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Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Elizabeth Batista Ordaz

Universidad Veracruzana

Mesa a participar: Cuerpo, identidad, género y edades

15.JULIO.2010

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

Cuerpo en el escenario del arte

Empecemos el ballet

Al fondo se extiende como el horizonte una superficie llamada coloquialmente

escenario. En los extremos dos cascanueces gigantes sostienen los telones.

Puedo ver como hay una gran fiesta y el magnifico pino lleno de esferas nos

susurra la navidad. Los bailarines se desplazan como entre nubes, con sus

grandiosos vestuarios, formando ruedas y filas sobre ese particular calzado

demostrando que el ballet está en la cima tan solo con las puntas de sus pies

sobre la tierra. En la celebración aparecen dos personajes, Clara y Fritz

regocijándose con unos cuantos piruets entre los regalos. Cuando llega un

anciano llamado Drosselmayer, tiene un presente para ella y de esa mágica

caja se encarna un juguete que baila acompañado de la niña.

La víspera de esta noche llega a su fin pero las ilusiones no han muerto

en el auditorio, lleno de personas esperando ver a los ratones, la reina de las

nieves y todos los personajes clásicos de esta historia, que bailarines, a través

de sus cuerpos llenos de expresión, sorprenden con sus movimientos tan

precisos

Todo esplendor que nos lleva a pensar las Bellas Artesa que nos

remiten a la perfección y con ello a lo sagrado, incluso en algunos segundos

nos hacen sentir que tomamos a Dios.

En la antigua Grecia era frecuente la división de las artes en superiores y

menores. Por definición las primeras son todas aquellas que se podían apreciar

con lo sentidos "superiores" (incluyen la visión y el audición), se consideraba

que no era necesario un contacto táctil para apreciar la belleza. Básicamente

las bellas artes eran seis: Arquitectura, Escultura, Pintura, Música,

Declamación (incluye a la Literatura en general) y Danza (incluye al Teatro).

Esta última se definir como los movimientos corporales en forma rítmica que a En el caso de Bellas Artes, el diccionario de la Real Academia Española refiere que son todas aquellas

artes que tienen como objeto expresar la belleza.

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

se guían por un patrón, íntimamente relacionado con la música, es una forma

de expresión y comunicación.

La danza clásica hace referencia a lo irreal e imaginario, utiliza la

pantomima (gestos y símbolos no cotidianos que sirven para que la gente

entienda alguna historia narrativa) y la representación, plasticidad del

movimiento, máxima amplitud, buena alineación corporal, un equilibrio estático

y dinámico, vocabulario técnico, específico y universal. En ocasiones es usado

como sinónimo de danza clásica la palabra ballet, pero la segunda se refiere al

trabajo coreográfico empleado en esta técnica y usualmente incluye danza,

mímica y música (Noverre, 1760)

Nace en el renacimiento como consecuencia de las lujosas cortes .A

través del tiempo se ha ido perfeccionando, lo que surgió con simples pasos y

vestuarios de moda y que después cambió en las cortes de Luis XIV, no es lo

mismo que ahora observamos en el ballet Bolsoi (por decir alguno).

En la práctica de este valorado arte existen problemáticas detrás, que no

vemos al apreciar un ballet. La preparación para ser un o una bailarina trae

consigo trastornos alimenticios, discriminación, influencias, perversiones y más.

Ejemplos de estas anomalías son las estrictas dietas a las que se tienen

que someter los y las bailarinas para estar en una escuela , la dificultad para

entrar en ellas si no tienes la imagen que se necesita, las ideas erróneas de

que el ballet es para mujeres y hombres afeminados u homosexuales…

Cuerpo que baila

El cuerpo en su forma perceptible, es decir en lo visible o “físico” dice

Pierre (1977) es una manifestación difícilmente modificable, en tanto tiene

relación con lo social y la manera que muestra la naturaleza de la persona,

entonces puede que tenga algo de cierto que las impresiones son importantes,

en especial se dice la primera. El “físico” para un bailarín es tan relevante

porque lo es todo, es herramienta de trabajo y no de cualquiera, la labor del

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

artista es sobrevalorada por la dichosa sublimidad que alcanzan esos seres

capaces de transmitir sentimientos. Pero mas allá de las impresiones que

causamos, es el proceder que nos lleva a obtener determinado físico, que va

desde porque adquirimos ciertas posturas corporales hasta las prendas que

utilizamos para llegar a ser nosotros. La relación que existe entre las

“apariencias” y la legitimidad es muy estrecha, entendiendo la legitimidad no

solo hacia el interior, que podría considerarse como autoestima, sino para lo

externo.

El cuerpo es un archivero constante que muestra la acumulación de

vivencias en el mismo, el folder que cada bailarín acumula a diario es una línea

que se trazó por ejercicio, por jornadas de ensayos, por posturas obligas, por

vendarse los pies y hasta la insignificante marca de las mayas sobre las cintura

van formando y deformando el cuerpo del que sueña un día acompañar su

cuerpo con música en un escenario. Los pies de los bailarines aclaran mejor

este punto, es suficiente leer lo que comenta Gabriela Jiménez Bernal: “Pies

perfectos , sostiene cuerpos estéticamente bellos”, en su nota que contiene

testimonio de importantes personajes que hablan del pan diario : fracturas,

ampollas, callos y la vida que llevan, sonriendo al que los ve, engañándolos,

por el dolor que se encierra dentro de una punta.b

La película Le Roi Dansec en español La Pasión del Rey, haciendo

referencia a Luis XIV da cuenta en repetidas escenas, lo que se ha hablado en

el párrafo anterior. La sobre valoración que se le da al cuerpo en el ballet tiene

un ejemplo en el film, cuando en el transcurso de los primeros minutos el, ya

anciano Jean Baptiste Lully se hiere con su bastón que ocupa para marca el

compás y por esa lesión le quieren cortar la pierna a lo que él dice “la pierna de

un bailarín no…sacadme el corazón pero la pierna no”

Aunque el arte pueda parecer que es para todos, no siempre poseemos

el “talento” necesario y aunque se lleven años practicándolo, muchas veces el

b Bernal, G. J. (29 de Abril de 2003). El Universal. Recuperado el 13 de Julio de 2010, de

http://www2.eluniversal.com.mx/pls/impreso/version_imprimir.html?id_nota=27956&tabla=cultura c Corbiau, G. (Dirección). (2000). La pasión del Rey (Le Roi Danse) [Película]

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

talento falla al no tener la altura, la complexión, los huesos o la belleza

necesaria.

De la idea que los cuerpo se objetivan a través de la mirada de los

otros, se desprenden tres cuestiones centrales, la primera la torpeza (timidez)

con su opuesto la soltura (seguridad), la segunda la belleza y por último el

encanto y el carisma. Las tres entendidas desde la desproporción que existe

entre el cuerpo que se tiene y el cuerpo “ideal”. Los mencionados patrones o

parámetros dan valor a elementos como los tres mencionados, en los que

podemos saber si cabemos para la aceptación y colocación en la sociedad, con

una simple operación algebraica, el cuerpo ideal menos el cuerpo real. Es

posible que el conocimiento de esta fórmula ayudaría a los prospectos de

bailarines a entender sus capacidades a ser aceptados por los maestros,

escuelas y públicos. (Pierre, 1977)

Para profundizar es indispensable reflexionar a cerca de las miradas

ajenas. El patrón externo que recrean los estudiantes de danza se basa, en el

cuerpo exigido por la academia, por los maestros. La legitimidadd que obtendrá

su cuerpo será posible a partir de la perfección exigida.

Los humanos nos vamos construyendo a partir de lo externo, de lo que

se nos va añadiendo y vamos absorbiendo de fuera y quién es el que esta

afuera junto con la naturaleza- el otro -parecido a nosotros y que ha

estructurados sistemas en el que el cuerpo es cómplice y víctima de los

significados que se le han dado a él y a sus contactos con lo manifiesto. Esta

red tan enorme que hemos tejido, relativiza rasgos, les da fuerza en algunas

circunstancias al igual que los deja en desventaja cuando las circunstancias

cambian.

d La legitimidad tiene una relación con el proceder de la conformación visible, que es un

producto social (Pierre, 1977)

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

La red que la danza posee para educar y pescar al que pretende ser

bailarín, les muestra las flaquezas que necesitan ser fortificadas, sí es que en

un momento quieren merecer el honor de bailar en un gran escenario, con esto

quiero dar a entender que la gran red es una historia que ha enseñado y

conformado a la danza y que a partir de ella somete a los estudiantes a seguir

siendo parte de esa exigente historia de cuerpo, personas y academia.

La danza se ha formado histórica y estéticamente bajo un rigor casi

inhumano que no permite el alcance de lo divino a cualquier mortal, sino sólo a

aquellos que se han preparado y nacieron con el cuerpo adecuado, esto es

algo de lo que menciona Jean George Noverre (1760)

El cuerpo no es inmortal y se deteriora con el tiempo, es por eso que los

bailarines tienen un corto plazo para ejecutar. El mismo Rey Sol en la película

Le Roi Danse llega un momento en el que ya no continúa bailando y Moliere le

comenta a Jean Baptiste Lully: “El Rey desearía tener un cuerpo de bronce

como el de sus estatuas pero la naturaleza no perdona…quiere que le empujes

a esa absurda perfección que quiere lograr en todo”. Fuera de la ficción

encontramos que mujeres como Irma Morales (ex primera bailarina de la

Compañía Nacional de Danza) también pasó por la transformación de un

cuerpo útil al desechable, a cerca de lo que comentó “Desde que uno escoge la

danza, sabes que es corta en comparación con otras profesiones. El cuerpo es

tu instrumento y es quien poco a poco te dice que ya es el momento porque

pierdes elasticidad, ciertas condiciones físicas aunque trabajes todo el día, así

que llega el momento de decir hasta aquí antes de ya no poder hacer nada” e

Lo que se pretende en este espacio es presentar un rostro de la danza

clásica, que incluye un panorama que desde una butaca no se puede percibir.

La cara deformada que nos desnuda bailarines llenos de pesares, sueños,

impotencias, autoexigencias esforzándose cada día por hacer un movimiento

e Quijas, F. P. (4 de Junio de 2008). La Jornada. Recuperado el 3 de Enero de 2009, de

http://www.jornada.unam.mx/2008/06/04/index.php?section=cultura&article=a05n1cul

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

más exacto, más “artístico”, más penetrable al público que espera la función sin

errores, que al ejecutante le cuesta lo extra humano.

El arte contenido y amurallado encuentra su límite en el cuerpo que le da

vida. Una audiencia puede ver un ballet en su infancia y presenciarlo, una vez

más en la vejez, pero el intérprete goza solo algunos años el placer de pisar un

escenario. El final de las mágicas historias relatadas con movimientos no es

parecido al que tienen los bailarines, su labor es tan efímera como el polvo de

hadas que se esparce en el aire... en el tiempo, que pone un punto a la vida útil

de un artista.

El aplauso o abucheo proviene de las palmas de un público, no tan

resaltado en este trabajo pero no menos importante, ya que de éste se procede

a interpretar el arte en un nivel semiótico. Dicha causalidad es resultado del

entendimiento de la producción artística como desdoble de la cultural, que es

tejida y re- descifrada por el observador.

Obsequios son los que brinda la parte receptora, con las polifónicas

palmadas que emergen de entre una multitud, pero a lo lejos, está el solitario

receptor, quien exhausto y satisfecho ha brindado su mejor esfuerzo, el trabajo

de meses y hasta años. Y este ser, es el que es explorado para complementar

un nivel más de entendimiento. La revisión de rostros recorre escuelas como el

Centro de Educación Artística Diego Rivera, la Escuela Nacional de Danza

Clásica Contemporánea, la Academia de la Danza Mexicanaf , siendo estos los

espacios educadores del arte, de los significados, de las intenciones más

representativas del país.

Cuando bailan lo están viviendo

Girar la mirada y reconocer a quien está siendo un actor importante en

estas líneas, es lo que continúa en el guión. Y reconocerlos sobresale de lo que

puedan decir mis palabras, porque los que viven la danza son ellos. Por lo

f Todas estas escuelas se ubicada en México, Distrito Federal

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

tanto, el acercamiento al testimonio concreta la interpretación. El paseo rápido

de algunas entrevistas mostrará, a grandes rasgos, cómo es que se pasa de

marcar unos pasos con ritmo (aficionado) a la decisión de tomar una trayectoria

dolorosa y engalanada para nombrarse artista.

Las caras y nombres se difuminan para solo mostrar un boceto de las

voces de los estudiantes de danza. En distintas entrevistas se halla la

descripción de los exámenes de admisión, en que consisten y la dificultad de

ellos, la cual varía dependiendo la educación que los aspirantes posean. Las

edades de inicio deben ser tempranas, para una garantía más amplia del

triunfo y de alcanzar el profesionalismo.

Pasión es un sentimiento que se caracteriza por llevar al ser humano a

lugares inexplorados, lejanos, extrasensoriales provocando grandes

satisfacciones. En el arte, se dice que es elemento principal para que la mezcla

logre “amarrar”, atrapar, transmitir, pero ¿qué tan cierto es? Eunice Viridiana

Juárez Hernández cree que es lo más importante para el desempeño

profesional, pero trascendiendo a estas palabra y entendiendo otras dichas por

ella y por otras , es casi obvio que no basta con apasionarte, eso solo brinda el

toque especial a una ejecución impecable, así entendemos que previo, está

lograr la perfección. Para no ceder ante el duro camino, también es útil la

pasión.

El esplendor se consigue con el trabajo para que se puedan realizar

movimientos y desplazamientos, añadiendo que dichas acciones las hará un

ente importante: el cuerpo, que debe poseer características difíciles de obtener,

es por eso que las quejas se escuchan a menudo en los pasillos de las

escuelas de danza. Es bien sabido que el estar gordo y chaparro no es el ideal

de un bailarín. Muchachas como Anaiss Batista, Paulina González, Alejandra

Rimada, Ana Gabriel Puebla y Brenda Sánchez g coinciden en lo duro que es

plantearse un cuerpo ideal cuando se está lejos de él. En específico Ana

Gabriel menciona: “no encuentro como llenar tantos perfectos”

g Alumna y ex alumna del CEDART Diego Rivera.

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

Los círculos sociales de la danza son reducidos y es sencillo pensar la

respuesta a eso, la dureza de la crítica…la exigencia. Son pocas las personas

que se encuentran en el papel contario al del sometido o discriminado, una de

ellas es Ma. Gracia Velázquez Basultoh, quien me brindó una perspectiva

diferente, crítica y no quejosa (sin hacer menos a las que lo hacen).

Grace, como es llamada por sus amigos, opinó acerca de que la danza

fuera para todos y con una actitud de burla dijo “Es que depende... no sé... Las

personas obesas podrían estudiarla pero la estética que se requiere de una

época a otra es la que determina... La cultura dancística viene desde

muchísimos años atrás en donde se pide una figura esbelta en el escenario y

en donde las medidas visuales del público, son lo que se pide... Es muy raro

cuando una persona gordita baila escénicamente, y si de alguna forma hay una

bailarina que no esté gorda pero sí con lonjas o panza, el público

inmediatamente la critica o dice que no se ve bien y es que muchas veces es

cierto NO SE VE BIEN pues quita agilidad a la coreografía o montaje que esté

ejecutando. En cambio una delgada puede que le sea más fácil moverse o

saltar más alto, entre otras cosas que requiere la disciplina de la danza. No sé

si tal vez existiera una compañía de puras gordas pues no se saldría de

contexto nadie y a lo mejor se vería bien pues harían lo que pueden

limitándose a hacer cosas que no pueden(…)pero quizá en el futuro la estética

cambie y lo bello sea estar gordo... Nadie sabe...”

Ella acierta al opinar que las exigencias internas van muy de la mano

con las del público, que al final es el que acepta o rechaza al ver un ballet. La

relación con ella es mucho más estrecha, debido a que he tenido la

oportunidad de “verla en acción” y es increíble como su fino, delgado y

delineado cuerpo, se convierte en un monstruo en el escenario capaz de

enaltecer cada movimiento, penetrando en cada fibra del espectador.

Un rostro aun más borroso, que el de las bailarinas es el de los hombres,

que parecen invisibles en estos espacios, en rincones aun más recónditos

h Ex alumna del CEDART Diego Rivera, actualmente en la ENDCC y miembro de la compañía

Contempodanza

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

desde donde pocos escuchan los murmullos que quisieran ser gritos diciendo :

También tenemos problemas.

Los bailarines, tienen menos obstáculos para ingresar a una escuela de

danza, debido a que el número de jóvenes que toman la decisión de bailar

profesionalmente, es inferior al de las mujeres. Es evidente que es más fácil

pero no arbitrario, la danza sigue exigiendo patrones específicos, pero lo que

cambia es la flexibilidad con la que se admiten errores en los procesos de

conseguir la figura deseada.

Entonces ¿qué problema tienen? quizá no los encuentren en el mismo

lugar desde el que las mujeres se quejan, pero afuera, en lo público es donde

el hombre que baila es mal visto, en otras palabras, la familia y el espectador

es quien señala las virtudes negativas de ellos, diciéndoles homosexuales,

afeminados, nenitas, cisnes etc. . De esto Yubal Rubio dice: “¡no es un

requisito!, si hay gays en la escuela pero no todos son así, pero la gente no

entiende que para bailar un ballet necesitamos ser delicados… ¡no somos

futbolistas!”

Un estudiante llamado Alex Leonel me hizo pensar en otra cuestión

importante, que atañe a la innegable biología, cuando menciona: “Para muchas

cosas habilitamos el cuerpo pero hay cosas que naturalmente ya somos y yo

nací con cuerpo de bailarín. Mis papas no me heredaron obesidad, ni enanura

por eso puedo ser un artista (risas)” (Él acepta que es un poco despectivo pero

se considera muy realista). Y es obvio que no podemos negar las

características física con las que nacemos, pero es importante buscar espacios

en los que el bailarín “no natural” pueda desenvolverse.

Los nombres, las edades y las experiencias son muchas, pero no

infinitas y menos idénticas como para cerrar el tema y afirmar que todo lo

expuesto son los únicos problemas que viven los bailarines. Es mejor optar por

abrir el espacio a más circunstancias vividas, siempre encontraremos quien

quiera decir lo que le aqueja y le impide conseguir su meta.

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

Terminemos el ballet

Ser espectador de una obra de arte, en éste caso un ballet puede verse

limitado muchas veces al nivel técnico de los y las ejecutantes, los vestuarios,

escenografía, comparación en diferentes presentaciones y temporadas

pasadas etc. Pero como hace mención Geertz (1973) la sociedades

occidentalizadas se han convencido que éste nivel de análisis es suficiente

para la comprensión completa de éste y es así como se forma un abismo entre

lo que vemos, decimos de un ballet, y aquello que es. Este autor, enuncia que

la cultura es una serie de estructuras significativas creadas por los seres

humanos, por tanto, es trabajo del antropólogo desentrañarlas para

posteriormente interpretarlas, para eso el propone tres niveles del análisis, el

hecho que se percibe a simple vista, lo que piensan quienes actúan en éste

suceso y la interpretación del investigador.

Trascender en el análisis, nos sitúa en una realidad con dimensiones

para poder presentar más tejido y menos ficticio lo pretendido. En el caso de la

danza clásica y este vaivén de palabras, la tridimensionalidad le da volumen.

Los tres niveles de análisis, que nos dirigen a “desentrañar estructuras de

significaciones”, comienza con el trazo de la primera línea ofrecida en bandeja

de plata en un escenario, ese primer contacto con el arte, sus cuerpos,

vestuarios, tan impactante y penetrable, dejando brotar al habla que enaltece lo

que ve. Esa línea delicada y perfectamente trabajada, se sigue hasta lograr un

área, que contiene en cada milímetro cuadrado al bailarín, su conflicto y

pensamiento profundo a cerca de lo que pasa antes, durante y después del

acto, en el que él también aparece como parte integradora e integrante del

espectáculo. Y por último, como recopilación de cada unidad cuadrada y

rezago de los incrustados pensamientos ya pensados, está la perspectiva de

él o la antropóloga, brotando en lo volumétrico, anhelando no solo plasmar su

visión, sino incluir las ideas que le fueron presentadas desde el ligero trazo de

la línea.

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Ximena Batista

Si el mundo emocional en el que vive un(a) bailarín(a) y por el que se

mueve para llevar a cabo esas ejecuciones es demasiado complejo ¿cómo es

que tratamos que un análisis técnico refleje un ballet entero? (Geertz, 1994). Es

posible que la mirada antropológica pudiera dar respuesta a un análisis más

complejo, problematizando todo lo que conforma una puesta en escena. Un

ejemplo de la invitación al dicho análisis es la de este trabajo, que busca ver

más allá de la magia que un espectáculo tan preciso nos puede brindar, sino

penetrando a los camerinos donde está el sudor, la frustración, la

discriminación y los cuerpos adaptados al inhumano arte del movimiento.

Cuando Geertz (1994) hace la afirmación: “estudiar una forma de arte

significa explorar una sensibilidad” nos lleva a pensar en ese otro nivel a

estudiar, el simbólico, desde esta perspectiva podemos tomar el ballet como

una analogía del ritual y con ello de lo sagrado, porque busca sobrepasar la

condición humana, tomar distancia de la impureza, y así como el pecador, un

mal paso dado es llamado sucio, un error, algo no cuidado en una puesta en

escena es imperdonable, tal como sucede con la contaminación y lo sucio tiene

que ser excluido para brindar el espectáculo la más noble y transparente

danza, que se mueva entre las nubes y se eleve a un nivel que el impuro crea

inalcanzable.

En el ritual la vinculación de los opuestos, no es despreciable por su

labor de comunión, para fortalecer su divinidad, la dualidad al bailar fortalece

aun más heroico, lo hace más admirable y renueva la fe en su esplendorosa

labor. Quien rosa a menudo las impurezas son los mismos dioses, los

bailarines que se postulan en un altar, pero que saben que no es

humanamente dado sino trabajado y adquirido. La significación universal y

magnífica creada con respecto a dicha sublimación, es tan solo uno de los

entramados interpretables de un ballet. (Cazeneuve, 1971)

Al ser ritual inmediatamente es simbólico, los elementos que brinda una

puesta en escena para la interpretación, son innumerables. Una de las

tendencias de las coreografías retoma cuentos de hadas, como la cenicienta,

la bella durmiente, el lago de los cisnes, el cascanueces, etc. en los que el

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

acercamiento con lo sobrenatural es evidente. Cooper (1986) comenta a cerca

de esta forma literaria que : “Su cualidad arquetípica y sus formas simbólicas

hacen que resulten de fácil comprensión para diferentes edades (en ambos

sentidos de la palabra) y que culturas diferentes tiendan puentes entre los

diversos niveles del entendimiento, no sólo en el ámbito cultural colectivo, sino

en el individual humano, mostrando su lado iluminado y su lado oscuro, su

conflicto mental y emocional” .Hemos escuchado alguna vez la historia del

doncella-cisne (blanco) y el cisne negro, esta historia posee varias

características de lo que menciona el autor, la reconocemos y entendemos por

los principios de dualidad(las aves opuestas), del héroe, de las

transformaciones humanas en animales (que se remontan a rituales antiguos

en diversas civilizaciones) etc. Es posible que no tengamos la educación para

alcanzar altos niveles de abstracción de una obra dancística, pero la facultad

simbólica los hacen familiares y nos acercan a ellos.

La danza clásica no es una producción artística que nació recientemente

y lo que representó y para lo que se utilizó en ese momento histórico

determinado no es el mismo que tiene ahora. No ha sido completamente una

historia ventajosa, desde la que el arte (“culto”) se ha carcajeado mirando

despectivamente, debido a que dentro de ella han existido transformaciones

que la han ido desplazando. Desde la cultura clásica de Luis XVI, estuvo

presente la dicotomia del significado de “cultura cultivada”, el devenir de

acontecimientos que fueron replanteando los estándares para decir que es

arte, que es bello, que es lo “culto”, ha habido también una sustitución

constante de la estética admitida. Las viejas (pero no del todo) ideas de que lo

clásico y magnifico, como lo que nos muestra un ballet, es el modelo adecuado,

han sido enfrentadas con las ideas perturbadoras, las nuevas tendencias, como

el pop-art , el surrealismo, la danza contemporánea, etc. dice Morin (1969) que:

“El arte, superior a la vida, el arte reino encantado y mágico , paraíso de la

“cultura cultivada”, aparece como un universo artificial y vano”. Se ataca el

academicismo y con la aparición de una industria cultural, se provocan grandes

transformaciones en la moderna adquisición y acercamiento al arte, es decir

que podemos poseer un ballet, ya no solo desde una butaca se ha sustituido

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

por la comodidad de nuestro sofá observnando pantallas de computadoras o

televisiones.

El arte en general tiene influencia en su público y al mismo tiempo el

público en el arte. Son espejos entre ellos. Barthes establece una clasificación

de los tipos de cuerpo, el estético y del espectáculo, el segundo mencionado,

habla del carácter público, estar siempre “frente al otro”, pero este

confrontación es casi inconciente, por lo que el bailarín vive doblemente

expuesto, porque también es espectáculo conciente, la gente va a observarlo.

Pensar al otro como parte fundamental de nuestra imagen, es experimentar un

intersubjetivismo corporal, que nos acordona al prójimo y nos debería poner a

pensar lo que le exigimos, su fragilidad y conducirnos por un ambiente más

tolerante, Barthes entiende por intersubjetivismo “al hecho de que el cuerpo del

otro es siempre una imagen para mí, y mi cuerpo siempre una imagen para el

otro”.

Lugar de reflejos, hallamos en los espejos y entendiendo al público como

esto, alza la importancia de hablar de este proceso de copia y reflexión. La

audiencia es tan importante como cada parte espejeada en un salón de danza,

que pinta a cada segundo los movimientos, los corrige y los critica.

Considerando y entendiendo nuestra fundamental participación para la

invención de un cuerpo y espectáculo, sensibilizaría el trato y proceso de quien

se vale del cuerpo para vivir.

No fueron otros, más que el público el que fue exigiendo precisión. Un

espectador que en la actualidad ya no está acostumbrado a ir al teatro a ver un

ballet. Su educación o acostumbramiento a la magia que ofrece la danza

clásica brindaría al arte nuevos críticos, exigencias y cambios. Tan necesarios

para guiarse y revolucionarse, como desempolvado mostrar una nueva faceta,

una diferente producción y horizontes, quizá menos exigentes, quizá igual de

estrictos pero más permisible al sueño, dejando a una lado la “línea”.

Cuerpo en el escenario del arte

Ximena Batista

La danza clásica no nació en la cima de sus puntas para vernos a todos,

pero ha escalado hasta un lugar casi invisible e intocable y es necesario

hacerlo bajar de vez en cuando al suelo que todos caminamos y entendemos.

Bibliografía

BARTHES ,R. ( )1985 El cuerpo de nuevo, en Diálogos Vol. XXI, Número

3 (123): 3-7

BOURDIEU, P. (1982): Notas provisionales sobre la percepción social

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Piqueta.

CAZENEUVE, J. (1971), Sociología del rito: Amorrortu Editores.

Argentina.

COOPER,J.C. (1986), Cuentos de hadas. Alegorías de los mundos

internos: Málaga, Sirio

GEERTZ, C.(1973) Descripción densa. En La interpretación de las

culturas: Gedisa. España

GEERTZ, C. (1994). El arte como sistema cultural. En Conocimiento

local: ensayos sobre la interpretación de las culturas. Paidos

MORIN, E. (1969) . Del análisis cultural a las políticas. En

Comunications. No.14. París: 5-38

NOVERRE, J. G. (1760). Cartas sobre la danza y sobre los ballets.:

Universidad Autónoma Metropolitana, Dirección de Difusión Cultural,

Departamento Editorial, 1981. Distrito Federal