cuestionario artes escenicas iii

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Page 1: Cuestionario Artes Escenicas III
Page 2: Cuestionario Artes Escenicas III

UNIVERSIDAD CENTRAL DE VENEZUELA

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

ESCUELA DE ARTES

ARTES ESCÉNICAS I

PROFESOR: NICOLÁS CURIEL

COMEDIA DEL ARTE

ALUMNA: GABRIELA BURGOS

C.I.: 21.194.730

SECCIÓN “C”

Page 3: Cuestionario Artes Escenicas III

1. a. LA COMEDIA DEL ARTE, es decir, comedia del oficio del actor a

juicio suyo, ¿fue un fenómeno literario, un fenómeno poético, una

manifestación de espectáculo popular?

b. ¿Pertenece a la historia de la dramaturgia o del teatro, como arte de

la escena y la organización del intérprete?

Comedia bufonesca, de máscaras, histriónicas, improvisadas, italiana,

aunque las denominaciones del nuevo género fueron numerosas; pero

prevaleció la comedia del arte, porque definía con precisión su carácter

esencial, que era: el de ser representada, por primera vez en Europa, por

compañías regulares de cómicos, con artistas que vivían de su arte; en otros

términos, cómicos profesionales.

En italiano la palabra arte significa profesión, por lo tanto sería algo así

como “comedia de profesión” y tomando en cuenta que es en la comedia del

arte que el trabajo del actor se constituye como una profesión propiamente

dicha; es una manifestación de espectáculo popular.

Con la comedia del arte aparece una organización nueva, de actores

especializados mediante un adiestramiento técnico, mímico, vocal y acrobático,

y muchas veces cierta preparación cultural.

Es la comedia hecha por actores profesionales, y se contrapone a la

commedia erudita cuyo texto se escribía íntegramente. De ahí que se

considere como teatro de improvisación. En realidad cada actor tenía un

repertorio de frases y bromas a partir de las cuales construía su papel.

La comedia del arte nace aproximadamente en el siglo XVI, cuando

compañías como "Los Celosos" comienzan a difundir por toda Europa este tipo

de teatro, en el cual había un Cannovaccio, es decir, una estructura de sucesos

predefinida, y lo que se improvisaba era el texto en sí.

Las obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una serie de

personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían

improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos, los celos, etc. La

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proporción de texto y gesticulación podía variar en función del país donde

estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags

verbales y más visuales.

2. a. Haga usted una fórmula de una intriga y posible argumento de amor

propio de la Comedia del Arte, utilizando el abecedario para designar a

los diferentes personajes y sus relaciones entrecruzadas.

A ama a B → C ama a A → C contrata a D para matar a B → C enamora a A

→ C le pide ayuda a E para huir con A.

Colombina (A) es una joven criada, feliz y enamoradiza, que trabaja en la

casa del IL Capitano (B), hombre cruel y déspota, y mujeriego de naturaleza.

Es esta condición de mujeriego lo que lo lleva a seducir a Colombina. Esto

enfurece a Petrolino (C), el mayor de los criados de la casa y quien ama

profundamente y en secreto a Colombina.

Al Petrolino ver como Colombina sucumbía fácilmente a las falsas

promesas de su patrón, promesas de una vida nueva, de una vida de reina, a

Pretolino le hierve la sangre y es en este punto cuando acude a donde

BRIGHELLA (D), dueño del bar mas decadente de la ciudad, para contratarlo

para asesinar a su patrón, IL Capitano.

El trabajo es llevado a cabo la semana siguiente por Brighella, esto

desconsuela profundamente a Colombina y Petrolino aprovecha para ser su

pañuelo de lagrimas y ganarse su cariño y rápidamente (por la condicion

enamoradiza de Colombina) su amor. Petrolino llega a un acuerdo con

PULCCINELLA (E), un viajero que conoció en el bar de BRIGHELLA, para que

ayude a la jóven pareja a huir del pueblo antes de que se corra la voz de la

muerte del IL Capitano y empiecen a rodar cabezas.

b. Y proponga según la época las condiciones de escenificación para ser

realizado el espectáculo imaginado

Este espectáculo era llevado a cabo al aire libre ya que estaba

estructurada con una serie de una organización nueva, de actores

especializados mediante un adiestramiento técnico, mímico, vocal y acrobático,

Page 5: Cuestionario Artes Escenicas III

y muchas veces cierta preparación cultural. La cual era más factible hacerlo al

aire libre para realizar todo este tipo de maniobras.

3. a. Describa en pocas palabras, las características de PANTALONE, EL

DOCTOR, EL CAPITAN, BRIGHELLA, ARLEQUIN, PULCINELLA,

PIERROT PETRUSKA, ESMERALDINA, LA COLOMBINA.

PANTALONE: era el viejo mercante, unas veces rico y apreciado por la

nobleza y otras veces arruinado, pero siempre muy particular. Un señor

inocente y crédulo, al que siempre buscaban burlar. Es rival de Arlequín.

Para ocultar su edad en su afán de atraer a las mujeres, Pantaleone llevaba

una extraña indumentaria turca, que consistía en un calzón ajustado a las

piernas y ceñido hasta las rodillas.

Curiosamente, del recorrido de la "Comedia Italiana" por Europa y

especialmente a su paso por Inglaterra, fue la imagen de Pantaleón la que

puso de moda este tipo de calzones a finales del siglo XVII, y en su honor se

los llamó "pantaloons".

DOTTORE: Es un pedante

charlatán cuyos doscientos kilos

de peso realzan en su figura una

enorme barriga, ya que está

enamorado de la comida. Es un

falso intelectual, solo sabe leer,

pero dice saber de todas las

ciencias habidas y por haber, además de hablar todos los idiomas y dialectos

del mundo. En alguna ocasión puede aparecer enamorado de una chica.

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Viste del negro como los estudiantes boloñeses. La chaqueta larga, con

zapatos negros, medias, calzones todos negros. A mitad del siglo XVII se le

agregó una escarola ancha y blanca en el cuello y un sombrero de fieltro negro

muy ancho y rebosado. Es gordo y su máscara cubre la nariz y frente

solamente. Las mejillas del actor se muestran coloradas indicando su afición

por la bebida. Representa el mundo de la aristocracia y la cultura. También es

un glotón y un bebedor, de hecho máscara es roja para indicar esto último, con

el tiempo se transformo en personaje de gran inteligencia y madurez. Solía ser

quien imponía la parte seria o melodramática de la historia, o también él que

ponía los paños fríos al conflicto.

IL CAPITANO: Se dice que hace el tanto ruido sobre su valentía, pero que es

uno del último para unirse al combate y el primero en irse de retirada. Es un

soldado fanfarrón, pero cobarde en el fondo. El Capitán no es un amo, pero es

complemento de los otros dos, ya que representa el poder militar de la época.

Varios nombres aplican al Capitán en su centenar de años de actividad.

Capitán Spavento (Asustado), Capitán di Vall’Inferna (Capitán del Valle de

Infierno), Capitán Fracasso (de fracaso en español), Capitán Terremoto,

Capitán Spaccamonti (Monte dividido), Capitán Matamoros (Asesino de los

moros), Capitán Spezzaferro (rompe hierros – espadas), Capitan Rodomonte

(probablemente derivando del Coloso de Rhodes, significando a un hombre

grande y muy poderoso)

Los primeros Capitanes del siglo

XV eran italianos, y se

caracterizaban porque su cobardía

no tenía límite. Durante la

dominación española en Italia, el

Capitán adquirió el nombre de Matamoros y la nacionalidad española

Page 7: Cuestionario Artes Escenicas III

gradualmente superó la italiana. El jactancioso pusilánime capitán fue una

figura popular en el teatro renacentista. El Capitán con toda la certeza es la

burla de la población oprimida a esos ejércitos de la ocupación mercenarios,

que pasaron por la Italia del siglo XVI, es una venganza platónica hacia el

opresor. Finalmente el personaje agarró algo de antipatía en el público y

desapareció pronto de la Comedia (duro menos de un siglo).

BRIGHELLA: Es dueño de una

taberna o posada, aunque también

puede ser contratado como cocinero.

Es respetado por los patrones por

haberse hecho independiente, lo que

al mismo tiempo lo convierte en el

capo de todos los zanni. Los

personajes acuden a él para pedirle

consejos o hacer cualquier cosa que

este fuera de la ley, de ahí su

indumentaria de líneas verdes de

aspecto militar, ya que podía llegar a

matar. Tienes refranes para todo tipo

de situaciones y puede incluso

vender a su hermana para conseguir

dinero.

Es también de Bergamo, es el

hermano mayor, más inteligente de Arlequín. Es a menudo muy cruel con

aquéllos debajo de él en la escalera social, en un estereotipo típico de aquéllos

que han subido de la pobreza. En las versiones más tardías su rasgos violentos

y malévolos disminuyeron substancialmente llegando a ser la inspiración del

Figaro de conocidas obras y óperas.

No más inteligente pero sí más arrogante; como un mentiroso cínico nunca se

arrepiente cuando es atrapado haciendo alguna maldad. Es más persuasivo

con las mujeres, siempre está preparado para la intriga, siempre buscando la

próxima pelea. Es inteligente, astuto, malicioso y un hábil manipulador. Enreda

Page 8: Cuestionario Artes Escenicas III

y altera todo tipo de situaciones, generalmente para su provecho y placer.

Brighella es un gran depredador, cuando irrumpe, la acción cambia de ritmo. Es

un gran perturbador, es colérico, violento y exagerado en su conducta. Él

bueno haciendo planes, pero si sus planes fallaran, casi siempre logra culpar a

otro personaje. Es aficionado al dinero, pero lo gasta rápidamente, sobre todo

en la bebida y el juego.

ARLEQUINO: Es un criado despistado, atento y torpe a la vez que listo y

tonto. Intenta tener siempre feliz a su media naranja, Colombina.

Cuando habla no se sabe si es un tonto

profundo o se está burlando de todo el

personal.  Mientras que otros personajes de

estatus social más alto tienen siempre miedo

de caer, Arlequino siempre está feliz y

tranquilo, porque sabe que no puede caer más

bajo de lo que está y solo le preocupa comer.

Fue empleado en muchas piezas de Comedia

dell’Arte, apareciendo como un personaje

masculino indispensable dentro de ellas. Su

función es la de un valet cómico, siendo

conocido por su

sentido del humor.

Contrariamente a

Brighella, hace gala de muy poca inteligencia,

siendo tonto, hambriento, crédulo y parsimonioso.

Siempre está en busca de comida, y para hallarla es

capaz de inventar todo tipo de estratagemas,

piruetas y acrobacias, estando el resto del tiempo

durmiendo o buscando hacer el menor esfuerzo

posible.

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Los arlequines suelen ir vestidos con ropas a cuadros con antifaz o

enmascarados. Arlequín desempeña el rol de servidor humilde, como en El

servidor de dos amos, de Carlo Goldoni. Puede ser el enamorado de

Colombina, y por consiguiente un rival para Pierrot. En Francia, aparece en la

época de Molière, cambiando sus características, quedando incluso como un

sirviente ingenuo y sensible, como en la Isla de los Esclavos.

PULCCINELLA: Es un personaje de la Comedia del Arte, de carácter burlesco.

Su origen es incierto, algunos afirman que recibe el nombre de su creador,

Paolo Cinelli, famoso comediante originario del Nápoles del siglo XVI, y otros

aseguran un origen mucho más antiguo relacionándolo con un personaje,

"Maccus", de las farsas romanas del S. IV.

Durante los siglos XVI y XVII se extendería por toda Europa Latina

impregnando el teatro y la literatura Española o Francesa.

Vestía siempre de blanco y con un gorro puntiagudo. Tenía la nariz aguileña y

la barbilla prominente, con voz nasal y de elevado volumen. A veces, también

tenía joroba. Se cuenta que su joroba se la creó el diablo al levantarlo con sus

uñas para sacarlo del huevo en el que se había "mal formado"  junto a un

volcán. Sabe mucho de las últimas cosas que suceden en sociedad y las relata

en el escenario. Era prácticamente el único personaje que hablaba de política. 

PIERROT PETRUSKA O PETROLINO: Es un

personaje de la comedia del arte nacido en Italia a

finales del siglo XVI. El nombre de Pierrot es un

galicismo que deriva del personaje italiano de la

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Commedia dell’arte, Pedrolino, uno de los primeros zanni. Fue interpretado por

Giovanni Pellesini, actor de la compañía Gelosi.

El personaje llegó a Francia, donde pasó a formar parte del repertorio de las

compañías francesas con el nombre de Pierrot, gracias a la aportación de

Giuseppe Geratoni, que fue el primero en introducirlo, el 1673. A pesar de todo,

el primer gran Pierrot fue un italiano, Fabio Antonio Sticotti (1676-1741). El

personaje fue perfeccionado por su hijo Antonio-Jean Sticotti (1715?-1772),

que lo exportó a Alemania.

Los Sticotti reinventaron y dieron nueva vida a este personaje, adaptándolo al

gusto de los franceses y, después, del público de las cortes europeas. De

hecho, la versión francesa de Pierrot perdió las

características de astucia e ironía propias de los zanni

para acabar siendo un mimo triste, enamorado de la luna.

El mimo Jean-Gaspard Debureau (1796-1846) representó

el Pierrot ochocentista en el Theâtre

des Funanbules. La vida de

Debureau inspiró el personaje de

Baptiste -interpretado por Jean-

Louis Barrault- en la película Les

enfants du Paradise del director

de cine francés Marcel Carné.

Debureau estableció las características que, en

adelante, definirían la iconografía del Pierrot: un

vestido blanco y amplio, con botones negros y un

pequeño sombrero negro sobre la cara pintada de blanco.

ESMERALDINA: Suele ser la sirvienta de uno de los viejos. Su juventud y

simpatía confunde a los más espabilados. Generalmente se siente atraída por

Cucurucú y su admiración por la Señora la convierte en su modelo a seguir. 

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COLOMBINA: Se trata de una

criada. Se viste con un traje ajado y

lleno de petachos y no lleva máscara.

En ocasiones, bajo el nombre de

Arlequina, puede llevar un traje

similiar al del Arlequín. Es

característico su denso maquillaje

alrededor de los ojos y el hecho de

llevar un tamborcillo con el que

rechazar los intentos de acoso de

Pantaleón.

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A menudo se trata del único personaje sensato del escenario. Colombina

ayuda a su señora, la innamorata, a ganarse el afecto de su verdadero amor, a

base de manipular a Arlecchino y lucha contra el complot contra Pantalone y al

mismo tiempo la gestión del paradero de los innamorato. Es un personaje

coqueto y atrevido, de hecho una doncella, pero sin perder su juicio.

Aunque la Colombina se convirtió en el nombre dominante (conocido como

Columbine en Francia e Inglaterra), otras nombres en las que el mismo

personaje se ha dado a conocer son: Fantesca (doncella), Servetta (criada),

Franceschina, Smeraldina, Oliva, Nespola, Spinetta, Ricciolina, Corallina,

Diamantina y Lisetta.

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4. a. ¿Quiénes eran los ENAMORADOS? ¿Eran también caricaturescos,

utilizaban máscaras y el mismo lenguaje de Arlequín y Pantalone?

He aquí los personajes más enternecedores de la Commedia dell’Arte, los

jóvenes enamorados. Los hijos, generalmente de Pantalone y Dottore, que

traerán a sus padres de cabeza por conseguir casarse. Son la representación

del amor puro y resultan siempre románticos. Se aman, se pelean, se

reconcilian y por lo más mínimo se vuelven a enfadar. Estos personajes son los

que más sufren a lo largo de la pieza, pero no por su culpa, sino por equívocos

que interpretan mal. Deben tener la moral del argumento y plantear uno de los

principales conflictos sociales de todos los tiempos: el choque generacional.

Gli Innamorati crean esas situaciones de amor no correspondido, de

envidia, de chismes que permiten desarrollar la acción de Arlequín, Pantaleón y

Pulcinella. Los Amantes nunca fueron una fuerza dentro de la Comedia, pero

han estado siempre presentes y son necesarios para el desarrollo de la acción

de las historias.

No llevaban ninguna máscara, pero si maquillaje pesado. Que servía para

ocultar la verdadera edad de los actores. De vez en cuando llevaban una

máscara, usada para cubrir los ojos y esconderse de las miradas en un

encuentro clandestino. Por lo general los nombres van en parejas: Silvia, Silvio;

Aurelia, Aurelio; Ortensia, Ortensio; Cintia, Cintio; etc. Todos con nombres

simples, fáciles de recordar.

Los actores caminaban como si bailaran, parodiando la conducta exagerada

de su enamoramiento. Y casi nunca mostraban contacto físico (como por

ejemplo besos o abrazos). A menudo sostienen un pañuelo, una flor, un libro o

un abanico (las chicas). Hablan con gran despliegue de palabras refinadas y

las metáforas barrocas, mostrando extractos de grandes poemas de memoria.

Ellos solo se relacionan entre ellos. Pero rara vez hablan entre ellos

(normalmente debido a los nervios). Son mudos entre ellos y requieren de un

intérpretes (un zanni y/o una servetta) quién interpretar mal sus declaraciones,

por estupidez (Arlequín), por venganza (Brighella) o por interés (Columbina).

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Las escenas transcurren movidas por la infidelidad, los celos y la

inconstancia. Los chicos son vanos, petulantes, vanidosos, consentidos, lleno

de dudas y de poca paciencia. Tienen un goce masoquista en la separación.

Las chicas suelen ser más proactivas y enérgicas que sus colegas masculinos,

tratando de tomar la iniciativa que estos cobardes no tienen. Después de una

riña el chico usa serenata para ganar los favores de la chica (parte del

espectáculo es cantar canciones de amor). Esto suele ser organizado

(desorganizado) por un Zanni. Pero ocurre que los músicos están bebidos o

quieren más dinero. El resultado es un caos total, pero al final la serenata se

canta bellamente y milagrosamente cantada.

Su procedencia puede variar en función de la historia que se vaya a

representar. Pueden ser de otra ciudad o incluso de otro país. No son tan

caricaturescos como sus padres, utilizaban un lenguaje romántico y

normalmente no utilizaban máscaras.

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5. a. Enumere las características principales de la comedia del arte en

cuanto al repertorio, técnica del actor, manera de representar y lenguaje

utilizado.

Repertorio

Trabajaban con piezas de repertorio de dramas y tragedias pastorales, además de algunas piezas francesas y comedias de origen latino. Fue característicos de este teatro la existencia de un número de personajes tipo a lo que cada actor se ceñía en su representación, llegando incluso a la especialización de por vida de uno de ellos. Decidieron especializar su trabajo ahondando en un adiestramiento de tipo vocal, mímico, acrobático y cultural.

Técnica del Actor

Cada actor tenía un repertorio de frases y bromas a partir de las cuales construía su papel. El actor era creador de sí mismo, de su propia arte. El comediante del arte entra a escena, crea, hace, dirige, es público, coreografía, baila, realiza la puesta. El comediante del arte pisa las tablas apostando su discurso. Haciéndose cargo de su expresividad.

Manera de Representar

Las obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos, los celos, etc. La proporción de texto y gesticulación podía variar en función del país donde estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales.

Los personajes masculinos llevan máscaras, no así los femeninos (Colombina). Aún así la Comedia del Arte es un teatro de media máscara, por lo que permite al comediante poder hablar.

Lenguaje Utilizado

Cada máscara un lenguaje propio. Hay un claro privilegio en este sentido de la expresión verbal y el diálogo frente a la acción, e incluso podríamos decir que esta preeminencia se revela en una mayor atención a la representación que al texto. Existe el poliformismo y una variedad formal de registros expresivos (dialectos, latinismos, jergas, etc.)

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b. ¿Dónde se realizaban esos espectáculos, en qué espacios

determinados?

La comedia italiana surge cuando dos vectores culturales se conciben y

funden: uno, la idea de restaurar las formas clásicas escénicas, como

consecuencia del humanismo imperante; otro, el deseo de hacer evolucionar el

espectáculo escénico dentro de evidentes cánones populares, en donde se

prefieren los perfiles cómicos a los trágicos.

De ahí surge un tipo de obra cuya estructura está relacionada con la

comedia latina, más como lógica continuación clasicista que como

subordinación a las preceptivas, pues éstas aparecen hacia la mitad del siglo,

justamente cuando la comedia renacentista alcanzaba su máximo desarrollo.

Las cinco características jornadas clásicas responden con exactitud al ritmo

de la acción. Desde la primera, que explica los antecedentes de la trama, a la

quinta y última, que contiene su deselance, los actos se corresponden con los

episodios, cuyo transcurso se verifica momento a momento; es decir, un

seguimiento de la acción, al modo de Plauto, pero más recargado de elementos

novelescos, en donde la referencia de Boccaccio aparece como gran telón de

fondo.

La comedia renacentista italiana sigue las unidades clásicas de lugar y

tiempo. La primera va apoyada en el espacio escénico que para tal género

propuso Vitruvio (“habitaciones privadas con balcones y vistas que representan

hileras de ventanas”).

6. ¿Procedían

los actores de La

Comedia del Arte de

una escuela de

disciplina exigente o

eran vocacionales

instintivos,

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improvisadores natos que florecieron en la masa popular entre los

saltimbamquis de fines de la Edad Media?

Durante la Edad Media, excluyendo algunas íntimas categorías de

histriones, los intérpretes del teatro religioso y erudito no eran actores de

profesión; eran aficionados, o sea estudiantes, académicos o artesanos

reunidos en corporaciones; con la comedia del arte aparece una organización

nueva, de actores especializados mediante un adiestramiento técnico, mímico,

vocal y acrobático, y muchas veces cierta preparación cultural, es decir que

provenían de escuelas especializadas en el tema.

7. a. Nombre los cuatro grandes autores del Renacimiento y Post-

Renacimiento español, inglés, francés e italiano que recogieron y

elaboraron con mayor riqueza la influencia que durante dos siglos y

medio, vagabundeando de oriente a occidente, produjeron en el mundo

los actores de la comedia del arte.

Los cuatro grandes autores del Renacimiento y Post-renacimiento son:

ESPAÑA

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FÉLIX LOPE DE PEDRO CALDERON TIRSO DE MOLINA LA VEGA DE LA BARCA

FRANCIA

JEAN-BAPTISTE MOLIERE

INGLATERRA

WILLIAM SHAKESPEARE

ITALIA

CARLO GOLDONI

Page 19: Cuestionario Artes Escenicas III

8. a. ¿Quién es el autor de “ARLEQUÍN SERVIDOR DE DOS

PATRONES”?

El autor es Carlo Goldoni (Venecia, 25 de febrero

de 1707 – París, 6 de febrero de 1793) fue un

dramaturgo veneciano. Es considerado uno de

los padres de la comedia italiana, como dice

una placa conmemorativa en el Palazzo Poli,

en Chioggia, ciudad italiana en la cual vivió por

cierto tiempo y en donde escribió una de sus

óperas más conocidas: Le baruffe chiozzotte.

En alguna de sus obras retuvo personajes

enmascarados de la Comedia dell'Arte la cual dominó la escena italiana en

aquel tiempo; pero por lo general reaccionó contra este estilo, otorgando

especial relevancia a la descripción de los personajes y las circunstancias que

rodean la acción, escribiendo comedias contemporáneas con personajes

realistas.

b. Describa usted la arquitectura teatral y las características del

escenario y la sala de teatro de los siglos XVII y XVIII y sus diferencias y

analogías.

TEATRO ITALIANO

Constituía una versión de los modelos romanos y presentaba, al fondo

del escenario, una perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo

clásico del teatro italiano, vigente en muchos aspectos, fue no obstante el

teatro Farnese de Parma, erigido en 1618, cuya estructura incluía el escenario,

enmarcado por un arco proscenio y separado del público por un telón, y una

platea en forma de herradura rodeada por varios pisos de galerías. Durante

Page 20: Cuestionario Artes Escenicas III

este tiempo se desarrolló también en Italia una forma de teatro popular, la

comedia del arte, que con su énfasis en la libertad de improvisación del actor

dio un gran avance a la técnica interpretativa

TEATRO

ESPAÑOL

El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este siglo acota

uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia

forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a otros.

Page 21: Cuestionario Artes Escenicas III

Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias,

que eran gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del

empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las

compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse

en un producto competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un

interesante debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma

nueva de entender el teatro.

Page 22: Cuestionario Artes Escenicas III
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TEATRO FRANCES

Finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a

la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama renacentista.

En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al

teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al juego de pelota.

La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que

fueron denominados ballets.

En todos los teatros se hicieron innecesarias la simultaneidad de

decorados, con lo que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó

la costumbre de cambiarlos en los entreactos

TEATRO INGLES O ISABELINO

El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a

finales del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de

carácter neoclásico que se representaban en las universidades; sin embargo, la

mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, en el

mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro

Page 24: Cuestionario Artes Escenicas III

continental (creado con el objetivo de ser presentado ante un público de elite)

el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en

las exigencias del público en general.

Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros

circulares y al aire libre.Bajo la influencia del clima de cambio político y

económico en la Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua,

dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al

nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el

variado y complejo trabajo del más grande genio del teatro inglés, WILLIAM

SHAKESPEARE

Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido

literal del término parece demostrado también por el sentido de auto ironía de

los actores y de los dramaturgos isabelinos. El actor gusta de hablar al público

"entre líneas", para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando.

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