didáctica de la música tradicional peruana para el nivel
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ESCUELA NACIONAL SUPERIOR DE FOLKLORE JOSÉ MARÍA ARGUEDAS
Programa de Complementación Académica
Didáctica de la música tradicional peruana para el nivel primario
Trabajo de investigación para optar el grado académico de Bachiller en Educación, Arte y Cultura
Presentado por:
Marcos Martin Pérez Herrera
Asesor:
Mg. Xavier Fuentes Ávila
Lima, 2019
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ÍNDICE
INTRODUCCIÓN __________________________________________________________ 4
DESARROLLO ____________________________________________________________ 6
1. Didáctica musical para educación primaria __________________________________ 6
1.1 La música tradicional _______________________________________________________ 6
1.1.1 La música __________________________________________________________ 6
1.1.1.1 Historia __________________________________________________________ 6
1.1.2 La música tradicional peruana _________________________________________ 13
1.1.2.1 Importancia de la música tradicional _______________________________ 15
1.1.2.2 Porque enseñar la música tradicional _______________________________ 15
1.1.2.3 Como aprender secuencialmente la música tradicional _________________ 16
1.2. Didáctica musical ________________________________________________________ 17
1.2.1 ¿Que es la didáctica musical? ___________________________________________ 17
1.2.2 Historia de la didáctica musical __________________________________________ 19
1.2.3 Importancia de la didáctica musical ______________________________________ 23
1.2.4 Características de la didáctica musical ____________________________________ 24
1.2.5 Metodología de la didáctica musical ______________________________________ 24
1.2.5.1 Metodologías importantes de la didáctica musical ______________________ 24
1.2.5.1.1 Método Dalcroze (1865-1950) _____________________________________ 25
1.2.5.1.2 Metodo Willens ________________________________________________ 26
1.2.5.1.3 Método Martenot _______________________________________________ 29
1.2.5.1.4 Método Orff ___________________________________________________ 29
1.2.5.1.5 Método Kodaly _________________________________________________ 30
1.2.5.1.6 Método Suzuki _________________________________________________ 30
1.2.5.1.7 Murray schafer (1933) ___________________________________________ 31
1.3. La educación artística en el Perú ____________________________________________ 31
1.3.1 La educación artística _________________________________________________ 31
1.3.1.1. Que es la educación artística _______________________________________ 31
1.3.1.2. Historia de la educación artística musical _____________________________ 31
1.3.1.3 Historia de la educación artística en el Perú ____________________________ 33
1.3.2 El currículo Nacional y la educación artística para primaria ___________________ 35
1.3.2.1 Perfil y enfoque, estándares ________________________________________ 36
1.3.2.2 Competencias, capacidades de los niveles, III, IV, y V (primaria)____________ 38
CONCLUSIONES _________________________________________________________ 40
3
REFERENCIAS ___________________________________________________________ 43
4
INTRODUCCIÓN
La presente investigación aborda el tema la didáctica de la música
tradicional en la educación primaria de nuestro país. En la cual, se toma en
cuenta los siguientes aspectos: la música y la música tradicional; la didáctica y la
didáctica de la música tradicional; la educación en música tradicional y la
enseñanza de música tradicional en primaria; el Currículo Nacional y la
enseñanza de la música tradicional en la educación primaria.
Considerando el primer aspecto, se plantean cuatro grandes temas de
nuestra investigación: la música, la música tradicional peruana, didáctica de la
música tradicional en primaria, y los considerandos del Currículo Nacional en
cuanto a la enseñanza de la música tradicional en primaria.
Sobre la música se puede decir, que es una de las inteligencias múltiples.
Esta teoría que fue planteada por Howard Gardner desde los años 80, en su
famoso libro Las inteligencias múltiples (1982); sustenta que la música desarrolla
la lateralidad, es decir los hemisferios, por ejemplo: un baterista, hace uso de los
dos hemisferios cerebrales. Además, mediante la música se logra capacidades,
habilidades y destrezas múltiples: autoestima, liderazgo, socialización, trabajo en
equipo, etc.
Las tesis o estudios sobre identidad nacional o cultural realizados por la
Escuela Nacional Superior de Folklore, siempre concluyen en la importancia de la
música tradicional en la formación de la identidad nacional o identidad cultural.
Estamos muy convencidos de ello, puesto que se plantean dos supuestos: 1.- la
ausencia de identidad nacional y cultural por parte de una gran mayoría de los
peruanos; y 2.- la necesidad de implementar programas educativos para
incentivar la identidad nacional o identidad cultural.
El anterior documento, el Diseño Curricular Nacional (DCN), no
consideraba la identidad cultural de manera focalizada. Ahora se tiene la identidad
cultural como parte del perfil: “El estudiante se reconoce como persona valiosa y
se identifica con su cultura en diferentes contextos.” (CN, 2017, p. 17), como parte
del Enfoque Intercultural (ver p. 22); y como primera competencia: “Construye su
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identidad”, cuyas capacidades son: “Se valora a sí mismo, Autorregula sus
emociones, Reflexiona y argumenta éticamente, Vive su sexualidad de manera
integral y responsable de acuerdo a su etapa de desarrollo y madurez.” (Ver p.
31).
Y, en cuanto a la didáctica, o sea al cómo llegar al estudiante, se plantean
metodologías de enseñanza de música para primaria. Lamentablemente no existe
metodología alguna de manera expresa para primaria. Existen sí metodologías
genéricas, como el Método de quena” (s.f.) de Raymond Thevenot, “Métodos y
técnicas de guitarra” (s.f.), de Luz Ángeles; “Método Ángeles. Guitarra” (2000), de
Walter Ángeles; Aprendiendo a tocar flauta (s.f.), de Johnny Pérez. Este
panorama invita a investigar cómo se viene implementando la educación musical
tradicional en nuestro país.
El propósito de este trabajo es analizar y reflexionar sobre la didáctica de la
música tradicional peruana, considerando los diversos planteamientos de las
metodologías importantes de la educación musical; determinar el beneficio social
que ejerce la música en el discente y la importancia de ésta dentro del proceso de
la enseñanza y aprendizaje; analizar cómo llega la educación musical al Currículo
de Educación Básica Regular en el nivel primaria.
Nuestro trabajo comprende cuatro partes: 1.- La música tradicional, donde
se hace un estudio de la música, en general, y en forma particular de la música
tradicional; 2.- Didáctica de la música, en la que se desarrolla todos los aspectos
de la enseñanza y aprendizaje de la música, y de manera especial de la música
tradicional; 3.- la educación artística en el Perú, para dar cuenta de la realidad
educativa en torno a la enseñanza y aprendizaje de la música tradicional peruana,
teniendo en cuenta el Currículo Nacional. Y, finalmente, se presenta las
conclusiones del estudio.
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DESARROLLO
1. Didáctica musical para educación primaria
1.1 La música tradicional
1.1.1 La música
Cualquier acercamiento al fenómeno musical se encuentra con
el problema del concepto de la música. La música es una expresión múltiple,
híbrida e interdisciplinaria. La propia etimología del término alude a esa naturaleza
universal, reconocemos que en la música se reúnen las artes y las ciencias.
Proviene de la etimología griega mousiké téchne (arte música), como también
“arte de las musas“.
En el congreso internacional de musicología, realizado en Boloña en el año
1987, Umberto Eco conceptúa la música como algo hibrido, donde este hecho
cultural integraría todos las manifestaciones del hombre. La música no solo es
una, sino que existe diferentes músicas cuya escucha de su interpretación solo se
hará desde un entretejido de relacionar su contexto, su técnica historia y estilo. En
este este contexto sugeriremos que la música se convierte en arte de los
sonidos.
Una de las definiciones actuales es: “Lenguaje artístico cuyo medio de
expresión son los sonidos, conteniendo en su interior tres elementos básicos: la
melodía, el ritmo y la armonía” (enciclopedia Universal Danae, 1982, p. 1470)
A continuación, observamos una frase, donde se expresa lo que se siente,
se danza, se canta, para poder sentir estas emociones no necesitamos de gran
ayuda o ser expertos:
“La música expresa aquello que no puede decirse con palabras pero no
puede permanecer en silencio” (Víctor Hugo, novelista francés 1802-1885).
1.1.1.1 Historia
La arqueología es la ciencia que nos permite seguir las huellas realizadas
por la música en grabados, hechas en cuevas donde habitaban los primeros
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habitantes donde observamos instrumentos danzas y otras manifestaciones de la
música. También tenemos como referencias testimonios escritos del cual
podremos hacernos la idea de que música practicaba ese grupo humano.
En la prehistoria, los restos arqueológicos y las investigaciones resultantes
afirmaron la relación entre música y la magia. Estaban unidas a la magia y
celebraciones de actos rituales.
La música tradicional china se remonta a 2.500 años a.c. El emperador A
Huang-Di, contribuyo con la creación de los doce lu o intervalos tonales. Su
música era utilizada en cualquier actividad social colectiva, su apogeo música
tuvo lugar en la dinastía Tang(618-60). En china tenían el sistema de las doce
escales, géneros diferentes ocho clases de instrumentos. Conocieron la notación
musical.
En Egipto la música era utilizaban en las celebraciones funerarias y
religiosa, como también en las fiestas de los faraones, y los trabajos agrícolas, era
una música no sistematizada, tenía una serie limitada de sonidos.
En Israel, conocemos por la biblia la existencia de trompetas que se
hicieron retumbar en Jericó, o el arpa que tocaba David al rey Saúl. También se
cantaban Salmos en coros de 5000 voces acompañadas de citaras y otros
instrumentos.
En la Grecia clásica se discutió el papel de la música en la educación,
porque esta influía en el carácter del que la escucha debatiéndose su naturaleza y
función en el estado, se conoce varios detalle de esta música gracias a Platón
(siglo V a.c), Aristóteles, Plutarco, Ptolomeo, y otros autores. La música estaba
ligada a la poesía y el teatro, se alternaba en escena diálogos hablados con
fragmentos corales cantados, sin embargo la música se transmitía de forma oral,
quedando así al paso del tiempo en el olvido.
Roma heredo el bagaje musical de Grecia, tuvo importancia la música
militar. En el imperio romano se pone punto final a toda una época cultural, serán
los cristianos los encargados de recoger los vestigios de la música y llevarlos a
nuevos rumbos. Los cantos religiosos de las catacumbas, de procedencia oriental,
sobre todo judaica, dieron origen tras la proclamación del cristianismo como
religión de estado, al canto gregoriano y a la monodia medieval. Aparece en esta
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época Guido d´Arezzo. El canto llano gobernó toda Europa. En el siglo XII
aparece la polifonía, que encontramos en Paris como ars nova, en forma de
motetes, cánones etc. La nueva fase de la historia de la música es la aparición de
la escritura para voces solistas, con acompañamiento armónico. Este estilo
llamado gralte, culmino con la aparición de la ópera, surge J. S. Bach con una
polifonía religiosa. El siglo XIX se inicia con la obra de un luchador solitario
Beethoven, con un estilo lirico romántico. Debussy impresiona con el
dodecafonismo de la escuela vienesa. Entre estas líneas se moverán la mayoría
de tendencias de nuestro siglo. Surgirán la música electrónica, concreta, aleatoria,
etc.
1.1.1.2 Importancia de la música
a) Desarrolla la memoria y el aprendizaje
Cuando un estudiante aprende un ritmo o una melodía, se debe grabar lo
que escucha en la memoria todos los elementos musicales. Cuando vuelve a
interpretarlos, debe repetirlos tal como los aprendió y esto requiere de una alta
concentración y capacidad retentiva. Esta práctica, necesariamente le lleva a
desarrollar la memoria. A diferencia de otras actividades de estudio cuando se
hace música. Se usa la memoria al máximo. Además, en este aprendizaje
permanentemente intervienen varios sentidos (oído, vista, tacto), se vuelve a
repetir una misma experiencia, se usa de la asociación de ideas y se aplica la ley
del agrado (se aprende más lo que más le agrada a uno). Esta capacidad no solo
servirá para sus prácticas musicales sino para todo su aprendizaje en general.
Más aun cuando hoy se hace necesario contar con una agilidad y destreza
mental.
Davis y Cols (2000) afirman que algunos ejercicios musicales activan el
área cognitiva del cerebro, favoreciendo y desarrollando el mundo académico del
estudiante, como también la evocación de recuerdos estimulando el lenguaje y la
atención.
b) Desarrolla la capacidad auditiva
Siendo el sonido la materia principal con el que se hace música, el
estudiante debe escuchar sonidos de diferentes alturas y variadas duraciones. Es
decir, debe captar a través del oído, melodías y ritmos. Así mismo debe
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diferenciar timbres, intensidades y armonías distintas. En cada sesión de
aprendizaje musical, este sentido debe escuchar y reproducir con precisión y
fidelidad una canción o un tema musical. Con la experiencia y ejercitación musical
permanente, los estudiantes desarrollaran y ampliaran grandemente su capacidad
auditiva. Es decir, prepararan su oído para escuchar con mayores posibilidades
todo tipo de mensajes sonoros. En la vida educativa, mucho hace que el
estudiante sepa escuchar a sus interlocutores.
Ward y Burns (1982) definieron la capacidad de identificar y producir una
nota o frecuencia determinada sin compararla con otro sonido de referencia, que
se desarrolla con la práctica musical.
c) Contribuye al ordenamiento psicomotriz de los niños
El ritmo en la práctica musical con niños, se expresa con el movimiento,
desarrolla la capacidad psicomotriz de los mismos. En las rondas, en los bailes,
en los saltos rítmicos, en el uso de la mano para el acompañamiento, la
sincronización, la coordinación y el uso de sus músculos, desarrollan en los niños,
estas capacidades. “los sonidos de frecuencia baja influirán decisivamente en la
conducta motora” (Campbell, 1998. p. 57)
d) Favorece a la socialización del educando
Gastón (1968) y Sears (1968) conceptúan a la música como parte de la
integración social, con efectos del establecimiento y restablecimiento de las
interacciones sociales del individuo.
La música es un arte que requiere del concurso de más de dos personas.
Incluso cuando de solistas se trata, hay la necesidad del interprete, el compositor
y de una audiencia. Y en el caso del arte en la escuela, la formación de un coro,
de una banda rítmica, de un dúo, un trio, un cuarteto, un conjunto, una banda de
músicos, etc. Permite a los niños la coordinación entre ellos, requiere de la
comunicación permanente y el sometimiento a un trabajo grupal. En este
ambiente, la socialización encuentra su mejor campo de cultivo. La humanización
de los niños, la amistad, la solidaridad. La fraternidad, se desarrollan durante la
actividad musical. A diferencia del trabajo individualizante de ciertas asignaturas
puramente cognoscitivas.
e) Desarrolla las capacidades: estética, expresividad y creatividad
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El niño requiere del goce estético, tan caro a la civilización fría de hoy.
Requiere apreciar la belleza y el arte musical le puede permitir esa satisfacción.
El arte se materializa a través de la interpretación de una creación musical.
En esta interpretación, hay que reproducir una serie de elementos con suma
delicadeza y cuidado (matices, sonidos de diferentes alturas, clímax, carácter,
velocidades, etc.) que hacen que precisamente la obra sea bella.
Esta capacidad de reproducir fidedignamente una obra, es lo que se
conoce como expresión. Una interpretación musical solo podrá conmover al
auditorio o a los oyentes, cuando la expresión ha sido correcta. El niño cuando
hace música, siente que está ofreciendo parte de su espiritualidad, de su mundo
personal. No está ofreciendo un objeto ni menos un instrumento muerto sin vida,
está ofreciendo algo vivo y para ello debe darle a su obra musical la expresión
adecuada.
Así mismo dentro del mundo del arte, el niño crea a cada momento
canciones, ritmos, movimientos, combinaciones de instrumentos, musicaliza, crea
rondas. Su capacidad creativa, se da de manera muy grande. Su mundo interno
bulle. Es en la música y en el arte, en donde su libertad se agiganta, para dar
lugar a materializar y concretar sus vivencias e inquietudes.
A diferencia del hecho cognoscitivo, en donde el estudiante es un ente
repetitivo, muerto, que reproduce mecánicamente conocimientos o informaciones
ya descubiertas, en la música ocurre lo contrario, su alma de investigación y
creación sale a luz.
f) Formación ética y espiritual
El trabajo en grupo, la solidaridad entre los integrantes del coro, una banda
o un elenco musical, es obvio que dan nacimiento a valores positivos. La
solidaridad, la fraternidad, la ayuda mutua, el respeto a los demás, la igualdad, el
bien común, son algunos de los valores éticos que los niños desarrollan dentro del
aula por efecto de la música.
La música y la espiritualidad tienen desde los orígenes de la música, una
profunda conexión estrecha. (Katsh & Merle-Fishman, 1988)
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Así mismo, al no existir condiciones para el individualismo y sobre todo,
para el efecto estético y espiritual de las obras artísticas (letra, desarrollo
melódico, expresión, género, etc.) los niños se humanizan y se vuelven más
espirituales.
El arte por ser un hecho no material sino espiritual, refuerza este lado
humano.
g) Desarrolla la capacidad de liderazgo y autocontrol
La música produce estudiantes seguros de sí mismo, no dependientes, con
mayor capacidad comunicativa. Por citar un ejemplo concreto de los estudiantes
de formación artística temprana, del conservatorio ahora universidad de música,
la mayoría de ellos, en sus colegios son jefes de grupos, coordinadores,
presidentes o líderes. Así mismo, muchos, ocupan los primeros puestos en los
cuadros de méritos. Asumen de manera responsable sus obligaciones musicales.
A diferencia de otras asignaturas, que se expresan solo en exámenes, en la
música no está en juego la capacidad cognoscitiva, sino la vivencia permanente.
Asi no haya una correcta ejecución del hecho sonoro, el niño, cuando se hace
música, vive el hecho estético, lo goza.
h) Desarrolla el cuerpo humano
Especialmente cuando se hace la práctica vocal, debido a que en dicha
actividad, se trabaja con las cuerdas vocales, el diafragma, los pulmones, las
fosas nasales, la cavidad bucal y el cuerpo mismo, al interpretar una canción y en
los ejercicios previos a ello, de manera natural se limpian y afinan las cuerdas
vocales, se adopta una respiración correcta y saludable, se desarrollan los
pulmones, se corrigen diferentes defectos de articulación, dicción, emisión e
incluso de interpretación de los sonidos. Así mismo, el busto y el cuerpo adoptan
una postura erguida, artística y de buena imagen. Cualquier actividad musical en
el canto se compara a la gimnasia física, que mejora el fortalecimiento físico-
biológico de la persona.
i) Ayuda a mirar y comprender el mundo con mayor profundidad e
integralidad
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Para comprender la inmensidad del macro y microcosmos, y para entender
el principio y el fin de las cosas, se requiere de mucha capacidad de
contemplación y reflexión. El arte nos permite conocer sus elementos de manera
particular, pero al mismo tiempo nos hace sentir integral y globalmente el hecho
sonoro, es decir por su capacidad de análisis y síntesis, nos ayuda a comprender
y entender el mundo, la sociedad y el pensamiento.
j) Ayuda a resolver problemas de carácter psicológico y emocional, incluso
terapéuticos y ayuda a pacientes con Alzheimer
No es necesario abundar en esta afirmación toda vez que hoy dentro de la
medicina y psicología, existe todo un campo relacionado con la musicoterapia
para resolver ciertos problemas de carácter psicológico o médico.
Cabe recordar lo señalado por Carl Jung después de una demostración
musical:
“Esto abre caminos totalmente nuevos de investigación que jamás
habría soñado, dado lo que me ha demostrado esta tarde, no solo lo
que ha dicho, sino lo que yo he sentido y experimentado, creo que
desde ahora en adelante la música debería ser una parte esencial
de todo el análisis. Esto llega al material arquetipo profundo, al que
solo algunas veces podemos llegar, en el trabajo analítico con
pacientes. Esto es muy extraordinario” (Campbell, 1998, p. 171).
k) La actividad musical equilibra emocionalmente a la persona
En las personas cuya ocupación no es necesariamente el arte, sino el
cultivo del intelecto o la actividad manual o física, la música, equilibra la vida de
estos individuos. El hombre por presentar una realidad dual, material y espiritual,
debe alimentar ambas áreas con actividades apropiadas.
Stendhal, en su libro dedicado a Rossini: “Creo que la música nos
conmueve únicamente cuando excita la imaginación para producir ciertas
imágenes análogas a las pasiones que nos agitan”
l) La actividad musical puede constituirse en una fuente de ocupación
laboral
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En la sociedad de hoy, al margen de las situaciones de crisis, también el
ser intérprete, compositor, constructor de instrumentos, empresario de
espectáculos musicales, ingeniero de sonido, etc., constituyen ocupaciones
laborales.
m) Fomenta la identidad nacional y desarrolla el espíritu de integración
social y cultural
En la educación artística, la riqueza folclórica, tradicional y popular que
tiene el Perú, tiene una utilidad muy grande, formativa y metodológicamente.
Además, contribuye a la forja de nuestra integración e identidad nacional. Al
respecto, cabe recordar lo señalado por el maestro Holzmann (1987), en su libro
Introducción a la etnomusicología: teoría y práctica:
El empleo y aplicación de materiales etnomusicológicos en la
educación musical y en la creación artística favorece
pedagógicamente a la nueva generación y contribuye a proporcionar
una mayor vinculación cognitiva con las expresiones vernáculas,
fomentando la integración social y cultural; ayuda a una mejor
valoración del rico pluralismo idiomático de la cultura musical
latinoamericana así como del lenguaje musical de la propia nación y
de sus variantes regionales, fortaleciéndose de este modo el
sentimiento de identificación nacional; asegura una formación más
amplia, auditiva y cultural, al igual que al mismo pedagogo, en los
institutos superiores de educación artística y en las escuelas
profesionales especializadas. Como se podrá apreciar, la aplicación
en el proceso educativo del material etnomusicológico y folclórico
constituye un importante freno y protección contra la persistente
alienación basada en una comercialización cultural sin control de
ninguna clase. (p.134)
1.1.2 La música tradicional peruana
Nuestro país, existe muchos géneros de música tradicional a comparación
con otras partes de este continente.
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Este folklore musical peruano lo podemos dividir en tres clases: Música
incaica, música mestiza o criolla y la música moderna o actual (Compositores-
música peruana, 2000, p.6)
a) La música incaica
Esta música floreció y se desarrolló en forma grandiosa bajo la civilización incaica
basada en la pentafonia (sistema de escalas de cinco sonidos), no recibió ninguna
influencia extraña y se expresaba en una variedad inmensa de sonidos de muy
diferente carácter y los motivos para que eran compuestas eran también variados;
así en sus fiestas religiosas, en las siembras, en las guerras, en sus ceremonias
de organización política, era primordial a través de obras musicales la expresión
de sentimientos.
Todos estos acontecimientos que se pueden llamar sociales, se
expresaban con un canto sencillo y de libre ritmo, con lo que se podía indicar:
alegría, dolor, tristeza, amor y eran sumamente gritados y más bien recitados que
cantados.
b) La música mestiza o Criolla
Esta música nace con la conquista. Los españoles fuera de traer la
civilización europea y la religión católica trajeron consigo su música del sistema
pentafónico que existía hasta entonces.
Ellos quisieron introducir por todos los medios su música entre el pueblo
peruano, pero al venir encontraron una música pura, desarrollada y sobre todo
muy arraigada en el sentimiento nacional por lo que lo único que lograron fue
combinarse ambas haciendo surgir de esta manera un nuevo tipo de canción a la
que nosotros llamamos criolla o mestiza.
Fruto de sus marchas militares, sus jotas, sus seguidillas, pasodobles, etc.
Y de nuestra música incaica, muy especialmente del huayno y del harawi, surgió
pues nuestra marinera, el tondero, las polcas criollas, los valses, etc.
No solo se hizo fusión entre la música profana, sino también los españoles
arraigaron su música litúrgica en la nuestra, haciéndola más bella, pero no por
eso cambio su originalidad, vitalidad y grandiosidad de la música incaica.
c) La música moderna contemporánea
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Nuestra música moderna surge en la época de la república. Se llama
música moderna o música actual a aquellas que nacen de los compositores que
escriben música basándose en nuestro folklore y que para realizar nuestra música
le aplican técnicas modernas.
Tenemos muchos compositores como Daniel Alomáis Robles que escribió
el poema sinfónico “Amanecer Andino”; el monseñor Pablo Chávez Aguilar que
escribió seis preludios incaicos; Teodoro Valcárcel que formo el ballet “Suray-
Surita”; Valle Riesta que compuso la ópera “Ollanta”; Andrés Sas que tiene “Suite
Peruana” y “Rapsodia Peruana” etc.
1.1.2.1 Importancia de la música tradicional
La educación Primaria es el nivel escolar es donde los niños tienen
experiencias básicas, en lo que respecta a la enseñanza musical, con la práctica y
la audición musical las diferentes oportunidades que ofrece el canto, la ejecución
de instrumentos como la zampoña, quena como también la flauta dulce,
instrumentos de percusión el cajón la cajita el cencerro, y el conocimiento de la
notación musical. Es este el momento que se debe propiciar el desarrollo del
lenguaje musical con la ejecución y comprensión de temas bien escogidos. En
donde la música peruana tendría que convertirse en un recurso de aprendizaje
articulado a otras disciplinas como el de comunicación y las matemáticas
ayudando a una formación completa e integral a los estudiantes.
La música tradicional tiene ese valor que nos identifica como seres y como
sociedad. Kodaly afirma que el lenguaje musical debería enseñarse desde edades
tempranas el cual debería ser el eje central del currículo escolar y de todo
aprendizaje que derive de él. (Martínez, 2014).
1.1.2.2 Porque enseñar la música tradicional
La música es tan importante como otras materias, ahora mismo en el
tiempo que estamos viviendo, todo es muy veloz, una cosa es lo que se aprende y
otra lo que se vive, el arte de la música tiene la capacidad de anudar, el mundo de
afuera, el arte contemporáneo y el día a día, la capacidad que permite conectar
quienes somos como civilización, de dónde venimos, como un retrato de familia,
también que sepan quién soy yo en esta sociedad que se va a construir, a futuro.
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La necesidad del día a día, imaginar a futuro la interdisciplinariedad, la
ciencia a través del arte, puede enseñar muchas cosas, la practica en las clases
busca lo que el alumno aprende en la teoría, como el valor del patrimonio, y
defenderlo, porque es un patrimonio cultural.
Otro fundamento de enseñar la música tradicional es el valor que le damos
a la creatividad hecha con la música tradicional, esta capacidad la tienen todas las
personas de resolver problemas, cuando nacemos, somos exploradores netos, y
en la escuela la creatividad se va menguando, la creatividad nos va a permitir si el
día de mañana me encuentro con un problema, entonces el estudiante va a ser
capaz de resolver el problema. Esencialmente la creatividad es un compendio de
tantas cosas a su alrededor. Para entender el medio audio visual en que vivimos.
1.1.2.3 Como aprender secuencialmente la música tradicional
Educación Auditiva. Desarrollamos la sensorialidad auditiva. Conociendo las
características del sonido:
1). Altura
a) Graves- agudos.
b) Ascendentes o descendentes.
2). Intensidad
a) Fuerte-Piano.
b) Crescendo-disminuyendo.
3). Timbre Diferenciar diversos sonidos por su timbre
a) voces.
b) Objetos.
c) Acciones.
d) Instrumentos de percusión que no sean iguales.
e) Instrumentos de percusión iguales.
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1.2. Didáctica musical
1.2.1 ¿Que es la didáctica musical?
Según Alsina (1997) existen tres niveles de didáctica musical:
Nivel básico: se imparte en la escuela primaria y secundaria.
Nivel aficionado y elemental: la enseñanza se concentra en las escuelas
municipales, academias privadas con enseñanza no
reglada como ejecutante de instrumentos o voz.
Nivel profesional: se imparte con objetivos de formar músicos profesionales,
como ejecutante de instrumentos, compositor, director,
cantante, en escuelas de música llamados conservatorios.
La didáctica de la educación musical va a cambiar según los contextos
sociales los modelos educativos, no es lo mismo comparar el modelo educativo
de Finlandia con el modelo educativo peruano, aunque hayan temas musicales
creados con base en la fuente principal de las metodologías de los grandes
psicopedagogos de la historia, que vivieron en los principios del siglo XX y que
sirvieron como base a su contexto determinado. Una enseñanza bien realizada en
la educación musical no solo es transmisión del conocimiento, sino también
fortalecer las capacidades sensorias motrices, afectivas y cognitivas de cada
estudiante.
Esta relación de didáctica sofistica musical, a una nueva enseñanza
artística a través de la música, ha determinado este cambio de rumbo actual,
surgiendo las pedagogías activas que es la característica de este sistema
contemporáneo, donde se requiere docentes con sólida formación musical y
pedagógica (Stoyanova, 1997, p. 3).
Según Pascual (2002) presenta las preguntas para el análisis y reflexión de
la educación musical y la construcción de contenidos con su respectiva didáctica
para cada una de ellas
¿Quién y para quién? Relación entre docente al discente
¿Por qué? Programación sustentada
¿Para qué? Metas para alcanzar
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¿Qué? Cartel de contenidos
¿Cómo? Propuestas de intervención metodológicas
¿Cuándo? Calendarización
La educación musical debe estar a cargo de especialistas pedagogos
solventemente preparados en música y en la didáctica específica de su
especialidad. Sin embargo, el logro de enseñanza dependerá de la cantidad de
estudiantes a cargo del docente pedagogo.
Uno de los pilares de la educación de la expresión musical, es el conocer al
sujeto a quien le impartiremos el conocimiento musical. Es un análisis previo a la
construcción del cartel de contenidos de los que se desea desarrollar en los
estudiantes concordantes con sus características psicoevolutivas de desarrollo.
Para la justificación didáctica, según Campbell (1998):
La educación musical es sumamente importante, porque los efectos de
equilibrio en quien lo escucha rebaja las sensaciones desagradables, ralentiza y
refresca las ondas cerebrales, tiene influencia positiva al incrementas las
hormonas de endorfina, aumenta el sistema inmunológico, ayuda con el stress,
etc.
En la pregunta a realizarse, para qué de la educación de la expresión
musical, “la educación musical en la escuela primaria, tendrá un objetivo final,
integrar con la música, aspectos de temperamento y personalidad” (Gastón et al.,
1968, p. 90)
La música aporta a las demás asignaturas en el colegio, en tanto se
diferencia en los objetivos específicos. Fortalece atraves de la coordinación viso-
oculomanual que ejercitan con los instrumentos y la lectura musical, a la
estructura cognitiva, como también refuerzan la inteligencia y otros aprendizajes.
¿Qué?
Sobre los carteles de contenidos y actividades:
- Como leer música (solfeo), hablado y entonado, leer ritmos y realizar
dictados rítmicos y musicales.
A continuación, en primaria se consideran un amplio enfoque.
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- El sonido y ruido como parte de expresión, Shaffer (1995) con el empleo de
grafías no usadas cotidianamente.
- Incluir todo tipo de melodías, clásica, popular, contemporánea, moderna,
folklórica, así como de cultura oriental del otro lado del mundo.
- Trabajo del canto, a través del ritmo, melodía y armonía, como también de
instrumentos musicales y corporales.
- Contenido de diverso tipo. el desarrollo de valores, como desarrollar la parte
expresiva del niño, también la influencia en la percepción del entorno.
¿Cómo?
La problemática a resolver del educador musical es la falta de métodos
debidamente secuenciados. Un cartel de contenidos por grados que nos llevaran
al logro específico de nuestra enseñanza, el docente tendrá que diagnosticar con
que método de enseñanza propio ejecutara su actividad musical, para favorecer el
aprendizaje significativo, en búsqueda de la integración de conocimientos
anteriores y que sean útiles para la vida del estudiante dándole funcionalidad.
En la clase de música, “El estudiante de música requerirá de bases previas
de experiencias del contorno donde el docente de música vivenciara los aspectos
técnicos en el rigor de la interpretación del instrumento y concordantes a la teoría
musical” (Despins, 1984, p. 112).
Al impartir la actividad musical, tendremos que observar también, la calidad
mínima y digna del aula, sus características, los instrumentos musicales en buen
estado, los materiales educativos, etc.
1.2.2 Historia de la didáctica musical
En su perfeccionamiento histórico, la música, su educación musical y su
didáctica musical como especialidad sistematizada, tiene en la Grecia ateniense
sus más antiguas reseñas.
Los datos narrados en los cantos homéricos así como las referencias de
los grandes filósofos del siglo V a.c. (Pitágoras, Platón, Aristóteles, entre otros
que abordaron el aspecto de la Educación y la música), nos señalan la presencia
de personas virtuosas en poesía, ejecución del instrumento y el canto, quienes
20
demostraban genialidad y lo atribuían sus enseñanzas refinadas, inspirados en el
culto a una divinidad (Apolo, las Musas).
Esta cultura desarrolló escalas que cumplían funciones psicológicas
influyendo en las reacciones anímicas del auditor, en el comportamiento y las
emociones humanas. Sobre ello afirma Valls Gorina: “se estimaba que el modo, o
armonía, dórico, por su tesitura baja lo usaban en reuniones cívicas solemnes, el
modo frio tenía un carácter sensual correspondiente al uso erótico, el modo lidio
tenía un sentimiento fúnebre...”
La música poseía un nivel de elite en la clase aristocrática, ya que su
enseñanza era personalizada basada en la tradición del aprendizaje y, para el
que poseía medios económicos altos.
Según Robertson y Stevens, en su obra Historia General de la Música, el
que dictaba la educación era el kotarodites o ejecutante maestro de la citara.
Posteriormente era el instructor físico y el maestro de letras los que acompañaron
a los discípulos aprendices. El canto y la danza se relacionaron con las
enseñanzas anteriormente descritas. Así, la música era impartida como parte de
la cultura mental, y se articulaba con la educación física.
En la figura del paidagogós (pedagogo) también residía la responsabilidad
de protección y cuidado del discente a cargo, era especialista en impartir la
educación.
En relación a la música, existió en Grecia tres postulados:
• La paideia, transmisión oral de conocimientos y valores sociales de Grecia
antigua, concibiendo a la música de una manera artística y educativa.
• La mousiké, comprendía el acompañamiento musical con danzas y gimnasia
a un texto cantado en versos, representados en público con un mensaje cultural.
• El éthos, que era la asociación del empleo de los modos, según la finalidad y
un texto que influenciaba al ejecutante y el oyente.
Con el avance de la filosofía el arte se va liberando del análisis mítico de
los fenómenos, hallando en el ser humano la fuente de inspiración asentando los
fundamentos de la moral y los valores.
21
Los maestros poetas de mayor renombre fueron: Solón (640- 558 a.C.), de
tendencia democrática, discriminaba las excelencias y debilidades de la clase
noble, atribuyendo el bienestar de la comunidad al mantenimiento de la idea de
derecho; Teognis (siglo VI a.c.), quien es un conservador, tiene una tendencia
hacia la educación unilateral, en vista a la conservación de la casta aristocrática;
Píndaro (520-440 a.c.), quien se siente llamado a depurar los mitos religiosos
tradicionales, empleando la poesía con un amplio sentido educador, resaltando la
virtud de los héroes y triunfadores de los juegos panhelénicos.
Roma tiene en la presencia de Marco Flavio Quintiliano, nacido en el 36
a.c. la imagen de uno de los innovadores de la educación de su época. Defendió
la educación desde edades tempranas, la enseñanza de los niños, planteó su
discrepancia con el uso de castigos duros en la infancia, reclamando otros
procedimientos de estímulo y corrección más apropiados y eficaces en esa edad.
Igualmente asume una defensa de la escuela pública, por su aspecto contributivo
a la formación del carácter, por sus ventajas en el aspecto intelectual, así como
por su colectivización o socialización.
En la Edad Media, la educación cristiana, recién se desarrolla a partir del
siglo VII. Anteriormente a ello recibían una formación gramático -literaria en
escuelas que continuaban la tradición del Imperio romano y que poseían un
acentuado carácter pagano. El Tercer Concilio de Constantinopla, en el 681 d. j.
c., dispuso que los sacerdotes debían tener escuelas con una dirección religiosa.
Dicha época permitió a la humanidad sistematizar mucho de la herencia
griega debido a la influencia de las corrientes neoplatónicas que la sustentaban.
En dicho contexto, la música era una arte que tuvo especial consideración, estuvo
presente en la enseñanza del Quadrivuim (aritmética, música, astronomía y
geometría), donde la música y la astronomía (cuyo dominio era entendido de
importancia para el cómputo de las fiestas) se utilizaron para patrocinio del culto.
Lazo Arrascue nos recuerda que: “Casidoro (funcionario del rey ostrogodo
Teodorico) organizó la enseñanza en las escuelas monásticas, en base a las
obras de Marciano, Capella, Nupcias (Filología) y Mercurio, enseñando las siete
Artes Liberales, divididas por Ancio Severino Boecio, en dos grupos:
22
a) Trívium: el arte de hablar impartidos en curso de gramática y retorica
articulado con el arte de razonar que se impartió en los cursos de dialéctica o
lógica
b) Cuadriviun: impartidos en aritmética, música, astronomía y geometría”.
Entre los siglos XII y XIII, las Universidades la incluyeron como disciplina
liberal, ampliando posteriormente su importancia siendo parte de la formación de
los estudiantes que accedía a ella.
Durante las controversias que originaron la Reforma, Lutero y Calvino,
aunque con definidas discrepancias, la consideran en su importancia formativa.
Es así que, en el siglo XVII, esta idea considera que en la educación de los
jóvenes, era muy relevante que conocieran la música.
En el época de la Ilustración, el desarrollo pedagógico no favoreció a la
música de la misma manera como a las otras artes, siendo esto impugnado por
Rousseau, Basedow y Pestalozzi, quienes percibieron su importancia.
Para Rousseau, el hombre era inspirado por la naturaleza y este lo
expresaba y experimentaba sentimientos y pasiones a través del canto y la
melodía.
Por su parte Basedow, entendía que el canto y ejecución favorecía el
aprendizaje, tomando la iniciativa de sugerir a compositores obras y canciones
para uso escolar infantil.
Pestalozzi relaciona la música con la educación concibiéndola como
adquisición de gusto por la defensa de los valores morales, que tenía poder de
vencer los bajos instintos, que denigraban al ser humano.
La educación contemporánea tiene la misión en la formación integral del
discípulo y no recoger solo la visión de antiguos maestros, buscando la
virtuosidad del instrumento. (Gainza, 1964, p. 225)
Los posteriores planteamientos innovadores en la educación, enmarcados
en grandes movimientos pedagógicos como La Escuela Nueva, influenciaron
también en nuevas propuestas en la Educación Musical.
23
Los sistemas de educación y expresión musical, actualmente buscan
estimular la parte física, emocional, intelectual y estética trascendiendo al
aprendizaje de solo conocimientos culturales y tienen las características
siguientes:
1. Clase participativa de inicio al final.
2. Se realiza primero la práctica consolidando la experiencia para después
fundamentarlo con la teoría.
3. Fortalecimiento del desarrollo: cognitivo, sensorial, lo afectivo, el intelecto y el
espíritu.
4. Consideración por el estado de madurez del discípulo, correspondiente
también a la evaluación de su estructura cognitiva e intereses personales del
alumno
5. Buscar a la musicalidad del estudiante apoyado en lo sensible de ejecución
de algún instrumento musical
6. Educación integral de lo impartido articulado a otras áreas.
7. Estimular la creatividad con fin supremo de la musicalidad
1.2.3 Importancia de la didáctica musical
El nivel primario en la escuela es donde los niños tienen experiencias
básicas, en lo que respecta a la enseñanza musical, con la práctica y la audición
musical las diferentes oportunidades que ofrece el canto, la ejecución de
instrumentos como la zampoña, quena como también la flauta dulce, instrumentos
de percusión el cajón la cajita el cencerro, y el conocimiento de la notación
musical. Es este el momento que se debe propiciar el desarrollo del lenguaje y
expresión musical con la ejecución y comprensión de temas bien escogidos. En
donde la música peruana tendría que convertirse en un recurso de aprendizaje
articulado a otras disciplinas como el de comunicación y las matemáticas
ayudando a una formación completa e integral a los estudiantes.
La música tradicional tiene ese valor que nos identifica como seres y como
sociedad. Así como plantea Kodaly que la música debe enseñarse desde
24
pequeños, lo cual debe ser el eje central de todo aprendizaje y a la vez el centro
del currículo (Martínez, 2014).
1.2.4 Características de la didáctica en la musical tradicional
Se rescata las siguientes características al analizar la sintaxis, semántica y
la organización de los carteles de contenidos:
Es intencional, porque todo proceso didáctico llevado a aula tiene por
finalidad loa objetivos claros establecidos en el currículo a fin de conseguir
el desarrollo de lo cognitivo, afectivo motriz, de relación y de integración
social.
Debe tener una configuración histórico-social, el aprendizaje y el
pensamiento utilizan casi siempre elementos culturales que estén situados
en el contexto de la persona (Bruner, 2000, p. 22).
Contiene un sentido explicativo, normativo y proyectivo, concordante con el
pasado presente y posible futuro(Bruner, 2000, p. 106).
Tiene finalidad práctica, en cuanto a estar ligado a los problemas docentes
a fin de conseguir el perfeccionamiento de ambos.
Interdisciplinario, situado en las ciencias de la educación, y que establecen
articulación con las demás áreas como la matemáticas.
Impredecible o indeterminado, porque se desarrollara dependiendo del
objeto de la didáctica, como también de los contextos culturales, en donde
estas justifican la acción artística y creadora.
1.2.5 Metodología de la didáctica musical
1.2.5.1 Metodologías importantes de la didáctica musical
Estas metodologías eran usadas por sus creadores pedagogos, en un
contexto determinado y para una finalidad o necesidad observada, ya que la labor
de la educación musical es musicalizar, cada pedagogo, utilizo su método de
enseñanza para el ejercicio académico.
En nuestro contexto de américa latina, repercutió en las aulas de la escuela
este tipo de academizar la música más no en los conservatorios. Sus ejecutantes
25
fueron los docentes de turno, y que en la actualidad nos servirá para proponer
una secuencia en nuestro cartel de contenidos de música tradicional peruana.
Existen numerosas causas de la ausencia en el currículo escolar, de la
música tradicional peruana en la escuela. En la actualidad el ministerio tiene
escasos canales y mecanismos de comunicación, con notoria falta de información
para mostrar experiencias concretas, sus trabajos en sus procesos educativos y si
tiene efectos positivos o negativos que de ellos habrían resultado. Ni recoger
sistemáticamente la información deseada para los logros y dificultades de
diversificación y concreción curricular. A continuación, se presenta los periodos de
las propuestas metodológicas, de pedagogos, que revolucionaron la educación
musical con su investigación. (Ver Tabla 1).
Primer periodo (1930-1940) De los métodos precursores
segundo periodo (1930-1940) E. Jacques
Dalcroze (1865-
1950)
Edgar Willems
(1890-1978 Bélgica-
Suiza)
Maurice Martenot
(1898-1980, Francia)
Tercer periodo (1930-1940) Carl Orff (1895-
1992)
Zoltan Kodaly (1882-
1967)
Suzuki (1898-1998)
cuarto periodo (1970-1980) De los métodos creativos: M Schafer
Quinto periodo (1980-1990) De transición
Sexto periodo (1990) De los nuevos paradigmas (nuevos modelos pedagógicos)
Tabla 1. Periodización, principios y metodología. Nota: Tomado de Hemsy de Gainza Violeta. La educación musical en el siglo XX. Rev. Music, Chile. Ene. 2004. Vol. 58. N° 201, p.74-81.
1.2.5.1.1 Método Dalcroze (1865-1950)
Artista, creador, poeta, Emile Jaques-Dalcroze comparte con otros autores
el papel anticipador de los tiempos futuros.
“La música es el único arte capaz, de enlazar en una sola ley y en una sola
fuerza todas las energías y leyes dispersas” (Jaques-Dalcroze, 1921, p. 118)
Hombre de su época, sus explicaciones remiten constantemente a los
principios de la dualidad del ser, busca fusionar el espíritu y la materia.
26
Entendiendo la relación de la inteligencia, imaginación, sentimientos con la acción
del cuerpo (movimientos) y el sentido.
Dalcroze, para comprender el lenguaje musical, ejercita con el cuerpo un
solfeo corporal. Buscando así conocimiento de la rítmica a través de los figuras
usadas en el lenguaje musical, unido a la improvisación con solfeo corporal.
Basaba este método en tres funciones básicas:
1. Expresión corporal en el conocimiento de su funcionalidad. El cuerpo
ejercitado con la actividad motriz y conducida por la música. Sugerido desde
edades tempranas.
2. Adquisición del conocimiento intelectual de la teoría, después de ejercitada la
expresión sensorial y motriz.
3. La educación de expresión música, incluyendo la improvisación y el ritmo,
requiere de la toma conciencia de una coordinación entre lo corporal mental.
1.2.5.1.2 Método Willens
Para Edgar Willems existe una relación estrecha de la música con la
naturaleza, y este acercamiento sirve para fortalecer facultades humanas
importantes.
Encontramos en este método una interpretación relacionando al hombre
con la música (ver tabla 2):
Hombre Música
Instinto Ritmo
Afectividad Melodía
Intelecto Armonía
Tabla 2. Tomado de Escudero (1988)
Fundamentaba su método en cuatro pilares como:
1) La búsqueda de la sensorialidad auditiva.
27
2) A trasvés de la práctica rítmica el desarrollo de la audición.
3) Obras y canciones elegidas con detalle académico y pedagógico.
4) Desarrollar el sentido del pulso musical a través de marchas escolares.
Willems proponía que la educación expresión musical debe tener el mismo
rumbo que la enseñanza del lenguaje, como observaremos en la siguiente tabla
sobre diferencias entre lenguaje y música (ver tabla3).
Tabla 3. Tomado de Escudero (1988).
El método Willens se preocupa de la preparación básica de los niños.
No forzar jamás al niño, motivando intrínsecamente para seguir el trabajo y
pronto retornara a la actividad ejecutada.
El educar musical desarrollara un plan de ejecución desarrollando la
imaginación, la creación y expresión.
Willems sugirió al educado musical:
1) Concientizar al estudiante del ejercicio rítmico, golpes en la carpeta
contando los golpes con menos y más rapidez
2) Aceleran y ralentar la sucesión de golpes.
3) Ejercitar con golpes en la carpeta largos y cortos.
4) Adivinar de que canción se trata marcando un ritmo al ejecutar.
5) Improvisar ritmos con una base creada por los estudiantes.
6) Con una mano se debe marcar el ritmo de la canción con la otra el tiempo.
Willems concede gran importancia desde u principio al canto:
Canciones populares, para principiantes, de corte popular y sencillo.
Canciones que estimulen la mímica sobre el lenguaje.
LENGUAJE MÚSICA
1. Escuchar las voces 1.Escuchar los sonidos los ruidos y los sonidos
2. Mirar la boca quien habla 2. Retener silabas, palabras, e instrumentales o vocales
3. Retener sin precisión elementos del lenguaje
3. Retener sonidos y sucesiones de sonidos
4. Retener silabas, palabras, etc.
4. Retener trozos de melodías, etc.
28
Canciones que ayuden a la discriminación de intervalos.
Canciones rítmicas, con movimientos sencillos.
Observaremos lo fundamentado y explicado anteriormente en la siguiente
tabla:
Tabla 4: Relación entre los rasgos del ser humano y los elementos de la música. Tomado de Willems (2002).
Otro acápite de la función de este método es la educación auditiva.
El oído musical contiene un triple aspecto sensorial, afectivo y mental, que
se corresponde con oír, escuchar y entender y está integrado en la naturaleza
humana del discípulo que lo ejercita (Willems, 1989). Estas características serán:
1. La sensorialidad auditiva, empezará en la etapa sensomotora, desde los 6-8
años de edad desarrollando la recepción auditiva.
2. La afectividad auditiva es la participación de nuestro ser, con los sonidos
musicales se desarrollara la sensibilidad.
Relación Ser Humano/música Sensomotor Afectivo Cognitivo
ritmo
Sensomotor pulso
afectivo ritmo
cognitivo compás
melodía sensomotor
Notas
Relación ser humano/música sensomotor afectivo cognitivo
afectivo Intervalos
cognitivo escalas
armonía
Sensomotor acordes
afectivo cadencias
cognitivo grados tonales
29
3. La inteligencia auditiva busca la experiencia sensorial que ejerza el dominio
interior para discriminar, crear, y expresar.
1.2.5.1.3 Método Martenot
Murice Martenot pensó que “el niño es capaz de desarrollar un esfuerzo
interno sostenido por impulsos espontáneos, pero no será capaz de mantener ese
esfuerzo durante demasiado tiempo si no intercala reposos relativos”
Su máxima: “el espíritu antes que la letra, el corazón antes que el intelecto”
sustento el rumbo de su método.
Los objetivos de Martenot como lo señala en su libro Guía Didáctica del
Maestro, destaca lo siguiente:
Motivar el amor profundo a la música.
Desarrollar integralmente el ser.
La música debe de estar al servicio de las demás áreas de la
educación.
Canalizar energías a través de ejercicios programados.
Incentivar los juegos musicales y relacionarlos con los conceptos
teóricos.
Incentivar una cultura de calidad y sensibilidad musical.
1.2.5.1.4 Método Orff
Fundamenta su método en la unidad de Lenguaje, música y movimiento, es
un sistema de idead pedagógicas que permanecen vivas y evolucionan día a día.
Aprendiendo y expresar con el cuerpo y sus potencialidades sonoras y motrices
es lo fundamental. Las ideas del cuerpo como instrumento musical no se reducen
al empleo de la voz solamente. Extremidades superiores e inferiores favorecen a
una buena coordinación motriz y expresión creadora. “Antes de cualquier
actividad musical, ya sea melódica o rítmica está el ejercicio de hablar” Orff
(1895).
Esto sugiere que a través de las palabras, los niños se expresan, sienten y
asimilan con facilidad la música. Se aprende a hablar por imitación, así como la
música con lo que el oído es imprescindible.
30
Para desarrollar la creatividad se comienza con ejercicios de imitación, esta
es una de las características esenciales en el Odff-Schulwerk. Propone también el
método Orff, utilizar los instrumentos autóctonos que son familiares y propios al
contexto donde se vive.
1.2.5.1.5 Método Kodaly
Zóltan Kodaly, adopto técnicas modernas sin ser compositor, como el
neomodalismo, de las canciones húngaras populares, la poliarmnonia y el
contrapunto armónico. Sus obras tienen gran colorido y vibrante vigor, utilizo los
principios de la estimulación temprana, teniendo gran importancia el contexto
cultural. Su sistema de enseñanza no solo estaba dirigido a músicos profesionales
si no que fuera accesibles a todos.
Kodaly realiza importantes aportes como:
Articula la música a la enseñanza en general, proponiendo su uso al
alcance del niño desde las edades más tempranas.
Música popular del contexto donde se vive
Importante aporte de los coros como instrumento musical, y la voz como
recurso específico.
La enseñanza y formación en música tendría su base en la canciones
vernaculares y tradicionales.
Uso debido de la solmización.
Cantar más y menos instrumentos.
Uso de la pentafonia, la iniciación del lenguaje musical y fonomimia.
1.2.5.1.6 Método Suzuki
Centró su método en el aprendizaje específico de la técnica del violín,
aprender a escuchar era su lema, teniendo siguientes pilares este método.
El contexto en el que se desarrolla marca la formación del ser
humano.
La iniciación musical se debe llevar a temprana edad. Iniciando a los
3 o 4 años de edad.
La repetición como fundamento de todo aprendizaje.
La familia y profesores intervendrán en el aprendizaje del discípulo.
31
Aprender música, es como recibir la enseñanza de la lengua
materna.
El niño aprenderá por imitación y ejercicio del oído.
Es un método individual pero necesariamente se congregara a
reuniones grupales para potenciar la cohesión y las relaciones
amicales.
1.2.5.1.7 Murray schafer (1933)
Raymond Murray schafer y Jonh Payter, aportan una gran revolución en el
tratamiento de la pedagogía de la educación musical en la actualidad.
Su método se inspira en ir desde el primer momento a la creación,
incorpora grafías para un lenguaje musical contemporáneo, acuña también el
concepto de paisajes sonoros.
1.3. La educación artística en el Perú
1.3.1 La educación artística
1.3.1.1. Que es la educación artística
“Las sociedades del XXI exigen cada vez más trabajadores creativos,
flexibles, adaptables e innovadores, y los sistemas educativos deben ajustarse a
esta nueva situación” (UNESCO, Hoja de ruta para la educación artística, 2006,
p.3).
La educación artística es la vivencia de las diferentes manifestaciones del
arte como música, artes visuales, teatro y danza, con las competencias definidas
para aprender habilidades que permitan expresar y evaluar el mundo de nuestro
contexto, participando en cualquier aspecto de nuestra existencia humana.
1.3.1.2. Historia de la educación artística
A comienzos del s. XIX, se organiza el currículo escolar para la educación
artística, incluyendo el dibujo como parte de la enseñanza basados en los
métodos de los artistas, y no en una pedagogía de especialistas en la materia.
32
Dentro de la sociedad apareció la burguesía. Se dio origen a la revolución
Industrial. La escuela estaba restringida, ingresaban solo varones. Pronto se
inicia la Incorporación de las niñas a espacios y actividades libres.
Se incluye el Dibujo técnico (instrumental y pragmático) y el artístico
(Sistema de copias - adaptación academicismo). Se utiliza las láminas para
colorear.
En 1834 se organizaron los planes de estudio y se recurrió a la formación
del profesorado en las llamadas escuelas normales.
En 1857 se dio la Ley de instrucción pública Moyano. En las escuelas de
formación elemental aparece la educación Artística.
En el siglo XX, las innovaciones vanguardistas, utilizaron mejor la
compresión de la mente infantil, revolucionando en la concepción de la infancia.
En la segunda mitad del siglo XX a través del enfoque de la época en
autoexpresión creativa (años 40 y 60), La educación artística se centró en el niño
potenciando su imaginación y expresión.
Víctor Lowenfeld. Afirmo que existía la imitación como nivel deformas
establecidas y de dependencia. Por otro lada es estudio de la autoexpresión
suponía un nivel independiente de adaptación y progreso. Por eso establece
fases en el desarrollo creativo del niño:
El garabato para hacer frente de motivación al movimiento libre (1 a 5,
años).
En la etapa pre esquemática, los dibujos típicos eran los renacuajos (3 a 5
años).
En la etapa esquemática se adquiere en concepto de la forma ( 5 a 9 años)
A los 12 años se daba la adaptación del dibujo a la realidad. Comienza el
realismo.
Pseudo naturalismo, dándole importancia al producto final. Aparece la
representación de la perspectiva (12 1 13 años).
La decisión, se busca el perfeccionamiento técnico, búsqueda de la
expresividad (de 13 a mas)
En el s. XX. Aparecen nuevos enfoques para la educación artística
33
1. En los años 40 al 60 se gestó la Autoexpresión creativa.
2. En los años 20 y 30, tuvo relevancia la educación Visual
3. En los años 80 el enfoque disciplinar se modificó.
4. Lo nuevos enfoques en la concepción de la educación artística:
-Currículo posmoderno (1996).
- Pedagogía crítica (1998).
- Currículo de Cultura Visual (2000).
1.3.1.3 Historia de la educación artística en el Perú
Las etapas de la historia peruana están muy marcadas en el quehacer artístico
a nivel educativo:
a) Antes de la Reforma Educativa militar
Durante este periodo, el arte se enseñaba regularmente en dos
modalidades: una especializada, que estaba encargada a las Escuelas
Nacionales y Escuelas Regionales y, otra general, como parte de las asignaturas
de la Educación secundaria.
La primera buscaba formar artistas profesionales y la duración de esta
educación era superior a los cinco años para música, algunos hasta doce años.
Dentro de esta modalidad, los cursos eran específicamente de especialidad. La
parte pedagógica estaba totalmente ausente, salvo un periodo, en el que en el
conservatorio Nacional de Música, se implementó una Escuela normal para
profesores de música. En esta época esta educación estuvo bajo la dirección del
instituto de cultura, que contaba con autonomía plena respecto al ministerio de
Educación.
La segunda modalidad, no tenía un fin en sí mismo, no era una enseñanza
independiente, se dictaba música y dibujo, básicamente, junto a un paquete de
doce o catorce asignaturas. Música era un curso más. Además, su enseñanza se
daba dentro de la misma concepción teórica, abstracta y memorística que
priorizaba la información más que la vivencia. Todavía existen libros de esa
época, que por ejemplo cuando de ritmo se trataba, ocupaban su mayor espacio y
tiempo, en la valoración matemática de las figuras más que en la práctica misma.
34
b) La reforma Educativa (Ley 19326)
En esta época que correspondía casi toda la década del 70, hubo un serio
y profundo intento de modificar la concepción de la educación en el Perú. La
misma ley, partía de un austero diagnóstico de la realidad educativa en el país.
Criticaba los métodos y contenidos de este sistema tradicional.
Respecto al arte, rechazando conceptual y doctrinariamente la autonomía
de esta manifestación planteada, que el arte debería de cumplir un papel de
apoyo al proceso de enseñanza aprendizaje, remarco la utilidad metodológica y
pedagógica por ejemplo de la música, el teatro, el baile y la pintura. En esta etapa
se acuña el slogan: “Una educación por el arte”, que según se decía había
caracterizada la anterior etapa.
Respecto al sistema educativo artístico, el estado enfrento a cada
modalidad por separado.
Respecto a la educación artística especializada, convoco a un gran
encuentro en Huampaní, congregando a prestigiosos directores y artistas
profesores y estudiantes de arte, en las áreas de música, Bellas Artes, teatro y
folklore, para discutir la implementación de la nueva política educativa en el Perú.
Luego se cambiaron los currículos de las Escuelas de Arte, se redujo el número
de años, se mediatizo en perfil de los egresados, se dijo que el Perú no requería
de contados artistas sino de muchos, que mediante podía interpretar obras de
poca dificultad. Se introdujeron los talleres populares de creación, lo mismo
ingresaron cursos de tecnología de fabricación de instrumentos típicos y la
educación especializada poco a poco fue pasando a manos del Ministerio de
Educación.
En cuanto a la educación artística en los colegios, se encargó a
especialistas del INIDE y otros, que mostraban simpatía por la nueva filosofía
educativa del estado, para que diseñaran la elaboración de sus objetivos,
contenidos, métodos y actividades complementarias. En todas estas acciones,
estuvo presente al idea que el arte carecía de un fin propio y en sí mismo, no
debía de existir en los colegios según esta lógica, una educación artística “para
sí” (se pensaba que tal tarea estaba en manos de las escuelas de arte) sino que
el arte debería ser un instrumento, un medio, de apoyo a la labor pedagógica
35
únicamente. En esta etapa, si bien el arte fue considerado unilateralmente y en el
otro extremo de la educación tradicional, sin embargo, tuvo mucha difusión, en
todos los centros educativos se implementaron talleres, en la primaria y en el nivel
inicial, el arte y la música ingreso con buen pie y mucha fuerza.
c) Después de la experiencia educativa militar
A partir de 1980, la Educación artística, pasa por otros momentos, se deja
que la enseñanza artística de manera rutinaria se desenvuelva. Luego a nivel del
estado, se plantean objetivos que hablan de una identidad nacional a los que
debería aportar el arte, pero no hay claridad en la orientación que debería dársele
a la educación artística.
Se desmantela todo el sistema impuesto por la ley 19326 y se retorna al
sistema antiguo, con un lenguaje aparentemente moderno. En los órganos
directrices del sector educativo, ingresan nuevos reglamentos, nuevos objetivos,
pero sin claridad ni coherencia, no hay una nueva e integral concepción educativa
en el estado, por lo que paradójicamente hace que subsistan programas y
directivas anteriores. Es decir, hay una mixtura entre lo anterior (que tenía cierta
coherencia) y lo nuevo que ingresa sin un fin definido, ingresa a un periodo de
crisis y ausencia de brújula. En el periodo 85 al 90, se culmina por dejar sin efecto
las modalidades y niveles implementados por la experiencia velasquista, dándose
en materia de educación artística parciales medidas.
Hoy se puede decir, a pesar de la buena voluntad que existe en
funcionarios ejecutivos de las áreas educativas correspondientes, no hay nada
que podría llamarse una integral y coherencia política educativa en materia
artística. Lo que si se ha visto es un potenciamiento de las áreas cognoscitivas y
prácticas, dentro de los criterios que la educación debe servir para enfrentar los
retos materiales y económicos de la vida social y un desarrollo industrial.
1.3.2 El currículo Nacional y la educación artística para primaria
La Educación Primaria en el Perú, es desarrollado durante el periodo de
seis grados escolares, considerado como el segundo nivel de la EBR. Su objetivo
primordial es desarrollar las competencias de los estudiantes al ser promovido de
la educación inicial. Se considera para este nivel primario, los estilos, ritmos y
niveles de aprendizaje, como también la pluralidad cultural y lingüística. También
36
se procede a fortalecer relaciones de cooperación y empatía entre la escuela y el
núcleo familiar, para poder desarrollar integralmente a los estudiantes
enriqueciendo su proceso evolutivo y educativo
“EL arte no es un conjunto de objetos bellos, sino el proceso mediante el
cual articulamos una experiencia interior con nuestras respuestas al mundo
exterior. Este camino lo recogemos a partir de la expresión de nuestras
necesidades, pensamientos y emociones” (Hernández, 2000, p. 112)
Es la cita textual del CNEBR 2017, sustentando la orientación a los
profesores del nivel primario para fundamentar el proceso de enseñanza
aprendizaje, la educación artística estará fundamentada en el área de Arte y
Cultura, que consta de los lenguajes artísticos como son: Artes visuales, teatro,
danza y música.
Tabla 5: Plan de estudios de la Educación Básica Regular
Tomado de: MINEDU (2017). Programa curricular de Educación Primaria
1.3.2.1 Perfil y enfoque del Área, estándares
Para el logro del perfil de egreso los estudiantes de EBR desarrollarán
diversas competencias. El área de Arte y Cultura promoverá y facilitará a lo largo
del recorrido de seis grados que dure la primaria, que los estudiantes desarrollen
NIVEL EDUCACIÓN PRIMARIA
CICLOS III IV V
GRADOS/ EDADES
1.°
2.°
3.°
4.°
5.°
6.°
ÁR
EA
S C
UR
RIC
UL
AR
ES
Comunicación
Castellano como segunda lengua
Inglés
Arte y cultura
Personal social
Educación religiosa
Educación física
Ciencia y tecnología
Matemática
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e interrelacionen dos competencias: Aprecia de manera crítica manifestaciones
artístico-culturales y Crea proyectos desde los lenguajes artísticos.
Corresponde mencionar los dos enfoques del Área los cuales son:
Enfoque Multicultural, que protege el patrimonio material e inmaterial de las
culturas que con el tiempo se extinguen por el no uso de las costumbres desde la
escuela, y reconoce a toda producción artística, indígena, urbana, rurales,
migrantes, juveniles etc.
Enfoque Interdisciplinario que promueve la integración del arte con otras
disciplinas o saberes para que puedan responder a situaciones de problemáticas
locales o globales. Como la violencia contra la mujer, problemas ambientales,
racismo, etc.
Respecto al termino estándar, el MINEDU nos especifica que “son
descripciones del desarrollo de la competencia en niveles de creciente
complejidad desde el inicio hasta el fin de la educación básica de acuerdo sigue la
mayoría de estudiantes que progresan en una competencia determinada”
Nivel Descripción de los niveles del desarrollo de la competencia
Nivel 5 Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales al interpretar las cualidades expresivas de los elementos del arte, la estructura y los medios utilizados en una manifestación artístico-cultural y explica cómo transmite mensajes, ideas y sentimientos. Investiga los contextos donde se originan manifestaciones artístico-culturales tradicionales y contemporáneas e identifica cómo los cambios, las tradiciones, las creencias y los valores revelan la manera en que una determinada persona o sociedad ha vivido. Genera hipótesis sobre el significado y las diversas intenciones que puede tener una manifestación creada en contextos históricos y culturales diferentes.
Nivel 4 Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales al observar, escuchar y describir las características claves de una manifestación artístico-cultural, su forma, los medios que utiliza, su temática; describe las ideas o sentimientos que comunica. Investiga los contextos donde se origina e infiere información acerca del lugar, la época y la cultura donde fue creada. Integra la información recogida y describe de qué manera una manifestación artístico-cultural comunica ideas, sentimientos e intenciones.
Nivel 3 Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales al observar, escuchar y describir las características visuales, táctiles, sonoras y kinestésicas de estas manifestaciones, describiendo las sensaciones que le transmiten. Participa de conversaciones sobre los contextos donde se originan manifestaciones artístico-culturales y reconoce que responden a características propias de un grupo de personas, de tiempos y lugares diferentes. Expresa sus preferencias sobre manifestaciones artísticas que observa o experimenta y conversa sobre los temas, las ideas y sentimientos que comunican.
(2017, p. 63)
Tabla 6: Estándares de aprendizaje de la competencia “Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales”
Tomado de: MINEDU (2017). Programa curricular de Educación Primaria
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Nivel Descripción de los niveles del desarrollo de la competencia
Nivel 5 Crea proyectos artísticos individuales o colaborativos explorando formas alternativas de combinar y usar elementos, medios, materiales y técnicas artísticas y tecnologías para la resolución de problemas creativos. Genera ideas investigando una variedad de fuentes y manipulando los elementos de los diversos lenguajes de las artes (danza, música, teatro, artes visuales) para evaluar cuáles se ajustan mejor a sus intenciones. Planifica y produce trabajos que comunican ideas y experiencias personales y sociales e incorpora influencias de su propia comunidad y de otras culturas. Registra sus procesos, identifica los aspectos esenciales de sus trabajos y los va modificando para mejorarlos. Planifica los espacios de presentación considerando sus intenciones y presenta sus descubrimientos y creaciones a una variedad de audiencias. Evalúa si logra sus intenciones de manera efectiva.
Nivel 4 Crea proyectos artísticos en una variedad de lenguajes que comunican experiencias, ideas, sentimientos y observaciones. Explora, selecciona y combina los elementos del arte y utiliza medios, materiales, herramientas y técnicas de los diversos lenguajes del arte para expresar de diferentes maneras sus ideas y resolver problemas creativos. Demuestra habilidad para planificar trabajos usando sus conocimientos del arte y adecúa sus procesos para ajustarse a diferentes intenciones, que se basan en observaciones o problemas del entorno natural, artístico y cultural. Comunica sus hallazgos, identificando elementos o técnicas o procesos que ha usado para enriquecer sus creaciones y mejora sus trabajos a partir de retroalimentaciones. Planifica cómo y qué necesita para compartir sus experiencias y descubrimientos hacia la comunidad educativa.
Nivel 3 Crea proyectos artísticos que demuestran habilidades artísticas iniciales para comunicar ideas, sentimientos, observaciones y experiencias. Experimenta, selecciona y explora libremente las posibilidades expresivas de los elementos, medios, materiales y técnicas de los diversos lenguajes del arte. Explora ideas que surgen de su imaginación, sus experiencias o de sus observaciones y las concretiza en trabajos de artes visuales, música, teatro o danza. Comparte sus experiencias y creaciones con sus compañeros y su familia. Describe y dialoga sobre las características de sus propios trabajos y los de sus compañeros y responde a preguntas sobre ellos.
Tabla 7: estándares de aprendizaje de la competencia “Crea proyectos desde los lenguajes artísticos”
Tomado de: MINEDU (2017). Programa curricular de Educación Primaria.
1.3.2.2 Competencias, capacidades del III, IV, y V ciclo (primaria)
El actual currículo nacional establece competencias, capacidades
estándares y desempeños posibles a desarrollar articuladamente a través de una
práctica integral de las artes, donde se puede replantear nuestra labor docente en
los proyectos de aprendizaje una opción para ello.
El área de Arte y cultura cuenta con dos competencias:
a. Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales. Cuenta con
tres capacidades:
Percibe manifestaciones artístico-culturales.
Contextualiza manifestaciones artístico-culturales.
Reflexiona creativa y críticamente sobre manifestaciones artístico-
culturales.
b. Crea Proyectos desde los lenguajes artísticos:
Elabora y experimenta los lenguajes artísticos.
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Aplica procesos creativos.
Evalúa y comunica sus procesos y proyectos.
El MINEDU señala en su programación curricular de educación primaria
que “este enfoque facilita la integración de los lenguajes artísticos, pues plantea
un proceso de exploración y producción creativa donde muchas veces se necesita
usar dos o más de estos lenguajes de manera concatenadas/articuladas y
asociadas usualmente a un propósito específico” (2016, p.57)
En la misma página agrega “Abordar la enseñanza y aprendizaje de las
artes desde un enfoque multicultural e interdisciplinario, es situar el proceso de
enseñanza-aprendizaje en entornos culturales y naturales del estudiante, que
permite la formación integral de ciudadanos activos y participativos del desarrollo
local”.
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CONCLUSIONES
Con respecto al trabajo de investigación llegamos a las siguientes conclusiones:
1) Las Metodologías importantes de la educación musical, ayudaran en el
proceso académico de la musicalización y el acercamiento a la sensorialidad
auditiva del estudiante, ya que han sido fuente de inspiración para desarrollar
una coherente educación musical.
Tenemos a Dalcroze con su método que está sustentado que a través del
movimiento y el ritmo teniendo en cuenta la importancia del sistema nervioso, en
el equilibrio, y se preocupa directamente del ritmo, también propone que puede
desarrollar una educación musical, explícitamente desarrollando la percepción del
oído, se difundió más en la educación infantil, este método sirvió de inspiración a
las teorías de Willens y Orff.
Por otra parte, la metodología de Willems, pretendió el desarrollo del oído
musical, con la sensorialidad auditiva, como también el sentido rítmico, como
base a la práctica de lectura musical, la ejecución instrumental o cualquier otra
disciplina.
Martenot propuso que el estudiante amara la música, favoreciendo el
desarrollo del ser, ejercitando medios para canalizar energías de los alumnos, y
como fin último este desarrollo musical ofrecerlo al servicio de la educación en
general.
Orff, fundamenta su método formado por lenguaje, música y movimiento,
en aprender y expresarse a través del cuerpo, las oportunidades sonoras y
motrices que de ella resultan.
Kodaly propone trabajar con la música tradicional que es la prioridad, y la
significación del solfeo relativo a través de la solmización, prioriza la enseña
musical como medio a través de canciones, cantar más y utilizar menos
instrumentos, así como el uso de escalas pentatónicas, la educación musical
empieza antes del nacimiento del niño.
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Suzuki su gran lema fue: “aprender escuchando”, propuso las ideas que el
ser humano es el fruto del contexto que lo rodea, su aprendizaje musical tendría
que ser desde tempana edad, como principio fundamental explico la repetición
sustentando como aprendemos la lengua materna, los profesores y padres
también participaran en el desarrollo educativo.
2) La música contribuye al beneficio social y favorece la integración del
proceso enseñanza aprendizaje al permitir que el niño exprese sus emociones
pensamientos, sentimientos con las respectivas relaciones interpersonales,
ejercitando además la creatividad, etc. Por lo tanto favorece de manera integral
lo socio afectivo y formación general del niño, ya que a través de la música
tradicional el estudiante se relaciona con sus compañeros se expresa y
socializa. Los educadores musicales estarán llamados a planificar actividades
en sus carteles de contenido que correspondan a la necesidad del estudiante
en cuanto a la concentración con su debida motivación, encontrando un clima
de tranquilidad y gozo al realizar cualquier actividad musical. De manera que la
música estimule el aprendizaje significativo, ya que este tipo de música
peruana es la que nos invita a sentir e interiorizar nuestros valores culturales
desarrollando la creatividad que nace de ella.
3) Respecto a nuestro propósito de analizar cómo llega la educación
musical al currículo de Educación Básico Regular se puede sostener lo
siguiente
Antes de la reforma educativa militar, existían dos modalidades de
educación: una especializada y otra general como parte de las asignaturas de la
educación secundaria. La primera buscaba formar artistas profesionales, con una
duración de cinco años de estudios, la segunda modalidad, era la que se dictaba
en los colegios las asignaturas de música y dibujo, básicamente. Música era un
curso más.
Durante la reforma Educativa se ejecutó la ley 18326, era la década de los
70, se remarcó la utilidad metodológica y pedagógica en la música, teatro, el baile
y la pintura. Se acuño el eslogan educación por el arte.
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La educación artística en los colegios, estaba a cargo del INIDE, en esta
etapa tuvo mucha difusión la educación por el arte, se implementaron talleres, en
la primaria e inicial el arte y la música tuvo mucha fuerza.
Después de la experiencia educativa militar, no existió claridad en las
directrices del sector educativo, existió una mixtura entre lo anterior lo nuevo sin
un fin definido, En el periodo 85 al 90, se dejó sin efecto las modalidades y niveles
implementados por la experiencia velasquista, dándose en materia de educación
artística parciales medidas.
En el actual Currículo Nacional se establece las competencias,
capacidades, estándares y desempeños para articular el desarrollo de las
prácticas integrales de las artes, donde nuestra labor docente debe ser
replanteada, siendo los proyectos de aprendizaje una opción para ello.
El MINEDU señala en su Programa curricular de Educación Primaria que:
“este enfoque facilita la integración de los lenguajes artísticos, plantea un proceso
de exploración y producción creativa donde muchas veces se necesita usar dos o
más de estos lenguajes de manera articulada”.
La educación en el Perú se ha ido transformando positivamente con la
reforma curricular e implementación del currículo Nacional, ese cambio nos
permitirá una visión y mejora de nuestra realidad educativa y crecimiento como
país.
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