CARLOS CRUZ DIEZ

Carlos Cruz-Diez (Caracas, 17 de agosto de 1923) Es un artista plástico venezolano, uno de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial, vive y trabaja en París desde 1960. Su investigación ha aportado al arte una nueva forma de conocimiento sobre el fenómeno del color, ampliando considerablemente su universo perceptivo. Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello (OAB). En el 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation dedicada a la conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual.

Cruz-Diez propone concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio real sin ayuda de la forma o necesidad de soporte. Su trabajo abarca ocho investigaciones: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espace.

En 1940 estudia en la Escuela de Bellas Artes de Caracas donde obtiene el diploma de profesor de Artes Aplicadas. Para 1944 trabaja como diseñador gráfico de la Creole Petroleum Corporation aunque también ilustra otras publicaciones y realiza comics para diversos periódicos venezolanos. Asimismo, fue director creativo de la agencia publicitaria McCann-Erickson Venezuela (1946) e ilustrador del periódico El Nacional (1953). En 1957, después de breves viajes a Nueva York y París (donde visita la exposición de 1955 Le Mouvement en la Galerie Denise Réne), funda el Estudio de Artes Visuales, dedicado al diseño gráfico e industrial. En 1959, un año antes de instalarse definitivamente en París con su familia, realiza su primer Couleur Additive y Physichromie. Para 1961 participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam donde también colaboraron artistas como Allan Kaprow, Alexander Calder, Moholy-Nagy, Robert Rauschenberg, Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Victor Vasarely, entre otros. En 1965 lo nombran Asesor en el Centro Cultural Noroit, en Arras, Francia y este mismo año participa en The Responsive Eye en el Museum of Modern Art de Nueva York, exposición que supone la consagración oficial del arte cinético.

De 1972 a 1973, Cruz-Diez ejerce como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París. Entre 1986 y 1993 es profesor titular del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas. En 1989 se publica en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color, basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una

"realidad autónoma en continua mutación". Para 1997 es nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, que tiene como objetivo estudiar, difundir, coleccionar y conservar el trabajo de diseñadores y artistas gráficos nacionales e internacionales relacionados a la estampa y el diseño. En el 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation dedicada a la conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual. En el 2008, dos años antes del 50 aniversario de su llegada a París, Cruz-Diez adquiere la nacionalidad francesa. Para el 2011 inaugura su mayor exposición retrospectiva “Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time” en el Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston en Estados Unidos y en el 2012 recibe el grado de Oficial del Ordre national de la Légion d’honneur.

Su obra forma parte de las colecciones permanentes de museos tales como: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York; Tate Modern, Londres; Centre Georges Pompidou, París; Museum of Fine Arts, Houston; Wallraf-Richartz Museum, Colonia; Musée d’Art Moderne de la Ville de París, entre otros.

JESUS SOTO

Jesús Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 5 de junio de 1923 - París, Venezuela, 14 de enero de 2005)1 2 fue un artista venezolano, figura importante del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.

Estudió en la Escuela de Arte en Caracas, donde conoce a Carlos Cruz Diez y Alejandro Otero. Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.

Soto fue particularmente famoso por sus "penetrables" esculturas dentro de las cuales, las personas pueden caminar e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable del observador, sólo puede estar completo con la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación.

Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto. “La Esfera Caracas”, se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.

En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en 1973.

Esfera Caracas (1974), instalada en 1996 en la Autopista Francisco Fajardo de Caracas.

En el París de la década de los años 50, no se hablaba de geometría ni de constructivismo ni de abstracción geométrica. En esa época interesaba la abstracción lírica o la pintura gestual. En una encuesta que se realizó en el mes de junio de 1950 sobre: ¿Cuál era el pintor más importante para los jóvenes artistas? La mayoría manifestó el interés por Kandinski y Klee. Tenían gran repercusión las pinturas y el libro de Kandinsky De lo espiritual en el Arte (1912), así como las enseñanzas y las obras de Paul Klee.

Igualmente, el reciente lanzamiento del joven pintor Bernard Buffet, de 22 años, era de una gran actualidad; Buffet era un artista figurativo de bodegones y de figuras alargadas y esqueléticas que reflejaban imágenes de la posguerra. Artista lanzado al mundo del arte por un hábil marchante de cuadros para hacerle

frente a la abstracción lírica y gestual. Era el artista que todas las galerías deseaban exponer. El crítico de arte Michel Tapié publicó el libro Art autre (Arte Otro). El Arte Informal y gestual dominaba la escena artística parisina, siendo una de sus estrellas el francés Georges Mathieu.

En Rusia la vanguardia artística de comienzos de siglos veinte y el Manifiesto Realista de Naum Gabo y de Pevsner, donde se empleó por primera vez la palabra cinética, se comentaba poco. Había un gran vacío, muchos artistas habían emigrado a los Estados Unidos, sobre todo a la ciudad de Nueva York. En la década de 1920, Marcel Duchamp realizó los Ready- mades y obras con movimientos. Piet Mondrian, quien vivía en esta ciudad desde 1940, continuaba en sus búsquedas, muere en 1944. Europa tenía muy reciente el recuerdo de la guerra, y sobre todo el holocausto. Muchos artistas querían hacer una pintura libre y que se alejara de la figuración. Obras de gestos, manchas y texturas su amigo de toda la vida José Ramón García oriundo de la ciudad de Maturín hijo de la ilustre doña María, lo acompañó en todos sus viajes por el mundo.

Los conceptos de la Bauhaus, el Stijl, la obra de Kasimir Malévich, Mondrian, y el arte geométrico, a los artistas en su mayoría no les interesaba, a pesar de las experiencias del Grupo y de la revista Círculo y Cuadrado(1930) de Abstraction-Création (1931) donde habían estado el uruguayo Joaquín Torres García, Kandinsky, Pevsner y muchos otros. Los pintores Victor Vasarely y Augusto Herbin hacían sus experiencias en el arte geométrico. La Galería Denise René inaugurada en 1944, mostraba las primeras obras de Vasarely y de otros artistas abstractos geométricos, o la Academia de arte abstracto donde los pintores Dewasne y Pillet (década de los 50) enseñaban nuevas búsquedas y la utilización de modernos materiales, como la formica y el plexiglás. El Grupo Madi formado por latinoamericanos como el uruguayo Carmelo Arden Quin, el argentino Gyula Kosice -quien lo bautizó- y el venezolano Luis Guevara Moreno y otros, habían roto con el formato rectangular o cuadrado, y donde había obras transformables y formas abstractas geométricas.

“Los Disidentes”, a finales de la década de los 40, y más tarde Soto van a estudiar las obras y planteamientos de Piet Mondrian, De Stijl, La Bauhaus, Malevich, Molí-Nagy, Gabo y Pevsner.

En París, el grupo “Los Disidentes” con planteamientos abstractos geométricos, formado por los artistas: Alejandro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, Luis Guevara Moreno, Perán Erminy, Rubén Núñez, Aimée Battistini y otros. Ellos habían tomado una posición crítica hacia el arte figurativo que se realizaba en ese momento en Venezuela. Su no rotundo a la pintura tradicional, no a la Escuela de Artes Plásticas, no a los falsos salones de Arte Oficial(...) Éste

grupo optó por la tendencia de la abstracción geométrica. Algunos habían regresado a Venezuela, y se dedicaron a trabajar en la integración del arte en la Ciudad Universitaria y en otros edificios públicos.

En esa atmósfera llega a París Jesús Rafael Soto, pero él, así como muchos otros artistas venezolanos tenían frescas en sus memorias las enseñanzas de Antonio Edmundo Monsanto (1890-1948) quien, había sido director de la Escuela de Artes de Caracas. Él, les había sensibilizado con los planteamientos de Paúl Cezanne, que todo “se reduce al cubo, al cono y al cilindro” Conocían las obras de Mondrian, Picasso, Braque y el cubismo por litografías. El maestro Soto se decepciona de lo que se estaba haciendo en París y aprovecha que un amigo va con su carro para Ámsterdam y parte al encuentro de las obras de Van Gogh y de Mondrian.

Las interrogantes de ese joven artista de 27 años, aún con el fresco recuerdo de Maracaibo y, con una obra con influencias Cezaniana. Soto va a comenzar a trabajar a partir de Mondrian, Malévich y a reunirse con artistas como Tinguely, Calder, Vasarely. Estos creadores tenían un gran interés por el movimiento real o virtual. Los artistas empleaban materiales extra-pictóricos, como plásticos, metal, alambres, motores, etc. Al comienzo del siglo XX, los constructivistas Rusos y en especial Vladímir Tatlin y Naun Gabo, Moholy-Nagy, Antoine Pevsner, habían utilizado estos materiales en sus creaciones plásticas.

Todavía en la década de los 60 ciertos artistas latinoamericanos decían: “Soto lo que hace es: rayitas”. Él calladamente, como un monje Zen, inmutable, concentrado en sus búsquedas, estudiando y planteándose ideas nuevas, buscando nuevas salidas a sus planteamientos plásticos. Tocando guitarra, para vivir y poder hacer su obra y dando a conocer la música venezolana y de otros países de América del Sur.

El efecto Muaré siempre había estado en la naturaleza; él observó como se producía en su obra, esto va a ser un descubrimiento para el maestro Soto. Lo que él llamo “visión del movimiento”; ahí, probando sobre dos superficies una de madera rayada y otra rayada en una superficie de plexiglás, o con tres de plexiglás, acercándola y alejándolas, colocándolas a 6-10-15-20 o más centímetros observó como se movían por desplazamiento del espectador. Pronto las líneas se movieron y así nacen muchas obras entre ellas “Espiral” o “La cajita para Villanueva” y más tarde “Los penetrables” y un sin número de obras, de diferente formatos y colores. La participación en la exposición “Movimiento” en el año 1955, donde están presentes los artistas: Alexander Calder, Bury, Tinguely, Duchamp, Agam, Jacobsen, Vasarely en la Galería Denise René. Con esa constancia, con esa voluntad apolínea, con esa gran sensibilidad desarrolló su

obra, con serenidad, humildad e investigación, convirtiéndose en uno de los creadores plásticos más importante del siglo XX, y hoy cuando apenas comenzamos el siglo XXI, nos daremos cuenta con los años de la importancia de su creación y, del gran aporte al arte universal. El maestro Jesús Rafael Soto es uno de los más trascendentales artistas del Siglo XX.

Jesús Soto, falleció a los 81 años de edad, en su residencia en París, el 14 de enero de 2005. Había decidido que su tumba estaría en el cementerio Montparnasse, lejos de los caudalosos ríos que lo vieron nacer y que le dieron su carácter de artista, y donde aprendió los primeros acordes de guitarra, su fiel compañera en los bulevares parisinos, donde se ganó la vida como payador y dejó su recuerdo inextinguible.

FELIPE TABORDA

Diseñador gráfico nacido en Río de Janeiro, Brasil, en 1956. Se formó en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro y estudió cine y fotografía en el London International Film School, de Reino Unido, Artes de la Comunicación en el New York Institute of Technology y Diseño Gráfico en la School of Visuals Arts., también en Estados Unidos. Es catedrático de la Pontificia Universidad Católica y de la Universidad, ambos centros de Río de Janeiro. Además, desde 1990 tiene su propio estudio y trabaja principalmente en el área cultural, editorial y fotográfica.

Ha tenido a su cargo proyectos como la coordinación y edición de Brasil Designs, un número especial de la revista norteamericana Print, y la proyección y curadoría del evento ‘30 carteles para el Medio Ambiente y el Desarrollo', durante la Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro de 1992. Por otro lado, ha tenido ha desarrollado la conceptualización y curadoría de A Imagem do Som, un proyecto que rinde homenaje a los principales compositores brasileños, a través de la creación visual de artistas contemporáneos. En este sentido, es el único diseñador latinoamericano invitado por la editorial Taschen, una de las más prestigiosas del mundo, a participar en la publicación Graphic Design for the 21 st Century - 100 of the World´s Best Graphic Designers (Diseño Gráfico para el Siglo XXI- 100 de los mejores Diseñadores Gráficos del Mundo) y también en World Graphic Design, editado por Merrell Publishers (Inglaterra). Por otro lado, posteriormente, se ha ocupado junto con Julius Wiedemann de la elaboración del primer volumen de Taschen sobre el ‘Diseño Gráfico de Latinoamérica' (2008) de difusión global (reportaje en Diseño Iberoamericano). Gráfica chilena En el libro, Taborda seleccionó los trabajos de los diseñadores chilenos Vicente Larrea, Leonardo Ahumada, Cristián González Saiz, Dany Berczeller, Julián Naranjo, Juan Pablo Rioseco y Constanza Gaggero. Además incorporó en la selección a la oficina Tesis DG, el grupo Oxígeno y Pozo Marcic Ensemble. La publicación, lanzada al mercado a principios de este mes, pretende demostrar que en Latinoamérica existe un muy buen nivel de diseño y que las empresas no tienen ni deben pretender buscar soluciones gráficas en Estados Unidos o Europa. Este argumento, junto a otras opiniones sobre las tendencias y el estado actual del diseño gráfico mundial fueron parte de la charla durante su visita. Paseo taborda

La venida de Taborda a Concepción es fruto de una amistad fraguada entre la institución y el diseñador durante su primera visita a la ciudad en 2006, cuando participó como jurado en un concurso de diseño organizado en la época para los alumnos de la sede. Desde entonces los vínculos se mantienen intactos. Frase de Felipe Un diseñador se debe nutrir de cultura, la cultura general es importante

para percibir todas las cosas. No hay nada más aburrido que un diseñador que sólo habla de diseño”. Diseños El diseñador brasileño Felipe Taborda ha destacado por hacer afiches con diseños sociales, como es el caso de aquel sobre la lucha contra el aborto, el que le valió ser el único latinoamericano incluido en los libros “Graphic Design for the 21st Century” y “World Graphic Design”.estos algunos Carteles para la concienciación social. Que es diseño Podemos definir el diseño gráfico como el proceso de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y organizar una serie de elementos para producir objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. La función principal del diseño gráfico será entonces transmitir una información determinada por medio de composiciones gráficas, que se hacen llegar al público destinatario a través de diferentes soportes, como folletos, carteles, trípticos

SANTIAGO POL

Diseñador gráfico y pintor. En 1957 se traslada con su familia a Caracas, donde estudia en la Escuela Cristóbal Rojas entre 1962 y 1964. A partir de 1961 se dedica a la pintura, explorando el expresionismo figurativo, influenciado por su participación en el Círculo Pez Dorado, donde realiza su primera individual de dibujos y pinturas y forma parte del II Salón Círculo Pez Dorado (Caracas, 1963), en el cual exhibe trabajos realizados con óleo y tinta china, obteniendo el premio del público con Personaje. Posteriormente realiza una individual en la Galería G y participa en el XI Salón D'Empaire. En 1965 participa en el XXVI Salón Oficial y recibe el primer premio de pintura en el III Salón del Pez Dorado (Caracas) con De un almanaque. En 1966 viaja a Francia con una beca y estudia dibujo en la Escuela Superior de Bellas Artes. En 1968 regresa a Venezuela, abandona la pintura y se dedica al diseño gráfico bajo la influencia de diseñadores como Gerd Leufert, Nedo M.F. y especialmente de Andrés Salazar y Alirio Palacios; también forma parte de su trabajo la creación de objetos tridimensionales que serán las imágenes protagonistas de sus afiches. Ese año es invitado a la II Bienal Internacional del Afiche en Varsovia, participación que se repetirá en 1976, 1978 (cuando recibe la mención honorífica por el afiche de Contradanza) y en 1984. Fue profesor de diseño gráfico del Instituto Neumann (1971-1975). En 1973 participa en la Bienal de Diseño Gráfico Intergrafis de Berlín. En 1977 presenta, en el Instituto Cultural Venezolano Francés de Caracas, la individual "Carteles culturales" y en 1978, participa junto a Leufert, Álvaro Sotillo y Nedo M.F. en "La nueva estampilla venezolana" (GAN). Ese año es invitado a "El afiche cultural venezolano", muestra organizada por el Centro Venezolano de Cultura (Embajada de Venezuela, Bogotá) y, al año siguiente, en la Bienal de Afiches en Kansas City (Estados Unidos). Ese mismo año dicta en la USB varias cátedras relacionadas con el diseño y toma parte en la I Bienal del Cartel (BN), participación que repite en 1981, 1983, 1985 y 1987, obteniendo el premio en todas estas oportunidades.

En 1981, el MOMA incluye en su colección de diseño gráfico el afiche Barbarroja/ajorrabrab. Ese año presenta 14 originales de sus afiches en la muestra individual "Santiago Pol", en el Instituto Neumann; y diseña para el Metro de Caracas el primer plano figurado de vías, aún vigente con variaciones. En 1982 diseña el afiche Cine por la paz del mundo para el Festival de Cine de Leipzig (Alemania), galardonado con el Premio Paloma de Oro como mejor afiche; también obtiene el premio del Festival de Cine de La Habana por el afiche Cineastas venezolanos desde Londres y el premio de afiches de teatro, en Portugal. En 1983 presenta "Objetos imposibles" en la Galería Estudio Actual (Caracas) y en el BCV (Maracaibo). En esta muestra exhibe objetos fantásticos

creados en su mayoría para la elaboración de sus afiches. Ese año participa en la II Bienal de Artes Visuales, realizada en el MACC. Su muestra "Carteles culturales" es presentada en la ciudad de Cosquín (Argentina) y en la Casa de las Américas, en La Habana. En 1984 presenta "Sesenta carteles para el arte y la cultura", en la Galería Espiral (Escuela Cristóbal Rojas) y en el IUPC. Participa en la "Exposición de carteles venezolanos de cine" organizada en la Galería del BCV en Maracaibo y presenta en el Centro Cultural Lea de Barquisimeto la muestra individual "Afiches y objetos imposibles". Este año es invitado por la Cinemateca de Río de Janeiro a presentar su muestra "Afiches de cine"; y participa en la exposición "La vuelta al mundo en 96 afiches de cine" en la ciudad de Orleans (Francia). La exposición "Carteles culturales" es presentada en la Universidad de Puebla (México) y en la ciudad de Bucaramanga (Colombia) en 1985; participa en la colectiva organizada por la ONU con motivo del año internacional de la paz y en la I Trienal de Carteles en Toyama (Japón). En 1986 expone en las estaciones del Metro de Caracas bajo el título "Doce kilómetros de afiches", cubriendo con éstos las estaciones operativas. En 1987 muestra su colección de carteles en el Bolívar Hall (Casa de Miranda, Londres) y participa en la Exposición Mundial de Afiches de Deportes, realizada en Zagreb. A lo largo de su trayectoria como diseñador gráfico se ha destacado también en el diseño de carátulas de discos, estampillas, postales, portadas de revistas y libros, logotipos y emblemas, ediciones especiales de periódicos y revistas y avisos publicitarios. Una selección de este material fue presentada en "Espacios de Santiago Pol" (Galería Tito Salas, 1989).

En 1990 es invitado a la I Bienal Internacional del Cartel en México, y poco después presentó la muestra "Del dibujo al dibujo" en el Museo Soto. Esta muestra resume la evolución de su trabajo, en el que la técnica evidencia un recorrido que va del dibujo al collage para pasar al volumen y finalmente volver al dibujo. En 1991 es invitado a exponer en el Museo de la Publicidad y las Artes Decorativas del Museo del Louvre (París), siendo el primer diseñador latinoamericano al que se le dedica una muestra individual en ese espacio. A finales de 1992 obtiene el Premio VI Exposición del Club de Directores de Arte de Nueva York por el diseño del afiche Polar en el objeto popular, distinción que obtendrá nuevamente al año siguiente por el afiche diseñado para la Cinemateca Nacional. Por este trabajo también será premiado en la IV Trienal de Afiches realizada en Toyama (Japón) en 1994. Ha formado parte del jurado de importantes salones dedicados al diseño y el afiche, como la XVI Bienal del Diseño Gráfico en Brno (República Checa) y la II Bienal Internacional del Cartel en México. En 1995 presenta una muestra individual en la galería de la Universidad de Constanza (Alemania), y "Los noventa en treinta" en la Galería Ángel Boscán, en la que exhibe trabajos realizados en 1990. En 1997 participó en las bienales de Varsovia y Taiwan, y fue invitado a la "Exhibición de diseño de afiches ambientales" en el

marco de la Cumbre del Clima de Kioto (Japón); también diseñó el afiche del Encuentro Internacional sobre Anorexia y Bulimia realizado en Argentina. En junio de ese año, junto a Carlos Rodríguez y Álvaro Sotillo, es electo miembro de la AGI. En 1998 fue escogido por la Asociación Sudafricana de Artistas por los Derechos Humanos y por la Durban Art Gallery de Pretoria (Sudáfrica) para representar a Venezuela en una exposición itinerante conmemorativa del quincuagésimo aniversario de la Declaración de Derechos Humanos. El Museum fur Kunst und Gewerbe de Hamburgo (Alemania) incluyó una selección de su obra en uno de sus catálogos. Su trabajo ha sido ampliamente documentado por publicaciones internacionales como el Anuario Internacional de Carteles y el Graphis Poster de Suiza en las ediciones de 1978, 1982, 1984 y 1985. En 1998, la revista mexicana Lúdica, le dedica su primer número con un amplio reportaje titulado "Santiago Pol: música para los ojos".

ALVARO SOTILLO

Diseñador gráfico. Hijo de Antonio José Sotillo y Carmen Teresa Méndez. Su formación académica la realiza en la Escuela Cristóbal Rojas, en el área de artes aplicadas (1962-1966), y en el Instituto Neumann (1966-1969); en este último realiza el curso básico con los profesores Gerd Leufert y Gego y comienza a cursar la especialización de diseño tridimensional atraído por la figura del profesor Cornelis Zitman. Su formación continúa fuera de los muros académicos con Leufert y Gego: con el primero establece una relación de maestro-aprendiz y bajo su tutela realiza sus primeros ejercicios profesionales en el campo del diseño, mientras que de Gego recibe el ejemplo constante en la ejecución integral del oficio. Trabajó con Nedo M.F., siendo lo más destacado de este acercamiento la notable influencia que ejerció sobre el joven Sotillo el trabajo tipográfico de Nedo M.F., mediante publicaciones como Cal y la revista El Farol. En 1967 se vincula al movimiento artístico Los Expansionistas liderizado por Omar Carreño, al suscribir el segundo manifiesto del grupo y participar en la colectiva "Luz y transformación" (junto a Omar Carreño y Rubén Márquez) realizada en el Ateneo de Caracas. En 1968 forma parte del grupo Cobalto. En 1970 realiza una exposición individual en el Ateneo de Caracas llamada "Confrontación 70", con una muestra a gran escala de una exploración tipográfica propia. Entre 1969 y 1976 trabaja junto a Gerd Leufert en el Departamento de Dibujo y Estampa del MBA, desarrollando el campo del diseño de catálogos en Venezuela y organizando numerosas exposiciones. En 1972 participa en la IV Bienal Internacional del Cartel en Varsovia. En 1975 organiza la exposición "Letromaquia", sobre el trabajo tipográfico de Nedo M.F. para el MBA; ese mismo año participa en la conferencia "El diseño para el mejoramiento de la vida del hombre y no para su envilecimiento", acompañado de Orlando Aponte, Sigfredo Chacón, Manuel Espinoza, Víctor Hugo Irazábal, Emiro Lobo, Jorge Pizzani y Santiago Pol, y dictada en la Casa de la Cultura de Maracay en el marco del Encuentro Nacional de Jóvenes Artistas. Entre 1975 y 1979 trabaja, junto a Gerd Leufert, Nedo M.F. y Santiago Pol para el recién creado Instituto Postal Telegráfico (bajo la dirección de Gonzalo Plaza y la asesoría de Miguel Arroyo), en la realización de series de estampillas conmemorativas de eventos como la nacionalización del petróleo y la inauguración del cable submarino Columbus; hasta entonces la mayor parte de la producción venezolana de estampillas era delegada a otros países. En 1978, la GAN organiza la muestra "La nueva estampilla venezolana", con una selección del trabajo desarrollado por estos diseñadores en el Instituto Postal Telegráfico. En 1980 participa en la IX Bienal de Diseño Gráfico en Brno (República Checa) y en la "Segunda exposición anual del libro" (BN), en la cual obtiene el premio al mejor libro con la publicación

Los niños de aquí (Caracas: Foto Ediciones, 1979). Su participación en esta convocatoria anual se repetirá en las ediciones de 1981, 1985, 1986, 1987, 1988 y 1989. En 1983 participa como miembro del comité de selección en la III Bienal del Cartel (BN), y al año siguiente organiza, junto a Ibrahim Nebreda, la muestra colectiva "Cincoincidentes" para el Museo de Barquisimeto. En 1985 organiza la exposición "Gego. Dibujos 5/85" para el mismo museo. Entre este año y 1990 realiza una serie de libros temáticos sobre regiones de Venezuela para la Fundación Polar bajo la coordinación de la Editorial Óscar Todtmann, entre los que destacan La Gran Sabana y El llano por las premiaciones obtenidas en los concursos "Los libros más bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro" en Leipzig (Alemania).

En 1986 funda la Editorial Alter Ego, junto a Leufert y Miguel Arroyo, publicando Más acá del más allá y Retromundo, ediciones que reciben premios en los concursos "Los libros más bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro" en Leipzig. En 1988 participa como miembro del comité seleccionador de la V Bienal del Cartel organizada por la BN. En 1989 es invitado como jurado internacional a la "Exposición internacional del arte del libro" (Leipzig), donde pudo conocer y participar del criterio de los expertos en la tradición europea del libro impreso. En 1990 participa en la VI Bienal del Cartel: Homenaje a Gerd Leufert, organizada por la BN. Ese mismo año es convocado por un grupo de ex profesores y ex alumnos del Instituto Neumann para fundar Prodiseño, asociación destinada a la enseñanza de la comunicación visual; Sotillo desempeña en ella las labores de asesor, profesor invitado y miembro de la junta directiva hasta 1996. En 1993 es curador de la muestra colectiva "CCS-10. Arte venezolano actual" para la GAN. Ese mismo año es llamado por Miguel Arroyo para participar en el proyecto de difusión cultural del diseño gráfico, diseño industrial y fotografía del Centro de Arte La Estancia, que abre sus puertas al público en 1995. Allí trabaja hasta 1999 como responsable de la museografía (junto con José Luis Sánchez) y de la imagen de la institución (para la cual desarrolla una familia tipográfica propia, la Floresta Book). Entre las exposiciones que asesoró, organizó o curó para el Centro de Arte La Estancia se cuentan "Chicho Mata: el hombre de Uchire" (1996), "Sentados en un siglo. Emblemas cotidianos de Venezuela (1997), "40 años de fotografía: Leica M" (1998) y "El asiento de al lado. La butaca moderna" (1999). En 1996 es invitado a participar en el fax art Preservación de la capa de ozono, organizado por la Dirección de Cultura, el Departamento de Artes Visuales y la Galería Ángel Boscán de la UCV. Desde 1997 forma parte de la AGI, junto a Carlos Rodríguez y Santiago Pol. Esta organización, formalizada en París en 1952, reúne un selecto grupo de artistas y diseñadores gráficos con intereses y trabajos notables a nivel internacional; como ellos mismos señalan, AGI es una plataforma que procura la relación entre sus

miembros, promueve el diseño gráfico a través de la convocatoria de sus integrantes y de importantes instituciones gubernamentales y comerciales para la realización de exposiciones y actividades que promuevan la calidad y la capacidad crítica del diseño. Actualmente cuenta con cerca de 300 miembros de unos 27 países. En 1998 es invitado a participar en el evento internacional de carteles "Brecht 100 carteles", que celebra el aniversario del nacimiento de Bertolt Brecht, organizado por el Berliner Ensemble y la Asociación de Diseñadores Alemanes. Ese mismo año es invitado a participar en el concurso internacional "La infancia no es un juego de niños", organizado por el Museo Alemán del Cartel (Essen, Alemania). En 1999 diseña la presentación de los documentos para la postulación ante la UNESCO de la Ciudad Universitaria de Caracas para la lista de patrimonios mundiales. Ese mismo año es invitado por el Museo Alemán del Cartel (Essen) al fax art Kinder sind der rhythmus dieser welt (Los niños son el ritmo del mundo).

El trabajo visual de Sotillo abarca la imagen de instituciones como la GAN, el Centro de Arte La Estancia y la Casa de Estudio de la Historia de Venezuela Lorenzo A. Mendoza Quintero, el diseño de carteles, desplegables y variados impresos efímeros, como la colección de tarjetas de Navidad (series Objetos coloniales y Museo de papel) de la Fundación Polar y un extenso y admirable trabajo editorial. Desde 1975 ha participado en las convocatorias editoriales alemanas "Los libros más bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro", en las cuales, hasta los momentos, ha sido reconocido con 19 premios (de los cuales cuatro son compartidos) y entre los que destacan dos Letras de Oro (1985 y 1999) con las publicaciones La emblemática de Gerd Leufert (Caracas: GAN, 1984) y la segunda edición del Diccionario de historia de Venezuela (Caracas: Fundación Polar, 1997). Su trabajo ha sido reseñado por publicaciones especializadas como Who's Who in Graphic Arts, Graphics Posters, la revista japonesa Idea, El diseño gráfico desde sus orígenes hasta nuestros días (Madrid: Alianza Editorial, 1989), así como por una extensa reseña hemerográfica y de catálogos vinculados a eventos del diseño nacional e internacional. La exhaustividad con la que realiza cada trabajo de diseño y el entusiasmo por sustentar iniciativas ligadas a la cultura del diseño del país, nos describen una postura personal que excede el mero desempeño del oficio y advierten, de modo ejemplar, las posibilidades que pueden generarse desde un criterio configurado por las metodologías y los procesos integradores del diseño. Como bien señala Sotillo: "hay una cosa que me sustenta y es el interés desmedido que tengo por la tipografía. La cercanía a la tipografía me ha estimulado muchísimo la categoría de la abstracción y a partir de los símbolos he intensificado la posibilidad de trasmitir emocionalmente muchísimas proposiciones susceptibles de diseño, casi cualquier

objeto de diseño. Mi proposición de diseño son variaciones sobre el mismo tema: la tipografía" (Benítez, 1999).

ALEJANDRO PAUL

Alejandro Paul nació en Buenos Aires en 1972. Es fundador del primer colectivo tipográfico de Argentina, el proyecto Sudtipos. De formación autodidacta en el campo tipográfico, Ale Paul ha sido profesor de diseño (Cátedra Bellucia, 1996-2000) y tipografía (Cátedra González 2002-2003) en la Universidad de Buenos Aires. Actualmente forma parte del equipo docente de la Carrera de Especialización en Diseño Tipográfica coordinada por Rubén Fontana.

La docencia la ha cambiando con dirección de arte en prestigiosos estudios de diseño de Argentina atendiendo marcas globales y de consumo masivo. Entre ellos se destacan Brandgroup, Hexa, Fernandez Raggio, Tridimage. Ha diseñado y colaborado en más de 100 diseños tipográficos.

Desde 2003 se dedica a atender proyectos tipográficos y de lettering para las agencias de packaging más importantes de Argentina y Sudamérica. Ha impartido numerosas conferencias y talleres en México, EE.UU, Canadá, Alemania, Portugal, Brasil, Ecuador, Uruguay, Chile y en los principales congresos de diseño de la Argentina. Entre los más destacados están el Type Directors Club de New York, TMDG06, TypeCon08 y en ATypI y TypoBerlin 09.

En 2008 su tipografía Burgues Script recibió un certificado de excelencia del Type Directors Club de New York y otro en la Bienal Tipos Latino. En 2009 su tipografía Adios Script recibió la misma distinción. En las bienales Letras Latinas y Tipos Latinos más de 25 de sus trabajos fueron seleccionados para formar parte de las muestras.

El trabajo de Ale Paul ha sido premiado y publicado en diversas revistas de diseño como Step, Creative Review, Creative Arts, Novum, Visual, Print y TpG, entre otras. Es miembro de AtypI y del colectivo T-convoca.