Dentro de los dos registros inferiores de los muros de la nave única de la capilla Scrovegni, que desarrollan la infancia de Cristo, se presenta este Nacimiento de Jesús, que pone fin a los episodios de la vida de la Virgen, en el registro superior, y comienza el de la infancia de Cristo. Giotto presenta el episodio de la Natividad en medio de un espacio muy sumario, sin apenas líneas compositivas determinadas. La sencillez estructural del pesebre continua la aridez del paisaje natural donde se representa, apenas sugerido también. El motivo principal, el Nacimiento, se encuentra desplazado a la izquierda de la escena. Aun este hecho, el artista sitúa el pesebre trazando una diagonal que, desde la parte izquierda, recorre todo el escenario. El episodio se presenta como un momento placentero, lleno de armonía en donde nada desentona. La estructura del pesebre determina la disposición del resto de personajes, entre los que destaca el pensativo José, sentado en primer plano, el coro de ángeles que adoran el Nacimiento o detalles sentimentales como la presencia pasiva de los animales, que también respiran tranquilidad y sosiego. Giotto incluye de nuevo a dos personajes ajenos a la composición, los dos pastores del extremo derecho, que introducen verazmente al espectador en el acontecimiento narrado. Nos hacen partícipes del episodio sagrado y, como ellos, nos hacen sentir parte de su divinidad, porque miran al coro de ángeles que alumbran el pesebre.

Hacia 1595, óleo sobre lienzo, 134 x 105 cm el Nacimiento posee una composición agradable, e inspira una humana y profunda devoción. Pertenece al grupo de escenas narrativas de Barocci relacionadas con pasajes de la vida de Cristo. Al trazar una composición íntima y afectiva, Barocci se preocupa por ­fijar los elementos con una enorme sabiduría lumínica y cromática, y al mismo tiempo con una extraordinaria vivacidad. El constante control de los gestos, de las acciones y de los «afectos» constituye uno de los ­momentos más elevados de la poética de la reforma católica, teorizados en los círculos romanos conocidos como Cristiana Letizia, gracias a Federico Borromeo, Felipe Neri, y otros. Toda acción estudiada en su realidad vital concurre pues en una estructura humanística y moral, y se sitúa en un marco de narraciones edificantes. Barocci conocía a la perfección el montaje de la escena sagrada, y justamente a ella contribuyen los infinitos detalles compositivos que conforman la invención. El Nacimiento revela un habilísimo contrapunto lumínico, capaz de construir una dimensión espacial de elegante y doméstico aliento. La escena de la Natividad es un nocturno. La hora insólita se advierte con precisión por el apresuramiento y la sorpresa de los pastores. La pintura se enmarca en un estilo y una cronología donde abundan las pinturas nocturnas, ­como Los estigmas de san Francisco de Asís (Galleria Nazionale delle ­Marche, Urbino).

La noche (La notte) un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado al óleo sobre una tabla que tiene las siguientes dimensiones: 256 cm de alto por 188 cm de ancho. Fue pintado hacia 1530, encontrándose actualmente en la Gemäldegalerie de Dresde, Alemania.Este cuadro se encargó el 24 de octubre de 1522 por Alberto Pratonieri para la capilla familiar dedicada a la Natividad en la basílica San Próspero de Reggio Emilia.El sobrenombre de «La noche» expresa una de las peculiaridades de este cuadro, con escasos precedentes en este sentido, entre los que puede citarse la escena del «Sueño de Constantino» en la Leyenda de la cruz de Piero dellaFrancesca, datada de unos ochenta años antes. La representación de este cuadro en una ambientación nocturna es extremadamente sugerente gracias a los efectos de la luz que emana del Niño Jesús e irradia a los demás personas y las nubes o el torbellino de ángeles relacionan esta obra con los frescos de la´cúpula de la catedral de Parma.

Esta Conversación sagrada con el donante Pesaro (en italiano, Sacra conversazione con i donatori Pesaro), llamada normalmente Pala Pesaro es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m. de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior derecha), quién encargó el cuadro, y a algunos miembros de su familia siendo presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural. También hay otros personajes menos importantes.La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya equilibrio ni simetría.El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las columnas, así como la brillantez resaltante de algunas telas y del estandarte. En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un gran realismo.El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas (entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la perspectiva isométrica.Cuando Tiziano pintó este retablo, rompió con una tradición de siglos de colocar las figuras devocionales (la Virgen y el Niño) en el centro de la pintura y el espacio pintado. Al hacer esto, permitió un mayor sentido del movimiento a través de la pintura, anticipando con ello las técnicas compositivas más complicadas propias del arte barroco.

Pintado en 1450. Detalle del Armario de la Plata. Temple sobre tabla. 38,5 x 37 cm. Museo de San Marcos. Florencia. Italia. El tema de la Natividad es uno de los menos representados por Fra Angélico de la historia sagrada. La escena del Armario de la plata guarda cierta relación con el fresco del mismo tema figurado en la celda 5 del convento dominico de San Marcos de Florencia, que pudo servir de referente compositivo. Pero la realización final de ambas obras corresponde a ayudantes del fraile pintor, que dio el modelo. El pesebre se presenta frontal al espectador, muy bien construido en su estructura. El centro compositivo, sobre el suelo, es la figura del Niño Jesús, al que Fra Angelicoconfiere un aura luminosa de fuerte intensidad. María y José, arrodillados, adoran al Hijo de Dios. Destaca en sus figuras el tratamiento de los pliegues, que dan volumetría y corporeidad. Al igual que el colorido, muy contrastado en los ropajes de San José, entre el vivo amarillo y el negro de su gorra. Al fondo, sobre la estructura de madera del pesebre, otro foco luminoso, en donde figura la estrella de Belén rodeada de ángeles. Destaca también el tratamiento detallista de algunos elementos, como la anecdótica figura de la vaca, las formas de la vegetación, o la presencia casi oculta de los pastores, a la izquierda del establo. No es muy frecuente encontrar elementos superficiales en las composiciones del beato Angélico. Pero eso determina, precisamente, la autoría de la obra, que pudiera ser de la mano de Benozzo Gozzoli, el discípulo más importante de Fra Angélico.

La obra que dio fama a Van der Goes en Italia es el Tríptico Portinari, del que ahora estamos viendo el panel central con el nacimiento de Jesús. El estilo de Hugo van der Goes recoge las dos grandes tendencias de la pintura flamenca: el realismo simbólico, de aspecto monumental, de Jan van Eyck, y la crispación dramática de Rogier van der Weyden, si bien es cierto que la propia personalidad de Van der Goes le inclina hacia un arte exaltado, de ejecución nerviosa. En la escena vemos cómo rodean al Niño diversas figuras de tamaños y proporciones incoherentes. El espacio en perspectiva está correctamente construido, pero los personajes parecen pegados, cada uno con un tamaño diferente según su protagonismo en la escena. Sorprende la serenidad monumental de María y José frente a los ángulos hirientes de los ángeles o el aspecto rústico y desmañado de los pastores, que parece que se van a caer de un momento a otro sobre el Niño. Este aspecto desequilibrado es el rasgo más característico de la pintura de Van der Goes, que prefería acentuar el sentimiento interno de la escena antes que dotarla de un aspecto verosímil o natural.