CUARTETO KRONOS (Estados Unidos)Programa 1 Martes 10 de septiembre · 7:30 p.m.Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa demano. Llegar conmediahoradeantelaciónlepermitiráingresaralconciertocontranquilidadydisfrutarloensutotalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, elpersonal del auditorio le indicará elmomento adecuado paraingresaralasaladeacuerdoconlasrecomendacionesdadasporlosartistasqueestánenescena.

• Agradecemosseabstengadeconsumircomidasybebidas,o

fumarduranteelconcierto,conelfindegarantizarunambienteadecuadotantoparaelpúblicocomoparalosartistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonoscelulares,buscapersonasyalarmasdereloj.Estoayudaacrearunambientepropicioparadisfrutarlamúsica.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes,noestápermitido realizargrabacionesdeaudioovideonitomarfotografíasduranteelconcierto.

Este concierto cuenta con la colaboración de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

y la Embajada de Los Estados Unidos en Colombia

LosconciertosrealizadosenlaSaladeConciertosdelaBibliotecaLuisÁngelArangoestánautorizadosporlaDirecciónAdministrativadelaSecretaríadeGobiernodeBogotá,mediantelaResolución051

del15defebrerode2013

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Son ya 40 años durante los cuales el Cuarteto Kronos, conformado por David Harrington (violín), John Sherba (violín), Hank Dutt (viola) y Sunny Yang (violonchelo), ha perseverado en su visión artística única, que combina el ánimo temerario y explorador con la voluntad inquebrantable de reinventar una y otra vez la vivencia musical del cuarteto de cuerdas. A lo largo de este proceso, el Cuarteto Kronos se ha convertido en una de las agrupaciones de mayor influencia y renombre de nuestro tiempo. Cuentan entre sus logros el haber ofrecido cientos de conciertos alrededor del mundo, más de 50 producciones discográficas de extraordinaria creatividad, trabajos en colaboración con muchos de los intérpretes y compositores más interesantes y prestantes y el encargo de más de 800 obras —originales y en arreglo— para cuarteto de cuerdas. En 2001, el Cuarteto Kronos se constituyó como el único depositario del Polar Music Prize y el Avery Fisher Prize simultáneamente, dos de los galardones musicales más prestigiosos del mundo. La larga lista de premios que ha recibido incluye el Grammy por Mejor Interpretación de Música de Cámara (2004) y el de Músicos del Año, concedido por Musical America, en 2003.

El espíritu explorador del Cuarteto Kronos se remonta a su propia fundación: en 1973, David Harrington tuvo la inspiración de conformar el grupo cuando escuchó Black Angels, de George Crumb, una obra inspirada en la guerra y que incluye vasos de agua tocados con arco, pasajes de texto hablado y efectos electrónicos. Desde aquel entonces, la agrupación ha venido conformando ininterrumpidamente un vasto y diverso repertorio para cuarteto de cuerdas, que expande con la interpretación y grabación de obras de maestros del siglo XX (Bartók, Webern, Schnittke), compositores contemporáneos (John Adams, Osvaldo Golijov, Aleksandra Vrebalov), leyendas del jazz (Ornette Coleman, Charles Mingus, Thelonious Monk), artistas del rock (la leyenda de la guitarra Jimi Hendrix, el artista de la electrónica Amon Tobin y el grupo de indie-rock islandés Sigur Rós) y artistas que desafían cualquier clasificación de género (la actriz Laurie Anderson, el compositor / escultor de sonido / inventor Trimpin, la compositora interdisciplinaria e intérprete Meredith Monk).

Una larga lista de trabajos en colaboración junto a muchos de los compositores más prominentes del mundo hace parte integral del trasegar del Cuarteto Kronos. Uno de sus trabajos más frecuentes es la colaboración con Terry Riley, padre del minimalismo, cuyas obras con el grupo incluyen Salome Dances for Peace (1985-86); Sun Rings (2002), una oda multimedia compuesta por encargo de la NASA en homenaje a la Tierra y su gente, y que presenta sonidos celestiales e imágenes del espacio, y Another Secret eQuation, para coro juvenil y cuarteto de cuerdas, estrenada en abril de 2011 en un concierto por la celebración del 75º cumpleaños de Riley. El Cuarteto Kronos encargó y grabó los tres cuartetos de cuerda del compositor polaco Henryk Górecki, con quien ha trabajado por más de 25 años. Asimismo, ha trabajado junto a compositores como Philip Glass, con la grabación de sus cuartetos de cuerda en 1995 y el estreno de una nueva obra en 2013,

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entre otros proyectos; la compositora azerí Franghiz Ali-Zadeh, cuyas obras reposan compiladas en la producción de 2005 Mugam Sayagi; Steve Reich, con trabajos que van desde la interpretación de su composición Different Trains (1989) y que ganó un Grammy, hasta la pieza WTC 9/11, inspirada en el ataque terrorista del 11 de septiembre, y muchos más.

Los trabajos en colaboración incluyen también presentaciones con intérpretes de fama mundial, como la virtuosa china de la pipa Wu Man; el maestro vocalista azerí Alim Qasimov; la legendaria playback singer de Bollywood Asha Bhosle, que suena en el CD nominado a los Grammy You’ve Stolen My Heart: Songs from R.D. Burman’s Bollywood; la cantante “throat” inuit Tanya Tagaq; los rockeros mexicanos Café Tacvba; el artista del sonido y constructor de instrumentos Walter Kitundu, y la banda gitana rumana Taraf de Haïdouks.

Las presentaciones en vivo del Cuarteto Kronos han sido objeto de elogios de íconos como Allen Ginsberg, Zakir Hussain, Modern Jazz Quartet, Noam Chomsky, Rokia Traoré, Tom Waits, David Barsamian, Howard Zinn, Betty Carter y David Bowie. La agrupación ha participado también en grabaciones de talentos tan diversos como Nine Inch Nails, Dan Zanes, DJ Spooky, Dave Matthews, Nelly Furtado, Joan Armatrading y Don Walser. En cuanto a la danza, coreógrafos de renombre como Merce Cunningham, Paul Taylor, Twyla Tharp y Eiko & Koma han creado obras junto al Cuarteto Kronos.

Su trabajo ha sonado también en un buen número de películas, incluyendo el documental sobre el sida How to Survive a Plague, nominado al Premio de la Academia en 2012, y en Dirty Wars, de 2012 también, una exposición documental sobre la guerra encubierta y para la cual uno de sus integrantes, David Harrington, sirvió como supervisor musical. El Cuarteto Kronos también ha interpretado las composiciones de Philip Glass para las películas Mishima y Drácula —una edición restaurada del clásico de Tod Browning y Bela Lugosi— y las obras de Clint Mansell compuestas para las películas de Darren Aronofsky The Fountain y Requiem for a Dream. Otras bandas sonoras con interpretaciones del Cuarteto Kronos incluyen 21 Grams, Heat y True Stories.

La agrupación pasa unos cinco meses al año de gira, presentándose en salas de concierto, clubes y festivales alrededor del mundo, incluyendo el BAM Next Wave Festival, el Carnegie Hall, The Barbican de Londres, WOMAD, UCLA’s Royce Hall, Concertgebouw de Ámsterdam, Concert Hall de Shanghái y la Opera House de Sydney. Su trabajo en producciones discográficas es igualmente prolífico, con una discografía en expansión para el sello Nonesuch Records, que incluye colecciones como Pieces of Africa (1992), una muestra de compositores oriundos de África y que alcanzó la máxima clasificación en las listas de música clásica y músicas del mundo de la revista Billboard; la antología de diez discos de 1998 titulada Kronos Quartet: 25 Years; Nuevo, una producción de 2002 nominada a

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los Grammy y los Grammy Latinos, que celebra la cultura mexicana; y la producción ganadora del Grammy en 2004, la Suite Lírica, de Alban Berg. Los más recientes lanzamientos de la agrupación son Rainbow (Smithsonian Folkways, 2010), en colaboración con músicos de Afganistán y Azerbaiyán; Uniko (Ondine, 2011), con el dúo finlandés de acordeón / sampler Kimmo Pohjonen y Samuli Kosminen; y Music of Vladimir Martynov (Nonesuch, 2011). La casa editorial musical Boosey & Hawkes y el Cuarteto Kronos lanzaron la publicación de las partituras de tres obras distintivas de la agrupación, compuestas por encargo, en un compendio titulado Kronos Collection, Volume 1 (2006), una edición de interpretación editada por el Cuarteto Kronos. El segundo volumen aparecerá este 2013.

Además de su actividad principal de interpretación y grabación, el Cuarteto Kronos siente también muy suya la misión de guiar a jóvenes intérpretes en su carrera, desarrollando talleres, clases magistrales y demás programas a través del Conservatory of Music de San Francisco, la State Summer School for the Arts de California, el Weill Institute del Carnegie Hall, The Barbican de Londres y otras instituciones dentro y fuera de los Estados Unidos. Por otra parte, está aceptando residencias extendidas de formación para el período 2013-2014 en UC Berkeley’s Cal Performances, Clarice Smith Performing Arts Center de la Universidad de Maryland, Special Music School del Kaufman Music Center en Nueva York y el Malta Arts Festival.

La Kronos Performing Arts Association (KPAA), organización sin ánimo de lucro domiciliada en San Francisco y que cuenta con diez colaboradores de planta, se dedica a gerenciar todas las actividades del Cuarteto Kronos, incluyendo el encargo de nuevas obras, las giras de concierto, presentaciones en concierto en el área de la bahía de San Francisco, programas de formación musical y mucho más. Una de las iniciativas más emocionantes de la KPAA es el así llamado Kronos: Under 30 Project, un programa único de encargo de obras y residencias artísticas dirigido a compositores de menos de 30 años de edad, y que a la fecha le ha sumado ya cinco obras nuevas al repertorio de la agrupación. Construyendo esas relaciones creativas con artistas de todo el mundo, tanto emergentes como ya posicionados, el Cuarteto Kronos y la KPAA recogen los frutos de todas estas décadas de experiencia, sin nunca perder esa visión fresca frente al arte de hacer música.

Cuarteto KronosDavid Harrington, violínJohn Sherba, violínHank Dutt, violaSunny Yang, violonchelo

Laurence Neff, diseño de lucesBrian Mohr, ingeniero de sonido

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INTERMEDIO

BRYCE DESSNER (n. 1976)Obra compuesta para el Cuarteto Kronos

MISSY MAZZOLI (n. 1980)Obra comisionada por Margaret Dorfman y la Fundación Ralph I. Dorfman Family

RAM NARAYAN (n. 1927)Transcripción: LjovaArreglo: Cuarteto Kronos. Comisionado por Deborah y Creig Hoyt en memoria de Raymond Frase. La grabación de esta obra está disponible en el disco Floodplain, lanzado por el sello Nonesuch Records

RAHUL DEV BURMAN (1939-1994) Arreglo: Stephen Prutsman y Cuarteto Kronos. Comisionado por Margaret E. Lyon. La grabación de esta obra, está disponible en el disco You've Stolen My Heart: Songs from R. D. Burman's Bollywood, lanzado por el sello Nonesuch Records

AMON TOBIN (n. 1972) Arreglo: Joseph ColomboObra comisionada en homenaje a los 40 años del Cuarteto Kronos por el Lincoln Center (Lincoln Center Out of Doors) y el Stern Grove Festival

NICOLE LIZÉE (n. 1973)Obra comisionada por Margaret Dorfman y la Fundación Ralph I. Dorfman Family

Aheym (Homeward)*

Harp and Altar*

Raga Mishra Bhairavi: Alap +

Mehbooba Mehbooba (Beloved, O Beloved) +

V838 Monocerotis +

Death to Kosmische *

PROGRAMA

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TRADICIONAL / KIM SINH (n. 1930) Arreglo: Jacob Garchik comisionado por la Fundación para la investigación y el desarrollo David Harrington

TRADICIONAL Arreglo: Jacob Garchik comisionado por la Fundación para la investigación y el desarrollo David Harrington

ALEKSANDRA VREBALOV (n. 1970)Obra comisionada por el Carnegie Hall y por el Clarice Smith Performing Arts Center de Maryland con fondos de The Leading College and University Presenters Programm of the Doris Duke Charitable Foundation. Subvención adicional de The James Irvine Foundation. La grabación está disponible en Floodplain, del sello Nonesuch Records

Lưu thủy trường +

Smyrneiko Minore +

…hold me, neighbor, in this storm… *

CONCIERTO No. 59

* Escrita para el Cuarteto Kronos+ Arreglada para el Cuarteto Kronos

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Rodolfo Acosta R.IntroducciónDesde la década de 1970, el compositor canadiense John Oswald (n. 1953) comenzó a desarrollar una ética de composición que llamó plunderphonics, término que podríamos traducir como “saqueofonía”. Tal vez lo que Oswald estaba planteando era que, sumergidos en cantidades enormes de músicas ultradiversas, la diferencia entre creadores se da más en cómo leemos las posibles relaciones entre todas ellas, que en qué música nueva inventamos. Para esto, planteaba una estética metamusical en la cual hacer una obra nueva se basaba en recombinar fragmentos transformados de obras preexistentes, logrando así un discurso que abraza la diversidad y niega cualquier idea de pureza estilística. Claro, otros compositores habían hecho cosas comparables antes, aunque sin preocuparse por teorizar al respecto: una década antes de Oswald, Leo Brouwer (Cuba, 1939), tal vez sobre los hombros del Posmodernismo que daba la vuelta al mundo, hacía eso a través de la orquesta sinfónica en una obra maestra como La tradición se rompe ... pero cuesta trabajo (1967-1969), así como medio siglo antes lo había hecho Charles Ives (Estados Unidos, 1874-1965) en una obra de menor envergadura como Central Park in the Dark (1906). No debemos preocuparnos demasiado por quién tuvo la idea primero; seguiríamos dando saltos hacia el pasado hasta llegar a las misas de parodia del siglo XVI o saltos hacia un lado a otras tradiciones musicales en las cuales la ausencia del concepto de obra individual hace que la idea de apropiarse de otra obra sea al mismo tiempo inconcebible e inevitable. Lo importante, más bien, puede ser el diferenciar entre dos actitudes creativas contrastantes: una que aboga por la creación más individual posible, que normalmente valora el interés de la novedad y que suele ser identificada con búsquedas modernistas, y otra que busca algo más cercano a la ética del reciclaje, valora el atractivo de la diversidad y podría ser rotulada como amodernista, ya que no es solo pos sino también premodernista.

El concierto de esta noche se basa claramente en esta segunda actitud. Bien sea porque se trata de arreglos de músicas de tradiciones no occidentales (algunas clásicas y otras populares); bien sea porque los compositores quieren mirar al pasado de su propia tradición occidental o porque no quieren disociar entre los diferentes estilos que practican; o bien sea porque su credo estético es “justamente” el de apropiarse del pasado para deconstruirlo y recontextualizarlo como discurso nuevo; ya por cualquiera de estos motivos, ya por otros, las piezas que oiremos nos piden una escucha metadiscursiva en la cual ninguna de ellas debe juzgarse como una realidad absoluta y autocontenida. Ellas nos piden escuchar recordando; nos piden escuchar relacionando. ¡Lancémonos sin temores a una escucha activa que nos permita dialogar con la música y no simplemente oírla pasar!

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El repertorioBryce Dressner (n. 1976) es un guitarrista y compositor estadounidense graduado de la Escuela de Música de la Universidad de Yale. Se ha dado a conocer como guitarrista de la banda de rock The National y del grupo de sonoridades folk Clogs. Como gestor, fundó y dirige el festival MusicNOW en Cincinnati y trabaja para el legendario espacio cultural The Kitchen en Nueva York, donde vive hoy en día; igualmente, es cofundador y director de la disquera Brassland. Compuesta en 2009, Aheym (“Hacia casa”) fue comisionada por el Cuarteto Kronos para un concierto en el Parque Prospect, en Brooklyn, cerca de la casa del compositor y cerca de donde vivieron sus abuelos, inmigrantes judíos que llegaron de Polonia durante la Segunda Guerra Mundial. Dado que el trato fue que el cuarteto repetiría la pieza en Łódź, Polonia, Dressner buscó retratar la historia de su familia en un gesto ambiguo en el cual no estamos seguros de cuál de los dos países representa “casa”: ¿Iban sus abuelos hacia casa cuando migraron a los Estados Unidos o regresaba la pieza a casa cuando la tocaron en Polonia? La música es altamente rítmica y muy emocionante, sin duda haciendo referencia a la cotidianidad del compositor como guitarrista de rock. Con pocos descansos en sus ritmos angulares y sus estructuras semirrepetitivas, podríamos entenderla como escrita dentro de un eficaz estilo posminimalista, frecuentemente encontrado en el medio neoyorquino.

Missy Mazzoli (n. 1980) es una compositora y pianista estadounidense graduada de la Escuela de Música de la Universidad de Yale, el Conservatorio Real de La Haya y la Universidad de Boston, escuelas donde estudió con David Lang, Louis Andriessen, Aaron Jay Kernis, Martin Bresnick, Martijn Padding y John Harbison. Es fundadora y tecladista de la banda Victoire, que se dedica a la interpretación de una vertiente pop de su música, mientras que numerosos solistas, grupos y orquestas de su país presentan otras tendencias. En este mismo sistema de estímulo nacional a su propia cultura, ha recibido reconocimientos y becas de creación, así como apoyos para realizar numerosas residencias con compañías de ópera y orquestas. Actualmente vive en Nueva York, donde enseña en la Escuela de Música Mannes y dirige el festival MATA.

Harp and Altar (“Arpa y altar”) fue compuesta en 2009 y ha sido descrita por Mazzoli como un poema de amor al Puente de Brooklyn; en efecto, utiliza fragmentos pregrabados del poema The Bridge (“El puente”) del estadounidense Harold Hart Crane (1899-1932). Mezclando voces y arcos, crea ricas texturas y ritmos intrincados, en una música que nos recuerda la concepción tradicional de melodías y armonías, pero en una sintaxis ciertamente diferente a la antigua música tonal.

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Pandit1 Ram Narayan (n. 1927) nació en Udaipur, India occidental, dentro de una familia de varias generaciones de músicos. De niño estudió sarangi2 con su padre, quien lo impulsó a seguir una carrera musical. Viajó por el país trabajando y estudiando con maestros como el saranguista Uday Lal y el cantante Madhav Prasad, entrando así en contacto con géneros vocales clásicos antiguos tales como el dhrupad, y modernos, como el khyal. A comienzos de la década de 1940 se estableció en Lahore, donde trabajó para la emisora All India Radio, alternando sus intentos de ser cantante con su innegable talento en el sarangi. Eventualmente se hizo discípulo del legendario cantante Abdul Wahid Khan, quien vivía en la misma ciudad, pero tras la separación de India y Pakistán en 1947, regresó a Delhi. Trabajó como acompañante de cantantes populares y clásicos, pero tuvo problemas por ser más activo de lo que su papel implicaba tradicionalmente, así que desde 1949 se radicó en Mumbai para desarrollar una carrera como músico de cine.

En la década de 1950 volvió a una práctica más cercana a la tradición clásica y comenzó a tener éxito como concertista en India y otras partes de Asia, pero el papel de solista aún era incipiente. Desde los 60 comenzó a viajar a Occidente, donde la costumbre del solista de instrumentos de arco —como el violín— facilitó la recepción del sarangi en ese papel. Como suele ocurrir en nuestras sociedades educadas para ser periferia, una vez Europa occidental y Estados Unidos reconocieron su valor, Narayan comenzó a ser apreciado en su propio país. Así, se convirtió a la larga en el principal personaje en la popularización del sarangi como instrumento solista en música clásica indostaní. A partir de 1970 comenzó a recibir numerosos premios y reconocimientos por la labor que había llevado a cabo desde hacía décadas, llegando hasta recibir el Padma Vibhushan —el segundo honor civil más alto de India— en 2005.

El arreglo que escucharemos de Raga Mishra Bhairavi está basado en una grabación de Narayan hecha en 1989, pero utiliza tan solo el alap, que es la sección inicial de una música clásica indostaní, caracterizada por ser una improvisación melódica sobre un pedal de tanpura3. La función del alap es presentar gradualmente el raga sobre el cual está construida la música que se escuchará a lo largo de una interpretación y cuyo raga (Bhairavi) es, de hecho, matutino.

1 El término sánscrito pandit se utiliza a manera de título para referirse a un maestro altamente capacitado en ciertos campos del conocimiento hindú, en este caso, la música clásica indostaní.2 El sārangī es uno de los instrumentos principales de la música clásica indostaní, utilizado tradicionalmente para acompañar cantantes. Es un cordófono de arco con tres cuerdas de tripa para ser pisadas con las uñas y entre 10 y 40 cuerdas metálicas que resuenan por simpatía dentro del cuerpo/cuello del instrumento. Aunque suele transliterarse como sarangi, sería más cercano hacerlo como sárangui.3 En este caso, claro está, el violista no improvisa, ya que el arreglo está totalmente escrito. Por otra parte, el pedal —aquella sonoridad sostenida sobre la cual se desenvuelve la melodía— es hecho tradicionalmente por la tānpura (un cordófono pulsado de cuatro cuerdas y cuello largo), pero en este arreglo, también por el sruti box (una caja con fuelle, transformación del armonio europeo); ambos instrumentos son utilizados para este único fin.

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4 Valga aclarar que el término Bollywood se refiere solo a la industria cinematográfica de Mumbai, no a toda la producción india, la cual se nutre también de otros centros.5 El término playback singer se utiliza para referirse al cantante que graba la voz de una canción en una película y a la cual el actor hace una mímica. Dado que en el cine indio este tipo de práctica es tan común e importante, los playback singers pueden llegar a ser verdaderas estrellas. Asha Bhosle (segunda esposa de Burman), por ejemplo, fue certificada por el Libro Guinness de Récords Mundiales como la persona que más grabaciones ha hecho, ¡con más de 11.000 en más de 20 idiomas diferentes, apareciendo en unas 1.332 bandas sonoras!

Hijo del también compositor Sachin Dev Burman y la letrista Meera Dev Burman, Rahul Dev Burman (1939-1994), conocido como RD, fue un exitosísimo compositor y director musical indio vinculado a la enorme industria fílmica de Mumbai, donde su padre también trabajaba. Es considerado una figura revolucionaria y de gran influencia en el desarrollo de este medio, ya que se apartó del sonido tradicional de las bandas sonoras anteriores (más cercanas al clasicismo indostaní), incorporando elementos de músicas de otras regiones, particularmente influencias occidentales populares como el rock. Igualmente, experimentó con diferentes tipos de instrumentos y con objetos cotidianos utilizados como instrumentos musicales.

RD Burman compuso su primera canción a los nueve años, la cual fue incluida por su padre en la banda sonora de la película Funtoosh (dir. Chetan Anand, 1956). Fue asistente de su padre hasta independizarse como director musical, en 1961, para la película Chhote Nawab (dir. S. A. Akbar, 1961) y de ese momento en adelante floreció como el principal compositor de Bollywood4. En su momento más brillante, la década de 1970, llegó a producir hasta 20 bandas sonoras por año, y en total llegaría a completar 331 en su vida. Su producción decayó a mediados de la década de 1980, en parte por la muerte de Kishore Kumar, uno de los playback singers5 más importantes con quienes trabajó. No obstante, así no hayan sido exitosos por estar vinculados al movimiento de “cine arte”, sus últimos trabajos han sido considerados sus mayores logros artísticos.

Mehbooba Mehbooba (“Amada, oh amada”) pertenece a la banda sonora de Sholay (dir. Ramesh Sippy, 1975), considerada por muchos como la mejor y más exitosa película de la historia fílmica india. El mismo RD Burman fungió como playback singer y obtuvo así su único premio como cantante, aunque como compositor y director musical ciertamente recibió varios. Tendríamos que decir que se trata de un plagio de la canción Say you love me, del músico griego/egipcio Demis Roussos, quien a su vez tomó la pegajosa melodía de una canción tradicional chipriota llamada Ta rialia (lo cual, irónicamente, parece significar “Dinero”). Se dice que fue el director de la película quien le pidió a RD Burman “basar” Mehbooba en el éxito de Roussos, actitud que parece ser frecuente en música para cine de todo el mundo.

Amon Tobin (Amon Adonai Santos de Araújo Tobin) (n. 1972) es un músico electrónico, diseñador sonoro y productor nacido en Brasil pero criado en diferentes partes de África y Europa, que finalmente se radicó en Brighton, Inglaterra. Allí comenzó a producir discos en la segunda mitad de

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la década del 90, combinando elementos que, si bien son descritos como muy novedosos, en realidad parecen surgir directamente del desarrollo del acid jazz y del trip hop en los años 80 y 90. En 2002, ya con cierto reconocimiento en el medio electrónico, se trasladó a Montreal, Canadá, donde fue contratado en 2004 para hacer bandas sonoras para juegos de video de la compañía Ubisoft Montreal; desde 2008 vive en San Francisco, Estados Unidos.

La mayor parte de la música de Tobin se basa en la idea de ser fruto explícito de la tecnología que lo rodea y de transformar con ella músicas o sonidos preexistentes, en una práctica común a muchas músicas electrónicas. En el caso de la pieza que escucharemos, sin embargo, Tobin se alejó por completo de la electrónica y por primera vez compuso una música netamente instrumental, de marcados ecos antiguos. V838 Monocerotis es el nombre de una estrella a 20.000 años luz del Sol, que ha estado bajo intenso estudio a raíz de una misteriosa explosión que exhibió en 2002. La pieza fue estrenada este año y compuesta especialmente para las celebraciones de los 40 años del Cuarteto Kronos.

La compositora canadiense Nicole Lizée (n. 1973) nació en Gravelbourg, Canadá. Recibió su título de maestría de la Universidad de McGill en Montreal, donde estudió con Denys Bouliane y John Rea. Ha recibido numerosos encargos de solistas, ensambles y orquestas, y su música se ha interpretado en algunos países de Norteamérica y Europa. Lizée se ha interesado en combinar instrumentos tradicionales occidentales con elementos relativamente recientes pero claramente retro, creando un arte de posible intención kitsch posmoderna. Ejemplos de ello son los viejos aparatos de reproducción utilizados como instrumentos musicales (tornamesas o grabadoras de carrete abierto), instrumentos de juguete y consolas de juegos de video de finales de los años 70 y principios de los 80. Su interés en estos medios no convencionales, sin embargo, no hace parte de una cercanía al indeterminismo, ya que intenta controlar al máximo el uso que les da. Más bien, tiene que ver con la idea del sonido como icono, es decir, la idea de que al usar referentes reconocibles de un mundo sonoro particular (bien sean referencias como las ya descritas o citas y paráfrasis de otras músicas, sobre todo populares) está dialogando con la memoria del público.

Compuesta en 2010, Death to Kosmische (“Muerte a la música cósmica”) hace referencia a un subgénero del llamado krautrock, nombre con el cual se agrupó a mucho rock alemán de los años 60 y 70. En particular, Kosmische Musik (“Música cósmica”) fue un sello discográfico que publicó trabajos de algunos músicos, como Klaus Schulze, que desarrollaban una especie de rock progresivo electrónico. Los instrumentos utilizados por aquellos músicos, especialmente los sintetizadores análogos, se han convertido en

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6 El đàn nguyệt es un cordófono pulsado de dos cuerdas de seda o nailon, utilizado tanto para música tradicional popular como para música clásica vietnamita. Sus trastes altos evitan que la cuerda toque el cuello del instrumento, facilitando así una constante ornamentación microtonal por glissando.7 El rebético es una canción popular urbana que surgió en Grecia y Asia Menor en el siglo XIX.

referentes de música y tecnología “clásica” como los que tanto disfruta Lizée. En esta pieza, la compositora combina el cuarteto de cuerdas con dos instrumentos de juguete de finales de los 70 —el omnichord y el stylophone— para continuar su búsqueda de descontextualización / recontextualización como derrotero compositivo.

Nguyen Van Sinh, más conocido como Kim Sinh (n. 1930), es un músico vietnamita nacido en Hanoi, ampliamente reconocido como uno de los más importantes cantantes e instrumentistas de su país. Interpreta una decena de instrumentos, entre los cuales se destaca el dan nguyet8. Como profesor en la Escuela de Música de Hanoi, ha hecho posible que se perpetúe su estilo musical, tradición que se ha difundido también gracias a sus giras y grabaciones en Japón y los Estados Unidos. En 1983 recibió la mención de Artista de mérito de Vietnam.

Sinh ha desarrollado una práctica basada en el cai luong, una especie de teatro musical que combina melodías de tradición popular vietnamita con elementos de ópera china. Como es de suponer, esta es primordialmente una forma vocal, tanto hablada como cantada, que utiliza tramos instrumentales a manera de preludios e interludios. Da la impresión de que es más en lo cantado que en lo instrumental en lo que Sinh se ha enfocado para extraer su inspiración melódica. Lưu thủy trường (“Agua que corre”) es una canción tradicional aparentemente muy popular, grabada por Sinh en varias ocasiones y en diversos formatos.

Smyrneiko Minore (“Canción de Esmirna”) es un rebético9 de los últimos años del Imperio Otomano. Este arreglo fue hecho a partir de una grabación legendaria que la cantante griega Marika Papagika (1890-1943) hizo en 1918, apenas tres años después de su migración a Nueva York. La melancólica línea melódica sostiene, en el original, un texto amoroso y sentimental sobre un acompañamiento de tipo canción de cabaret, tan sencillo y repetitivo que resulta hipnotizante.

Aleksandra Vrebalov (n. 1970) es una compositora serbia nacida en Novi Sad, cuando aún existía Yugoslavia. Estudió composición con Miroslav Štatkić en la Universidad de Novi Sad y con Zoran Erić en la Universidad de Belgrado. Tras la disolución de su país por las guerras que lo arrasaron en la década de 1990, Vrebalov se vio obligada a trasladarse a los Estados Unidos en 1995, donde continuó sus estudios con Elinor Armer en el Conservatorio de San Francisco. Estudió con Evan Chambers y Michael Daugherty y recibió su doctorado en la Universidad de Michigan. Actualmente vive en Nueva York. Si bien es una ciudadana estadounidense desde 2005, ha

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hecho mucho por mantener vínculos con su tierra natal, no solo presentando su música en Serbia, sino también organizando allá cursos periódicos de composición.

Hoy en día, la música de Vrebalov exhibe su ascendencia balcánica de manera explícita. Sin embargo, en un principio no lo hacía, sobre todo para evitar cualquier vínculo con el nacionalismo serbio que tanta fuerza tomó durante el sangriento régimen de Slobodan Milošević. En su pieza de 2008 ...hold me, neighbor, in this storm... (“...sostenme, vecino, en esta tormenta...”) estas referencias étnicas toman varias formas, inicialmente con el uso de instrumentos tradicionales como la guzla y el tapan10. Posteriormente, escuchamos materiales pregrabados que incluyen campanas cristianas y la voz de un almuecín11, así como aquella de la abuela de la compositora; aparece también una larga cita de la canción tradicional anónima Seva (“La alondra”) en la escritura misma del cuarteto. Todos estos elementos ponen en evidencia la multietnicidad y multirreligiosidad que hace de los Balcanes una región sumamente compleja y que ha llevado desde hace siglos a recurrentes conflictos bélicos. En su obra, la compositora resalta la triste ironía de cómo la mezcla de músicas de tradiciones diferentes —que ha logrado una enorme riqueza musical para la región— no ha encontrado un paralelo en otros campos como para llegar a una coexistencia pacífica. Vrebalov invita así a entender aquella complejidad como riqueza y a considerar cuánto se perdería en términos de la cultura balcánica si uno de sus componentes étnicos y religiosos desapareciese.

Kronos Quartet / Kronos Performing Arts AssociationMrs. Janet Cowperthwaite, director administrativo Mr. Laird Rodet, director asociado Mr. Matthew Campbell, director de iniciativas estratégicas Mr. Sidney Chen, administrador artístico Mr. Scott Fraser, diseño de sonido Ms. Christina Johnson, administrador de comunicaciones y nuevos medios Mr. Nikolás McConnie-Saad, administrador de oficina Mrs. Hannah Neff, asociado de producción Mr. Laurence Neff, director de producción Ms. Lucinda Toy, administrador de operaciones de negocios

8 La guzla es un cordófono frotado de una o dos cuerdas; el tapan es un tambor grande de dos parches de diferente material para dar alturas diferentes.9 El almuecín es el encargado, en una mezquita, de hacer el llamado al rezo (adhan) cinco veces al día; en ese sentido, su función es equivalente a la del campanero en una iglesia.

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ContactoKronos Quartet/Kronos Performing Arts AssociationP. O. Box 225340 San Francisco, CA 94122-5340 USAwww.kronosquartet.orgwww.facebook.com/kronosquartetwww.myspace.com/kronosquartetTwitter: @kronosquartet #kronos

El Cuarteto Kronos graba para Nonesuch Records

Booking David Lieberman / Artists’ RepresentativeP.O. Box 10368, Newport Beach, CA 92658info@dlartists.com