DEPARTAMENTO DE MÚSICA

PROGRAMACIÓN GENERAL

Para los cursos 1°, 2° y 4º de E.S.O.

Curso 2008-2009.

Jefe de Departamento :

Pedro Moreno Navarro

1

ÍNDICE DE LA PROGRAMACIÓN

PRIMER CICLO DE E.S.O.Consideraciones preliminares: 3

OBJETIVOS GENERALES 4EVALUACIÓN, RECUPERACIONES Y PROMOCIÓN 4MATERIA, EVALUACIÓN, RECUPERACIONES Y PROMOCIÓN. 5OBJETIVOS MÍNIMOS Y ADAPTACIONES CURRICULARES 7ADQUISICIÓN Y/O DESARROLLO DE COMPETENCIAS 8CONTENIDOS Y OBJETIVOS MÍNIMOS DE 1º 10PRIMER TRIMESTRE 10SEGUNDO TRIMESTRE 15TERCER TRIMESTRE 19CONTENIDOS Y OBJETIVOSMÍNIMOS DE 2º 26PRIMER TRIMESTRE 26SEGUNDO TRIMESTRE 32TERCER TRIMESTRE 36

ACTIVIDADES PREVISTAS. 43METODOLOGÍA 1º Y 2º DE LA ESO 46OBJETIVOS GENERALES DE LA 2ª ETAPA 47OBJETIVOS MÍNIMOS 48PRIMER TRIMESTRE 48SEGUNDO TRIMESTRE 57TERCER TRIMESTRE 67

METODOLOGÍA en 4º de E.S.O 73ANEXO I CONTENIDOS DE AUDICIONES 75ANEXO IIEVALUACIÓN DE LAS PRUEBAS DE AUDICIONES 81ANEXO III PLANTILLA PARA ANALIZAR AUDICIONES 82ANEXO IVPRUEBA EXTRAORDINARIA SEPTIEMBRE Y PENDIENTES 84

2

PRIMER CICLO DE E.S.O.

Consideraciones preliminares:

Nuevamente nos encontramos en el presente curso con la preparación de materiales para los contenidos cambiantes de asignaturas. En este caso afrontamos la elaboración del temario en los niveles 2º y 4º de la ESO.

Ya en el pasado ejercicio nos vimos obligados a elaborar el del nivel 1º, que duplicaba el número de horas semanales; así mismo se debió modificar el de 2º, dado que pasaría a similar consideración, siendo un curso terminal, que había de enfocarlo de cara a la nueva situación que se plantearía en los cursos siguientes.

El problema planteado por la sustitución de la Historia de la Música, desde 1º del extinto BUP en el nivel coincidente después con 3º de la ESO, se planteaba que, la materia fundamental de la musicología, se quedaba sin espacio o que habría que readaptarla a los niveles de 2º y/o de 4º.

La implantación escalonada de los nuevos horarios de las asignaturas dejaba, necesariamente, dos años sin que se pudiera estudiar esta materia de Historia de la Música eliminada de 3º, a saber, el nivel 2º en los cursos 2006-7 y 2007-8.

Dado que en 4º la asignatura es opcional, se hace necesario incluir en el nivel 2º, en el que es obligatoria, la materia antes impartida en 3º, con los correspondientes recortes y ajustes, dado que en 2º no se tiene capacidad general para intuir la importancia de la presencia en la Historia de logros artísticos de igual importancia a las demás artes.

Es obvio que tales estudios son más aptos para 4º, donde se venía recordando su tránsito histórico profundizando en la Historia de la Música española. Pero por enésima vez se cambian los diseños en este nivel, por lo que se propone una síntesis de lo que se estudiaba en 3º y en 4º.

En 1º de la ESO, se amplían o corrigen los tradicionales contenidos de lenguaje musical, géneros musicales, instrumentos y agrupaciones, instrumentales y vocales, adelantando, merced a la evolución, importantes aspectos que se desarrollarán en cursos siguientes. Valga como ejemplo la importancia de la formación de la orquesta sinfónica, imposible sin las tendencias del Barroco y sin la aparición y evolución de la sinfonía; de aquí surge la mejor música de nuestro tiempo, sin duda plasmada en las bandas sonoras del llamado séptimo arte.

3

OBJETIVOS GENERALES.

Los estudios musicales de esta etapa van encaminados al contacto del alumno con el hecho sonoro y musical, con un conocimiento suficiente del lenguaje musical y de los recursos usados para su producción, para afrontar con elementos de criterio mínimo el estudio, comprensión e interpretación de las obras de arte musicales y otras manifestaciones sonoras.

EVALUACIÓN, RECUPERACIONES Y PROMOCIÓN

El seguimiento de los conocimientos adquiridos por el alumno será directo en los ejercicios de clase, escritos y orales, pues dada su elemental consistencia no suele tener problemas de asimilación más que en alumnos de actitudes negativas.

Los textos a estudiar –características, definiciones, conceptos, etc.-, tendrán un seguimiento con controles escritos frecuentes, para evitar la acumulación de contenidos extensos. Estos conocimientos demostrados serán la base de las calificaciones en las evaluaciones correspondientes.

La razón de ser de estudios sobre materias artísticas es la importancia cultural de las obras de arte, por lo que tiene un indudable valor el conocimiento de las mismas, por encima de la aproximación teórica y definiciones técnicas. Es por lo que los compact-disc que se facilitan a todos los alumnos son un material de trabajo de indudable atractivo y de gran eficacia. Los controles de identificación de obras musicales y de sus autores, además de ser extraordinariamente formativos, aportan estadísticamente las mejores calificaciones en todos los niveles. Estos controles van precedidos de un trabajo de análisis previo, cuyas pautas se suministran por escrito, para destacar los perfiles auditivos de cada audición.

Es importante señalar que el objetivo de “aprender a escuchar”, tan necesario para la

persona, es de difícil evaluación; también lo es el grado de apertura al arte o la poesía que se puede establecer, así como desarrollo de la sensibilidad en todas las direcciones que se pretende. Es por esto por lo que queda al arbitrio del profesor evaluarlos y añadir créditos – no restar- a calificaciones objetivamente bajas. Es por lo que la actitud del alumno será muy tenida en cuenta, sobre todo si es positiva.

Las evaluaciones de alumnos con calificación por encima de Suficiente se establecerán haciendo la media de sus resultados, con gran importancia de su evolución y con mayor peso de las últimas calificaciones, considerando que la nota del último examen de temario hecho, siempre tendrá doble valor de cara a la evaluación corriente, además de considerar su actitud, nivel de participación y colaboración.

Las evaluaciones con resultados de Insuficiente serán producto de una nota media baja, debida a niveles de aprendizaje por debajo claramente de los objetivos mínimos. No obstante, una

4

nota media baja –Insuficiente-, puede corregirse al alza si las últimas notas son satisfactorias y se evidencia un aumento en el interés, en el rendimiento y, en todo caso, su comportamiento.

Las recuperaciones de los alumnos cuyo rendimiento haya ido en aumento hasta alcanzar un nivel de respuesta satisfactorio será considerada sin necesidad de exámenes específicos, recuperando las evaluaciones suspendidas aprobando la siguiente si su nota anterior no es de 2 o inferior. Aquellos que no tengan calificaciones satisfactorias en los niveles 1º, 2° y 4° de E.S.O., podrán acceder a un examen de suficiencia al final del curso.

Los alumnos con la asignatura pendiente de un curso anterior recuperarán ésta aprobando una evaluación de las tres del curso presente. De no conseguirlo, tendrán prueba extraordinaria para ello en las primeras semanas de la segunda evaluación. Si aún persiste la insuficiencia, podrán presentarse en el examen final del curso en cualquiera de los grupos del nivel pendiente.

La evaluación final tendrá como referencia principal los Objetivos Mínimos establecidos más adelante, los cuales sirven de guía útil para reconocer los niveles establecidos. La promoción del alumno será propuesta: 1 en base a sus conocimientos; 2 en base a sus posibilidades, en el curso siguiente, de recuperación si su actitud merece esta consideración; 3 si sus circunstancias personales y si su actitud es avalada por el Equipo Educativo.

Advertencia sobre los exámenes.Cuando un alumno falte justificadamente a un examen, deberá hacer el mismo en la siguiente clase a la que asista, previa justificación de la falta y a petición propia del interesado, excepto si el examen es de audiciones, para el que habría que programar una prueba de recuperación específica.

Extracto que se entrega al alumno sobre las consideraciones anteriores:

Materia, evaluación, recuperaciones y promoción.Sobre la materia, evaluación, recuperaciones y promoción.

La materiaLos textos a estudiar –características, definiciones, conceptos, etc.-, tendrán un seguimiento con

controles escritos sobre un temario de contenidos mínimos, elaborado por el Departamento, supliendo con medios audiovisuales excelentes, la mayor extensión y peso de un libro. El número de exámenes sobre el temario no será inferior a nueve. Serán las notas principales junto a las de audiciones.

AudicionesLa razón de ser de estudios sobre materias artísticas es la importancia cultural de las obras de arte. Es

por lo que los compact-disc, también elaborados por el departamento, y que se facilitan a los alumnos para su copia, son un material de trabajo de gran eficacia. Los controles de identificación de obras musicales y de sus autores, además de ser extraordinariamente formativos, aportan estadísticamente las mejores calificaciones en todos los niveles de la ESO.

Así mismo, cuando estas calificaciones de audiciones son altas, 6´5 o más en conjunto, se incluirán en las nota media del último trimestre, incluso al examen de septiembre para quien lo necesite.

Es importante señalar que el objetivo de “aprender a escuchar”, tan necesario para la persona y componente importante de la Asignatura, es de difícil evaluación. Por este motivo la actitud del alumno será muy tenida en cuenta, por lo que se especificarán después medidas en este sentido.

EvaluaciónLas evaluaciones de alumnos se resolverán haciendo la media de los resultados de las pruebas escritas,

con gran importancia de su evolución, esto es, con mayor peso de las últimas calificaciones: el último examen de evaluación tiene valor doble (no válido esto para recuperaciones)

Incentivos por actitud y procedimientos:Los alumnos que no tengan malas anotaciones en actitud (atención, corrección en clase, respeto,

asistencia, puntualidad...), añadirán 1 pto. a la nota final, lo que supone el 20% del aprobado. Por procedimiento (deberes de casa y de clase, traer los materiales de trabajo, interés, participación,...) añadirán 0´5, que supone otro 10%. Las malas notas en estos conceptos dejarán de sumar 0´1 pto. al

5

cómputo global de 15 décimas (1´5). En el mejor de los casos con 3´5 de media, el alumno aprobaría la asignatura en junio, dado que su buen comportamiento añadirá la puntuación necesaria.

Dichas malas notas se anulan bien con un positivo o bien advirtiéndose en las clases siguientes una evidente aplicación por parte del alumno. El buen comportamiento en actitud y procedimientos, aun no aprobando ninguna evaluación el alumno, en septiembre sólo responderá de las dos últimas evaluaciones.

Las participaciones que demuestren un interés evidente y continuo supondrán la obtención eventual de un positivo, que o bien anulará una mala anotación y, si no la hubiere, añadirá un punto al numerador de la operación de nota media, lo que es igual a sumar un punto al último examen, con efecto en la evaluación en la que se produzca.

RecuperacionesSin necesidad de exámenes específicos, las evaluaciones suspendidas se recuperarán aprobando la

siguiente, siempre que la nota media no sea inferior al dos.

Evaluación final y promoción La evaluación final tendrá como referencia principal los objetivos mínimos establecidos más

adelante, los cuales sirven de guía útil para reconocer los niveles establecidos. La promoción del alumno será propuesta atendiendo a: 1) sus conocimientos; 2) sus posibilidades de

recuperación en el curso siguiente, si su actitud merece esta consideración; 3) si sus dificultades personales y si su actitud son valoradas y avaladas por el Equipo Educativo.

Objetivos mínimos con Adaptación Curricular.La redacción de los temarios por este Departamento, está en gran medida inspirada por los alumnos con

dificultades para seguir los niveles correspondientes. Estos alumnos tendrán que estudiar los contenidos subrayados, que sólo se ven en los temarios especiales que se les da a ellos; pero gracias a este sistema, pueden seguir la lectura de lo que estudian los demás, por lo que pueden seguir la clase hasta donde lleguen sus posibilidades, con menor riesgo de que se pierdan a lo largo de la misma. Así mismo los padres pueden consultar los párrafos anteriores, donde pueden ver el régimen que siguen los compañeros

Firma del Padre o Tutor:

6

OBJETIVOS MÍNIMOS Y ADAPTACIONES CURRICULARESCon objeto de evitar confusas descripciones de objetivos, se ideó elaborar los contenidos en

temarios originales, con abundante material de apoyo audiovisual. Los temarios adaptados, son los mismos que los de los demás compañeros, sólo que cuentan con material subrayado como inicio de su esfuerzo, a lo que se le puede añadir, en el mejor de los casos, el total. El presupuesto corre a cargo de los gastos de Departamento y de su asignación económica correspondiente.

Objetivos mínimos con ADAPTACIÓN CURRICULAR.La redacción de los temarios por este Departamento, está en gran medida inspirada por los

alumnos con dificultades para seguir los niveles correspondientes. Estos alumnos tendrán que estudiar los contenidos subrayados, que sólo se ven en loe temarios especiales que se les da a ellos, pero gracias a este sistema, pueden seguir la lectura de lo que estudian los demás, por lo que pueden seguir la clase hasta donde lleguen sus posibilidades, con menor riesgo de que se pierdan a lo largo de la misma. Así mismo los padres pueden consultar los párrafos anteriores, donde pueden ver el régimen que siguen los compañeros.

Como complemento, con objeto de visualizar mejor cualquier página, tanto el temario del profesor como el original a mano en el PC., los párrafos tienen colores diferentes, lo que ayuda a situar mejor, en una pantalla, el lugar donde pudiera hallarse alguna dificultad

Ventajas de esta iniciativa:En primer lugar está la posibilidad real de que todos los alumnos, sea cual fuere su nivel inicial o

posterior, puedan seguir el desarrollo normal de la clase, porque, según se expone en la metodología, el seguimiento con la lectura de los mismos textos, evita en la mayor medida, tratos apartados y diferentes, con lo que la labor de integración de los alumnos menos dotados queda garantizada también en la mayor medida.

No depender de los cambios de las editoriales, que con el subterfugio de mejoras o ampliaciones, cuando no reducciones de contenidos, cambian periódicamente la redacción, obligando a abandonar libros que eran válidos y, muchas veces heredados, por lo tanto gratis.

En tercer lugar, se dispone de un archivo informatizado propio, que sin coste apreciable, se puede modificar, ampliar, proyectar en video, etc.

Como ventajas finales están: la posibilidad de incluirlo en la Programación de forma íntegra, y poder ser consultado, conocido, criticado y propuesto para mejora por todo aquel que tiene derecho a acceder a esta Programación, poniendo, al lector del presente documento, directamente en contacto con el material a estudiar, asequible a padres o tutores de cualquier nivel cultural.

Por otra parte, dado que los medios materiales, especialmente audiovisuales, se dispone de una capacidad extraordinaria para suplir con creces la mayor abundancia de libros de texto en gráficos, lecturas, imágenes, etc. Además se aligera el peso físico creciente que tienen que transportar los alumnos en sus desplazamientos.

7

ADQUISICIÓN Y/O DESARROLLO DE COMPETENCIAS

1. Competencia cultural y artística.Desde el primer contacto con el alumnado comienza una tarea de contacto con el mundo del Arte, que se irá manteniendo y ampliando, teniendo en cuenta y como fondo desde la Literatura a las Bellas Artes, figurando la música como una expresión más de una similar forma de ver el mundo según la época y el lugar. Los diferentes estilos tendrán su ubicación espacio-temporal y cultural, sus aportaciones válidas y sus excesos o defectos a evitar. La época y su arte tienen características comunes independientemente del medio artístico que se emplee. En todos los apartados musicológicos, especialmente los relacionados con la Historia y con la Historia del Arte, hay un material de contacto y recursos para ponerlos en relación –culturales- y para analizarlos y valorarlos –artísticos-.

2. Competencia para la autonomía e iniciativas personales.Los análisis de hechos musicales, preferentemente audiciones, cuentan con una plantilla con la que se pueden detectar factores objetivos, como tempo, compás, tonalidad mayor o menor, etc., y otros de carácter subjetivo, como son las sensaciones que se perciben, con un amplio abanico de adjetivos que ayudan a situarse al alumno y también le posibilitan una opinión personal, que los alumnos irán expresando y siendo oídos por todos, ampliando su percepción de cómo piensan o sienten muchos compañeros.

3. Competencia social y ciudadana. El mismo contacto con un grupo activo de alumnos va acompañado de una actitud respetuosa, arbitrada por el profesor e incluso por compañeros. Las preguntas que hacen los alumnos en la clase son derivadas por el profesor hacia algún compañero que pueda responderla; en caso de que no sea posible el profesor elabora sobre la marcha una serie de preguntas intentando que el alumno, relacionando otras cosas más sencillas, pueda encontrar la respuesta. Los recursos son interdisciplinares en la medida de lo posibleDe este modo, por ejemplo, se establecen vías de participación en las que el respeto es obligatorio y necesario.

4. Competencia en información e informática.Desde el principio, parte del material audio se propone a los alumnos para que ellos puedan elaborar los ejemplos que van a utilizar, bien CDs o bien material de transporte informático, como memorial extraíbles.La participación del proyector conectado al PC del Aula, permite, asimismo, visualizar en la pantalla todo tipo de operaciones, no sólo aquellas que permiten escritura musical, grabaciones de sonido, etc., sino todas aquellas de software libre, funciones, accesos, recursos, etc. útiles para el estudio, la información y ejecución de trabajos.

5. Competencia para aprender a aprender.Movido por vocación profesional hacia la formación integral del alumno como persona, ciudadano y, convencidos del valor de la formación intelectual y cultural, para poder orientarse en la vida, es de

8

enorme importancia enseñar el valor del aprendizaje y cómo obtenerlo por medios autónomos. Las frases sobre el peso del conocimiento, para ser hombres y mujeres libres, son abundantes, pero no tenidas en cuenta en todas sus dimensiones. Todas las que sean útiles, como refranes o sentencias, srán comentadas para que no caigan en el olvido.Con frecuencia el profesor utiliza en clase un diccionario etimológico, aspecto este de muchas palabras, su origen y verdadero significado, que siempre ha llamado positivamente la atención de los alumnos de todas las edades.Partiendo de los significados de expresiones-conceptos como atención, concentración, memoria, orden, análisis, etc., se buscan los principios más elementales para ponerlos en práctica. Desde siempre quien esto redacta, ha tenido la costumbre de citar una sentencia atribuida a Pitágoras: Empezar es la mitad del trabajo…, que a poco que se comenta llega a ser un axioma aceptado, pues muchas cosas no se hacen porque ni siquiera se empiezan. Se buscan así acciones o gestos que facilitan o predisponen al trabajo, como el uso habitual de la agenda, la importancia de asimilar disciplina con rutina; es una forma de intentar crear hábitos. A todo se suma la utilización de cualquier circunstancia favorable para corregir o señalar vicios normales y conocidos en las deficiencias en los estudios.Así mismo, siempre se hace constar que el conocimiento de composiciones conocidas pero ignoradas en su título y autor, es un valor cultural de primer orden, que no tardan en hacer público en la primera ocasión que se les presenta.

6. Competencia en comunicación lingüística. Con frecuencia, hasta en los manuales de aparatos de reproducción de grabaciones, a cada banda de un disco se le llama canción. Esto es un error por deformación e ignorancia. Aunque toda canción es o pretende se música, una sinfonía no es una canción, una danza tampoco.El lenguaje musical no acaba en la lectura correcta de pentagramas, sino que incluye muy especialmente el concepto de forma, que como tal tiene una definición. El lenguaje específico de la música es un enriquecimiento natural, pero obligatorio. Téngase en cuenta que, después de transcurrido un tiempo los conocimiento pierden precisión y contenidos. El contenido principal suele ir en un título de una definición o de un párrafo. Tanto en el transcurso del desarrollo curricular como en el trascendente trabajo con audiciones, es capital, por ejemplo, saber que el Himno a la Alegría es de Schiller, que la música es de Beethoven, y que su ubicación, su soporte, su nombre grande es la IX Sinfonía.

7. Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo que nos rodea.La música es el gran complemento de los sonidos a la creatividad humana, que trata de mejorar el entorno. Como en todo no es aconsejable el exceso, ni de música ni, mucho menos de decibelios.El carácter formativo de la música para la educación, y luego para compañía de la persona, estenido en cuenta por filósofos grandes y menos grandes.Aunque el ruído tiene su incorporación al arte musical como identificación de objetos y situaciones que pueden rodear y modelar el hecho sonoro, caso de la Música Conreta, o de la Música electroacústica, la contaminación por exceso de ruido e incluso por exceso de música debe ser uno de los límites a señalar y a observar.

8. Competencia en la abstracción numérica y cálculo mental..Aunque la aritmética no es materia evaluable en un seguimiento de estas asignaturas, pueden, no obstante, señalarse aptitudes, sobre todo cuando son notables cuando son notables. Los hechos musicológicos tienen un momento de aparición, desarrollo y decadencia, extinción o durabilidad, por lo que la situación en el tiempo requiere un dominio de precisión en lo que se refiere a años, siglos o períodos histórico-artísticos. No es desdeñable el valor que tiene moverse con perspectiva en saltos de siglos, milenios o años. A menudo se ven fechas de nacimiento y muerte de personajes y se mantiene, en estas asignaturas, la costumbre hacer calcular mentalmente la edad de dichos personajes. Las respuestas que se obtienen dan para detectar algunas veces problemas en proposiciones sencillas, aptitudes notables y deficiencias llamativas, como pueda serlo el nivel de lectura o de comprensión.

9

10

Contenidos y objetivos mínimos de 1º

Puntillo: Es un punto a continuación de una figura, silencio u otro puntillo, que le añade la mitad de la duración.

11

5. El teclado.El teclado es un mecanismo con el que muchos instrumentos ( piano, clave, acordeón, órgano, etc.) hacen sonar las notas. Básicamente lo forman doce teclas:Por una parte las teclas blancas, que son las siete notas Do Re Mi Fa Sol La Si, Por otra cinco teclas negras que se denominan como la tecla blanca anterior, p.e., Do # (sostenido), o como la tecla blanca posterior Re b (bemol); Re # ó Mi b, etc.

Dibujo de un teclado: fase 1ª fase 2ª

fase 3ª D# - Rb R#-Mb …. …D R M F S L Si D R M F S L Si

EXAMEN 2 en dos partesEl sonido y sus cualidades (2) 1. La intensidad o dinámica (del gr. dynamós = potencia )Es la fuerza con que se emite un sonido: en música se emplea una terminología de procedencia italiana para determinar qué intensidad se requiere en una partitura, empleándose abreviaturas debajo del pentagrama de: piano “p” que significa suave, y forte “f”. Entre ambas dinámicas se encuentra mezzoforte “mf” (medio fuerte), y en los extremos pianíssimo “pp” (muy suave) y fortissimo “ff”.

Los cambios graduales de dinámica se expresan a más con crescendo “cresc.” o a menos decrescendo “decr.” En frases musicales más o menos breves se usan los reguladores, que son ángulos que se abren hacia la derecha pidiendo intensidad, o a la inversa.

2. El timbre.El timbre es la cualidad por la que distinguimos, p.e., el sonido de un violín del de un oboe, o el de una voz de otra. Influyen muchos factores que determinan el timbre, siendo los más importantes:

En los instrumentos: el material (maderas, metal...) y el sistema de sonido: cuerda, viento, percusión. También influye mucho la calidad de la fabricación y las cualidades del intérprete.

El timbre de la voz humana lo determinan el tamaño y la elasticidad de las cuerdas vocales, la cavidad bucal y la resonancia craneal, distintas en cada persona.

Distinguir los timbres de los instrumentos en música tiene una gran importancia, porque la inmensa mayoría de la música que se compone es para instrumentos desde 1600 (Barroco). La ciencia llamada Organología, es la que investiga y describe todos los instrumentos*.3. La melodía y la armonía.La melodía es la parte cantada o cantable de la música. Se define como una sucesión de notas con sentido musical completo, similar a una oración gramatical. Las notas se suceden de dos modos: de grado o de salto: Do-Re es de grado; Do-Mi es de salto.La armonía es el acompañamiento de la melodía. Se hace con sonidos que se escriben debajo de la melodía. La forma de acompañamiento más sencilla es con acordes.

* Dentro y fuera de la música, órgano e instrumento vienen a significar lo mismo. 12

Nota: Este ejercicio, con dibujo del teclado por el alumno, puede sustituir el examen 1.

13

Acorde: es la ejecución simultánea de varios sonidos; se escriben de forma vertical en el pentagrama y todas sus nota están, o bien en líneas o bien en espacios.

En una canción la melodía la hace el cantante, y la armonía la hacen los instrumentos.

4. Intervalos. El intervalo es la diferencia de altura entre dos notas distintas. Los intervalos se determinan numéricamente contando las notas de la escala que las separan, incluyendo las que lo forma. Así, entre Do y Re, hay un intervalo de 2ª, entre Do y Sol de 5ª (Do-Re-Mi-Fa-Sol), etc. Esta numeración es independiente de que las notas tengan alteraciones

Los intervalos pueden ser: armónicos si se dan simultáneamente (vertical) y se miden desde abajo. melódicos si se dan de forma sucesiva. Estos últimos pueden ser ascendentes o descendentes: Re-Sol es de 4ª asc.; La-Fa es de 3ª desc.

Los intervalos mínimos : el semitono y el tono. El semitono o 2ª m (menor). Es la variación de altura mínima que percibe con claridad el oído humano. En el teclado es la diferencia de sonido entre una tecla y la inmediata, indistintamente blanca o negra, p.e. de Si a Do, ó de Fa# a Sol…3. El tono o 2ª M (mayor). Tiene dos semitonos (un tono), obteniéndose en el teclado entre dos teclas mediando una, indistintamente blanca o negra, p.e. de Do a RE, de Mi a Fa#.

4. Intervalo de 3ª. El intervalo de 3ª es el más importante en la armonía, porque con ellos se forman los acordes principales o tríadas, de tres notas, situadas todas en líneas (consecutivas) o en espacios. El intervalo de 3ª m tiene tres semitonos, p.e. se Do a Mib o de La a Do

El primer intervalo de 3ª de cualquier escala determina directamente la tonalidad M ó m, p.e. en la escala de Do la primera tercera es Do-Mi, que es de 3ª mayor (2 Tonos ó 4 semitonos ) significa que es La Tonalidad de Do mayor; en la escala de Re, la primera tercera es Re-Fa, que es 3ºm (1 Tono y medio ó 3 semitonos), es, por lo tanto la tonalidad de Re menor

5. Escalas y tonalidad La escala. Es una sucesión ascendente o descendente de notas consecutivas. Normalmente la distancia de nota a nota (de grado a grado) es de un tono, excepto en dos ocasiones en que es de semitono; según donde se sitúen estos semitonos la escala sonará de un modo u otro.

La escala que mejor conocemos es la llamada mayor u occidental (de Do), que tiene estos semitonos del 3º al 4º grado (Mi-Fa) y del 7º al 8º (Si-Do); en la escala andaluza o flamenca se sitúan los semitonos del 1º al 2º y del 6º al 7º. La escala china, o pentáfona, es de cinco notas coincidiendo con las teclas negras del teclado. La escala exátona, de seis tonos, crea efecto de irrealidadLos grados o notas mas importantes de las escalas son el I ó Tónica, el V ó Dominante y el IV ó Subdominante. Le sigue el III ó Modal, que distingue la escala o el tono mayor del menor.

14

EXAMEN 3 INSTRUMENTOS MUSICALES 1

1. Generalidades de los instrumentos.Los instrumentos musicales fueron inventados por los hombres para obtener sonidos más potentes que la voz y comunicarse desde lejos (cuernos, tambores...); luego, apreciaron timbres nuevos y los usaron en rituales y como acompañamiento musical a la voz, que fue el primero de todos los instrumentos.

Desde la prehistoria quedaron definidos para siempre los tres grupos a los que pertenecen casi todos instrumentos: cuerda (el arco), viento (cuernos, flautas de hueso) y percusión (troncos huecos, con o sin membranas, etc.). Tienen un cuerpo resonante o bien una caja de resonancia amplificadora.

2. Instrumentos de teclado. IntroducciónLos principales de estos pertenecen a los tres grandes grupos instrumentales: el clave y el piano son de cuerda; el órgano, el armonio y el acordeón son de viento; la celesta es de percusión. El teclado es un mecanismo para hacerlos sonar: en el piano, clave y celesta las teclas son palancas, en los de viento son llaves de paso del aire, que es impulsado a presión por un fuelle.3. El órgano. Es el mayor y más poderoso de los instrumentos. Los más grandes tienen hasta 20.000 tubos sonoros, la mayoría pequeños, pero los tubos principales llegan a medir hasta diez metros, y sólo se pueden instalar en grandes auditorios o en las altísimas catedrales góticas, como la de Sevilla. Tienen hasta cinco teclados para las manos y uno para los pies, llamado pedalera, que acciona los tubos más grandes y graves. El aire es presionado por enormes fuelles y, cada tecla, lo deja pasar a su tubo. (Audición 2)4. El armonio y el acordeón . No tienen tubos sino varillas metálicas similares, aunque mayores, a las de una armónica. El armonio tiene los fuelles a los pies del instrumentista y en el acordeón el fuelle es la parte central del instrumento.

5. El clave. También llamado clavecín y clavicémbalo. Era el teclado principal antes de que se popularizara el piano. Una pieza impulsada por cada tecla, llamada martinete, engancha la cuerda con un plectro algo flexible. Su sonido es penetrante, pero de escasa potencia, por lo que perdió interés para los músicos, que buscaba cada vez mayores sonoridades. No obstante quedó como símbolo instrumental del Barroco (1600-1750), tuvo gran importancia en la obra de Bach y Händel.

Funcionamiento del martinete 1) Cabeza del apagador 5) Plectro o púa 9) Pulsador 2) Paño del apagador 6) Lengüeta 10) Rotación de la lengüeta 3) Amortiguador 7) Eje de la lengüeta 4) Cuerda individual 8) Resorte de repetición 6. El piano.Su nombre original es pianoforte ; cada tecla impulsa un macillo hacia su cuerda, muy tensada, y dependiendo de la fuerza con que se tocan el sonido puede ser suave (piano) o fuerte (forte), de ahí su nombre original. Se inventó a principios del S. XVIII y se impuso cincuenta años después, con Haydn, Mozart y Beethoven, hasta hoy. Audiciones7. La celesta . 2/2 S XIX Es parecido a un piano vertical (de pared), pero en vez de cuerdas tiene placas metálicas que al ser golpeadas por los macillos producen un sonido cristalino, de magia o fantasía. ( El Hada de Azúcar ).

15

SEGUNDO TRIMESTREEXAMEN 41. La textura musical: La textura musical es la forma en que se combinan habitualmente los sonidos. La palabra textura deriva del verbo tejer, que significa entrelazar. Se usan simultáneamente tantos pentagramas como voces tenga la composición, para mayor claridad, p.e.

San ta Ma rí a, Ma ter De i se escribe así y cada voz o cada instrumento, tiene su propio pentagrama

Desde la aparición de la polifonía (S X d.C) se distinguieron dos formas básicas de simultanear

las voces: la homofonía y el contrapunto, que evolucionaron mucho hasta el Renacimiento (Ss.XV-XVI).

2. Texturas homofónica y contrapuntística. La textura homofónica consiste La textura homofónica en que las voces llevan el mismo ritmo: todas las voces coinciden en figuras y silencios, pero no las notas, que varían la altura de modo diferente. Ver gráfico anterior.

Textura contrapuntística En la textura contrapuntística cada voz lleva un discurso de notas y texto (letra) independiente. Las figuras y silencios pueden coincidir o no, siendo de gran dificultad tanto la composición como la interpretación de esta música:

Principio del Ave María de T.L. de VictoriaUna variedad muy usada es el contrapunto imitativo , en la que las voces repiten una misma melodía a diferentes alturas. Esta técnica fue el origen de la fuga, importante forma musical barroca.

3. Monodia (o melodía) acompañada Desde el Barroco (1600-1750) se impuso hasta hoy, es el acompañamiento de la melodía con acordes, bien a cargo del clave (teclado) o de otros instrumentos.

16

Esta técnica de combinar sonidos se denomina monodia acompañada. La nueva forma de componer se implantó con la invención de la Ópera (“Orfeo” de C. Monteverdi, 1607), con el fin de aislar una sola voz para poder entender bien textos largos. La melodía inspirada y pegadiza determinó desde entonces el éxito de los compositores. Apenas hay melodías conocidas anteriores al Barroco.

4. La voz humana. (Las tesituras. El coro).La voz humana se comporta, a la vez, como instrumento de viento y de cuerda (frotada), haciendo el aire las funciones de arco que frota y hace vibrar –a voluntad-, las cuerdas vocales cuando es expulsado de los pulmones.

Las cuerdas vocales y su entorno tienen mayor tamaño en los hombres que en las mujeres y los niños, de aquí que aquellos tengan la voz más grave. La frecuencia de la voz en éstos oscila entre 90 y 530 ciclos (Vbr./seg.); en las mujeres entre 170 y 1000 ciclos, llegando los niños a 1300. frecuencia media5. Tesitura y coro. Tesitura es la altura de una voz. En la música vocal se distinguen básicamente cuatro tesituras en las que se agrupan los cantantes de un coro:

SOPRANO voces agudas femeninas e infantilesCONTRALTO voces graves femeninas e infantiles

TENOR voces agudas masculinasBAJO voces graves masculinas

Existen dos tesituras intermedias: mezzosoprano, entre soprano y contralto y barítono, entre tenor y bajo, pero son de carácter solístico, no coral, propia de cantantes de ópera.

Un coro para ser considerado como tal debe contar, al menos, con tres cantantes en cada grupo. Con sólo dos por grupo se denomina doble cuarteto (de voces).

El estadio deportivo

EXAMEN VFormas musicales vocales profanas: canción, madrigal y ópera; y religiosas: motete y Misa Polifónica

Las formas musicales son unos determinados perfiles de las músicas que se componen, y que permiten su clasificación e identificación.

1. La canción. Significa acción de cantar . Es la forma más difundida y antigua de música vocal. Normalmente

se trata de entonar tiene un texto profano versificado, acompañado generalmente de uno o varios instrumentos. Las primeras que se conservan son las compuestas por los trovadores (Ss. XII-XII).

2. El madrigal. Es como una canción polifónica a cuatro o cinco voces, de origen medieval, pero su época de

esplendor fue en Italia, durante el Renacimiento ( ). El texto solía escogerse de la obra de un gran poeta, como Dante o Petrarca. Sus compositores más ilustres fueron G. Palestrina, C. Gesualdo y C. Monteverdi.

17

3. La ópera. Es como una obra de teatro cantada, que emplea cantantes/actores, coro, orquesta, decorados,

etc. Debe considerarse la primera ópera Orfeo, de Claudio Monteverdi, y los más grandes compositores de óperas fueron Mozart, Verdi y Wagner .

4. El motete. Es una obra polifónica con texto religioso no litúrgico, que el compositor escoge libremente de

las Sagradas Escrituras. El motete tanto como la misa, se desarrollan en el Gótico y alcanzan el esplendor en el Renacimiento SXVI Palestrina compuso 373 motetes, C. de Morales (Se.) 80.

5. La misa polifónica. Consiste en poner música a los rezos obligados de la misa: Kyrie eleison (Señor ten piedad),

Gloria, Credo , etc , todo en latín. En realidad son como cinco o seis motetes litúrgicos, que tienen el mismo tema musical de entrada y diferente desarrollo. Su apogeo se dio en el Renacimiento.

La primera que se conserva fue la Messe de Notre Dame , de Guillaume de Machaut, en el S. XIV. componer misas fue tan importante para los compositores de esa época como las sinfonías para Mozart o Beethoven. G. Palestrina (Ren.) compuso 104, pero lo normal eran dos o tres docenas.

Kyrie eleison, Misa de Notre Dame. Catedral de N. Dame (S. XII-XIII), París

EXAMEN VIIINSTRUMENTOS DE CUERDA

1. Los instrumentos de cuerda. Fundamento. Se fundamentan en la vibración de una o más cuerdas tensadas. Las diferentes notas dependen de la longitud de la cuerda principalmente, aunque también de la tensión y del grosor de la misma.

La longitud de la cuerda se manipula en el mástil del instrumento (si lo tiene), a cuyos extremos se hallan el clavijero y la caja de resonancia. Si no poseen mástil, como el arpa y la lira, deben tener una cuerda para cada nota Hay tres importantes subgrupos:

2. Cuerda frotada o de arcos.Están concebidos para actuar en grupos. Son esencialmente melódicos (monódicos), aunque puedan dar notas simultáneas. Son la base de todas las orquestas y sus más numerosos componentes.Las cuerdas son frotadas con cerdas tensadas en un arco, produciendo el sonido instrumental más cercano a la voz humana. Lo forman los instrumentos de la familia del violín: violín, viola, violonchelo y contrabajo, ordenados de menor a mayor. Poseen un juego de cuatro cuerdas, aunque los contrabajos de hoy suelen tener cinco.

3. Formaciones de cámara (Música de Cámara)Cámara significa aquí habitación, espacio suficiente para que pueda actuar un grupo reducido de instrumentos. Empezó siendo una distracción para amigos músicos y se convirtió en género musical del nivel más elevado. El cuarteto de cuerda : lo forman dos violines, viola y vchelo. es la referencia capital

Las primeras composiciones importantes de cámara surgen en el Barroco (1600-1750), erigiéndose el clave y el violín como principales instrumentos en las llamadas sonatas dúos, si se añadía un violonchelo, sonatas tríos. Así, desde pronto, las obras de cámara se denominaron según el número de componentes: dúos, tríos, cuartetos… hasta nonetos. Son importantes los grupos que incluyen el piano.

4. Cuerda pulsada con mástil.Son instrumentos solistas , pues tienen buena capacidad armónica (sonidos simultáneos). Suelen tener seis o más cuerdas que se manipulan con ambas manos: con la mano izquierda se preparan las notas en los trastes del mástil y la derecha las hace sonar. Los más populares son: la guitarra y la vihuela (guitarra antigua) en España, el laúd y la mandolina (Europa); la balalaika (Rusia) y el banjo (USA).

18

De todos estos instrumentos el más popular, ágil y completo es la guitarra, que además de ser el alma de la música española, ha tenido más éxito que ningún otro instrumento en la música moderna, tanto en su versión acústica (guit. normal), como en la eléctrica.

Durante el Renacimiento (SS. XV y XVI) y el Barroco (1600-1750), en España se compuso muchísima y muy buena música para vihuela, mientras que en el resto de Europa sus competidores eran el laúd y la mandolina5. Cuerda pulsada sin mástil.Necesitan amplios juegos de cuerdas, especialmente el arpa, que es el más importante de estos instrumentos, pues tanto la lira como el salterio, son instrumentos muy antiguos y hoy sin utilidad.6. El arpa es el único instrumento de cuerda pulsada que interviene en la orquesta, aunque no tiene mucha potencia si posee larga sonoridad, debida a su gran caja de resonancia.

TERCER TRIMESTRE

EXAMEN VIIIINSTRUMENTOS DE VIENTO Y DE PERCUSIÓN 1. Instrumentos de viento: fundamentos. Se basan en la buena acústica del tubo sonoro, que es el cuerpo del instrumento y a la vez su caja de resonancia. La vibración se produce en la embocadura del instrumento (flauta), en lengüetas de caña (oboe), o en los labios presionados del instrumentista (trompeta). Las notas se obtienen manipulando la longitud de la columna de aire que circula por el tubo.

Hay dos importantes subgrupos: viento madera y viento metal.

2. Viento madera. Flauta, oboe, clarinete y fagot.Son rectilíneos y tienen un buen número de orificios a lo largo del tubo: la nota más aguda se obtiene liberando el primer orificio, la más grave cerrándolos todo. Tienen un sistema de llaves para accionar los orificios más lejanos a los dedos. Los principales se ordenan de la siguiente manera:- Flauta travesera y flautín. Hoy se fabrican casi siempre de metal inoxidable, muchas son de plata, algunas pocas de oro, e incluso existe una de platino. El flautín es el más agudo de los instrumentos.- De lengüeta doble: oboe y fagot, y sus complementarios graves respectivos: corno inglés y Contrafagot fagot. - De lengüeta simple: clarinete, su complementario el clarinete bajo, y los saxofones.

Lengüeta doble de oboe

Leng. simple de clarinete

El saxofón tiene forma de “S” y no es instrumento de viento madera propiamente, pues aunque tienen orificios y lengüeta son fabricados en metal y suenan entre madera y metal.

La flauta de Pan es un grupo de cañas huecas alineadas, de diferente tamaño, cada una con una nota. El órgano de tubos es una gigantesca flauta de Pan mecanizada.

19

INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN 3. Viento metal: Trompa, trompeta, trombón y tuba. Presentan forma enroscada, debido a la gran longitud que poseen. Tienen una embocadura o boquilla en donde se introducen los labios presionados, que se hacen vibrar al soplar.

Son instrumentos de gran potencia y varían la longitud de la columna de aire interior accionando pistones o válvulas para conducir el aire por segmentos de tubo alternativos. Los más importantes son: trompa (válvulas), trompeta (pistones), trombón (vara) y tuba (pistones).

Sistema de válvula Sistema de pistón Boquillas de v. metal

4. Instrumentos de percusión.Percutir significa golpear. Los instrumentos de percusión son el conjunto más variado y numeroso de toda la organología. Básicamente se dividen en dos grandes grupos: membranófonos o de membrana, e idiófonos, esto es, que vibra el instrumento entero.

Entre los de membrana distinguimos los afinados, como los timbales, y los de sonido indeterminado, como la caja y el bombo. Se golpean con distintos tipos de baquetas (palos).

Entre los idiófonos debemos destacar por su uso frecuente en la orquesta, el triángulo, los platillos, el gong y las campanas (tubos metálicos grandes y resonantes) . Además figuran los impropiamente llamados xilófonos: xilófono (de madera), vibráfono (idem con tubos resonantes) y glockenspiel (de metal); y panderetas, maracas, etc.

20

Orquesta barroca (Vivaldi, Bach o Händel)

Orquesta clásica (Haydn Mozart o Beethoven)

Distribución del instrumental en la gran orquesta

21

EXAMEN IX

1. La orquesta. Es una agrupación musical de numerosos instrumentos que tocan de forma coordinada. Los instrumentos se disponen en la partitura ocupando el pentagrama superior el más agudo, luego aparecen los de registros medios y, en el último, el instrumento más grave.

Si es partitura orquestal se sitúan de arriba abajo: viento madera, viento metal, percusión, voces (si las hay) y cuerda (arcos). Y se disponen en el orden estudiado.

En el escenario donde van a actuar, la disposición de los grupos instrumentales depende del Director, pero normalmente se disponen en semicírculo, quedando a la izquierda del Director los violines en dos grupos, violas por delante y violonchelos y contrabajos a la derecha.

Detrás de las violas los vientos y, más alejados aun, la percusión.

2. La orquesta de cuerda barroca.Como la conocemos ahora, la orquesta tuvo su origen en la época denominada Barroco (1600-1750), asentando para siempre las cinco secciones de cuerda (arcos) que sólo variará multiplicando sus componentes en el futuro. Su plantilla es la siguienteViolines I 5 Violines II 4 Esta es la orquesta empleada por todos los compositores barrocos (Vivaldi, Violas 3 Bach, Händel...) Violonchelos 3 Contrabajo.Clave

3. Orquesta Clásica (1750-1827) Fue la empleada por Haydn, Mozart y Beethoven para sinfonías, oberturas y conciertos con solista.Su plantilla establece un plantel donde ya no faltarán los vientos y la percusión:

Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 12 Flautas 2 Trompas 2 Timbales 2Vs. II 10 Oboes 2 Trompetas 2 en las T y D.Vlas. 8 Clarinetes 2Vchs. 6 Fagots 2 Cbs. 4

La ampliación en el número de componentes de esta orquesta, durante el Romanticismo (S XIX), dio como resultado las orquestas sinfónicas o filarmónicas actuales, que la forman más de cien músicos. Desde Beethoven en adelante son las orquestas para las que escribieron los grandes compositores; también son las que interpretan las bandas sonoras de las mejores películas.

5. Orquesta Sinfónica (1830 hasta hoy).Fue una evolución y crecimiento de la anterior. Se denominó sinfónica porque tiene el instrumental requerido por los grandes compositores de sinfonías de oberturas y conciertos, como Brahms, Bruckner o Tchaikovsky (2/2 S. XIX). Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 16 Flautas 2 Trompas 4 Timbales 3Vs. II 14 Oboes 2 Trompetas 3 en las T, D y S.Vlas. 12 Clarinetes 2 Trombones 3Vchs. 10 Fagots 2 TubaCbs. 8 Contrafagot

22

6. Orquesta Filarmónica (1830 Hasta hoy)En las producciones operísticas, cada vez mayores y más ruidosas (Wagner o Verdi), se necesitaba mucha potencia sonora. Se ampliaron notablemente, sobre la O. Sinfónica, las secciones de viento y percusión. A la cuerda se le ñadirían una o dos arpas

Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 16 Flautas 4 3 + flautín Trompas 4-8 - Timbales 3Vs. II 14 Oboes 4 3 + C. inglés Trompetas 3 -6 en las T, D y S.Vlas. 12 Clarinetes 4 3 + Cl bajo Trombones 3-6 - Bombo, platillos Vchs. 10 Fagots 4 3 + C.fagot Tuba triángulo, pandereta, Cbs. 8 Glockenspiel, gong.

Arpas 2

Esta plantilla pasó también a las salas de conciertos para interpretar los Poemas Sinfónicos de Liszt, de R Strauss y de la música descriptiva en general (Scheherazade). Actualmente las orquestas sinfónicas y filarmónicas no se diferencian más que en el nombre.

Banda de música.Son agrupaciones musicales móviles que se componen exclusivamente de instrumentos de viento y de percusión. Su origen es remoto y asociado a los ejércitos, donde se necesitaba un sonoro grupo de tambores para marcar el paso organizado de las tropas, así como potentes trompetas y cuernos para ordenar movimientos con sencillos toques.

En el S XIX alternaban estas funciones con otras de entretenimiento y embellecimiento de celebraciones y actos oficiales, aumentando y variando el número de instrumentos; fueron apareciendo agrupaciones de este tipo sin vinculación al mundo militar para acompañar procesiones y para actos musicales supliendo las dificultades y carestía de las orquestas.

En Sevilla son notables la Banda Municipal, la del Regimiento de infantería Guzmán el Bueno, más conocida como Soria 9 y la Banda del Maestro Tejera, así como las de localidades como Salteras, Utrera, etc., habiéndose compuesto muchas obras maestras inspiradas en numerosas y veneradas imágenes de cofradías sevillanas, como Amargura, Jesús de las penas o Virgen del Valle.

23

Análisis pormenorizado de la audición 1 del CD nº 2

24

25

26

CONTENIDOS MÍNIMOS DE 2º

Puntillo: Es un punto a continuación de una figura, silencio u otro puntillo, que le añade la mitad de la duración. 27

EXAMEN 1.

1. EL CANTO GREGORIANOEs la manifestación musical propia del Románico. Es música religiosa monódica, cantada al unísono y a capella por la congregación de monjes o monjas, a los que se pueden sumar los feligreses.

Procede de los cánticos sinagogales judíos.Características del Canto Gregoriano

1. El texto cantado, en latín, se extrae la Biblia, destacando las colecciones de Himnos, Salmos, y Misas.2. Hay una pausa al final de cada frase, en la que se aprecian los ecos característicos del templo románico y del

Canto Gregoriano. 4. El ritmo es libre: a desigual longitud de las frases hace imposibles los ritmos habituales (bin. o tern.)3. Se escribe en tetragramas y con notación cuadrada .4. Según la relación nota-sílaba se distinguen varios estilos:

- Silábico: una nota por sílaba , propio de textos muy trascendentes.- Neumático: dos, tres o cuatro notas por sílaba .

LA MÚSICA PROFANA: 2. LOS TROVADORESEran poetas músicos que amenizaban las reuniones cortesanas en los castillos. Cantaban en lengua normal , por lo que sus canciones se popularizaron y fueron difundidas por ellos mismos y por los juglares, portadores de pequeños espectáculos ambulantes (payasos, títeres, etc. y música).

Al regreso de las Cruzadas, muchos nobles de todos los rangos, enriquecidos o no, tenían muchas hazañas y sentimientos que contar tras largas y lejanas ausencias. Esto motivó el auge de la vida cortesana, donde los trovadores versificaban y cantaban las hazañas de guerra y las historias de amor , propias o de sus señores, cuya música fue transcrita a notación por monjes.

3. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA TROVADORESCA.A diferencia del Canto Gregoriano esta música si tiene ritmo, principalmente ternario. Solían acompañarse de

instrumentos como laúdes, pero con arpegios a la entrada y al final de cada verso (recitativo).Según la zona y la lengua que usan se distinguían propiamente los trovadores, que cantaban en langue d´Oc,

aquitano o provenzal (SO. de Fr.); los troveros en langue d´Oïl (N. de Fr.); y los minnesänger, que empleaban el alemán. Muchos fueron nobles, como Guillermo IX, Duque de Aquitania, y su bisnieto, Ricardo Corazón de León. Otros como Marcabrú, Bernart de Ventadorm y Adam de la Halle eran poetas protegidos de sus cortes. 4. LAS CANTIGASEn España se desarrollan composiciones similares conocidas como Cantigas, pero con poca presencia de hechos de armas. Su mayor importancia se debe a la colección compilada de Alfonso X El Sabio , (1226-84) Cantigas de Santa María, con cuatrocientas diecisiete composiciones

Martín de Códax, llamado el Juglar de Vigo, dejó una valiosa colección, las Cantigas de Amigo.

5 LOS GOLIARDOS (Canción en latín)Fueron estudiantes de todas partes de Europa que se desplazaban a los monasterios más prestigiosos de Europa, para completar sus estudios, antes de la creación de las universidades* en los Siglos XII y XIII.

Pero los libros estaban en latín y esa era la lengua en que se entendían, y en las que escribieron numerosas canciones en latín recogidas en dos importantes colecciones: Carmina burana (canciones profanas) y Catuli carmina (canciones de Catulo).

Su temática, con frecuencia irreverente y atrevida, se refiere a la trilogía de la diversión juvenil de siempre: las mujeres, el vino y la sátira.

28

EXAMEN II EL GÓTICO (SS. XIII-XIV)Es el período artístico y creativo más genuinamente medieval, sin reminiscencias clásicas. Está definido en arquitectura por el arco ojival o apuntado, arbotantes, enormes vidrieras que sustituyen a los muros y alturas extraordinarias. Aunque afectó a la construcción de castillos y puentes, son las catedrales el testimonio más espectacular de este arte, que necesitó de tantos y tan variados artesanos –herreros, leñadores, carpinteros, cristaleros, canteros, arrieros…-, que impulsaron el desarrollo de las ciudades. 1. LA POLIFONÍA de poli = varias, y phonos = voces.Aunque su aparición es muy temprana (S.X), no tiene gran importancia hasta finales del S. XIILa polifonía es el fenómeno musical más importante de la Historia por dos razones.

1. El descubrimiento y desarrollo de las leyes de la armonía, esto es, la conjunción y encadenamiento de sonidos simultáneos.

2. Obligó a la creación de un sistema de escritura musical , dado que la música polifónica no se memoriza fácilmente y los cantantes necesitan una guía escrita.

2. ARS ANTIQUA.Incluye los primeros cantos polifónicos . La base era un canto gregoriano o llano, al que se añadían segundas voces con las siguientes fórmulas desarrolladas en la Escuela de Notre Dame de París.Organum primitivo o paralelo. Las primeras polifonías se llamaban organum y discantus Consiste en añadir a una melodía gregoriana denominada vox principalis, otra paralela a distancia tonal de 4ª ó 5ª, denominada vox organalis. Kyrie XI

-Ky ri e - e - - - le i son iij Chri - ste - - - - - - - - - - le i son

Organum libre o melismático.Tiene la vox principalis muy melismática, y la vox organalis llamativamente lenta y estática. A esta forma pertenecen las obras más importantes son de Leonin y Perotin , en los que intercalan el canto llano completo entre los momentos polifónicos, conociéndose esta práctica como Organum de Notre Dame.

Aleluya, de Leonin

Discantus.Es el gran salto cualitativo de la polifonía. Consiste en que la vox organalis discurre por movimiento contrario: si una voz sube la otra baja y viceversa. A cada nota o punctus, se le opone otra o contrapunctus (contrapunto es casi sinónimo de polifonía). Es la base del conductus, que al aplicársele una tercera voz, derivó en el motete.

I sa - i -as ce –ci nit, sy - na -go -ga me -mi -nit Jes - se ra -dix e -xe -ret , vir- gam vir -ga pro –fe –ret

Conductus Isaías cecinit, de Perotin.

29

3. ARS NOVAEs el título de un tratado de música aparecido en de 1320, de Philippe de Vitry, que supone el comienzo de la música polifónica profana, de más vivacidad, que introdujo figuras más breves en la escritura musical. Guillaume de Machaut 1300-72El mejor poeta francés según Petrarca, además de clérigo, es el mayor compositor de la Edad Media. Compuso canciones monódicas-, baladas y rondós polifónicos en el campo profano. En el religioso dejo compuesto numerosos motetes y la primera misa polifónica completa conservada, la Messe de Notre Dame.El MoteteDeriva del conductus de Perotin. Inicialmente fue de texto profano y político, con alusiones a personajes y hechos del S. XIII parisino (Vitry y Machaut), pero con el tiempo sería exclusivamente religioso, definiéndose como es una obra polifónica religiosa , con texto sacro no litúrgico, con una duración de entre tres y seis minutos.

4. La Misa Es la forma musical más importante de la Edad Media y del Renacimiento , similar en importancia a la Sinfonía para Haydn, Mozart y Beethoven.

Consiste en poner música a las partes el Ordinario de la Misa o misa normal. Pero cuando la misa tiene una dedicación – Misa de Navidad, Resurrección, Difuntos, etc.-, también se musicalizan las partes del llamado Propio de la Misa, intercaladas en el Ordinario. Las primeras son las más comunes y abundantes:

Partes del Ordinario de la Misa Partes del Propio de la MisaKyrie Eleison (Señor ten piedad) Introitus Gloria SequentiaCredo Gradual Sanctus/Benedictus (Consagración) OffertorioAgnus Dei (Cordero de Dios) CommunioIte, missa est (despedida)

30

EXAMEN III LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO, ( renacer de la cultura clásica grecorromana).1. LA ESCUELA FRANCOFLEMENCAEn música no hubo un renacimiento propiamente dicho, pues no había ningún ejemplo musical de la época clásica. Se siguió perfeccionando los logros de la polifonía gótica, principalmente con misas y motetes, desde los tiempos de Perotin y Machaut (Notre Dame).

El S. XV lo jalonan compositores como el inglés J. Dunstable (1385-1453), afincado en Borgoña, G. Dufay (1400-74) y Josquin Desprez (1440-1521).. Fue celebrado por todos lo músicos del Renacimiento como el más grande. Todos compusieron numerosas misas, motetes y canciones polifónicas. 2. ITALIA destacaron Palestrina y Monteverdi

Aquellos fueron llamados a Italia, donde trabajaron en las cortes de Mantua, Florencia, Ferrara y en la Capilla Papal de Roma. El arte franco-flamenco de Josquin, y Orlando di Lasso fue asimilado y culminado por maestros italianos como G. Palestrina con 103 misas y 330 motetes y C. Monteverdi, ya con estilo propio italiano. EL MADRIGALEl madrigal era una canción polifónica del Renacimiento . No alcanza gran categoría hasta la llegada de maestros flamencos como C. de Rore o J. Arcadelt en ½ S XVI. El madrigal renacentista exige cantores instruidos; se compone sobre sonetos de grandes poetas como Dante y Petrarca,. El Amor y la Naturaleza eran los contenidos principales.

Los maestros italianos siguieron la senda flamenca, otra vez, y dejaron los mejores madrigales L. Marenzio y Gesualdo da Venosa. Culminó le época C. Monteverdi (1567-1643) . Todos publicaron diversos libros de madrigales, entre los que destaca el quinto de Monteverdi, que es plenamente barroco, al incluir la parte del bajo continuo.3. ESPAÑALa Música Religiosa fue la mejor de España La corte española también importó artistas y músicos flamencos desde los RR.CC. Las catedrales serían hasta el S. XVIII los centros de formación musical en España. La música religiosa dio los mejores compositores a España, como C. de Morales (1500-53), con 22 Misas, ochenta Motetes y T.L. de Victoria (1548-1611), además de veinte Misas dejó la mejor Misa de Difuntos hasta el Réquiem de Mozart.; es el mayor compositor español.La Música profana en España se hizo con EL VILLANCICO Y EL ROMANCEEn España la música profana era de fuerte arraigo popular. El villancico era una forma popular sin vinculación específica con la Navidad, que alterna un estribillo, la letra y música que se repetía, con las coplas o estrofas de contraste. El compositor más destacado de estas formas fue Juan del Enzina (1468-1519).

El romance tiene un contenido poético mayor, pues era una adaptación polifónica de los antiguos romances españoles, que narraban gestas amorosas de caballeros medievales. 4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL RENACIMIENTO Los instrumentos participaban en obras polifónica sustituyendo o doblando voces y en la música de danza.

Tuvo un despegue considerable en instrumentos polifónicos, especialmente el órgano, el laúd y la vihuela. En el primero destacó eminentemente el organista español Antonio de Cabezón (1510-66), burgalés y ciego de nacimiento, que fue reconocido en toda Europa acompañando al séquito de Felipe II. Inventó la forma Variaciones, que él llamaba diferencias, que consistía en presentar repetidas veces un tema con modificaciones armónicas, rítmicas o melódicas. Esta forma fue muy útil en el futuro (Bach, Mozart, Beethoven o Brahms).

En Italia Fueron Andrea y Giovanni Gabrieli quienes dejaron abundante producción para órgano. En Inglaterra destacó la música para virginal, especie de clavecín pequeño.

La vihuela tenía el aspecto parecido a una guitarra, pero de un sonido más cercano al laúd, preferido en Europa, con timbres próximos al arpa. Los compositores como Luís de Mylan y Alonso de Mudarra, dejaron composiciones de gran altura que atrajo tanto a las clases cultas como a las populares.

31

SEGUNDO TRIMESTRE IV EXAMEN

A. MÚSICA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN:1. GRABACIONES MUSICALES:

Entendemos como grabaciones el almacenamiento de sonidos por medios mecánicos que pueden volver a reproducirlos. La partitura sólo cumple función de almacenamiento.

El invento del fonógrafo en l878 (como el de la luz eléctrica pocos años después) se debió al norteamericano T.A. Edison ; diez años más tarde E. Berliner inventó el gramófono, el primer tocadiscos . Los primeros discos fueron de pizarra, luego de vinilo. Necesitaban una punta fina de diamante para leer el surco (línea o grama) del disco.

Hacia 1930 en estudios radiofónicos de Centro Europa, se inventa la Cinta magnetofónica, que permitía poder borrar lo grabado y acoplarse a la cinta cinematográfica, pasando el cine mudo a la historia. En los años 60 Philips inventó el radio- cassette que funcionaba a pilas.

En los años cincuenta del S.XX se inventó el sistema estéreo, con el que se alcanzó un nivel de calidad casi insuperable en condiciones óptimas de reproducción.

La tecnología láser permitió sustituir la aguja de diamante, (que no podía evitar la suciedad del surco o chocar con los arañazos del disco, reproduciéndolos a modo de ruidos y chisporroteo), por un rayo lector luminoso que atraviesa la placa de plástico que protege la grabación. Hablamos del soporte sonoro CD (compact disc), comercializado desde 1980, un siglo después de las primeras grabaciones.

2. LA RADIO.En 1888 el físico alemán H. hertz descubría lo que serían llamadas después ondas radiofónicas. Pero

es el italiano G. Marconi quien debe ser considerado el inventor de la radio seis años más tarde. En la década de 1920 empezaron a emitir las primeras emisoras de radiodifusión. El aparato

radioreceptor, la radio a secas, resultó desde el principio mucho más barato que el gramófono. La radiodifusión (la Radio) fue el mayor invento para poner la música al alcance de casi todos.

Ya no era necesario desplazarse a las salas de conciertos, a menudo en ciudades distantes, para oír una buena orquesta o a un gran intérprete. Todo tipo de música se vio beneficiada porque, como en la ópera y en el cine, la música es como el alma de la radio.

Podemos encontrar emisoras especializadas en muchos tipos de música, especialmente moderna, como 40 principales o Cadena Cien, pero también hay emisoras en las que abunda el flamenco, canciones para los más mayores, etc. En España hay una cadena de RNE dedicada a la música clásica: Radio Clásica (antes Radio 2) en 93.7 FM.

3. LA TELEVISIÓNLas primeras emisiones de televisión comenzaron en Berlín a principios de la década de 1930, siendo

los Juegos olímpicos de esa ciudad, en 1934, los primeros que se televisaron Pero al revés que la radio, no se popularizó hasta pasados muchos años, concretamente en los años sesenta aquí, en España. En lo que a la música se refiere no fue un gran avance, de manera que no es un competidor de la radio. Para lo que sí sirvió fue para promocionar la imagen de los cantantes, difundir tanto sus video-clips como sus excentricidades y hacer vivir del cuento a tantos que ya ni cantan ni nada. El nivel de calidad de los programas de televisión es tan penoso que, músicos y cantantes de gran nivel, empiezan a no querer aparecer en televisión, por no desprestigiarse.

En lo que a música clásica se refiere, se pueden ver conciertos retransmitidos en diferido por La 2 de TVE los sábados o domingos a las ocho o las nueve de la mañana... Actualmente en el canal TDT VEO se emiten grabaciones de conciertos clásicos y de óperas los sábados y domingos, respectivamente, desde las 13.h.

32

4. EL CINE.Es un invento en el que participan Edison (la cámara de cine) y los hermanos Lumière (el proyector).

Posiblemente la mejor música que se crea y se oye hoy en día es la música de cine. Durante el primer cuarto del S.XX, las películas eran mudas. En las salas de proyección se amenizaban con la ayuda de un pianista o un grupo reducido de músicos, que tocaba en directo atentos a las secuencias.

Con la película El cantante de jazz, en 1927, nace el cine sonoro. Pronto se vio que se necesitaban fondos musicales de calidad, recurriéndose al principio a páginas escogidas del repertorio clásico. Pero, como en las óperas de los grandes románticos, como Wagner, Verdi o Puccini, se vio pronto la necesidad de una música inspirada por el propio guión, por sus personajes y sus escenas.

Los directores de cine recurrieron a compositores vivos y famosos, como Prokofiev o Honneger para encargarle trabajos específicos. Pero el cine necesitaba de nuevos artistas y fue surgiendo la figura del compositor de bandas sonoras (música de cine).

Se denomina banda sonora a uno de los dos extremos del celuloide (lo película) que llevan grabados sonidos (en cinta magnetofónica), con la música y los efectos sonoros. En la otra banda se graba la voz, y puede borrarse para introducir los doblajes.

5. GRANDES COMPOSITORES DE CINE.Los compositores de bandas sonoras son estrechos colaboradores de los directores: como los

realizadores, cámaras y actores, recibe una copia del guión e instrucciones para la música que se requiere. La banda sonora premiada con algún oscar en Hollywood, Berlín o Cannes, es un aval importante para la promoción de las películas.

Los autores más reconocidos deben la fama a su talento y a haber participado en grandes películas, como por ejemplo: Max Steiner en Lo que el viento se llevó o Casablanca; Henry Mancini en Desayuno con diamantes y La pantera rosa; Ennio Morricone en La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo y La misión. El más importante es J. Williams, autor de Parque Jurásico y de Indiana Johnes

33

EXAMEN VEL JAZZ Y SU EVOLUCIÓN: ORÍGENES, PRINCIPALES ESTILOS

1 EL JAZZ, INTRODUCCIÓN: Es una música que se inventa en los Estados Unidos. Los compositores más importantes fueron: Louis Armstrong y Glenn Miller

Al finalizar la guerra de Secesión (separación) norteamericana (1861-65) entre los estados del norte y del sur (esclavistas), muchos negros liberados, que habían tocado en las bandas militares,. disueltas del ejército vencido, inventaron el Jazz. Ensayaron toques de marchas con los ritmos de las canciones de trabajo, work-songs, que tenían una acentuación musical inversa a toda la música occidental.

2. LOS WORK-SONGS, O CANCIONES DE TRABAJO Eran canciones adaptadas al trabajo de la siembra y la siega, con un tiempo de compás largo y

arriba (levantamiento de la hoz) y otro breve y abajo de corte. Los movimientos tenían más de lateralidad que de verticalidad, estableciendo desde pronto lo que iba a ser la constante de los bailes modernos.

3. EL BLUE. Es un tipo de canción en el que los esclavos negros expresaban, en la intimidad, el lamento de su condición, pero también la resignación cristiana y un punto de esperanza. Cuando se acompañó de instrumentos que además potenciaban sus ritmos, iba a convertirse en la base de la música moderna: el rhithm and blues.

4. EL RAGTIME.Es una de las modalidades más antiguas y notables. Se manifiesta en piezas para piano con ritmos

acusados y sorpresivos. Literalmente significa ritmo (o tiempo) despedazado. Su mayor exponente fue Scott Joplin (1868-1917), autor de títulos tan exitosos como The enterteiner y Maple leaf ragtime.

5. NUEVA ORLEANS Y CHICAGO (AÑOS 20).En Nueva Orleans se empezó a difundir esta música ante el público, creándose allí las Big Band Jazz, orquestas formadas de viento y percusión, a las que se añadió pronto el piano. La primera fue la Diexiland Jazz Band, con clarinete, trompeta, trombón, batería (creación de ellos) y piano.Buscando mejor fortuna en ciudades más ricas, los músicos de jazz remontaron el Mississipi y triunfaron en Chicago, donde se consagraron nombres tan importantes como la propia Diexilan, “King” Oliver y Louis Armstrong (cantante y trompetista).

34

EXAMEN VI6. EL SWING (AÑOS 30 Y 40). El éxito del jazz atrajo al público con el swing , cuyo significado –balanceo-, con un baile libre , de

movimientos laterales, que enganchó a la juventud hasta hoy. Sin duda los más importantes músicos de swing fueron Glenn Miller y Benny Goodman.

Otros nombres importantes fueron el pianista Duke Ellintong, el jazzista más puro, y George Gershwin, que adaptó el jazz a formas clásicas: rapsodias, concierto, ópera, etc.

7. EL ROCK & ROLL (AÑOS 50).Mientras el público del swing se hacía viejo, en los años cincuenta surge un fenómeno nuevo, el R.&

R., vocablo que empleó el locutor Alan Freed, de Cleveland (USA), para denominar los ritmos marcados que aparecían en aquella época. La primera canción que inicia este estilo fue Rock around the clock, de Bill Haley and His Comet.

Los primeros triunfadores del R.& R. Fueron Chuck Berry y, sobre todo, Elvis Presley (1935-77) que con canciones de gran calidad y un baile provocativo en el escenario, disparó el fenómeno fans. Las/os fans de Elvis le doraron como a un dios. Protagonizó muchas películas de temática juvenil.

8. EL POP ROCK. (AÑOS 60). En esta década grupos ingleses se van a alzar a la cabeza de la música moderna, con un conjunto

único, The Beatles, que moderaron los ritmos frenéticos y crearon canciones fáciles y pegadiz a s y buenos arreglos musicales. Desde 1965 a 1970, año en el que se disolvieron, no dejaron de tener varios títulos a la cabeza de las super ventas, hicieron las canciones Help!,y Yesterday , Hey Jude o Let it be.

Sus componentes: Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Star , sobre todo el primero, hicieron por su cuenta algunas muy buenas canciones.

El grupo gran grupo competidor de ellos fue The Rolling Stones , que con su líder Mick Jagger, aún llenan estadios cuando no suspenden la actuación. Su canción I can´t get no satisfaction, les lanzó a un lugar de privilegio.

35

TERCER TRIMESTREEXAMEN VII EL BARROCO 1600-1750 (+ J.S. Bach)Como gótico y medieval, barroco fue otro adjetivo despectivo en principio. Fue otra época gloriosa de la Historia del Arte. Pero a diferencia del Renacimiento, esos años estuvieron marcados por guerras que desangraban Europa, los artistas no tuvieron tanta y tan buena acogida y reflejaron las tensiones de una sociedad exuberante y grandiosa en la Corte, pero doliente y miserable en los ámbitos urbanos.

El arte sigue teniendo base clásica, pero sus figuras no representan sosiego, sino acción, movimientos y difíciles equilibrios. La arquitectura quiebra las líneas con entrantes y salientes, se parten los frontones, se retuercen las columnas (salomónicas) y se incrustan relieves que mezclan lo lo lineal y geométrico con figuras en movimiento. El movimiento es la característica más sobresaliente en el arte y en la música, cuyo sostén y motor será el bajo continuo (b.c.)

1. CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO MUSICAL

- Se impone la música TONAL (con base en las T. D. y S.) sobre la música modal, con los tonos M. y m.- Equilibrio entre la producción musical religiosa y la profana, y entre la música vocal y la instrumental- EL BAJO CONTINUO –clave u órgano más cuerda grave*- es la característica principal del Barroco ,

imponiendo un ritmo mecánico y evitando el estilo “a capella”.- El instrumento más representativo es el clavecín y la orquesta más definida es la de cuerda (o de arcos): 5V-I, 4V-

II, 3 Vlas, más el bajo continuo: 3 Vchs. , Cbjo. y Clave.- La música vocal es narrativa y de larga duración: la Ópera , el Oratorio y la Cantata . En la música. instrumental se

desarrollan la Sonata, la Suite y el Concierto.

MUSICA VOCAL2. Nuevas formas de cantar.

Tanto la música religiosa como la profana eran narrativas, se preferían largas historias a poemas breves. Las voces solistas cantaban fundamentalmente de dos modos: - Recitativo, o manera de cantar hablando, silábico y con acompañamiento de b.c., para avanzar en la acción o narración, que se detiene mucho con los números musicales más elaborados: - Aria, o canción con acompañada de orquesta, parte musical más importante. - Arioso a medio camino entre recitativo y aria, menos trascendente. - El coro , que será la voz de la gente congregada.

3. LA ÓPERA. Es una obra de teatro cantada, a la manera de cómo se imaginaban el teatro griego. Consta de: obertura, pieza orquestal de inicio, actores cantantes, coro y decorados. Pronto se definieron dos tipos de óperas:

La Ópera Seria , que trata de seres mitológicos o históricos relacionados con el pasado clásico. La primera de estas óperas y modelo de las posteriores fue Orfeo, de Monteverdi. Las mejores fueron las de G. F. Händel: Julio César, Agripina y Jerjes. Otros Compositores grandes fueron A. Scarlatti (I), H. Purcell(G.B.) y G. B. Lully (F).

La Ópera Bufa , o cómica, cuyos personajes son extraídos de la vida cotidiana urbana y popular. El prototipo fue “La Serva Padrona”, de Pergolesi.

4. EL ORATORIO . Es música religiosa parecida a la ópera . Su argumento se adapta desde hechos bíblicos, pero no es para el teatro, sino para cantarse en templos. También se sirve de oberturas, arias, recitativos y coros, pero los cantantes no actúan, sólo prestan su voz a los personajes sacros. Nuevamente es Händel quien logra las mejores obras , con Israel en Egipto, Sansón y la mejor y más universal: El Mesías, que incluye el celebérrimo Aleluya.

5. LA CANTATA . Es música para ser cantada . Al sustituirse la polifonía por la monodia acompañada, fue útil para episodios religiosos breves, como Parábolas o Salmos, y tuvo mayor desarrollo religioso, pero en origen fue profana. Se conservan más de doscientas de J. S. Bach. Otros autores importantes fueron G. Carissimi (I) H. Schütz y G. Ph. Telemann (A).

36

6. LA PASIÓN . Es una gran cantata centrada en el dogma fundamental cristiano: la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo. G. P. Telemann compuso gran número de ellas, pero la P.S.S. Juan y la P.S.S. Mateo de Bach son obras cumbres de la Música. Es la base de las películas sobre Jesucristo de tres siglos después.

EXAMEN VIIIMÚSICA INSTRUMENTAL1. La música instrumental, libre de las limitaciones de los textos, adquiere gran desarrollo y se iguala en importancia a la música vocal. Prosperaron las formas improvisatorias, como tocatas, recercares o fantasías. En España prosperaron los tientos, diferencias y batallas para órgano, con buenos conpositores como J.B. Cabanilles y F. Correa de Arauxo. En la guitarra destacó Gaspar Sanz. En el centro de Europa se definieron y desarrollaron tres formas importantes a varios movimientos o partes contrastantes: 2. SUITE . Es una colección o selección de danzas diferentes Rondó, Aria, Badinerie, etc., para un instrumento sólo o para orquesta. Va precedida de una obertura si es obra orquestal, y de un preludio si es solística. De las primeras destacan las cuatro de Bach. Son igualmente importantes las tituladas Música Acuática y Música Fuegos Artificiales, de Händel. 3. SONATA , o música para ser sonada, para solista y bajo continuo . es el comienzo de la música de cámara. Se distinguieron la sonata da camera, cuyas partes eran danzas, y la sonata da chiessa (iglesia), cuyas partes eran movimientos (tempos), allegro, andante, etc., de la que derivó la sonata clásica. Destacaron maestros italianos como A. Corelli y G. Torelli.4. CONCIERTO. Es una obra para instrumento solista y orquesta:. La palabra deriva de concertar, poner de acuerdo. Es la forma más importante del Barroco a la música instrumental. Es una obra con tres movimientos rápido-lento-rápido: allegro, andante y presto.

Para un único solista quedó la voz concierto para ( …) y orq., llegando a Vivaldi a componer más de cuatrocientos, entre ellos las Cuatro Estaciones, que son cuatro conciertos para violín y orquesta. Bach dejó varios para violín, Händel para órgano y Albinoni para oboe especialmente.

Para varios solistas se denominó concerto grosso, siendo los más célebres los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach y muchos de Händel..EL CLASICISMO Es la época de Mozart y de Beethoven . Es el neoclasicismo en Arte. El cansancio de la gran variedad de formas, estilos y adornos del Barroco, se despejó volviendo a rescatar los elementos clásicos en estado puro, desapareciendo los adornos en columnas y frontones, volviendo las figura al reposo y a la sencillez en pintura y escultura. En definitiva se buscaba la pureza de las líneas y el dibujo (perfiles).

En música la línea es la melodía, fácil e inspirada. Conocemos más melodías de Mozart que de ningún otro gran compositor; al talento se unía el gusto por lo equilibrado y proporcionado, cosas que nunca pasan de moda. El término clásico usado como adjetivo se refiere a lo que no cambia ni necesita cambiar.

37

EXAMEN IX 1. CARACTERÍSTICAS DEL CLASICISMO- Se imponen la música profana sobre la religiosa, la instrumental sobre la vocal y el piano (piano-forte) sobre

el clave. Desaparece el b.c. El piano sustituye al clave- La orquesta se asienta sobre la cuerda –12V-I, 10V-II, 8Vl, 6Vch, 4 Cb,- y parejas de viento –fls. Obs. Cls.

Fgts. Tpas. y Tptas, más otra de timbales. La orquesta tiene instrumentos de cuerda y de viento- La música instrumental adopta globalmente la FORMA DE SONATA, 4 movs.: Allegro-Adagio-Minueto-

Allegro en sonatas, tríos, cuartetos... y sinfonías.- Beethoven concluye el Clasicismo iniciando el período siguiente, el Romanticismo, componiendo según sus

sentimientos y no según la moda.

2. F.J. HAYDN (1732-1809).Fue quien inventó la sinfonía y la sonata en una estructura con cuatro movimientos: allegro, adagio, minueto y allegro, a lo largo de 78 cuartetos de cuerda (2 V., Vla, Vch.) y 104 sinfonías. La estructura serviría para todo tipo de composiciones solísticas o de grupos, de manera que un trío es una sonata para tres instrumentos, un cuarteto para cuatro… y una sinfonía es una sonata para orquesta. Esta es la estructura en síntesis de una sonata, sinfonía, cuarteto, etc.

I Mov. Allegro . con introducción, opcional, lenta y solemne. 1ª Sección EXPOSICIÓN.

- Tema A, principal - Puente modulante* enérgico.- Tema B, en otra tonalidad (altura. - Repetición íntegra2ª Sección DESARROLLO- Motivos principales sometidos a muchos cambios3ª Sección REEXPOSICIÓN- Tema A, en la tonalidad inicial- Puente incompleto, poco enérgico**.- Tema B, también en la tonalidad inicial. **4ª Sección CODA: fragmentos finales de carácter conclusivo

II Mov. Andante. Alternancia indefinida de dos temas. También es frecuente o Adagio. que tenga un solo tema en forma de Tema con Variaciones (A. de C.)

III Minueto o Movimiento rítmico, descargado de emociones y tensiones.Scherzo desde Beethoven

IV. Allegro En forma sonata como el primer movimiento.3. W.A. MOZART (1756-91)

El talento de Mozart brilló desde los tres o cuatro años hasta su muerte. A los doce compuso una ópera, Bastián y Bastiana, que aún se representa con éxito. A los dieciséis era artista maduro. Fue el mejor compositor de música instrumental y vocal, lo que le sitúa en una posición única, pues Rossini, Verdi o Wagner, sólo fueron conocidos por sus óperas, mientras que Beethoven sólo compuso una y Brahms o Bruckner ninguna.

Escribió 27 conciertos para piano y orquesta y un concierto para cada instrumento de viento madera ( ), elevando la categoría del género casi a la altura de la sinfonía. Con igual maestría compuso, y 41 sinfonías , veinte sonatas para piano y abundantes tríos y cuartetos.

De sus óperas destacan Las Bodas de Fígaro , Don Giovanni y La Flauta Mágica.

38

Murió dejando inconcluso el Réquiem, su obra más emotiva y romántica, fruto de un extraño encargo para el que trabajó, fuertemente sugestionado, hasta la extenuación y muerte sin poderlo concluir. Siempre creyó que aquel encargo provenía del más allá y que iba a ser para su propio funeral. Pero no tuvo funeral.

4. L. v. BEETHOVEN (1770-1827)Es el compositor más importante de la historia. Compuso 9 sinfonías y 5 conciertos para piano , sólo fueron igualados en proporciones medio siglo después su muerte, pero no en calidad. Lo mismo ocurre con sus 32 sonatas y 17 cuartetos. Se le debe estudiar como clásico y romántico a la vez.

Fue contemporáneo del general Napoleón, el pintor F. Goya y del Almirante Nelson., logró lo que Mozart no obtuvo: el respeto y la admiración a su persona, lo que se evidenció en e l funeral de Beethoven, al que asistió toda la ciudad de Viena. Al de Mozart no fue nadie.

También son románticos los títulos que empiezan a aparecer en algunas de sus obras, como las sonatas Claro de Luna , La Tempestad o Appassionata; así como si Sinfonía Heroica (3) Sinfonía del Destino (5), etc., y la 9º y última de sus sinfonía, la Sinfonía Coral, en la que incluyó el Himno a la Alegría de Schiller

39

EXAMEN X EL ROMANTICISMO 1. CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO

- La música para piano es la más importante, difundida y fundamental. - Los compositores dotan a sus obras de títulos poéticos libres ( ), o genéricos: Impromptus, Nocturnos,

Preludios, Fantasías, Baladas, etc. - - En las etapas de madurez los compositores se vuelven a las formas clásicas (FF.SS): sonatas, cuartetos,

sinfonías… estas últimas, cada vez más extensas, doblarán en duración a las de Mozart. - Franz Liszt crea el Poema Sinfónico.- Surge el Nacionalismo musical (Rimsky-K., Falla, Sibelius...), que eleva los ritmos y melodías populares a las

obras clásicas.

2. LOS PIANISTAS DE LA PRIMERA GENERACIÓNF. Schubert (1797-1728). Inició con fuerza la tradición del Lied (canción en alemán), componiendo más de seiscientos. En la Música instrumental experimentó con grandes sonatas, cuartetos y nueve sinfonías. De sus piezas breves destacan dos colecciones impromptus. F. Mendelssohn (1809-47). Buscó el efecto de la poesía en el piano solo, distinguiéndose sus colecciones de Romanzas sin Palabras. En sus sonatas y música de cámara, obtiene resultados muy desiguales, con obras maestras como la Sinfonía Italiana (4ª) y el concierto para violín. Su marcha nupcial es la mas célebre de todas.F. Chopin (1810-49). Compuso casi exclusivamente para piano, para el que escribió dos conciertos. Dejó en colecciones de cuatro scherzos, baladas e impromptus. Es el gran héroe nacional polaco y el compositor de mejor inspiración del Romanticismo.R. Schumann (1810-56). Compuso colecciones de piezas muy breves: Papillons, Carnaval y Escenas de Niño (Täumerei),. También dejó el mejor de los quintetos con piano y los lieder más interpretados, un gran concierto y cuatro importantes sinfonías.F. Liszt (1811-86). También hizo colecciones de piezas cada una con su título, con clara intención descriptiva, como Armonías Poéticas y Religiosas, Años de Peregrinaje (Juegos de Agua) y de enormes dificultades técnicas. Sondeó la inspiración infernal en su Sinfonía Dante, la diabólica en el Vals Mephisto y la muerte en Totentanz 3. LOS SINFONISTAS DE LA SEGUNDA GENERACIÓNC. Franck (1822-90). Este compositor belga, optimista y poco prolífico, revitaliza la música para órgano. En las formas clásicas sólo hizo una sinfonía, una sonata para violín y piano, un cuarteto de cuerda y un quinteto con piano, pero todas obras maestras.J. Brahms (1833-97). Tardó mucho en componer su primera de cuatro sinfonías, todas de máximo nivel y las mejores desde Beethoven, al igual que sus dos conciertos para piano y su concierto para violín, grandes en proporciones y densidad. Muy autocrítico y de mal carácter, quemó parte de sus obras por no considerarlas lo suficientemente buenas. P.I. Tchaikovsky (1840-93). Sólo las tres últimas de sus seis sinfonías son realmente importantes. Su primer concierto para piano es el más célebre de la historia. Entre sus obras maestras figuran los mejores ballets: La Bella Durmiente, Cascanueces y El Lago de los Cisnes. También compuso importantes poemas sinfónicos, como Romeo y Julieta, así como la Obertura Solemne 1812, en honor de la victoria rusa sobre Napoleón.A. Bruckner (1824-96). Algunos lo consideran el músico más grande de la historia. Sus nueve sinfonías son colosales en sonoridad y duración, comparadas merecidamente en su grandeza con las catedrales góticas y en su potencia con los tronantes órganos de sus interiores, instrumentos del que él era gran maestro.

40

EXAMEN XI1. LA MÚSICA PROGRAMÁTICA O DESCRIPTIVAEs la música adaptada a la imagen y a los hechos que la inspiran, modelo para las bandas sonoras del futuro. El primer paso importante es la Sinfonía Fantástica del francés H. Berlioz (1803-69), que agrega a la orquesta sinfónica instrumentos propios del foso de la Grand Opera de París. Es la orquesta filarmónica o total, que suma a la sinfónica o de concierto, instrumentos efectistas, como la celesta, arpas y percusión variada.2. EL POEMA SINFÓNICOF. Liszt ( ) inventó el Poema Sinfónico, de un solo movimiento, en el que la estructura la imponía el argumento de un título extramusical. Compuso s us trece poemas sinfónicos tienen referencias variadas: en Los Preludios un poema, en La Batalla de los Hunos un cuadro, en Orfeo un mito. El siguiente gran compositor fue R . Strauss (1862-1949), con Así Habló Zarathustra o Muerte y Transfiguración. También figuran Tchaikovsky (arriba), Rimsky-Korsakov, con Scheherazade, Mousorgsky con Una N. en el Monte Pelado o P. Dukas, con El Aprendiz de Brujo.

LA ÓPERA ROMÁNTICA : Los compositores de ópera románticos más importantes fueron Verdi y Wagner 3. VERDI Y PUCCINI Está dominada por grandes y trágicos dramas amorosos. Estos últimos cuajan en la tradición italiana con G. Donizetti con L´Elisir d´Amore, y con V. Bellini con La Sonámbula y Norma, que establecen el concepto del Bel Canto, con casi todo el interés en las voces protagonistas.

G. Verdi (1813-1901), es el mejor de los operistas italianos, compitiendo en todas las facetas: Grand Ópera en Aida y Nabucco; dramas como La Traviata, Rigoletto; o cómicas como La Forza del Destino. Firmó las melodías más conocidas de la Ópera.

El último gran hito de la ópera italiana fue el Verismo, o realismo, con óperas en el que la tragedia no se limita a un final truncado, sino que impregna gran parte de la obra. El más destacado es G. Puccini (1858-1924) con obras como, Madame Butterfly y Tosca. 3. WAGNER

Los elementos fantásticos son más atractivos en Alemania, ya sea el terror o lo diabólico en El Cazador Furtivo, de K.Mª. von Weber, o las grandes leyendas y mitos germánicos como en la obra de R. Wagner (1813-83), óperas colosales no superadas.

Si en Italia era la voz la protagonista, en Wagner lo es la orquesta, que extiende su actuación si pausas, que se ha llamado la melodía infinita. El estilo grandioso de Wagner tiene su origen en La Grande Opera de París.Sus óperas, como Tannhäuser, Tristán e Isolda y Parsifal, están extraídas de leyendas medievales, caballerescas y artúricas. Pero su obra cumbre El Anillo de los Nibelungos, es una tetralogía mitológica que comienza en el mundo de los dioses con El Oro del Rin y la Valquiria, y desciende mundo al humano de Sigfrido y El ocaso de los Dioses.

41

EXAMEN XII 1. EL NACIONALISMO Las polonesas de F. Chopin y las rapsodias húngaras de F. Liszt abrieron una fuente de inspiración en la música popular de cada país. Checoslovaquia, Hungría, Rusia, Noruega y España, países con fuerte tradición y colorido folclórico, aportaron excelentes obras, principalmente escénicas. Cabe citar entre las óperas El Principe Igor de A. Borodin, entre los rusos; Peer Gynt, de E. Grieg (N); La Vida Breve de M. de Falla (E).

En el ballet el propio Falla (1876-1946) aportó dos excelentes títulos: El Sombrero de Tres Picos y El Amor Brujo; del ruso I. Strawinsky (1882-1971) destacó La Consagración de la Primavera

En la música instrumental destaca () la riqueza e inspiración de la música española, como en la Suite Española , de piezas breves de Albéniz (1860-1909); y () la Sinfonía Sevillana de J. Turina (1882-1949); y el Concierto de Aranjuez de J. Rodrigo (1901-99).

2. LA ZARZUELA: Es la ópera española. Aunque su origen se remonta al S. XVII, es en las últimas décadas del S. XIX y primeras del S. XX cuando alcanza su gran protagonismo. Alternando pasajes hablados con otros cantados, su temática es netamente desenfadada y española. Se distinguen dos géneros: la Zarzuela Grande en dos y tres actos, y el Género Chico, con un solo acto y una hora de duración.

En las primeras destacan F. A. Barbieri (1823-94), con Pan y Toros; F. Alonso (1887-1948), con La Calesera y Las Leandras; P. Sorozábal (1897-1988), con La Tabernera del Puerto.

En el Género Chico están las obras más populares: La Revoltosa, de R. Chapí (1851-1909), La Verbena de la Paloma, de T. Bretón (1850-1923) y La Boda de Luis Alonso y La Torre del Oro , del sevillano Gerónimo Giménez (1854-1923).

3. POST-ROMANTICISMO Después de Brahms y Bruckner las formas clásicas, esencialmente alemanas, como las sinfonías y conciertos , entraron decadencia, esto es, no tuvieron continuadores. Destacan Mahler (1860-1911) compuso nueve sinfonías, de tal importancia que se le considera el último de los Grandes. Y Rachmaninov (1873-1943) escribió los últimos “super” conciertos para piano y orquesta y R. Strauss los ultimos poemas sinfónicos y óperas óperas de estilo wagneriano. Convivieron con los movimientos innovadores o ”ismos”, que tendían a lo breve o moderado, como Neoclasicismo, Impresionismo, Dodecafonismo, etc.

4. NEOCLASICISMOI. Strawinsky ( )que participó de la estética expresionista del S. XX, con música de fuertes impulsos y carente de sentimentalismo en sus ballets ( ), volvió su atención a las viejas formas clásicas, como sinfonías, sonatas, conciertos o música de cámara, pero con reducidas orquestas y sin las intensidades emotivas y grandiosas de los románticos.

En esta corriente se encuentran los rusos S. Prokofiev (1891-1953) y D. Shostakovich; el húngaro B. Bartok, acaso el músico del S.XX mejor valorado; el finlandés J. Sibelius; y el danés C. Nielssen (1875-1931).SIGLO XX: LOS ISMOSLos “ismos” son una reacción al exceso de emotividad romántica. Como el Renacimiento, el S. XIX o siglo romántico, fue época de expansión, con gran demanda cultural. Pero había empezado con las desangrantes Guerras Napoleónicas y concluía con la Paz Armada, que estallará en el desastre de 1914-18 o Primera Guerra Mundial. Después vinieron dos décadas de posguerra y de declive económico, y la Segunda Guerra Mundial (1939-45). Ante tales acontecimientos los grandes artistas plasmaron lo que vieron, dibujando un mundo temible y temido.

La inminencia de las tragedias no cuajaba con el sentimentalismo romántico en la poesía, el arte y la música; buscaban la evasión o se impregnaban de pesimismo.

42

EXAMEN XIV1. CARACTERÍSTICAS- Comienza a desarticularse la música TONAL quitando importancia a las T.D. y S.: - Con el Impresionismo (Ravel y Debussy), la melodía se difumina entre la armonía; Strawinsky descompone

los ritmos regulares; - El Atonalismo de Schoenberg crea la anarquía armónica y melódica, es música fea muy difícil de

memorizar. - El Dodecafonismo (Schoenberg, A. Berg y Webern) ordena el Atonalismo: ninguna nota se repite sin que se

oigan las once restantes. Es la respuesta de la música al Expresionismo.- Finalmente la experimentación y la libertad de estilos excluyen caracteres generales. Un ejemplo de

compositor de éxito es C. Orff ( ), con nuevas musicalizaciones de canciones medievales goliardescas. - No hay que olvidar que, junto a las vanguardias, conviven tardorrománticos como S. Rachmaninov o R.

Strauss ( ).

2. EL IMPRESIONISMO.Es émulo del movimiento pictórico homónimo de Monet o Renoir. Estos pintores eliminaron el dibujo y sumergían las figuras de sus cuadros en ambientes brumosos e intemporales. C. Debussy (1862-1918), se aproximó a este arte difuminando la melodía (dibujo), con armonías y adormecedoras escalas exátonas, que crean atmósferas sosegadas y húmedas. Sus títulos son sugerentes, como La Catedral Sumergida, Reflejos en el Agua, etc, para piano. Para orquesta escribió los poemas sinfónicos como Preludio e la Siesta de un Fauno, su referencia capital.

Las técnicas impresionistas de Debussy tienen su origen en Liszt ( Juegos de Agua en la Villa D´Este)…, y acaso fueron superadas por M. Ravel (1875-1937) en el piano con Ondina y en la orquesta con ballet Dafnis y Cloe, aunque su mayor celebridad se la debe al repetitivo Bolero.

3. EXPRESIONISMO: ATONALISMO Y DODECAFONISMOEl Expresionismo es un arte crudo que refleja la desesperación ante el sufrimiento. La belleza como inspiración deja paso al efecto sórdido, la angustia o la decepción, descritas en la deformación de las figuras de P. Picasso, o ausencia de detalles y de adornos en E. Munch. Finalmente desaparece la figura y aparecen la pintura y la escultura abstractas: ésta con bultos amorfos; aquella con composiciones de colores y manchas.

A. Schoenberg (1874-1951) tradujo esta sensación al mundo de los sonidos, deformando la melodía y la armonía, creando una anarquía sonora, en lo que se conoce como Atonalismo, evitando las secuencias TDTST, que daban equilibrio a la música. La sistematización del atonalismo fue el Dodecafonismo, que establece el principio de que no se repite una nota hasta haber sonado las otras once. Figuran junto a Schoenberg A. Berg y A. Webern, que estableció la denominada melodía tímbrica: una nota por instrumento. De aquí derivó el Serialismo.

43

44

ACTIVIDADES PREVISTAS. 1º y 2º: 1ª EVALUACIÓN

- Desde el principio, y en todos los niveles hasta 4º de E.S.O., al alumno se le dotará de un guión elaborado por el profesor, para realizar análisis auditivos de las músicas de todo tipo que se trabajen en clase y en casa.

Es una actividad principal, y queda avalada por los muchos años de experiencia, por su eficacia en la profundización de la música y por el aprecio posterior que demuestran a un repertorio, mayoritariamente clásico, alumnos de todo nivel y aplicación. El contenido del guión figura en el anexo de esta Programación, así como las principales obras musicales que se estudiarán durante el curso y en cada nivel.

- Experimentación con objetos vibrantes como diapasón, membranas, e instrumentos.- Estudio del pentagrama y del teclado como base de identificación gráfica de los sonidos. Aprender a

dibujar un teclado de forma rápida para hacer ejercicios.- Conocimiento de las notas musicales –en clave de Sol en 1° y también de Fa en 2°-, como

determinación de alturas. Detectar mediante dictado musical cambios hacia graves o agudos.- Estudio de las duraciones y su dependencia de las figuras y silencios. Aprender a marcar y detectar

compases elementales, durante la audición de obras musicales.- Comprobación de los diferentes timbres con interpretaciones en diferentes instrumentos o registros

en el teclado electrónico. - La música vocal hasta el Renacimiento contará con audiciones interpretadas “a capella

- Ejercicios de escritura musical que agilicen el conocimiento de este lenguaje en niveles elementales, suficientes para buscar detalles en partituras para seguir audiciones.

- Sonorización de las melodías escritas en los ejercicios, rectificándolas hasta encajarlas en las armonías de las notas Tónica, Dominante y Subdominante.

- Audiciones musicales extraídas del repertorio clásico y popular, adecuadas al momento y al tema en cuestión. Esta parte de las actividades es fundamental, por lo que cada alumno contará con una plantilla elaborada por el profesor con guías para el análisis elemental.

- Experiencias con el silencio general para identificar los múltiples ruídos de fondo.- Seguimiento del primer episodio del poema sinfónico de R. Strauss “Así Habló Zarathustra”, donde

se pueden identificar aspectos elementales de la escritura musical, causa principal de su impacto y popularidad

- Demostraciones sonoras con flauta, guitarra y violín, para observar en vivo el funcionamiento de los fundamentos sonoros.

Actividades previstas 1º y 2º: 2ª EVALUACIÓN- Demostraciones sonoras con flauta, guitarra y violín, para observar en vivo el funcionamiento de los

fundamentos sonoros.- Proyectar videos de instrumentos, de interpretaciones musicales, etc.

45

- Control de la voz con ejercicios sencillos sobre intensidad, altura y duración, dosificando el aire. Emitir sonidos máximos agudos y graves sin emplear falsete.

- Recitar un poema con pausas notables y correcta interpretación de la puntualización.- Ejercitar la marca del compás con los movimientos del director de orquesta, intentando acompañar

de gestos expresivos durante la audición de obras.- Analizar distintos tipos de melodías con diferentes texturas. - Estudio elemental de partituras con diferentes formaciones instrumentales.

ACTIVIDADES PROPUESTAS EN 1º y 2º: 3ª EVALUACIÓN

Las actividades básicas de este bloque serán las audiciones, acompañadas en algunos casos por partituras, que serán comentadas y preparada con las indicaciones pertinentes, escogidas entre las que se ajustan a los modelos menos contradictorios.

- Analizar diversas melodías sencillas, extraídas de las audiciones del CD de 1º.- Visión de vídeos de instrumentos y de interpretaciones instrumentales y vocales.

”, aunque se advertirá que no es el único modo. - En el Barroco se hará lo contrario, con especial atención a la música instrumental, a la forma concertante y al clavicémbalo. Se aprenderá la noción de “Bajo Continuo”. - Con el Clasicismo se atenderá especialmente a la sinfonía, con las referencias de Mozart y de Beethoven. - En el Romanticismo se atenderá a obras muy relacionadas con sus títulos, tanto en piezas para piano como en poemas sinfónicos.- Como detalle de conexión con el siguiente guión, tendrá una especial mención las músicas llamadas Concreta, Electrónica y Electroacústica. -Entendida la exposición anterior, relacionada con la radiodifusión y con los nuevos instrumentos nacidos en sus laboratorios, se entenderá con eficacia el fenómeno de las músicas populares –Jazz, Rock, etc.-, y su llegada a las masas de público.

46

METODOLOGÍA 1º Y 2º DE LA ESO La base de trabajo será, como en cursos anteriores, el seguimiento de un temario original elaborado

por el Departamento, presentado en un cuadernillo de fotocopias, que incluye los contenidos programados Así mismo los ejercicios serán propuestos por el profesor según las necesidades de cada curso o de

cada caso personal, siempre atendiendo a la consecución de objetivos útiles, dado que las propuestas del libro es demasiado amplia y absolutamente inabarcable en su totalidad.

1. Seguimiento del temario.Como ya se indica al principio, el temario contiene sólo contenidos mínimos y está elaborado de

modo que todos los alumnos, con adaptación y sin ella, pueden seguir la lectura y los ejemplos e ilustraciones de que se acompaña.

Las lecturas serán repartidas entre todos los alumnos, sin excepción, por lo que se tendrá en cuenta el nivel de las mismas y su componente comprensivo. Las ilustraciones que necesiten mayor detalle pueden ser proyectadas, ampliadas en detalle y complementadas por otras.

2. Preguntas de clase.Sobre lo avanzado se sondeará el estudio diario, la atención al desarrollo de la materia, valorándose,

con el material abierto, la búsqueda en página, tema, apartado, párrafo y renglón del dato; de este modo se desarrolla la capacidad de autonomía en el estudio, el carácter de investigación del mismo y la comprensión general.

3. Pruebas escritas.El temario se halla dividido en temas-examen, finalizado cada cual se procederá a realizar un examen

escrito. Dado que son breves y concisos se pedirá el desarrollo de uno o dos apartados. De cara a recuperaciones y a evaluar mejor a alumnos con adaptaciones, se realizarán pruebas con preguntas de breves enunciados y respuestas.

4. Audiciones En cada nivel de la E.S.O. en el que se imparta esta Asignatura, se proporcionará, al menos, un CD

con grabaciones de obras o fragmentos del repertorio clásico fáciles de recordar y en buena me medida conocidas, pero cuyos títulos y autores son ignorados. Con los ejercicios adecuados y con pautas de análisis, esta ignorancia será superada con facilidad. Los contenidos de dichos CDs., como están sujetos a cambios de un año para otro según su eficacia, se presentan en los anexos de esta Programación.

Según su oportunidad, la experimentación sobre hechos sonoros diversos –silencio, vibraciones, ruídos de fondo, etc.-, será un recurso permanente y frecuentemente improvisado.

5. AnálisisLos ejemplos musicales más idóneos llevarán el auxilio de su correspondiente partitura, con lo que

las tareas de análisis se emprenderán recién adquiridos los conocimientos elementales de lenguaje musical, con lo que los alumnos verán desde el principio su aplicación práctica.

47

Las audiciones musicales serán el complemento esencial de la metodología, pues añaden, a la ilustración de los contenidos, el contacto directo con obras de arte de eminentes creadores, siendo ejemplo permanente de los trabajos bien acabados. Como complemento se añadirán proyecciones de videos, diapositivas y demostraciones instrumentales, pero sin perder de vista que es la sensibilidad de la humana acción de escuchar, el objetivo de formación integral del alumno, así como manifestarse verbalmente con los tonos más adecuados, los ritmos menos tensos y los gestos más armoniosos en sus relaciones con los demás. Las plantillas a modo de guía para el análisis de audiciones y de partituras se presentan como anexos al final de esta programación.

DEPARTAMENTO DE MÚSICA OBJETIVOS DE LA 2ª ETAPA

OBJETIVOS CONTENIDOS

1. Mantener una llamada de atención constante sobre la base de respeto que debe presidir toda actividad educativa. Fomento de la colaboración y entendimiento entre alumnos de edades dispares;

Comentarios cotidianos de eventos del centro, problemas particulares, noticias…; recordar máximas y refranes que ayuden a entender y mejorar nuestros comportamientos;

2. Poner en contacto al alumno con la música de otros tiempos y de otros lugares del mundo, especialmente Europa desde la Edad Media

Estudio de las condiciones sociales, culturales y económicas de las sociedades en las que se producen los acontecimientos musicales que se suceden en los diversos desarrollos temáticos.

3. Ver las grandes semejanzas de los hombres de una época y la actual, así como las grandes diferencia. Papel de la tecnología como realidad y su provecho para entender el presente y el pasado.

Proyecciones de videos y reproducción de obras musicales, con análisis formales y comentarios de los gustos de los diferentes lugares y las sucesivas épocas. Estudio de las formas musicales y de sus creadores y representantes.

4. Comprende las necesidades, demandas y hábitos humanos en otros ambientes. Estudiar las consecuencias en las manifestaciones artísticas.

Definir los procesos de registro escrito, su aparición y desarrollo, sus causas y los medios.Estudiar la evolución de la música y de los instrumentos musicales, así como la aparición del registro en medios de grabación con la misma consideración.

5. Entender, a través de y como base en la música y los compositores españoles, el discurrir de nuestra patria en la Historia. Ver simultáneamente la participación extraordinaria de Andalucía en el acervo cultural de España.

Estudiar las peculiaridades de nuestra música y seguir paralelamente la evolución de otras ramas de las manifestaciones humanísticas, incidiendo en las influencias desde nuestra región y en las consecuencias sobre la misma.

48

6. Acercarse a la realidad musical con la participación directa en la ejecución y en la participación como público

Recuerdo o aprendizaje de las nociones básica de la escritura musical. Realización de ejecuciones sencillas en el teclado a dos manos. Asistencia a algún evento musical de temporada con alumnos del Centro.

4º de E.S.O.OBJETIVOS MÍNIMOSTEMA I : ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA EDAD MEDIA (tras el fin del Imperio Romano S.V ).La caída del Imperio Romano de Occidente tuvo como consecuencia la ocupación de los territorios por numerosos pueblos germánicos, contenidos durante siglos en la fronteras naturales de los ríos Rin y Danubio, que invadieron el debilitado y corrompido Imperio Romano, usurparon el poder, pero fueron incapaces, por salvajes, de ordenar social y económicamente lo conquistado. La civilización romana se hundió en pocos años y los libros, archivos y muebles sirvieron para avivar chimeneas en invierno.

Pero hasta que sucedieron las grandes invasiones del S.V. las misiones cristianas habían cruzado las fronteras y evangelizado a los bárbaros en sus antiguos asentamientos, por lo que las pertenencias de la Iglesia como templos, abadías y monasterios, fueron respetados con sus importantes bibliotecas. Durante muchos siglos, estudiar sólo iba a ser posible dentro de los monasterios, por lo que la arquitectura, el arte, la música, la literatura o la filosofía de la Edad Media, iban a ser eminentemente religiosas. En los últimos siglos de la Edad Media se iban a suceder dos grandes estilos artísticos difundidos por Europa, desde Francia, por monjes benedictinos en ambos casos.

EL ROMÁNICO (Ss. X-XII)Se define en arquitectura por construcciones –templos y abadías en general-, de gruesos muros con contrafuertes, estrechos ventanales, arcos de medio punto -abiertos o cegados-, y bóvedas de cañon. Son edificios poco luminosos y resonantes, ideales para la oración, la meditación y el recogimiento.

En Música impera la monodia, pero desde el S.X empieza a practicarse una polifonía rudimentaria. EXAMEN 1.

1. EL CANTO GREGORIANOEs la manifestación musical propia del Románico. Es música religiosa monódica, cantada al unísono y a capella por la congregación de monjes o monjas, a los que se pueden sumar los feligreses.

Procede de los cánticos sinagogales judíos adecuados a la entonación sobre notas y escalas de origen griegos, de las que surgen los ocho modos o escalas gregorianas. A estos modos se debe su matiz arcaico y sacro.Características del Canto Gregoriano

1. El texto cantado, en latín, se extrae de cualquiera de los setenta libros de la Biblia, destacando las grandes colecciones de Himnos, Salmos, Antífonas y Misas.

2. La claridad del texto es fundamental, por eso hay una pausa al final de cada frase en la que se aprecian los ecos característicos del edificio románico y del propio Canto Gregoriano. La desigual longitud de las frases hacen imposibles los ritmos a los que estamos habituados, binarios o ternarios, porque estos proceden de la métrica de los versos.

3. Se escribe en tetragramas y con notación cuadrada.4. Según la relación nota-sílaba se distinguen varios estilos:

49

- Silábico: una nota por sílaba, propio de textos muy trascendentes.- Neumático: dos, tres o cuatro notas por sílaba.- Melismático o florido: muchas notas en algunas sílabas.

El primero y el último se observarán siempre en todo tipo de música, pero el Neumático es genuino del Canto Gregoriano.LECTURAEl canto mozárabe.Se llamaron mozárabes los cristianos que no abandonaron su religión cuando España fue invadida por los musulmanes a partir de 711. Las reformas llevadas a cabo por el Papa San Gregorio el Magno (590-604) se imponían con lentitud; no en vano gran parte del repertorio gregoriano proviene del norte de Francia y sus de Alemania, y es casi todo posterior al S. VIII.

En España se consolidó el llamado canto mozárabe, difícil de distinguir del gregoriano, hasta el S. XI. Debido a la invasión que sufrimos en aquellos siglos las relaciones con Roma no eran fáciles; no obstante en Toledo siempre hubo un nutrido clero y eminentes obispos, siendo un centro cristiano que nunca perdió su relevancia desde los primeros siglos de la cristiandad; fue la capital del mundo mozárabe. Pero faltos de tales contactos no conocieron a tiempo la escritura musical, de modo que se transmitieron los cantos por tradición oral, siendo dificultoso saber cómo fueron en su origen y su floración entre los Ss. VI-VII.1. EL TEMPLO ROMÁNICO Y EL CANTO GREGORIANOLa resonancia de una habitación vacía se debe a la uniformidad de las paredes y a su falta de relieve. Una vez que la llenamos de cosas esa reverberancia desaparece.

En las paredes de los templos románicos el poco relieve lo daban pequeñas ventanas, de modo que el sonido se reflejaba y flotaba en el ambiente. Además, la poca luz ofrece un interior de penumbra y un aislamiento del mundo exterior, condiciones excelentes para la meditación.

La retirada a los monasterios de clausura es una renuncia a los engaños del mundo. No es un invento cristiano, pues en la Antigüedad lo hicieron no pocos filósofos, que se retiraban al desierto, eremós en griego, de donde deriva eremita, hombre apartado, y ermita, templo alejado de la población.

Con el cristianismo se multiplicó ese deseo de apartarse para contemplar los grandes misterios de la existencia. Pronto se vio la conveniencia de reunirse en comunidades para hacer más llevaderas las dificultades de vivir aislados, como techo y comida, por lo que se fundaron órdenes religiosas que, para ser fieles al deseo de soledad, se dotaron de normas muy severas de vida en comunidad, relativas al trabajo, la lectura y la oración.

El Canto Gregoriano, con su ausencia de ritmo, con su estilo pausado, con la acumulación de voces, resultó un acceso a la belleza diferente a las opciones mundanas. Y el templo románico su caja de resonancia más adecuada. Es la música religiosa por antonomasia. ESCRITURA MUSICALTodos hemos memorizado canciones sin necesidad de tener estudios musicales. La música es la más grata de las artes y le gusta a casi todo el mundo. Pero lo que se cantaba y se canta tiene una base versificada: la música nace de la poesía, es hija de la métrica y la entonación, de la belleza hablada.

Con la aparición de la polifonía surge un problema, se necesitan voces que se tienen que acompasar con una pauta. Surge la necesidad de escribir los sonidos y sustituir a la memoria. El monje Guido d´Arezzo (995-1050) sería el que idearía un sistema de líneas (pautas) para establecer alturas, y un nombre para estas alturas, las notas. Estos fueron tomados de la primera sílaba de los seis versos iniciales de un himno a San Juan Bautista, que comenzaban una nota más alto que el anterior. La séptima nota se tomó de las iniciales de Sanct Ihoannes.

GREGORIANO: DENOMINACIÓN El Canto gregoriano debe su denominación a San Gregorio Magno, Papa de 590 a 604. En los primeros siglos posteriores se le había atribuido a él la creación y composición de toda esta música. De esta suerte se consideró intocable, cosa que se manifiesta en la denominación cantus firmus a la melodía base gregoriana sobre la que se

50

construyeron las primeras polifonías. Pero S. Gregorio no creó tal música: en su inmensa labor de unificar el culto cristiano y, en lo referente a la música, podría decirse que describió las características que aquí estudiamos. Catedral de Notre Dame de Paris. Vidriera de la Catedral hispalense.LECTURA.El Canto gregoriano fue la primera música que se escribió. Los monjes encargados de escribir la música fueron también los que registraron la música profana, pero sólo la parte cantada monódica, sin tener en cuenta el acompañamiento instrumental, que era improvisado y dependía del intérprete. Tal menester se debió al influjo e interés de la nobleza, que disfrutaba del prestigio derivado de las Cruzadas, que obtenían fácilmente el favor de los abades de los monasterios por su protección y por las generosas donaciones.

Las largas estancias invernales en los castillos favoreció el desarrollo de la vida cortesana, que ideaba cada vez más pasatiempos: juegos de mesa, música, danza, actuaciones de malabaristas, títeres, etc. Entre ellos destacó por el valor de la poesía y de la música el trovador, que, además de componer canciones amorosas, cantaba las gestas del señor del castillo, de sus antepasados o de sus nobles.

LA MÚSICA PROFANA: 2. LOS TROVADORESEran poetas músicos que amenizaban las reuniones cortesanas en los castillos. Cantaban en lengua vernácula, por lo que sus canciones se popularizaron y fueron difundidas por ellos mismos y por los juglares, portadores de pequeños espectáculos ambulantes (payasos, títeres, etc. y música).

Al regreso de las Cruzadas, muchos nobles de todos los rangos, enriquecidos o no, tenían muchas hazañas y sentimientos que contar tras largas y lejanas ausencias. Esto motivó el auge de la vida cortesana, donde los trovadores versificaban y cantaban las hazañas bélicas y las historias de amor, propias o de sus señores, cuya música fue transcrita a notación por monjes.

3. Características de la música trovadoresca.A diferencia del Canto Gregoriano esta música si poseía ritmo, principalmente ternario. Solían acompañarse de

instrumentos como laúdes, pero con arpegios a la entrada y al final de cada verso (recitativo).Según la zona y la lengua que usan se distinguían propiamente los trovadores, que cantaban en langue d´Oc,

aquitano o provenzal (SO. de Fr.); los troveros en langue d´Oïl (N. de Fr.); y los minnesänger, que empleaban el alemán. Muchos fueron nobles, como Guillermo IX, Duque de Aquitania, y su bisnieto, Ricardo Corazón de León. Otros como Marcabrú, Bernart de Ventadorm y Adam de la Halle eran poetas protegidos de sus cortes. A ellos se deben leyendas medievales, relatos y poemas artúricos como El Cuento del Grial, del trovero Crètien de troyes, auténtica novela de caballería.*

4. LAS CANTIGASEn España se desarrollan composiciones similares conocidas como Cantigas, pero con poca presencia de hechos de armas. Su mayor importancia se debe a la colección compilada por Alfonso X El Sabio, (1226-84) Cantigas de Santa María, con cuatrocientas diecisiete composiciones

Martín de Códax, llamado el Juglar de Vigo, dejó una valiosa colección, las Cantigas de Amigo.

5. LOS GOLIARDOS (Canción en latín)Fueron estudiantes de todas partes que se desplazaban a los monasterios más prestigiosos de Europa, para completar sus estudios, antes de la creación de las universidades*.

Pero los libros estaban en latín y esa era la lengua en que se entendían, y en las que dejaron numerosas canciones en latín recogidas en dos importantes colecciones: Carmina burana (canciones profanas) y Catuli carmina (canciones de Catulo).

Su temática, con frecuencia irreverente y atrevida, se refiere a la trilogía de la diversión juvenil de siempre: las mujeres, el vino y la sátira.LA CATEDRAL Y LA UNIVERSIDAD DE PARISJunto a la de Bolonia (It.), la de Oxford y la de Salamanca, la Universidad de París inicia una nueva etapa del saber y la investigación. En París se formó la universidad entorno a la Catedral de Notre Dame, y la presencia y obra de los primeros grandes compositores polifónicos Leonin (1135-1201) y Perotin (1183-1236), es un producto de primer orden de la suma de talentos que se congregaban en París. No en balde fueron distinguidos con la latinización de sus nombres como Magister Leoninus y Magister Perotinus, que crearon el primer estilo de música reconocible en otros autores, el estilo o Escuela de Notre Dame.

51

Contemporáneo de Perotin fue el teólogo Pedro Abelardo, que impartió clases en aquella Universidad. Enamorado y casado en secreto con una alumna suya, Eloisa, se convirtieron en amantes de leyenda, como Dante y Beatriz, o Petrarce y Laura. Su opositor, Bernardo de Claraval, San Bernardo, fue el más ilustre benedictino desde el fundador de la orden, S. Benito de Nurcia. Una generación después impartiría su magisterio el sabio más grande de la Edad Media: Santo Tomás de Aquino, patrón tradicional de los estudiantes.

EXAMEN II EL GÓTICO (SS. XIII-XIV)Es el período artístico y creativo más genuinamente medieval, sin reminiscencias clásicas. Está definido en arquitectura por el arco ojival o apuntado, arbotantes, enormes vidrieras que sustituyen a los muros y alturas extraordinarias. Aunque afectó a la construcción de castillos y puentes, son las catedrales el testimonio más espectacular de este arte, que necesitó de tantos y tan variados artesanos –herreros, leñadores, carpinteros, cristaleros, canteros, arrieros…-, que impulsaron el desarrollo de las ciudades. 1. LA POLIFONÍA (de poli = varias y phonos = voces)Aunque su aparición es muy temprana (S.X), no tiene gran importancia hasta finales del S. XIILa polifonía es el fenómeno musical más trascendente de la Historia por dos razones.

3. El descubrimiento y desarrollo de las leyes de la armonía, esto es, la conjunción y encadenamiento de sonidos simultáneos.

4. Obligó a la creación de un sistema de escritura musical, dado que la música polifónica no se memoriza fácilmente y los cantantes necesitan una guía escrita.

2. ARS ANTIQUA.Incluye los primeros usos polifónicos. La base era un canto llano o gregoriano, al que se añadían segundas voces con las siguientes fórmulas desarrolladas en la Escuela de Notre Dame de París.Organum primitivo o paralelo.Consiste en añadir a una melodía gregoriana denominada vox principalis, otra paralela a distancia tonal de 4ª ó 5ª, denominada vox organalis. Kyrie XI

-Ky ri e - - e - - le i son iij Chri - ste - - - - - - - - e - - - le i son

Organum libre o melismático.Tiene la vox principalis muy melismática, y la vox organalis llamativamente lenta y estática. A esta forma pertenecen las obras más importantes de Leonin y Perotin, en los que intercalan el canto llano completo entre los momentos polifónicos, conociéndose esta práctica como Organum de Notre Dame.

Aleluya a dos voces, de Leonin

Discantus.Es el gran salto cualitativo de la polifonía. Consiste en que la vox organalis discurre por movimiento contrario: si una voz sube la otra baja y viceversa. A cada nota o punctus, se le opone otra o contrapunctus (contrapunto es casi sinónimo

52

de polifonía). Es la base del conductus, que al aplicársele una tercera voz, derivó en el motete.

I sa - i -as ce –ci nit, sy - na -go -ga me -mi -nit Jes - se ra -dix e -xe -ret , vir- gam vir -ga pro –fe –ret

Conductus Isaías cecinit, de Perotin.

3. ARS NOVAEs el título de un tratado de música aparecido en de 1320, de Philippe de Vitry, que supone el comienzo de la música polifónica profana, de más vivacidad, que introdujo figuras más breves en la escritura musical. Guillaume de Machaut 1300-72El mejor poeta francés según Petrarca, además de clérigo, es el mayor compositor de la Edad Media. Compuso canciones monódicas-, baladas y rondós polifónicos en el campo profano. En el religioso dejo compuesto numerosos motetes y la primera misa polifónica completa conservada, la Messe de Notre Dame.El MoteteDeriva del conductus de Perotin. Inicialmente fue de texto profano y político, con alusiones a personajes y hechos del S. XIII parisino (Vitry y Machaut), pero con el tiempo sería exclusivamente religioso, definiéndose como una obra polifónica, con texto sacro no litúrgico, con una duración de entre tres y seis minutos.

4. La MisaEs la única y gran forma musical de la Edad Media y del Renacimiento, similar en importancia a la Sinfonía para Haydn, Mozart y Beethoven.

Consiste en poner música a las partes el Ordinario de la Misa o misa normal. Pero cuando la misa tiene una dedicación – Misa de Navidad, de Resurrección, de Difuntos (Réquiem), etc.-, también se musicalizan las partes del llamado Propio de la Misa, intercaladas en el Ordinario. Las primeras son las más comunes y abundantes:

Partes del Ordinario de la Misa Partes del Propio de la MisaKyrie Eleison (Señor ten piedad) Introitus Gloria SequentiaCredo Gradual Sanctus/Benedictus (Consagración) OffertorioAgnus Dei (Cordero de Dios) CommunioIte, missa est (despedida)

53

EXAMEN III LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO.Renacimiento significa renacer de la cultura clásica grecorromana antigua.1. LA ESCUELA FRANCOFLEMENCAEn música no hubo un renacimiento propiamente dicho, pues no había ningún ejemplo musical de la época clásica. Se siguieron perfeccionando los logros de la polifonía gótica, principalmente con misas y motetes, que siempre tuvo su referente en la zona norte de Francia y PP.BB. (Borgoña y Flandes), desde los tiempos de Notre Dame.

El S. XV lo jalonan compositores como el inglés J. Dunstable (1385-1453), afincado en Borgoña, G. Dufay (1400-74) y J. Ockeghem (1420-96) y Josquin Desprez (1440-1521).. Fue celebrado por todos lo músicos del Renacimiento como el más grande. Todos compusieron numerosas misas, motetes y canciones polifónicas. 2. ITALIA Y ROMA

Aquellos fueron llamados a Italia, donde trabajaron en las cortes de Mantua, Florencia, Ferrara y en la Capilla Papal de Roma. El arte franco-flamenco de Josquin, y Orlando di Lasso fue asimilado y culminado por maestros italianos como G. Palestrina (103 misas y 330 motetes) y C. Monteverdi, ya con estilo propio italiano.EL MADRIGALEl madrigal era una canción polifónica medieval. No alcanza gran categoría hasta la llegada de maestros flamencos como C. de Rore o J. Arcadelt en ½ S XVI.El madrigal renacentista se compone sobre poemas de grandes poetas como Dante y Petrarca, exigiendo un grupo de cantantes instruidos. El Amor y la Naturaleza eran los contenidos principales.

Los maestros italianos siguieron la senda flamenca, otra vez, y dejaron los mejores madrigales L. Marenzio y Gesualdo da Venosa. Culminó le época C. Monteverdi (1567-1643) . Todos publicaron diversos libros de madrigales, entre los que destaca el quinto de Monteverdi, que es plenamente barroco, al incluir la parte del bajo continuo.3. ESPAÑALa Música ReligiosaLa corte española también importó artistas y músicos flamencos desde los RR.CC. Las catedrales serían hasta el S. XVIII los centros de formación musical en España. La música religiosa dio varios de los mejores compositores de la época ya mencionados, como C. de Morales (1500-53), con 22 Misas, ochenta Motetes, F. Guerrero (1528-99) autor de un Liver Vesperorum; y 16 Magníficats; y T.L. de Victoria (1548-1611), además de veinte Misas dejó los Oficios de Semana Santa y la mejor Misa de Difuntos hasta el Réquiem de Mozart.EL VILLANCICO Y EL ROMANCEEn España la música profana era de fuerte arraigo popular. El villancico era una forma popular sin vinculación específica con la Navidad, que alterna un estribillo, la letra y música que se repetía, con las coplas o estrofas de contraste.

El romance tiene un contenido poético mayor, pues era una adaptación polifónica de los antiguos romances españoles, que narraban gestas amorosas de caballeros medievales.

El compositor más destacado de estas formas fue Juan del Enzina (1468-1519).4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL RENACIMIENTO Adquiere autonomía de la música vocal. Participaba en obras polifónica sustituyendo o doblando voces. En la música de danza era importante.

Tuvo un despegue considerable en instrumentos polifónicos, especialmente el órgano, el laúd y la vihuela. En el primero destacó eminentemente el organista español Antonio de Cabezón (1510-66), burgalés y ciego de nacimiento, fue reconocido en toda Europa acompañando al séquito de Felipe II. Inventó la forma Variaciones, que él llamaba diferencias, que consistía en presentar repetidas veces un tema con modificaciones armónicas, rítmicas o melódicas.

Esta forma tuvo enorme trascendencia en el futuro en manos de Bach, Mozart, Beethoven, Chopin o Brahms.En Italia Fueron Andrea y Giovanni Gabrieli quienes dejaron abundante producción para este instrumento. En

Inglaterra destacó la música para virginal, especie de clavecín pequeño. En Europa se prodigó la música para laúd, mientras en España lo hacía la compuesta para vihuela.

54

La vihuela tenía el aspecto parecido a una guitarra, pero de un sonido más cercano al laúd, con timbre próximo al arpa. Los compositores como Luís de Mylan, Luís de Narváez, Alonso de Mudarra y Diego Pisador, dejaron composiciones de gran altura que atrajo tanto a las clases cultas como a las populares. LECTURAS DEL RENACIMIENTO IEs el período más importante de la Historia del Arte. La consolidación de grandes naciones como España, Francia e Inglaterra permitirá en Europa una época de prosperidad no conocida desde la dominación romana. Las siempre prósperas ciudades-estado italianas como Venecia, Génova o Florencia, pudieron redoblar su negocio comercial con nuevos clientes y mayor seguridad, atrayendo a los grandes pintores y músicos flamencos, élite del esplendor gótico final.

Con la proliferación de universidades y el progreso económico y técnico, multiplicó extraordinariamente el número de estudiosos y permitió conocer en toda su magnitud el gigantesco mundo cultural de Grecia y Roma, que daba sentido a las impresionantes edificaciones milenarias aun intactas: arcos de triunfo, acueductos, puentes, etc., como el Partenón y el Coliseo, que permanecían completos entonces.

Arte, literatura, filosofía, historia, etc., fueron estudiados y rápidamente imitados. Surgieron masivamente émulos renacentistas que retomaron aquella cultura y llenaron la cultura con sus nombres: Rafael, Leonardo, Miguel Ángel, Bruneleschi, Donatello, Guttenberg, Galileo, Copérnico, Colón, etc.

El Mundo Clásico estuvo hecho a la medida del hombre (de hecho medían con la pulgada, el palmo, el pie, el codo, la braza…), de sus problemas e ideas, por lo que la anterior cultura Teocéntrica medieval se vio sustituida por otra antropocéntrica: Dios ya no era el único objeto de meditación ante la fascinación del Hombre y sus logros. A estos nuevos pensadores e investigadores se les llama desde entonces humanistas. Estos despreciaron la época precedente “lo que media entre Roma y nosotros”, (de aquí Edad Media), y denominaron despectivamente gótico (godo o bárbaro) al arte anterior.

El cambio de época fue acentuado por eventos históricos, como la caída de Constantinopla (I.R.Or.), en 1453 y el descubrimiento de América, o tecnológicos como la invención de la imprenta en 1450, la brújula y el telescopio.

La Creación de Adán, Capilla Sextina del Vaticano, antes y después de la restauración

La Capilla Sixtina debe su nombre al Papa Sixto IV della Rovere (pontífice desde 1471 hasta 1484) quien hizo reestructurar la antigua Capilla Magna entre el año 1477 y el 1480. La decoración del s. XV de las paredes incluye: las falsas cortinas, las Historias de Moisés (paredes sur - entrada) y de Cristo (paredes norte - entrada) y los retratos de los Pontífices (paredes norte - sur - entrada). Fue realizada por un equipo de pintores formado originariamente por Pietro Perugino, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, coadyuvados por sus respectivos talleres y por algunos de sus colaboradores más estrechos entre los que destacan Biagio di Antonio, Bartolomeo della Gatta y Lucas Signorelli. Sobre la bóveda, Pier Matteo d'Amelia pintó un cielo estrellado. La realización de los frescos tuvo comienzo en 1481 y se concluyó en 1482. A esta época se remontan también las siguientes obras en mármol: el tranqueo, el coro, y el escudo pontificio encima de la puerta de entrada. El 15 de agosto de 1483 Sixto IV consagró la nueva capilla a la Asunción de la Virgen y la dedicó a ella. Julio II della Rovere (pontífice desde 1503 hasta 1513), sobrino de Sixto IV, decidió modificar parcialmente la decoración de ésta, confiando el encargo a Miguel Ángel en 1508, quien pintó la bóveda y los lunetos, en la parte alta de las paredes. En octubre de 1512 el trabajo había terminado y el día de Todos los Santos (1° de noviembre), Julio II inauguró la Sixtina con una misa solemne. En los nueve recuadros centrales se hallan representadas las Historias del Génesis, desde la Creación hasta la Caída del hombre, el Diluvio y el nuevo renacer de la humanidad con la familia de Noé.

LECTURAS DEL RENACIMIENTO II

55

La Hansa. Fue una confederación de importantes ciudades alemanas como Lübeck, Bremen y Hamburgo, creada en el S.XIV con fines comerciales, que crearon una zona segura de circulación comercial. Dado que el norte de Francia era su límite occidental y Austria el occidental, con sus dominios del norte de Italia, el intercambio entre los extremos de Europa fue fructífero, conectando desde Suecia e Inglaterra hasta Sicilia.

De especial importancia en el Renacimiento es la afluencia de pintores y músicos flamencos a Italia, aportando la insuperable técnica lograda en el último periodo gótico o Gótico Internacional . Entre los primeros figuran V. van Eyck y R. van der Weyden, así como los alemanes A. Durero y M. Grünewald. La Iglesia Católica.Con sede en Roma, fue siempre la confesión cristiana más importante y extraordinariamente influyente. En los primeros siglos del cristianismo el obispo (epíscopus=protector) de Roma, (el Papa), no era de rango superior al de Constantinopla (Bizancio), Cartago o Antioquia (Siria). Pero la última estancia y muerte en Roma de S. Pedro y de S. Pablo, los Apóstoles capitales de la cristiandad, siempre dieron relevancia al obispo de Roma, relevancia aún mayor desde que el Islam dominó el Mediterráneo desde Anatolia (Turq.) hasta España desde el S. VIII.

Durante la Edad Media la Iglesia recibió donaciones de tierras de reyes, nobles y particulares, acumulando un patrimonio incalculable, además de haber sido depositaria del saber, custodiado en sus incontables y valiosas bibliotecas. Contó siempre con los más eminentes sabios y santos, pero el poder corrompió a muchos de sus miembros e instituciones, como la Inquisición, con abusos manifiestos que le acarrearon muchos enemigos. Lutero. La ruptura religiosa que supuso la Reforma de (1517) de Martín Lutero, dividió Europa entre católicos y protestantes. Lutero denunció abiertamente los excesos de la Iglesia en un escrito colocado en las puertas de la catedral de Wittenberg. Hoy la Iglesia asume las tesis más importantes de Lutero, quien no confió en la capacidad de reacción que la Iglesia siempre tuvo.

El mismo Lutero pronto se hizo poderoso ayudado por príncipes y reyes del norte de Europa que querían emanciparse de la autoridad eclesiástica. El alineamiento opuesto de católicos y protestantes dio como resultado la primera gran guerra internacional europea: la Guerra de los Treinta Años, que agotó a España, especialmente a Castilla, empezando nuestro declive como primera potencia de Europa (y mundial) que fuimos durante doscientos años. Trento La Iglesia, minada por corrupciones insostenibles, reaccionó con el Concilio de Trento (1555), elevando las exigencias morales internas y, por lo que respecta a la música religiosa, tomó a Palestrina y su Misa del Papa Marcelo como modelo a imitar. También prohibió el Concilio la entrada de instrumentistas en los templos, de donde procede el concepto a capella, pero no tuvo mucha vigencia esta medida.El madrigal es el mayor exponente de la música profana renacentista. Las calidades de estas composiciones igualaban a la música religiosa y no están sujetas a los severos juicios eclesiásticos, por lo que experimentarán audacias armónicas que ya no serían superadas. La música vocal del Renacimiento es la mejor de toda la historia, con el Amor y la Naturaleza como protagonistas. Gesualdo da VenosaElevó el madrigal a niveles de complejidad armónica no superados hasta el Romanticismo. Tal vez sea el mejor de todos los madrigalista. Fue Príncipe de Venosa (It), y es conocido como el Príncipe Asesino, pues mató a su esposa y a su amante al sorprenderlos en flagrante adulterio.

SEGUNDO TRIMESTREEXAMEN IV

MÚSICA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN:1. GRABACIONES MUSICALES:

56

Entendemos como grabaciones el almacenamiento de sonidos por medios mecánicos que pueden volver a reproducirlos. La partitura sólo cumple función de almacenamiento.

El invento del fonógrafo en l878 (como el de la luz eléctrica pocos años después) se debió al norteamericano T.A. Edison; diez años más tarde E. Berliner el gramófono, el primer tocadiscos. Los primeros discos fueron de pizarra, luego de vinilo. Necesitaban una punta fina de diamante para leer el surco (línea o grama) del disco. El tenor italiano Enrico Caruso (1873-1921) aceptó colaborar con Berliner para promoción del aparato y se convirtió en el músico pionero de la industria discográfica.

Elridge Jonson en 1917 le puso motor eléctrico al invento de Berliner y consige lo que conocemos por tocadiscos.

Hacia 1930 en estudios radiofónicos de Centro Europa, se inventa la Cinta magnetofónica, que permitía poder borrar lo grabado y acoplarse a la cinta cinematográfica, pasando el cine mudo a la historia.

En los años cincuenta del S.XX se inventó el sistema estéreo, con el que se alcanzó un nivel de calidad casi insuperable. No es posible señalar un inventor, dado intervinieron muchos laboratorios.

La tecnología láser permitió sustituir la aguja de diamante, (que no podía evitar la suciedad del surco o chocar con los arañazos del disco, reproduciéndolos a modo de ruidos y chisporroteo), por un rayo lector luminoso que atraviesa la placa de plástico que protege la grabación. Hablamos del soporte sonoro CD (compact disc), comercializado desde 1980, un siglo después de las primeras grabaciones.

El último gran invento, el lector láser para discos de vinilo, aún vale 10.000 €. Siempre se defendió que la calidad del vinilo era superior al CD, aunque no otras prestaciones y comodidades.

2. LA RADIO.En 1888 el físico alemán H. hertz descubría lo que serían llamadas después ondas radiofónicas. Pero

es el italiano G. Marconi quien debe ser considerado el inventor de la radio seis años más tarde. En la década de 1920 empezaron a emitir las primeras emisoras de radiodifusión. El aparato

radioreceptor, la radio a secas, resultó desde el principio mucho más barato que el gramófono. La radiodifusión (la Radio) fue el mayor invento para poner la música al alcance de casi todos.

Ya no era necesario desplazarse a las salas de conciertos, a menudo en ciudades distantes, para oír una buena orquesta o a un gran intérprete. Todo tipo de música se vio beneficiada porque, como en la ópera y en el cine, la música es como el alma de la radio.

Podemos encontrar emisoras especializadas en muchos tipos de música, especialmente moderna, como 40 principales o Cadena Cien, pero también hay emisoras en las que abunda el flamenco, canciones para los más mayores, etc. En España hay una cadena de RNE dedicada a la música clásica: Radio Clásica (antes Radio 2) en 93.7 FM.

Grandes emisoras de radiodifusión como BBC, RTVF, RTVE, y NBC, tienen su propia y prestigiosa orquesta sinfónica.

3. LA RADIO Y LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA.Las pruebas de sonido que se hicieron en los centros de radiodifusión desentrañaron de los aparatos

electrónicos una infinidad de sonidos nuevos, productos de malos contactos, interferencias, ecos, etc., que poco a poco fueron aislados y codificados.

Pronto atrajo la atención de compositores de vanguardia que introducían el ruido en las composiciones. El ruido de unas palmadas evocaban la imagen de dos manos; el de un frenazo evocaba una composición en la calle con coches, claxon, peatones, etc. Esta forma de atraer la imagen real mediante sonidos se le llamaría Música Concreta, con los compositores franceses P. Schaeffer y P. Henry, con creaciones tan concretas como los sonidos, como las de este último Sinfonía para una puerta y un suspiro. Esta música debía grabarse, depeniendo de la tecnología electrónica.

La Música Electroacústica se sirvió de sonidos y ruidos naturales tratándolos y/o mezclándolos con los desarrollados en los estudios de radio, que empezaron a usarse como auténticos laboratorios de sonido. Resultó la vertiente más productiva y de mejor futuro, agrupando importantes nombres, como E. Varèse,B. Maderna y L. Berio

57

El músico alemán Kh. Stockhausen es el autor de Gesange Juglinge (Canto de los adolescentes) se especializó en una variante que sólo empleaba sonidos electrónicos, determinando un tipo de música llamada Música Electrónica.

El espacio que ocupan en la historia de la música es ambiguo, poco definido y ampliamente experimental. Por lo general atendieron los compositores mencionados otros campos más ortodoxos, pues no es fácil atraer al público con indeterminaciones constantes.

Una gran deuda con estos extraños artistas son los instrumentos electrónicos, como guitarras, órganos, amplificadores, etc., y el más completo de todos: el sintetizador, que ofrece un enorme variedad de sonidos y ruidos codificados y susceptibles de mezclarse para crear una infinidad más de timbres.

4. LA TELEVISIÓNLas primeras emisiones de televisión comenzaron en Berlín a principios de la década de 1930, siendo

los Juegos olímpicos de esa ciudad, en 1934, los primeros que se televisaron Pero al revés que la radio, no se popularizó hasta pasados muchos años, concretamente en los años sesenta aquí, en España. En lo que a la música se refiere no supuso gran avance, de manera que no es un competidor de la radio. Para lo que sí sirvió fue para promocionar la imagen de los cantantes, difundir tanto sus video-clips como sus excentricidades y hacer vivir del cuento a tantos que ya ni cantan ni nada. El nivel de calidad de los programas de televisión es tan penoso que, músicos y cantantes de gran nivel, empiezan a no querer aparecer en televisión, por no desprestigiarse.

En lo que a música clásica se refiere, se pueden ver conciertos retransmitidos en diferido por La 2 de TVE los sábados o domingos a las ocho o las nueve de la mañana. En las emisiones en TDT, en el canal VEO emiten buenas grabaciones de conciertos los sábados a las 13 h, y ópera los domingos a la misma hora 4. EL CINE.Es un invento en el que participan Edison (la cámara de cine) y los hermanos Lumière (el proyector).

Posiblemente la mejor música que se crea y se oye hoy en día proviene del cine. Durante el primer cuarto del S.XX, las películas eran mudas. En las salas de proyección se amenizaban con la ayuda de un pianista o un grupo reducido de músicos, que tocaba en directo atentos a las secuencias.

Con la película El cantante de jazz, en 1927, nace el cine sonoro. Pronto se vio que se necesitaban fondos musicales de calidad, recurriéndose al principio a páginas escogidas del repertorio clásico. Pero, como en las óperas de los grandes románticos, como Wagner, Verdi o Puccini, se vio pronto la necesidad de una música inspirada por el propio guión, por sus personajes y sus escenas.

Los directores de cine recurrieron a compositores vivos y famosos, como Prokofiev o Honneger para encargarle trabajos específicos. Pero el cine necesitaba de nuevos artistas y fue surgiendo la figura del compositor de bandas sonoras (música de cine).

Se denomina banda sonora a uno de los dos extremos del celuloide (lo película) que llevan grabados sonidos (en cinta magnetofónica), con la música y los efectos sonoros. En la otra banda se graba la voz, y puede borrarse para introducir los doblajes.

5. GRANDES COMPOSITORES DE CINE.Los compositores de bandas sonoras son estrechos colaboradores de los directores: como los

realizadores, cámaras y actores, recibe una copia del guión e instrucciones para la música que se requiere. La banda sonora premiada con algún oscar en Hollywood, Berlín o Cannes, es un aval importante para la promoción de las películas.

Los autores más reconocidos deben la fama a su talento y a haber participado en grandes películas, como por ejemplo: Max Steiner en Lo que el viento se llevó o Casablanca; Henry Mancini en Desayuno con diamantes y La pantera rosa; Ennio Morricone en La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo y La misión. En los filmes de carácter dramático, histórico, romántico, etc, tómense algunos ejemplos de la selección que se presenta en página anterior.En el llamado cine de acción, con J. Williams a la cabeza en títulos como E.T., P. Jurásico, Indiana Johns o Tiburón, deben mencionarse a Danny Elfman en Batman y Spiderman, Hans Zimmer en Gladiador, Brad Fied

58

en Terminador; Alan Silvestri en Regreso al Futuro; James Horner en Troya y Howard Shore en la saga de El S. de los Anillos.

EXAMEN VORIGEN DE LA MÚSICA MODERNA: EL JAZZ1. EL JAZZ, INTRODUCCIÓN.

Al finalizar la guerra de Secesión (separación) norteamericana (1861-65) entre los estados del norte y del sur (esclavistas), muchos negros liberados, que habían tocado en las bandas militares,. disueltas del ejército vencido, inventaron el Jazz. Ensayaron toques de marchas con los ritmos de las canciones de trabajo, work-songs, que tenían una acentuación musical inversa a toda la música occidental.

Los últimos reductos de la resistencia sudista quedaron muy al sur, adonde fueron refugiándose los que huían del avance nordista. Se llevaron consigo a sus esclavos, que finalmente obtuvieron la libertad en Nueva Orleáns, la ciudad más al sur y mejor comunicada con el interior, ya que el río Mississipi y el gran afluente, el Missouri, son grandes y navegables. Si N. Orleáns fue la primera ciudad del Jazz, Chicago lo fue en segundo

59

lugar, tal vez por las fuertes reacciones racistas de después de la guerra, muchos negros huyeron lo más lejos posible, río arriba a miles de kilómetros.

2. EL BLUE. En un principio hay que rastrear esta música de origen africano en plena época de esclavitud. La

religión cristiana, a la que fueron obligados a abrazar, les dio un consuelo entrañable, sorprendiendo a no pocos que los esclavos fueran mejores cristianos que quienes se consideraban superiores.

El Blue es un tipo de canción en el que los esclavos negros expresaban, en la intimidad, el lamento de su condición, pero también la resignación y un punto de esperanza. Cuando se acompañó de instrumentos que además potenciaban sus ritmos, iba a convertirse en la base de la música moderna: el rhithm and blues. Son excepcionales las cantantes de blues Bessie Smith y Billie Holiday.3. LOS WORK-SONGS.

En el campo abierto de las grandes plantaciones, donde era explotada la buena resistencia del africano al calor y al sol, se genera buena parte del impulso rítmico y vital que caracterizaría a la música moderna, en la que el elemento rítmico cuaja en el más complejo aparato de percusión, que llamamos batería, sin la cual la música pop es impensable

Los work-songs eran canciones adaptadas al trabajo de la siembra y la siega, con un tiempo de compás largo y arriba (levantamiento de la hoz) y otro breve y abajo de corte. Los movimientos tenían más de lateralidad que de verticalidad, estableciendo desde pronto lo que iba a ser la constante de los bailes modernos.

5. EL RAGTIME.Es una de las modalidades más antiguas y notables. Se manifiesta en piezas para piano con ritmos

acusados y sorpresivos. Literalmente significa ritmo (o tiempo) despedazado. Su mayor exponente fue Scott Joplin (1868-1917), autor de títulos tan exitosos como The enterteiner y Maple leaf ragtime, recurridos con frecuencia en el cine, como la película El Golpe, protagonizada por R. Redford y P. Newman.

EXAMEN VI5. NUEVA ORLEANS Y CHICAGO (AÑOS 20).

En Nueva Orleans se empezó a difundir esta música ante el público, creándose allí las Big Band Jazz, orquestas formadas de viento y percusión, a las que se añadió pronto el piano. La primera fue la Diexiland Jazz Band, con clarinete, trompeta, trombón, batería (creación de ellos) y piano.Buscando mejor fortuna en ciudades más ricas, los músicos de jazz remontaron el Mississipi y triunfaron en Chicago, donde se consagraron nombres tan importantes como la propia Diexilan, “King” Oliver y Louis Armstrong (cantante y trompetista).6. EL SWING (AÑOS 30 Y 40).

El éxito del jazz implicó al público con el swing, cuyo significado –balanceo-, describe un baile libre, de movimientos laterales, que enganchó a la juventud hasta hoy. Sin duda los más afamados músicos de swing fueron el trombonista Glenn Miller, el clarinetista Benny Goodman y el vibrafonista Lionel Hampton

Otros nombres importantes fueron el pianista Duke Ellintong, el jazzista más puro, y George Gershwin 1898-1937, que adaptó el jazz a formas clásicas, con la Rapsodia in Blue , concierto para piano y orquesta, y la ópera Porgy and Bess.

60

EL DESPEGUE DE LA MÚSICA MODERNA, O POP.9. EL ROCK & ROLL (AÑOS 50).Mientras el público del swing se hacía viejo, en los años cincuenta surge un fenómeno nuevo, el R.&

R., vocablo que empleó el locutor Alan Freed, de Cleveland (USA), para denominar los ritmos marcados que aparecían en aquella época. La primera canción que inicia este estilo fue Rock around the clock, de Bill Haley and His Comet.

Los primeros triunfadores del R&R. fueron Chuck Berry y, sobre todo, Elvis Presley (1935-77) que con canciones de gran calidad y un baile provocativo en el escenario, disparó el fenómeno fans. Las/os fans de Elvis le doraron como a un dios. Protagonizó muchas películas de temática juvenil.

10. EL POP ROCK. (AÑOS 60).En esta década grupos ingleses se van a alzar a la cabeza de la música moderna, con un conjunto

único, The Beatles, que moderaron los ritmos frenéticos y crearon temas fáciles y pegadizos y buenos arreglos musicales. Desde 1965 a 1970, año en el que se disolvieron, no dejaron de tener varios títulos a la cabeza de las super ventas, como Help!, Yesterday, Hey Jude o Let it be.

Sus componentes: Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Star , sobre todo el primero, hicieron por su cuenta algunas muy buenas canciones. Siempre se consideró a Lennon el mas carismático e influyente del grupo, pero la mayoría de títulos exitosos, como los ya nombrados y Eleanor Rugby, Penny Lane o Michèle, aunque firmados Lennon/McCarteny, eran del segundo

El grupo gran competidor de ellos fue The Rolling Stones, que con su líder Mick Jagger, aún llenan estadios cuando no suspenden la actuación. Su canción I can´t get no satisfaction, les lanzó a un lugar de privilegio.EL ROCK SINFÓNICOLos Beatles decidieron en 1967 suprimir las actuaciones en directo –el griterío impedía oir la música-, y dedicarse a grabar las canciones que iban creando. El ejemplo no cundió mucho y las actuaciones de otros siguieron adelante, pero las grabaciones aparecen con magistrales arreglos en el caso de Simon & Garfunkel, Moddi Blues, Beach Boys y otros

Pero esta decisión les llevó a contar con músicos profesionales, orquestas importantes y con George Martin, arreglista y manager, conocido como el quinto beatle. Se iniciaba una era de grabaciones de grandes acabados, con frecuente arropamiento instrumental, que arrastrarían a los mejores autores a inmortalizar temas que, en directo con sólo guitarras y batería, no habrían prosperado como lo hicieron. La frecuente inclusión de orquestas atrajo el adjetivo sinfónico.

Incluimos en este sentido gran parte de los títulos de la selección presentada en este temario, a la que hay que añadir nombres propios importantes, como Pink Floyd, Camel, Mike Oldfield Dire Strite o Alan Parsons. Este último había trabajado como técnico en los estudios Abbey Road, interviniendo en el disco de los Beatles del mismo nombre y en el Let it be, así como en producciones de Pink Floyd.

ESPAÑA EN LOS “60”LA DÉCADA PRODIGIOSAEspaña consiguió un despegue económico importante en los sesenta. Muchas familias humildes empezaban a disfrutar de coche propio gracias al seiscientos, que lanzó a muchos a veranear en colonias costeras cercanas. Marbella, Torremolinos o Benidorm, ganaban fama internacional; otras muchas localidades, cada vez más animadas y que pedían aun más animación. Se reclamó pronto la presencia de cantantes en fiestas locales.

Atraer turista de fuera y dentro de España promocionó festivales de la canción. La competencia crecía y el talento se multiplicaba, quedando de todo ello una cantidad importante de grandes y logradas canciones que

61

pueden, cuarenta años después, salir al mercado y a las ondas. La gran demanda veraniega de actuaciones propició que no pocos artistas murieran en accidentes de tráfico.

1. DÚO DINÁMICO RAMÓN DE LA CALVA Y MANOLO ARCUSA.Hacia 1965 mientras se expandía el fenómeno Vétales, en España se abría paso a las canciones inglesas, pero

nunca desbancaron a los cantantes nacionales; desde hacía años, en 1958, el Dúo Dinámico había reproducido el fenómeno fans en España, fenómeno latente en todo el mundo: Elvis y Los Platters en EE.UU, Cliff Richard en el Reino Unido o G. Cincuetti en Italia.

El Dúo Dinámico causa gran sensación entre las chicas más jóvenes; sus canciones gustan a todo el mundo latino. La canción "Quince años tiene mi amor"(1960) tiene un éxito arrollador. Ocupan los primeros lugares de las listas de éxito con cada canción que graban.

El Dúo se hace imprescindible en los festivales de la canción que se prodigan por toda España, ganando el Festival de la Canción del Mediterráneo en Barcelona con "Como ayer" (1963). el Festival de la Costa Verde con "Somos jóvenes” y segundos premios en el Festival de Benidorm con "Quisiera ser".

El broche final lo consiguen como autores, ganando por primera vez para España el Festival de Eurovisón en 1968, con "La la la", cantada por Massiel. Esta canción es una de las mejores de Eurovisión de todos los tiempos. Una fugaz reaparición en los “80” con Tú vacilándome, fiel al sonido y estilo de antaño, alcanzó el éxito y el reconocimiento de que, en su día, no los alzó la moda, sino la calidad.

2. LOS BRINCOSLos Brincos fueron el grupo más personal e influyente del pop español de los 60. Aunque tomaron como modelo de referencia a The Beatles, a los que superaban en ventas en España. Desde un principio acertaron a crear un estilo propio, impregnado de sabor español tanto estética como musicalmente: su imagen de marca les mostraba vestidos con capas negras, y su primer gran éxito fue Flamenco.

Además, Los Brincos interpretaban sus propias composiciones, y no versiones de éxitos extranjeros como era práctica común (Los Ángeles, Los Mustang…). Todo ello, unido a la calidad de unas canciones de estribillos pegadizos y cuidadas armonías vocales.

La formación estaba compuesta por Juan Pardo, Fernando Arbex (los dos principales motores creativos), Antonio Morales "Júnior" y Manolo González. Entre 1964 y 1966 publicaron dos elepés e innumerables singles de éxito, como Un sorbito de champagne o A mí con ésas.

Tras la expulsión del conjunto de Juan Pardo y Junior, los éxitos siguieron sucediéndose con títulos como Lola, o Nadie te quiere ya y Mejor (su éxito más sobresaliente), pero su cuarto álbum, Mundo, demonio y

carne (1970) supuso un fracaso que condujo finalmente a la disolución de un grupo único.

3. LOS BRAVOSMientras Los Brincos suponían una seria competencia para los Beatles en España, los Bravos irrumpieron con notable éxito en el extranjero, especialmente en Inglaterra, En la etapa de oro de la historia mundial del pop-rock –Bee Gees, Beach Boys, Simon & Garfunkel, etc.-, pocas bandas no anglosajonas podían competir comercialmente con los ilustres nombres que poblaban las listas inglesas y americanas. Los Bravos fue la única formación española que lo hizo, convirtiéndose en el conjunto hispano de mayor éxito internacional de los sesenta.

El quinteto se formó con: Michael. V. Kogel "Mike" (Berlín,1944), solista conocido después como M Kennedy. Antonio Martínez "Tony" (Madrid, 1944), guitarra solista. Manuel Fernández ,(Sevilla 1942), al órgano, Miguel Vicents,(La Coruña, 1943), guitarra baja Pablo Sanheli (Barcelona,1943), batería. Tras el suicidio de Manolo Fernández al morir su mujer en accidente, en 1967, entraron en declive.

En su formación clásica tuvieron cinco números 1: "La parada del autobús", "Black is Black", "La moto", "Los chicos con las chicas", "Bring a little lovin". Grabaron dos películas muy pop, "Los chicos con las chicas" y "Bring a little lovin". Black is Black, subió al número 2 de las listas anglosajonas y americanas. Ningún grupo español ha llegado tan lejos como ellos.LOS ÁNGELES Fueron uno de los grandes grupos españoles de los años sesenta. Venían de Granada y aportaban elementos nuevos al pop español y las mejores armonías vocales. Dejaron excelentes canciones propias e hicieron las mejores adaptaciones vocales en español de éxitos de diversos géneros y procedencias. Para los aficionados españoles de la época "Mañana Mañana” o "98.6"

62

Con Rafael Trabucchelli como productor y arreglista, crearon las canciones" Mónica" o "Créeme". En 1976 un tremendo accidente de tráfico acabó con la vida de dos de sus principales componentes. Fué el final para el grupo que con tanto entusiasmo se sumaron al pop español de la llamada década prodigiosa. FÓRMULA VFórmula V fueron los más clásicos de la canción veraniega de finales de los sesenta.  Descubiertos por Maryní Callejo, la excelente cazatalentos que también había lanzado a la fama a los Brincos, debutaron en una discoteca madrileña en enero del 68. Su segundo single "La playa, el sol, el mar, el cielo y tú" era casi una reclamación musical de principios de las vacaciones y amor.

Del 68 al 71 estuvieron realmente inspirados: Tengo tu amor(68), Cuéntame(69), Cenienta(69). Eran comerciales sin resultar vulgares. Luego conforme pasaban los primeros 70, se decantaron por una fórmula más simplona para crear éxitos de verano, como hicieron otro grupo coetáneo, Los Diablos, autores de títulos como Eva María y Un Rayo de Sol.OTROS

JUAN Y JUNIORExpulsados de los Brincos en1967. Iniciaron una aventura como dúo tan fructífera como Breve, sólo

seis canciones, entre las que descollaron Anduriña, y En San Juan. Tras poco tiempo de colaboración decidieron no continuar: Juan Pardo se mantuvo muchos años como uno de los mejores compositores de canciones españoles, mientras que Junior se centró en cuidar la carrera de su mujer, Rocío Dúrcal.

LOS PEKENIKES, LOS RELÁMPAGOS Y OTROS.Destacaron por producciones instrumentales, originales en el caso de Pekenikes, su primer gran álbum instrumental data del año 1966 y en él se recogen grandes éxitos como "Lady Pepa" o "Hilo de Seda" y "Embustero y Bailarín" un año después. Los Relámpagos hicieron adaptaciones a instrumentos modernos de temas populares o clásicos, como la Danza del Fuego o Alborada Gallega.

Otros grupos de interés fueron Los Canarios, con Ponte de rodillas, Los Pops-Tops con Mamy Blu, Los Pasos, con su éxito La Primavera y Los Módulos con Todo tiene su fin.

Uno de tantos malogrados cantantes, Nino Bravo, pueda que haya sido la mejor voz del pop español, con emblemáticas canciones como Libre, América o Noelia.

Voces notables fueron también Karina con Las Flechas del Amor, El Baúl de los Recuerdos o Fiesta. Así como Camilo Sesto con Algo de mí.

Sobrevivieron al declive de la “Década” con largo recorrido cantantes como el roquero Miguel Ríos autor de Vuelvo a Granada o En el Río Aquel, o el clásico Julio Iglesias.

63

EXAMEN VIII EL BARROCO 1600-1750 (+ J.S. Bach)Como gótico y medieval, barroco fue otro adjetivo despectivo en principio. Fue otra época gloriosa de la Historia del Arte. Pero a diferencia del Renacimiento, esos años estuvieron marcados por guerras que desangraban Europa, los artistas no tuvieron tanta y tan buena acogida y reflejaron las tensiones de una sociedad exuberante y grandiosa en la Corte, pero doliente y miserable en los ámbitos urbanos.1. CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO MUSICAL - Se impone la música TONAL (con base en las T. D. y S. ) sobre la música modal, con los tonos M. y m.- Equilibrio entre la producción musical religiosa y la profana, y entre la música vocal y la instrumental- EL BAJO CONTINUO –clave u órgano más cuerda grave- es la característica principal, imponiendo un ritmo mecánico,

imprimiendo movimiento, evitando tanto los huecos sonoros (horror vacui) como el estilo “a capella”.- El instrumento más representativo es el clavecín y la orquesta más definida es la de cuerda (o de arcos): 3V-I, 2V-II, 2

Vla 2 Vch. 1 Cb. y 1 Clave.- La m. vocal es narrativa y dramatizada: Ópera (prof.) Oratorio y Cantata (rel), todas a base de obertura (oieza

orquestal inicial),recitativos (forma de cantar hablando), arias (canciones acompañadas de orq.) y coros. - En la m. instr. se desarrollan la Sonata (para solo y continuo), la Suite (danzas para orquesta) y el Concierto (para

solista y orquesta). El concierto es la aportación principal del Barroco a la música instrumental.2. MUSICA VOCAL

Tanto la música religiosa como la profana eran narrativas, se preferían largas historias a poemas breves. Las voces solistas cantaban fundamentalmente de dos modos: Recitativo, o manera de cantar hablando, silábico y con acompañamiento de b.c., para avanzar en la acción; Aria, o canción con acompañada de orquesta, número musical más importante, que detiene la acción para disfrutar de música elaborada, con frecuentes y lucidos melismas. A medio camino entre ambos se sitúa el arioso, menos trascedente. El coro será la voz de la gente congregada. LA ÓPERA. Es una obra de teatro cantada, a la manera de cómo se imaginaban el teatro griego. Consta de: obertura, pieza orquestal de inicio, actores cantantes, coro y decorados. Pronto se definieron dos tipos de óperas:

64

Ópera Seria, que trata de argumentos mitológicos o históricos relacionados con el pasado clásico. La primera de estas óperas y modelo de las posteriores fue Orfeo, de Monteverdi. Las mejores fueron las de G. F. Händel: Julio César, Agripina y Jerjes. Otros Compositores grandes fueron A. Scarlatti (I), H. Purcell(G.B.) y G. B. Lully (F).

Ópera Bufa, o cómica, cuyos argumentos y personajes son extraídos de la vida cotidiana urbana y popular. El prototipo fue “La Serva Padrona”, de Pergolesi.3. EL ORATORIO. Es la alternativa religiosa a la ópera. Su argumento se adapta desde hechos bíblicos, pero no es para el teatro, sino para cantarse en templos. También se sirve de oberturas, arias, recitativos y coros, pero los cantantes no actúan, sólo prestan su voz a los personajes sacros. Nuevamente es Händel quien logra las mejores obras, con Israel en Egipto, Sansón y la mejor y más universal: El Mesías, que incluye el celebérrimo Aleluya.4. LA CANTATA. Es música para ser cantada. Al sustituirse la polifonía por la monodia acompañada, fue útil para episodios religiosos breves, como Parábolas o Salmos, y tuvo mayor desarrollo religioso, pero en origen fue profana. Se conservan más de doscientas de J. S. Bach. Otros autores importantes fueron G. Carissimi (I) H. Schütz y G. P. Telemann (A).5. LA PASIÓN. Es una gran cantata centrada en el dogma fundamental cristiano: la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo. G. P. Telemann compuso gran número de ellas, pero la P.S.S. Juan y la P.S.S. Mateo de Bach son obras cumbres de la Música. Es la base de las películas sobre Jesucristo de tres siglos después.EXAMEN IXMÚSICA INSTRUMENTALLa música instrumental, libre de las limitaciones de los textos, adquiere gran desarrollo y se iguala en importancia a la música vocal. Aparte de las formas improvisatorias, como tocatas, recercares o fantasías, se definieron y desarrollaron tres formas importantes a varios movimientos o partes contrastantes: 1. SUITE. Es una colección o selección de danzas diferentes Rondó, Aria, Badinerie, etc., para un instrumento sólo o para orquesta. Va precedida de una obertura si es obra orquestal, y de un preludio si es solística. De las primeras destacan las cuatro de Bach. Son igualmente importantes las tituladas Música Acuática y Música Fuegos Artificiales, de Händel. 2. SONATA, Música para ser sonada, para solista y b.c ( ). es el comienzo de la música de cámara. Se distinguieron la sonata da camera, cuyas partes eran danzas, y la sonata da chiessa (iglesia), cuyas partes eran movimientos (tempos), allegro, andante, etc., de la que derivó la sonata clásica. Destacaron maestros italianos como A. Corelli y G. Torelli.3. CONCIERTO. Es cuando la sonata pasa a la orquesta: de solo y b.c. pasa a solo y orquesta. La palabra deriva de concertar, poner de acuerdo. Es la aportación más importante del Barroco a la música instrumental. Es una obra con tres movimientos rápido-lento-rápido (allegro, andante y presto).

Para un único solista quedó la voz concierto para … y orq. , llegando a Vivaldi a componer más de cuatrocientos, entre ellos las Cuatro Estaciones, que son cuatro conciertos para violín y orquesta. Bach dejó varios para violín, Händel para órgano y Albinoni para oboe especialmente.

Para varios solistas se denominó concerto grosso, siendo los más célebres los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach y muchos de Händel..

BARROCO MUSICAL En 1600 aparece la Ópera –Orfeo de Monteverdi-, auténtica respuesta de la música al ideal clásico. Se trataba de una obra de teatro con sostén musical, a imitación del teatro griego, con voces que cantaban alternándose y no simultáneamente, imponiéndose la monodia acompañada sobre la polifonía. LA FUGA.

65

Gracias a J.S. Bach tomó inusitada importancia esta forma instrumental, que es la supervivencia del difícil contrapunto flamenco, básicamente contrapunto imitativo, que sigue la estela dejada por O. di Lasso, los organistas J. P. Swelinck, D. Buxtehude y Bach. Sólo estos dos últimos dejaron una producción importante, aportando técnicas que enriquecieron, mucho mas tarde, el gran sinfonismo del S. XIX. LOS LIBRETISTAS Las adaptaciones (reducciones) de los textos exigió maestros literatos llamados libretistas (guionistas), entre los que destacaron A. Zeno y P. Metastasio, tanto con libretos religiosos como profanos.

TERCER TRIMESTREEXAMEN X EL CLASICISMO 1750 +Bach-1827 + Beethoven. Es el neoclasicismo en Arte. El cansancio de la gran variedad de formas, estilos y adornos del Barroco, se despejó volviendo a rescatar los elementos clásicos en estado puro, desapareciendo los adornos en columnas y frontones, volviendo las figura al reposo y a la desnudez en pintura y escultura. En definitiva se buscaba la pureza de las líneas y el dibujo (perfiles). En música la línea es la melodía, fácil e inspirada. Conocemos más melodías de Mozart que de ningún otro gran compositor.1. CARACTERÍSTICAS DEL CLASICISMO- Se imponen la música profana sobre la religiosa, la instrumental sobre la vocal y el piano (piano-forte) sobre

el clave. Desaparece el b.c. - La orquesta se asienta sobre la cuerda –12V-I, 10V-II, 8Vl, 6Vch, 4 Cb,- y parejas de viento –fls. Obs. Cls.

Fgts. Tpas. y Tptas, más otra de timbales.- La música instrumental adopta globalmente la FORMA DE SONATA, 4 movs.: Allegro-Adagio-Minueto-

Allegro, ( sonatas, tríos, cuartetos... y sinfonías), el 1º con la estructura: Exposición (: )-Desarrollo-Reexposición.

- Beethoven concluye el período estableciendo las pautas del Romanticismo, desde el intimismo de la sonata “Claro de Luna” a las desafiantes sonoridades de sus nueve sinfonías.

2. F.J. HAYDN (1732-1809).Fue quien asentó la sonata en una estructura con cuatro movimientos: allegro, adagio, minueto y allegro, a lo largo de 78 cuartetos de cuerda (2 V., Vla, Vch.) y 104 sinfonías. La estructura serviría para todo tipo de composiciones solísticas o de grupos, de manera que un trío, un cuarteto o una sinfonía son, técnicamente, sonatas para: tres instrumentos, para cuatro o para orquesta, respectivamente. Esta es la estructura en síntesis de una sonata, sinfonía, cuarteto, etc.

Introducción lenta y solemne (opcional)I Mov. Allegro . 1ª Sección EXPOSICIÓN.

- Tema A, principal - Puente modulante* enérgico.- Tema B, en otra tonalidad (altura. - Repetición íntegra2ª Sección DESARROLLO

66

- Motivos principales sometidos a muchos cambios3ª Sección REEXPOSICIÓN- Tema A, en la tonalidad inicial- Puente incompleto, poco enérgico**.- Tema B, también en la tonalidad inicial. **4ª Sección CODA: fragmentos finales de carácter conclusivo

II Mov. Andante. Alternancia indefinida de dos temas; también es frecuente o Adagio. que tenga un solo tema en forma de Tema con Variaciones (A. de C.)

III Minueto o Movimiento rítmico, descargado de emociones y tensiones.Scherzo desde Beethoven

IV. Allegro En forma sonata como el primer movimiento, o en forma Rondó: A-B-A-C-A-B-A-CODA. Esta forma es propia de finales de conciertos para solo y orquesta.

3. W.A. MOZART (1756-91)

El talento de Mozart brilló desde los tres o cuatro años hasta su muerte. A los doce compuso la ópera Bastián y Bastiana, que aún se representa con éxito. A los dieciséis era artista maduro. Fue el mejor compositor de música instrumental y vocal, lo que le sitúa en una posición única, pues Rossini, Verdi o Wagner, sólo conocidos por sus óperas, mientras que Beethoven sólo compuso una y Brahms o Bruckner ninguna.

Escribió 27 conciertos para piano y orquesta y un concierto para cada instrumento de viento madera ( ), elevando la categoría del género casi a la de la sinfonía. Con igual maestría compuso, 41 sinfonías, veinte sonatas para piano y abundantes tríos y cuartetos.

De sus óperas destacan Las Bodas de Fígaro, Don Giovanni y La Flauta Mágica. Murió dejando inconcluso el Réquiem, su obra más emotiva y romántica, fruto de un extraño encargo para el

que trabajó, fuertemente sugestionado, hasta la extenuación y muerte. Siempre creyó que aquel encargo provenía del más allá y que iba a ser para su propio funeral. Pero no tuvo funeral.

4. L. v. BEETHOVEN (1770-1827)Es el compositor más trascendental de la historia. Sus 9 sinfonías y 5 conciertos para piano, sólo fueron igualados en proporciones medio siglo después su muerte, pero no en calidad. Lo mismo ocurre con sus 32 sonatas y 17 cuartetos. Se le debe estudiar como clásico y romántico a la vez.

Fue contemporáneo del general Napoleón, el pintor F. Goya y del Almirante Nelson., logró lo que Mozart no obtuvo nunca: el respeto y la admiración a su persona, lo que se evidenció en el funeral de Beethoven, al que asistió toda Viena. Al de Mozart no fue nadie.

También son románticos los títulos que empiezan a aparecer en algunas de sus obras, como las sonatas Claro de Luna (nº 14), La Tempestad(17) o Appassionata (23); así como si Sinfonía Heroica (3) Sinfonía del Destino (5), etc., y la 9º y última de sus sinfonía, la Sinfonía Coral, en la que incluyó el Himno a la Alegría de SchillerLECTURASLa Sinfonía Heroica (3ª)Esta sinfonía es una de las obras más famosas de Beethoven, que originalmente titula Sinfonía Bonaparte. La idea de componer una sinfonía en honor del “liberador” de Europa, al parecer, le fue sugerida por el mariscal Jean-Baptiste Bernadotte, embajador de Francia en Viena en 1798, o por Rodolphe Kreutzer, violinista al que Beethoven dedicó una sonata. Bonaparte era, con la diferencia de tan sólo un año, un exacto contemporáneo del músico, que no solamente

67

sentía una viva admiración por su “héroe”, sino que, más o menos conscientemente, había establecido una especie de paralelismo entre sus destinos respectivos.

Beethoven admiraba los ideales de la Revolución Francesa encarnados en la figura de Napoleón Bonaparte, quien defendió el principio de igualdad de todos los hombres contra las naciones absolutistas europeas –todo el poder para el Rey-, coaligadas contra Francia. Derrotando a todas en brillantes batallas se ganó un nombre de estratega junto a Aníbal, César y Alejandro.

Pero cuando se autocoronó emperador en mayo de 1804, Beethoven se disgustó tanto que borró el nombre de Bonaparte que figuraba en la dedicatoria de la partitura, con tal fuerza que rompió su lápiz y dejó un roto en el papel. A sus amigos les dijo a propósito: “¡Ahora sólo va a obedecer a su ambición, elevarse más alto que los demás, convertirse en un tirano!”. Y así fue: en 1808 quiso anexionarse España después de sacrificar nuestra flota en Trafalgar, en 1805, a manos de Nelson; España quedó desangrada mientras echó a los franceses en la Guerra de la Independencia 1808-12. También en 1812 sufrió Napoleón otro desastre en Rusia. Finalmente fue aniquilado su ejército en Waterloo, en 1815.

Un proverbio hindú dice. El hombre que se vence a si mismo es más valeroso que el que vence a diez mil. Beethoven lo consiguió. De admirador pasó a ser héroe admirado por las generaciones posteriores. Fue el prototipo del genio romántico.

EXAMEN XIEL ROMANTICISMO 1. CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO- La música para piano es la más difundida y fundamental, Los compositores dotan a sus obras de títulos poéticos libres ( ), o genéricos: Impromptus, Nocturnos, Preludios, Fantasías, Baladas, etc. - En las etapas de madurez se vuelven a las formas clásicas (FF.SS: sonatas, cuartetos, sinfonías). - Franz Liszt crea el Poema Sinfónico.- Surge el Nacionalismo musical (Rimsky, Falla, Sibelius...), que eleva los ritmos y melodías populares a las

obras clásicas.

2. LOS PIANISTAS DE LA PRIMERA GENERACIÓNF. Schubert (1797-1728). Inició con fuerza la tradición del Lied (canción en alemán), componiendo más de seiscientos. En la Música instrumental experimentó con grandes sonatas, cuartetos y nueve sinfonías. De sus piezas breves destacan dos colecciones impromptus. F. Mendelssohn (1809-47). Buscó el efecto de la poesía en el piano solo, distinguiéndose sus colecciones de Romanzas sin Palabras. En sus sonatas y música de cámara, obtiene resultados muy desiguales, con obras maestras como la Sinfonía Italiana (4ª) y el concierto para violín..F. Chopin (1810-49). Compuso casi exclusivamente para piano, para el que escribió dos conciertos. Dejó en colecciones de cuatro scherzos, baladas e impromptus. Es el gran héroe nacional polaco y el compositor de mejor inspiración del Romanticismo.R. Schumann (1810-56). Compuso colecciones de piezas muy breves: Papillons, Carnaval y Escenas de Niño (Täumerei), Su inspiración es de gran nivel. También dejó el mejor de los quintetos con piano y los lieder más interpretados, un gran concierto y cuatro importantes sinfonías.F. Liszt (1811-86). También hizo colecciones de piezas cada una con su título, con clara intención descriptiva, como Armonías Poéticas y Religiosas, Años de Peregrinaje (Juegos de Agua) y de enormes dificultades técnicas. Sondeó la inspiración infernal en su Sinfonía Dante, la diabólica en el Vals Mephisto y la muerte en Totentanz Schubert Mendelssohn Chopin C. Franck Bruckner

3. LOS SINFONISTAS DE LA SEGUNDA GENERACIÓNC. Franck (1822-90). Este compositor belga, optimista y poco prolífico, revitaliza la música para órgano. En las formas clásicas sólo hizo una sinfonía, una sonata para violín y piano, un cuarteto de cuerda y un quinteto con piano, pero todas obras maestras.

68

J. Brahms (1833-97). Tardó mucho en componer su primera de cuatro sinfonías, todas de máximo nivel y las mejores desde Beethoven, al igual que sus dos conciertos para piano y su concierto para violín, grandes en proporciones y densidad. Muy autocrítico y de mal carácter, quemó parte de sus obras por no considerarlas lo suficientemente buenas. P.I. Tchaikovsky (1840-93). Sólo las tres últimas de sus seis sinfonías son realmente importantes. Su primer concierto para piano es el más célebre de la historia. Entre sus obras maestras figuran los mejores ballets: La Bella Durmiente, Cascanueces y El Lago de los Cisnes. También compuso importantes poemas sinfónicos, como Romeo y Julieta y Francesca da Rímini, así como la Obertura Solemne 1812, en honor de la victoria rusa sobre Napoleón.A. Bruckner (1824-96). Algunos lo consideran el músico más grande de la historia. Sus nueve sinfonías son colosales en sonoridad y duración, comparadas merecidamente en su grandeza con las catedrales góticas y en su potencia con los tronantes órganos de sus interiores, instrumentos del que él era gran maestro.

EXAMEN XII1. LA MÚSICA PROGRAMÁTICA O DESCRIPTIVAEs la música adaptada a la imagen y a los hechos que la inspiran, modelo para las bandas sonoras del futuro. El primer paso importante es la Sinfonía Fantástica del francés H. Berlioz (1803-69), que agrega a la orquesta sinfónica instrumentos propios del foso de la Grand Opera de París. Es la orquesta filarmónica o total, que suma a la sinfónica o de concierto, instrumentos efectistas, como la celesta, arpas y percusión variada.EL POEMA SINFÓNICOF. Liszt ( ) creó el Poema Sinfónico, de un solo movimiento, en el que la estructura la imponía el argumento de un título extramusical. Sus trece poemas sinfónicos tienen referencias variadas: en Los Preludios un poema, en La Batalla de los Hunos un cuadro, en Orfeo un mito. El siguiente gran compositor fue R. Strauss (1862-1949), con Así Habló Zarathustra o Muerte y Transfiguración. También figuran Tchaikovsky (arriba), Rimsky-Korsakov, con Scheherazade, Mousorgsky con Una N. en el Monte Pelado o P. Dukas, con El Aprendiz de Brujo.

LA ÓPERA ROMÁNTICA2. VERDI Y PUCCINI Está dominada por grandes y trágicos dramas amorosos. Estos últimos cuajan en la tradición italiana con G. Donizetti con L´Elisir d´Amore, y con V. Bellini con La Sonámbula y Norma, que establecen el concepto del Bel Canto, con casi todo el interés en las voces protagonistas.

G. Verdi (1813-1901), es el mejor de los operistas italianos, compitiendo en todas las facetas: Grand Ópera en Aida y Nabucco; dramas como La Traviata, Rigoletto; o cómicas como La Forza del Destino. Firmó las melodías más conocidas de la Ópera.

El último gran hito de la ópera italiana fue el Verismo, o realismo, con óperas en el que la tragedia no se limita a un final truncado, sino que impregna gran parte de la obra. El más destacado es G. Puccini (1858-1924) con obras como, Madame Butterfly y Tosca. 3. WAGNER

Los elementos fantásticos son más atractivos en Alemania, ya sea el terror o lo diabólico en El Cazador Furtivo, de K.Mª. von Weber, o las grandes leyendas y mitos germánicos como en la obra de R. Wagner (1813-83), óperas colosales no superadas.

Si en Italia era la voz la protagonista, en Wagner lo es la orquesta, que extiende su actuación si pausas, que se ha llamado la melodía infinita.Sus óperas, como Tannhauser, Tristán e Isolda y Parsifal, están extraídas de leyendas medievales, caballerescas y artúricas. Pero su obra cumbre El Anillo de los Nibelungos, es una saga mitológica que

69

comienza el mundo de los dioses en El Oro del Rin y la Valquiria, al humano de Sigfrido y El ocaso de los Dioses.

EXAMEN XIII 1. EL NACIONALISMO Las polonesas de F. Chopin y las rapsodias húngaras de F. Liszt abrieron una fuente de inspiración en la música popular de cada país. Checoslovaquia, Hungría, Rusia, Noruega y España, países con fuerte tradición y colorido folclórico, aportaron excelentes obras, principalmente escénicas. Cabe citar entre las óperas El Principe Igor , de A. Borodin, entre los rusos; Peer Gynt, de E. Grieg (N); La Vida Breve de M. de Falla (E).

En el ballet el propio Falla (1876-1946) aportó dos excelentes títulos: El Sombrero de Tres Picos y El Amor Brujo; del ruso I. Strawinsky (1882-1971) destacó La Consagración de la Primavera

En la música instrumental ninguna tiene la riqueza e inspiración de la música española, como en la Suite Española, de piezas breves de I. Albéniz (1860-1909); en la Sinfonía Sevillana de J. Turina (1882-1949); y el Concierto de Aranjuez de J. Rodrigo (1901-99).

2. LA ZARZUELA.Aunque su origen se remonta al S. XVII, es en las últimas décadas del S. XIX y primeras del S. XX cuando alcanza su gran protagonismo. Alternando pasajes hablados con otros cantados, su temática es netamente desenfadada y española. Se distinguen dos géneros: la Zarzuela Grandea en dos y tres actos, y el Género Chico, con un solo acto y una hora de duración.

En las primeras destacan F.A. Barbieri (1823-94), con Pan y Toros; F. Alonso (1887-1948), con La Calesera y Las Leandras; P. Sorozábal (1897-1988), con La Tabernera del Puerto.

En el Género Chico están las obras más populares: La Revoltosa, de R. Chapí (1851-1909), La Verbena de la Paloma, de T. Bretón (1850-1923) y La Boda de Luis Alonso y La Torre del Oro, del sevillano Gerónimo Giménez (1854-1923).

3. POST-ROMANTICISMO Después de Brahms y Bruckner las formas clásicas, esencialmente alemanas, como sinfonías y conciertos, entraron en una fase decadente, esto es, no tuvieron continuadores G. Mahler (1860-1911) compuso nueve sinfonías, de tal importancia que se le considera el último de los Grandes. S. Rachmaninov (1873-1943) escribió los últimos grandes conciertos para piano y orquesta y R. Strauss las últimas grandes óperas. Convivieron con los movimientos innovadores o ”ismos”, que tendían a lo breve o moderado, como Nacionalismo, Impresionismo, Dodecafonismo, etc. 4. NEOCLASICISMOI. Strawinsky ( )que participó de la estética expresionista del S. XX, con música de fuertes impulsos y carente de sentimentalismo en sus ballets ( ), volvió su atención a las viejas formas clásicas, como sinfonías,

70

sonatas, conciertos o música de cámara, pero con reducidas orquestas y sin las intensidades emotivas y grandiosas de los románticos.

En esta corriente se encuentran los rusos S. Prokofiev (1891-1953) y D. Shostakovich; el húngaro B. Bartok, acaso el músico del S.XX mejor valorado; el finlandés J. Sibelius; y el danés C. Nielssen (1875-1931).

S. XX .MÚSICA EXPERIMENTAL.Abstraídos los sonidos de sus relaciones tonales (TDS) y de sus fuentes tradicionales –voz o instrumento-, se experimentó con ruidos –palmadas, chirridos de puertas, pasos de caminante, etc.-, en lo que se llamó Música Concreta (que refleja una imagen concreta); con ruidos procedentes de los aparatos emisores y receptores de radio, que se llamó Música Electrónica, fruto de la cual nacieron las guitarras y órganos eléctricos. Destaczaron P. Henry (1827) con su Sinfonía para una Puerta y un Suspiro, o K.H. Stockhausen (1928) autor de Gesangen Juglingen (Cántico de los Adolescentes).

Al margen de estos y otros muchos experimentos, meritorios unos, rayanos en la burla y el escarnio al público en otros, la mejor música de hoy se escribe para el cine, cuyos mejores compositores hacen uso magistral de la gran orquesta filarmónica, como de los hallazgos recien descritos, para efectos y circunstancias que lo requieren.

ESCÁNDALOS “ARTÍSTICOS”.1. A Wagner, para estrenar Tannhauser en París, le pusieron la condición de que tenía que incluir una pieza de ballet en su obra, como era tradicional. Pero la incluyó en el primer acto. El problema que se desencadenó tenía poco que ver con el arte y con la música: una parte importante del público eran los ricos herederos de la burguesía parisina, hombres jóvenes que acudían a la ópera en el último acto, después de practicar sus deportes y cacerías, para ver a las estilizadas bailarinas, a las que luego invitarían a las correrías nocturnas.

El enfado de estos muchachos fue tan lejos cuando no vieron a sus “novias”, que para la siguiente representación contrataron a numerosos reventadores, que al poco de comenzar la ópera empezaron a tocar trompetillas, lanzar serpentinas y confetis al público en monumental escándalo. La función se suspendió, claro.

2. J. Cage (1912) compuso una obra para piano titulada 4.45, que consiste en ver al pianista sentado ante el instrumento exactamente durante cuatro minutos y cuarenta y cinco segundos, sin tocar nada, o sea, “interpretando” el silencio…

Las excentricidades de los artistas demostraron muchas veces talentos geniales, pero con frecuencia son una pura estafa, o lo que es peor, una burla al público. Y es que no sólo son excéntricos algunos artistas sino también muchos críticos, engreídos de saberlo todo. En no pocas ocasiones han encumbrado a gente de ningún mérito. El crítico era el responsable de que alguien fuese dado a conocer al público o no; normalmente no lo hacen mal, salvo cuando quieren ser protagonistas. Otro tanto: los escenógrafos.

71

EXAMEN XIVSIGLO XX: LOS ISMOSLos “ismos” son una reacción al exceso de emotividad romántica. Como el Renacimiento, el S. XIX o siglo romántico, fue época de expansión, con gran demanda cultural. Pero había empezado con las desangrantes Guerras Napoleónicas y concluía con la Paz Armada, que estallará en el desastre de 1914-18 o Primera Guerra Mundial. Después vinieron dos décadas de posguerra y de declive económico, y la Segunda Guerra Mundial (1939-45). Ante tales acontecimientos los grandes artistas plasmaron lo que vieron, dibujando un mundo temible y temido.

La inminencia de las tragedias no cuajaba con el sentimentalismo romántico en la poesía, el arte y la música; buscaban la evasión o se impregnaban de pesimismo.1. CARACTERÍSTICAS- Comienza a desarticularse la música TONAL quitando importancia a las T.D. y S.: con el

Impresionismo (Ravel y Debussy), la melodía se difumina entre la armonía; Strawinsky descompone los ritmos regulares; y el Atonalismo crea una especie de anarquía armónica y melódica ( )

- El Dodecafonismo (Schoenberg, A. Berg y Webern) ordena el Atonalismo: ninguna nota se repite sin que se oigan las once restantes. Es la respuesta de la música al Expresionismo.

- Finalmente la experimentación y la libertad de estilos excluyen caracteres generales. Además hay que tener en cuenta que, junto a las vanguardias conviven tardorrománticos como S. Rachmaninov o R. Strauss (1.949).

2. EL IMPRESIONISMO.Es émulo del movimiento pictórico homónimo de Monet, Degás o Renoir. Estos pintores difuminaron el dibujo y sumergían las figuras de sus cuadros en ambientes brumosos e intemporales. C. Debussy (1862-1918), se aproximó a este arte eliminando o interrumpiendo la melodía (dibujo), con armonías modales y adormecedoras escalas exátonas (tonos),que crean atmósferas sosegadas y húmedas. Sus títulos son sugerentes, como La Catedral Sumergida, Ondina, Reflejos en el Agua, etc, para piano. Para orquesta escribió los poemas sinfónicos El Mar, en tres movimientos, y Preludio e la Siesta de un Fauno, su referencia capital.

Las técnicas impresionistas de Debussy tienen su origen en Nubes Grises y en Juegos de Agua… de Liszt, y acaso fueron superadas por M. Ravel (1875-1937) en el piano con Ondina y en la orquesta con ballet Dafnis y Cloe, aunque su mayor celebridad se la debe al repetitivo Bolero.

72

3. EXPRESIONISMO: ATONALISMO Y DODECAFONISMOEl Expresionismo es un arte crudo que refleja la desesperación ante el sufrimiento. La belleza como inspiración deja paso al efecto sórdido, la angustia o la decepción, descritas en la deformación de las figuras de P. Picasso, o ausencia de detalles y de adornos en E. Munch. Finalmente desaparece la figura y aparecen la pintura y la escultura abstractas: ésta con bultos amorfos; aquella con composiciones de colores y manchas.

A. Schoenberg (1874-1951) tradujo esta sensación al mundo de los sonidos, deformando la melodía y la armonía, creando una anarquía sonora de imposible memorización, en lo que se conoce como Atonalismo, evitando las secuencias TDTST, que dan equilibrio a la música. La sistematización del atonalismo fue el Dodecafonismo, que establece el principio de que no se repite una nota hasta haber sonado las otras once. Figuran junto a Schoenberg A. Berg y A. Webern, que estableció la denominada melodía tímbrica: una nota por instrumento. De aquí derivó el Serialismo.

METODOLOGÍA en 4º de E.S.O. En los casos en que sea necesario, se impartirás unas clases de repaso sobre fundamentos de escritura

musical estudiados en 1º de E.S.O., con un control escrito y evaluable, que permita análisis mínimos de partituras. Como el nivel exigible es muy bajo, no aportará dicho control una nota importante si es positiva.

Habrá un mínimo de diez pruebas escritas o exámenes, incluída al menos una prueba de audiciones en dos sesiones, cada una con nota propia y asimilable a la media

En el grupo de este nivel de este se proporcionarán dos o más CDs, con grabaciones de obras o fragmentos del repertorio clásico, moderno y de cine fáciles de recordar y en buena me medida conocidas, pero cuyos títulos y autores son ignorados. Con los ejercicios adecuados y con pautas de análisis, esta ignorancia será superada con facilidad. Los contenidos de dichos CDs., como están sujetos a cambios de un año para otro según su eficacia, se presentan en los anexos de esta Programación.

Siempre que sea posible, los ejemplos musicales más idóneos llevarán el auxilio de su correspondiente partitura, con lo que las tareas de análisis se emprenderán recién adquiridos los conocimientos elementales de lenguaje musical, con lo que los alumnos verán desde el principio su aplicación práctica.

El complemento esencial de la metodología serán las audiciones, y proyecciones de vídeos, que añaden a la ilustración de los contenidos el contacto directo con obras de arte de eminentes creadores, siendo ejemplo permanente de los trabajos bien acabados. Como complemento se añadirán proyecciones de videos, diapositivas y demostraciones instrumentales, pero sin perder de vista que es la sensibilidad de la humana acción de escuchar, el objetivo de formación integral del alumno, así como manifestarse verbalmente con los tonos más adecuados, los ritmos menos tensos y los gestos más armoniosos en sus relaciones con los demás.

La base de trabajo será, como en cursos anteriores, el seguimiento de un temario original elaborado por el Departamento, presentado en un cuadernillo de fotocopias, que incluye los contenidos programados

Así mismo los ejercicios serán propuestos por el profesor según las necesidades de cada curso o de cada caso personal, siempre atendiendo a la consecución de objetivos útiles, dado que las propuestas del libro es demasiado amplia y absolutamente inabarcable en su totalidad.

A Ejecución de obras sencillas a dos manos en el piano.

73

Se efectuará después o durante la copia de la música en pentagramas y facilitada. Pero se contará, básicamente, con una tablatura e indicaciones de digitación sobre un teclado impreso, donde se aprenderán los rudimentos de colocar cada dedo, según su número, sobre el teclado.

La base del trabajo a dos manos consiste en memorizar la más sencilla ejecución, en Do Mayor, de los acordes tríadas de tónica, dominante y subdominante.

Después sed aprenden con la mano derecha melodías senillas que, en determinados momentos, simultanean notas con acordes.

B1. Estudio del temario.Como ya se indica al principio, el temario contiene sólo contenidos mínimos y está elaborado de

modo que todos los alumnos, con adaptación y sin ella, pueden seguir la lectura y los ejemplos e ilustraciones de que se acompaña.

Las lecturas serán repartidas entre todos los alumnos, sin excepción, por lo que se tendrá en cuenta el nivel de las mismas y su componente comprensivo. Las ilustraciones que necesiten mayor detalle pueden ser proyectadas, ampliadas en detalle y complementadas por otras.

2. Preguntas de clase.Dado que la mayoría de los alumnos ya han cursado asignaturas de Música en este Departamento, la

posibilidad de buscar el contacto con conocimientos adquiridos y, lógicamente no recordados del todo, esta tarea será muy común.

Con el material nuevo y sobre lo avanzado se sondeará el estudio diario, la atención al desarrollo de la materia, valorándose, con el material abierto, la búsqueda en página, tema, apartado, párrafo y renglón del dato; de este modo se desarrolla la capacidad de autonomía en el estudio, el carácter de investigación del mismo y la comprensión general.

3. Pruebas escritas.El temario se halla dividido en temas-examen, finalizado cada cual se procederá a realizar un examen

escrito. Dado que son breves y concisos se pedirá el desarrollo de uno o dos apartados.

4. Audiciones y videos.Las cada vez más útiles y frecuentes proyecciones de videos, no suplanta la tarea principal en las

actividades en esta metodología En el nivel 4º de la E.S.O., se proporcionarán, al menos, dos CDs con grabaciones de obras o

fragmentos del repertorio clásico, moderno y de cine, fáciles de recordar y en buena me medida conocidas, pero cuyos títulos y autores son ignorados. Con los ejercicios adecuados y con pautas de análisis, esta ignorancia será superada con facilidad. Los contenidos de dichos CDs., como están sujetos a cambios de un año para otro según su eficacia, se presentan en los anexos de esta Programación.

5. AnálisisLos ejemplos musicales más idóneos llevarán el auxilio de su correspondiente partitura, impresa en el

temario o proyectada, con lo que las tareas de análisis se emprenderán recién adquiridos los conocimientos elementales de lenguaje musical, con lo que los alumnos verán desde el principio su aplicación práctica.

Las audiciones musicales serán el complemento esencial de la metodología, pues añaden, a la ilustración de los contenidos, el contacto directo con obras de arte de eminentes creadores, siendo ejemplo permanente de los trabajos bien acabados. Como complemento se añadirán proyecciones de videos, diapositivas y demostraciones instrumentales, pero sin perder de vista que es la sensibilidad de la humana acción de escuchar, el objetivo de formación integral del alumno, así como manifestarse verbalmente con

74

los tonos más adecuados, los ritmos menos tensos y los gestos más armoniosos en sus relaciones con los demás. Las plantillas a modo de guía para el análisis de audiciones y de partituras se presentan como anexos al final de esta programación.

EVALUACIÓN

La evaluación final tendrá como referencia principal los Objetivos Mínimos establecidos más adelante, los cuales sirven de guía útil para reconocer los niveles establecidos. La promoción del alumno será propuesta en base a sus conocimientos. En casos específicos, valorando la actitud positiva y, a requerimiento del equipo educativo, de manera unánime, pueden contemplarse el apoyo a la obtención de suficiencia o a la promoción.

75

ANEXO I CON LOS CONTENIDOS DE LAS AUDICIONES DE LA E.S.O.

CD. NIVEL 1º DE E.S.O.

L. Anderson (1.908-75)1 “La Máquina de Escribir”

J.S. Bach (1685-1750)2 Toccata (y Fuga en Re )

F.J. Haydn (1.733-1.809)2 Sinfonía nª 101, de ”El Reloj”, mov. 2º

L.v. Beethoven (1.770-1.827)4 Septimino en Mi mayor: Minuetto 5 “Para Elisa” (Bagatela)

E. Grieg (1.843-1.907)6 “La Mañana”, de la suite Peer Gynt.

F. Chopin (1.810-49)7 Nocturno nº 2

E. Elgar (1.857-1.934).8 Marcha de Pompas y Circunstancias

9 A. Honneger (1.892-1.955) “Pacific 2-3-1” (mov. Sinfónico)

P. Dukas (1.865-1.935)10 “El Aprendiz de Brujo”, Poema sinfónico.

P.I. Tchaikowsky (1.840-93)11 “El Hada de las Lilas” (del ballet “La B. Durmiente)12 Obertura Miniatura.13 “El Hada de Azúcar” (ambas del ballet “Cascanueces)

M. Mousorgsky (1.839-91)14 “Una Noche en el Monte Pelado” Poema sinfónico.

N. Rimsky-Korsakov (1.844-1.908)15 “Scheherazade”, Suite sinfónica.

G. Rossini (1.792-1.868)16 Obertura de la ópera “El Barbero de Sevilla”

G. Bizet (1838-75)17 Preludio de la ópera “Carmen”

J. Strauss II (1.825-99)18 “El Danubio Azul” (vals)

A. Khachaturiam (1.903-78)19 “Danza del Sable”, del ballet

“Gayeneh”

CD DE INSTRUMENTOS SOBRESALIENTES

B. Britten 1913-761. Variaciones sobre un tema de

PurcellGuía de orquesta

W.A Mozart 1756-91

2. Concierto para arpa, flauta y orq.

Mov, 2º. Andantino

P.I. Tchaikovsky 1840-933. El Lago de los Cisnes

Suite del Ballet: introducciónOboe, luego trompas en ff.

S. Rachmaninov 1873-19434. Sinfonía II, mov. 3º, Adagio

Solo de clarinete.

R. Strauss 1864-19495. Concertino, mov. 2º, adagio.

Solo de fagot.

L.v. Beethoven 1770-18276. Sinfonía IX, mov, 4º, Allegro

. Vchs-c.bajos// Vlas-fagot Violines// toda orquesta

J.S. Bach 1685-17507. Preludio nº 1 en Do

de El Clave bien templado

J. Pachelbel 1653-17068. Canon en Re

Cuerda con clave

G. Verdi 1813-19019. Marcha de la ópera Aida

Solo de trompeta

J. Brahms 1833-9710. Sinfonía I, mov. 4º, intrd.

Solos de trompa// flauta//Trombones en pp// trompa

R. Wagner 1813-8311. Tannhäuser, Obertura

Trombones en ff, y cuerda

J. MohrF. Gruber 1787 1863

12. Stille Nacht (Noche de Paz)Coro a capella

G.Fr. Händel 1785-175913. Del oratorio El Mesías

nº 42 “Aleluya”. Coro y Orq.

T. Luis de Victoria 1548-161114. Ave María, motete

Coro a capella

Kh. Stockhausen 1928-200715. Cyclus

Percusión diversa

P.I. Tchaikovsky 1840-9316. Sinfonía IV, mov. 3º

Pizzicato ostinato

C. Debussy 1862-1918 17. Reverie 18. Claro de Luna

Versiones en sintetizador

CD de MÚSICA DE CINE 2º ESO

1. E.T. 1982 John Williams2. En busca del Arca perdida. Indiana Jones. 1981 “ “3. Batman. 1989 Danny Elfman4. Spiderman. 2002 5. Gladiator. Battle in The Colysseum. 2000 Hans Zimmer6. Tiburón. 1975 John Williams7. La Amenaza Fantasma. 1999 “ “8. Star War. Marcha Imperial (Darth Vader).1977 “ “9. La Muerte Tenia un Precio. 1965 Ennio Morricone10. La pantera Rosa. Theme. 1963 Henry Mancini11. Terminator II. 1991 Brad Fiedel12. Regreso al Futuro. 1989 Alan Silvestri13. Ben Hur- camino del Calvario. 1959 Myklos Rosza14. Rey de Reyes. 1961 “ “15. Parque Jurásico. 1993 John Williams16. Parque Jurásico, 2º tema 1993 “ “17. Troya. Achilles Leads The Myrmidons. 2004 James Horner18. Braveheart - Main Theme. 1995 James Horner19. El Álamo 1960 Dimitri Tiomkin20. El Señor de los Anillos. Las dos Torres 2001 Howard Shore

MÚSICA ESPAÑOLA, nivel 4º de E.S.O.

G. Giménez (1.854-1.923)1- “La Torre del Oro”: Preludio (Zrz.).

A. Álvarez (1.867-1903)2- “Suspiros de España”

M. de Falla ( 1.876-1.946)3- Danza 1ª, ambas de “La Vida Breve” (ópera)

E. Granados ( 1867-1916)4- Danza española nº5:”Andaluza”.

I. Albéniz (1.860-1.909) Suite Espñola:5- Córdoba

M. de Falla6- “El Amor Brujo”: (Ball.) Intermedio.

I. Albéniz7- “Sevilla”8- “Granada”

R. Soutullo/J. Vert (1884/90-1931/32)9- Preludio de la zarzuela “La Leyenda del Beso”

T. Bretón (1.850-1.923)10- “La Verbena de la Paloma”: Preludio (Zrz).

G. Gieménez 11- “La Boda de Luis Alonso”: Intermedio ( Zarz.).

Anónimo12 -Romance

S. Bacarisse (1.898-1.963)13- Concertino para guitarra y orq. Mov. 2º: Romanza.

F. Tárrega (1.852-1.909)14- “Capricho Árabe”

J. Rodrigo (1901-99)15- “Concierto de Aranjuez” para guitarra y y orquesta, mov. 2º.

F. Tárrega 16- “Recuerdos de La Alhambra”

T. L. De Victoria (1548-1611)16 - Requiem: Introito del Officium Defunctorum.

Canto religioso Mozárabe del S XI17 - Dominus Regnavit. Introito de la Misa Romana

T. L. de Victoria (disco del libro)18- Ave María, motete

POP 65/75 1

SELECCIÓN PROPUESTA

1. Bridge over troubled water (1970)(Puente sobre aguas turbulentas)

P. Simon & A. Garfunkel

2. Alone again (Naturally) (1972)(Solo otra vez)

G. O´Sullivan

3. Wythout You (1971)(Sin ti)

H. Nilsson

4. Good vibrations (1966)(buenas vibraciones)

The Beach Boys

5. HolidayBee Gees

6. Scarboroug fair (1968)Simon & Garfunkel

7. Sargent Pepper´s (1967)8. With a little help from my friend

(Con un poco de ayuda de mis amigos)9. Help! (1965)10. Penny Lane (1967)11. Michèlle (1965)12. Yersterday (1965)

The Beatles (Lennon/McCartny)

13 Imagine (1971) J. Lennon

14 Something (1969)(Algo...especial)

The Beatles (G. Harrison)

15 Eleanor Rigby (1966)16 Hey Jude (1968)17 Let it be (1970)

(Déjalo así)The Beatles (Lennon McCartney)

18 Morning has brokenCat Stevens

19 A soapbox opera (1975)(Demagogia)20 Another man´s woman

(La mujer de otro) Supertramp

21 Anotherday (1971)22 No more lonely nights (1984)

(Ninguna noche más solo) P. McCartney

23 Don´t answer me (1984)Alan Parsons Project

24 The boxer (1969) Simon & Garfunkel

ANEXO II

EXÁMENES Y EVALUACIÓN DE LAS PRUEBAS DE AUDICIONES:

- Las pruebas constarán de cinco audiciones, evaluándose cada una con dos puntos.- El alumno deberá responder por escrito a los contenidos propios de su nivel, identificando cada fragmento,

que sonará durante un tiempo suficiente.

1Nota: Estas audiciones deberán obtenerlas los alumnos por sus propios medios.

- Cada alumno dispondrá para estudiar de una copia en CD de las audiciones de su nivel y de la hoja correspondiente que pormenorizan sus contenidos (ver anexo anterior).

- De los dos puntos que obtendrá, uno depende de que responda correctamente a los datos principales: título principal y apellido del compositor. Ambos datos están remarcados con letra negrilla, y es imprescindible consignar ambos datos para aprobar cada audición (un punto).

- Una vez resuelto el apartado anterior, el segundo punto se penaliza con 0,25 ptos. por cada dato que falte: nombre de pila del compositor, título de la parte en cuestión de una obra compleja, movimiento, tonalidad, etc.. Pero si añade alguno nunca se penalizará con más de 0,75 ptos.

- En 3º y 4º, dado que el grueso de la asignatura lo constituye la Historia de la Música, consignar o no las fechas del compositor resta o añaden 0,50 ptos. en cada audición, siempre que los datos principales sean correctos.

- En 1º y 2º el error u omisión de las fechas, como dato secundario, se penalizará con 0,25 ptos., pero su acierto se valorará con 0,50 ptos. si ha respondido correctamente a los datos principales.

- Habrá un mínimo de dos exámenes: uno (o más) durante el curso y otro en el examen extraordinario de fin de curso. El profesor podrá señalar un segundo examen durante el curso de modo obligatorio, pero respetando la mejor nota a efectos de nota media.

- El examen de curso se hará en dos sesiones, cada una con la mitad de los contenidos, pero constarán, a efectos de nota media de evaluación, como dos. En el examen extraordinario habrá sólo una prueba de audición general.

- El alumno que haya superado esta prueba no tendrá la obligación de repetirlo en el examen extraordinario si no quiere, siendo evaluado solamente por la prueba escrita de contenidos. De hacerlo, la nota supondrá el 50% de la prueba

- Por consenso del alumnado se podrá señalar un examen de audiciones de otro nivel, considerando la nota como la de un examen más de evaluación.

Consideración final:

Este tipo de pruebas viene ofreciendo los mejores resultados de cara a la calificación del alumno. Se da el caso de que es sencilla de superar y, paralelamente, supone una demostración de conocimientos de primer orden e importancia para esta asignatura, que sitúan al alumno con un conocimiento de esta parcela de las grandes artes, muy por encima del común de los ciudadanos con titulaciones elementales, medias y, aún, superiores.

ANEXO III PLANTILLA PARA ANALIZAR AUDICIONES EN CASA Y EN CLASE:

ANÁLISIS DE AUDICIONES

I GÉNERO (según elementos sonoros: A y B; según la orientación o intencionalidad: C) A) Vocal: 1 monódico: una sóla voz , o varias voces cantando lo mismo ( al unísono). 2 Polifónico: varias voces cantando de modo diferente y simultáneo. -En ambos casos puede ser “a capella” o acompañado ¿De qué? (B)

- Si es acompañado señalar si se observan: preludio, interludios y postludio. B) Instrumental: 1 Solístico un solo instrumento ¿Cuál? 2 De cámara de 2 a 9 instrumentos –identificar varios-. 3 Sinfónico orquesta ( grupo numeroso, masas sonoras): ¿Barroca, clásica o romántica? 4 Concertante composición para un solista protagonista ¿? y orquesta ¿? C) Orientación: ¿Música religiosa o profana? (A) /¿Música pura (formas) o descriptiva (títulos)? (B)

II TONALIDAD. 1 Mayor (Luz) 3 Modal * 5 Indefinida (efectos, ruídos) ** 2 Menor (Sombra) 4 Atonal ** V PERÍODO ARTÍSTICOIII TEMPO 1 Presto (muy rápido) * 1 Edad Media: 2 Allegro (animado, movido) - Románico Ss. X-XII 3 Andante (tranquilo, pero no lento) - Gótico Ss. XIII-XIV 4 Adagio (despacio) * 2 Renacimiento Ss. XV-XVI 5 Grave (muy despacio, lento) 3 Barroco 1.600-1750 4 Clasicismo 1.750-1.827 5 Romanticismo I 1.827-1.850IV COMPÁS 1 Binario (dos pulsaciones básicas) 6 Romanticismo II 1.850-1.897 2 Ternario (tres “ “ ) 7 -Post-romant. 3 Indeterminado - Impresionismo Hasta 1.950... ** - Otros “ismos” VI CARÁCTER GENERAL A) EXTROVERTIDO B) ÍNTIMO C) ROMÁNTICO

Apoteósico Cálido Sublime Inquietante HeroicoTriunfal Amable Amoroso Atormentado LúgubreFestivo Sereno Sensual Tenebroso Fúnebre

Pomposo Suave Intenso Fantasmagórico MarcialFeliz Silencioso Apasionado Diabólico Optimista Armonioso Tempestuoso Infernal Animado Sutil, delicado Dramático Satánico

Trágico Caótico VII EVOCACIÓN

A) PAISAJE B) AMBIENTE C) MOMENTO/ÉPOCA Urbano Luminoso MatinalRural Sombrío AtardecerPastoral Brumoso NocturnalSerrano /boscoso Lluvioso Prim./Ver./Ot./InvernalCosta (playa, acantilado) Borrascoso FuturoLunar, cósmico De terror, pesadilla Pasado reciente, lejanoUltratumba Celestial

VIII VALORACIÓN (de 0 a 10)

Esta plantilla se encuentra comprimida en un ejemplo tamaño folio en el final de los temarios de 1º y 2º en la presente Programación

ANEXO IVPRUEBA EXTRAORDINARIA DE ENERO DE 2009 PARA ALUMNOS DE 4º CON MÚSICA DE 3º PENDIENTE JUEVES 22, A LAS 18´30 H. AULA DE MÚSICA

Descripción de la prueba:

Se sorteará uno de los seis bloques de los CONTENIDOS, debiendo desarrollarse el mismo y los dos siguientes. En segundo lugar se expondrá la relación de los compositores seleccionados de los tres bloques restantes.

PRUEBA EXTRAORDINARIA SEPTIEMBRE 4º Y PENDIENTESDE 3º2.- RESUMEN DE LA ASIGNATURA alternativa a los contenidos pendientesDescripción de la prueba:Se sorteará uno de los seis bloques de los CONTENIDOS, debiendo desarrollarse el mismo y los dos siguientes. En segundo lugar se expondrá la relación de los compositores seleccionados de los tres bloques restantes. 1.*LA EDAD MEDIA: (tras el fin del Imperio Romano S.V d/C). Arte casi exclusivamente religioso.

Románico (Ss. X-XII)

- Se hereda la tradición monódica de la Antigüedad Clásica (Grecia y Roma)El Canto Gregoriano (en latín) y los trovadores (en lengua vulgar) son el cénit de la monodia. - La música medieval es MODAL (usa ocho modos o “escalas gregorianas”).

- En el C. Gregoriano se establecen los tres tipos de canto: silábico, neumático y melismático- La polifonía ( S.X ) nace como adorno de la melodía (monodia) y fuerza la creación de un sistema de escritura musical. Gótico (Ss. XIII y XIV)- Se generaliza el uso de la polifonía y aparecen las primeras formas musicales: Organum, Conductus (Leonin y Perotin) y

Motete. La Misa de Notre Dame, de G. De Machaut, es la primera misa polifónica.- La música profana es de corto alcance (trovadores, cantigas de A.X. “El Sabio” y Ars Nova); los instrumentos no tienen

un papel definido

2.*EL RENACIMIENTO (renacer de la cultura clásica o grecorromana) Ss. XV y XVI .- Es la gran época de la Polifonía y del estilo “a capella”. Aparece el coro.- La música sigue siendo modal. La polifonía alcanza la perfección en las formas más importantes, como la Misa y el

Motete en la música religiosa y el Madrigal -y el Villancico en España- en la profana.- La música profana (sobre poemas) es ya considerable y la música instrumental adquiere autonomía.

3.*EL BARROCO ( 1.600-1.750 +de Bach).- Se impone la música TONAL (con base en las T. D. y S. ) sobre la música modal, con los tonos M. y m.- Equilibrio entre la producción musical religiosa y la profana, y entre la música vocal y la instrumental- EL BAJO CONTINUO –clave u órgano más cuerda grave- es la característica principal, imponiendo un ritmo mecánico,

imprimiendo movimiento, evitando tanto los huecos sonoros (horror vacui) como el estilo “a capella”.- El instrumento más representativo es el clavecín y la orquesta más definida es la de cuerda (o de arcos): 3V-I, 2V-II, 2

Vla 2 Vch. 1 Cb. y 1 Clave.- La m. vocal es narrativa y dramatizada: Ópera (prof.) Oratorio y Cantata (rel), todas a base de obertura (oieza

orquestal inicial),recitativos (forma de cantar hablando), arias (canciones acompañadas de orq.) y coros. - En la m. instr. se desarrollan la Sonata (para solo y continuo), la Suite (danzas para orquesta) y el Concierto (para

solista y orquesta). El concierto es la aportación principal del Barroco a la música instrumental.4.*EL CLASICISMO ( 1.750-1.827 + de Beethoven).- Se imponen la música profana sobre la religiosa, la instrumental sobre la vocal y el piano (piano-forte) sobre el clave.

Desaparece el b. continuo.La orquesta se asienta sobre la cuerda –8V-I, 6V-II, 4Vl, 4Vch, 2 Cb,- y parejas de viento –fl. Ob. Cl. Fg. Tpa. y Tpta, más otra de tbls.

- La música instrumental adopta globalmente la FORMA DE SONATA, 4 movs.: Allegro-Adagio-Minueto-Allegro, (en sonatas, tríos, cuartetos... y sinfonías), el 1º con la estructura: Exposición (: )-Desarrollo-Reexposición-Coda.

- Beethoven concluye el período estableciendo las pautas del Romanticismo, desde el profundo intimismo de la sonata “Claro de Luna” a las desafiantes sonoridades de sus nueve sinfonías.

- La Sinfonía (sonata para orquesta) será, en adelante, la composición instrumental más importante.

5.*ROMANTICISMO (1827-1897 + de Brahms)- La música para piano es la más característica y fundamental, ya solo, junto a la voz (Lied) o en grupo, sobre todo en las

primeras décadas (Schubert, Mendelssohn, Chopin, Schumann y Liszt).- Los compositores dotan a sus obras de sugestiones, emociones o dramatismo extraídos de las artes, la literatura, el paisaje, etc.,

con títulos libres ( Acuario, La Mañana) , o denominaciones genéricas: Nocturnos, Preludios, Fantasías, Baladas, Rapsodias, etc., en sus etapas juveniles.

- En las etapas de madurez se entregan a las formas clásicas (FF.SS), dotándolas de los extremos emocionales a los que nunca renunciaron emulando a Beethoven: reflejar sus propios sentimientos. Liszt crea el Poema Sinfónico.

- En la fase final se componen obras de extraordinaria duración y gran densidad, para las que se exigen orquestas de más de cien músicos (óperas de Wagner, sinfonías de Brahms, Bruckner y Mahler o poemas sinfónicos de R. Strauss ).

- Surge el Nacionalismo musical (Rimsky, Falla, Sibelius...), que eleva los ritmos y melodías populares a las obras clásicas.-6*SIGLO XX- Comienza a desarticularse la música TONAL quitando importancia a las T.D. y S.: con el Impresionismo (Ravel y Debussy),

la melodía se difumina entre la armonía; Strawinsky descompone los ritmos regulares; y el Atonalismo crea una especie de anarquía armónica y melódica ( )

- El Dodecafonismo (Schoenberg, A. Berg y Webern) ordena el Atonalismo: ninguna nota se repite sin que se oigan las once restantes. Es la respuesta de la música al Expresionismo.

- Finalmente la experimentación y la libertad de estilos excluyen caracteres generales. Además hay que tener en cuenta que, junto a las vanguardias conviven tardorrománticos como S. Rachmaninov o R. Strauss (1.949).

RELACIÓN DE COMPOSITORES

1 EDAD MEDIA Polifonistas:LeoninPerotinPh. De Vitry G. de MachautF. Landini

TrovadoresMarcabrúAdan de la Halle W.v. der Vogelweide

Cantigas:Alfonso X el Sabio Martin de Códax

2 RENACIMIENTO Fr.-flamencos:G. DufayJ. OckeghemJorquin des Pres J. ObrechtOrlando di Lasso

Italia:G.da PalestrinaC. Gesualdo L. MarenzioC. Monteverdi

Inglaterra:T. TallisJ. Taverner W. Byrd

EspañaF. GuerreroC. de Morales

T.L. de Victoria

3 BARROCO Italia:C. MonteverdiG. GabrieliA. Corelli T. AlbinoniA. Vivaldi.

Alemania:H. SchützD. BuxtehudeJ. Pachelbel G.Ph. TelemannJ.S. BachG.F. Händel

España:Gaspar SanzJ.B. Cabanilles F. Correa de Arauxo

4 CLASICISMOC. Ph. E. BachJ. Chr. BachF. J. HaydnW.A MozartL.v. BeethovenC. W. GluckM. AlbénizP. SolerJ.C. Arriaga.

5 ROMANTICISMO (I)F. SchubertF. MendelssohnR. SchumannF. ChopinF. Liszt

H. BerliozK.M v. Weber

ROMANTICISMO (II)R. WagnerG. VerdiC. FranckA. BrucknerB. J. BrahmsC. P.I. Tchaikowsky

ROMANTICISMO TARDÍOG. MahlerA. ScriabinB. R.StraussS. Rachmaninov

NACIONALISTASI. AlbénizJ. TurinaM. de FallaI. SibeliusN. Rimsky-KorsakovA. BorodinI. Moussorgsky

6 S.XXNEOCLASICISMOI. StrawinskyS. ProkofievB. Bartok

IMPRESIONISMOC. DebussyM. RavelEXPRESIONISMO/ATO-NALISMOA. SchoenbergA. BergA. A. Webern.

PRUEBA EXTRAORDINARIA DE ENERO DE 2009 PARA ALUMNOS DE 3º CON MÚSICA DE 2º PENDIENTE JUEVES 22, A LAS 18´30 H. AULA DE MÚSICA. Alumna/o.Curso.

CONTENIDOS a recuperar: 1. Música de cámara y agrupaciones. Cámara significa aquí habitación, espacio suficiente para que pueda actuar un grupo reducido de instrumentos. Empezó siendo una distracción para amigos músicos y se convirtió en género musical del nivel más elevado.Las primeras composiciones importantes de cámara surgen en el Barroco (1600-1750), erigiéndose el clave y el violín como principales instrumentos en las llamadas sonatas dúos, si se añadía un violonchelo, sonatas tríos. Así, desde pronto, las obras de cámara se denominaron según el número de componentes: dúos, tríos, cuartetos3º . hasta nonetos. En el Clasicismo ( 1750-1827) J. Haydn (1733-1809) consolidó como principal agrupación el cuarteto de cuerda, formado por dos violines, viola y violonchelo. Todos lo grandes compositores posteriores como Mozart, Beethoven o Bramhs le dedicaron especial atención.

Le siguen en interés los tríos con piano: violín, violonchelo y piano; cuarteto con piano: violín viola, violonchelo y piano; y quintetos con piano: dos violines, viola, violonchelo y piano. Estos últimos suelen ser pocos (uno por compositor), pero de extraordinaria calidad.

Otras combinaciones dependen de los instrumentos que usaban los amigos de los compositores, generalmente de cuerda, pero también incluyen instrumentos de viento, generalmente v. madera. Definición de orquesta, principales ejemplos.

2. La orquesta. Es una agrupación musical de numerosos instrumentos que tocan de forma coordinada.Su nombre deriva del gr. orchestra, que era un lugar apartado en el escenario donde se ubicaba el

coro en el teatro de la antigua Grecia. Hoy día, en los teatros de ópera o zarzuela el lugar destinado a los instrumentos se denomina foso, situado por debajo del nivel del público y del escenario y separando ambos.3. La orquesta de cuerda barroca.Como la conocemos ahora, la orquesta tuvo su origen en la época denominada Barroco (1600-1750), asentando para siempre las cinco secciones de cuerda (arcos) que sólo variará multiplicando sus componentes en el futuro. Su plantilla es la siguiente

Violines I 5 Violines II 4 Esta es la orquesta empleada por todos los compositores barrocos (Vivaldi, Violas 3 Bach, Händel...) para conciertos con solistas, que fueron muchos. También, Violonchelos 3 para otras obras como suites y obras vocales como óperas y oratorios, se Contrabajo añadían algunos instrumentos de viento y timbales. Clave4. Orquesta Clásica (1750-1827) Fue la empleada por Haydn, Mozart y Beethoven para sinfonías, oberturas y conciertos con solista.Su plantilla establece un plantel donde ya no faltarán los vientos y la percusión:

Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 10 Flautas 2 Trompas 2 Timbales 2Vs. II 8 Oboes 2 Trompetas 2 en las T y D.Vlas. 6 Clarinetes 2Vchs. 6 Fagots 2 En las óperas es frecuente añadir algúnCbs. 4 trombón, flautín y percusión variada, como bombo, platillos y triángulo.

5. Orquesta Sinfónica (1830 hasta hoy).Fue una evolución y crecimiento de la anterior. Se denominó sinfónica porque tiene el instrumental requerido por los grandes compositores de sinfonías, oberturas y conciertos, como Brahms, Bruckner o Tchaikovsky (2/2 S. XIX). Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 16 Flautas 2 Trompas 4 Timbales 3Vs. II 14 Oboes 2 Trompetas 3 en las T, D y S.Vlas. 12 Clarinetes 2 Trombones 3Vchs. 10 Fagots 2 TubaCbs. 8 Contrafagot

Formas instrumentales.1. Tema con variaciones.Esta forma fue inventada por el organista y compositor español Antonio de Cabezón (S XVI), que la llamó diferencias. Consiste en exponer un tema, normalmente ajeno, para presentarlo después en repetidas ocasiones con diferente ritmo, armonía, contrapunto, instrumentación, etc.

Ha tenido una notable aceptación en toda la historia posterior, habiendo compuesto obras importantes Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt o Rachmnaninov, normalmente presentadas como Variaciones sobre un tema de...

2. El concierto.El verbo concertar significa poner de acuerdo. Son obras en la que un instrumento solista alterna su protagonismo con una orquesta. Constan de tres partes (movimientos): allegro, andante y presto (rondó). Se originó durante el Barroco, siendo el violín el principal solista, seguido del oboe. Son especialmente conocidos los cuatro de Vivaldi que conforman sus Cuatro estaciones.

Durante el Clasicismo y en adelante, el principal solista sería el piano; Mozart compuso 27, Beethoven 5 y casi todos los grandes compositores románticos posteriores (S.XIX), escribieron uno o dos.

Cuando hay más de un solista se le denomina en el vocablo italiano concerto grosso, siendo los más célebres los seis conciertos de Brandenburgo de J.S. Bach.

3. La forma de sonata.Es la forma instrumental más importante. Su logro se debió en gran medida a J. Haydn. Consiste en cuatro movimientos o partes ordenados así: allegro, andante (o adagio), minueto y allegro, el primero de ellos con la estructura: exposición (repetida), desarrollo y reexposición.

Esta forma de componer se aplicó a toda la música instrumental. Si la obra es para piano se denomina sonata a secas, si es de cámara se denomina por el número de componentes (trío, cuarteto, etc.), y si es para una orquesta se denomina sinfonía, que es la de mayor rango, de las que Beethoven compuso nueve, Mozart cuarenta y una y Haydn más de cien.

PRUEBA EXTRAORDINARIA DE ENERO DE 2009 PARA ALUMNOS DE 2º CON MÚSICA DE 1º PENDIENTE JUEVES 22, A LAS 18´30 H. AULA DE MÚSICA

2. Cuerda frotada o de arcos.Están concebidos para actuar en grupos. Son esencialmente melódicos (monódicos), aunque puedan dar notas simultáneas. Son la base de todas las orquestas y sus más numerosos componentes.Las cuerdas son frotadas con cerdas tensadas en un arco, produciendo el sonido instrumental más cercano a la voz humana. Lo forman los instrumentos de la familia del violín: violín, viola, violonchelo y contrabajo, ordenados de menor a mayor. Poseen un juego de cuatro cuerdas, aunque los contrabajos de hoy suelen tener cinco.

3. Formaciones de cámara (Música de Cámara)Cámara significa aquí habitación, espacio suficiente para que pueda actuar un grupo reducido de instrumentos. Empezó siendo una distracción para amigos músicos y se convirtió en género musical del nivel más elevado. El cuarteto de cuerda: lo forman dos violines, viola y vchelo. es la referencia capital

Las primeras composiciones importantes de cámara surgen en el Barroco (1600-1750), erigiéndose el clave y el violín como principales instrumentos en las llamadas sonatas dúos, si se añadía un violonchelo, sonatas tríos. Así, desde pronto, las obras de cámara se denominaron según el número de componentes: dúos, tríos, cuartetos… hasta nonetos. Son importantes los grupos que incluyen el piano.

2. La orquesta de cuerda barroca.Como la conocemos ahora, la orquesta tuvo su origen en la época denominada Barroco (1600-1750), asentando para siempre las cinco secciones de cuerda (arcos) que sólo variará multiplicando sus componentes en el futuro. Su plantilla es la siguienteViolines I 5 Violines II 4 Esta es la orquesta empleada por todos los compositores barrocos (Vivaldi, Violas 3 Bach, Händel...), sobre todo en obras concertantes, como las Cuatro Violonchelos 3 Estaciones de Vivaldi, que son cuatro conciertos para violín y orquesta.Contrabajo.Clave

3. Orquesta Clásica (1750-1827) Fue la empleada por Haydn, Mozart y Beethoven para sinfonías, oberturas y conciertos con solista.Su plantilla establece un plantel donde ya no faltarán los vientos y la percusión:

Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 12 Flautas 2 Trompas 2 Timbales 2Vs. II 10 Oboes 2 Trompetas 2 en las T y D.Vlas. 8 Clarinetes 2Vchs. 6 Fagots 2 Cbs. 4

La ampliación en el número de componentes de esta orquesta, durante el Romanticismo (S XIX), dio como resultado las orquestas sinfónicas o filarmónicas actuales, que la forman más de cien músicos. Desde Beethoven en adelante son las orquestas para las que escribieron los grandes compositores; también son las que interpretan las bandas sonoras de las mejores películas.

5. Orquesta Sinfónica (1830 hasta hoy).Fue una evolución y crecimiento de la anterior. Se denominó sinfónica porque tiene el instrumental requerido por los grandes compositores de sinfonías de oberturas y conciertos, como Brahms, Bruckner o Tchaikovsky (2/2 S. XIX). Cuerda Vtº. Madera Vtº. Metal Percusión

Vs. I 16 Flautas 2 Trompas 4 Timbales 3Vs. II 14 Oboes 2 Trompetas 3 en las T, D y S.Vlas. 12 Clarinetes 2 Trombones 3Vchs. 10 Fagots 2 TubaCbs. 8 Contrafagot

7. Banda de música.Son agrupaciones musicales móviles que se componen exclusivamente de instrumentos de viento y de percusión. Su origen es remoto y asociado a los ejércitos, donde se necesitaba un sonoro grupo de tambores para marcar el paso organizado de las tropas, así como potentes trompetas y cuernos para ordenar movimientos con sencillos toques.

En el S XIX alternaban estas funciones con otras de entretenimiento y embellecimiento de celebraciones y actos oficiales, aumentando y variando el número de instrumentos; fueron apareciendo agrupaciones de este tipo sin vinculación al mundo militar para acompañar procesiones y para actos musicales supliendo las dificultades y carestía de las orquestas.

En Sevilla son notables la Banda Municipal, la del Regimiento de infantería Guzmán el Bueno, más conocida como Soria 9 y la Banda del Maestro Tejera, así como las de localidades como Salteras, Utrera, etc., habiéndose compuesto muchas obras maestras inspiradas en numerosas y veneradas imágenes de cofradías sevillanas, como Amargura, Jesús de las penas o Virgen del Valle.

Las bandas están muy nutridas de clarinetes y saxofones, que hacen el papel similar al de los violines y violas en la orquesta