Cuestionario de historia del arte

1. Santa María del Naranco

DATOS BASICOS

Introducciónubicación: Oviedo (Asturias) Principado de Asturias declarado Monumento Nacional en 1885 Fecha de consagración: año 848 (siglo IX) Estilo: Prerrómanico

HISTORIOGRAFIA

El edificio fue mandado construir por Ramiro I como

palacio, siendo acabado en el año 842d.C,

formando parte de un complejo arquitectónico que

también comprendía la cercana iglesia de San Miguel de Lillo, erigida a tan solo cien metros de

distancia. Sin embargo, a causa del derrumbamiento de la cabecera y de parte de las naves de

San Miguel fue transformado en iglesia, probablemente durante el siglo XII, pues la crónica

silense de 1150 ya lo registra como templo de Santa María. El edificio se ubica en la ladera

meridional del Monte Naranco donde existía un bosque en el que abundaba la caza.

El templo fue declarado Patrimonio Mundial de la Humanidad por la Unesco en diciembre de1985.

ICONOGRAFIA

Además del sogueado en fustes y capiteles, éstos se encuentran decorados con animales, tema

que se repite en los treinta y dos medallones ubicados en las enjutas de sus arcos, junto con aves,

cuadrúpedos, caballos y caballeros en actitud de combate. Los medallones los podemos encontrar

tanto en el interior como el exterior de edificio, como remate inferior de pilastras o cintas, largas y

estriadas en el exterior y cortas bajo las ménsulas en las que se apoyan los arcos fajones

interiores.

Es una decoración algo tosca, que denota influencia oriental tardorromana y que se encuentra

supeditada a la arquitectura, pero que contribuye a crear un edificio austero a la par que de gran

armonía y belleza.

2. Catedral de Santiago de Compostela

DATOS BASICOS

Autor: Maestro Mateo   Fecha:1168-88 Características: Tipo CatedralEstilo: Romanico

Ubicación: Santiago de Compostela, Galicia España

HISTORIOGRAFIA

Las obras de la catedral de Santiago de Compostela se finalizan en 1168 con la contratación, por parte de Fernando II, del Maestro Mateo, el arquitecto que diseña la cripta sobre la que se asienta el último tramo de las naves y el pórtico entre las dos torres. La cripta servirá para salvar el desnivel del terreno, y sobre ella se alza la gran fachada occidental, tras la que se encuentra el famoso Pórtico de la Gloria. El Pórtico de la Gloria es la culminación de la escultura románica en España, situándose a un paso ya del Gótico. Su construcción duró casi medio siglo, por lo que el Maestro Mateo recibió una renta vitalicia de manos del rey Fernando II. La obra se finalizó en el año 1211, fecha de la consagración del templo.

ICONOGRAFIA

El Pórtico consta de una gran puerta central y dos laterales más pequeñas. En el tímpano de la gran puerta se encuentra el Salvador, levantando las manos para mostrar las llagas, acompañado por el Tetramorfos; la fila inferior está constituida por los ángeles que portan instrumentos de la pasión, mientras que la superior se ordenan dos filas de elegidos. En las arquivoltas se representan, de manera radial, los veinticuatro ancianos del Apocalipsis. Las 16 estatuas de las jambas, que ocupan el lugar del fuste de las columnas, aparecen los profetas y los apóstoles, representados con una naturalidad que anticipa estilos posteriores. Entre las esculturas más importantes de todo el conjunto destaca el llamado Pilar de los Profetas.

3. Catedral de Notre Dame

DATOS BASICOS

Catedral de Notre-Dame (París) Aut or:Pierre de Montreuil  

Fecha:Siglos XII-XIII 1163 - 1345

  tip o: catedral  Est ilo: Gotico

HISTORIOGRAFIA

La catedral surge íntimamente ligada a la idea del esplendor gótico, a efecto claro de las necesidades y aspiraciones de la sociedad de la época, a un nuevo enfoque de la catedral como edificio de contacto y ascenso espiritual. La arquitectura gótica es un instrumento poderoso en el seno de una sociedad que ve, en el inicio del siglo XI, transformarse la vida urbana a un ritmo acelerado. La ciudad resurge con una extrema importancia en el campo político, en el campo económico (espejo de las crecientes relaciones comerciales), ascendiendo también, por su lado, la burguesía adinerada y la influencia del clero urbano. El resultado de esto es una sustitución también de las necesidades de construcción religiosa fuera de las ciudades, en las comunidades monárquicas rurales, por el nuevo símbolo de la prosperidad urbana, la catedral gótica. Y como repuesta a la búsqueda de una nueva dignidad creciente en el seno de Francia, surge la Catedral de Nôtre-Dame de París.

ICONOGRAFIA

Esta portada está ubicada en la fachada oeste. El arco de ingreso es de medio punto, con tímpano decorado rodeado de cinco arquivoltas que no se apoyan sobre columnas, ya que se prolongan hasta el suelo para finalizar en basas decoradas con motivos vegetales y animales. Rodea el conjunto un guardapolvos decorado con la representación de los signos del zodiaco, animales y algún personaje. En el tímpano, dividido en dos partes, se representa la Ascensión de Cristo, cuya imagen inscrita en una mandorla elíptica es elevada por dos ángeles. En la parte inferior del tímpano, aparecen la Virgen y las doce figuras de los apóstoles. Éstas imagenes están decapitadas y mutilidas por la "brillante" intervención de los hugonotes. El tímpano se apoya en un parteluz. Flanquean la portada dos columnas que se apoyan sobre sendos leones, de los cuales sólo el del lado norte es original. Bajo las dos arcadas laterales todavía se conservaban en el siglo XIX los relieves mutilados de la parábola del pobre Lázaro y el rico Epulón y Daniel en la fosa de los leones.

4. El matrimonio arnolfini

DATOS BASICOS

Nombre: El matrimonio ArnolfiniAutor: Jan van Eyck, 1434Tecnica: Óleo sobre tabla Estilo: GóticoMedidas:82 cm × 60 cmMuseo:National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido

HISTORIOGRAFIA

La obra fue pintada en Flandes, durante el siglo XV. En esta época aparece una sociedad avanzada con una economía basada en los productos textiles de lujo y en el comercio, favorecido por su excelente situación estratégica (por allí pasan las grandes rutas comerciales terrestres que van de Italia y Francia hacia el Atlántico Norte: Inglaterra y países nórdicos y las rutas marítimas que iban del Mar del Norte al Cantábrico). La burguesía flamenca, debido a su alto desarrollo intelectual, gusta del lujo y de las obras de arte. Y esas obras de arte son para el propio disfrute, o sea, para llevárselas a casa o para instalarlas en capillas privadas. Por eso la pintura es la técnica ideal (manejable, barata y propensa a reflejar los gustos burgueses).

ICONOGRAFIA

El Retrato del Matrimonio Arnolfini es, sin duda, una obra maestra del arte de los primitivos

flamencos. Según la propia firma del autor, fue pintada en 1434. Formó parte de la colección real

española, pero fue robada por el ejército francés durante la Guerra de la Independencia Española.

En 1842 la National Gallery de Londres la adquirió por 730 libras.

Van Eyck representa la boda de Arnolfini, un próspero banquero italiano establecido

en Brujas hacia 1421. Pero lo más significativo es que da fe de la revolución que estaba viviendo el

arte flamenco, paralela a las innovaciones italianas.

5. Cúpula de la catedral de Florencia

DATOS BASICOS

Catedral de Florencia. CúpulaAutor: Filippo Brunelleschi Fecha:1420-36 Características: Renacimiento italianoTIPO DE OBRA: arquitectura. LOCALIZACIÓN: Florencia, Italia. ESTILO: arquitectura italiana del Quattrocento.

HISTORIOGRAFIA

El trabajo de la cúpula comenzó en 1420 y fue completado en 1436. La catedral fue consagrada por el Papa Eugenio IV el 25 de marzo de 1436 (el primer día del año de acuerdo con el calendario

florentino) Fue la primera cúpula octogonal en la historia que se construyó sin el soporte de un marco de madera (El Panteón romano fue construido entre 118 y 128 sin estructuras de soporte, pero se trata de una cúpula redonda) y fue la mayor cúpula construida entonces (todavía es la cúpula de albañilería más grande del mundo) Fue uno de los proyectos más espectaculares del Renacimiento.

ICONOGRAFIA

Las dimensiones de esta cúpula la convierten en la construcción más relevante del Quattrocento

italiano. La obra en sí misma simboliza la importancia de Florencia como núcleo fundamental del

arte renacentista durante el siglo XV y principal ciudad de la época, tratando de hacer visible el

paralelismo entre la ciudad toscana y la brillante Roma de la época clásica. Al mismo tiempo, el

hecho de que corone el templo catedralicio la constituye en símbolo visible de la fortaleza de la

Iglesia cristiana en la sociedad florentina.

6. La virgen de las rocas

DATOS BASICOS

 A utor:Leonardo da Vinci  F echa:1485 h.   Museo:Museo Nacional del Louvre  C aracterísticas:199 x 122 cm.   Material:Oleo sobre tabla  E stilo:Renacimiento Italiano

HISTORIOGRAFIA

El 25 de abril de 1483, con los hermanos pintores Evangelista y Giovanni Ambrogio de Predis, por

un lado, y Bartolomeo Scorione, prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepción,

por otra, se estipuló el contrato para un retablo a colocar sobre el altar de la capilla dicha institución

en la iglesia de San Francesco Grande. Esta capilla había sido fundada en el siglo XIV por Beatriz

de Este, esposa de Galeazzo I Visconti, y quedó destruida en 1576.

Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de las Rocas. La obra debía

celebrar la Inmaculada Concepción. El contrato preveía tres pinturas, que debían estar acabadas

el 8 de diciembre por un precio de 800 liras que se pagarían a plazos hasta febrero de 1485. La

tabla central debía representar a la Virgen con Niño y dos profetas y ángeles, las otras dos, cuatro

ángeles cantores y músicos.

ICONOGRAFIA

A pesar de su gran tamaño (dos metros de alto por uno veinte de ancho), lo cierto es que no se

trata de una composición tan compleja como La adoración de los magos, ordenada por los monjes

de San Donato, pues hay sólo cuatro figuras en lugar de 50, y un paisaje rocoso en vez de detalles

arquitectónicos.

La Virgen está sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje

que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de

los Apeninos.3 Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan

formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se

arremolinan. Usa una composición clásica de pirámide. El vértice de arriba sería la cabeza de la

Virgen y los lados caerían hasta el cuerpo de los niños para unirlos con una línea imaginaria que

formaría la base. Es una composición muy usada en temas religiosos, ya que el triángulo tiene

simbología. Tres vértices como la Santa Trinidad.

7. Las meninas

DATOS BASICOS

 Las Meninas, La Familia de Felipe IV Autor: Velázquez  Fecha: 1656  Museo: Museo del Prado  Características: 318 x 276 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: renacimiento italiano

HISTORIOGRAFIA

Velázquez pintó este cuadro en 1656, año perteneciente al reinado de Felipe IV, penúltimo monarca de la dinastía de los Austrias. Hacía más de diez años (1643) que había tenido lugar la caída del valido Conde-Duque de Olivares, y ocho años (1648) del final de la Guerra de los Treinta Años con el resultado de la Paz de Westfalia, cuyas consecuencias para España y el reinado de Felipe IV fueron una clara decadencia. En el año en que Velázquez pintó Las Meninas, el rey

estaba ya muy envejecido y con evidentes signos de cansancio bien demostrados en la obra del mismo autor, Retrato de Felipe IV (entre 1656 y 1657). ICONOGRAFIA

La estancia en la que se desarrolla la escena sería el llamado Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, estancia que tenía una escalera al fondo y que se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas al acortar la sala. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas, realizadas por Martínez del Mazo copiando originales de Rubens, lienzos que se pueden contemplar al fondo de la estancia. En la composición, el maestro nos presenta a once personas, todas ellas documentadas, excepto una. La escena está presidida por la infanta Margarita y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último jugando con un perro de compañía.

La ronda de noche

DATOS BASICOS

 La ronda de noche Autor:Rembrandt  Fecha:1642  Museo:Rijksmuseum  Características:363 x 437 cm.  Material:Oleo sobre lienzo  Estilo

HISTORIOGRAFIA

El nombre del cuadro data del siglo XIX, y no es el adecuado, puesto que la escena se desarrollaba, a pleno sol. El origen de este título surge de una equivocación de interpretación debido a que, en esa época, el cuadro estaba tan deteriorado y oscurecido por la oxidación del barniz y la suciedad acumulada, por lo que parecía una escena nocturna. Después de su restauración en 1947 y a pesar de seguir llamándole La ronda de noche, se sabe que es una escena diurna. Pero su verdadero título es: La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburg. Fue encargado a Rembrandt para decorar la sala principal de la sede de la Milicia Cívica de Ámsterdam. En 1715 el lienzo fue trasladado a la sala del Consejo de Guerra del Ayuntamiento de Ámsterdam, debido al espacio limitado del lugar donde iba a ser colocado, el cuadro fue recortado . Por último en 1817 La Ronda de Noche se trasladó definitivamente al Rijksmuseum Ámsterdam

ICONOGRAFIA

Se trata de un retrato colectivo de la compañía de la guardia cívica de Amsterdam, la del capitán Frans Baning Cocq, que aparece en el centro de la escena junto a su lugarteniente, Van Ruytenburgh. Este tipo de cuadros eran muy frecuentes en Holanda, y los costeaban los miembros del grupo o corporación representado, que deseaban figurar en el lienzo, con sus rasgos individuales, y en el tono realista y burgués, de origen protestante, característico de la pintura holandesa del siglo XVII.