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" . Instituto de Educación Superior de Formación Docente y Técnica Nº9-002 "Tomás Godoy Cruz” Cuadernillo INGRESO 2019 PROFESORADO DE ARTES VISUALES

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Instituto de Educación Superior de Formación

Docente y Técnica Nº9-002 "Tomás Godoy Cruz”

Cuadernillo

INGRESO 2019

PROFESORADO DE ARTES VISUALES

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INDICE

Portada

Indice. Pág. 2

Bienvenida a los estudiantes. Pág. 5

Organización general del ingreso. Pág. 7

La elección de la Carrera Pág. 8

Actividades. Pág. 9

Nos conocemos. Pág. 11

Actividades Pág. 11

Profesorado de Artes Visuales. Estructura curricular Pág. 13

Perfil del egresado Pág. 13

Actividades Pág. 17

Para reflexionar Pág 18

Actividades Pág. 19

Texto 1: La Obra de Arte: Teoría, función y actualidad Pág. 20

Actividades Pág. 22

Introducción a las Artes Visuales y los lenguajes artísticos. Pág. 23

Texto 2: Lenguajes Plásticos: Técnicas y materiales en la historia del Arte. Pág. 24

Actividades Pág. 25

Texto 3: La Obra de Arte a partir del siglo XX: de moderno a contemporáneo. Pág. 26

Actividades. Pág. 30

Texto 4: La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte Pág. 31

Actividades Pág. 32

Texto 5: El Dibujo: Proceso de conocimiento, reflexión y comunicación Pág. 34

Actividades Pág. 35

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Texto 6: Introducción al Campo Cerámico Pág. 37

Actividades Pág. 39

Texto 7: El hacer plástico Pág. 41

Actividades Pág. 42

Texto 8: Una educación alternativa Pág. 43

La Educación Alternativa desde las Artes Visuales. Pág. 47

Actividades Pág. 49

Texto 9: Arte, Educación y Cultura Pág 50

Actividades Pág. 56

Texto 10: Los huarpes existimos Pág. 58

Actividades Pág. 59

Texto 11: Mi última obra es un muro Pág. 61

Actividades Pág. 63

Texto 12: ¡Esos chicos pierden el tiempo! (1935) Pág. 64

Actividades Pág. 65

Profesores que elaboraron el ingreso Pág. 66

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“Cuando el artista está vivo en una persona, sea cual sea su tipo de

trabajo, se convierte en un ser inventivo, indagador, osado,

expresivo. Se hace interesante para los demás. Perturba, molesta,

ilumina y abre caminos para una mejor comprensión. Allí donde los

que no son artistas intentan cerrar el libro, él lo abre y demuestra

que aún hay páginas posibles”

Robert Henri

“El arte es una forma de cuestionar los sistemas de orden

establecidos, y de construir órdenes alternativos”

Luis Camnitzer, 2013

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Estimados estudiantes:

Elegir qué estudiar no siempre es algo sencillo, muchos de ustedes seguramente tendrán la

sensación de que están probando y la verdad es que es así. Sin embargo tomamos decisiones

todo el tiempo y lo importante es hacernos cargo en cada momento de eso que elegimos. Por

ahora, ustedes han elegido ser estudiantes y eso en el nivel superior, al menos para los

docentes de esta institución, implica un compromiso.

Decimos estudiantes y no alumnos1 ya que partiremos de entenderlos como sujetos con

historias, con aprendizajes y trayectorias de vida altamente significativas. Sujetos de

experiencias que esperamos poder resignificar durante tu proceso en la institución...

En cada uno de los espacios que irán cursando podrán encontrarse con contenidos afines, con

docentes con los que se identifiquen más o menos, con estilos diferenciados e ideologías

divergentes. Lo importante es que en cada uno de ellos ustedes no se pierdan, puedan mostrar

y mostrarse, puedan decir quienes son, qué piensan y sienten, cuales son sus temores y

expectativas.

Como docentes nos comprometemos en acompañarlos, colaborar en la construcción de sus

aprendizajes, pero para eso necesitamos de su responsabilidad, presencia, participación,

solidaridad entre pares, lectura crítica y conciente de las bibliografías, para concretar los

objetivos de este proyecto.

Esperamos que el paso por el nivel superior y en particular por la Tecnicatura Superior en

Producción Artística Artesanal y/o el Profesorado de Artes Visuales les ayude a desarrollar su

creatividad, en tanto ésta les permitirá adaptarse activamente a los cambios, potenciar su

sensibilidad, la afectividad, colaborar en la resolución de problemas, fomentar una mirada

crítica, y fortalecer la autoestima.

“Cuando emprenden una tarea los seres humanos casi siempre aprenden

más o menos de lo previsto. Por otra parte la enseñanza que no se ata a

pautas rígidas suele tomar rumbos y explorar ideas que ni el docente ni los

alumnos podrían haber imaginado al principio (…) en educación la virtud es

mucho más que lograr resultados uniformes entre alumnos sino buscar la

1 Alumnos= sin luz

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formación de la diversidad productiva. Todas las actividades artísticas

genuinas tiene en común la evocación de esa diversidad” (Eisner, Elliot. “La

escuela que necesitamos”.Amorrortu, Buenos Aires.2002)

El aprendizaje vinculado a las Artes pone en juego la expresión propia y el ejercicio de la

comunicación a través de lenguajes verbales y no verbales, como así también, la apreciación y

el respeto por otras expresiones del entorno. Contribuye a desarrollar esas capacidades

expresivas en cada uno, ayuda a consolidarlos como seres seguros de sí mismos, capaces de

comunicar sus ideas y pensamientos. Asimismo posibilita agudizar la percepción, lo que

permite que puedan codificar y decodificar diferentes mensajes, constituyendo de este modo,

profesionales críticos.

Nuestro desafío como docentes es colaborar en la formación o en el refuerzo de matrices de

aprendizaje activas, críticas, solidarias, no estereotipadas que les ayuden a consolidarse como

sujetos libres, participativos, impulsores de cambios, que les permitirán sentirse conformes con

ustedes mismos, logrando a la vez fines y metas más justas y solidarias para todos/as.

Durante los años próximos los acompañaremos en la consolidación del rol de hacedores de Arte

y/o docentes de educación artística, por lo que fomentaremos el contacto con la realidad local,

provincial, latinoamericana; a partir de la relación con “lo cotidiano” y el acercamiento a

diferentes contextos culturales y educativos el compromiso con la realidad sociopolítica y

económica será mayor. Observar para comprender, y comprender para transformar es uno de

los motores de este proceso que esperamos les resulte grato y significativo.

Equipo de Profesores de Carreras Artísticas

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ORGANIZACIÓN GENERAL DEL INGRESO

Ciclo básico: Diciembre de 2018

Cursado disciplinar específico de cada carrera: Febrero de 2019

Modalidad de trabajo: se establecen encuentros presenciales con actividades

individuales y grupales, y actividades de producción en instancias no presenciales.

Requisitos de asistencia a los encuentros presenciales: 75% de asistencia

Evaluación: El ingreso se acreditará con la resolución completa de las actividades no

presenciales presentadas en el cuadernillo, y la asistencia mencionada a las instancias

presenciales con la participación en las actividades de producción grupal. Además se

evaluará en instancia de exámen final una producción individual vinculada a la comprensión

y producción de textos a partir de pautas dadas, la que será evaluada al finalizar el cursado

del ingreso.

El cuadernillo: En él encontrarás textos especialmente seleccionados con distintas

actividades propuestas. Las actividades no presenciales deben ser resueltas previas a los

encuentros presenciales. Es muy importante que puedas asistir y participar activamente de

las propuestas presenciales que se desarrollarán con el acompañamiento docente.

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LA ELECCIÓN DE LA CARRERA

Al terminar la escuela secundaria o en otro momento, cuando se decide emprender un

nuevo proyecto formativo, una de las decisiones más importante es la elección de una

carrera. Cada estudiante vive esa instancia de un modo particular. En nuestra institución,

una de las características de los grupos de ingresantes es la heterogeneidad, algunos

ingresan por primera vez al nivel superior, otros ya hicieron otros recorridos, otros concretan

un proyecto trunco. Entonces nos preguntamos:

¿Cómo surge la elección de esta carrera? ¿Espontáneamente? ¿Es la respuesta a un

impulso? ¿Es la elegida entre otras alternativas? ¿Responde a la pasión por las artes

plásticas? ¿Es una decisión provisoria, a modo de prueba, para conocer de qué se trata? ¿Es

una definición largamente elaborada?

La vocación no es una decisión mágica sobre una actividad que desarrollaremos el resto de

nuestra vida, sino que es una decisión pensada, elaborada, que trata de conjugar nuestras

preferencias, nuestras posibilidades con lo que el contexto nos ofrece. Es el punto de

encuentro entre lo que nos gusta hacer y lo que es posible realizar en las condiciones

concretas de nuestra existencia.

Entendemos a la vocación como un proceso de construcción personal, que requiere un

diálogo íntimo con uno mismo e implica tomarse el tiempo necesario para hacerlo. Este

diálogo lleva a la identificación de recursos personales, gustos, intereses, aquellos que

constituyen las posibles vocaciones y su correlato ocupacional.

Como tal, es una construcción permanente que no tiene fin, donde participan una variedad

de factores, como son los aspectos subjetivos, con sus intereses, gustos y autopercepción;

aspectos interpersonales, como la influencia de los ideales de los referentes y de la familia;

aspectos sociales relacionados con la valoración, con el lugar que nuestra sociedad asigna a

las diferentes carreras y oficios, y las posibilidades laborales entre otros.

De este modo, uno de los propósitos de este curso de ingreso, es destinar una jornada para

reflexionar sobre la elección de la carrera, donde se procura generar un espacio que permita

hablar acerca de las preferencias, intereses y aptitudes personales, como también de las

posibilidades y las limitaciones que ofrece dicha carrera. En esta reflexión se ponen en juego

tres ámbitos: el personal, vinculado a intereses, capacidades y habilidades; el institucional,

concerniente a las características de las carreras y el perfil profesional; y el estratégico, en

referencia a algunas estrategias y hábitos de estudios necesarios para el nivel superior.

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Consideramos además, que el trabajo en grupo es óptimo para esta temática, ya que se

intercambian opiniones, se comparten momentos con personas que tienen las mismas

dudas o que pasan por experiencias similares y es el ámbito en el que se explicitan

inquietudes, ansiedades, dudas.

A continuación sugerimos algunas actividades, en las que hacemos hincapié en los aspectos

informativos y en trabajos grupales. Los profesores las organizarán de acuerdo a las

necesidades específicas del grupo.

Propósito:

Profundizar el conocimiento de cada una de las carreras artísticas de la Institución.

Reflexionar sobre la elección realizada, analizar con la información obtenida para

elaborar una visión más certera.

Actividades

Trabajo Individual (no presencial)

Lean atentamente el texto anterior.

Escriban brevemente cómo fue el proceso de elección personal

Las siguientes afirmaciones pueden orientar el análisis

¿Es clara mi orientación vocacional?

La vocación se construye a partir de la historia personal, las experiencias, los gustos, la

forma de ser, la identidad. No es algo predeterminado, rígido e inflexible, sino que tiene

que ver con los intereses, con la pasión o atracción por algo definido o por varias cosas

simultáneamente, es decir, hay un componente afectivo en la elección.

¿Cómo soy?

Es el conocimiento personal, las preferencias, inclinaciones, aptitudes con que cada uno

cuenta. Si pensamos en la propia trayectoria escolar, cuáles eran las materias preferidas, en

cuáles he obtenidos buenos resultados, en cuáles no, cuáles son los hábitos de estudio; que

espera la familia, como nos ven los otros, los amigos; cuáles son las propias expectativas,

etc.

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¿Qué aptitudes tengo?

Además de las preferencias e intereses, se deben añadir habilidades, aptitudes y

capacidades personales.

¿Cómo me veo en el futuro o como quién quiero ser?

En los procesos de elección influyen modelos o personas que hemos conocido a lo largo de

nuestras vidas. Podemos admirarlas, sentir identificación y querer llegar a ser lo que ellas

son, como también podemos sentir y querer todo lo contrario.

¿Qué conocemos de la carrera?

Es la información externa, se trata de averiguar sobre los planes de estudio, los requisitos, la

modalidad de cursado, cuales son las materias troncales del plan, como se evalúan, cuál es la

posibilidad de inserción laboral que tiene la carrera, etc.

En las siguientes páginas encontrarán más información sobre las carrera artística de nuestra

institución y podrás completar la indagación a través del diálogo con los distintos profesores.

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Nos conocemos

Desde el principio de los tiempos hombres y mujeres se agruparon para sobrevivir, recrear y

transformar el mundo en que vivían comprendiendo lentamente que el camino de su

desarrollo pasaba inevitablemente por el contacto social y la necesidad de organizarlo

creadoramente.

Has elegido una carrera en la que no cabe el aislamiento. Como estudiante deberás ir

desarrollando el sentido de pertenencia a la institución y a tu grupo de estudio… aprender a

comunicarte, a escuchar a los demás, a compartir y cooperar con los otros.

Los propósitos en esta instancia se orientan a promover el conocimiento entre los miembros

del grupo, reflexionar sobre la importancia de la elección de la Carrera en la vida personal, e

identificar algunos factores que inciden en la elección de la Carrera.

Actividades

Trabajo presencial

Presentación de los profesores.

Presentación de los estudiantes: En grupos, se presentarán entre sí: nombre,

edad, apodo, lugar de residencia, estudios anteriores, trabajo, otras actividades

que realicen, experiencias vinculadas a las Artes o las Artesanías, algo que deseen

compartir con el grupo, entre otras.

Puesta en común sobre lo dialogado

En este proceso de elección Vocacional es preciso conocer todas las posibilidades en

profundidad para que elijas y te sientas a gusto con la Carrera que sigas, de acuerdo a tus

intereses, aptitudes y expectativas. Además es la etapa propicia para que aclares tus dudas y

puedas enfrentar tus temores.

Confrontación: Acción de poner una cosa frente a otra para averiguar, por oposición. En este

caso, el autoconocimiento y la información de la carrera.

Se compara lo que uno es con lo que la carrera ofrece y exige.

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Para obtener mayor información sobre la carrera elegida, los docentes a cargo del grupo

explicarán las características de la carrera. Pueden realizar preguntas referidas a los

contenidos, materias o disciplinas a aprender, duración de la carrera, requisitos, cómo es la

vida estudiantil, exigencia de la institución, trabajo y estudio, futuro laboral, etc.

A continuación te presentamos nuestra Carrera

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Profesorado de ARTES VISUALES

“El arte supremo del maestro es despertar el placer de la expresión creativa y el

conocimiento”

(Albert Einstein)

Perfil del egresado

La tarea del/la profesor/a de Artes Visuales es un trabajo profesional

institucionalizado, que se lleva a cabo en diversos ámbitos de la sociedad, en el

marco de la construcción colectiva de intereses públicos, de significados y

aspiraciones compartidas y del derecho social a la educación. Ello implica la necesaria

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autonomía y responsabilidad para la toma personal de decisiones para enseñar.

Entendida como una actividad comprometida, simbolizante, enriquecedora, que

permite construir espacios de producción compartida y colaborativa en las

instituciones en las que la labor del equipo pueda primar por sobre el trabajo

individual y aislado. Esto exige integrarse con facilidad en grupos, con el fin de

reflexionar sobre el aprendizaje, nuevos modelos didácticos y problemáticas

compartidas para superarlas en forma creativa y colectiva.

El Profesorado de Artes Visuales apunta a la formación de un profesional docente

capaz de adaptarse activamente, desde su praxis, a las variables y características del

contexto socio cultural; apto y competente para promover el desarrollo de sujetos

también competentes, con las connotaciones formativas en lo cognoscitivo, motriz,

afectivo y social, tomando como eje el lenguaje visual y la dimensión que esta

formación supone e implica.

En este marco, se aspira a formar un/a profesor/a de Artes Visuales que sea a la vez

persona comprometida, mediador intercultural, animador de una comunidad

educativa, promotor del respeto a la vida y a la ley en una sociedad democrática.

A través del presente currículo se pretende formar un docente con capacidad para:

Asumirse como un ser autónomo, comprometido con la realidad

sociocultural en la cual está inserto, que pueda:

Reflexionar sobre su propia historia y experiencias.

Aceptar sus limitaciones y optimizar sus posibilidades.

Concebirse como un sujeto en proceso de construcción dinámica.

Establecer vínculos basados en el respeto y valoración recíprocos.

Valorar a los otros como sujetos, sociales e históricamente constituidos o en

proceso de constitución.

Participar activa y democráticamente en la vida institucional y comunitaria.

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Fortalecer la identidad nacional atendiendo a las idiosincrasias locales,

regionales y provinciales a través del acercamiento a las producciones de las

artes visuales representativas de su cultura.

Abordar las dinámicas y las problemáticas propias de la educación en artes

visuales con solvencia, idoneidad y ética.

Desarrollar creativa y críticamente sus aspiraciones, aptitudes y

potencialidades artísticas, intelectuales, afectivas y éticas.

Construir dinámicamente una identidad como profesional docente que le

permita:

Estimar la Educación Artística como ámbito privilegiado para el desarrollo de

capacidades vinculadas a la interpretación critica de la realidad socio-histórica

y a la producción cultural-identitaria en el contexto argentino y

latinoamericano.

Desarrollar prácticas pedagógico – artísticas que permitan un acceso mas

justo a los recursos materiales y simbólicos de la cultura, configurando

subjetividades y sentido de pertenencia.

Promover el aprendizaje y el desarrollo cognitivo, social, afectivo y motriz de

los sujetos a su cargo.

Diseñar e implementar prácticas educativas pertinentes y acordes con la

heterogeneidad de los sujetos y sus contextos, siendo capaz de desempeñar

sus tareas en realidades diversas (espacios urbanos, suburbanos, rurales y

naturales), demostrando atención y respeto por la diversidad de

características y condiciones relacionadas con el idioma, las formas de vida de

la familia y el entorno comunitario.

Integrar en la tarea educativa a la comunidad propiciando comunicaciones

fluidas, diálogos constructivos y respeto mutuo en la búsqueda de criterios

compartidos acordes con los principios formativos de cada nivel.

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Trabajar en equipo con otros profesionales, elaborar proyectos institucionales

compartidos y participar y proponer actividades propias de las instituciones

de la comunidad.

Desarrollar el pensamiento divergente, la capacidad expresiva y comunicativa,

la sensibilidad estética y la valoración del patrimonio cultural y natural.

Adoptar una actitud crítica sobre su acción, reflexiva y siempre abierta al

cambio y estar dispuesto a indagar, replantear y resignificar situaciones,

conceptos o decisiones de la práctica profesional.

Desplegar prácticas profesionales en las cuales manifieste la capacidad para:

Desempeñar la docencia en Educación de las Artes Visuales en los niveles

Inicial, Primario y Secundario, en todas las modalidades del Sistema Educativo

Obligatorio y en la formación especifica en arte desarrollada en instituciones

de educación artística y organizaciones afines.

Reconocer el sentido socialmente significativo de los contenidos propios de la

educación de las Artes Visuales de cada nivel educativo, a fin de asegurar su

enseñanza, con el fin de profundizar las experiencias sociales extraescolares y

fomentar nuevos aprendizajes.

Poseer un sólido conocimiento disciplinar y desarrollo de capacidades

vinculadas a la producción artística, la reflexión crítica y la contextualización

socio-histórica que le posibiliten mediar situaciones de enseñanza desde la

praxis artística.

Dominar conocimientos pedagógicos y didácticos de las artes visuales, que le

permitan fundamentar teóricamente sus prácticas pedagógicas enmarcadas

en las diferentes concepciones sobre conocimiento, arte y educación.

Diseñar e implementar estrategias de enseñanza de la Educación de las Artes

Visuales, que favorezcan el desarrollo de competencias de interpretación

estético–artística, acordes a los niveles y ciclos de escolaridad, las

características de los estudiantes/as, sus contextos de pertenencia, sus

saberes previos, sus necesidades e intereses.

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Facilitar los aprendizajes a través de estrategias didácticas que resulten

relevantes, para el contexto social y cultural particular de los sujetos, y que

alienten la exploración y producción, desde una actitud centrada en la

búsqueda de posibles alternativas que promueva el desarrollo de la

creatividad.

Utilizar diversas alternativas de producción artística, abarcando el desarrollo

tanto de propuestas tradicionales como de otras experiencias que involucren

la integración de lenguajes y el empleo de nuevas tecnologías.

Diseñar, gestionar y evaluar proyectos socio-comunitarios en el ámbito de las

Artes Visuales que promuevan la cultura.

Conformar equipos de trabajo multidisciplinario que le permitan participar en

la elaboración y concreción de proyectos que integren lenguajes artísticos.

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Para reflexionar

¿En qué tipo de escuela de arte me gustaría estudiar si tuviera que volver

hacerlo en el día de hoy? (…)

1) Quiero aprender a acceder a la información, organizarla en forma fluida para poder

adaptarla a mis necesidades, en lugar de ser entrenado como un letrado.

2) Quiero poder administrar configuraciones y diferentes órdenes, decodificar y

codificar, para comunicarme mejor sea lo que sea que quiera comunicar.

3) Quiero enfrentar “dilemas desorientadores” en lugar de situaciones con una sola

solución.

4) Quiero ser capaz de tomar decisiones impredecibles en un proceso continuo de

aprendizaje.

5) Quiero formular problemas con rigor y precisión, en lugar de presentar problemas

que ya han sido resueltos.

6) Quiero aprender qué fuerzas e intereses determinan un canon y cómo puedo

desafiarlo para crear mi propio sistema de control de calidad.

7) Quiero usar el arte como una forma de ver el mundo y no como una forma de ver el

arte. Para esto, necesitaré perspectivas sociológicas y antropológicas para entender

el contexto en el que me muevo.

8) Quiero ser preciso en la transición desde el descubrimiento (o desde el trabajo que

hago sin saber lo que estoy haciendo) a la utilización de ese descubrimiento para la

comunicación.

9) Quiero aprender cómo me manipulan y cómo manipular a los demás. Para esto

necesito conocer las enseñanzas de la publicidad y de la psicología para organizar mi

información y estímulos, para poder llegar a mi público.

10) Quiero explorar la ambigüedad y cómo evitar los malentendidos.

11) Quiero estudiar historia del arte, pero comenzando desde el presente y regresando.

Quiero ser consciente de mi proyección sobre las obras de arte. Quiero entender las

condiciones que hacen que las obras sean inevitables e indispensables. Y quiero

poder decidir cuáles aún son y cuáles no, relevantes para nosotros en el día de hoy.

12) Quiero aprender las técnicas que están relacionadas con los problemas que estoy

explorando. Pueden ser existentes o puedo tener que inventarlas. Quiero ser capaz

de hacer el trabajo yo mismo, o delegarlo y supervisarlo de manera informada. No

quiero que las técnicas existentes me limiten o actúen como enemigos.

13) Quiero trabajar en y con el arte como una forma de pensamiento superior que me

permita formular y resolver problemas.

14) Quiero ser un artesano competente solamente cuando sea necesario

15) Quiero explorar lo desconocido en lugar de confirmar lo que ya se conoce.

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16) Deseo ser ecológicamente sensible, lo que significa no sólo en el ámbito de la

contaminación física y química, sino también en términos de las consecuencias éticas de

mi trabajo.

17) Solo quiero conservar aquellos trabajos que considero indispensables y destruir los

demás.

Luis Camnitzer2

Actividades

Trabajo grupal: (presencial)

Lean de manera individual el texto de Camnitzer y señalen aquellas

reflexiones que les resulten valiosas, o con las que se identifiquen.

Compartan en el grupo total las apreciaciones.

2 Luis Camnitzer (Lübeck, 1937) es un artista visual y docente germano-uruguayo radicado en Estados Unidos.

Generalmente vinculado con el arte conceptual, ha desarrollado un cuerpo de obra que se relaciona directamente con su labor como docente, donde para él tienen radical importancia sus raíces latinoamericanas Nació en Alemania, pero con apenas dos años viajó a Uruguay de la mano de sus padres, refugiados judíos que huyeron de una Europa en guerra, a pesar de haber nacido en Lübeck en 1937, Camnitzer es plenamente uruguayo y su universo de referencia es la ciudad de Montevideo Artista, maestro, ensayista, historiador del arte o curador, su influencia llega hasta los Estados Unidos, país donde reside desde 1964. Es considerado una figura clave del arte internacional de la segunda mitad del siglo XX, en sus escritos se destaca su interés por la pedagogía y la crítica a las instituciones del arte

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Texto 1

La Obra de Arte: Teoría, función y actualidad.

Punto de Partida

Una civilización se define por la manera en que concibe y explica el mundo y la vida, la

colaboración que a su establecimiento prestan religiones y filosofías, la ilustración que el

Arte ofrece de ellas y el sistema de valores que suscita y anima.

Queremos acercarnos al Arte como expresión del hombre. Conocer su obra artística será

conocer al hombre, su contexto, ya que partimos de la hipótesis de que el arte es testimonio

de una cultura, o incluso una de las formas que el hombre tiene de manifestarse. Sin

embargo, la obra de arte no se manifiesta como una pura creación del hombre, iremos

viendo como nace condicionada por diversas circunstancias: el lugar, el tiempo, la economía,

los avances técnicos… intervienen en el proceso artístico.

Aceptamos que el artista parte de una realidad múltiple (natural, social, intelectual,

psíquica…) y realiza una selección a partir de su sensibilidad. Tras esta selección, el artista

inicia el proeceso de creación de “formas”: palabras en el poeta/escritor: líneas, colores,

volúmenes en el arquitecto, pintor y escultor; sonidos en el músico. Por otra parte, la obra

de arte nace a partir de “la circunstancia” del artista y renace cuando el espectador capta

esa realidad transmitida en lenguaje artístico, cuando siente la emoción que provoca el Arte.

El Concepto de Arte

Evolución del término ARTE

La significación de este término ha sufrido una alteración desde la Antigüedad a nuestros

días. “Arte” es un término que etimológicamente proviene de la palabra latina ars, que, a su

vez, es una traducción del griego tecné.

En Grecia, Roma, La Edad Media y hasta el Renacimiento, el Arte es tecné:

destreza para “construir” (hacer, producir, mandar, dominar) El término “arte” se

aplicaba a todos los campos de la vida, el arte del bien morir, el arte del buen

gobierno, el arte militar, el arte de fortificar, y no sólo a las bellas artes.

En Grecia, es un concepto relacionado con la habilidad técnica (destreza manual) o mental

para realizar ciertas actividades a partir de unas normas y reglas establecidas. En él se

incluían tanto la obra de un arquitecto o la de un escultor, como la de un carpintero,

zapatero o herrero: todos eran maestros y sus actividades eran “arte”. No existía “arte” sin

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reglas; así lo afirmaba Platón al decir: El arte no es un trabajo irracional (Gorgias). En

consecuencia, en el campo del arte entraban tanto las artes que hoy llamamos utilitarias –

los oficios manuales- como las bellas artes. Aristóteles lo define como la habilidad en

ejecutar algo; los sofistas, como “sistema”. Se trata, pues, de una artesanía y de una

actividad intelectual.

La Edad Media distinguirá entre artes liberales y artes mecánicas. Es también una

división heredada del pasado y realizada en razón a si en un ejercicio dominaba el esfuerzo

mental o el trabajo físico: era “liberal” si estaba libre de esfuerzo físico, y era “vulgar-

mecánica” si lo requería.

Ars era la clase de arte más perfecta; dentro de las artes sólo aparecen la música

(entendida como teoría de la armonía) y la arquitectura. Escultura y pintura no

aparecían ni como liberales ni como mecánicas, sobre todo porque se consideraban

poco útiles y, además, ”innobles”, por estar basadas en el esfuerzo físico y los oficios

manuales, de rango muy inferior a las siete artes liberales.

En el Renacimiento se hace más evidente la separación entre las bellas artes de los oficios o

artesanías y de las ciencias.

En esta selección, la pintura y la arquitectura aparecen ya segregadas de las artes mecánicas,

y se incluye la poesía, que ni siquiera se había considerado arte hasta entonces. En el

Renacimiento comenzó a valorarse la belleza y, por consiguiente, aumentó la valoración de

sus hacedores. Se aboga por la separación entre artesanos y artistas, considerando que las

acciones de estos últimos, basadas en el estudio de leyes y reglas, eran propias de eruditos.

Estas artes reciben diferentes nombres: arti del disegno (subyacente está el pensamiento de

que el dibujo es un vínculo común), “artes nobles” e incluso “bellas artes”.

Desde el punto de vista de la evolución, es importante destacar que en el siglo XVI la pintura,

la escultura, la arquitectura, la poesía, el teatro y la danza se agrupan formando una unidad,

diferenciándose de las artesanías y las ciencias. Cierto es que todavía no está muy claro cuál

es el vínculo de unión, aunque empieza a apuntarse como tal la belleza.

Desde mediados del siglo XVIII, asistimos a un cambio en la evolución del

concepto de arte: primero, significará producir belleza, y productos bellos

serán los producidos por las artes incluidas en el concepto de “bellas artes”.

Este concepto fue creado por Charles Batteaux (1747), en su lista de siete, se incluyen

como bellas artes: la pintura, la escultura, la arquitectura, la danza, la poesía, la música y la

retórica (o elocuencia). Para Batteaux, todas estas artes son miméticas o imitativas.

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Hasta el siglo XIX no quedarán definitivamente delimitados los ámbitos de las bellas

artes, de los oficios (o artesanías) y de las ciencias. En este momento, el ámbito de las bellas

artes se restringe al de artes visuales, las ya conocidas “artes del diseño” (pintura y

escultura), excluyéndose la poesía o la música. Que serán incluidas en el campo de las

“bellas letras”.

Pero, a finales de la centuria, y desde principios del siglo XX, con la aparición de nuevas

corrientes en el arte (dadaístas y surrealistas), se otorga la calificación de “objetos de arte” a

las cerámicas, los muebles, y a nuevas áreas de expresión, como la fotografía.

Se produce ahora un cambio más profundo: la belleza deja de ser una característica del

arte, ni siquiera será un rasgo indispensable. Y, sí hasta ahora presuponía que el arte era una

actividad netamente humana, con la aparición de la fotografía y el inevitable empleo de la

cámara, esta afirmación entra en crisis.

En el siglo XX se incorporan al mundo del arte una serie de objetos/obras procedentes de

campos de expresión diferentes a los de bellas artes de Batteaux: la imagen fotográfica

(fotografía y cine), el video –arte, el anuncio, la imagen sintetizada por ordenador, e incluso

la imagen virtual. Estos hechos obligan a ampliar el concepto de arte.

Figueroba Figueroba, Antonio y Fernández Madrid, María Teresa. En “Historia del Arte 2° de bachillerato”,

Madrid. Mc Graw-Hill. 1996.

Actividades

Trabajo Individual (no presencial)

Lean atentamente el texto N°1.

Anoten en el margen las ideas que les surjan a partir de su lectura.

Marquen los párrafos que les hayan parecido más interesantes.

Trabajo grupal (presencial)

Intercambien opiniones con la profesora y los compañeros de clase.

Comenten en grupo qué conocimientos previos pueden vincular con el

texto, cuáles son los nuevos aportes, los términos desconocidos, entre

otros.

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INTRODUCCIÓN A LAS ARTES VISUALES Y A LOS LENGUAJES ARTISTICOS

En la comunicación visual el sistema de representación es universal. Líneas, formas, colores,

texturas y espacio forman imágenes que comunican algo: ideas, información, sugieren o

transmiten sensaciones o emociones.

La experiencia perceptual es para el hombre fundamental, para el conocimiento de hechos y

de objetos que lo conectan con su mundo y con los demás, datos que le son únicos y que le

pertenecen exclusivamente, a su vez le permiten elaborar conceptos, hechos e imágenes

que lo vinculan nuevamente con su contexto y sus congéneres en un permanente

aprendizaje y en enriquecimiento creativo.

Conocer las estructuras básicas que organizan todo hecho visual y los elementos plásticos

básicos utilizados en la producción de imágenes, constituye una herramienta para el

quehacer artístico. También nos permiten comprender obras de distintas épocas, desde las

tradicionales, como la pintura, el dibujo, la escultura y el grabado, hasta las

contemporáneas como la fotografía, el video arte, las instalaciones, las performances, las

intervenciones, producciones multimediales, el ciber arte, etc.

Para producir plásticamente, para hacer una imagen, se necesita contar con materiales,

herramientas y además saber dominarlos. El valor artístico de una obra no depende de los

medios utilizados por el creador, sino de la manera que éste los utiliza.

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Texto 2

LENGUAJES PLÁSTICOS

Técnicas y materiales en la historia del arte

“Mirar el pasado para encontrar modelos formales y

emocionales, y hacia el futuro para hallar patrones sociales

relacionados con el pasado, mientras permanece

firme enraizado en las necesidades del presente” 1

Abordar la problemática específica del uso de los materiales y las técnicas en el campo del

arte, requiere a mi modo de ver una revisión de los mismos a lo largo de la historia del arte.

En un mundo desbordado de imágenes, donde éstas ocupan un lugar preponderante en la

sociedad actual, superando lo lingüístico (en algunos casos), es sumamente importante

acercarnos a ella, a su autor, al contexto en el que se lleva a cabo y promover nuevas

interpretaciones expresivas y / o analíticas.

Las técnicas, los materiales (entre otros) y su aplicación, fueron elementos de algún modo

condicionantes para determinar los distintos géneros, desde las primeras manifestaciones

realizadas por la humanidad.

El concepto de género tiene en el arte dos acepciones diferentes, aunque relacionadas. En

primer lugar suele usárselo para denominar a las diversas artes: arquitectura, escultura,

pintura, música, poesía, teatro, danza, cine, etc. En segundo lugar se lo vincula, dentro de

un arte en particular, a diferentes temáticas abordadas, así por ejemplo, se habla dentro de

la pintura de distintos géneros: el retrato, el paisaje, el bodegón, etc. En el ámbito del teatro

se habla de comedia, tragedia, etc. Tomaremos el término género en el primer sentido,

como sinónimo de disciplina.

Es así que los géneros de la escultura y la arquitectura impusieron por mucho tiempo la

utilización de materiales considerados nobles como: mármol, bronce, materiales preciosos,

madera, cemento, etc.

La pintura desde su surgimiento en las cavernas y la utilización de pigmentos naturales,

luego de servir de ornamentación y adoctrinamiento en las iglesias (Románico) hasta

independizarse del muro, con la pintura de caballete en el Renacimiento y la utilización de la

perspectiva (técnica que se estructuró de acuerdo con las apariencias de la percepción

ocular, aunque entró en decadencia en el siglo XIX, sigue condicionando nuestra manera de

captar lo visible) y la incorporación del óleo (permitió la representación precisa de la forma

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con incomparable brillo y transparencia) constituyeron rasgos significativos del pensamiento

y de los acontecimientos sociales, políticos y tecnológicos de cada época.

El grabado aparece en occidente a mediados del siglo XIV, desempeñó una función

ilustrativa y documental (antes que la fotografía). Se presentó como una herramienta eficaz

para la difusión del pensamiento.

A la inversa del arte académico o tradicional, el arte Moderno y el Contemporáneo han

explorado las nuevas posibilidades que ofrece toda suerte de materiales, hasta entonces

rechazados, desde los productos industriales hasta los desechos del consumo.

La dimensión propiamente mental del arte implica una mirada reflexiva de éste sobre sí

mismo, su naturaleza y su teoría. Marcel Duchamp fue quien planteó la pregunta decisiva

sobre los límites del arte a través de sus ready- mades. Pues el arte une espacios fronterizos;

tanto que, junto con el cine (el séptimo arte), la música y el teatro, compromete su estética

propia en las performances, las sesiones de happening o de body art.

1 - PATERNOSTO, Cesar. (1989) La Piedra Abstracta; La escultura Inca: Una visión contemporánea. Bs. As.Fondo de Cultura

Económica. P. 103.

Actividades

Trabajo individual

Realicen lectura comprensiva.

Subrayen las palabras claves o ideas principales del texto.

Trabajo grupal

Observen imágenes seleccionadas por los docentes relacionadas con el

texto.

Intercambien ideas y apreciaciones con el profesor y los compañeros.

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Texto 3

LA OBRA DE ARTE A PARTIR DEL SIGLO XX De moderno a contemporáneo Hasta el siglo XIX, la tradicional división de las artes contemplaba, con distinta valoración, la

existencia de un número limitado de géneros artísticos. Esta distinción, que hoy

denominamos “tradicional o académica” 2 separaba los géneros en dos grandes grupos:

“artes mayores y menores”3. El criterio de la división está basado en la finalidad puramente

estética o estético-práctica de los productos artísticos. Así las artes mayores o bellas artes

que centran su interés en la producción puramente estética son: literatura, música, danza,

pintura, escultura y arquitectura. En tanto que las artes menores, llamadas también artes

decorativas o artes aplicadas tienen una función eminentemente práctica: la cerámica, la

orfebrería, las artes del mobiliario, la jardinería, la herrería artística, la cristalería, etc.

La invención de la fotografía y más tarde la del cine, el video y la computadora, cuya

existencia está enraizada en la tecnología, hizo posible la aparición de nuevos recursos para

el artista, que vinieron a cubrir la necesidad de nuevas expresiones. Estas manifestaciones,

que no se encuadran en el esquema tradicional, pusieron en crisis la clasificación de los

géneros vigentes. El arte ampliaba el horizonte de sus posibilidades expresivas con la

incorporación de nuevas técnicas que daban lugar a producciones diferentes, las que

difícilmente se dejaban encuadrar en la clasificación de géneros vigentes. La clasificación

entró en crisis, y con ella también las ideas de arte y de obra.

Corresponde dar aquí algunos ejemplos: el cubismo que se desarrolla en los primeros años

del siglo XX, tiene como objetivo principal alejarse de la representación naturalista.

Abandonan la perspectiva y el único punto de vista y buscan plasmar en el cuadro un objeto

visto desde ángulos diferentes simultáneamente. También introducen la técnica del collage,

donde entran en la obra objetos prefabricados de uso diario. La pintura, como

representación de la realidad en un espacio de dos dimensiones, se confunde con la

escultura, que hasta entonces era una representación tridimensional.

Kandinsky investigó los medios de reencontrar la función espiritual del arte a través del

color y de la composición abstracta. Construyó una teoría de la pintura abstracta, de allí en

adelante el color y la forma liberados estallaron en composiciones dinámicas cuyo

equivalente solo es posible encontrarlo en la música.

Marcel Duchamp fue el artista que preparó el terreno para una reflexión sobre el arte del

siglo XX, probablemente sus obras hayan sido declaradas “arte” debido a la separación del

objeto de su marco funcional o por causa del juicio público.

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Su compromiso ante todo consistía en oponerse al “arte retiniano”, es decir a lo decorativo

y a la hegemonía de lo visual. Los ready- mades, objetos arrancados de la esfera de lo

cotidiano y del consumo, entraron de manera abrupta a los museos.

El inicio de la década de 1960, en los países occidentales, marcó el desarrollo de la sociedad

de consumo, de la cual una generación de artistas tomó prestada una imaginaría renovada.

El pop art marcó el fin del expresionismo abstracto y el comienzo de la cultura de masas.

Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburger entre otros introdujeron

tiras cómicas, la señalética urbana, la publicidad, etc. al ámbito de la pintura.

El arte conceptual y el minimalismo surgieron en Estados Unidos a mediados de los años

60, y mantuvieron una similitud en el aspecto formal. Sin embargo, mientras el primero

tendía a hacer de la obra el soporte del pensamiento, el segundo vinculaba íntimamente los

objetos con el espacio y el espectador. Para los artistas conceptuales sólo contaba la

intención del artista, aquella que surgía de su espacio mental privado. La obra ya no debía

considerarse por sí misma, sino en cuanto soporte necesario de una definición del arte,

siempre nueva. Los artistas conceptuales utilizaron medios considerados “transparentes”, ya

que podían reflejar directamente el concepto, pues no apelaban a una contemplación de la

materialidad de la obra. Estos medios eran principalmente la escritura y la fotografía, eran

considerados “neutros “en los que la forma importaba poco, y que se alejaban del “objeto

de arte” para transmitir solamente el pensamiento. En cambio la obra minimalista no remite

a la interioridad del artista, el arte minimal no presenta ninguna destreza: los objetos, lisos e

impersonales, son producidos de manera industrial. La obra se desprende de todo rastro del

acto creador, puede abrirse al espectador, ya que el arte minimal se aprende corporalmente.

Años más tarde la moda y el mobiliario reutilizaron estas formas simples, para hacer de ellas

un símbolo sobrio de fines del siglo XX.

_____________________________________

2 Y 3 - VICENTE, SONIA. (2006). Arte Fotográfico y Arte en Fotografía. Comentarios a la obra de Walter Benjamín.

Inédito.

Las instalaciones nacieron para superar los límites de la pintura y la escultura, creando así

una nueva forma de arte, independiente y autosuficiente. Tiene sus antecedentes en los

ensamblajes de la década del 50 y en las ambientaciones de los artistas pop del 60. La

instalación es una obra única que se genera a partir de un concepto y/o una narrativa visual,

creada por un artista en un espacio concreto. Requiere la participación del espectador, pero

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no para vivir episodios sino para descifrar mensajes o rescatar ideas. Al observar la obra

desde distintos ángulos la percepción se convierte en un proceso. Y al adueñarse de esta

dimensión adicional, las instalaciones refuerzan el valor de la experiencia directa, inmediata,

algo que ninguna reproducción fotográfica y aun televisiva puede sustituir. Las instalaciones

son el tipo de obra más representativa del siglo XX y resumen o es el resultado de las ondas

transformaciones que asumió el arte en estos cien años. El artista que da nombre a este tipo

de arte es el norteamericano Dan Flavin con sus obras espaciales hechas con tubos

fluorescentes.

El arte póvera tiene su origen en Italia a fines de la década del ’60 y principios del ’70. Utiliza

materiales humildes, no industriales, como las plantas, tierra, troncos, grasa, cuerdas, etc.

No reconstruye al objeto, cada material determina sus propiedades plásticas en atención a

sus propiedades físicas.

El arte ecológico o land art es una manifestación americana que acentúa el proceso y la

transformación de la obra de arte en el tiempo; con temáticas como la polución, la

superpoblación, la supervivencia, etc. Existe un interés de los artistas de abandonar la

obsesión por el consumismo, los medios de comunicación, llevando su mirada hacia la

naturaleza, la mitología, y la ecología. El paisaje natural se convierte en OBJETO Artístico.

Este uso metafórico de la naturaleza, para algunos artistas está dado por el cambio,

evolución y crecimiento de los materiales utilizados o por la acción humana, la necesidad de

subrayar la noción de lo efímero en dicha obra. Las herramientas que utilizan para crear sus

obras van desde las más complejas como camiones, topadoras, etc., para realizar el traslado

del material o las inmensas excavaciones, demarcaciones y acumulación de tierra; hasta las

más simples; como las que realiza Richard Long y en las que utiliza materiales como hierbas,

piedras y algas marinas. Continuando con la tradición británica de los círculos celtas, lleva a

cabo estas intervenciones, en solitarios paisajes que luego fotografía.

Los rituales e intervenciones sobre el cuerpo: body art, performances y happening.

Algunos artistas decidieron volver contra ellos mismos el gesto creador, y mezclando ironía,

provocación y sacrificio, establecieron una ruptura con la imagen de un cuerpo socializado.

El cuerpo es el elemento fundamental. En los comienzos de este tipo de manifestaciones

artísticas se evidenciaron temas como la sangre, el sufrimiento y el sacrificio, involucrando el

cuerpo del artista en su obra como prueba y testimonio de las restricciones inconscientes

inherentes al comportamiento social. El objetivo era lograr una comunicación no verbal,

directa y emocional.

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En el video arte los artistas encontraron la posibilidad de disponer sin restricciones de

la imagen en movimiento. Permite crear imágenes simultáneas, se hace presente en ellas el

tiempo real, el de la cuarta dimensión artística (espacio-tiempo) y la capacidad narrativa; se

dan en ellas el principio de pluralidad de medios y recursos, al igual que en las

videoinstalaciones.

La intervención es un término utilizado en las manifestaciones artísticas de los últimos

años. Esta acción de tomar parte en un asunto artístico se ha realizado frecuentemente a lo

largo de la Historia del Arte. Sobre objetos, fotografías, acciones en espacios urbanos, o

alejados de los mismos. Tiene su antecedente en los ready made, en el pop art y en las obras

de carácter efímero como el land art o las performance.

La nueva revolución tecnológica que hemos vivido en los últimos años ha creado nuevos

objetos y nuevos términos, pero también ha dotado de nuevos sentidos a los viejos

conceptos. Éste es el caso del arte, que en el universo virtual ha mutado a ciber-arte (arte

digital, web-art, mail art y otras expresiones que circulan a través de Internet, y los

dispositivos informáticos). En primer lugar, (y hablamos pensando en las artes plásticas) es

posible observar un cambio de espacio. No se trata ya del espacio “objetivo” de lo real, ni del

espacio “subjetivo” interno que hay en cada uno de nosotros, se trata ahora de un espacio

“virtual”, este curioso espacio es de naturaleza diferente, no tiene una existencia física, y por

tanto la obra no ocupa un “lugar”, no es un “objeto” en el sentido en que estamos

acostumbrados a pensar los objetos. Por otra parte resulta difícil clasificarla dentro de un

género artístico determinado, ¿Es pintura? ¿Es grabado? ¿Es dibujo?, el ciber-arte

encuentra puntos en común con cada uno de ellos, pero a la vez se diferencia

enormemente; parece (y cada vez parece más) no ser ninguna de estas cosas.

La ciber-obra a diferencia de una escultura o de un cuadro al óleo tradicional, no es un

objeto del mundo externo, no tiene una entidad física propia; ni la necesita, pues en verdad,

su verdadero sentido está en haber sido creada en la máquina para que circule a través de

ella y pueda ser considerada por las multitudes que diariamente se conectan a la ciudad

telemática.

Cualquier ciber-viajero puede apropiarse de la obra y alterarla, el artista deja de ser un

creador individual para transformarse en un autor colectivo. En el universo virtual artista y

receptor, producción y consumo, se funden y confunden. Todos podemos ser artistas: el

arte, finalmente, se ha democratizado, aunque de un modo muy distinto de aquel soñado

por la utopía de Marx. La tecnología ha modificado también nuestro imaginario y nuestra

percepción: nos hemos acostumbrado a la heterogeneidad, a la discontinuidad y a la

fragmentación.

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Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

Busque en el diccionario u otros medios los términos que desconoce.

Organice los sucesos artísticos de manera cronológica.

Elabore un resumen del texto. Pueden escribirlo haciendo referencia a

los momentos históricos, a los movimientos artísticos, etc.

Trabajo grupal (Presencial)

Compartan las síntesis elaboradas y reflexionen en grupo sobre la figura

del artista y el rol del docente de Arte en la sociedad actual

(latinoamericana, argentina y mendocina).

Realicen una producción plástica colectiva vinculada a alguno de los

movimientos artísticos mencionados en el texto.

BATISTOZZI, Ana María (2004). ¿Y dónde está el artista? En Revista Ñ. Clarín, revista de cultura 36, p.26-29.

COLOMBRES, Juan (1991). Desmitificaciones y resignificaciones para una teoría de la cultura y el Arte de América. En: ACHA,

Juan, COLOMBRES, Adolfo, ESCOBAR, Ticio. Hacia una teoría Latinoamericana del Arte. Buenos Aires. Ediciones del Sol.

FERNANDO GARCIA. (2006). Lo que vendrá. Arte y Técnica. En Revista Ñ. n.160, p.33-43.

ANDREA GIUNTA. (2007). La era del gran escenario. En Revista Ñ. n.172, p.18-22.

GLUSBERG, Jorge (1994). El arte de la instalación; Lugar creado y lugar creador. Museo Nacional de Bellas Artes.

MARCHAN FIZ, Simón (1997). “Arte Povera y Land Art”. En su: Del Arte objetual al Arte de concepto; Epilogo de la

sensibilidad posmoderna. p.211-221.

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Texto 4

La máquina no hace el arte

Los instrumentos de realización en arte

La frase “la máquina no hace el arte” contiene encapsuladas ideas con frecuencia

inadvertidas. Brevemente, afirmo que los programas infográficos, los automatismos

diseñados para generar imágenes, sonidos, aun los programas generados por equipos mixtos

de trabajo (de artistas junto con ingenieros en programación) no hacen el arte.

Existe un fenómeno que se reitera y representa una evaluación nolegítima. Ello ocurre

desde la aparición en el mercado de las primeras cámaras fotográficas. ¿Cuál es esa

evaluación? La negativa a la posibilidad de que se produzca arte con máquinas tales como

cámaras fotográficas, videocámaras, cámaras filmadoras, ordenadores. Configura un

escepticismo ingenuo extremo. Frente a ello, la frase la máquina no hace el arte, no

constituye un simple apoyo para la ingenuidad de esa denegación. Por cierto, la máquina no

hace el arte pero tampoco lo impide. Voy a generalizar la aseveración mediante un símbolo,

comprensible en el marco de la creación pictórica: las telas, los pinceles, la trementina y los

óleos…no hacen el arte pictórico.

Desconcierta que se deba aclarar ese asunto cada vez que, históricamente, aparece una

nueva tecnología. Algo similar a la controversia relativa a “arte y computadores” ocurrió en

los inicios de la fotografía, en cuanto a la necesidad en que se vieron los artistas fotógrafos

de defender su potencial para producir objetos de valor artístico.

La fotografía se expandió y provocó en muchos artistas visuales la conocida preocupación

de lo remplazable de su arte-la pintura- y lo mecanizable de esas otras imágenes-las

producidas por medio de la cámara fotográfica. Aún hoy, muchos realizadores fotográficos

consideran que la fotografía digital es menos artística que la fotografía tradicional, debido a

la intervención de la cámara y la post producción mediante la computadora. Sin embargo,

destacados realizadores cinematográficos están produciendo largometrajes con cámaras

filmadoras digitales, a juicio de la crítica especializada, sin desmedro de los valores artísticos.

No todos aceptan que el más o el menos estético-artísticos están implicados en la

capacidad creativa e imaginativa de los autores, antes que en el instrumento-máquina,

estrictamente hablando. Dejo esos más y menos en una contextualización taxativa. Insisto,

no porque una máquina -la cámara digital- pueda capturar imágenes, y el usuario pueda

ingresarlas a una computadora y trabajar con ellas allí, los resultados serán mas o menos

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artísticos. Los conocidos programas de millones de colores disponibles para su uso y

aplicación son, en un sentido, más temibles y difíciles de gobernar que una paleta de óleos

cuyos pigmentos originales y mezclas artísticas son cuantitativamente mas restringidos.

Cuanto mayor es la disponibilidad en cualquier orden de las cosas, más difícil resultan la

selección y la combinación de lo seleccionado. A menos que se tome una actitud negligente

al respecto.

Entonces la amenaza no viene de la presencia de la máquina, aunque parezca que con su

empleo se dejan a un lado años de aprendizaje de oficio y taller. Lo preocupante ha de ser la

carencia de imaginación, la falta de una formación humanista, el reemplazo del sentido de lo

estético por unos malabarismos informáticos, que se agotan como sucede con los fuegos de

artificio, a los pocos instantes de su presencia deslumbrante ante la mirada. Lo

preocupante debería ser el reemplazo de la presencia humana, la sustitución rígida y pueril

de las diversidades matéricas por una materia universal: las señales electrónicas. Pero esto

no es una fatalidad; tampoco debería ser evaluado como algo monolítico a lo cual hay que

proscribir de raíz.

Es probable que esos temores alimenten la razón por la que multitud de creaciones

digitales se inclinan hoy hacia la producción combinada: se trata de interacción entre la

persona (su cuerpo como un todo) y sistemas informáticos dotados de sensores de

movimiento que expresan las formas nacidas de esa dinámica en pantallas gigantes, en el

suelo, en otros soportes posibles (agua, por ejemplo). Muchas obras, creadas por artistas

digitales actuales, se presentan bajo la forma de colaboración entre la máquina y el cuerpo

humano. En esos trabajos, el cuerpo y su accionar intervienen en los resultados sucesivos.

Por ejemplo, mover los brazos -delante de sensores- para sostener una frase poética que se

proyecta en una pared, es un símbolo potente. El usuario puede pensar esto: “de mi

depende que la poesía se mantenga viva”. Y en la práctica tiene razón, las letras de la frase

se desmoronan sin su apoyo. Se trata de un juego, también de una desafiante competencia

y, a la vez, de un trabajo de feedback creativo. Por parte del usuario, esas acciones suponen

la lectura y comprensión constante de estímulos y resultados visuales o auditivos para

trabajar con ellos, evaluarlos, intervenirlos, re-orientarlos, dialogar con las formas

propuestas.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

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Busque en la web los siguientes sitios y explore las propuestas que

ofrece cada uno:

http://www.fadon.com.br/ws_cfadon/abertura.html

http://www.mezza.cl/

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-

video-hecho-arte.html

http://www.malba.org.ar/web/coleccion_obra.php?idobra=491

Trabajo grupal (Presencial)

Observen en clase ejemplos de arte digital: video arte, arte web o net-

art, fotografía digital, etc.

Conformen grupos, seleccionen un ejemplo y analicen sus características

técnicas (medios utilizados para su realización) y expresivas (qué

transmite la obra).

A partir de las características observadas en la obra elegida, reflexionar

en grupos sobre la afirmación de la autora: “la máquina no hace el arte”

y exponer las conclusiones.

SCHULTZ, Margarita (2006). La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte. En: Filosofía y

producciones digitales. 1° ed. Buenos Aires: Alfagrama.

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Texto 5

EL DIBUJO

“Para el artista dibujar es descubrir. Y no se trata de una

frase bonita; es literalmente cierto. Es el acto mismo de

dibujar lo que fuerza al artista a mirar el objeto que tiene

delate, a diseccionarlo y volverlo a unir en su imaginación,

o si dibujamos de memoria, lo que fuerza a ahondar en ella,

hasta encontrar el contenido de su propio almacén de

observaciones pasadas” (John Berger, 2011)

Proceso de Conocimiento, Reflexión y Comunicación

Conocer es integrar, organizar y reorganizar constantemente experiencias vividas, para

afrontar las nuevas. El dibujar proporciona la posibilidad de realizar estas integraciones y

darles significado adicional, permite recordar las experiencias y hace que sean más

accesibles para cuando sea necesario recuperarlas.

Los trazos que realizamos al dibujar son el resultado de procesos previos, constantes y a

posteriori de observación y experimentación de la realidad toda que nos rodea. Nos indican

el estado de análisis de la misma en que nos encontramos.

Cuando hacemos unos trazos, y obtenemos formas estamos configurando un mundo que se

manifiesta como nuestro límite. Dibujar es ensanchar el campo de experiencias y por lo

tanto ensanchar nuestros límites, estar al tanto de lo que somos capaces.

Dibujar es poner en movimiento un proceso que implica alternar posibles soluciones, intimar

con nuestros recursos expresivos, dominar nuestras capacidades motoras, reconocer

nuestros pensamientos, comprender y distinguir estados que nos afectan, visiones de la

realidad, sensaciones que nos invaden.

Dibujar en tanto proceso de conocimiento es diferenciar a grandes rasgos y también

sutilmente la apariencia de los objetos y de nuestro mundo interno. Dibujar es un proceso

que implica adquirir nuevas formas de representación del mundo que habitamos. En este

sentido nos referimos a la posibilidad de conocer en tanto posibilidad de integrar

informaciones, impresiones, actitudes, ideas, percepciones.

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La reflexión es parte de un proceso intelectual que involucra factores externos e internos

con que el ser humano construye sus visiones del mundo. Implica operaciones tales como:

deliberación, meditación, introspección, razonamiento, juicio. El dibujar es en este sentido

una actividad constante que se mueve en torno a elecciones, ( en otras palabras cálculo de

posibilidades). El acto de dibujar implica entonces, tomar decisiones, dar dirección a nuestro

trabajo, sugerir, exhortar, interpelarnos a nosotros mismos y al espectador. Implica también

la capacidad de interpretar relacionando objetos y acontecimientos en una imagen visual.

Un dibujo es el resultado de un proceso complejo que se manifiesta como investigación, un

análisis o síntesis de una situación dada. Ello se hace a través de la manipulación de las

formas y técnicas que expresan soluciones a las temáticas o problemas que nos planteamos

en el hecho creativo.

El dibujo como proceso artístico es también un hecho de comunicación. Implica una noticia,

es una forma diferente de realizar un texto. En el hacer artístico hay una necesidad

comunicativa y el dibujo es una forma de canalizarla. De modo tal, que manejar el oficio,

saber de sus limitaciones, de sus posibilidades, en definitiva de sus características propias, es

vital para la eficacia del mensaje. La comunicación que se entabla en el hecho artístico es así

un vínculo entre hombres, una forma de propagación de las ideas que nos reúnen o nos

aíslan, una forma de mostrar realidades y de transmitir pensamientos e informaciones.

Dibujar en una forma de comunicarse que implica un lenguaje. Como todo lenguaje tiene sus

propios signos y códigos de uso. El idioma visual consta de elementos básicos que se

combinan para armar un “texto”. Algunos de los elementos básicos de que se compone un

dibujo son: los puntos, las líneas, las texturas, los colores, las formas. Al combinarse entre sí

generan nuevos elementos a tener en cuenta como: la iluminación, los contrastes, las

tensiones, las direcciones, los pesos, etc.

En el dibujo, la imagen que es fuertemente simbólica revela la singularidad de quien lo

realiza. En este sentido dibujar es una forma de expresarnos única y exclusiva. Dependerá

de cómo articulemos las diferentes formas de combinar los elementos básicos como

adquirirá nuestra marca, nuestra huella personal.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea atentamente el texto.

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Marque las ideas principales de cada párrafo.

Trabajo Presencial

Intercambien opiniones sobre el texto y experiencias vinculadas al

Dibujo con el docente y los compañeros.

Realice:

-Un dibujo del natural a partir de la observación del entorno, un recorte

visual de un sector de la institución, puede ser interior o exterior. (Trabajo

individual)

-Una composición aplicando técnicas mixtas. (Trabajo individual)

Compartan en grupo las producciones (Exposición de dibujos)

Reflexionen sobre las experiencias del proceso de creación y los

resultados: uso de los materiales, coherencia expresiva, creatividad, etc.

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin

Mariela. Departamento de publicaciones. 2008.

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Texto 6

INTRODUCCIÓN AL CAMPO CERÁMICO

*Prof. Sergio Rosas

El trabajo con el barro es un arte rico en contradicciones, es bastante complejo si se mira

desde los avances tecnológicos que ha alcanzado, pero igualmente es muy sencillo trabajar

con este material pudiendo lograr resultados simplemente inesperados en el campo de las

artes y las artesanías. También se encuentra dentro de las prácticas más antiguas realizadas

por el hombre. “Los arqueólogos han encontrado en todas las islas japonesas, objetos de

baja temperatura de gran antigüedad y muy elaborados. Algunos datan del año 12.000 a. C,

fecha estimada por los métodos del carbono.” En general todas las culturas antiguas hicieron

uso del barro en donde siempre se conjugó la experimentación y el conocimiento. Los

primeros objetos fueron vasijas modeladas y cocinadas a bajas temperaturas en cuyas

superficies se estampaban o superponían elementos formales propios relacionados con sus

creencias, cuyo resultado son objetos culturales transformados a través de la historia.

La palabra cerámica se puede definir como “el arte de hacer objetos duraderos, de utilidad

y/o belleza, por el tratamiento con calor de materias primas terreas.” Una de las cualidades

más grandes que tiene el trabajo en barro es la importancia que ha tenido en el desarrollo

de las culturas de todas partes del mundo. Los objetos cerámicos siempre han sido de gran

utilidad y el hombre ha dependido de ellos en sus actividades en la vida cotidiana, sin

embargo, no solo han tenido un valor utilitario sino que forman parte de las “piezas de arte

más hermosas del mundo: los azulejos de las mezquitas persas, las esculturas de las

primeras dinastías chinas, las figuras precolombinas de Mesoamérica, las jarras de Micenas

del año 2.000 a.C. entre otras.” El oficio de los ceramistas está lleno de implicaciones,

depende en gran medida del barro con el que se trabaje, si es puro o ha sido preparado con

otros materiales (pastas cerámicas) con el objetivo de reducir el tiempo de cocción, mejorar

su textura o alterar su color, además depende de las manos que lo trabajen y del

conocimiento de la técnica, sin contar con los sentimientos del creador, ya sea artesano,

artista, diseñador entre otros. Los objetos cerámicos cuentan con características que los

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hacen particularmente especiales: la resistencia a través del tiempo, no se corroe como

otros materiales y adquieren gran dureza después de un proceso de cocción, lo que los hace

increíblemente resistentes y duraderos. Todo esto permite desarrollar objetos

tecnológicamente avanzados aplicados a la gran industria como ejemplo tenemos partes

para naves que van al espacio, también está presente en objetos culturales con tradición

artesanal en donde interactúan la técnica, el sentir y el conocimiento. Ya en otro campo el

barro alcanza una gran nobleza a través de propuestas artísticas que aportan innovaciones

técnicas, contenidos formales y espiritualidad.

Los artistas que usan activamente la cerámica en su trabajo logran vincular aspectos

temáticos y formales y en muchos casos se basan en las técnicas tradicionales y en los

lenguajes de las culturas antiguas explorando a través de referencias arqueológicas o

registros históricos. Algunas veces se acercan a objetos cerámicos con carácter utilitario

como también logran propuestas que van desde la escultura a la instalación artística. Casi

siempre alcanzan formas que dejan ver el conocimiento por el oficio y la relación de la

materia prima con un gran sentido de pertenencia y amor frente a su trabajo. Las reflexiones

y las preocupaciones por el entorno y la naturaleza están presentes en las creaciones. La

esperanza esta que el trabajo con este material tan noble logre a través del tiempo el lugar

que se merece en el corazón de los seres humanos.

LA PLASTICIDAD. FENÓMENO FÍSICO QUE CUALIFICA A LAS ARCILLAS

La arcilla cuando está húmeda con la cantidad adecuada de agua, tiende a mantener

cualquier forma que se le dé. Esta propiedad se conoce como plasticidad y es una de las

principales cualidades del material. Entre los materiales naturales la arcilla es única en su

grado de plasticidad. Es la plasticidad la que hace posible la fabricación de la infinita variedad

de figuras de los objetos cerámicos. Pellizcando, estrujando o enrollando una bola de arcilla

se reconoce instantáneamente el potencial que reside en esta masa húmeda y deformable.

La plasticidad de la arcilla ha sido muy estudiada por los científicos, pero el mecanismo

exacto aún no ha sido comprendido completamente. Hasta cierto punto la plasticidad puede

atribuirse a la finura del grano. La pequeñez de las partículas cada una de las cuales está

mojada con agua y lubricada en la superficie con humedad, tienden a hacer que las

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partículas se peguen unas con otras y esto hace que la masa en conjunto mantenga la forma

que se le da. El hecho de que se pueda modelar con arena húmeda, la cual cuando está seca

no tiene plasticidad en absoluto, ilustra este principio. Cuanto más fina es la arena, mayor

éxito tendrá el castillo de arena. La forma aplanada de las partículas de arcilla también

contribuye a la plasticidad. La arcilla plástica puede ser comparada a un mazo de cartas

mojadas con agua. Cada carta está saturada de agua y una película de agua entre las

superficies hacen que las cartas resbalen y se deslicen una sobre otra y también hace que se

peguen entre sí; de forma similar las partículas se deslizan unas sobre otras cuando se aplica

una fuerza pero se mantienen en su nueva posición.

La materia carbonosa corrientemente presente en la arcilla contribuye también a la

plasticidad. Muchas arcillas corriente que tienden a tener un contenido significativo de

carbón en ellas son bastante plásticas. La materia orgánica parece acentuar casi como una

goma o cola en el comportamiento de la arcilla. Mientras que una pequeña cantidad de

materia orgánica en la arcilla puede ser de ayuda en el desarrollo de la plasticidad,

demasiada hará a la arcilla excesivamente pegajosa, difícil de trabajar y de contracción

elevada.

Las arcillas varían grandemente de plasticidad según su historia geológica. Algunas arcillas

gruesas, aun cuando consideradas bastante no plástica (o antiplástica), son útiles para hacer

ladrillos y otros productos pesados de arcilla, tales como tejas y revestimientos. Otras

arcillas son demasiado pegajosas para utilizarse por sí mismas y deben mezclarse con otras

menos plásticas para ser útiles. Sin embargo muchas arcillas son utilizables tal y como salen

de la tierra y pueden ser modeladas y torneadas sin ningún ajuste de su composición.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

Subraya los conceptos claves, las afirmaciones, las definiciones y otros elementos

de relevancia.

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Anota al margen un concepto que sintetice lo que cada párrafo desarrolla o

describe.

Interpretar el sentido de las palabras según el contexto de producción del texto

(Búsqueda en diccionario, internet)

Registra las dudas para preguntar al docente

Trabajo Presencial (aspecto técnico)

Identificar objetos cerámicos a partir de la observación directa.

Realizar una aproximación a una técnica cerámica reconociendo las características

del material.

.

PETERSON, Susan, 1997. Artesanía y arte del barro. El manual completo del ceramista, Editorial Blume,

Barcelona, p.12. RHODES, Daniel, 1990. Arcilla y vidriado para el ceramista, Ediciones CEAC, S.A, Barcelona. Pag. 12, 20 a 23.

PETERSON, Susan, 2003.Trabajar el barro. Editorial Blume, Barcelona, p.22

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Texto 7

El hacer plástico

“Quería lograr una dialéctica entre la percepción que uno tiene del lugar en su totalidad y la

propia relación con el área en la que se camina. El resultado es una forma de medirse a sí

mismo contra la indeterminación del entorno.

No me interesa en absoluto contemplar una escultura que solamente se define por sus

relaciones”.

“En los años 1967 y 1968, escribí una lista de verbos como medio para aplicar diversas

actividades a materiales no específicos. Enrollar, plegar, doblar, recortar, partir, desgarrar,

trocear, picar, cortar, desgajar *…+ El lenguaje estructuró mis actividades en relación con los

materiales, que tenían la misma función que verbos transitivos”. Richard Serra.

Daniel Marzona. “Arte minimalista” Ed.Tashen. 2009.

Dar un nombre

Comentan que James Watt perfeccionó la máquina de vapor mientras estaba sentado en la

cocina. Su madre vierte contenido de un paquete de harina sobre una mesa donde va a

preparar un pastel. Pero el muchacho no tiene ningún interés en ese pastel. El, un futuro

diseñador, está fascinado por la forma que aparece encima de la mesa. Por parecerle la

silueta de un volcán, llama a esta forma “Fujiyama” y ésa es su invención. El sigue el ejemplo

de Adán y Eva en el Paraíso, que dieron nombres a los animales y a las flores cambiando de

ese modo su conversación, y con ello su mundo.

La importancia de tener un nombre específico para algo me vino por primera vez cuando

estuve trabajando en una escultura de nieve con un grupo de inuites* en Quebec. Siempre

había pensado que la vida en la nieve eterna debía ser extremadamente aburrida y sin color.

Yo estaba al tanto sólo de dos clases de nieve: la nieve húmeda y la nieve seca, aparte de ese

desastre llamado aguanieve. Ahora bien, de los inuites aprendí que había 97 clases de nieve

y lo más extraordinario, cada una tenía un nombre distintivo. Después de aprender algunos

de esos nombres, observé que muchas variedades de nieve empezaron a existir en realidad

para mí y que podría reconocer sus distintivas cualidades.

Unos meses después de esta experiencia, ya de de vuelta en casa, caminando por las playas

del Mar del Norte, contemplando los ribetes de la arena hechos por el viento y el retroceder

del océano, me di cuenta de que a estas hermosas formas se les podía dar un nombre

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“huellas”, y que además, en adición a ese nombre específico, se las podría emplazar dentro

de una categoría total de formas son el tema las que llamaríamos: “no tocadas por las manos

del hombre”. Estas formas, las que derivan de esta categoría, son el tema de los capítulos

que integran la primera parte de este libro.

Huellas, […] Apilar, Formar, Hacer, La Forma Entallada, Empaquetar, Hender- Escindir *,

Arrugar, Fluir, Plegar, Conectar, Anudar, Tejer, Agrietar, La forma Inflada, Lámina (Una

Forma Dada)*…+ Adicionar-Sustraer*…+

“El arte no copia la naturaleza, sino que procede como ella”

Tomás de Aquino

J.J. Beljon “Gramática del Arte” Ed Celeste. Madrid. 1993

Glosario

Inuite: El término "esquimal", se considera despectivo, proviene probablemente

de "eskimantsik" denominación dada por las tribus Wabanaki, que significa "devoradores de carne cruda". Ellos

se designan como "inuit" ("hombres", "propietarios" de un lugar), en Alaska se prefiere "yuit".

Hender: Atravesar, cortar.

Escindir: Separar, dividir.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

Realice una lista de los conceptos destacados en negrita: escriba al lado

de cada verbo una actividad vinculada al mismo que haya realizado, o

imagine realizar, en relación al uso de distintos materiales.

Trabajo grupal (Presencial)

Compartan las síntesis elaboradas.

Realicen un objeto o una escultura con diversos materiales a partir de

las palabras destacadas en negritas que figuran en los texto

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Texto 8

UNA EDUCACIÓN ALTERNATIVA

En una sociedad con incertidumbre creciente se plantean todo tipo de problemas cotidianos.

La resolución de problemas está orientada hacia el futuro, ya que implica el diagnóstico, la

comprensión y la decisión entre más de una alternativa. Cobra importancia la práctica que

permita resolver problemas cotidianos en un doble sentido: por un lado el enfrentamiento a

la incertidumbre de cada día; y por otro la actitud activa ante situaciones nuevas que

requieren creatividad, capacidad de relacionar los conocimientos adquiridos y de usar otros

nuevos.

Las alternativas educativas constituyen aspectos fundamentales del sentido de la educación

en estos tiempos. La búsqueda de un sentido de la propuesta educativa es la condición más

importante en las situaciones sociales que vivimos.

Se trata de construir sentido en una relación en la que entran en juego la creatividad, la

novedad, la incertidumbre, el entusiasmo y la entrega personal.

Las alternativas * son:

Educar para la incertidumbre.

La vida humana se organiza en una lucha contra la incertidumbre. Las instituciones sociales

intentan sembrar seguridad en un mundo signado por los riesgos. No nos educan para vivir

en la incertidumbre aunque nadie escapa a ella.

En una educación para la incertidumbre como primer punto se debe interrogar en forma

permanente la realidad de cada día, y por lo tanto no inculcar ni enseñar respuestas. Se

trata de una pedagogía de la pregunta más que de la respuesta como dice Freire.

También significa educar para localizar, reconocer, procesar y utilizar información. Desde

hace décadas se insiste en la relación entre información e incertidumbre, a mayor falta de

aquella mayor dimensión de esta.

*Gutiérrez Pérez, Francisco; Prieto Castillo, Daniel. La mediación pedagógica, apuntes para una educación a distancia

alternativa, Buenos Aires, Ed. Ciccus-La Crujía, 1999.

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La educación debe ofrecer recursos o metodologías para trabajar con la gran cantidad de

información existente, presente en todas partes.

Desde esta perspectiva también se busca educar para saber reconocer propuestas mágicas

para desmitificarlas y resignificarlas. Es decir enfrentarse a los distintos textos sociales para

leerlos críticamente, ser un lector crítico de los mismos no un mero consumidor.

Como último punto educar para la incertidumbre es: educar para crear, recrear y utilizar

recursos tecnológicos de escala humana.

Lo tecnológico es parte de nuestro medio ambiente, pero en general lo utilizamos a nivel de

consumo más que apropiarnos de su sentido y función social. La tecnología es muy

importante para ilustrar prácticas y orientar la reflexión de los estudiantes.

A modo de síntesis podemos concluir que educar para la incertidumbre significa impulsar

una actitud activa ante la misma, para abandonar la ilusión de certidumbre y de moverse

con una mente abierta a los cambios en una sociedad tan compleja como la actual.

Educar para gozar de la vida.

Educar en, por y para el goce significa generar entusiasmo en todas las actividades, las

practicas, los ambientes, las relaciones, los resultados, los progresos, incluso los errores. Es

un procesos educativo donde todos se sienten vivos, comparten su creatividad, generan

respuestas originales, se divierten, juegan, gozan.

Significa movilizar todas las energías en una aventura lúdica compartida; sentir y hacer

sentir, ello implica un ambiente gozoso. Un ambiente donde se pongan en juego la riqueza

de los sentidos, de la imaginación y de la creación colectiva.

Educar para la significación.

Una propuesta alternativa busca procesos significativos que involucren a educadores y

educandos, teniendo en cuenta que en educación no hay nada in-significante, aunque casi

siempre la tarea de significar este en manos de la institución o de sus funcionarios.

Significar es: dar sentido a lo que hacemos, incorporar mi sentido al sentido de la cultura y

el mundo, compartir y dar sentido, también es comprender el sinsentido de ciertas

propuestas y relacionar y contextualizar experiencias o discursos; además es impregnar de

sentido las practicas y la vida cotidiana.

Una educación con sentido educa protagonistas para los cuales sus actividades, los

conceptos y los proyectos significan algo para su vida. La capacidad de dar sentido pasa por

criticar los sentidos y los sinsentidos ajenos, lejos de una educación entendida como

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obediencia ciega a un mando superior. El sentido no se imparte a base de órdenes ni de

misterio, se construye en una relación solidaria.

Educar para la expresión.

Expresar significa exteriorizar, sacar afuera lo que uno tiene adentro, comunicar,

manifestar, hacer público. De acuerdo a ello podemos afirmar que: sin expresión no hay

educación.

Quien no se expresa se reprime, es suprimido, está sujeto a que le impriman el sentido, que

lo compriman y depriman.

La capacidad expresiva significa un dominio del tema y de la materia discursiva y se

manifiesta a través de claridad, coherencia, seguridad, riqueza, belleza en el manejo de las

formas de los diferentes lenguajes.

La educación debe pasar por una constante y rica expresión de sus individuos para no

quedar en los viejos moldes de la respuesta esperada y los objetivos sin sentido.

Educar para convivir.

Esta alternativa es educar para vivir con, es decir entreayudarnos, ya que todo aprendizaje

es un interaprendizaje. Se destaca la importancia de lo compartido, aquello que puede ser

aprendido de los demás. Para ello es importante valorar al otro, ya que es imposible

aprender de alguien en quien no se cree.

Educar para convivir es también educar para la cooperación y la participación colectiva.

Se reivindican desde esta propuesta necesidades básicas como: las relaciones

interpersonales, la participación y el afecto. Para ello se debe permitir el trabajo en grupo,

dando oportunidades al intercambio de experiencias e información. El grupo es el ámbito

ideal para el interaprendizaje para la recreación y producción de conocimientos.

Educar para apropiarse de la historia y la cultura.

Somos seres históricos, producto de experiencias anteriores, de conocimientos, vivencias,

tecnologías, cultura, entre otras.

Somos producto de esa historia social y de nuestra biografía.

En la cultura se educa para la producción cultural, ya que todo producto cultural y su

proceso son educativos; tanto para la apropiación de lo creado por otros, como para la

creación inherente al acto educativo.

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La propuesta educativa se orienta a promover las virtudes activas a través de la mediación.

Se logra apropiarse de la historia y de cultura en el interaprendizaje, interrogando la propia

situación, en la invención, en el planteamiento de alternativas, en la alegría de construir e

imaginar.

Educar para la complejidad.

Uno de los grandes problemas del aprendizaje es su reducción a simplezas. Esto ha

colaborado en gran manera el aprendizaje informal basado en la cultura mediática, donde

todo es fácil, digerible accesible sin esfuerzos a cualquier entendimiento.

Esto en la educación formal ha derivado por ejemplo en el acortamiento de carreras,

también en el retroceso constante de las exigencias de estudio serio. Sin embargo en

nuestra realidad y con fuerza desde el siglo XX nos enfrentamos al estallido de la

complejidad.

En educación debemos reconocer que no es posible colaborar en la inserción de las y los

estudiantes en un mundo tan complejo desde la fragmentación de disciplinas, de manera

desarticulada en materias sin conexión entre ellas.

Debemos promover en los jóvenes al insertarse socialmente la capacidad de pensar la

complejidad, de situarse dentro de ella y decidir.

Educar para la comprensión.

La comprensión mutua entre humanos cercanos o lejanos, es vital para que las relaciones

humanas salgan de su estado salvaje de incomprensión.

Es necesario estudiar las raíces de la incomprensión, sus modalidades y sus efectos. Ello

constituiría una de las bases más seguras para la educación por la paz, a la cual estamos

ligados esencialmente.

Consideramos dos comprensiones: la comprensión intelectual u objetiva y la comprensión

humana intersubjetiva. Comprender significa aprender en conjunto. La comprensión

individual pasa por la inteligibilidad y en ella la explicación es necesaria, pero es insuficiente

para la comprensión humana.

Esta comporta un conocimiento de sujeto a sujeto entendiendo que las personas se perciben

no sólo objetivamente, sino como otro sujeto con el cual uno se identifica.

Comprender incluye necesariamente un proceso de empatía, de identificación y de

proyección que necesita apertura, simpatía y sobre todo generosidad

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LA EDUCACIÓN ALTERNATIVA DESDE LAS ARTES VISUALES

Desde mi área de trabajo, la educación artística considero que se ponen en juego diferentes

alternativas. La educación artística trabaja de manera integral con las diferentes

dimensiones del sujeto.

Al analizar cada una de las posibilidades educativas, reflexionando sobre las prácticas

puestas en juego desde mi especialidad, puedo reconocer claramente la mayoría de estas

propuestas. Considero que la Educación Artística es en sí misma una alternativa esencial

para una nueva educación donde se contemple el desarrollo de la expresividad, la

sensibilidad y la creatividad. Algunos de estos aspectos han sido abordados actualmente por

Elliot Eisner en su libro: “La escuela que necesitamos”.

Señalando las alternativas más destacadas que se relacionan con mí ámbito del saber puedo

mencionar en primer lugar la educación para gozar de la vida ya que desde las prácticas

áulicas se pretende generar climas de libertad creativa y gozo en las actividades; propiciando

el entusiasmo en las tareas desarrolladas y buscando respuestas originales en la resolución

de las mismas.

Las áreas artísticas trabajan especialmente con la riqueza de los sentidos, la imaginación y la

creación colectiva. Esto desde la plástica se pone en práctica a través de la exploración lúdica

de materiales, la selección libre de herramientas y procedimientos de trabajo, las salidas de

campo para la observación de la naturaleza y las obras estéticas del entorno, además del

trabajo en grupo como ámbito de diversión y cooperación.

De acuerdo a lo manifestado emerge con fuerza otra de las alternativas: el educar para la

expresión. Nuestras áreas desarrollan como ejes fundamentales la expresión y la

comunicación en sus múltiples formas. A través las distintas disciplinas artísticas desde

propuestas de integración se favorecen el manejo y la utilización de recursos expresivos de

lenguajes no verbales. Además se hace hincapié en el desarrollo de las capacidades

creadoras individuales inherentes a todo ser humano, considerando la singularidad de cada

individuo. En el aula se observa en la producción expresiva desde los diferentes géneros

plásticos: los alumnos se expresan de acuerdo a sus propias motivaciones a través de obras

que ilustran, representan o simbolizan. A partir de las formas, los colores, las texturas, la

figuración o la abstracción, la bidimensión y la tridimensión, crean obras propias cargadas de

significado. Buscan comunicar sensaciones, emociones, ideas y sentimientos; y a su vez al

decodificar obras de sus pares logran interpretar otros mensajes completando el proceso

comunicativo.

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Todas estas propuestas pretenden contribuir en la formación de los futuros docentes

desarrollando la expresión en sentido amplio es decir apelando a todos los sentidos y formas

de expresión a menudo poco desarrolladas en la educación como son los lenguajes no

verbales.

El futuro docente debe utilizar eficazmente todas sus posibilidades expresivas para lograr

una verdadera comunicación con sus alumnos y conseguir posicionarse como verdaderos

mediadores del aprendizaje.

Asimismo se vislumbra el educar para convivir y para la comprensión teniendo en cuenta

que en un clima de libertad y creación colectiva se busca el respeto por la producción propia

y ajena, incentivando la cooperación y el interaprendizaje.

Desde la Plástica se contribuye también para apropiarse de la historia y de la cultura.

Dentro de los contenidos abordados desde la disciplina se trabaja el acercamiento a obras

del Patrimonio artístico y cultural de nuestro medio, para contribuir al rescate y la

valoración del mismo. Esto contribuye en la formación de los futuros docentes en un sentido

integral, entendiendo que ellos se constituirán en un futuro como referentes culturales de

sus alumnos con la valiosa tarea de transmitir los valores culturales y tradicionales propios

de su cultura y también ayudar a construir su identidad y reafirmar su sentido de

pertenencia.

A modo de síntesis considero que el Arte al desarrollar el pensamiento creativo, propicia la

flexibilidad y la fluidez dentro de procesos de pensamiento divergente que permiten

desarrollar respuestas nuevas y adaptarse a escenarios cambiantes. Nos acercamos aquí a

otras alternativas de la educación como el educar para la incertidumbre, para la

significación, y para la complejidad.

Para finalizar, es importante reconsiderar el valor de las actividades artísticas que permiten el desarrollo de una educación alternativa centrada en la singularidad de cada sujeto, dando lugar a modos de expresión no convencionales a menudo poco apreciados en la educación, que contemplan al sujeto de modo integral valorando todas sus capacidades para lograr aprendizajes significativos, propiciando la creatividad el juego y el goce en cada una de las actividades.

En la sociedad contemporánea, como señalan diversos autores, las funciones culturales, sociales y simbólicas, que en el pasado servían como vía de transmisión de imaginarios y de concreción de la experiencia humana, se desplazan actualmente desde los territorios de las “artes cultas” a los de las “culturas de masas” o “culturas populares”, para proponer e imponer una revisión urgente de nuestros presupuestos estéticos y educativos.

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De esta manera, se identifica una función contemporánea de las artes, básicamente integradora y relacional, que pretende conectar con todos los sustratos de la realidad que compartimos, y no solo como una manifestación superior del espíritu humano. Una función sustentada desde las condiciones necesarias para entender que las producciones culturales no son privilegio de tan solo unos pocos que producen y reparten la cultura, sino un derecho de todos/as.

Reconocemos esta función social de las artes como generadora de cambio y transformación, para ello la educación artística puede y debe ofrecer ámbitos de exploración, reflexión y compromiso, de manera individual y colectiva, que se proyectan en la búsqueda de una mayor calidad en la relación entre arte y vida

Abad Molina, Javier. Usos y funciones de las artes en la educación y el desarrollo humano en Educación artística, cultura y ciudadanía. Colección metas educativas 2021. Fundación Santillana. España. Martínez, Carolina Eva. Texto Paralelo. Módulo I. Especialización en Docencia Universitaria. (pág 44 a 53), inédito, Mza,

2010.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lee atentamente el texto 8.

Relea por apartado y subraye los conceptos claves, las afirmaciones, las tesis

por el autor, las definiciones y otros elementos de relevancia.

Anote al margen las palabras claves que sinteticen lo que esa frase o párrafo

desarrolla o describe.

Trabajo grupal (Presencial)

Dialoguen en grupo sobre los aspectos relevantes del texto, compartan

experiencias vividas respecto a su propia educación y su vinculación con el texto.

Estas experiencias y las conclusiones elaboradas a partir del diálogo se retomarán

en una próxima intancia para la creación de una producción plástica grupal.

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Texto 9

A R T E , E D U C A C I Ó N Y C U L T U R A

Ana Mae Barbosa*

Educación para el desarrollo de diferentes códigos culturales

La Educación podría ser el camino más eficiente para estimular la conciencia cultural del

individuo, comenzando por el reconocimiento y apreciación de la cultura local. A pesar de

todo, la educación formal en el Tercer Mundo Occidental ha sido completamente dominada

por los códigos culturales europeos y, recientemente, por el código cultural norteamericano

blanco. La cultura indígena solamente es tolerada en la escuela bajo la forma de folkclore, de

curiosidad y esoterismo; siempre como una cultura de segunda categoría. Por el contrario,

fueron los europeos quienes, en la construcción del ideal modernista del arte, llamaron la

atención hacia el alto valor de otras culturas del este y oeste, al apreciar los grabados

japoneses y las esculturas africanas. De esta forma, los artistas modernos europeos fueron

los primeros en crear una justificación a favor del multiculturalismo, a pesar de que

analizaron la "cultura" de los otros bajo sus propios cánones de valores. Solamente en el

siglo veinte, los movimientos de descolonización y de liberación crearon la posibilidad

política para que los pueblos que habían sido dominados reconociesen su propia cultura y

sus propios valores.

Lectura cultural, identidad cultural, ecología cultural.

La búsqueda de la identidad cultural pasó a ser uno de los objetivos de los países “recién

independientes", cuya cultura había sido hasta entonces, institucionalmente definida por los

poderes centrales y cuya historia fue escrita por los colonizadores. La identidad cultural no

es una forma fija o congelada, más bien es un proceso dinámico, enriquecido a través del

diálogo y el intercambio con otras culturas. En este sentido, la identidad cultural también es

un problema para el mundo desarrollado. A pesar de eso, la preocupación con el estímulo

cultural a través de la educación ha sufrido diferentes abordajes en los mundos

industrializados y en los que están en vía de desarrollo, revelando significados diversos a

través de las diferencias semánticas. Mientras que en el Tercer Mundo hablamos sobre la

necesidad de búsqueda de la identidad cultural, los países industrializados hablan sobre la

lectura cultural y la ecológica cultural. De esta forma, en el mundo industrializado la cuestión

cultural se centralizada en el fortalecimiento de informaciones globales y superficiales sobre

diferentes campos del conocimiento (cultural y literario) y en la atención equilibrada a las

diversas culturas de cada país (ecología cultural). En el Tercer Mundo, sin embargo, la

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identidad cultural es el interés central y significa la necesidad de ser capaz de reconocerse a

sí mismo o una necesidad básica de sobrevivencia y de construcción de su propia realidad.

Los tres conceptos a los que nos referimos anteriormente convergen en un punto en común:

la noción de diversidad cultural. Sin la flexibilidad para asumir la diversidad cultural existente

en cualquier país no es posible una identificación cultural, ni una lectura cultural global y

menos la construcción de una cultura ecológica.

Diversidad cultural: multiculturalismo, pluriculturalismo e interculturalidad.

En este ámbito, para definir la diversidad cultural, tenemos que navegar nuevamente a

través de una compleja red de conceptos. Algunos hablan sobre multiculturalismo, otros

sobre pluriculturalismo, y además poseemos un término más apropiado: Interculturalidad.

Mientras que los términos “Multicultural" y "Pluricultural" significan la coexistencia y la

mutua comprensión de diferentes culturas en la misma sociedad, el término “Intercultural"

significa la interacción entre las diferentes culturas. Este debería ser el objetivo de la

educación interesada en el desarrollo cultural. Para alcanzar tal objetivo, es necesario que la

educación provea conocimiento sobre la cultura local, la cultura de varios grupos que

caracterizan a una nación y la cultura de otras naciones.

Interculturalidad: alta y baja cultura

En relación a la cultura local, se puede constatar que solamente lo que es considerado

erudito en esta cultura es admitido en la escuela. Las culturas de clases sociales bajas siguen

siendo ignoradas por las instituciones educativas y también por los que están involucrados

en la educación de estas clases. Hemos aprendido con Paulo Freire a rechazar la segregación

cultural en la educación. Las décadas de lucha para salvar a los oprimidos de la ignorancia

sobre ellos mismos nos enseñaron que una educación libertaria tendrá éxito sólo cuando los

participantes en el proceso educativo sean capaces de identificar su ego cultural y se

enorgullezcan de él. Esto no significa defender guetos culturales o negarles a las clases bajas

el acceso a la cultura erudita. Todas las clases tienen el derecho de acceder a los códigos de

la cultura erudita porque estos son los códigos dominantes - los códigos del poder. Es

necesario conocerlos, ser un experto en ellos, pero tales códigos continuarán siendo un

conocimiento externo a no ser que el individuo haya dominado las referencias culturales de

su propia clase social, esta es la puerta de entrada para asimilar al "otro". La movilización

social depende de la relación interdependiente entre los códigos culturales de las diferentes

clases sociales.

Interculturalidad: la cultura del colonizador y del colonizado

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La diversidad cultural presupone el reconocimiento de diferentes códigos, clases, grupos

étnicos, creencias y sexos en una nación, así como el diálogo entre los diversos códigos

culturales de las naciones o países, que incluye hasta la cultura de los primeros

colonizadores. Los movimientos nacionalistas radicales que pretendieron el fortalecimiento

de la identidad cultural de un país de forma aislada, ignoraron el hecho de que su pasado ya

había sido contaminado por el contacto con otras culturas y su historia penetrada por la

historia de los colonizadores. Por otro lado, los colonizadores no pueden olvidar que,

históricamente, ellos fueron obligados a incorporar los conceptos culturales que el oprimido

produjo acerca los que les colonizaron.

Interculturalidad y la cultura del Otro

La demanda para identificar, esto es "ser para el Otro", lo que asegura la representación del

sujeto, diferente del "Otro, la alteridad: "Identidad es ser para sí mismo y para el Otro; como

consecuencia la identidad se encuentra entre nuestras diferencias”. La función del arte en la

formación de la imagen de la identidad le otorga un papel singular entre los complejos

aspectos de la cultura. La identificación siempre es la producción de "una imagen de

identidad y la transformación del sujeto al asumir o rechazar aquella imagen reconocida por

el otro".

El papel del arte en el desarrollo cultural

A través del arte tenemos la representación simbólica de los rasgos espirituales, materiales,

intelectuales y emocionales que caracterizan a una sociedad o a un grupo social, su modo de

vida, su sistema de valores, sus tradiciones y creencias. El arte, como un lenguaje que

permite la presentación de los sentidos, transmite significados que no pueden ser

transmitidos a través de ningún otro tipo de lenguaje, como los lenguajes discursivos y

científicos. No podemos entender la cultura de un país sin conocer su arte. Sin conocer las

artes de una sociedad, solo podemos tener un conocimiento parcial de su cultura. Los que

están comprometidos en la vital tarea de fundar la identificación cultural, no pueden

alcanzar resultados significativos sin conocer las artes. A través de la poesía, de los gestos,

de la imagen, el arte habla de aquello que la historia, la sociología, la antropología etc., no

pueden decir porque ellas usan otro tipo de lenguaje, el discursivo, el científico, que solos no

son capaces de descodificar los matices culturales.

Entre las artes, el arte visual, que tiene a la imagen como materia prima, hace posible la

visualización de quiénes somos, dónde estamos y cómo nos sentimos. El arte en la educación

como expresión personal y como cultura es un instrumento importante para la identificación

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cultural y el desarrollo. A través del arte es posible desarrollar la percepción y la imaginación,

aprender la realidad del medio ambiente, desarrollar la capacidad crítica, permitiendo

analizar la realidad percibida y desarrollar la creatividad de tal manera que mude la realidad

que fue analizada. "Recordando a Fanon", diría que el arte capacita a un hombre o a una

mujer para no ser un extraño en su medioambiente ni un extranjero en su propio país. El

arte supera el estado de despersonalización, insertando al individuo en el lugar al que

pertenece.

Arte Educación y la conciencia de ciudadanía.

No se trata únicamente de incluir al arte en la curricula para que por arte de magia se

favorezca el crecimiento individual y el comportamiento del ciudadano como constructor de

su propia nación. Además de reservarle un lugar al arte en la curricula, lo que está lejos de

ser realizado, hasta en los países desarrollados, también es necesario preocuparse por la

manera en que el arte es concebido y enseñado. A lo largo de mi experiencia he observado

que el arte visual viene siendo enseñado principalmente como dibujo geométrico, siguiendo

todavía la tradición positivista, o el arte en las escuelas siendo utilizado para la celebración

de fiestas, en la producción de regalos estereotipados para el día de la Madre o del Padre y,

en la mejor de las hipótesis, apenas como un ejercicio de libre expresión. La falta de

preparación del personal para enseñar arte es un problema crucial, llevándonos a confundir

improvisación con creatividad. La anemia teórica domina la arte-educación que está

fracasando en su misión de favorecer el conocimiento en y sobre las artes visuales,

organizado de tal forma que relacione la producción artística con la apreciación estética y la

información histórica. Esta integración corresponde a la epistemología del arte. El

conocimiento del arte tiene lugar en la intersección de la experimentación, descodificación e

información. En las artes visuales, estar apto para producir una imagen significa ser capaz de

leer que una imagen son dos habilidades interrelacionadas.

Lectura Visual

En nuestra vida diaria, estamos rodeados por imágenes impuestas por los medios,

vendiendo productos, ideas, conceptos, comportamientos, Slogans políticos etc. Como

resultado de nuestra incapacidad de leer esas imágenes, aprendemos por medio de ellas

inconscientemente. La educación debería prestar atención al discurso visual. Enseñar la

gramática visual y su sintaxis a través del arte y hacer que los niños sean concientes de que

la producción humana de alta calidad es una forma de prepararlos para comprender y

evaluar todo o tipo de imagen, concientizándoles sobre lo que están aprendiendo con estas

imágenes. Una currícula que integre actividades artísticas, historia del arte y análisis de los

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trabajos artísticos llevaría a la satisfacción de las necesidades e intereses de los niños,

respetando a la misma vez los conceptos de la disciplina que va a ser aprendida, sus valores,

sus estructuras y su contribución específica a la cultura. De esta forma, estaríamos

realizando un equilibrio entre las dos teorías curriculares dominantes: aquella centrada en el

niño y la centrada en la disciplina. Este equilibrio curricular comenzó a ser defendido en

Reino Unido por el BasicDesign Movement durante los años 50, cuando Harry Thubron,

Victor Pasmore, Richard Hamilton, Richard Smith, Joe Tilson y Eduardo Paolozzi

desarrollaron su arte de enseñar el arte. Ellos asociaron las actividades artísticas con la

enseñanza de los principios del design y la información científica sobre la mirada, todo

esto con ayuda de la tecnología. Sus alumnos estudiaban gramática visual, su sintaxis y su

vocabulario, dominando elementos formales, tales como: punto, línea, espacios positivos

y negativos, división de áreas, color, percepción e ilusión, signos y simulación,

transformación y proyecciónen las imágenes producidas por los artistas y también por los

medios de comunicación y publicidad. Ellos fueron acusados de racionalismo, pero hoy, con

casi setenta años de arte educación expresionista en las escuelas del mundo industrializado,

llegamos a la conclusión de que la expresión "espontánea" no es suficiente para el

entendimiento del arte.

Apreciación del arte y desarrollo de la creatividad

Apreciar, educar los sentidos y evaluar la calidad de las imágenes producidas por los artistas

es una ampliación necesaria par la libre-expresión, de esta forma se posibilita el desarrollo

continuo de aquellos que, después de terminar la escuela, no se convertirán en productores

de arte. A través de la apreciación y descodificación de los trabajos artísticos, desarrollamos

fluidez, flexibilidad, elaboración y originalidad - los procesos básicos de la creatividad.

Además, la educación de la apreciación es fundamental para el desarrollo cultural de un país.

Este desarrollo solo sucede cuando una producción artística de alta calidad es asociada a un

alto grado de comprensión de la misma por el público.

Arte Educación: preparando el público para el Arte

Una de las funciones del arte en la educación es la de ser mediador entre el arte y el público.

Los museos y los centros culturales deberían ser los líderes en la preparación del público

para la comprensión del trabajo artístico. Sin embargo, son pocos los museos y centros

culturales que realizan esfuerzos para facilitar la apreciación del arte. Las visitas guiadas son

tan tediosas, que el viaje de ida y vuelta a los museos es mucho más interesante para el

niño. Pero, es importante enfatizar que los museos y los centros culturales son una

contribución insustituible para amenizar la idea de la inaccesibilidad del trabajo artístico y

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del sentimiento de ignorancia del visitante. Aquellos que no tienen educación escolar tienen

miedo de entrar en un museo. Sienten que no conocen lo suficiente para ingresar en los

"templos de la cultura". Ya es hora de que los museos abandonen su comportamiento

sacralizado y que asuman su trabajo conjunto con las escuelas, porque solamente las

escuelas pueden dar a los estudiantes de las clases bajas la oportunidad y la seguridad para

entrar en un museo. Los museos son los lugares para que se dé la educación concreta sobre

la herencia cultural que debería pertenecernos a todos, no solamente a una clase económica

y social privilegiada. Los museos son los lugares ideales para entrar en contacto con los

patrones de evaluación del arte a través de su historia, allí se prepara un consumidor de arte

crítico no sólo con el arte de ayer y el de hoy, sino también con las manifestaciones artísticas

del futuro. Al conocer la relatividad de los patrones de evaluación a través de los tiempos, el

individuo se vuelve flexible para crear patrones apropiados para juzgar aquello que todavía

no conoce. Este tipo de educación, capaz de desarrollar la auto-expresión, apreciación,

descodificación y evaluación de los trabajos producidos por otros, asociados a su contexto

histórico, es necesaria no solo para el crecimiento individual y el enriquecimiento de una

nación, sino también es un instrumento para la profesionalización.

Arte para o desarrollo profesional

Un gran número de trabajos y de profesiones están directa o indirectamente relacionados al

arte comercial y la propaganda, los out-doors, el cine, el video, la publicación de libros y de

revistas, la producción de discos, casetes y CD, sonido y escenarios para la televisión, y todos

los campos del design de moda e industria textil, design gráfico, decoración etc. No puedo

imaginar a un buen diseñador gráfico que no sepa algo de Historia del Arte, por ejemplo, o

sobre Bauhaus. No solamente los diseñadores gráficos, sino también otros profesionales

similares podrían ser más eficientes si conociesen, hiciesen arte y hubiesen desarrollado su

capacidad de análisis a través de la interpretación de los trabajos artísticos en su contexto

histórico. Me enteré que una investigación constató que los camarógrafos de televisión son

más eficientes cuando tienen algún contacto sistemático con la apreciación del arte. La

interpretación de las obras de arte y la información histórica son inseparables: la primera

tiene un abordaje diacrónico horizontal del objeto y la otra es una proyección sincrónica

vertical. La intersección de estas dos líneas de investigación producirá la comprensión crítica

de cómo los conceptos formales, visuales y sociales aparecen en el arte, como ellos han sido

percibidos, redefinidos, rediseñados, distorsionados descartados, reapropiados,

reformulados, justificados y criticados en sus procesos constructivos. Este abordaje de la

enseñanza ilumina la práctica del arte, aún cuando esta práctica es meramente catártica.

Arte para el desarrollo emocional y afectivo

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Aquellos que defienden el arte en la escuela únicamente para liberar la emoción deben

recordar que podemos aprender muy poco sobre nuestras emociones si no somos capaces

de reflexionar sobre ellas. En la educación, lo subjetivo, la vida interior y la vida emocional

deben progresar, pero no por una casualidad. Si el arte no se trata como un conocimiento, y

solamente como un “grito del alma", no estamos ofreciendo ni educación cognitiva, ni

educación emocional. Fue Wordsworth, a pesar de su romanticismo, quien dijo: "El arte

tiene que ver con la emoción, pero no tan profundamente como para reducirnos a las

lágrimas".

* Ana Mae Barbosa es Profesora Titular de la Universidad de San Pablo, autora de varios

libros, entre ellos Tópicos utópicos (1998) y Arte Educación: Lectura en el subsuelo (1999).

Ganadora del Premio Internacional Sir Herbert Read (1999).

http://es.scribd.com/doc/23417505/Arte-Educacion-y-Cultura-Ana-Mae-Barbosa

Actividades:

Trabajo Individual (No presencial)

1) ¿Quiénes son los “otros” según el texto de Ana Mae Barbosa?

2) ¿Por qué es importante, según el texto, asumir la diversidad cultural y lograr la

interculturalidad? ¿Qué opinas sobre esto?

3) ¿Qué pensás de la división entre cultura alta y baja? Menciona ejemplos locales o

regionales.

4) ¿Qué significa identificar el ego cultural y enorgullecerse de él? Reflexiona y explica.

5) Observa las siguientes imágenes e investiga sobre los artistas: Claudia Coca (peruana)

y Marcos López (argentino). Reflexiona en grupo sobre lo que estos artistas plantean

en sus respectivas obras.

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Mujer Maravilla. Claudia Coca

Amanda. Marcos López. 2005

Amanda, retrato tomado en el año 2005.

https://redaccion.lamula.pe/2014/07/30/mi-trabajo-es-mostrar-que-el-mestizaje-es-un-enriquecimiento/alonsoalmenara/

Trabajo Grupal (Presencial)

6) Realiza una obra bidimensional en la que evidencies la tensión entre la “alta” y la

“baja” cultura. Puedes utilizar fotocopias, imágenes impresas, puedes intervenirlas

con pintura y/ o dibujo, utilizar collage, pegando papeles o collage digital.

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Texto 10

LOS HUARPES EXISTIMOS

Cuando fui a la escuela, me discriminaron mucho por ser indígena. Éramos varios chicos los

hijos de laguneros y la mayoría de los maestros eran hijos de italianos, “gringos”, como

decían los viejos nuestros. A tal punto me discriminaron, que estuve en los tres cuadros de

honores para recibir la bandera, con buen puntaje, y no me la dieron porque yo era hija de

lagunero, era indígena. Yo había estudiado y había hecho mucho esfuerzo para recibir la

bandera. Pero no me la dieron. Después le tocó a mi hermana. Ella también logró muy buen

puntaje para la bandera y tampoco pudo recibirla: se la dieron al hijo de un abogado.

Entonces mi otro hermano, siendo muy chiquito, le dijo a mi papá: “Papi, yo no voy a

estudiar para recibir la bandera, no me interesa ser abanderado. Yo quiero ser un ser

humano, no quiero ser un indígena”. Hasta hoy nos acordamos de esa conversación. Él lo

decía con mucha convicción, quería que no lo discriminaran, que lo reconocieran como ser

humano. Hoy tiene 38 años y le decimos “ser humano”.

Jamás tuve vergüenza, tuve dolor, pon nunca me avergonzaba. Ahora, de grande, me han

discriminado, pero ya no me duele. En todo caso me puede dar un poco de bronca, pero

puedo pelearla, puedo discutir y puedo decir que la historia que ellos cuentan no es así. El

año pasado, un investigador nos discriminó y nos dijo que los Huarpes no existíamos, que

usábamos esto políticamente. Las radios en seguida empezaron a llamar a casa para hablar

con mi papá. El tuvo una respuesta muy sabia, dijo: “Que pena que este señor que estudió

tanto, tanta historia, sepa tan poco, porque los huarpes estamos”. Es todo lo que dijo mi

padre. “Nosotros, los huarpes, estamos”; eso solo dijo.

Noemí Jofré. (2008)

“Mujeres dirigentes indígenas

Relatos e historias de vida”

….”La escuela es muy ignorante de nuestra cultura y la ignorancia genera el antirrespeto.

Para que haya respeto tienen que haber conocimiento. ¿Por qué nuestros abuelos

respetaban a la Pachamama? Porque conocían, no era por hacerlo nomás.

Conocían que la tierra había un tiempo en que tenía que descansar y otro que era para

sembrar. Y que cuando la tierra nos da nuestro alimento es como nuestra madre cuando nos

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da la leche de sus mamas. Nosotros siempre estamos agradecidos a nuestra madre, a

nuestro padre que nos ha engendrado y a la tierra lo mismo, es un ser viviente más.

Ese conocimiento profundo no lo enseñan en la escuela. No lo enseñan por el mismo hecho

de que los que enseñan no conocen.

Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.

Preparatorias de Abra Pampa

…”Es fundamental la relación de la comunidad con los docentes para charlar sobre el

tema, porque los docentes siguen sin saber la historia y las costumbres. Entonces vamos a

llegar a un acuerdo cuando nos reunamos, nos juntemos, y ahí hablaremos de educación.

Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.

Preparatorias de Susques

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea los relatos (Los Huarpes existimos, Primeras Jornadas de Educación

Intercultural)

Anote al margen apreciaciones personales sobre las frases más significativas

del texto.

Reflexione individualmente sobre la siguiente situación

Usted ha tomado un cargo de docente de plástica en la escuela rural Antonio Silva,

ubicada en Barrancas, Maipú. La misma es una escuela con grados múltiples.

En la charla con el director antes de iniciar las clases, él le comenta que los chicos más

grandes, vienen trabajando el tema de identidad, “…en la zona existió un asentamiento

Huarpe, y los chicos han encontrado muchos restos cadáveres y todo…bueno llamamos a

patrimonio y con ellos y gente de la municipalidad están trabajando la recuperación de la

historia regional y su relación con la vida de ellos hoy”.

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Pensando en la charla con ese director, reflexione honestamente sobre:

¿Qué conoce usted sobre los Huarpes hoy? En un pequeño escrito detalle sus

conocimientos al respecto

Ahora tome posición como docente de esa escuela y piense:

¿Cómo utilizaría los datos que le provee el director para su presentación los

primeros días de clase en el grado?

Detalle una serie de actividades a realizar a fin de ocuparse en sus clases de esa

realidad escolar.

Trabajo grupal (Presencial)

Seleccionen algunos de los conceptos esenciales de los textos 8 y 9, y realicen

una produción plástica donde representen, o simbolicen la idea través de una

imagen utilizando materiales diversos.

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Texto 11

“Mi última obra es un muro”

Joan Miró

Fue en 1955 cuando la Unesco me solicitó que participara en la decoración de sus nuevos

edificios que estaban construyéndose en la Plaza de Fontenoy, en Paris. La Organización

puso a mi disposición dos muros perpendiculares- el uno de 15 metros de largo y el otro de

siete metros y medio - que se habían erigido junto al edificio de conferencias. Yo propuse

decorarlos con mosaicos de cerámica y ejecutar mi obra en colaboración con Llorens Artigas.

La estructura misma de los edificios, su aprovechamiento del espacio, las condiciones de la

luz, me sugirieron las formas y los colores de mis muros. Como una reacción contra las

inmensas paredes de cemento, se imponía para el muro mayor la idea de un gran disco, de

potente coloración rojiza. Su eco o su equivalente pictórico sobre el muro menor sería una

luna menguante de color azul, dictada por el espacio más restringido, más íntimo, sobre el

cual iba a reinar. (…)

Traté de dar una expresión de gran fuerza en el muro de mayor tamaño y una sugestión más

poética en el muro menor. De este modo dibuje y pinte algunas maquetas a la escala de

1/100 que fueron sometidas a un comité especial y obtuvieron su aprobación.

La segunda etapa de mi trabajo fue la búsqueda que emprendí, en compañía de Artigas, de

los medios técnicos para la transposición de mi pintura a la cerámica. Ningún ceramista se

había enfrentado con una obra de semejantes dimensiones. Era necesario, por otra parte,

prever la resistencia del material a las diferentes temperaturas, a la humedad y al calor

excesivo del sol, ya que los dos muros estaban situados en el exterior, sin protección alguna.

Todos estos problemas eran arduos y solo Llorens Artigas podía resolverlos. Como un

antiguo alquimista buscaba las clases de arcilla, los esmaltes de greda y los colores que debía

utilizar. Esta búsqueda constituye una verdadera creación (….).

Se nos ocurrió la idea de hacer un viaje a Santillana del Mar, para volver a contemplar las

célebres pinturas rupestres de Altamira y meditar delante del primer arte mural del mundo.

En la vieja iglesia románica de la Colegiata nos maravilló la belleza plástica de un muro

arcaico, carcomido por la humedad. Llorens Artigas no olvidaría ese muro al crear la materia

de los fondos de cerámica. Después (….) quisimos ponernos bajo el signo y la advocación de

los artistas románicos catalanes y de Gaudí. El Museo de Barcelona encierra admirables

frescos románicos, cuya lección no he cesado de escuchar desde mis primeros trabajos de

pintor.

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Finalmente fuimos a visitar al Gaudí del Parque Güell y allí embargó mi imaginación el disco

inmenso que se encuentra incrustado en el muro. Este encuentro lo interpreté como una

confirmación de mi idea y un estímulo a mi creación pictórica.

Artigas no estaba satisfecho con la materia de fondo y, por otra parte, la regularidad

geométrica de los mosaicos le parecía peligrosa para la calidad artística y la vida misma de la

obra. Fue entonces cuando recordó el muro de la Colegiata y volvió a encontrar una

maravillosa sensibilidad en sus ensayos. Asimismo, los muros de la antigua capilla de Gallifa

nos abrieron los ojos. Había que rehacerlo todo con mosaicos de dimensiones diferentes.

Esta experiencia infortunada nos costó cuatro toneladas de tierra, 250 kilos de esmalte y

diez toneladas de leña, sin contar el trabajo y el tiempo empleados.

Habíamos encontrado por fin la estructura de los mosaicos y la materia que debía servir

como fondo; así, el primer cocimiento se llevó a cabo sin incidentes (…). Pero, a pesar de

todas las precauciones que se puedan tomar, el amo de la obra es en última instancia el

fuego: su acción es imprevisible y su sanción tremenda. (…) Existía una dificultad

suplementaria: las grandes dimensiones de la superficie que yo debía pintar. Ciertas formas

y líneas debían ser trazadas con un solo movimiento para conservar su dinamismo y su

espontaneidad original. Me serví para ello de una escoba de fibras de palmera. Artigas

contuvo la respiración cuando me vio asir la escoba para trazar formas de cinco o seis

metros, corriendo el riesgo de perder el trabajo de muchos meses.

Noviembre de 1958

MIRO, Joan (1893-1983) con Jose Llorens ARTIGAS. LA LUNA, 1958. Mural en cerámica esmaltada, hecha de placas de cerámica. 220 x 750 cms

JOAN MIRÓ (1893-1983), pintor español, es uno de los grandes artistas plásticos de este siglo. En su juventud

participo en el movimiento surrealista en Paris, donde vivió largos años. Por encargo de la Unesco realizo dos

murales, a los que el pintor dio el título de El muro del Sol y El muro de la Luna y de los que habla en el artículo

aquí reproducido.

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Fragmentos de un texto publicado previamente en la revista Derriere le miroir (Nos 107, 108, 109) Maegt, Paris, 1958.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

Subraye los nombres de artistas y obras de arte que se mencionan.

Busque y observe imágenes de las obras de los artistas: Joan Miró, y Antoni

Gaudí.

Trabajo grupal (presencial)

Analicen junto a los docentes la obra de pintura mural de la fachada de

nuestra institución: preceso de organización del proyecto, elaboración de

imágenes, gestión de recursos, pintura directa sobre el muro, entre otros.

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Texto 12

¡ESOS CHICOS PIERDEN EL TIEMPO! (1935) Olga Cossetini

A la lectura se asocia el canto (…). La lectura interpretada así crea en el niño el sentido

artístico.

Casi siempre después de cuatro o cinco lecturas, hacen un programa y organizan una fiesta a

la que invitan a otros grados.

Son actos simpáticos; contienen la belleza que emana de las cosas sencillas y hondas, que se

han arraigado bien en el alma y no son sino una consecuencia inmediata de las clases de

lectura.

Recuerdo que cierto día, al empezar uno de esos actos, llegó a la escuela un padre en son de

protesta y dirigiéndose a la maestra dijo:

- ¡Esos chicos pierden el tiempo!

Pero la maestra le replicó con energía;

- Señor, lo que ocurre es que usted quiere que su hija sea educada en la escuela del rigor, a

la que usted asistía más por obligación que por cariño: venga usted y presencie la fiesta,

puede ser que cambie de opinión.

Y ahí estaba instalado en una silla del Teatro Infantil, un poco incómodo por la algazara de

los chicos y la expresión sonriente de algunas madres.

El segundo número del programa era un diálogo que debía ser interpretado por una niña y la

hija del padre ofendido, una pequeña llena de alegría y de gracia.

Era una escena d amor maternaly la niña, posesionada d su papel de madre, arrullaba a su

muñeca cantándole un “duérmete, mi niño” dulcísimo.

Observé la actitud del padre, hasta entonces rígida y fría. Poco a poco fue modificando su

expresión, lo miré recogerse en la silla, inclinar un poco la cabeza, pasar repetidas veces la

mano por su mentón áspero, hasta que al final aplaudió con los chicos confundiendo su

alegría nueva con la alegría d los pequeños.

Cuando salió del salón quiso volver a su actitud primera, pero no tuvo tiempo. Ahí estaba

frente a él su hijita, satisfecha, sonriente, esperando del papá la palabra buena, que no tardó

en llegar. Olga Cossetini (1898-1987). Maestra santafesina vinculada a las posiciones más

democráticas de la escuela nueva. Escuela Serena. Apuntes de una maestra relata su

experiencia como directora en la escuela Experimental “Gabriel Carrasco” de Rosario

en las décadas de 1930 y 1940.

Fragmento extraído de “Relatos de escuela. Una compilación de textos breves sobre la experiencia escolar”, Pablo Pineau

(compilador). Bs. As: Paidós, 2008

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Actividades

Trabajo Individual (No presencial).

Lea atentamente el texto, y escriba brevemente sus reflexiones

personales de acuerdo a los siguientes interrogantes:

1. ¿Cuál es el tema principal del texto?

2. ¿Cuál es la mirada de la sociedad en general sobre las actividades

expresivas en la escuela?

3. ¿Qué pretenden actualmente los padres de la escuela?

4. ¿Qué pretendía la autora con esta propuesta pedagógica?

Trabajo Grupal (Presencial)

Compartan en grupo las opiniones escritas. Debatan sobre temas

vinculados a la creatividad en la escuela, la educación artistica en la actualidad, el

rol del docente de arte, entre otras ideas fundamentales.

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«(…) el arte capacita a un hombre o a una mujer para no ser un extraño en su

medio ambiente ni un extranjero en su propio país. El arte supera el estado de

despersonalización, insertando al individuo en el lugar al que pertenece» (Ana Mae

Barbosa)

Mediación, procesamiento

y coordinación general:

Prof. Esp: Carolina Eva Martínez

Prof: Marta Paz

Profesores que colaboraron

en la elaboración del ingreso:

Prof: Verónica Aguirre

Prof: Sergio Maure

Prof: Silvina Negri

Prof: Carina Osorio

Prof: Rosana Quiroga

Prof: Sergio Rosas

Prof: Natalia Ziperovich