporación a una colección. Generalmente no tienen la necesidad de
mostrar las piezas en casa, muchas están embaladas en un almacén o
una habitación, no tiene intención de revender. El placer de ser
coleccionista.
- Como inversión. Realiza la compra esperando que con el paso de los
años esa pieza se revalorice, poder venderla y obtener un beneficio.
6. FERIAS DE ARTE
Más que un agente es una herramienta creada por los agentes para
concentrar las ventas en un lugar y tiempo determinados.
Definición: reunión de varias galerías en un mismo espacio y tiempo
para exponer y vender obras de arte
Son un punto de encuentro entre los coleccionistas de una zona, ciudad,
país… y galerías de procedencia diversa. Formato pensado para que el
coleccionista vea en pocos días a muchos artistas, sus piezas, visite un gran
número de galerías y realice sus compras, todo ello en un único espacio. Hay
muchas galerías que salvan sus ejercicios económicos gracias a acudir a este
tipo de encuentros, puede incluso que la existencia de su espacio fijo sea una
estrategia para acudir a ferias ya que la mayoría solicitan este requisito, tener
un establecimiento abierto al público de manera gratuita un número de días y
de horas a la semana.
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6.1. Orígenes
Las ferias como herramienta comercial surgen en la Baja Edad Media en
la Europa Occidental, consistían en la reunión de una serie de mercaderes en
una localidad estratégica por su ubicación, en una zona de paso, con una
periodicidad anual, generalmente coincidiendo con la fiesta local más
importante. Supusieron los inicios del capitalismo comercial con la fijación de
precios comunes, el pago aplazado, cambios de moneda… Las más populares
fueron las Ferias de Champagne [S. XII – XIV].
Los antecedentes más ligados con el arte fueron las ferias de objetos
artísticos e invenciones organizadas por la Sociedad de las Artes en Reino
Unido a partir de 1760. Había un pabellón dedicado a las “invenciones” que
eran como llamaban a las primeras máquinas industriales y una nave más
pequeña con exposiciones de arte dedicada a las mujeres, mientras los
hombres se dedicaban a los negocios, sus esposas se deleitaban con el arte,
esa era la triste intención de ese pabellón.
En 1837 el Instituto de Mecánica del mismo país organiza la primera
Feria de Arte e Industria, donde están al mismo nivel las obras de arte y las
máquinas, destinadas ya no tanto al deleite o entretenimiento sino a la
comercialización.
En 1895 encontramos el antecedente más directamente ligado con las
ferias actuales de arte, es la Bienal de Venecia. Desde 1910 adoptó la
estructura que mantiene hasta la actualidad: una inmensa muestra de
proyectos de comisariado divididos por países, cada país presenta su
propuesta y ocupa un espacio/edificio/pabellón. No está enfocada a la venta,
sino a la promoción de los artistas y comisarios de los diferentes países.
Esta bienal es muy criticada en cada nueva edición porque en un mundo
tan globalizado pierde sentido la división por países y porque se ha convertido
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en un gran escaparate turístico para los países participantes dejando de lado la
promoción artística.
6.2. Principales ferias internacionales
ART BASEL
Junio – Basilea, Suiza
- 43 ediciones
- Más de 300 galerías participantes
- Alrededor de 2.500 artistas
- Participan galerías de 35 países
- Consideradas “Las Olimpiadas del mundo del arte”
- La más grande del mundo en cuanto a participación y visitantes
- 62.500 visitantes en 2013
- Edición Miami desde 2002
- Hong Kong en 2012
THE ARMORY SHOW
Marzo – Nueva York
- Comenzó en 1994 en las habitaciones de un hotel
- En 1999 pasó a su sede actual, un antiguo cuartel militar
- 52.000 visitantes
- 85 millones de euros en ventas en 2013
- Dividido en arte moderno / arte contemporáneo
- 222 galerías
MACO
Abril – México DF
- 90 galerías
- 30.000 visitantes
- Nace en 2004
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ARCO
Febrero – Madrid
- 55.000 visitantes
- 3.000 obras en 2011
- Nace en 1982
- 160 galerías
- 30 países
Sin duda, la mejor forma de conocer como funciona el mercado del arte
es tener la oportunidad de acudir con una galería a una feria, ya que verás todo
el proceso en apenas cinco días, desde el transporte, montaje, relaciones con
los diferentes agentes, ventas…
6.3. Costes de participación
A modo anecdótico os indico cuáles son los costes de participación en
una feria para una galería.
ARCO
Cuota de inscripción: 300 euros
Stand: 350 euros/metro x 40 metros/mínimo = 14.000 euros
Inserción obligatoria catálogo = 1.300 euros
TOTAL: 15.600 euros/mínimo
SWAB BARCELONA
9 ediciones
41 galerías
Cuota de inscripción: 150 euros
Stand: 4.500 euros / 25 metros
A lo que habría que añadirle los costes de transporte y seguro de las
piezas, transporte, alojamiento y manutención de los galeristas durante los días
de la feria.
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IMPORTANTE: si una galería se pone en contacto contigo para decirte
que va a participar en tal feria, que desea llevar algunas de tus piezas y para
ello te pide una cantidad económica, lo más seguro es que sea un timo o una
feria de bajo impacto dentro del mercado del arte. Es la galería de arte la que
debe correr con todos los gastos de participación y a cambio se llevará un
porcentaje de las ventas, el artista NUNCA debe hacerse cargo de esto, salvo
que sea una feria para artistas sin participación de galerías sino directamente
de artistas, o en las que puedan participar colectivos de artistas, ahí lo artistas
actúan como sus propios galeristas.
7. LOS CRÍTICOS DE ARTE
Sobre este asunto apenas dejar unas cuantas notas y algunas
reflexiones. En la actualidad la crítica de arte ha perdido muchísimo peso en el
mercado, no es tan determinante como hace unas cuantas décadas, esto se
debe a diferentes factores:
- Prácticamente la crítica ha desaparecido. Los medios tanto generalistas
como especializados se deben a la publicidad que en su inmensa
mayoría viene de instituciones públicas con programación expositiva, si
el crítico tira por tierra el trabajo de alguna de estas instituciones es muy
probable que esa institución debe de invertir en publicidad en ese medio.
Se hace información pero poca crítica.
- Pocas tribunas para hacer crítica en medios escritos
- Multiplicación de opiniones/críticas a través de blogs, redes sociales…
con lo cual no hay una crítica predominante y que decida
- Enredados en un lenguaje incomprensible, quizás uno de los factores
más decisivos para que la crítica haya quedado relegada es el lenguaje
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críptico en el que se ha enredado durante décadas, que ha apartado a
otros agentes de la lectura de estos textos, principalmente a los
coleccionistas.
Muchos apuntan que el mercado ha sustituido a la crítica, es decir, que
lo que se vende es bueno y lo que no se vende es malo. Podríamos estar horas
discutiendo sobre esta postura, mi opinión es que es muy injusta, la suelo
cambiar por el que trabaja incansablemente y confía en su producción acaba
llegando al mercado y el que sigue trabajando se asienta en el mismo.
7.1. Revistas especializadas en arte contemporáneo
Es interesante, prácticamente fundamental leer una o varias de estas
revistas, para ver por donde va el mercado del arte, cuales son las temáticas
‘de moda’ a nivel nacional e internacional, conocer la actualidad del arte
contemporáneo…
Exit Express
- Mensual
- Tirada de 15.000 ejemplares
- La mitad de la revista diversos temas en
profundidad y la otra mitad reseñas de
exposiciones nacionales e internacionales
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Lápiz
- Bimensual
- Mitad entrevistas, diversos temas y mitad
reseñas exposiciones
ARTECONTEXTO
- Trimestral
- La mitad es un monográfico sobre un tema
concreto y el resto reseñas
ARTE Y PARTE
- Bimensual
- Mitad diversos temas, mitad reseñas
Otras publicaciones
- Bonart
- Dardo Magazine
- Matador
- Numen
Suplementos culturales - ABC Cultural [es el más leído entre los
agentes del mercado del arte por su volumen
y los críticos que escriben]
- El Cultural de El Mundo [también referencia
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dentro del mercado]
- Babelia de El País [poca relevancia por las
poquísimas páginas que dedica al arte]
Ejercicios Tema 1 Actividad 1: ‘¿Por qué hablamos de mercado cuando queremos decir arte?’ Foro Tema 1: Bienvenida/Presentación Foro discusión: ¿Cuáles son las dificultades para entrar en el mercado?