diego rodríguez de silva y velázquez, conocido como diego velázquez, fue un pintor barroco,...
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DIEGO DE VELAZQUEZ
1599-1660
AUTORRETRATO
Diego Rodríguez
de Silva y Velázquez,
conocido como Diego
Velázquez, fue un pintor
barroco, considerado uno
de los máximos exponentes
de la pintura española y
maestro de la pintura
universal.
Fue pintor de
cámara del rey Felipe IV.
LA RENDICIÓN DE BREDA
Obra realizada para el Salón
de Reinos del madrileño
Palacio del Buen Retiro,
actualmente destruido; se
fecharía antes del mes de
abril de 1635 y representa un
episodio de la Guerra de
Flandes ocurrido el 5 de junio
de 1625. Tras un año de sitio
por parte de las tropas
españolas, la ciudad
holandesa de Breda cayó
rendida, lo que provocó que
su gobernador, Justino de
Nassau, entregara las llaves
de la ciudad al general
vencedor,
Ambrosio de Spínola. Pero
Velázquez no representa una
rendición normal sino que
Spínola levanta al vencido
para evitar una humillación
del derrotado; así, el centro
de la composición es la llave y
los dos generales
LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE
La fábula de Atenea y Aracne
, en una escena del mito de
Aracne que se describe en el
libro sexto de
Las metamorfosis de Ovidio.[1] Una joven lidia, Aracne,
tejía tan bien que las gentes
de su ciudad comenzaron a
comentar que tejía mejor que
la diosa Atenea, inventora de
la rueca. La escena del
primer término retrataría a
la joven a la derecha, vuelta
de espaldas, trabajando
afanosamente en su tapiz. A
la izquierda, la diosa Atenea
finge ser una anciana, con
falsas canas en las sienes.
Sabemos que se trata de la
diosa porque, a pesar de su
aspecto envejecido,
Velázquez muestra su pierna,
de tersura adolescente.
LA FRAGUA DE VULCANO
Obra realizada después
de su primer viaje a Italia
en 1629.
El cuadro describe el
momento en que el dios
Apolo visita el lugar
donde Vulcano se
encuentra fabricando una
armadura para Marte, el
dios de la guerra. Éste
comunica a Vulcano el
adulterio de su esposa
Venus con Marte, por esa
razón todos los
personajes miran con
cara sorprendida al dios
que acaba de presentarse
en el estudio, incluso
alguno de ellos abre la
boca y los ojos.
LOS BORRACHOS O TRIUNFO DE BACO
Es el primer
cuadro de tema
mitológico que
conocemos de
Velázquez, fue
pintado
hacia1629. La
escena recoge el
momento en que
Baco, el Dionisios
griego, dios del
vino, de la vid y
de todos los
excesos que estos
favorecen, corona
a un soldado.
LA CORONACIÓN DE LA VIRGEN
Cuadro encargado para el
oratorio de la reina Isabel de
Borbón, esposa de Felipe IV, en
el Alcázar de Madrid. En este
cuadro destaca el equilibrio y la
serenidad de la composición,
llamada a la meditación sosegada
e íntima. María se coloca en el
centro, Cristo a la izquierda, Dios
Padre a la derecha y el Espíritu
Santo entre ambos, formando la
Trinidad. La composición se
inscribe en un triángulo, figura
muy empleada en el Barroco.
LAS MENINAS
En 1656
Velázquez pinta
Las Meninas,
posiblemente la
mejor obra de la
Historia del Arte.
La escena se
desarrolla en la
galería del cuarto
bajo del príncipe
Baltasar Carlos,
del
Alcázar de Madrid
.
EL BUFÓN DON
SEBASTIÁN DE MORA
Velázquez nos presenta en
este cuadro a un personaje
enano, Don Sebastián de
Morra, uno de esos seres
monstruosos que
abundaban en la Corte de
Felipe IV. Don Sebastián,
uno de los bufones
preferidos del príncipe
Baltasar Carlos, aparece
ricamente ataviado con un
traje abotonado de paño
verde, sobre el que se sitúa
una ropilla en púrpura y
oro. Son bien visibles los
puños y el cuello, realizados
en encaje flamenco.
FELIPE IV EL CAZADOR
Esta obra estaba destinada a la Torre de la
Parada, pabellón de caza real situado en el
madrileño monte de El Pardo.
Lo más destacable del retrato de Felipe IV
cazador son los diferentes repintes que aparecen
en el lienzo: la pierna izquierda estaba más
desplazada a la derecha, el cañón de la escopeta
era más largo y en la mano izquierda el monarca
llevaba una gorra que ahora luce en su cabeza,
otorgándole una postura más majestuosa que si
no estuviera tocado. Estos repintes no implican
que el maestro tuviera dificultades a la hora de
realizar sus obras, sino que trabajaba
directamente sobre el lienzo, sin hacer ningún
estudio preparatorio. Así los errores tienen que
ser solventados rápidamente, por lo que con el
paso del tiempo y las sucesivas limpiezas y
restauraciones afloran a la superficie.
FRANCISCO PACHECO
Posiblemente sea
éste uno de los
primeros retratos que
el maestro realizó, en
el que pone ya de
manifiesto su altísima
calidad a la hora de
retratar tanto a
personas de su
entorno como a
extraños.
Velázquez retrata a
su suegro como un
hombre maduro, de
traje negro y
gorguera alechugada
de lienzo.
DOÑA MARÍA DE AUSTRIA REINA DE HUNGRÍA
La hermana del rey Felipe IV fue
retratada de busto con gola de
gasa agrisada sobre un vestido
leonado, delante de un fondo
oscuro, tradicional en los retratos
velazqueños.
Realizado en Nápoles durante el
primer viaje del artista a Italia,
coincidiendo con el trayecto de
María de Austria (1606-1646) de
camino a Viena, donde casaría
con su primo Fernando de
Habsburgo, rey de Hungría y
futuro emperador con el nombre
de Fernando III.
del rey Felipe IV
FRANCISCO DE GOYA
1746-1828
AUTORRETRATO
Este Autorretrato,
pintado por
Francisco de Goya
en 1815, a la edad
de sesenta y nueve
años, fue uno de los
últimos óleos en que
plasmó su propia
imagen. Se trata de
una obra de pequeño
tamaño (46 x 33 cm)
que se caracteriza
por darnos una
imagen cercana,
cotidiana, íntima del
pintor en su vejez.
BAILE DE SAN
ANTONIO DE LA
FLORIDA
O
BAILE DEL
MANZANARES
Cartón para tapiz con la
representación de una
escena popular de majos
y majas bailando unas
seguidillas, baile popular
de la región de Castilla
la Nueva y de Madrid. La
vista de las orillas del río
Manzanares refleja con
fidelidad, en el primer
término, la zona del
puente de los Pontones,
y según Goya "a lo lexos
se ve un poco de Madrid
por San Francisco".
LA CAZA DE LA CODORNIZCuadro perteneciente a la primera serie de cartones para tapices, que iba a decorar el comedor de los Príncipes de El Escorial.
LA COMETA
La escena principal
describe a unos
jóvenes que "han
salido al campo a
echar una cometa“,
palabras textuales de
Goya.
El tapiz resultante de
este cartón colgaba en
el paño de muro, entre
las ventanas, del
comedor de los
príncipes de Asturias
(el futuro Carlos IV y
su esposa María Luisa
de Parma) en el
Palacio de El Pardo de
Madrid.
MUCHACHOS COGIENDO
FRUTA
Un niño, sobre las
espaldas de otro, trepa
a un árbol, sacudiendo
la rama cargada de
frutas, para que otros
dos, esperando debajo,
las reciban en su
sombrero. El tapiz
resultante de este
cartón colgaba como
decoración de
sobrepuerta en el
comedor de los
príncipes de Asturias
(el futuro Carlos IV y
su esposa María Luisa
de Parma) en el
Palacio de El Pardo de
Madrid.
LA FAMILIA DEL DUQUE DE OSUNA
La relación entre Goya y los Duques
de Osuna se inició en 1785 y fue muy
fructífera, existiendo gran amistad
entre ellos. Gracias a este contacto, el
pintor iniciará una importante
escalada en la corte madrileña,
llegando a ser el retratista más
solicitado de su tiempo. Para los
Osuna pintará una gran cantidad de
obras, desde retratos hasta escenas de
brujas. El palacio de los Duques será
para Goya como su segunda casa.
Lo más destacable de la escena es la
manera de retratar a los pequeños,
concretamente sus miradas en las que
se aprecia la dulzura e inocencia de
los niños. Y, sobre todo, el cariño que
Goya les profesaba.
LA GALLINA CIEGA
El cartón de la Gallina
ciega, se basa en el boceto
que había sido presentado
a Carlos III. Las escenas
debían servir como modelo
para los tapices destinados
al dormitorio de las
infantas en el Palacio de El
Pardo, pero el encargo se
paralizó por el
fallecimiento del monarca.
Goya describe la escena
como figuras jugando al
cucharón, pero ha pasado
a la historia con el título de
la Gallina ciega. Lo más
significativo de la estampa
es la perfección con la que
han sido captados el
movimiento y el ritmo de
las figuras.
CARLOS IV A CABALLO
Goya encontró numerosas
dificultades para realizar este
retrato ecuestre que formaba
pareja con el de la reina María
Luisa a caballo. Tomó como
modelo el de Margarita de Austria
pintado por Velázquez,
apartándose así de la tradición de
pintar a los reyes con el caballo
en corveta, símbolo de poder y de
autoridad; posiblemente como
Carlos IV no tenía mucho poder ni
autoridad, Goya pensó que sería
mejor cambiar la iconografía para
escapar de las malas lenguas.El
caballo no está bien conseguido,
ya que no existe proporción entre
las patas delanteras y las
traseras, vistas en diferentes
perspectivas.
LA FAMILIA DE CARLOS IV
El retrato familiar revela
el influjo de Las meninas
(P01174) de Velázquez
en varios aspectos de la
composición, como la
inclusión del
autorretrato del pintor
ante su lienzo, a la
izquierda, así como la
decoración del muro del
fondo con los dos
cuadros simétricos. El
nexo visual entre ambas
escenas dejaba claro
ante los espectadores
del cuadro la vinculación
de la dinastía de Borbón
con la de los Austrias, de
la que descendía
directamente.
LOS ZANCOS
Dos jóvenes, sobre zancos
de gran altura, se
arriesgan en difícil
equilibrio para cortejar a
la joven asomada a la
ventana de una magnífica
casa de piedra. Les
acompañan otros dos
mozos a pie, tocando la
dulzaina, y contemplan la
escena hombres
embozados en sus capas,
con los sombreros de ala
ancha cubriéndoles el
rostro por completo, así
como mujeres pensativas
y niños alborozados. El
tapiz resultante de este
cartón estaba destinado a
la decoración, "de
asumptos de cosas
campestres y jocosas", del
despacho de Carlos IV en
la zona palaciega de San
Lorenzo de El Escorial,
encargada en 1790 y
último proyecto de este
género realizado por
Goya.
LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO EN LA MONTAÑA DEL
PRÍNCIPE PIO
Francisco de Goya Las monografías de
Biografías y Vidas Cuadros›› 1 2 3 4 5 6
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Los fusilamientos del 3 de Mayo
1814
Lienzo. 2,66 x 3,45
Museo del Prado, Madrid.
El lienzo Los fusilamientos del 3 de mayo
en la montaña del Príncipe Pío de Madrid
es uno de los más altos logros de la
pintura española y, probablemente, uno
de los hitos también de la pintura
universal. Sin duda, además de sus
excelencias artísticas, puede ser
considerado uno de los cuadros de
temática histórica más dramáticos de
toda la historia del arte.
La intensa pasión que inspira la
composición consiguió que este lienzo de
Goya fuese más que un recordatorio de
un hecho concreto, y mucho más también
que una simple arenga o un manifiesto
fruto del fervor patriótico del autor. El
pintor, llevado por la intensidad
dramática de los hechos que narra, supo
expresar en toda su violencia, aunque
con sobriedad y eficacia extremas, la
crueldad inexorable del hombre para el
hombre y a la vez su exasperado y
rebelde deseo de libertad.
SATURNO DEVORANDO A UN HIJO
El conjunto de catorce
escenas al que pertenece
esta obra se ha
popularizado con el título
de Pinturas Negras por el
uso que en ellas se hizo de
pigmentos oscuros y
negros y, asimismo, por lo
sombrío de los temas.
Decoraron dos
habitaciones, en las
plantas baja y alta, de la
conocida como Quinta del
Sordo, casa de campo a las
afueras de Madrid, junto al
río Manzanares, conocida
por ese nombre antes de
su adquisición por Goya en
1819.