Música 4º ESO [2014-2015]
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4º E.S.O.
APUNTES DE MÚSICA 1
I.E.S. JUAN GARCÍA VALDEMORA
CURSO 2014-2015
Música 4º ESO [2014-2015]
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índice
tema 1. ¿QUÉ ES LA MÚSICA
tema 2. MÚSICA TRADICIONAL Y ETNOMUSICOLOGÍA
2.1. Música tradicional
2.2. Oriente
2.3. África
2.4. América
tema 3. MÚSICA Y CINE
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1. ¿Qué es la música?
Cuando escuchamos música, lo hacemos principalmente como entretenimiento
o distracción. También nos provoca sentimientos y estados de ánimo y además,
podemos ser capaces de descubrir en la música aspectos técnicos, intelectuales que
nos ayudarán a entender la obra musical en su totalidad.
La influencia de la música sobre las personas es un hecho comprobado desde
tiempos antiguos. Hace ya más de 2500 años, el filósofo griego Pitágoras recomendaba
a las gentes cantar y/o tocar cada día para conseguir eliminar del organismo el miedo,
las preocupaciones e incluso la ira. La música era considerada una de las grandes
disciplinas del ser humano, junto a las matemáticas, la filosofía, la astronomía y la
gimnasia. Y no podía ser de otra forma, comprobado el “poder” de esta materia.
Hoy en día existe una disciplina llamada Musicoterapia que emplea la música
de manera terapéutica porque está demostrado que mejora la evolución de ciertas
enfermedades o estados de la persona (neonatos, bebés prematuros, niños con
problemas, ancianos…)
Lo cierto es que la música ha estado presente en la historia de la humanidad
desde siempre y se considera por lo tanto inherente a la propia naturaleza humana.
Hoy en día estamos continuamente rodeados de música. Solo hay que estar atentos…
Funciones de la música La música puede tener una finalidad en sí misma (por ejemplo, en un concierto)
o tener un uso relacionado con otras actividades (en la publicidad, en cine, en el móvil,
en radio…)
El uso de la música puede tener diferentes funciones:
1.-Estética: obra musical escrita para ser escuchada en sala de conciertos
2.- Lúdica: la música cinematográfica, en videojuegos…
3.- Comunicativa: la publicidad
4.- Social: música religiosa o folclórica
5.- Terapéutica: musicoterapia, que utiliza la música para facilitar la mejora
física o mental de un paciente.
Muchas veces, las funciones se interrelacionan, por ejemplo, un compositor, además
de buscar el placer estético puede querer entretener o comunicar algo.
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Tipos de música. Los géneros musicales.
La música se clasifica según diferentes criterios:
1. Según la fuente sonora que la produce:
a. Música vocal: interpretadas por la voz con acompañamiento
instrumental o sin él. En este último caso se denomina a capella.
b. Música instrumental: Interpretadas solo por instrumentos.
2. Según su función:
a. Música religiosa: obras cuya finalidad está relacionada con alguna
creencia religiosa. Pueden estar dentro o fuera de la liturgia.
b. Música profana: No está compuesta con un fin religioso.
3. Según su intención:
a. Música pura: No describe nada concreto.
b. Música programática o descriptiva: El compositor se basa en un
paisaje, un cuadro, un estado de ánimo, una obra literaria, un
poema…
4. Según su origen social:
a. Música culta: Se necesitan estudios musicales tanto para
interpretarla como para componerla. Suelen ser obras complejas.
b. Música folclórica: identifica a un pueblo o cultura. Suele trasmitirse
vía oral de generación en generación.
c. Música popular: sencilla de escuchar, pensada para ser difundida
por los medios de comunicación de masas. (pop, rock…)
Una obra puede pertenecer a varios géneros a la vez. Por ejemplo, una sonata para
piano de Beethoven sería una obra instrumental, profana y culta.
El lenguaje de la música
Para poder analizar la música necesitamos repasar los conceptos fundamentales del
lenguaje musical.
Las cuatro cualidades del sonido vienen expuestas a continuación. A partir de ellas se
construyen los elementos de la música.
1. La altura
Nos permite diferenciar entre sonidos agudos y graves.
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Una melodía está formada por la sucesión de sonidos a distinta altura. Una escala es la sucesión ascendente o descendente de sonidos que siguen un esquema de distancias entre sus notas. Un intervalo es la distancia que hay entre dos notas. (ver cuaderno) La altura se representa colocando las notas en las líneas y espacios del pentagrama. Siempre dibujando la clave que corresponda, la más frecuente es la de sol.
Do re mi fa sol la si do’ La altura nos produce diferentes sensaciones:
2. La duración
Diferenciamos entre sonidos cortos y largos.
Se representa mediante las figuras y silencios.
Nombre Figura Silencio Valor
Redonda
4
Blanca
2
Negra
1
Corchea
0,5
Semicorchea
0,25
Las duraciones y los acentos vienen ordenados por los compases. Existen tres tipos
según donde estén los acentos.
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1.-Binarios: El primer tiempo es fuerte y el segundo débil.
Ej :
F D
2.- Ternarios: El primer tiempo es fuerte y los otros dos débiles.
Ej:
F D D
3.- Cuaternarios: El primer tiempo es fuerte, el segundo y cuarto débiles y el tercero
menos fuerte que el primero.
Ej:
F D f D
Las duraciones nos producen sensaciones como estas:
3. La intensidad
Podemos distinguir sonidos fuertes y débiles.
La intensidad o dinámica se representa con unas palabras italianas llamadas
matices.
Término Abreviatura Significado
Pianissimo pp Muy suave
Piano p Suave
Mezzopiano mp Medio suave
Mezzoforte mf Medio fuerte
forte f fuerte
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Fortissimo ff Muy fuerte
Crescendo cresc
Cada vez más fuerte
Decrescendo o diminuendo
decresc, dim Cada vez más suave
Muchas veces las cualidades del sonido se entremezclan para producir sensaciones.
Aquí tienes algún ejemplo de efectos provocados por la mezcla de alturas y duraciones
diversas:
4. El timbre
Es la cualidad que nos permite diferenciar quién produce el sonido, qué
instrumento o qué cantante. El compositor también selecciona un determinado timbre
para recrear una sensación concreta, por ejemplo:
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-instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo…), cuerda punteada
(guitarra), cuerda percutida (piano): se suelen emplear para melodías transparentes,
limpias, claras…
-instrumentos de viento madera (Bisel: flauta; lengüeta simple: clarinete,
saxofón; lengüeta doble: oboe, fagot…): para temas cálidos, aterciopelados, dulces…
-instrumentos de viento metal (trompeta, trombón, trompa, tuba): pasajes
enérgicos, majestuosos, solemnes.
-instrumentos de percusión (timbales, caja clara, tambor, platillos…): pueden
dar sensación enérgica, vigorosa, rítmica…
-instrumentos electrónicos: los más novedosos, poseen gran variedad de
timbres. Pueden crear sensaciones de exotismo, extrañeza, asombro…
Las voces también se clasifican según su registro y género.
Registro agudo Registro medio Registro grave
Voces femeninas SOPRANO MEZZOSOPRANO CONTRALTO
Voces masculinas TENOR BARÍTONO BAJO
Todas estas cualidades se combinan para producir sensaciones en nosotros. No
obstante, no hay reglas fijas y un timbre brillante como el violín puede producir un
efecto oscuro en su registro grave con sonidos largos y débiles, por ejemplo.
Direcciones:
http://aulaeducacionmusical.blogspot.com.es/2007/03/instrumentos-musicales.html
Web donde puedes encontrar una descripción de los instrumentos junto con un vídeo en el
que se escucha su sonido. Para repasar cómo suenan.
Ejercicios
1. Clasifica las siguientes obras según su género musical.
Obra Vocal/ instrumental
Religiosa /profana
Pura/ descriptiva
Culta/folclórica /popular
“Hey Jude” The Beatles
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Sonata en re menor. W.A Mozart
Réquiem en re menor. W.A.Mozart
Sevillanas
2. Escribe el nombre de las notas en clave de sol.
3. Completa las equivalencias.
= □ + □ □ = + + +
= □ + □+ □ . = □ + □
= □ + □ + □ + □ + □
4. Rodea en la siguiente partitura los matices y explica su significado.
5. Ordena las voces de aguda a grave.
Más aguda Más grave
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contralto barítono
6. Clasifica los instrumentos en su familia correspondiente.
Viola: - Flauta travesera:
Arpa: - Trompeta:
Tuba: - Piano:
Contrabajo: - Clarinete:
Bandurria: - Fagot:
7. Relaciona con flechas cada descripción del sonido con el efecto que produce:
Sonidos suaves grandiosidad, espectacularidad
sonidos fuertes tranquilidad, serenidad
sonidos largos estabilidad, monotonía
sonidos cortos vitalidad, energía
8. Escucha la siguiente obra programática titulada “En un mercado persa” del compositor
A. W. Ketelbey (1875-1959). Consta de 10 escenas. Aparecen desordenadas en este
cuadro. Intenta ordenarlas escuchando la audición.
Orden Escena
La princesa se va
Se presentan los encantadores de serpientes
Los mendigos piden limosna
Se vuelven a escuchar las voces de los mendigos.
Los acróbatas en el mercado
Llegan lentamente los camellos
El califa pasa por el mercado
El mercado queda solitario
Llega la princesa
Los camellos siguen su camino
9. En grupos de tres personas reflexionad sobre cómo habéis averiguado el orden de las
escenas. Para ello, debéis analizar cómo es cada una de las cualidades del sonido en cada
momento. Realizad este trabajo en el cuaderno de música.
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2.1 Música tradicional
La música tradicional ha sido durante mucho tiempo uno de los campos más
olvidados. El hecho de que estas manifestaciones se hayan mantenido principalmente
en los núcleos rurales ha provocado durante largo tiempo la consideración de estas
músicas como un arte de rango menor. La música tradicional conserva las
características más originarias y primitivas de la música:
- Tiene una función social determinada. Servía para acompañar todo tipo de
actividades; se utilizaba para aliviar los trabajos del campo, para acompañar
los juegos, para adornar las celebraciones, comunicarse.
- Es una música aceptada y asumida por todos. Mientras otras músicas
destacan la personalidad de sus compositores e intérpretes, la música
tradicional es una música del pueblo que sólo pervive si es aceptada de
forma general por la comunidad.
- Son creaciones anónimas. La aceptación general de la música hace que se
pierda el concepto de autor. No importa quién escribió esa música, lo que
importa es que el pueblo la ha asumido como propia.
- Se difunde por transmisión oral. La música se aprende y se transmite de
forma oral generación tras generación. Como no se escribe ni se registra, la
transmisión oral da lugar a “variantes” en función de los gustos personales,
de las habilidades para la interpretación o, simplemente, de la memoria.
La música tradicional en España La música tradicional en España presenta una gran variedad de repertorio
(danzas, canciones e instrumentos). Una de las causas de esta riqueza es la gran
cantidad de pueblos que, desde la Antigüedad, han llegado a la Península, lo que ha
favorecido una interesante integración de culturas.
Por otra parte, el relieve de la península Ibérica, con altas mesetas en el centro
y grandes sistemas montañosos, establece una división interior que confiere a cada
zona geográfica una verdadera autonomía cultural favoreciendo la preservación y
muchas veces el aislamiento de características folklóricas muy diferentes entre sí.
Debido a esto es aconsejable un acercamiento a su clasificación a través de su
funcionalidad, es decir, el uso concreto al que se destinaba el canto.
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El Canto en la música popular
1.- Para la infancia
1. De cuna: (o también llamadas nana, arrorró, cantos de berce,…),
2. De juegos infantiles: de sorteo, de rueda, de comba, romancillos
3. Para gente joven
4. De ronda: también conocida como dar la alborada. Una variante de éstas
son las canciones de quintos.
5. Para acompañar el trabajo
Se utilizaban para acompañar y animar las labores de un muy amplio de
actividades, ocupaciones y oficios. Su función era la de regularizar los esfuerzos y
movimientos en la faena, haciendo más eficaz la labor. Según la actividad
desempeñada reciben distintos nombres: arada, canteros,…
5. Para las fiestas, diversiones y celebraciones
Canciones de baile. Este grupo es muy variado en estilos, y podríamos
distinguir dos grandes grupos: las de compás ternario, propias de la zona
centro y sur de la península (jota, seguidilla, fandango,…) y las de compás
binario, características de la zona norte de la península. Aunque también
existen otras manifestaciones que son muy difíciles de clasificar por sus
combinaciones irregulares (zortzico vasco, muñeiras gallegas,…)
Canciones de boda.
Canciones religiosas: las hay para el canto en los templos y en las
procesiones en las fechas cíclicas de la Navidad (villancicos, aguinaldo),
Semana Santa (saetas), santos patronos en sus días de fiestas. Existen
otras, que se usan para implorar la protección celestial en caso de
necesidad o como de acción de gracias (rogativas). Todas éstas, tienen en
común una clara tendencia a la narración, con referencias concretas a
hechos sucedidos
La danza
El baile ha sido uno de los entretenimientos favoritos, ya fuese social o familiar,
rural o urbano, hasta que los grandes cambios sociales ocurridos durante el s. XX
transformaron las condiciones de vida en el medio rural.
Las reinas de la danza por su extensa presencia en toda la geografía, son la jota,
de carácter arrogante y triunfal; la seguidilla, que expresan júbilo y abierta alegría; y el
fandango, que aunque pretende ser alegre, guarda siempre en su interior un aire más
sentimental.
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Dentro de su funcionalidad distinguimos:
Bailes rituales: pueden realizar en honor a los santo, procesiones, o en las
bodas (palos, espadas, cintas, mayos) o las danzas de moros y cristianos.
Bailes de diversión: la variedad es enorme, sardana, aurresku,
ronda…Pero la más abundante es la de pareja ya sea en solitario o en
hilera.
Los instrumentos
Al igual que con el repertorio los instrumentos son muy variados, siendo
algunos de ellos más generalizados: como las castañuelas, panderetas, guitarra,
tamboriles,… Y otros más específicos como la gaita en Asturias y Galicia, el txistu y el
alboka en el País Vasco, timple en Canarias,…
Direcciones:
http://ares.cnice.mec.es/folclore/
http://www.funjdiaz.net/index.cfm
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Ejercicios
10. ¿Verdadero o falso? Razona tu respuesta
- La música popular española se caracteriza por su uniformidad, presentando
características comunes en todas las regiones.
- La música instrumental pura, no relacionada con el canto ni con el baile, es un
género habitual en la música tradicional española.
- Una forma muy habitual en la canción española es la formada por la alternancia de
copla y estribillo.
- De acuerdo con su función, las canciones pueden clasificarse como cantos a solo,
en grupo, o acompañadas con instrumentos.
11. ¿Cuáles son las danzas más extendidas por la geografía española?
12. Define: danza de palos; mayos; cobla; rondalla; saeta
13. Comentario de texto:
<<Cada país, cada comarca, decimos que tiene sus canciones propias, de inconfundible
carácter. Ello es resultado de la existencia que han de llevar las gentes conviviendo en cada
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región; entonces la vida humana y el medio ambiente se compenetran de un modo
recíproco. España, muy rica en variedades étnicas y muy variada también en sus
territorios, es natural que ofrezca las más distintas formas de lirismo popular. La península
Ibérica se ve dividida en comarcas separadas por cordilleras que las aíslan y que son un
obstáculo para su fácil comunicación. Merced a este aspecto geográfico consérvase en
cada territorio hispánico el carácter peculiar de los pueblos, y con ello se mantiene vivo el
aspecto típico de su vida, sus costumbres, su sentir, su manera propia de expresar
emociones, su artes, en fin>>
E. López Chávarri: Música popular española.
- Destaca las ideas más importantes de este texto.
- ¿Según este texto la música vendría de la propia vida del pueblo?
- ¿Sabes recordar cuáles son las grandes regiones musicales a las que se hace
alusión en el texto?
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2.2. Oriente (China, Japón, India e Indonesia)
El musicólogo Curt Sachs relata la siguiente anécdota a propósito de un buen
músico folklórico albanés, a quien llevaron a oír la Novena Sinfonía de Beethoven
como primer contacto con la música occidental de concierto. Después de mucho
insistirle para que diera su opinión sobre la obra, expresó: <<Está bien…, pero es muy,
muy simple>>. Comenta Sach: <<El albanés no hablaba con arrogancia ni era un
incompetente. Simplemente tenía una norma diferente. El ritmo, unificado y muy
simplificado, no podía de ninguna manera satisfacer a su oído oriental, de la misma
manera que las negras y las corcheas le parecerían aburridas a un africano
analfabeto…>>.
Al igual que el ritmo occidental le parecía <<muy, muy simple>> al músico
albanés, a otros músicos del mundo podría parecérselo la división de la octava en doce
semitonos, ya que sus culturas disfrutan de melodías construidas mediante escalas que
utilizan distancias inferiores al semitono. Y mientras nuestra música lleva la armonía y
el contrapunto en su esencia, otras culturas se han mostrado más interesadas por el
ritmo, el timbre o la improvisación.
Música del lejano Oriente Una característica común que definiese la música de China, Japón y Corea
podría ser su naturaleza melódica, por su interés en la melodía y sus variaciones.
1. China
La tradición musical china se remonta a 2500 años a.C. y tiene un origen
religioso y ligado a las ceremonias de la corte y el teatro ritual. La música china es
mayoritariamente pentatónica, lo que significa que están escritas en escala de cinco
sonidos la mayor parte de sus melodías. Entre sus géneros más populares destaca la
Ópera China de Pekín que incluye, además de música, pantomima, acróbatas y
coreografías, así como las “danzas imposibles”.
Por último, hay que señalar que la influencia de la música occidental en China
ha sido enorme durante el s. XX, hasta el punto de poner en peligro la pervivencia de la
música tradicional.
2. Japón
La música de Japón tiene su origen en la música china aunque ha seguido una
evolución propia. Entre los estilos de música tradicional del Japón destaca el gagaku,
que ha sido interpretado en la corte imperial por más de un milenio, y el teatro kabuki,
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a medio camino entre lo sagrado y lo profano, y entre la danza y el teatro, con canto
acompañado por flautas y tambores, que nace en el s. XIV.
KOTO: cítara de 13 cuerdas
3. India
La India ha impuesto su concepción musical, en particular de música artística o
clásica, a todos los países del sur de Asia. En la India existe una especie de aversión a
las mezclas, así en música un instrumento protagonista se calla de manera que otro
distinto pueda expresarse cuando le llega el turno.
En la música clásica hindú tiene gran importancia el raga, un término que
describe tanto una forma musical como un conjunto de notas elegidas como base para
la improvisación. Cada raga crea una atmósfera determinada a partir de reglas muy
estrictas, pues consideran que tiene poderes mágicos. El sistema rítmico está basado
en los tala, donde cada tala comprende un número determinado de pulsaciones
agrupadas en ciclos (compases) que abarcan de 3 a 128 pulsaciones.
En sus melodías emplean intervalos más pequeños que los del sistema
occidental, por eso a nuestro oído algunos sonidos le resultan “desafinados”.
SITAR
SITAR: laúd de cuello largo de trastes
modificables, dotado de cuerdas
simpáticas
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4. Sudeste asiático
La música del sudeste asiático está ligada a la religión y a la danza y se
caracteriza por la utilización de conjuntos musicales integrados casi exclusivamente
por instrumentos de percusión, de afinación determinada e indeterminada.
El gamelán es la orquesta tradicional del archipiélago de Indonesia. Está
formada por un conjunto de entre 25 y 50 percusionistas divididos en cuatro grupos
con distintas funciones:
- Tambores horizontales de dos parches.
- Metalófonos y pequeños carillones de gongs.
- Gongs pequeños.
- Gongs grandes suspendidos y platillos.
Las melodías se improvisan sobre un tema melódico de base manteniendo
siempre un esquema rítmico preciso. Las composiciones pueden ser muy largas y
lentas o todo lo contrario. También existe un amplio repertorio para el
acompañamiento de las danzas. En ocasiones pueden añadirse instrumentos de viento
e incluso de cuerda.
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Audiciones y actividades 1.- Inventa una melodía oriental utilizando como base estas notas, las correspondientes a una
escapa pentatónica. Un consejo, para que tenga más sentido, empieza y termina por la misma
nota.
2.-Escucha la siguiente audición de una obra tradicional china. Esta composición está asociada
al taichí, un arte marcial chino muy extendido por todo el mundo. Se caracteriza por la
búsqueda de la armonía y serenidad.
Indica si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas tras escuchar la audición:
La pulsación es marcada y fácil de seguir
La flauta ti (instrumento monódico) es la protagonista de la introducción
En la introducción, la base armónica la interpreta el sheng (u órgano de boca)
La cítara y el violín se asocian en buena parte de la canción
La música está pensada para ayudar a la concentración
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2.3 África
África es uno de los continentes más grandes del mundo, y sus diferentes
climas y las formas de vivir de sus habitantes hacen que se puedan hallar más de mil
lenguas en su territorio. Las diferencias culturales y por lo tanto musicales que se
encuentran también son considerables, por lo que las reduciremos a dos grandes
bloques tomando como frontera el desierto del Sahara:
- El Magreb. Es la franja norte del continente, abarca países de cultura árabe
y se extiende desde Marruecos a Egipto
- África negra o subsahariana: donde se da cita un numeroso conglomerado
humano portador de diversas culturas con prácticas religiosas y profanas
diferentes.
Aunque existe mucha variedad, se suelen establecer ciertas realidades
comunes:
- Es anónima, puesto que no se conoce el nombre del autor ni el momento
de su creación.
- Es colectiva y participativa, ya que pertenece a la comunidad y los
individuos de dicha comunidad se implican activamente en sus diversas
manifestaciones.
- Es funcional, debido a que se utiliza en ocasiones concretas y con fines
específicos, tanto en el ciclo de la vida, como en las actividades que se dan
alrededor del ciclo del año.
- Es de tradición oral, porque se transmite de boca a oído, siendo la memoria
el único soporte musical. Por tanto, no se utiliza ningún tipo de notación
musical para escribirla.
- Es ritual, y se utiliza frecuentemente para ceremonias en las que se busca
relación con lo sobrenatural.
1. Músicas de los árabes
Existen dos peculiaridades que la caracteriza: el idioma que utiliza y su
componente espiritual básico: el islam.
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Música y religión
La música religiosa tiene gran importancia, pues las celebraciones en las
mezquitas se basan en la palabra cantada. El Corán se recita empleando una forma de
canto, aunque a los hombres encargados de ello no se les considera cantores, sino
declamadores. En estos ritos, los instrumentos apenas se utilizan.
La llamada a la oración también es cantada y la realiza el almuédano desde el
alminar, una torre que tiene todas las mezquitas. A diferencia de las declamaciones
coránicas, tiene una dimensión musical más definida, consta de un número fijo de
frases musical en las que predomina la melodía, muy adornada.
Audio 1: Recitado coránico. Más que una lectura, se trata de una declamación que
exige una voz expresiva y educada musicalmente, comparable a la de los más refinados
cantaores flamencos. El cantor separa las frases por medio de pausas y vocaliza con claridad
para que los fieles puedan entender sus palabras, también son frecuente los melismas.
Fuera de la religión
En el mundo árabe el músico suele ser compositor e intérprete. La
interpretación se organiza en torno a escalas o modos que llevan una serie de reglas en
la melodía y el ritmo. El objetivo del intérprete es fundir la técnica con el sentimiento,
tratando de alcanzar la máxima inspiración (tarab)
Igual que en occidente, existe una música árabe culta, que se ha desarrollado
durante siglos entre las clases privilegiadas. Su repertorio está muy relacionado con la
poesía y su función es el entretenimiento. La música andalusí es un ejemplo de música
culta árabe. Y la música popular, que como en occidente no contó en el pasado con un
sistema de notación.
Características musicales
- División de la escala en 24 intervalos iguales, en lugar de los 12 de la escala
cromática occidental. El origen de este sistema son los 24 trastes del mango
del laúd.
- Empleo de un sistema de afinación distinto al occidental en el que se utiliza
los cuartos de tono.
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- Melodías homofónicas y muy ornamentadas, basadas en escalas de siete
notas.
- Ritmo muy próximo al de la poesía. Dentro de los ritmos árabes hay
compases regulares e irregulares.
Audio 2: El–Alim Yal-Elim.
Es una extensa canción tradicional de tema amoroso, de la que
hemos escuchado un pequeño fragmento. En ella un hombre, al que
responde un coro, cuenta lo enamorado que está de una bella mujer. Su
ritmo está basado en patrones irregulares que se repiten formando un ciclo,
marcado por la darbuka. El laúd actúa como instrumento melódico,
imitando a los cantantes, aunque con leves variaciones. Este procedimiento
se llama heterofonía. La melodía apenas existe. Es más bien un recitado
melódico basado en cuatro notas. La nota con la que comienza siempre el
recitado y la que más se repite es si bemol.
¿Crees que el coro repite siempre el mismo estribillo? Intenta hacer un
esquema formal de la canción.
2. África negra
Las diferencias entre la música europea y la practicada por los pueblos del
África subsahariana son tales que, en el pasado, se pensaba que esta música
propagaba solamente gritos sin significado y no tenía nada que ver con nuestros
conceptos artísticos. También en ocasiones se identifica la música negra con la idea de
simplicidad. Nada más alejado de la realidad. La música africana contiene un alto grado
de complicación rítmica y de virtuosismo en el manejo de los instrumentos, así como
una innegable sutileza melódica y tímbrica en el empleo de la voz.
Función social
Escuchar música como nosotros escuchamos un concierto, es algo que carece
de sentido en África, porque la participación colectiva cantando, tocando un
instrumentos de percusión o bailando, es lo que otorga su sentido a la música.
Al sur del Sahara la música tiene un gran relación con los acontecimientos de la
vida diaria y también un valor ritual fundamental para la comunidad: labores agrícolas,
celebración de matrimonios, fiestas,… Aunque puede haber músicos profesionales,
como los griots de Senegal, que son a la vez músicos e historiadores de la comunidad.
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Así la música puede surgir en cualquier momento, espontáneamente, a partir
de una figura rítmica improvisada por alguien que no es necesariamente músico, o
mediante alguna forma de canto responsorial, llegando incluso a prolongarse durante
horas hasta que el entusiasmo simplemente disminuye, y no cuando se llega a un final
prescrito. En resumen, lo realmente es el proceso que da lugar a la música y no el
producto artístico terminado, la obra musical, que se puede olvidar sin sentir la
necesidad de escucharlo de nuevo.
Rasgos musicales
- Predominio del ritmo, que se apoya con palmadas y se enriquece con la
utilización de un gran número de instrumentos de percusión.
- Relación con el baile. La interpretación instrumental y el canto llevan al
movimiento corporal. En África no se concibe cantar mientras se
permanece quieto.
- Abundante utilización de escalas pentatónicas, así como frecuentes
ejemplos de complejas polifonías, lo que supone la ejecución simultánea de
dos o más líneas melódicas.
- Repetición como principio musical, con procedimientos como los llamados
cantos de llamada-respuestas-
Estos elementos musicales han ejercido un gran peso en la música popular
occidental. Primero fueron los esclavos africanos quienes contagiaron su poderoso
sentido del ritmo a los músicos del continente americano (Cuba, Brasil, Estados
Unidos,…). La música africana actual goza de una gran vitalidad. En ella se mezclan las
tendencias modernas (pop, rock and roll,…) con los ritmos tradicionales.
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2.4 América
3. América Latina
Llamamos América Latina o Latinoamérica al conjunto de países americanos
colonizados por españoles, portugueses y franceses. Estos países comparten muchas
características culturales, dentro de sus diferencias.
La música en América Latina revela la confluencia de tres grandes culturas:
- La cultura autóctona de los pueblos indígenas precolombinos.
- La cultura europea introducida por los colonizadores desde el siglo XVI.
- La cultura de los esclavos negros africanos llevados como mano de obra
(Brasil y países del área caribeña)
La colonización ibérica se asentó
sobre pueblos indígenas diferentes,
entre los que destacaban los aztecas,
los incas y los mayas. Los colonizadores
y misioneros introdujeron en América
los instrumentos y el sentido tonal
armónico europeo. La música litúrgica
de la Iglesia católica, trasladada a los
templos americanos, influyó
decisivamente en la música popular.
Además, los misioneros fueron
transformando danzas precolombinas,
adaptándolas y orientando sus
significados originales en un sentido
cristiano, y haciéndolas coincidir con
festividades católicas.
En los siglos posteriores, cada
uno de los países iberoamericanos ha
conocido nuevas emigraciones
procedentes de otras nacionalidades
que ha producido una mezcla que ha
dotado de peculiaridades propias a la
música de cada zona. Dentro de la
música tradicional existe una clara
diferencia entre las zonas en las que se
han mantenido las culturas indígenas
anteriores a la colonización y las zonas
marcadas por la influencia europea y
africana.
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El altipano andino
La zona del altiplano de la cordillera andina, que recorre todo el subcontinente
latinoamericano, forma una gran unidad musical. Comprende la zona del norte de
Argentina y Chile, Perú, Bolivia y Ecuador.
Tanto la música como las danzas del altiplano son anteriores a la llegada de los
españoles y todavía muchas de ellas se cantan en los dialectos quechuas propios de las
tribus que habitan en el altiplano. En su origen antiquísimo, la mayoría de estas danzas
eran de rueda o corro. Entre las fiestas del altiplano destacan los carnavales.
Se trata de música de notas largas y aire sereno y majestuoso. A continuación
describimos algunas características musicales:
El ritmo: la mayoría de las piezas utilizan el compás binario. Cada danza
tiene unas células rítmicas características. Por ejemplo, el huayno
tendría un ritmo tal que este;
La melodía: se utiliza mucho la escala pentatónica, aunque también hay
piezas que emplean sólo cuatro, tres o dos notas.
Escribe la escala en la que se basa el huayno anterior
La armonía: originariamente la música andina era mayoritariamente
monódica. En la actualidad, y quizás por influencia de la música
europea, se utilizan diversos recursos armónicos: melodías paralelas,
acompañamiento por acordes de charango, etc.
Los países de América del Sur
Cuando se desciende del altiplano hacia el Pacífico o el Atlántico comienza a
haber peculiaridades propias de cada país.
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En Argentina, existen géneros propios derivados de la música andina
precolonial y de la música de origen inca (huainos, carnavalitos). Ya en el siglo XX
empezaron a destacar los derivados modernos de las antiguas zambas, chacareras,
chilenas y gatos, que en sus versiones más antiguas no estaban sujetos a compás y
presentaban gran riqueza polirrítmica. En las pampas y el litoral atlántico se dan la
milonga y el tango antiguo, que a comienzos del siglo XX se convirtió en la música
popular de Buenos Aires.
Uruguay y Paraguay presentan claras semejanzas con el folclore argentino, con
el que comparten milongas y zambas.
En Perú y Bolivia se baila la cueca, danza de pareja posterior a la llegada de los
españoles, de reminiscencias cortesanas.
En Brasil, la mezcla de melodía portuguesa, música india y la rítmica de los
esclavos negros, cuyos instrumentos de percusión son indispensables, ha dado lugar a
una de las músicas populares más ricas e interesantes del mundo. Entre las danzas
principales se cuentan la batucada, la samba, de ritmo fuertemente sincopado, y el
chôro.
Venezuela y Colombia, situadas mucho más cerca de Centroamérica y ambas
con costa en el Caribe, presentan características relacionadas con estas zonas del
continente. En Colombia la cumbia es la danza típica y en Venezuela lo son el joropo,
el polo y el pasaje.
México, América Central y el Caribe
Estas zonas geográficas comparten características musicales comunes, aunque
la música de México mantiene una personalidad propia que destaca entre las músicas
del Caribe.
El corrido, la ranchera y el son jarocho son las formas más conocidas de la
música tradicional mexicana. El corrido, que habitualmente narra largas historias al
estilo de los romances, es de ritmo rápido y vibrante, al tiempo que la ranchera
muestra un carácter más melódico. La palabra jarocho se atribuye a gente alegro y
divertida. En el son jarocho se combinan aires españoles y ritmos africanos. Acompaña
a una danza que en las partes instrumentales suele tener movimientos de zapateo
vigoroso. Las cantadas sirven a los bailarines para ralentizar los pasos de baile o
descansar.
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El mariachi es la agrupación instrumental más típica de México. Su nombre es
una deformación de la palabra francesa “mariage” (boda), y se supone que el mariachi
tuvo origen en esas ceremonias. Se forma con hasta doce músicos y se compone de
dos guitarras, guitarrón, violines y trompetas.
Cuba destaca por la capacidad de fusión de elementos blancos, de origen
español, y negros, de origen africano, dando lugar a una música de gran personalidad
que muchas veces se denomina afrocubana. Las rumbas, sones, guajiras y habaneras
son algunos de los géneros cubanos.
Música popular urbana latina
Durante el siglo XX han encontrado amplio eco en el resto del mundo cuatro
estilos de música popular urbana nacidos en estos territorios: el tango, la salsa, la
bossa nova y la samba brasileña.
La salsa
Desde la década de 1980, la
comunidad hispana residente en
Estados Unidos puso de moda
diferentes estilos musicales basados en
la música de las grandes islas antillanas
de habla española, Cuba, República
Dominicana y Puerto Rico, a la que se
podría sumar la de los países del istmo
centroamericano como Nicaragua o
Panamá. Esta mezcla de músicas se ha
popularizado en el mundo entero bajo
la denominación de salsa, convertida ya
en música popular urbana gracias a
artistas como Celia Cruz, Rubén Blades,
Tito Puentes; Gloria Estefan o Juan Luis
Guerra.
Se agrupan bajo la
denominación de “salsa” entre otros, el
merengue, ritmo nacional dominicano,
o los ritmos cubanos como el son, la
rumba, el bolero, la guajira o la
habanera.
Mapa de los bailes latinos más
populares
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El tango
El tango se convirtió en música urbana en los barrios humildes de Buenos Aires
a finales del siglo XIX, como forma de expresión del desarraigo de los inmigrantes.
Durante el siglo XX el tango se convirtió en un símbolo de Buenos Aires y por
extensión, de toda Argentina, al internacionalizarse gracias a un intérprete
excepcional, Carlos Gardel. El tango se interpreta con una pequeña agrupación
instrumental que incluye en piano, el violín y el bandoneón.
La samba y la bossa nova
La samba es la música más conocida de Brasil. Se desarrolló como danza
popular urbana después de la primera guerra mundial, partiendo de diversas versiones
rurales. Hoy en día se asocia con la celebración del carnaval.
La bossa nova, una variante de la samba muy rítmica y de armonía moderna y
sofisticada, empezó a difundirse internacionalmente a partir de la década de 1960,
influyendo especialmente en el campo del jazz Antonio Carlos Jobim.
4. Norteamérica
Los indígenas que habitaban en la parte norte del continente americano
(navajos, mohicanos, comanches…) fueron prácticamente aniquilados o confinados en
reservas con la colonización europea. Su desaparición trajo consigo la pérdida de sus
tradiciones y también de su música. Conocemos pocos aspectos de la música indígena
de Estados Unidos. Se sabe que empleaban cantos rituales ara curar enfermedades y
que concedían a la danza una gran importancia.
La música norteamericana se ha configurado en torno a dos ejes:
La herencia europea. La música country procede de la tradición británica e
irlandesa junto con las aportaciones de otros inmigrantes (polacos,
alemanes, húngaros, etc.) que trasladaron a América sus canciones y bailes.
La influencia africana. Con la esclavitud, llegaron esclavos africanos para
trabajar en las plantaciones, sobre todo a partir del siglo XVII. Ellos trajeron
sus ritmos e instrumentos, así como una peculiar forma de moverse y cantar.
Sus canciones de trabajo y sus músicas espirituales, en contacto con las
música s de origen europeo, dieron como resultado el jazz, el blues y, a
mediados del siglo XX; el rock and roll.
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3. Música y cine
Desde sus comienzos, el cine siempre ha estado acompañado de la música
como un elemento más al servicio de la narración. El cine nunca fue silencioso. Hasta la
aparición del cine sonoro, la proyección de la película se acompañaba con
interpretaciones de música en directo para dar más emoción a la acción y, a la vez,
para disimular el molesto ruido que producían las máquinas de proyección.
La música se asociaba a las imágenes por imitación de otros espectáculos como
la ópera o el teatro. Al comenzar la proyección, se apagaban las luces y un pianista o
una pequeña orquesta se encargaba de crear la atmósfera adecuada que influía en el
estado anímico del espectador y provocaba en él la ilusión del cine: nada es real, todo
es sugerido por la imaginación y el engaño de los sentidos.
1. La banda sonora La parte sonora de una película se denomina banda sonora. En ella se incluyen
tres tipos de sonidos distintos.
Efectos sonoros: son todos aquellos ruidos que deben escucharse para
dar credibilidad a la imagen (una puerta que se cierra, una calle con
tráfico…). Sirven para ambientar o decorar la escena.
Música incidental: es la música que refuerza el significado poético,
expresivo y dramático de la imagen.
Diálogos (locución): se pueden grabar en estudio o mediante la toma de
sonido en directo.
Es muy habitual que se utilice el término “banda sonora original” (BSO) para
referirnos únicamente a la música que se utiliza en una película, ya que es la parte
sonora con más interés.
2. Funciones de la música en el cine El tratamiento musical de una película, de la música de ambientación, es
inseparable de su relación con la imagen y su servicio a la narración. Esta relación hace
que la música compuesta para el cine tenga sus características peculiares. Entre las
diversas funciones que cumple la música en el cine, podemos citar:
1.- Crear la atmósfera más adecuada para el tiempo y el lugar en el que ocurre
la película.
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2.- Subrayar aspectos no expresados en las imágenes para lograr influir sobre
las emociones del espectador. Así se consigue crear una imagen auditiva que
complementa, incluso, lo que no aparece en las imágenes, pero que el espectador
sobrentiende.
3.- Servir como fondo neutro de algunas escenas. Este tipo de música, aunque
está en un segundo plano y no se le preste demasiada atención, se utiliza para rellenar
los espacios vacíos como las pausas entre conversaciones.
4.- Crear un sentido de continuidad en la película, enlazando pasajes que sin la
música aparecerían como desconectados.
5.- Imprimir el ritmo deseado a las escenas.
6.- Aportar información sobre los personajes.
7.- Anticipar y preparar al espectador para una escena determinada.
3. Análisis de la banda sonora musical.
Existen dos tipos de música dentro de la banda sonora de una película según la
relación de la música con la imagen:
a) Música de pantalla o diegética: es la que proviene de una fuente sonora que
aparece en escena o forma parte de ella. La de una radio, una orquesta que
anima un baile o una representación de ópera a la que asisten los personajes.
b) Música de fondo, incidental o no diegética: es la que se ha agregado al
montaje y no proviene de una fuente visible de la película. La mayor parte de la
música de cine es incidental.
Una de las técnicas más utilizadas por la música incidental es el leitmotiv. A
cada personaje se le atribuye un tema musical que suena, con variaciones
según las características de la escena, cada vez que aparece el personaje. El
creador de esta técnica, más antigua que la invención del cine, fue el
compositor Richard Wagner (1813-1883), que la utilizó en sus dramas
musicales1 para evocar un personaje, emoción u objeto.
Según la relación de la música con el lenguaje visual, la música puede ser:
a) Música convergente o empática: se relaciona de forma directa con el
sentimiento o ambiente sugerido por la escena de la película o los personajes.
1 Drama musical: Wagner concedió a sus óperas la idea de “obras de arte completas” donde fusionaba
todas las artes (música, poesía, pintura…). Solían ser obras de muy larga duración. Fueron los llamados, “dramas musicales”.
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b) Música divergente o no empática: contrasta con el efecto sugerido por las
imágenes provocando una emoción opuesta o contraria. Por ejemplo, una
música agradable para una escena tensa o al revés, una música inquietante
para una escena relajada.
Esta clasificación asume la identificación de ciertos códigos que nos permiten
relacionar ciertos tipos de música con determinados sentimientos. No tiene por qué
ser común a otras culturas con diferentes sensibilidades o tradiciones.
Según la ubicación de la música en el montaje:
a) Bloque genérico: fragmento musical de entrada o salida que acompaña a
los títulos de crédito iniciales y finales
b) Bloque secuencia: fragmento que coincide con el desarrollo de una
secuencia.
c) Bloque de transición: fragmento musical que se utiliza como nexo de unión
entre una secuencia y otra.
Toda la música de una banda sonora se estructura en bloques o fragmentos musicales
debidamente numerados (ver punto 7.2) y con las indicaciones exactas de tiempo. Los
bloques musicales pueden dividirse a su vez en temas que, según su importancia
reciben la denominación de tema central, principal, secundario, contratema, etc.
Según el nivel de volumen dado a los distintos elementos sonoros, la música puede
situarse en:
a) Primer plano: la música de ambientación destaca claramente porque
actúa de forma única sobre la imagen o porque lo hace a un nivel de
volumen superior al resto de los elementos sonoros.
b) Plano secundario: es música “de fondo”, a un volumen inferior al resto
de los elementos sonoros.
También se puede diferenciar la música en función de si es original, es decir,
compuesta para la película, o se trata de un tema compuesto con anterioridad con otra
finalidad.
Un director reconocido por su maestría a la hora de incorporar música
compuesta con anterioridad en sus películas es Stanley Kubrick. Es el caso de “El
Danubio azul” de Johann Strauss hijo, que forma parte de la banda sonora de la
película “2001: una odisea en el espacio” o la “Novena Sinfonía” de Beethoven, que
escuchamos en “La naranja mecánica”.
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4. Historia del cine sonoro Curiosidad -EL NACIMIENTO DEL CINE- El cinematógrafo fue inventado por los hermanos Louis y Auguste Lumière. La primera exhibición pública fue el 28 de diciembre de 1985 en París con las proyecciones tituladas “Salida de obreros de la fábrica” y “El regador regado”. En España el pionero fue Eduardo Jimeno, grabando en 1896 la “Salida de misa de doce del Pilar”.
4.1. Los inicios
En un principio, para acompañar las proyecciones cinematográficas se
seleccionaban fragmentos de música clásica. Así, en distintos momentos se podía escuchar música de Mozart, Beethoven, Chopin, Wagner, etc. que se interpretaba cuando se consideraba apropiada a las escenas de emoción, alegría, drama que aparecían en las películas.
Uno de los problemas que tenía la música que acompañaba a las primeras películas mudas era que carecía de una relación directa con el film que se representaba, ya que en la mayoría de los casos o se empleaba una música prexistente, seleccionada del repertorio clásico, o se realizaba una música estandarizada para acompañar ciertas secuencias.
Existían una serie de tópicos para la música que se incorporaba en algunas escenas: por ejemplo, si la escena trataba de una boda se escuchaba la Marcha nupcial de Mendelssohn o la de Wagner: la Marcha fúnebre de Chopin para los entierros o escenas fúnebres; la Canción de cuna de Brahms cuando había algún personaje dormido; redobles de timbal para escenas de muerte, de ejecuciones, etc.
Sin embargo, debido por una parte a que muchos de los músicos que intervenían en estas salas no estaban preparados para enfrentarse a las dificultades técnicas que presentaban estas partituras clásicas y, por otra, debido a que en ciertos momentos de la película se hacía necesario interrumpir la partitura para tocar algo que estuviera más acorde con las escenas que aparecían en la película, hizo que naciera la idea entre varios compositores de crear una especie de fragmentos patrones que mantuvieran la trama de la película.
La música de repertorio, en la que se indicaba el tipo de escena al que podía ajustarse o el clima emocional que podía generar, se clasificaba por géneros (películas del Oeste, de piratas, melodramas, comedias…) y por situaciones (carreras, caídas, choques, besos de amor, escenas de marineros, música para una batalla, música de hadas, música lastimosa…). Gracias a la música de repertorio, las escenas de cine mudo cobraban vida y provocaban la risa, la diversión y el aplauso de los primeros espectadores.
Curiosidad -NUEVAS ESTRELLAS DEL CINE- Estrellas del cine mudo como Gloria Swanson o Buster Keaton desaparecieron de la pantalla con la llegada del cine sonoro. Sólo unos pocos como Charlie Chaplin o el dúo cómico Stan Laurel y Olivier Hardy, pudieron mantenerse en el cine mudo como en el sonoro, que buscó nuevas estrellas en el teatro musical y el vodevil.
4.2. Música de nueva creación para bandas sonoras
Los primeros intentos de realizar composiciones pensadas, creadas y destinadas a una determinada película los realizaron dos compositores procedentes de la música clásica: C. Saint-Saëns (El asesinato del duque de Guisa) y M. Ivanov (Stenza Razin).
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Podemos decir que 1908 es el año del nacimiento de la música escrita con carácter cinematográfico, cronometrada en función de la duración de las secuencias y ambientadora de las escenas. La partitura de la banda sonora viajaba junto a las latas de celuloide para que el pianista local la hiciese sonar durante la proyección.
4.3. El nacimiento del cine sonoro
Cuando en 1926 la productora americana Warner Brothers introduce el sistema
sonoro (Vitaphone) que permitía la grabación de las bandas sonoras musicales y los
textos hablados en grandes discos que se sincronizaban con la acción de la pantalla y,
sobre todo, cuando en 1931 surge un nuevo sistema (Movietone) que permite grabar
el sonido directamente en la película, en una banda lateral, hace que el cine sonoro
pase a convertirse en un fenómeno social, donde la música se convierte en un
elemento inseparable de la película.
La primera película sonorizada es El cantante de jazz en el año 1927 y, aunque
básicamente es muda, incorpora algunos pasajes hablados y cantados. Utilizó el
sistema Vitaphone.
Curiosidad - PELÍCULAS ACELERADAS– La grabación del sonido junto con la imagen obligó a cambiar la velocidad de proyección de la cinta, pasando de 16 fotogramas por segundo a 24. Por esto, las películas mudas proyectadas en aparatos sonoros convencionales resultan aceleradas.
4.4. La década de los 30
Las películas sonoras se convirtieron en un fenómeno social de gran éxito. Es la
época de los grandes compositores sinfónicos de cine. Muchos de estos músicos
llegaron a América provenientes de toda Europa, huyendo de la Alemania nazi de
Hitler. Estos músicos se inspiraban en los grandes compositores del repertorio clásico,
especialmente del Romanticismo (Wagner, Tchaikovsky, Puccini, etc.)
Uno de los primeros éxitos de esa época fueron las composiciones de Max
Steiner, músico vienés, para la película King Kong (1933) y Lo que el viento se llevó
(1939). En ellas se introdujo, por primera vez, música de fondo, es decir, que no
provenía de ningún lugar visible de la pantalla ni formaba parte de la acción dramática
(música incidental). Otra novedad que introdujo fue el uso del leitmotiv.
La música era de estilo sinfónico, romántico o impresionista. Era una música
fundamentalmente tonal, que se ajustaba como anillo al dedo a la expresión de las
emociones del melodrama. Este tipo de música se denominaría con el tiempo “estilo
clásico de Hollywood”.
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4.5. La década de los 40 y 50
Los años 40 se conocen como la época dorada del cine en Hollywood, con una
etapa de madurez tanto en el plano técnico (relativo al montaje y la fotografía), como
en el plano musical. Las bandas sonoras adquieren gran perfección.
Un ejemplo del cambio técnico con respecto a la década de los 30 es que las
películas anteriores contaban con una sola parte sonora que contenía al mismo tiempo
el ruido ambiental, los diálogos y la música. Esto tenía el inconveniente de que algunas
de estas películas al ser dobladas para cambiarlas de idioma, modificaban también la
música.
En este momento, gracias a los avances técnicos, esto se soluciona con la
utilización de una pista con tres bandas sonoras que contiene el ruido ambiental, la
música y los diálogos en versión original.
También el compositor suele asistir al rodaje y tiene conocimiento del guion de
la película, por lo tanto escribe su música inspirado en los acontecimientos que
tendrán lugar en el film.
Compositores más destacados en este periodo
Bernard Herrmann
Es uno de los mejores compositores de la historia del cine. Sus composiciones se
caracterizan por:
Modernizar el lenguaje musical cinematográfico
Utilizar los instrumentos de la orquesta de forma innovadora
Acercar al gran público sonoridades diferentes
La primera película a la que puso música fue Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles
En 1941 recibió su primer Óscar por la música de la película All that money can
buy. Las colaboraciones en las películas de Hichtcock también le han dado fama
mundial (Vértigo en 1958, Con la muerte en los talones en 1959 , Psicosis en 1960…)
http://www.youtube.com/watch?v=226TtyMrJH8 (vídeo sobre la figura de
Herrmann)
Alfred Newman
Fue el responsable del departamento de música de la productora
cinematográfica Fox durante más de veinte años. Desde 1934 hasta 1956 estuvo
nominado todos los años al Oscar y, en algunos casos, en más de una película.
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Compuso la música de casi doscientos filmes. Algunos de ellos fueron: Cumbres
borrascosas (1929), Las uvas de la ira (1940), La conquista del Oeste (1962).
Posteriormente aparece el cinemascope, un sistema para combatir la creciente
popularidad de la televisión que proporcionaba una pantalla más amplia y un mayor
uso del color. En el aspecto musical, como novedad en los 50, se comienzan a utilizar
partituras inspiradas en la música de jazz, por contraposición a la época anterior,
donde la música se inspiraba fundamentalmente en los clásicos y en la música popular.
El primer músico en incorporarlo en una banda sonora fue Alex North en Un
tranvía llamado deseo, pero el compositor que más lo evoluciona en este tipo de
música es Elmer Berstein, que aplica su estilo de la misma manera a westerns,
comedias o películas de terror (El hombre del brazo de oro, Los diez mandamientos, La
gran evasión, Los cazafantasmas…)
La presencia de estilos musicales más cercanos al público elevó el interés por la
música de las películas. Los estudios aprovecharon ese interés para animar a los
compositores a escribir temas vendibles, melodías y canciones que pudieran editarse
posteriormente en disco.
Otro aspecto destacado de los 50 es que se implantó la costumbre de crear una
canción para los títulos de crédito iniciales. En muchos casos la banda sonora de la
película era construida sobre la base de esa melodía.
4.6. La década de los 60.
A partir de esta época vivimos una situación permanente de innovación y
cambio.
El comienzo de esta década está dominado por los grandes espectáculos
cinematográficos (Espartaco, Éxodo…)
Por otro lado, frente a las películas con grandes páginas orquestales, se impone
une tipo de película donde la música está en función del gusto del público. Uno de los
primeros compositores que emplea este estilo de música en sus películas es Henry
Mancini con la película Desayuno con diamantes (1961).
En su música presenta las siguientes innovaciones, algunas de las cuales se
vislumbraban ya en la etapa anterior:
Incorporación de varios temas que se popularizan al margen del éxito de la
película.
Empleo de instrumentos electrónicos además de los tradicionales
A veces, aparece un mismo tema musical varias veces a lo largo de la película,
incluso sin tener relación sobre la imagen que está proyectada.
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Utilización de fragmentos de carácter atonal con una orquestación especial que
contribuirán a crear un clima de misterio, que finaliza bruscamente al cesar la
música.
Otras películas a las que H. Mancini ha puesto música son: La pantera rosa,
Charada, Doctor Zhivago, Víctor o Victoria…
En 1968 hay una crisis en el cine que se manifiesta claramente en la música que
se compone para las películas. Ello tiene como consecuencia el que se prescinde de la
banda sonora o bien ésta es sustituida por canciones de moda o por temas musicales
que no tienen relación con las imágenes de la película. Esta situación viene dada por
tres factores principalmente:
El surgimiento de nuevos fenómenos musicales como Elvis Presley o The
Beatles, que sacuden todo el panorama musical.
La declaración de la Guerra de Vietnam que conmociona a la sociedad de la
época y que sitúa a los jóvenes a la cabeza de un movimiento de rechazo
activo (crisis estudiantil del 68)
La aparición de cantautores con temas musicales de carácter pacifista que,
como Bob Dylan, “usan” la música para convertirse en abanderados de una
causa contra la situación belicista que se vivía en aquellos momentos.
Un ejemplo de aplicación de este tipo de música en el cine lo encontramos
en la película El graduado (1967), con temas de Simon y Garfunkel.
4.7. La década de los 70
Si la década anterior dio un gran giro al concepto tradicional de banda sonora
incluyendo canciones de moda empleando un estilo folk o pop, en los años 70 surgirá
uno de los compositores más importantes de toda la historia del cine, John Williams,
que con la banda sonora de la película La guerra de las galaxias conseguirá, no sólo
reimplantar el estilo de crear música de películas sinfónica, olvidado en la década
anterior, sino ser un referente para todas las generaciones posteriores. Otras películas
en las que ha trabajado son En busca del arca perdida, El Retorno del jedi, Tiburón,
Superman, E.T., Encuentros en la tercera fase, Indiana Jones, Parque Jurásico o La lista
de Schlinder.
4.8. La década de los 80
Distintas tendencias musicales conviven en la música de este periodo.
Se mantienen las bandas sonoras basadas en música sinfónica
Se incorpora la utilización de sintetizadores y de música electrónica, como
influencia de las nuevas corrientes musicales.
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Como ejemplo de compositor que sigue la estela de John Williams se encuentra
Jerry Goldsmith con bandas sonoras originales de títulos como La profecía, Gremlins, El
planeta de los simios, Alien o Poltergeist.
Un compositor referencia en el uso de sintetizadores es Vangelis, que en 1981
obtuvo un gran éxito con la banda sonora de la película Carros de fuego.
4.9. La década de los 90
Se fomenta la tendencia de incluir canciones comerciales interpretadas por
grupos de moda del momento como reclamo comercial de las películas hasta el punto
de en ocasiones, dar lugar a una doble banda sonora, la que crean estas canciones (a
veces auténticos videoclips insertados en medio de la película) y la que se escribe
especialmente para cada escena.
Una de las películas que más se benefició de esta política fue Cuatro bodas y un
funeral, una discreta producción cinematográfica de la que no cesaban de hablar en la
radio debido a su magnífica recopilación de canciones.
No obstante, la música original compuesta para una película no decae, al
contrario, además de los ya mencionados John Williams (La lista de Schlinder) y Jerry
Goldsmith (Instinto básico), otros compositores realizan estupendos trabajos en esta
línea: John Barry (Bailando con lobos), James Horner (Titanic, Braveheart).
Desde el punto de vista técnico, los avances en las técnicas de audio, con la
llegada del sistema Dolby estéreo al cine, permiten dotar al sonido de una calidad y de
unos matices hasta ese momento inimaginables.
4.10. El nuevo milenio
Llegados a los cien años de cine, el procedimiento basado en la fotoquímica se
alía con las nuevas tecnologías electrónicas y de los estudios salen películas donde el
ordenador ha tenido mucho que ver en el proceso de obtención y manipulación de las
imágenes. Hombres de carne y hueso transformándose en hombres cibernéticos,
dinosaurios paseándose en pleno siglo XX, protagonistas dando la mano a personajes
muertos hace décadas…son una buena muestra de ello.
Entre los grandes compositores de bandas sonoras sigue destacado John
Williams q sigue poniendo música a las películas de Steven Spielberg (La guerra de los
mundos). Otros son Hans Zimmer (Gladiator) y Howard Shore (trilogía de El señor de
los anillos, del director Peter Jackson)
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5. Cine europeo y compositores españoles
En Europa, antes de la década de los 50 únicamente destaca Rusia, donde el cine
es considerado un arte nacional. Por eso, no es de extrañar que muchos compositores
clásicos como Prokofiev y sobretodo Shostakovich, compongan música para películas
rusas.
En el resto del continente europeo encontramos a partir de la década de los 60 y hasta
nuestros días grandes compositores europeos.
En Italia destaca Nino Rota con trabajos para películas como El padrino o Romeo
y Julieta y sobretodo, Ennio Morricone que compuso música para el género
espaguetti-western incluyendo gritos y silbidos como fuentes sonoras consiguiendo
efectos muy peculiares, policíaco, de terror, etc. (El bueno, el feo y el malo, La
Misión…)
En Francia destacan Francis Lai (Love Story) y Maurice Jarré (Lawrence de
Arabia).
En el Reino Unido destacan entre otros el mencionado John Barry (Memorias de
África) y Michael Nymann (El Piano).
En España, las dos últimas décadas del siglo XX han visto aparecer numerosos
compositores de gran talento.
José Nieto: Es uno de los compositores más importantes de nuestro cine.
Destacan las B.S. de películas como El bosque animado, El rey pasmado, El
maestro de esgrima, Días contados, El perro del hortelano, etc.
Alberto Iglesias: de proyección internacional. Colaboró con Julio Medem
en La ardilla roja, Los amantes del círculo polar, Lucía y el sexo, entre otras.
Posteriormente, trabajó con Pedro Almodóvar en Todo sobre mi madre,
Hable con ella, La piel que habito…
Roque Baños: ha sido el encargado de hacer la música de algunas de las
películas más comerciales del cine español. Son suyas las bandas sonoras
de Torrente, el brazo tonto de la ley, La comunidad, El corazón del
guerrero, Segunda piel
Curiosidad: GOYA A LA MEJOR B.S.O. – 2001 Alberto Iglesias “Lucía y el sexo”; 2002 Alberto Iglesias “Hable con ella”; 2003 Juan Bardem “Al sur de Granada”; 2004 Alejandro Amenábar “Mar adentro”; 2005 J.A.Leyva & D.Abad & K.Ferrer” Habana Blues”; 2006 Alberto Iglesias” Volver”; 2007 Roque Baños “Las trece rosas”; 2008 Roque Baños “Los crímenes de Oxford”; 2009 Alberto Iglesias “Los abrazos rotos”; 2010 Alberto Iglesias “También la lluvia”; 2011 Alberto Iglesias” La piel que habito”.
6. El musical Se trata de un género nacido en Estados Unidos hacia la primera mitad del siglo
XX y desarrollado sobretodo en los teatros de Broadway en Nueva York. Básicamente
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es una producción teatral en la que se combinan canciones interpretadas por coros
con acompañamientos instrumentales y en las que aparecen, en ocasiones, danzas y
bailes, en un principio bajo argumento dramático.
Este género se extrapoló al cine dando lugar a las películas musicales. Estas
utilizan canciones y bailes como parte del guion para intensificar o resaltar
determinados momentos de la historia.
El musical más popular de todos los tiempos es Cantando bajo la lluvia (1952),
con Gene Kelly. Otros famosos fueron West Side Story, Sonrisas y lágrimas y Grease.
Las interpretaciones de las canciones y bailes constituían el principal atractivo de estas
películas.
De unos años a esta parte Hollywood ha vuelto a interesarse por los musicales.
Fruto de ello son los éxitos conseguidos con películas como Moulin Rouge, Chicago,
Hairspray o Los dos lados de la cama, esta última española.
7. ¿Cómo se compone la música para una película? Cuando el compositor se enfrenta a la labor de componer la música para una
película, debe tener en cuenta algunos factores. La música tiene que crear la
atmósfera más adecuada para cada tiempo y lugar. También debe subrayar aspectos
no expresados en las imágenes y así influir en las emociones del espectador. Tiene que
servir además como fondo neutro de algunas secuencias (pasajes vacíos entre
conversaciones, es decir, la música que pasa inadvertida, en segundo plano). Por
último, tendrá que dar continuidad a la película enlazando escenas inconexas en
principio.
7.1. Procedimiento
Cada compositor tiene una manera de trabajar. Algunas de las situaciones que se
suelen dar son las siguientes:
1.- La música es encargada en su totalidad a un compositor. Esto hace que este
se implique en mayor medida ya que la responsabilidad recae totalmente en él. Es el
procedimiento más deseado ya que al tratarse de música de nueva creación está
sujeta a posibles modificaciones en función del guion.
2.- Cuando la banda sonora incluye única y exclusivamente música pregrabada,
es decir, de otros compositores. En este caso, el responsable de la banda sonora
intentará conseguir una perfecta conexión entre los distintos tipos de música que se
utilizan.
Música 4º ESO [ curso 2014-2015]
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3.- Cuando se combinan las dos opciones anteriores. En este caso el compositor
procurará una armonización entre los temas ya compuestos y la música de nueva
creación.
7.2. Recorrido de la música
El compositor puede realizar su tarea cuando la película está ya montada o
antes. Debe estudiar inicialmente con el director los elementos más característicos que
van a aparecer en la película, contenidos del argumento e incluso aquellos elementos
que, aunque no estén presentes de forma visual, deben encontrar su representación a
través del sonido.
Después, en colaboración con el director, elabora un guion en el que se sitúan de
forma temporal las distintas intervenciones musicales que tiene que servir de apoyo a
las secuencias cinematográficas. De esta forma se determina el número de bloques
musicales para, posteriormente fijar la duración de cada plano y con ello la de cada
secuencia. Allí se establece la continuidad de la acción, la tensión y el ritmo de las
secuencias.
A continuación el compositor presta especial atención a la configuración
melódica, armónica, la elección de los instrumentos, etc. Que permiten transmitir
sutilmente al espectador datos sobre los personajes y todos los aspectos de las
imágenes. Elegirá los elementos musicales que provoquen la respuesta emocional del
espectador deseada.
Finalmente se graba en estudio los bloques musicales para terminar con la
realización de las mezclas en los estudios y su posterior incorporación a las imágenes.
7.3. Sistemas reproductores
La magnífica sonoridad de la sala de cine se debe a distintos sistemas de
reproducción sonora. Dos de ellos son:
1. El sistema Estereofónico: permite la distribución de los sonidos, no sólo de
izquierda a derecha del espectador, sino que permite situarlos de menor a
mayor distancia del mismo, aunque siempre en sentido frontal, mediante el
uso de diferentes tipos de reverberación. Así se consigue un sonido más
consistente, profundo y con la dirección deseada de tal forma que parece que
la música proviene de la izquierda, de la derecha y del centro.
2. El sistema Dolby estéreo con canal surround: se trata de un sistema de sonido
circular mediante la utilización de cuatro o más altavoces y canales para recrear
Música 4º ESO [ curso 2014-2015]
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un sonido envolvente con todo tipo de sonidos ambientales que permiten
situarlos hasta detrás del espectador creando la sensación auditiva en el
espectador de encontrarse dentro de la escena que visualiza.
Ejercicios 1.- Escucha la música de este enlace e intenta anotar el nombre de las películas que
reconozcas escuchando únicamente su banda sonora.
http://www.youtube.com/watch?v=ZCHNdsVMdDc
2.- Realiza una tabla con tres columnas de manera cronológica utilizando la información del
tema:
Compositor BSO de la/s película/s Se destaca por:
3.- Completa las siguientes frases:
a) En los primeros años del cine mudo, la proyección de las películas se acompañaba por…
b) El cine sonoro nace en el año…con la película…
c) La banda sonora de una película está compuesta por los siguientes elementos sonoros:…
d) Entre las diversas funciones que cumple la música en el cine podríamos citar:…
e) Entre los compositores de música cinematográfica podríamos destacar…
f) El musical es una película creada entorno a la música que se caracteriza por…
g) Además de la música original compuesta para la película, el cine también utiliza música
prestadas tomadas de…
h) Entre los principales ejemplos de utilización de música clásica en el cine destacan…
i) Entre los principales ejemplos de utilización de música popular en el cine destacan…
4.- En la escena de la película de Psicosis podemos diferenciar dos partes muy claras:
1ª. Cuando el asesino se acerca a la ducha y apuñala a la mujer.
2ª. El asesino se marcha y la mujer empieza a desvanecerse poco a poco hasta morir.
Observa que las dos partes están muy definidas por la música empleada en cada una.
¿Qué sonidos predominan en cada una? ¿Qué sensaciones nos produce?
5.- Relaciona cada compositor con la banda sonora:
Michael Nyman Psicosis
Roque Baños Tiburón
Bernard Herrmann Lo que el viento se llevó
Max Steiner El Piano
John Williams Torrente, el brazo tonto de la ley
6.- Tus tres películas favoritas. Investiga sobre ellas y averigua el nombre del director y del
compositor que haya participado en ellas. Comenta si la música de esas películas tiene algo
en común en cuanto a estilo, instrumentos, etc.