Cubismo, vanguardia artística del siglo XX

Introducción:

El cubismo surge en oposición al impresionismo, pero también es una manera de

reaccionar contra el fauvismo del que algunos cubistas procedían. Los cubistas

reprochaban a los pintores impresionistas su ingenuo y elemental positivismo y le

exigían una verdad científica superior. Al pintor impresionista le interesaba la luz y el

color con indiferencia, en muchos casos, de los objetos que reflejaban dicha luz, y

color. Criticaban, ante todo, la importancia que le daban a la apariencia de la cosa

más que el objeto mismo. Los cubistas querían representar objetos menos inestables,

la apariencia visual de una forma se sustituyó por lo que creían que era la calidad

misma de la forma.

En el contexto histórico:

“Nos hallamos en la época en que se difunden por Europa las teorías empírico-criticistas

y fenomenológicas. En Francia, Boutroux empieza a defender la interpretación

subjetivista de las leyes de la naturaleza y Bergson formula sus teorías sobre la duración

de la simultaneidad: así pues, el idealismo y el espiritualismo reaparecen como un serio

elemento de crítica a las concepciones macizas del positivismo.”(3)

El Cubismo, rompe nada menos que con la perspectiva, convención que había estado

vigente en la pintura desde hacía siglos. Por ello, puede afirmarse que desde la

creación de la perspectiva como medio pictórico, en la época del Renacimiento, no se

había dado otro hallazgo tan importante.

Se plantea el sentido de una dimensión que excluía la idea de la distancia, del vacío y

de la medida en proporción a esta. Se lleva a un espacio evocativo, no ilusionista como

se estaba acostumbrado a ver; los objetos podían explayarse y superponerse,

trastocando las reglas de la imitación y permitiendo al artista la nueva creación del

mundo según su criterio.

El cubismo es un movimiento esencialmente intelectual. Un arte formalista preocupado

por reinventar los valores pictóricos.

“El cubismo se diferencia de la antigua pintura porque no es arte de imitación, sino de

pensamiento que tiende a elevarse hasta la creación.” (1)

Los principales exponentes de este movimiento son Pablo Picasso y Georges Braque.

Estos pintores aliados en su manera de representar abren un nuevo panorama dentro

de la historia del arte del último siglo.

En la exposición colectiva del Salón de los Independientes de 1911 y a finales de ese año

en el Salón de Otoño, coincidieron algunos artistas con afinidades cubistas, entre ellos:

Henri Le Fauconnier, Francis Picabia, Frank Kupka, Auguste Herbin, Roger de La

Fresnaye, André Lhote, Jacques Villon,Louis Marcoussis, Marcel Duchamp, Albert Gleizes,

Jean Metzinger. Algunos de los pintores que se adscribieron al cubismo, de especial

talento, innovaron desde dentro de este estilo. Este es el caso de Juan Gris y también el de

Fernand Léger. Además de la adscripción de Robert Delaunay, que realiza una lectura

muy singular del cubismo y tiene importancia como artista teórico.

El nombre de este movimiento aparece cuando Henri Matisse al ver un cuadro en

1908, se sintió impresionado por las formas cúbicas de las casas y nombró al

movimiento como cubismo. Seguidamente el crítico Louis Vauxcelles escribió un

artículo dando a conocer este nuevo movimiento, a partir de las obras de Braque.

Las obras de los pintores cubistas están fuertemente influenciadas por las

composiciones del pintor Cézanne, considerado el padre del arte moderno, por su

marcada influencia en los artistas de esta vanguardia.

Una de las principales características de estos cuadros reside en las formas

geométricas y cúbicas.

El volumen y la estructura fueron las dos primeras preocupaciones de los cubistas.

Picasso y las Demoiselles d’Avignon

El cuadro las Demoiselles d’Avignon, marca decididamente el comienzo del

movimiento cubista. Picasso comenzó a trabajar en él hacia 1906 para terminarlo al

año siguiente.

“…parece que Picasso se dio cuenta de que las Demoiselles no sería una obra

cualquiera. Era el lienzo más grande con el que se había enfrentado…” (2)

En esta obra Picasso, expone los principales problemas que el cubismo deberá enfrentar.

En la forma diferente de representar volúmenes tridimensionales en una superficie

bidimensional revela una manera de crear sus propias leyes, dictando nuevos cánones

estéticos de belleza, destruyendo así, los ya conocidos y tradicionales conceptos de lo bello

y lo feo.

Influencias en Picasso para las Demoiselles:

“En primer lugar, el prototipo más cercano de este tipo de composición con mujeres desnudas

y parcialmente cubiertas por paños se encuentra en la obra de Cézanne; de hecho, la figura

en cuclillas de la esquina inferior derecha, con todo lo extraordinariamente deformada que

está, estaba originalmente basada en una figura de un pequeño Cézanne, propiedad de

Matisse.” (2)

Cézanne se había diferenciado de los anteriores pintores impresionistas, representando la

realidad de una manera más concreta, sólida y definitiva. Este artista había de proponer

otra manera de representar de cómo venían haciendo sus contemporáneos, dándole

importancia a las formas del dibujo y dejando de lado la obsesión impresionista del

momento y lo episódico. Sus dibujos estaban definidos a través del volumen de los objetos,

conseguidos por medio de la pintura y el color. Sus objetos parecían casi tangibles y esto

es la base de la marcada diferencia contra el estilo impresionista.

“…todavía más importante desde el punto de vista del desarrollo subsiguiente de Picasso

como artista es el hecho de que, mientras estaba trabajando en las Demoiselles, entrara en

contacto con la escultura africana.” (2)

El arte “primitivo” se encuentra de gran influencia en lo que fue el desarrollo del cubismo, ya

que es un arte inspirado en las formas conceptuales; las ideas que se tiene acerca del tema

a representar son mucho más importantes para el artista que la representación naturalista

del mismo. Esto lleva a la abstracción, a la estilización y a imágenes simbólicas.

“Darse cuenta de esto habría de estimular a los cubistas, en los años venideros, a crear un

arte que era más puramente abstracto que nada de lo que había precedido, y que al mismo

tiempo era un arte realista, que se ocupaba de la representación del mundo material que los

rodeaba” (2)

Las figuras de las Demoiselles están representadas desde varios puntos de vista (visión

simultánea), así algunas de las cabezas que miran al espectador tienen narices puestas de

perfil o si la cabeza mira hacia un costado, presenta un ojo de frente. Es la técnica de

síntesis óptica. En cuanto a la figura en cuclillas, considerada la más importante y

representativa de este cuadro:

“Picasso ha rajado o abierto el cuerpo a lo largo del eje central de la columna y ha retorcido

hacia arriba a la pierna y al brazo de más atrás para que queden sobre el plano de la pintura,

sugiriendo además una visión directamente posterior y anormalmente estirada o desplegada;

la cabeza, también, ha sido retorcida para que mire de frente al espectador” (2)

“Picasso estudia un objeto como un cirujano diseca un cadáver. “(1)

Este cuadro resume en cierta medida las características de todo el movimiento. Las

imágenes en discontinuidad y cortes abruptos expresan una manera diferente de

representar la realidad, se trata de una reinterpretación del mundo. No se trata de reflejar la

realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

“Las mujeres desnudas quedan inextricablemente envueltas en un fluir de formas o planos que

se inclinan hacia detrás y hacia delante de la superficie bidimensional, produciendo una

sensación muy parecida a la de una compleja escultura en bajorrelieve.” (2)

La perspectiva aparece fragmentada por los cuerpos trabajados en cuanto a sus

volúmenes, marcándolos en los contornos o atenuándolos en otros casos, incidiendo el uno

en el otro.

“La estriación negroide de las formas, que Picasso emplea para modelar el cuerpo, se ve

casada, casi imperceptiblemente, con una técnica cézannesca de rayados o pinceladas

paralelas más pequeñas, que van tanteando su camino por encima y en torno a los

volúmenes.” (2)

En todo el arte de Picasso y particularmente en las Demoiselles d’Avignon, las técnicas

empleadas heredadas y evolucionadas de Cézanne, Gauguin y/o Courbet, más su interés

por el arte negro, reflejan los conceptos fundamentales de todo el movimiento cubista; una

nueva manera de representar el espacio y la realidad a partir de los componentes

esencialmente pictóricos e intelectuales y el empeño de transmitir una multiplicidad de

información en cada objeto pintado.

Braque

“En el verano de 1908 Braque hizo un peregrinaje a L’Estanque, uno de los lugares de retiro

favoritos de cézanne, y allí realizó una serie de paisajes y naturalezas muertas; son las

pinturas que, cuando fueron expuestas más tarde en ese mismo año en la galería de

Kahnweiler, harían que el cubismo se ganara su nombre. En estas obras sacrificó el color y la

inmediatez de su anterior manera fauve para realizar un tipo de pintura más conceptual,

disciplinado y geométrico.” (2)

Estas obras son representaciones de objetos que toman las formas geométricas

simplificadas y en los paisajes particularmente, estas formas anulan la sensación de

profundidad con objetos superpuestos de diferentes tamaños todos en un mismo plano.

El concepto de Braque coincide con el del cubismo al priorizar la idea de puntos de vistas

variables llevados hacia un mismo plano, rechazando la perspectiva tradicional del punto de

vista único. Sus obras influenciadas en cuanto a los temas por el fauvismo (paisajes),y sus

naturalezas muertas, llevan la técnica de quebrar en algunos casos, los contornos de los

objetos; de esta manera el espacio en el que se encuentran se filtra entre ellos. Cuadros

que presentan naturalezas muertas, instrumentos musicales, copas abanicos y periódicos,

todos objetos de su experiencia cotidiana, que evocan una sensación táctil.

“Para Braque las zonas de espacio “vacío”, lo que se podría llamar “vacío renacentista”,

pasaron a ser importantes como los propios asuntos. En sus primeras pinturas cubistas, y

desde luego en toda su obra posterior, el propósito de Braque era adelantar ese espacio hacia

el espectador.” (2)

Este pintor-artista como ya se ha dicho, estuvo al igual que todos los cubistas, influenciado

fuertemente por la obra de Cézanne. La diferencia entre los cubistas y Cézanne reside en

que este último no parecía darse cuenta de las distorsiones pictóricas que aparecían tras

su visión; mientras que en el caso de Picasso y Braque, ellos eran plenamente consiente

de esto y de que habían roto con la antigua concepción del arte.

“Es significativo que, habiendo sido el color el centro y la base del arte y técnica de Cézanne,

los cubistas abandonaran hasta ahora el color y prefirieran una paleta casi monocroma; en el

caso de Picasso, porque el color le parecía secundario en relación con las propiedades

escultóricas de los asuntos que pintaba; en el de Braque, porque sentía que iba a “estorbar” a

las sensaciones espaciales que le tenían obsesionado.” (2)

Luego de 1914 (primera etapa del cubismo) Braque evoluciona y abandona en cierto modo

lo puramente geométrico para centrarse en las maneras más armónicas del cubismo.

Expresa un mundo poético apasionado por la naturaleza. Tenía un temperamento filosófico

que lo conduce a través de sus obras a una especulación abstracta rozando el misticismo.

“Amo la regla que corrige la emoción, amo la emoción que corrige la regla”. Es éste el axioma

estético que Braque anuncia y al que se adapta a partir de esos años.” (3)

Dos fases principales del arte cubista:

“Hace ya tiempo que los críticos distinguen entre dos fases principales del arte cubista; una

primera fase “analítica” y una subsiguiente fase “sintética”- distinción elaborada inicialmente en

el arte y los escritos de Juan Gris, el tercero del triunvirato de grandes pintores cubistas.” (2)

El cubismo sintético habría de ser tan importante para el desarrollo de la pintura de

posguerra como lo había sido el cubismo analítico para la pintura de preguerra.

Fase analítica

En este período las obras cubistas se encuentran fuertemente influenciadas por Cézanne y

el arte africano (en el caso de Picasso). Lo que conocemos por cubismo analítico afecta a

las obras de Braque y Picasso en el período comprendido entre 1909 y 1912, en procesos

de experimentación similares y simultáneos. Se subordinaba la realidad en favor de la

unidad estructural del cuadro. Esta fase se llamó también fase “hermética” ya que los

cuadros monocromos se hacían difíciles de descifrar.

La técnica del facetado fue uno de los recursos primordiales. El facetado, consiste en

presentar el espacio por facetas, esto es, a modo de visión fragmentada, por parcelas,

reunidas en el cuadro como en el fondo de un ojo facetado, nombre por el que se conoce el

aparato óptico de los insectos. A partir de aspectos de las cosas, según se presenten

desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos.

El análisis implica la descomposición conceptual de una unidad, de un conjunto en sus

componentes, de un acontecimiento en sus diversos estadios o de un contenido de la

conciencia en sus distintivos.

La fase analítica del cubismo esta basada en estos conceptos, y se desarrolla a partir de

los objetos representándolos en sus formas múltiples y geométricas. La obra de Braque

sirve aún más para ejemplificar este período analítico.

“A los nuevos artistas-pintores se les han reprochado vivamente sus preocupaciones

geométricas.

Sin embargo, las figuras de la geometría son la base del dibujo. La geometría, ciencia que

tiene por objeto el espacio, su medida y sus relaciones, fue en todo tiempo la regla misma de

la pintura.”

“Pero se puede decir que la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es al arte

del escritor.” (1)

Es el estudio del espacio pictórico mismo, en contraposición del espacio real. Cerrando el

cuadro sobre sí mismo, dándole validez estética autónoma.

El cubismo analítico no muestra formas reconocibles fácilmente de lo representado, sus

cuadros son juegos que combinan las formas en una estructura típicamente cubista. Se

sigue la lógica propia del cuadro y al pasar los años estas obras se fueron haciendo

marcadamente más abstractas. También se le llamó a este período cubismo hermético, ya

que se hacía más difícil llegar a la descodificación de los elementos figurativos para

reconstruirlos mentalmente en los objetos que representaban.

Los artistas trataban de equilibrar la figuración y la abstracción.

“Sin duda es cierto que no sólo sus afirmaciones del momento, sino toda su obra subsiguiente,

que se sirvió de los descubrimientos del cubismo para crear un nuevo estilo a veces en alto

grado antinaturalista, pero siempre manifiestamente figurativo, confirmaron las intenciones

realistas del movimiento”. (2)

El tratamiento del color, en esta fase, es casi monocromo entre grises y ocres

generalmente. En este momento los colores no interesaban a los pintores ya que se

centraban en el estudio de las formas y el espacio.

Fase sintética.

Esta fase final del cubismo se desarrolló entre 1912 y 1914. Es el período de los collages y

los papier collé; los pintores comenzaron una nueva búsqueda dentro de sus

composiciones, Picasso inventa los collages, que se definen como la incorporación a la

superficie del cuadro de cualquier materia ajena a la pintura, y Braque creó el papier collé

que es una forma específica de collage, donde el material que se incorpora se basa en

papeles recortados en tiras que plegadas darían sensaciones táctiles distintas, o

fragmentos recortados con formas que interactúan con las otras formas de la pintura. Ya se

habían insertado las letras como signos de realidad, se incorporan ahora otros elementos

reales; se simulan vetas de mármol, la superficie de una chapa de madera y otras texturas.

“…el sello de correos, la tela encerada, trozos de tapicería, sobres y otros materiales

aplicados sobre el lienzo en medio de los otros colores son como la introducción de un

elemento desde mucho tiempo antes empapado de humanidad, que, por ello, enriquece el

cuadro con un nuevo pathos, creando el contraste entre verdad y artificio”, Apollinaire. (3)

Picasso usa papeles de pared como manteles, pedazos de periódico como violines,

mientras que Braque y Gris se mantienen fieles al material usándolos de manera análoga a

la realidad, por ejemplo un trozo de madera como una mesa o una guitarra.

Lo que permite al pintor estas técnicas es integrar al cuadro un pedacito de realidad, el

espectador al mirar un collage no se limita a contemplarlo únicamente, sino que lo

reconstruye en base a las pistas que se le han dado mediante estos trocitos de objetos

reales. Cuando lo que se adhiere a la pintura son trozos de madera, plástico, metales o

materiales tridimensionales, nos encontramos ante el ensamblaje (objetos encontrados que

mezclados entre sí crean un propio objeto nuevo), esta técnica fue usada a partir de este

momento durante varios movimientos que le siguieron principalmente en obras escultóricas.

“En la obra de Braque, subestructura abstracta y asunto superpuesto están fundidos uno con

otro y se interrelacionan, pero es posible imaginar a cada uno de ellos existiendo por

separado, aunque sea en una forma debilitada. En el cubismo sintético de Picasso los

elementos están fundidos entre sí para formar una representación única de la que son

inseparables.”. (2)

La técnica de Braque variaba en cuanto a la de Picasso. Braque comenzaba con las tiras

de papel sobre la pintura que al retirarlas éstas le sugerían un tema, al que él llegaba

dibujando sobre la superficie del cuadro y superponiendo papeles diversos.

Picasso, agrupaba formas abstractas para crear una imagen, su método era más directo.

La influencia del arte africano lo llevo a poner formas abstractas de una manera figurativa

por medio del ordenamiento simbólico y su interrelación; así emplea figuras planas de

formas y colores heterogéneos para construir cuerpos humanos u objetos cotidianos.

“…la manera en que Picasso utilizaría las nuevas técnicas y materiales iba a ser más

fantasiosa y atrevida que las de Braque y Gris; pues mientras en la obra de éstos los

fragmentos de collage se emplean de una manera lógica y en la mayoría de los casos realista,

Picasso se complace en utilizarlos de una manera paradójica, convirtiendo a una sustancia en

otra y extrayendo de las formas significados insospechados al combinarlas de nuevos modos.”

(2)

Los diferentes materiales dialogaban entre sí, y permitían a los cubistas resolver en cierta

medida el problema del color que les venía afectando desde la fase analítica, el collage y el

papier collé, liberaron al color de las convenciones del naturalismo. La forma y el color se

funden y aparecen colores más brillantes en algunos casos o más oscuros y elegantes en

otros.

Las técnicas variaron con la aparición de éstas nuevas formas, el proceso se invirtió; en la

época analítica el pintor comenzaba el cuadro a partir de una imagen real y abstraía esa

imagen a favor de los conceptos cubistas de espacio y forma. Ahora comenzaban con

objetos abstractos y llegaban a una figuración. Se transforma el proceso analítico en un

procedimiento sintético.

“Los collages y los lienzos con mucho relieve hechos por Picasso en los años 1913-1914 son

quizás los que ilustran mejor y más obviamente la obsesión de los cubistas por el “tableau-

objet”, es decir, por el concepto de la pintura en cuanto objeto o entidad fabricada, construida,

con una vida propia e independiente, que no repite o imita al mundo exterior, sino que lo

recrea de un modo independiente.” (2)

Son los cubistas los primeros que inventaron la noción de “cuadro-objeto”, un cuadro debía

tener lo absoluto y lo concreto de un auténtico objeto, debía vivir como un objeto

plásticamente definido, de indiscutible realidad, era una expresión de arte lo que buscaban

los cubistas, no una simple provocación como lo harían más adelante los dadaístas. El

cuadro-objeto, tendrá su propia independencia dejando de suscitar la idea de la

comparación de acuerdo con la verosimilitud.

Apollinaire realiza otras distinciones para caracterizar al cubismo y presenta cuatro

tendencias:

El cubismo científico es una de las tendencias puras. Es el arte de pintar composiciones

nuevas con elementos tomados, no de la realiad visual, sino de la realidad del

conocimiento. El aspecto geométrico que impresionó a quienes vieron la primeras telas

científicas deriva del hecho de que la realidad esencial se ofrecía en ellos con gran pureza

y se eliminaba totalmente el elemento visual y anecdótico. Pertenecen a esta tendecia:

Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin y Juan Gris.

El cubismo físico, pintar composiciones con elementos extraídos en su mayor parte de la

realidad visual. Depende del cubismo en su disciplina constructiva. Su función social está

bien delineada, no es arte puro. En él se confunde el tema con las imágenes. Crea esta

tendencia Le Fauconnier.

El cubismo órfico realiza composiciones nuevas con elementos no tomados de la realidad

sino enteramente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Ofrecen

el placer estético puro con un significado sublime, en su tema. Es arte puro. Las obras de

Picasso, Robert Delanuay lo inventa y tienden también Fernand Léger, Francis Picabia y

Marcel Duchamp.

El cubismo instintivo, cuadros inspirados no en la realidad sino en la sugerida al artista

por el instinto y la intuición, tiende al orfismo.(1)

La escultura cubista

La escultura plantea la estética de la pintura cubista llevada a las tres dimensiones, se

caracteriza por la intersección de planos y volúmenes en la descomposición de las formas.

Se pueden nombrar dentro de los escultores cubistas a Picasso, Cabeza, Mujer, Cabeza de

toro y a Braque, Mujer de pie. Se destacan también Alexander Archipenko, Torso negro,

Cabeza, Estatuas de hierro, Jacques Lipchitz, Marinero con guitarra, Raymond Duchamp-

Villon, Torso de hombre joven; entre otros.

Estas esculturas fueron directamente influenciadas por las técnicas del collage del cubismo

sintético, se empezó a construir a partir de materiales de desecho muy heterogéneos a

diferencia de la escultura como ya se conocía, donde los artistas elaboraban su objeto a

partir de un solo bloque de piedra, mármol, hierro, etc.

“Otro importante e influyente aspecto de la escultura cubista, la sustitución del espacio sólido

por el vacío y del vacío por el sólido, puede encontrarse no sólo en las construcciones de

Picasso, sino además en las pinturas contemporáneas de ambos artistas. Así Braque recorta

la silueta de una pipa de un pedazo de periódico, desecha lo recortado e incorpora el periódico

a la naturaleza muerta en modo tal que percibimos la presencia de la pipa por su ausencia.”(2)

Henri Laurens, experimentó la combinación de formas geométricas puras talladas en

madera, ensambladas y pintadas, El Clawn, también combinó la madera con el metal, su

mejor correlato pictórico se halla en los cuadros de Juan Gris, cuya elaborada sencillez le

es afín. Laurens colocó en tres dimensiones la pintura del cubismo sintético. Al aplicar el

color sobre los materiales fijaba las relaciones entre volúmenes y planos como en la

pintura, diferenciándolos y evitando que la iluminación alterara la mixtura de los

componentes. Traspuso después el efecto del papier collé, mezclando texturas en la

superficie de piedra. Había encontrado soluciones en los distintos ensamblajes de

materiales con volúmenes sólidos; La cabeza de 1917, Mujer con guitarra de 1918 son

algunos ejemplos dentro de su gran cantidad de obras.

Juan Gris

Es el tercer gran exponente del cubismo, su enfoque es muy independiente y

decididamente intelectual. Hasta 1910 se dedicó al dibujo humorístico y a la ilustración

gráfica. Hubo que esperar hasta 1912 para verlo emerger en el movimiento cubista. Su

pintura es más lineal y abstracta donde las formas y el espacio se ínter penetran y encajan.

“…se recompone el objeto para obtener una imagen que es más sistemáticamente analítica y

más literal que todas las que vemos en la obra de Picasso o de Braque. Gris nunca prescindió

del color en la medida en que lo hicieron aquellos, y la manera que tiene de emplearlo es una

vez más, más naturalista y descriptiva. No existe una fuente de luz única en sus pinturas, pero

dentro de áreas aisladas se sirve de la luz también de una manera naturalista para obtener

una sensación de relieve.” (2)

Gris trabajó sus cuadros de acuerdo con las teorías matemáticas de entonces. Al cambiar

de punto de vista los objetos se mostraban completamente diferentes. Una mesa podría

aparecer como un rectángulo perfecto al ser vista desde un plano cenital, por ejemplo, o un

vaso seria un círculo. Afirmaba pintar no partiendo de la realidad, sino de la idea.

Cuando Picasso y Braque ya trabajaban en un cubismo sintético, Gris seguía de una

manera analítica: empezando con una idea preconcebida del asunto desde una imagen

naturalista que luego abstraía y analizaba de acuerdo con los principios de la “visión

simultánea”.

Posteriormente le siguió su etapa sintética, con sus “dibujos matemáticos” que son el

estudio que preparaban sus obras; a partir de 1913, hay en ellos una marcada voluntad de

sistematizar el procedimiento cubista, desde allí él conseguía composiciones armoniosas

en términos puramente abstractos. Encuentra formulaciones esquemáticas muy personales

a base de planos traslúcidos superpuestos, en los que se funden las formas de los objetos

y el espacio circundante.

En 1912 expuso en el Salón de los Independientes con los pintores del cubismo y participó

en la Sección de Oro, que fue un importante eslabón para el movimiento cubista en su

conjunto.

Su tema predilecto será, el bodegón, asunto que encajaba perfectamente con el intimismo

arquitectónico de sus cuadros. Los modelos de Gris aparecen mucho más literales y

concretos que los de Braque o Picasso.

“Y la importancia que para él tenía el papier collé residía, en definitiva, en el hecho de que las

posibilidades de abstracción que ofrecía el medio fortalecían su afán de un arte de mayor

perfectibilidad formal.” (2)

Su característica más distintiva está en el uso del color, esto lo acerca a sus

contemporáneos Léger y Delaunay, los colores puros y preparados adquirían esplendor.

Emplea el color de una manera naturalista y descriptiva, no existe una fuente de luz única,

sino áreas de luz para obtener una sensación de relieve.

"Así la estética que es la materia y la técnica que es el número. El tono y el color pertenecen a

la técnica, el color local a la estética. No es una materia la que debe hacerse color, sino un

color el que debe convertirse en materia. El estilo no es más que el perfecto equilibrio entre la

estética y la técnica". (4)

Gris fue formulando sus ideas en una serie de ensayos intentando explicar las

preocupaciones del cubismo durante las últimas fases del movimiento. Exponía:

“En primer lugar estaba la “arquitectura”, es decir, la composición o subestructura abstracta de

la pintura, concebida a base de formas coloreadas planas…Esa “arquitectura coloreada plana”

era el medio. El fin, por otra parte, era el aspecto representacional del lienzo o su asunto, éste

venía sugerido por la propia arquitectura coloreada y plana, pero en otras ocasiones podía

superponerse a ella.” (2)

Opinaba que al convertirse las formas abstractas en objetos se hacían concretas y

poderosas, el asunto era importante y éste modificaba a la subestructura abstracta, que

estaba calculada con más frialdad.

“Pero mientras que el cubismo de Picasso y de Braque, a pesar de su alto contenido

intelectual y su posterior sofisticación, siguió siendo fiel a las doctrinas del instinto y la intuición

características de principios del siglo XX, moderadas por un sentido de disciplina de raíz

mediterránea, el enfoque intelectual que Gris da a los problemas formales emparenta a su

cubismo sintético con la obra de artistas como Mondrian, Malevich y Lissitzky, con su creencia

platónica en la perfectibilidad de la forma.” (2)

Hacia 1915, recrea los objetos de sus cuadros de una manera más libre y menos literal, son

productos de su mente y no versiones de objetos concretos. Metzinger, Gleizes y Herbin

fueron influenciados por Gris, también Laurens y Lipchitz buscaron en él una guía para

desarrollar sus esculturas.

"Yo trabajo con los elementos del espíritu, con la imaginación, trato de concretar lo que es

abstracto, voy de lo general a lo particular, lo cual quiere decir que parto de una abstracción

para llegar a un hecho real. Mi arte es un arte de síntesis, un arte deductivo.”(4)

Conclusión

“Los procedimientos de composición del cubismo analítico sugerían un nuevo modo de

organizar o articular la superficie del cuadro. Y antes de que estallase la guerra en 1914 ese

aspecto del cubismo había influido directa e indirectamente en casi todos los jóvenes artistas

notables que trabajaban en Europa.” (2)

Léger, por su parte, mezcló la influencia cubista con el estilo que surgía entonces en Italia,

el futurismo. Las formas cubistas con la velocidad y el movimiento de los futuristas.

Los artistas Jaques Villon y Marcel Duchamp también ofrecieron un arte entre futurista y

cubista, al mismo tiempo que Duchamp comenzó a mostrar su lado protodadá para pronto

rechazar estas influencias y crear su propia mitología personal de un marcado sesgo

intelectual.

La evolución de Picasso fue agitada y diversa, desde su intelectual manera en el cubismo

analítico hasta las obras más alegres y coloreadas tan llamativamente decorativas;

volviendo nuevamente a un estilo más sencillo y monumental. Hacia 1920 se fundieron

estas dos corrientes arquitectónicas y decorativas, para producir por ejemplo los Tres

músicos. Sus logros no acabaron a lo largo de su vida, se puede considerar a la serie de

bodegones delante de ventanas como un arte neoclásico claramente cubista, realizado en

1924.

Braque evolucionó de manera diferente a su compañero Picasso, una de sus obras de

posguerra, innovan en sus formas verticales de naturalezas muertas sobre mesas que

dejan ver toda su longitud, los Guéridons. A lo largo de 1920 la obra de Braque se fue

haciendo tan personal que no se puede encajar en ninguna categoría estilística rígida.

El año 1925 marca el fin de la época cubista. Es cuando Picasso pinta sus Tres bailarinas

que lo transporta hacia el surrealismo.

“…el cubismo fue un arte de experimentación…creando sin miedo un nuevo género de

realidad. Había desarrollado un tipo de figuración completamente original y antinaturalista, que

al mismo tiempo había dejado al descubierto los mecanismos de la creación pictórica, y en

ese proceso había avanzado mucho hacia la destrucción de las barreras artificiales que

separaban a la abstracción de la representación.” (2)

El movimiento cubista parte del concepto fundamental basado en el deseo de representar

la realidad de una manera completamente diferente a como se venía haciendo en la historia

de la pintura. Sus metas eran claras: romper con las tradiciones del arte. Construir una

nueva perspectiva que no intente imitar a la visión humana del cuadro observado como

desde una ventana. Los espacios se confunden a favor de los objetos que se quiere

representar. Por medio de las técnicas ya comentadas, estos ideales se desarrollaron a lo

largo de los dos períodos o las cuatro tendencias. Los aportes del cubismo marcaron un

antes y un después en la historia del arte, los movimientos contemporáneos a este

siguieron desarrollando sus postulados agregándoles otros estudios de las formas.

“Creo que la moderna escuela de pintura es la más audaz que haya existido. Ha planteado el

problema de la belleza en sí. Quiere imaginarse lo bello liberado del placer que el hombre

procura al hombre, y desde el comienzo de los tiempos históricos ningún artista europeo se

había atrevido a ello.” (1)

Bibliografía:

1) Las vanguardias artísticas del siglo XX, Mario De Micheli (manifiestos), La pintura cubista,

Apollinaire.

2) Conceptos de arte moderno, compilación de Nikos Stangos, Cubismo, John Golding.

3) Las vanguardias artísticas del siglo XX, Mario De Micheli, Capitulo 7, La lección cubista.

4) Internet: www.artehistoria.es

Monografía:

Cubismo, aspectos formales y técnicos

Materia: Historia del arte

Escuela de cine, video y T.V. U.N.T.

Alumna: Jessica Naranjo

Julio, 2010.