cuadernillo de ingreso - ens9002-mza.infd.edu.ar · profesorado de artes visuales. estructura...

ISFDyT 9-002 Normal Superior

Tomás Godoy Cruz

Cuadernillo

INGRESO 2015

PROFESORADO DE ARTES

VISUALES Y

TECNICATURA SUPERIOR EN

PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

ARTESANAL

Ingreso 2015. Carreras Artísticas. ISFDyT 9-002 Normal Superior Tomás Godoy Cruz

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INDICE

Portada

Indice. Pág. 2

Bienvenida a los estudiantes. Pág. 5

Organización general del ingreso. Pág. 7

La elección de la Carrera Pág. 8

Actividades. Pág. 9

Nos conocemos. Pág. 11

Actividades Pág. 11

Profesorado de Artes Visuales. Estructura curricular Pág. 13

Perfil del egresado Pág. 13

Tecnicatura Superior en Producción Artística Artesanal. Estructura curricular. Pág. 18

Perfil del egresado Pág. 19


Sugerencias para el abordaje de los textos de estudio Pág. 22

Fase I: Lectura Exploratoria Pág. 23

Fase II: Lectura Analítica Pág. 23

Texto 1: La Obra de Arte: Teoría, función y actualidad Pág. 25


¿Qué es un mapa conceptual? Pág. 29

Mapa conceptual, esquema Pág. 30

Introducción a las Artes Visuales y los lenguajes artísticos. Pág. 31

Texto 2: Lenguajes Plásticos: Técnicas y materiales en la historia del Arte. Pág. 32


Texto 3: La Obra de Arte a partir del siglo XX: de moderno a contemporáneo. Pág. 34

Actividades. Pág. 38


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Texto 4: La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte Pág.40.


Texto 5: El Dibujo: Proceso de conocimiento, reflexión y comunicación Pág. 43


Texto 6: Introducción al Campo Cerámico Pág. 46


Texto 7: El hacer plástico Pág. 52


Texto 8: Una educación alternativa Pág. 55

La Educación Alternativa desde las Artes Visuales. Pág. 59


Texto 9: Los huarpes existimos Pág. 63


Texto 10: Mi última obra es un muro Pág. 66


Texto 11: Domingo por la tarde Pág. 69


Veamos la estructura de una CARTA. Pág. 72

Texto 12: ¡Esos chicos pierden el tiempo! (1935) Pág. 74


Producción de textos Pág. 75

Profesores que elaboraron el ingreso Pág. 77

http://www.xuletas.es/ficha/la-carta/


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“Cuando el artista está vivo en una persona, sea cual sea su

tipo de trabajo, se convierte en un ser inventivo, indagador,

osado, expresivo. Se hace interesante para los demás.

Perturba, molesta, ilumina y abre caminos para una mejor

comprensión. Allí donde los que no son artistas intentan

cerrar el libro, él lo abre y demuestra que aún hay páginas

posibles”

Robert Henri


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Estimados estudiantes:

Elegir qué estudiar no siempre es algo sencillo, muchos de ustedes seguramente tendrán

la sensación de que están probando y la verdad es que es así. Sin embargo tomamos

decisiones todo el tiempo y lo importante es hacernos cargo en cada momento de eso

que elegimos. Por ahora, ustedes han elegido ser estudiantes y eso en el nivel superior, al

menos para los docentes de esta institución, implica un compromiso.

Decimos estudiantes y no alumnos1 ya que partiremos de entenderlos como sujetos con

historias, con aprendizajes y trayectorias de vida altamente significativas. Sujetos de

experiencias que esperamos poder resignificar durante tu proceso en la institución...

En cada uno de los espacios que irán cursando podrán encontrarse con contenidos

afines, con docentes con los que se identifiquen más o menos, con estilos diferenciados e

ideologías divergentes. Lo importante es que en cada uno de ellos ustedes no se pierdan,

puedan mostrar y mostrarse, puedan decir quienes son, qué piensan y sienten, cuales son

sus temores y expectativas.

Como docentes nos comprometemos en acompañarlos, colaborar en la construcción de

sus aprendizajes, pero para eso necesitamos de su responsabilidad, presencia,

participación, solidaridad entre pares, lectura crítica y conciente de las bibliografías,

para concretar los objetivos de este proyecto.

Esperamos que el paso por el nivel superior y en particular por la Tecnicatura Superior en

Producción Artística Artesanal y/o el Profesorado de Artes Visuales les ayude a

desarrollar su creatividad, en tanto ésta les permitirá adaptarse activamente a los

cambios, potenciar su sensibilidad, la afectividad, colaborar en la resolución de

problemas, fomentar una mirada crítica, y fortalecer la autoestima.

“Cuando emprenden una tarea los seres humanos casi siempre

aprenden más o menos de lo previsto. Por otra parte la enseñanza

que no se ata a pautas rígidas suele tomar rumbos y explorar ideas

que ni el docente ni los alumnos podrían haber imaginado al principio

(…) en educación la virtud es mucho más que lograr resultados

1 Alumnos= sin luz


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uniformes entre alumnos sino buscar la formación de la diversidad

productiva. Todas las actividades artísticas genuinas tiene en común

la evocación de esa diversidad” (Eisner, Elliot. “La escuela que

necesitamos”.Amorrortu, Buenos Aires.2002)

El aprendizaje vinculado a las Artes pone en juego la expresión propia y el ejercicio de la

comunicación a través de lenguajes verbales y no verbales, como así también, la

apreciación y el respeto por otras expresiones del entorno. Contribuye a desarrollar esas

capacidades expresivas en cada uno, ayuda a consolidarlos como seres seguros de sí

mismos, capaces de comunicar sus ideas y pensamientos. Asimismo posibilita agudizar la

percepción, lo que permite que puedan codificar y decodificar diferentes mensajes,

constituyendo de este modo, profesionales críticos.

Nuestro desafío como docentes es colaborar en la formación o en el refuerzo de matrices

de aprendizaje activas, críticas, solidarias, no estereotipadas que les ayuden a

consolidarse como sujetos libres, participativos, impulsores de cambios, que les

permitirán sentirse conformes con ustedes mismos, logrando a la vez fines y metas más

justas y solidarias para todos/as.

Durante los años próximos los acompañaremos en la consolidación del rol de hacedores

de Arte y/o docentes de educación artística, por lo que fomentaremos el contacto con la

realidad local, provincial, latinoamericana; a partir de la relación con “lo cotidiano” y el

acercamiento a diferentes contextos culturales y educativos el compromiso con la

realidad sociopolítica y económica será mayor. Observar para comprender, y

comprender para transformar es uno de los motores de este proceso que esperamos les

resulte grato y significativo.

Equipo de Profesores de Carreras Artísticas


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ORGANIZACIÓN GENERAL DEL INGRESO

En el mes de diciembre se pone a disposición de los aspirantes a las carreras artísticas

este cuadernillo de ingreso. Contiene una variedad de textos que refieren tanto a la

elección de la carrera, las competencias necesarias para el estudio en el nivel superior,

a los distintos lenguajes artísticos como también a la educación. Se sugiere la lectura

previa al cursado del ingreso, que comenzará en febrero de 2015.

Características del curso de ingreso:

Duración: se organizan diez encuentros presenciales desde el 11 al 13 de febrero y

desde el 25 al 27 de febrero de 2015.

Modalidad de trabajo: se establecen encuentros presenciales con actividades

individuales y grupales, y actividades de producción en instancias no presenciales.

Requisitos de asistencia a los encuentros presenciales: 75% de asistencia

Cursado: común a las Carreras de Tecnicatura Superior en Producción Artística

Artesanal y Profesorado de Artes Visuales

Evaluación: El ingreso se acreditará con la resolución completa de las actividades no

presenciales presentadas en el cuadernillo, y la asistencia mencionada a las instancias

presenciales con la participación en las actividades de producción grupal. Además se

evaluará en instancia de exámen final una producción individual vinculada a la

comprensión y producción de textos a partir de pautas dadas, la que será evaluada al

finalizar el cursado del ingreso.

El cuadernillo: En él encontrarás textos especialmente seleccionados con distintas

actividades propuestas. Las actividades no presenciales deben ser resueltas previas a

los encuentros presenciales. Es muy importante que puedas asistir y participar

activamente de las propuestas presenciales que se desarrollarán con el

acompañamiento docente.


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LA ELECCIÓN DE LA CARRERA

Al terminar la escuela secundaria o en otro momento, cuando se decide emprender un

nuevo proyecto formativo, una de las decisiones más importante es la elección de una

carrera. Cada estudiante vive esa instancia de un modo particular. En nuestra

institución, una de las características de los grupos de ingresantes es la

heterogeneidad, algunos ingresan por primera vez al nivel superior, otros ya hicieron

otros recorridos, otros concretan un proyecto trunco. Entonces nos preguntamos:

¿Cómo surge la elección de esta carrera? ¿Espontáneamente? ¿Es la respuesta a un

impulso? ¿Es la elegida entre otras alternativas? ¿Responde a la pasión por las artes

plásticas? ¿Es una decisión provisoria, a modo de prueba, para conocer de qué se

trata? ¿Es una definición largamente elaborada?

La vocación no es una decisión mágica sobre una actividad que desarrollaremos el

resto de nuestra vida, sino que es una decisión pensada, elaborada, que trata de

conjugar nuestras preferencias, nuestras posibilidades con lo que el contexto nos

ofrece. Es el punto de encuentro entre lo que nos gusta hacer y lo que es posible

realizar en las condiciones concretas de nuestra existencia.

Entendemos a la vocación como un proceso de construcción personal, que requiere un

diálogo íntimo con uno mismo e implica tomarse el tiempo necesario para hacerlo.

Este diálogo lleva a la identificación de recursos personales, gustos, intereses, aquellos

que constituyen las posibles vocaciones y su correlato ocupacional.

Como tal, es una construcción permanente que no tiene fin, donde participan una

variedad de factores, como son los aspectos subjetivos, con sus intereses, gustos y

autopercepción; aspectos interpersonales, como la influencia de los ideales de los

referentes y de la familia; aspectos sociales relacionados con la valoración, con el

lugar que nuestra sociedad asigna a las diferentes carreras y oficios, y las posibilidades

laborales entre otros.

De este modo, uno de los propósitos de este curso de ingreso, es destinar una jornada

para reflexionar sobre la elección de la carrera, donde se procura generar un espacio

que permita hablar acerca de las preferencias, intereses y aptitudes personales, como

también de las posibilidades y las limitaciones que ofrece dicha carrera. En esta

reflexión se ponen en juego tres ámbitos: el personal, vinculado a intereses,

capacidades y habilidades; el institucional, concerniente a las características de las

carreras y el perfil profesional; y el estratégico, en referencia a algunas estrategias y

hábitos de estudios necesarios para el nivel superior.


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Consideramos además, que el trabajo en grupo es óptimo para esta temática, ya que

se intercambian opiniones, se comparten momentos con personas que tienen las

mismas dudas o que pasan por experiencias similares y es el ámbito en el que se

explicitan inquietudes, ansiedades, dudas.

A continuación sugerimos algunas actividades, en las que hacemos hincapié en los

aspectos informativos y en trabajos grupales. Los profesores las organizarán de

acuerdo a las necesidades específicas del grupo.

Propósito:

Profundizar el conocimiento de cada una de las carreras artísticas de la

Institución.

Reflexionar sobre la elección realizada, analizar con la información obtenida

para elaborar una visión más certera.

Actividades

Trabajo Individual (no presencial)

Lean atentamente el texto anterior.

Escriban brevemente cómo fue el proceso de elección personal

Las siguientes afirmaciones pueden orientar el análisis

¿Es clara mi orientación vocacional?

La vocación se construye a partir de la historia personal, las experiencias, los gustos, la

forma de ser, la identidad. No es algo predeterminado, rígido e inflexible, sino que

tiene que ver con los intereses, con la pasión o atracción por algo definido o por varias

cosas simultáneamente, es decir, hay un componente afectivo en la elección.

¿Cómo soy?

Es el conocimiento personal, las preferencias, inclinaciones, aptitudes con que cada

uno cuenta. Si pensamos en la propia trayectoria escolar, cuáles eran las materias

preferidas, en cuáles he obtenidos buenos resultados, en cuáles no, cuáles son los

hábitos de estudio; que espera la familia, como nos ven los otros, los amigos; cuáles

son las propias expectativas, etc.


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¿Qué aptitudes tengo?

Además de las preferencias e intereses, se deben añadir habilidades, aptitudes y

capacidades personales.

¿Cómo me veo en el futuro o como quién quiero ser?

En los procesos de elección influyen modelos o personas que hemos conocido a lo

largo de nuestras vidas. Podemos admirarlas, sentir identificación y querer llegar a ser

lo que ellas son, como también podemos sentir y querer todo lo contrario.

¿Qué conocemos de la carrera?

Es la información externa, se trata de averiguar sobre los planes de estudio, los

requisitos, la modalidad de cursado, cuales son las materias troncales del plan, como

se evalúan, cuál es la posibilidad de inserción laboral que tiene la carrera, etc.

En las siguientes páginas encontrarán más información sobre las Carreras artísticas de

nuestra institución y podrás completar la indagación a través del diálogo con los

distintos profesores.


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Nos conocemos

Desde el principio de los tiempos hombres y mujeres se agruparon para sobrevivir,

recrear y transformar el mundo en que vivían comprendiendo lentamente que el

camino de su desarrollo pasaba inevitablemente por el contacto social y la necesidad

de organizarlo creadoramente.

Has elegido una carrera en la que no cabe el aislamiento. Como estudiante deberás ir

desarrollando el sentido de pertenencia a la institución y a tu grupo de estudio…

aprender a comunicarte, a escuchar a los demás, a compartir y cooperar con los otros.

Los propósitos en esta instancia se orientan a promover el conocimiento entre los

miembros del grupo, reflexionar sobre la importancia de la elección de la Carrera en la

vida personal, e identificar algunos factores que inciden en la elección de la Carrera.

Actividades

Trabajo presencial

Presentación de los profesores.

Presentación de los alumnos: En grupos, se presentarán entre sí: nombre,

edad, apodo, lugar de residencia, estudios anteriores, trabajo, otras

actividades que realicen, experiencias vinculadas a las Artes o las

Artesanías, algo que deseen compartir con el grupo, entre otras.

Puesta en común sobre lo dialogado

En este proceso de elección Vocacional es preciso conocer todas las posibilidades en

profundidad para que elijas y te sientas a gusto con la Carrera que sigas, de acuerdo a

tus intereses, aptitudes y expectativas. Además es la etapa propicia para que aclares

tus dudas y puedas enfrentar tus temores.

Confrontación: Acción de poner una cosa frente a otra para averiguar, por oposición.

En este caso, el autoconocimiento y la información de la carrera.

Se compara lo que uno es con lo que la carrera ofrece y exige.


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Para obtener mayor información sobre la carrera elegida, los docentes a cargo del

grupo explicarán las características de la carrera. Pueden realizar preguntas referidas a

los contenidos, materias o disciplinas a aprender, duración de la carrera, requisitos,

cómo es la vida estudiantil, exigencia de la institución, trabajo y estudio, futuro laboral,

etc.

A continuación te presentamos nuestras Carreras


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Profesorado de ARTES VISUALES

“El arte supremo del maestro es despertar el placer de la expresión creativa y el

conocimiento”

(Albert Einstein)

Perfil del egresado

La tarea del/la profesor/a de Artes Visuales es un trabajo profesional

institucionalizado, que se lleva a cabo en diversos ámbitos de la sociedad, en el

marco de la construcción colectiva de intereses públicos, de significados y

aspiraciones compartidas y del derecho social a la educación. Ello implica la

necesaria autonomía y responsabilidad para la toma personal de decisiones


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para enseñar. Entendida como una actividad comprometida, simbolizante,

enriquecedora, que permite construir espacios de producción compartida y

colaborativa en las instituciones en las que la labor del equipo pueda primar

por sobre el trabajo individual y aislado. Esto exige integrarse con facilidad en

grupos, con el fin de reflexionar sobre el aprendizaje, nuevos modelos

didácticos y problemáticas compartidas para superarlas en forma creativa y

colectiva.

El Profesorado de Artes Visuales apunta a la formación de un profesional

docente capaz de adaptarse activamente, desde su praxis, a las variables y

características del contexto socio cultural; apto y competente para promover el

desarrollo de sujetos también competentes, con las connotaciones formativas

en lo cognoscitivo, motriz, afectivo y social, tomando como eje el lenguaje

visual y la dimensión que esta formación supone e implica.

En este marco, se aspira a formar un/a profesor/a de Artes Visuales que sea a la

vez persona comprometida, mediador intercultural, animador de una

comunidad educativa, promotor del respeto a la vida y a la ley en una sociedad

democrática.

A través del presente currículo se pretende formar un docente con capacidad

para:

Asumirse como un ser autónomo, comprometido con la realidad

sociocultural en la cual está inserto, que pueda:

Reflexionar sobre su propia historia y experiencias.

Aceptar sus limitaciones y optimizar sus posibilidades.

Concebirse como un sujeto en proceso de construcción dinámica.

Establecer vínculos basados en el respeto y valoración recíprocos.

Valorar a los otros como sujetos, sociales e históricamente constituidos

o en proceso de constitución.

Participar activa y democráticamente en la vida institucional y

comunitaria.


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Fortalecer la identidad nacional atendiendo a las idiosincrasias locales,

regionales y provinciales a través del acercamiento a las producciones

de las artes visuales representativas de su cultura.

Abordar las dinámicas y las problemáticas propias de la educación en

artes visuales con solvencia, idoneidad y ética.

Desarrollar creativa y críticamente sus aspiraciones, aptitudes y

potencialidades artísticas, intelectuales, afectivas y éticas.

Construir dinámicamente una identidad como profesional docente que

le permita:

Estimar la Educación Artística como ámbito privilegiado para el

desarrollo de capacidades vinculadas a la interpretación critica de la

realidad socio-histórica y a la producción cultural-identitaria en el

contexto argentino y latinoamericano.

Desarrollar prácticas pedagógico – artísticas que permitan un acceso

mas justo a los recursos materiales y simbólicos de la cultura,

configurando subjetividades y sentido de pertenencia.

Promover el aprendizaje y el desarrollo cognitivo, social, afectivo y

motriz de los sujetos a su cargo.

Diseñar e implementar prácticas educativas pertinentes y acordes con la

heterogeneidad de los sujetos y sus contextos, siendo capaz de

desempeñar sus tareas en realidades diversas (espacios urbanos,

suburbanos, rurales y naturales), demostrando atención y respeto por la

diversidad de características y condiciones relacionadas con el idioma,

las formas de vida de la familia y el entorno comunitario.

Integrar en la tarea educativa a la comunidad propiciando

comunicaciones fluidas, diálogos constructivos y respeto mutuo en la


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búsqueda de criterios compartidos acordes con los principios formativos

de cada nivel.

Trabajar en equipo con otros profesionales, elaborar proyectos

institucionales compartidos y participar y proponer actividades propias

de las instituciones de la comunidad.

Desarrollar el pensamiento divergente, la capacidad expresiva y

comunicativa, la sensibilidad estética y la valoración del patrimonio

cultural y natural.

Adoptar una actitud crítica sobre su acción, reflexiva y siempre abierta al

cambio y estar dispuesto a indagar, replantear y resignificar situaciones,

conceptos o decisiones de la práctica profesional.

Desplegar prácticas profesionales en las cuales manifieste la capacidad

para:

Desempeñar la docencia en Educación de las Artes Visuales en los

niveles Inicial, Primario y Secundario, en todas las modalidades del

Sistema Educativo Obligatorio y en la formación especifica en arte

desarrollada en instituciones de educación artística y organizaciones

afines.

Reconocer el sentido socialmente significativo de los contenidos propios

de la educación de las Artes Visuales de cada nivel educativo, a fin de

asegurar su enseñanza, con el fin de profundizar las experiencias

sociales extraescolares y fomentar nuevos aprendizajes.

Poseer un sólido conocimiento disciplinar y desarrollo de capacidades

vinculadas a la producción artística, la reflexión crítica y la

contextualización socio-histórica que le posibiliten mediar situaciones

de enseñanza desde la praxis artística.

Dominar conocimientos pedagógicos y didácticos de las artes visuales,

que le permitan fundamentar teóricamente sus prácticas pedagógicas


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enmarcadas en las diferentes concepciones sobre conocimiento, arte y

educación.

Diseñar e implementar estrategias de enseñanza de la Educación de las

Artes Visuales, que favorezcan el desarrollo de competencias de

interpretación estético–artística, acordes a los niveles y ciclos de

escolaridad, las características de los estudiantes/as, sus contextos de

pertenencia, sus saberes previos, sus necesidades e intereses.

Facilitar los aprendizajes a través de estrategias didácticas que resulten

relevantes, para el contexto social y cultural particular de los sujetos, y

que alienten la exploración y producción, desde una actitud centrada en

la búsqueda de posibles alternativas que promueva el desarrollo de la

creatividad.

Utilizar diversas alternativas de producción artística, abarcando el

desarrollo tanto de propuestas tradicionales como de otras experiencias

que involucren la integración de lenguajes y el empleo de nuevas

tecnologías.

Diseñar, gestionar y evaluar proyectos socio-comunitarios en el ámbito

de las Artes Visuales que promuevan la cultura.

Conformar equipos de trabajo multidisciplinario que le permitan

participar en la elaboración y concreción de proyectos que integren

lenguajes artísticos.


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Tecnicatura Superior en Producción Artística Artesanal.

RES 587-DGE-04 Y RES 1409-DGE-04. Tres años. Estructura curricular

PRIMER AÑO SEGUNDO AÑO TERCER AÑO

Cuatrimestre 1 Cuatrimestre

2

Cuatrimestre

1

Cuatrimestre

2

Cuatrimestre

1

Cuatrimestre

2

Panorama Universal del Arte y

las Artesanías

Historia de las Artes y

Artesanías Americanas y Argentinas

Dibujo III

Visión I Visión II Diseño Artesanal Regional

Dibujo I Dibujo II Inglés Informáti

ca

Producción Artesanal Diseño Artesanal Marketing y

Comercialización

Ética

Profesional

Introducción a las Técnicas

bidimensionales: Pintura

Técnicas bidimensionales:

Pintura II

Trayecto de Especialización

Introducción a las Técnicas

Tridimensionales: Modelado

Técnicas Tridimensionales:

Talla

Formulación y

Evaluación de

Proyectos

cooperativos

Problemátic

a Sociocultural y

del

Conocimiento

Patrimonio

Cultural y

Artesanal

Grabado en metal Práctica Profesional

Comprensió

n y Producción

de textos

Obra de

Arte y Discurso

Artístico

Conservació

n y Restauración

Artesanal

“La educación necesita tanto de formación técnica, científica y profesional como de

sueños y utopía”.

(Paulo Freire)


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Perfil del egresado

El Técnico Superior en Producción Artística Artesanal al finalizar su formación deberá

ser capaz de:

Diseñar y desarrollar creativamente proyectos artesanales, aplicando

criterios que comporten el enriquecimiento y mejora de la calidad de uso y

consumo de las producciones.

Utilizar adecuadamente las técnicas y los procedimientos artísticos

artesanales, tradicionales y culturales que aseguren preservar la identidad y

favorezcan la innovación.

Analizar, evaluar y verificar la viabilidad productiva de los proyectos, desde

criterios de innovación formal, gestión empresarial y demandas del

mercado.

Integrar profesionalmente equipos multidiciplinares, garantizando la

utilización adecuada e integradade los criterios, conocmientos, habilidades

y destrezas adquiridos durante el proceso de aprendizaje.

Desempeñarse con habilidad en situaciones de comunicación oral y escrita

interpretando y produciendo en forma correcta, mensajes prpopios del

ámbito laboral.

Generar soluciones creativas a los problemas de forma, función,

configuración, finalidad y calidad de los objetos y servicios mediante el

análisis, la investigación, etc.

Diseñar producciones artesanales, originales, con identidad regional,

resultado de la integración de elementos formales, funcionales y

comunicativos que respondan a criterios de demanda social, cultural, y de

mercado.


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Gestionar microemprendimientos y comercializar producciones artísticas

artesanales insertándose con criterios de calidad en el mercado productivo.

Actividades

Trabajo grupal: (presencial)

Elaboren un acróstico con las palabras o términos que dan el nombre

a la carrera elegida por el grupo, PROFESORADO DE ARTES VISUALES ó

TECNICATURA DE ARTE Y ARTESANÍA, expliciten opiniones, conceptos,

percepciones sobre el tema tratado.

Un acróstico (del griego ákros: extremo, y stikhos: línea o verso) es una composición

poética o normal, que corresponde a un grupo de frases, palabras o versos, cuyas

letras iniciales, medias o finales, leídas en sentido vertical, forman una palabra, una

frase, un nombre. Por extensión se llama también acróstico a la palabra formada por

esas letras (ver ejemplo)

A partir del nombre de la carrera elegida, expresen todo aquello que le sugieren las

palabras que consideren que tenga que ver con el tema tratado en la jornada.

(Confrontación vocacional: elección personal y características de la carrera). El grupo

registra las ideas, palabras claves, frase, que surge de las reflexiones como producto de

la actividad realizada.

Una vez que tienen las palabras, comienza el trabajo con ellas, se vinculan, se asocian,

se forman categorías complementarias para ir seleccionando los principales conceptos

u opiniones del grupo sobre el tema tratado. Una vez finalizada la escritura, se puede

explicitar el porqué de tal o cual palabra, en la búsqueda de sentidos. Puesta en

común: Se realiza un cierre con los ejes que surgieron, producto del trabajo conjunto.

http://es.wikipedia.org/wiki/Lengua_griega


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A modo de ilustración:

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008. PRADA, gloria, HERRERA, Alicia (2003) Curso de ambientación Aula Satélite de la escuela Normal Superior 9002, Lavalle- Inédito MOSCA DE MORI, Aldo. , SANTIVIAGO, Carina (2010). Conceptos y herramientas para aportar a la orientación vocacional ocupacional de los jóvenes. Univ. La República, Uruguay .http://www.inju.gub.uy

A_ _ _ R_ _ _ _ _ _ T_ _ _ E_ _ _ _ _ _ _ _ S _ _ _ _ _ _ _ V_ _ _ _ _ _ I_ _ _ _ _ _ _ _ S_ _ _ U_ _ _ _ _ _ _ A_ _ _ _ _ _ L_ _ _ _ _ _ _ _ E_ _ _ S _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

_ _ A_ _ _ _ _ _ _ R_ _ _ _ _ _ _ _ T_ _ _ _ _ _ _ E_ _ _ _ _ _ _ _ S _ _ _ _ _ _ _ V_ _ _ _ _ _ I_ _ _ _ _ _ _ _S_ _ _ _U_ _ _ _ _ _ _A_ _ _ _ _ _ _ L_ _ _ _ _ _ _ _E_ _ _ _ _ _ _S _ _ _

Arbol de palabras Cordon de versos

Racimo de imaginación

Osas ser distinto, Sí que lo eres

Tomas palabras del mundo

Intentas enamorar Compartes tu desdicha

O tu felicidad

http://www.inju.gub.uy/


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SUGERENCIAS PARA EL ABORDAJE DE LOS TEXTOS DE ESTUDIO

Primo Levi dijo: "El libro escrito debe ser

como un teléfono que funcione", y ahí tenemos

el iPhone

Es célebre la frase de Kafka: "Un libro

debería ser el hacha que sirva para romper el

mar helado que llevamos dentro".

El proyecto que inicias en el nivel superior requiere una interacción permanente, vas a

tener muchos amigos, pero en este caso nos referimos a un amigo en particular: el

libro. El libro es como un territorio desconocido que invita a ser explorado. (Herrera, A:

2003).

La primera página del libro se llama portada: allí se encuentran los primeros nombres

del territorio.

El índice es como un mapa que te permitirá recorrer con mejor orientación el

territorio. Algunos libros lo tienen al principio, otros al final. Hay varios tipos de índice:

de autores, de ilustraciones, de temas. Si seguís el recorrido, encontrarás tal vez un

prólogo. Estos datos, título, subtítulo, índice, prólogo, se conoce como paratexto.

Conocer el paratexto resulta orientador a la hora de elegir lo que tengas que leer.

El primer contacto con un libro desconocido requiere que lo examinemos. No siempre

leemos de la misma manera, no leemos igual un poema que una receta de cocina o

una guía telefónica. Pero siempre necesitamos una primera lectura, un dejar correr las

hojas para tomar contacto con el sentido general del texto. Es la pre-lectura. Con ella

accedemos al paratexto verbal e icónico externo (título, autor, ilustración de tapa,

extensión del libro, dimensiones, diseño). Podemos hacer otros tipos de lectura, ligera

o superficial o veloz o salteada para leer diarios, informes, bibliografía.

La lectura de aproximación es una variante, la aplicamos para tener una idea general

(índice, prologo, contratapa) y comprueba si el libro sirve o no para el tema que

necesitamos.

Pero para entender un texto, es necesaria una lectura más profunda y significativa.

Requiere una lectura analítica, comprensiva, lenta. Esta lectura supone señalar las

ideas principales, diferenciarla de los detalles, de las ideas secundarias , establecer

relaciones entre tales ideas, distinguir el lenguaje figurado del lenguaje literal; hechos

de opiniones; reconocer y retener conceptos fundamentales por subrayado, palabras


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claves al margen, e incluso, parafrasear, es decir, expresar con nuestras palabras las

ideas extraídas.

La lectura implica una actividad cognitiva compleja, que involucra una serie de

procesos, algunos adquiridos en etapas anteriores de la educación formal, otros

requieren un grado de reflexión consciente.

Para ello transcribimos a continuación el esquema de una guía orientadora cuyas

fases y pasos orientan el proceso lector. Estas fases se retomarán en las sucesivas

prácticas de lectura que sugerimos al trabajar los distintos textos que ofrecemos, las

iremos trabajando para corroborar la adquisición de la competencia de comprensión

lectora y la posterior producción de texto.

FASE I: LECTURA EXPLORATORIA

1. Leer globalmente el texto

Activa nociones, ideas o conocimientos previos.

2. Relacionar el texto con los datos del contexto de producción.

Identificar el/los autor/es, situar históricamente su contexto social,

intenciones, destinatarios.

3. Postular, luego de lecturas sucesivas, el tema del texto.

Relacionar con el título del texto

Descubrir palabras claves

FASE II: LECTURA ANALÍTICA

4. Interpretar adecuadamente el sentido de las palabras del texto.

Distinguir significado (diccionario) y sentido (en el texto)

5. Analizar el aporte de de los párrafos al eje temático (introducir, ilustrar, plantear el

problema, indicar antecedentes, establecer causa, definir, etc.)

Enumerar los párrafos, enunciar su contenido y función

6. Establecer las principales relaciones que organizan las informaciones de los

párrafos en el texto

Encontrar las conexiones de causalidad, comparación, secuenciamiento

cronológico, argumento

7. Jerarquizar la información, discriminando información nuclear y periférica.

Explicar el esquema de su organización.

8. Formular el tópico del texto

Relacionar el tema del texto con el eje articulador temático.

9. Recuperar la información nuclear


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Elaborar un resumen, síntesis, cuadro comparativo, cuadro sinóptico, mapa

conceptual, esquema, diagrama, etc.

10. Reelaborar, reflexionar o producir a partir del texto

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008

PRADA, gloria, HERRERA, Alicia (2003) Curso de ambientación Aula Satélite de la escuela Normal Superior 9002,

Lavalle- Inédito

http://lacomunidad.elpais.com/aracnido-en-tu-pelo/2007/8/24/metaforas-del-libro

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Texto 1

La Obra de Arte: Teoría, función y actualidad.

Punto de Partida

Una civilización se define por la manera en que concibe y explica el mundo y la vida, la

colaboración que a su establecimiento prestan religiones y filosofías, la ilustración que

el Arte ofrece de ellas y el sistema de valores que suscita y anima.

Queremos acercarnos al Arte como expresión del hombre. Conocer su obra artística

será conocer al hombre, su contexto, ya que partimos de la hipótesis de que el arte es

testimonio de una cultura, o incluso una de las formas que el hombre tiene de

manifestarse. Sin embargo, la obra de arte no se manifiesta como una pura creación

del hombre, iremos viendo como nace condicionada por diversas circunstancias: el

lugar, el tiempo, la economía, los avances técnicos… intervienen en el proceso

artístico.

Aceptamos que el artista parte de una realidad múltiple (natural, social, intelectual,

psíquica…) y realiza una selección a partir de su sensibilidad. Tras esta selección, el

artista inicia el proeceso de creación de “formas”: palabras en el poeta/escritor: líneas,

colores, volúmenes en el arquitecto, pintor y escultor; sonidos en el músico. Por otra

parte, la obra de arte nace a partir de “la circunstancia” del artista y renace cuando el

espectador capta esa realidad transmitida en lenguaje artístico, cuando siente la

emoción que provoca el Arte.

El Concepto de Arte

Evolución del término ARTE

La significación de este término ha sufrido una alteración desde la Antigüedad a

nuestros días. “Arte” es un término que etimológicamente proviene de la palabra

latina ars, que, a su vez, es una traducción del griego tecné.

En Grecia, Roma, La Edad Media y hasta el Renacimiento, el Arte es

tecné: destreza para “construir” (hacer, producir, mandar, dominar) El

término “arte” se aplicaba a todos los campos de la vida, el arte del bien

morir, el arte del buen gobierno, el arte militar, el arte de fortificar, y no

sólo a las bellas artes.


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En Grecia, es un concepto relacionado con la habilidad técnica (destreza manual) o

mental para realizar ciertas actividades a partir de unas normas y reglas establecidas.

En él se incluían tanto la obra de un arquitecto o la de un escultor, como la de un

carpintero, zapatero o herrero: todos eran maestros y sus actividades eran “arte”. No

existía “arte” sin reglas; así lo afirmaba Platón al decir: El arte no es un trabajo

irracional (Gorgias). En consecuencia, en el campo del arte entraban tanto las artes

que hoy llamamos utilitarias – los oficios manuales- como las bellas artes. Aristóteles lo

define como la habilidad en ejecutar algo; los sofistas, como “sistema”. Se trata, pues,

de una artesanía y de una actividad intelectual.

La Edad Media distinguirá entre artes liberales y artes mecánicas. Es también

una división heredada del pasado y realizada en razón a si en un ejercicio dominaba el

esfuerzo mental o el trabajo físico: era “liberal” si estaba libre de esfuerzo físico, y era

“vulgar- mecánica” si lo requería.

Ars era la clase de arte más perfecta; dentro de las artes sólo aparecen la

música (entendida como teoría de la armonía) y la arquitectura. Escultura y

pintura no aparecían ni como liberales ni como mecánicas, sobre todo porque

se consideraban poco útiles y, además, ”innobles”, por estar basadas en el

esfuerzo físico y los oficios manuales, de rango muy inferior a las siete artes

liberales.

En el Renacimiento se hace más evidente la separación entre las bellas artes de los

oficios o artesanías y de las ciencias.

En esta selección, la pintura y la arquitectura aparecen ya segregadas de las artes

mecánicas, y se incluye la poesía, que ni siquiera se había considerado arte hasta

entonces. En el Renacimiento comenzó a valorarse la belleza y, por consiguiente,

aumentó la valoración de sus hacedores. Se aboga por la separación entre artesanos y

artistas, considerando que las acciones de estos últimos, basadas en el estudio de

leyes y reglas, eran propias de eruditos. Estas artes reciben diferentes nombres: arti

del disegno (subyacente está el pensamiento de que el dibujo es un vínculo común),

“artes nobles” e incluso “bellas artes”.

Desde el punto de vista de la evolución, es importante destacar que en el siglo XVI la

pintura, la escultura, la arquitectura, la poesía, el teatro y la danza se agrupan

formando una unidad, diferenciándose de las artesanías y las ciencias. Cierto es que

todavía no está muy claro cuál es el vínculo de unión, aunque empieza a apuntarse

como tal la belleza.


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Desde mediados del siglo XVIII, asistimos a un cambio en la evolución

del concepto de arte: primero, significará producir belleza, y productos

bellos serán los producidos por las artes incluidas en el concepto de

“bellas artes”.

Este concepto fue creado por Charles Batteaux (1747), en su lista de siete, se

incluyen como bellas artes: la pintura, la escultura, la arquitectura, la danza, la poesía,

la música y la retórica (o elocuencia). Para Batteaux, todas estas artes son miméticas o

imitativas.

Hasta el siglo XIX no quedarán definitivamente delimitados los ámbitos de las

bellas artes, de los oficios (o artesanías) y de las ciencias. En este momento, el ámbito

de las bellas artes se restringe al de artes visuales, las ya conocidas “artes del diseño”

(pintura y escultura), excluyéndose la poesía o la música. Que serán incluidas en el

campo de las “bellas letras”.

Pero, a finales de la centuria, y desde principios del siglo XX, con la aparición de

nuevas corrientes en el arte (dadaístas y surrealistas), se otorga la calificación de

“objetos de arte” a las cerámicas, los muebles, y a nuevas áreas de expresión, como la

fotografía.

Se produce ahora un cambio más profundo: la belleza deja de ser una característica

del arte, ni siquiera será un rasgo indispensable. Y, sí hasta ahora presuponía que el

arte era una actividad netamente humana, con la aparición de la fotografía y el

inevitable empleo de la cámara, esta afirmación entra en crisis.

En el siglo XX se incorporan al mundo del arte una serie de objetos/obras

procedentes de campos de expresión diferentes a los de bellas artes de Batteaux: la

imagen fotográfica (fotografía y cine), el video –arte, el anuncio, la imagen sintetizada

por ordenador, e incluso la imagen virtual. Estos hechos obligan a ampliar el concepto

de arte.

Figueroba Figueroba, Antonio y Fernández Madrid, María Teresa. En “Historia del Arte 2° de

bachillerato”, Madrid. Mc Graw-Hill. 1996.


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Actividades

Trabajo Individual (no presencial)

Lean atentamente el texto N°1.

La primera lectura del texto nos permite un acercamiento global a su contenido. SI no

leemos por lo menos dos veces un texto nuevo, no podremos tomara real contacto con

él para explorarlo. A esta primera lectura global la llamamos exploratoria, y tiene por

objeto postular el tema.

Anoten en el margen las ideas que les surjan a partir de su lectura.

Marquen los párrafos que les hayan parecido más interesantes.

Es necesario además realizar otras observaciones del texto. El título, los subtítulos, el

nombre del autor, el lugar de donde ha sido extraído el capítulo o el artículo, así

también el prólogo de un libro, el epílogo, las ilustraciones y sus epígrafes se

denominan paratextos. Estos elementos nos brindan información del contexto de

producción y por ello es importante considerarlos para la interpretación del sentido.

Identifiquen los elementos paratextuales.

Trabajo grupal (presencial)

Intercambien opiniones con la profesora y los compañeros de clase.

Después de haber realizado las primeras observaciones, el lector activa sus propios

conocimientos y los relaciona con los contenidos del texto. A esta actividad del lector

se la denomina activación de la enciclopedia. El conocimiento enciclopédico está

integrado por la experiencia, lo que aprendimos de otros, o de nuestras lecturas, lo

que aprendimos a lo largo de nuestra educación formal, lo que vemos en la televisión

o en el cine. Nuestros conocimientos previos colaboran con la comprensión, nos

ayudan a elaborar nuevas representaciones mentales, integrando lo ya conocido con la

nueva información en la búsqueda de sentido.

Comenten en grupo qué conocimientos previos pueden vincular con el

texto, cuáles son los nuevos aportes, los términos desconocidos,

entre otros.


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Elaboren en grupo un mapa conceptual a partir del texto analizado,

acompañando los conceptos principales del mismo con imágenes

icónicas. Las imágenes incorporadas pueden ser ilustraciones de

diarios y revistas, dibujos propios, etc.

A continuación brindamos orientaciones para elaborar un mapa

conceptual:

¿Qué es un mapa conceptual?

El mapa conceptual es una estrategia que te ayudará a captar el significado de los

materiales que vas a aprender. El Mapa proporciona un “resumen esquemático de

lo aprendido”, ordenado de una manera jerárquica.

El Mapa Conceptual requiere de la “codificación de la información”, que supone

cuatro procesos básicos:

Selección

Abstracción

Interpretación

Integración

Se selecciona la información, se extraen los conceptos o ideas más significativas por la

abstracción. Luego, se interpreta, con la intención de favorecer la comprensión de la

información. Posteriormente por el proceso de integración, se construye un nuevo

conocimiento o se modifica uno preexistente.

En síntesis, el Mapa Conceptual se trata de un gráfico, un entramado de líneas que

confluyen en una serie de puntos. Podríamos relacionarlo con un mapa de carreteras,

en el que las ciudades están unidas por una serie de líneas que simbolizan las vías de

comunicación. En los mapas conceptuales los puntos de confluencia serÍan los

conceptos relacionados, se unen por una línea y el sentido de la relación se aclara con

“palabras-enlace”, que se escriben en minúscula junto a las líneas de unión. Dos

conceptos, junto a las palabras-enlace, forman una proposición.

Un concepto, que es una “regularidad en los acontecimientos o en los objetos que se

designa mediante algún término”, por ejemplo: libro, escuela, etc.

Los conceptos están dispuestos por orden de inclusividad, de allí que guardan entre sí

una relación de jerarquización. Esto significa que los conceptos más generales e

inclusivos se ubican en los lugares superiores de la estructura gráfica. Los ejemplos, se

sitúan en último lugar, y no se enmarcan.

Algunas puntualizaciones:


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En un mapa conceptual, sólo aparece una vez un determinado concepto.

En ocasiones, conviene terminar las líneas de enlace con una flecha para indicar

el concepto derivado, cuando ambos están situados a determinada altura o en

caso de relaciones cruzadas.

Es preferible realizar mapas con diversos niveles de generalidad: por ejemplo,

unos pueden apuntar a la panorámica global de una materia o tema, y otros

pueden centrarse en subtemas más concretos. Esto ocurre cuando el tema es

extenso.

A continuación, para que puedas visualizar y comprobar lo clarificante que resulta este

tipo de representación grafica, te mostramos un “Mapa Conceptual” referido al tema

“Qué es un mapa conceptual”.

Magni – Ponzo (2000) Curso Introductorio para el Ingreso a las Carreras de Profesorado. Esc N° 9-002.


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INTRODUCCIÓN A LAS ARTES VISUALES Y A LOS LENGUAJES ARTISTICOS

En la comunicación visual el sistema de representación es universal. Líneas, formas,

colores, texturas y espacio forman imágenes que comunican algo: ideas, información,

sugieren o transmiten sensaciones o emociones.

La experiencia perceptual es para el hombre fundamental, para el conocimiento de

hechos y de objetos que lo conectan con su mundo y con los demás, datos que le son

únicos y que le pertenecen exclusivamente, a su vez le permiten elaborar conceptos,

hechos e imágenes que lo vinculan nuevamente con su contexto y sus congéneres en

un permanente aprendizaje y en enriquecimiento creativo.

Conocer las estructuras básicas que organizan todo hecho visual y los elementos

plásticos básicos utilizados en la producción de imágenes, constituye una herramienta

para el quehacer artístico. También nos permiten comprender obras de distintas

épocas, desde las tradicionales, como la pintura, el dibujo, la escultura y el grabado,

hasta las contemporáneas como la fotografía, el video arte, las instalaciones, las

performances, las intervenciones, producciones multimediales, el ciber arte, etc.

Para producir plásticamente, para hacer una imagen, se necesita contar con

materiales, herramientas y además saber dominarlos. El valor artístico de una obra no

depende de los medios utilizados por el creador, sino de la manera que éste los utiliza.


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Texto 2

LENGUAJES PLÁSTICOS

Técnicas y materiales en la historia del arte

“Mirar el pasado para encontrar modelos formales y

emocionales, y hacia el futuro para hallar patrones sociales

relacionados con el pasado, mientras permanece

firme enraizado en las necesidades del presente” 1

Abordar la problemática específica del uso de los materiales y las técnicas en el campo

del arte, requiere a mi modo de ver una revisión de los mismos a lo largo de la historia

del arte.

En un mundo desbordado de imágenes, donde éstas ocupan un lugar preponderante

en la sociedad actual, superando lo lingüístico (en algunos casos), es sumamente

importante acercarnos a ella, a su autor, al contexto en el que se lleva a cabo y

promover nuevas interpretaciones expresivas y / o analíticas.

Las técnicas, los materiales (entre otros) y su aplicación, fueron elementos de algún

modo condicionantes para determinar los distintos géneros, desde las primeras

manifestaciones realizadas por la humanidad.

El concepto de género tiene en el arte dos acepciones diferentes, aunque

relacionadas. En primer lugar suele usárselo para denominar a las diversas artes:

arquitectura, escultura, pintura, música, poesía, teatro, danza, cine, etc. En segundo

lugar se lo vincula, dentro de un arte en particular, a diferentes temáticas abordadas,

así por ejemplo, se habla dentro de la pintura de distintos géneros: el retrato, el

paisaje, el bodegón, etc. En el ámbito del teatro se habla de comedia, tragedia, etc.

Tomaremos el término género en el primer sentido, como sinónimo de disciplina.

Es así que los géneros de la escultura y la arquitectura impusieron por mucho tiempo

la utilización de materiales considerados nobles como: mármol, bronce, materiales

preciosos, madera, cemento, etc.

La pintura desde su surgimiento en las cavernas y la utilización de pigmentos

naturales, luego de servir de ornamentación y adoctrinamiento en las iglesias

(Románico) hasta independizarse del muro, con la pintura de caballete en el

Renacimiento y la utilización de la perspectiva (técnica que se estructuró de acuerdo

con las apariencias de la percepción ocular, aunque entró en decadencia en el siglo


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XIX, sigue condicionando nuestra manera de captar lo visible) y la incorporación del

óleo (permitió la representación precisa de la forma con incomparable brillo y

transparencia) constituyeron rasgos significativos del pensamiento y de los

acontecimientos sociales, políticos y tecnológicos de cada época.

El grabado aparece en occidente a mediados del siglo XIV, desempeñó una función

ilustrativa y documental (antes que la fotografía). Se presentó como una herramienta

eficaz para la difusión del pensamiento.

A la inversa del arte académico o tradicional, el arte Moderno y el Contemporáneo

han explorado las nuevas posibilidades que ofrece toda suerte de materiales, hasta

entonces rechazados, desde los productos industriales hasta los desechos del

consumo.

La dimensión propiamente mental del arte implica una mirada reflexiva de éste sobre

sí mismo, su naturaleza y su teoría. Marcel Duchamp fue quien planteó la pregunta

decisiva sobre los límites del arte a través de sus ready- mades. Pues el arte une

espacios fronterizos; tanto que, junto con el cine (el séptimo arte), la música y el

teatro, compromete su estética propia en las performances, las sesiones de

happening o de body art.

1 - PATERNOSTO, Cesar. (1989) La Piedra Abstracta; La escultura Inca: Una visión contemporánea. Bs. As.Fondo de

Cultura Económica. P. 103.

Actividades

Trabajo individual

Realicen lectura comprensiva.

Subrayen las palabras claves o ideas principales del texto.

Trabajo grupal

Observen imágenes seleccionadas por los docentes relacionadas

con el texto.

Intercambien ideas y apreciaciones con el profesor y los

compañeros.


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Texto 3

LA OBRA DE ARTE A PARTIR DEL SIGLO XX De moderno a contemporáneo

Hasta el siglo XIX, la tradicional división de las artes contemplaba, con distinta

valoración, la existencia de un número limitado de géneros artísticos. Esta distinción,

que hoy denominamos “tradicional o académica” 2 separaba los géneros en dos

grandes grupos: “artes mayores y menores”3. El criterio de la división está basado en la

finalidad puramente estética o estético-práctica de los productos artísticos. Así las

artes mayores o bellas artes que centran su interés en la producción puramente

estética son: literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura. En tanto que

las artes menores, llamadas también artes decorativas o artes aplicadas tienen una

función eminentemente práctica: la cerámica, la orfebrería, las artes del mobiliario, la

jardinería, la herrería artística, la cristalería, etc.

La invención de la fotografía y más tarde la del cine, el video y la computadora, cuya

existencia está enraizada en la tecnología, hizo posible la aparición de nuevos recursos

para el artista, que vinieron a cubrir la necesidad de nuevas expresiones. Estas

manifestaciones, que no se encuadran en el esquema tradicional, pusieron en crisis la

clasificación de los géneros vigentes. El arte ampliaba el horizonte de sus

posibilidades expresivas con la incorporación de nuevas técnicas que daban lugar a

producciones diferentes, las que difícilmente se dejaban encuadrar en la clasificación

de géneros vigentes. La clasificación entró en crisis, y con ella también las ideas de arte

y de obra.

Corresponde dar aquí algunos ejemplos: el cubismo que se desarrolla en los primeros

años del siglo XX, tiene como objetivo principal alejarse de la representación

naturalista. Abandonan la perspectiva y el único punto de vista y buscan plasmar en el

cuadro un objeto visto desde ángulos diferentes simultáneamente. También

introducen la técnica del collage, donde entran en la obra objetos prefabricados de uso

diario. La pintura, como representación de la realidad en un espacio de dos

dimensiones, se confunde con la escultura, que hasta entonces era una representación

tridimensional.

Kandinsky investigó los medios de reencontrar la función espiritual del arte a través

del color y de la composición abstracta. Construyó una teoría de la pintura abstracta,

de allí en adelante el color y la forma liberados estallaron en composiciones dinámicas

cuyo equivalente solo es posible encontrarlo en la música.


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Marcel Duchamp fue el artista que preparó el terreno para una reflexión sobre el arte

del siglo XX, probablemente sus obras hayan sido declaradas “arte” debido a la

separación del objeto de su marco funcional o por causa del juicio público.

Su compromiso ante todo consistía en oponerse al “arte retiniano”, es decir a lo

decorativo y a la hegemonía de lo visual. Los ready- mades, objetos arrancados de la

esfera de lo cotidiano y del consumo, entraron de manera abrupta a los museos.

El inicio de la década de 1960, en los países occidentales, marcó el desarrollo de la

sociedad de consumo, de la cual una generación de artistas tomó prestada una

imaginaría renovada. El pop art marcó el fin del expresionismo abstracto y el comienzo

de la cultura de masas. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes

Oldenburger entre otros introdujeron tiras cómicas, la señalética urbana, la publicidad,

etc. al ámbito de la pintura.

El arte conceptual y el minimalismo surgieron en Estados Unidos a mediados de los

años 60, y mantuvieron una similitud en el aspecto formal. Sin embargo, mientras el

primero tendía a hacer de la obra el soporte del pensamiento, el segundo vinculaba

íntimamente los objetos con el espacio y el espectador. Para los artistas conceptuales

sólo contaba la intención del artista, aquella que surgía de su espacio mental privado.

La obra ya no debía considerarse por sí misma, sino en cuanto soporte necesario de

una definición del arte, siempre nueva. Los artistas conceptuales utilizaron medios

considerados “transparentes”, ya que podían reflejar directamente el concepto, pues

no apelaban a una contemplación de la materialidad de la obra. Estos medios eran

principalmente la escritura y la fotografía, eran considerados “neutros “en los que la

forma importaba poco, y que se alejaban del “objeto de arte” para transmitir

solamente el pensamiento. En cambio la obra minimalista no remite a la interioridad

del artista, el arte minimal no presenta ninguna destreza: los objetos, lisos e

impersonales, son producidos de manera industrial. La obra se desprende de todo

rastro del acto creador, puede abrirse al espectador, ya que el arte minimal se aprende

corporalmente. Años más tarde la moda y el mobiliario reutilizaron estas formas

simples, para hacer de ellas un símbolo sobrio de fines del siglo XX.

_____________________________________

2 Y 3 - VICENTE, SONIA. (2006). Arte Fotográfico y Arte en Fotografía. Comentarios a la obra de Walter

Benjamín. Inédito.


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Las instalaciones nacieron para superar los límites de la pintura y la escultura, creando

así una nueva forma de arte, independiente y autosuficiente. Tiene sus antecedentes

en los ensamblajes de la década del 50 y en las ambientaciones de los artistas pop del

60. La instalación es una obra única que se genera a partir de un concepto y/o una

narrativa visual, creada por un artista en un espacio concreto. Requiere la participación

del espectador, pero no para vivir episodios sino para descifrar mensajes o rescatar

ideas. Al observar la obra desde distintos ángulos la percepción se convierte en un

proceso. Y al adueñarse de esta dimensión adicional, las instalaciones refuerzan el

valor de la experiencia directa, inmediata, algo que ninguna reproducción fotográfica y

aun televisiva puede sustituir. Las instalaciones son el tipo de obra más representativas

del siglo XX y resumen o es el resultado de las ondas transformaciones que asumió el

arte en estos cien años. El artista que da nombre a este tipo de arte es el

norteamericano Dan Flavin con sus obras espaciales hechas con tubos fluorescentes.

El arte póvera tiene su origen en Italia a fines de la década del ’60 y principios del ’70.

Utiliza materiales humildes, no industriales, como las plantas, tierra, troncos, grasa,

cuerdas, etc. No reconstruye al objeto, cada material determina sus propiedades

plásticas en atención a sus propiedades físicas.

El arte ecológico o land art es una manifestación americana que acentúa el proceso y

la transformación de la obra de arte en el tiempo; con temáticas como la polución, la

superpoblación, la supervivencia, etc. Existe un interés de los artistas de abandonar la

obsesión por el consumismo, los medios de comunicación, llevando su mirada hacia la

naturaleza, la mitología, y la ecología. El paisaje natural se convierte en OBJETO

Artístico. Este uso metafórico de la naturaleza, para algunos artistas está dado por el

cambio, evolución y crecimiento de los materiales utilizados o por la acción humana, la

necesidad de subrayar la noción de lo efímero en dicha obra. Las herramientas que

utilizan para crear sus obras van desde las más complejas como camiones, topadoras,

etc., para realizar el traslado del material o las inmensas excavaciones, demarcaciones

y acumulación de tierra; hasta las más simples; como las que realiza Richard Long y en

las que utiliza materiales como hierbas, piedras y algas marinas. Continuando con la

tradición británica de los círculos celtas, lleva a cabo estas intervenciones, en solitarios

paisajes que luego fotografía.

Los rituales e intervenciones sobre el cuerpo: body art, performances y

happening. Algunos artistas decidieron volver contra ellos mismos el gesto creador, y

mezclando ironía, provocación y sacrificio, establecieron una ruptura con la imagen de

un cuerpo socializado. El cuerpo es el elemento fundamental. En los comienzos de este


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tipo de manifestaciones artísticas se evidenciaron temas como la sangre, el

sufrimiento y el sacrificio, involucrando el cuerpo del artista en su obra como prueba y

testimonio de las restricciones inconscientes inherentes al comportamiento social. El

objetivo era lograr una comunicación no verbal, directa y emocional.

En el video arte los artistas encontraron la posibilidad de disponer sin

restricciones de la imagen en movimiento. Permite crear imágenes simultáneas, se

hace presente en ellas el tiempo real, el de la cuarta dimensión artística (espacio-

tiempo) y la capacidad narrativa; se dan en ellas el principio de pluralidad de medios y

recursos, al igual que en las videoinstalaciones.

La intervención es un término utilizado en las manifestaciones artísticas de los

últimos años. Esta acción de tomar parte en un asunto artístico se ha realizado

frecuentemente a lo largo de la Historia del Arte. Sobre objetos, fotografías, acciones

en espacios urbanos, o alejados de los mismos. Tiene su antecedente en los ready

made, en el pop art y en las obras de carácter efímero como el land art o las

performance.

La nueva revolución tecnológica que hemos vivido en los últimos años ha creado

nuevos objetos y nuevos términos, pero también ha dotado de nuevos sentidos a los

viejos conceptos. Éste es el caso del arte, que en el universo virtual ha mutado a ciber-

arte (arte digital, web-art, mail art y otras expresiones que circulan a través de

Internet, y los dispositivos informáticos). En primer lugar, (y hablamos pensando en las

artes plásticas) es posible observar un cambio de espacio. No se trata ya del espacio

“objetivo” de lo real, ni del espacio “subjetivo” interno que hay en cada uno de

nosotros, se trata ahora de un espacio “virtual”, este curioso espacio es de naturaleza

diferente, no tiene una existencia física, y por tanto la obra no ocupa un “lugar”, no es

un “objeto” en el sentido en que estamos acostumbrados a pensar los objetos. Por

otra parte resulta difícil clasificarla dentro de un género artístico determinado, ¿Es

pintura? ¿Es grabado? ¿Es dibujo?, el ciber-arte encuentra puntos en común con cada

uno de ellos, pero a la vez se diferencia enormemente; parece (y cada vez parece más)

no ser ninguna de estas cosas.

La ciber-obra a diferencia de una escultura o de un cuadro al óleo tradicional, no es

un objeto del mundo externo, no tiene una entidad física propia; ni la necesita, pues

en verdad, su verdadero sentido está en haber sido creada en la máquina para que

circule a través de ella y pueda ser considerada por las multitudes que diariamente se

conectan a la ciudad telemática.


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Cualquier ciber-viajero puede apropiarse de la obra y alterarla, el artista deja

de ser un creador individual para transformarse en un autor colectivo. En el universo

virtual artista y receptor, producción y consumo, se funden y confunden. Todos

podemos ser artistas: el arte, finalmente, se ha democratizado, aunque de un modo

muy distinto de aquel soñado por la utopía de Marx. La tecnología ha modificado

también nuestro imaginario y nuestra percepción: nos hemos acostumbrado a la

heterogeneidad, a la discontinuidad y a la fragmentación.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

Busque en el diccionario u otros medios los términos que

desconoce.

Organice los sucesos artísticos de manera cronológica.

Elabore un resumen del texto. Pueden escribirlo haciendo

referencia a los momentos históricos, a los movimientos artísticos,

etc.

El resumen es un escrito breve, claro y completo, que debe incluir toda la información

nuclear del texto y respetar el orden establecido para el tratamiento del tema. Es

preciso saber que algunos párrafos proporcionan información clave y otros aportan

ilustración de dicha información a través de anécdotas o ejemplos. Este tipo de

información, se denomina periférica. La información periférica, incorpora narraciones

o detalles que dan vida a la prosa y atraen a los lectores, pero, a la hora de realizar la

síntesis o resumen, no debe incorporarse.

Trabajo grupal (Presencial)

Compartan las síntesis elaboradas y reflexionen en grupo sobre la

figura del artista y el rol del docente de Arte en la sociedad actual

(latinoamericana, argentina y mendocina).


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Realicen una producción plástica colectiva vinculada a alguno de

los movimientos artísticos mencionados en el texto.

BATISTOZZI, Ana María (2004). ¿Y dónde está el artista? En Revista Ñ. Clarín, revista de cultura 36, p.26-29.

COLOMBRES, Juan (1991). Desmitificaciones y resignificaciones para una teoría de la cultura y el Arte de América.

En: ACHA, Juan, COLOMBRES, Adolfo, ESCOBAR, Ticio. Hacia una teoría Latinoamericana del Arte. Buenos Aires.

Ediciones del Sol.

FERNANDO GARCIA. (2006). Lo que vendrá. Arte y Técnica. En Revista Ñ. n.160, p.33-43.

ANDREA GIUNTA. (2007). La era del gran escenario. En Revista Ñ. n.172, p.18-22.

GLUSBERG, Jorge (1994). El arte de la instalación; Lugar creado y lugar creador. Museo Nacional de Bellas Artes.

MARCHAN FIZ, Simón (1997). “Arte Povera y Land Art”. En su: Del Arte objetual al Arte de concepto; Epilogo de la

sensibilidad posmoderna. p.211-221.

J.L. MORAZA. (1995). Otra territorialidad (instalaciones, asentamientos, demarcaciones, espacios) Revista la

Ramona. Buenos Aires.


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Texto 4

La máquina no hace el arte

Los instrumentos de realización en arte

La frase “la máquina no hace el arte” contiene encapsuladas ideas con frecuencia

inadvertidas. Brevemente, afirmo que los programas infográficos, los automatismos

diseñados para generar imágenes, sonidos, aun los programas generados por equipos

mixtos de trabajo (de artistas junto con ingenieros en programación) no hacen el arte.

Existe un fenómeno que se reitera y representa una evaluación nolegítima. Ello

ocurre desde la aparición en el mercado de las primeras cámaras fotográficas. ¿Cuál es

esa evaluación? La negativa a la posibilidad de que se produzca arte con máquinas

tales como cámaras fotográficas, videocámaras, cámaras filmadoras, ordenadores.

Configura un escepticismo ingenuo extremo. Frente a ello, la frase la máquina no hace

el arte, no constituye un simple apoyo para la ingenuidad de esa denegación. Por

cierto, la máquina no hace el arte pero tampoco lo impide. Voy a generalizar la

aseveración mediante un símbolo, comprensible en el marco de la creación pictórica:

las telas, los pinceles, la trementina y los óleos…no hacen el arte pictórico.

Desconcierta que se deba aclarar ese asunto cada vez que, históricamente, aparece

una nueva tecnología. Algo similar a la controversia relativa a “arte y computadores”

ocurrió en los inicios de la fotografía, en cuanto a la necesidad en que se vieron los

artistas fotógrafos de defender su potencial para producir objetos de valor artístico.

La fotografía se expandió y provocó en muchos artistas visuales la conocida

preocupación de lo remplazable de su arte-la pintura- y lo mecanizable de esas otras

imágenes-las producidas por medio de la cámara fotográfica. Aún hoy, muchos

realizadores fotográficos consideran que la fotografía digital es menos artística que la

fotografía tradicional, debido a la intervención de la cámara y la post producción

mediante la computadora. Sin embargo, destacados realizadores cinematográficos

están produciendo largometrajes con cámaras filmadoras digitales, a juicio de la crítica

especializada, sin desmedro de los valores artísticos.

No todos aceptan que el más o el menos estético-artísticos están implicados en la

capacidad creativa e imaginativa de los autores, antes que en el instrumento-máquina,

estrictamente hablando. Dejo esos más y menos en una contextualización taxativa.

Insisto, no porque una máquina -la cámara digital- pueda capturar imágenes, y el


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usuario pueda ingresarlas a una computadora y trabajar con ellas allí, los resultados

serán mas o menos artísticos. Los conocidos programas de millones de colores

disponibles para su uso y aplicación son, en un sentido, más temibles y difíciles de

gobernar que una paleta de óleos cuyos pigmentos originales y mezclas artísticas son

cuantitativamente mas restringidos. Cuanto mayor es la disponibilidad en cualquier

orden de las cosas, más difícil resultan la selección y la combinación de lo

seleccionado. A menos que se tome una actitud negligente al respecto.

Entonces la amenaza no viene de la presencia de la máquina, aunque parezca que

con su empleo se dejan a un lado años de aprendizaje de oficio y taller. Lo

preocupante ha de ser la carencia de imaginación, la falta de una formación

humanista, el reemplazo del sentido de lo estético por unos malabarismos

informáticos, que se agotan como sucede con los fuegos de artificio, a los pocos

instantes de su presencia deslumbrante ante la mirada. Lo preocupante debería ser el

reemplazo de la presencia humana, la sustitución rígida y pueril de las diversidades

matéricas por una materia universal: las señales electrónicas. Pero esto no es una

fatalidad; tampoco debería ser evaluado como algo monolítico a lo cual hay que

proscribir de raíz.

Es probable que esos temores alimenten la razón por la que multitud de creaciones

digitales se inclinan hoy hacia la producción combinada: se trata de interacción entre la

persona (su cuerpo como un todo) y sistemas informáticos dotados de sensores de

movimiento que expresan las formas nacidas de esa dinámica en pantallas gigantes, en

el suelo, en otros soportes posibles (agua, por ejemplo). Muchas obras, creadas por

artistas digitales actuales, se presentan bajo la forma de colaboración entre la máquina

y el cuerpo humano. En esos trabajos, el cuerpo y su accionar intervienen en los

resultados sucesivos. Por ejemplo, mover los brazos -delante de sensores- para

sostener una frase poética que se proyecta en una pared, es un símbolo potente. El

usuario puede pensar esto: “de mi depende que la poesía se mantenga viva”. Y en la

práctica tiene razón, las letras de la frase se desmoronan sin su apoyo. Se trata de un

juego, también de una desafiante competencia y, a la vez, de un trabajo de feedback

creativo. Por parte del usuario, esas acciones suponen la lectura y comprensión

constante de estímulos y resultados visuales o auditivos para trabajar con ellos,

evaluarlos, intervenirlos, re-orientarlos, dialogar con las formas propuestas.

Actividades



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2

- 42 -


Elabore un resumen del texto.

Busque en la web los siguientes sitios y explore las propuestas que

ofrece cada uno:

http://www.fadon.com.br/ws_cfadon/abertura.html

http://www.mezza.cl/

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-

el-video-hecho-arte.html

http://www.malba.org.ar/web/coleccion_obra.php?idobra=491


Observen en clase ejemplos de arte digital: video arte, arte web o

net-art, fotografía digital, etc.

Conformen grupos, seleccionen un ejemplo y analicen sus

características técnicas (medios utilizados para su realización) y

expresivas (qué transmite la obra).

A partir de las características observadas en la obra elegida,

reflexionar en grupos sobre la afirmación de la autora: “la máquina

no hace el arte” y exponer las conclusiones.

SCHULTZ, Margarita (2006). La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte. En: Filosofía y

producciones digitales. 1° ed. Buenos Aires: Alfagrama.

http://www.fadon.com.br/ws_cfadon/abertura.html

http://www.mezza.cl/

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-video-hecho-arte.html

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-video-hecho-arte.html

http://www.malba.org.ar/web/coleccion_obra.php?idobra=491


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Texto 5

EL DIBUJO

Proceso de Conocimiento, Reflexión y Comunicación

Conocer es integrar, organizar y reorganizar constantemente experiencias vividas, para

afrontar las nuevas. El dibujar proporciona la posibilidad de realizar estas integraciones

y darles significado adicional, permite recordar las experiencias y hace que sean más

accesibles para cuando sea necesario recuperarlas.

Los trazos que realizamos al dibujar son el resultado de procesos previos, constantes y

a posteriori de observación y experimentación de la realidad toda que nos rodea. Nos

indican el estado de análisis de la misma en que nos encontramos.

Cuando hacemos unos trazos, y obtenemos formas estamos configurando un mundo

que se manifiesta como nuestro límite. Dibujar es ensanchar el campo de experiencias

y por lo tanto ensanchar nuestros límites, estar al tanto de lo que somos capaces.

Dibujar es poner en movimiento un proceso que implica alternar posibles soluciones,

intimar con nuestros recursos expresivos, dominar nuestras capacidades motoras,

reconocer nuestros pensamientos, comprender y distinguir estados que nos afectan,

visiones de la realidad, sensaciones que nos invaden.

Dibujar en tanto proceso de conocimiento es diferenciar a grandes rasgos y también

sutilmente la apariencia de los objetos y de nuestro mundo interno. Dibujar es un

proceso que implica adquirir nuevas formas de representación del mundo que

habitamos. En este sentido nos referimos a la posibilidad de conocer en tanto

posibilidad de integrar informaciones, impresiones, actitudes, ideas, percepciones.

La reflexión es parte de un proceso intelectual que involucra factores externos e

internos con que el ser humano construye sus visiones del mundo. Implica operaciones

tales como: deliberación, meditación, introspección, razonamiento, juicio. El dibujar es

en este sentido una actividad constante que se mueve en torno a elecciones, ( en otras

palabras cálculo de posibilidades). El acto de dibujar implica entonces, tomar

decisiones, dar dirección a nuestro trabajo, sugerir, exhortar, interpelarnos a nosotros

mismos y al espectador. Implica también la capacidad de interpretar relacionando

objetos y acontecimientos en una imagen visual.

Un dibujo es el resultado de un proceso complejo que se manifiesta como

investigación, un análisis o síntesis de una situación dada. Ello se hace a través de la


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4

- 44 -

manipulación de las formas y técnicas que expresan soluciones a las temáticas o

problemas que nos planteamos en el hecho creativo.

El dibujo como proceso artístico es también un hecho de comunicación. Implica una

noticia, es una forma diferente de realizar un texto. En el hacer artístico hay una

necesidad comunicativa y el dibujo es una forma de canalizarla. De modo tal, que

manejar el oficio, saber de sus limitaciones, de sus posibilidades, en definitiva de sus

características propias, es vital para la eficacia del mensaje. La comunicación que se

entabla en el hecho artístico es así un vínculo entre hombres, una forma de

propagación de las ideas que nos reúnen o nos aíslan, una forma de mostrar

realidades y de transmitir pensamientos e informaciones.

Dibujar en una forma de comunicarse que implica un lenguaje. Como todo lenguaje

tiene sus propios signos y códigos de uso. El idioma visual consta de elementos básicos

que se combinan para armar un “texto”. Algunos de los elementos básicos de que se

compone un dibujo son: los puntos, las líneas, las texturas, los colores, las formas. Al

combinarse entre sí generan nuevos elementos a tener en cuenta como: la

iluminación, los contrastes, las tensiones, las direcciones, los pesos, etc.

En el dibujo, la imagen que es fuertemente simbólica revela la singularidad de quien lo

realiza. En este sentido dibujar es una forma de expresarnos única y exclusiva.

Dependerá de cómo articulemos las diferentes formas de combinar los elementos

básicos como adquirirá nuestra marca, nuestra huella personal.

Actividades


Lea atentamente el texto.

Marque las ideas principales de cada párrafo.

Trabajo Presencial

Intercambien opiniones sobre el texto y experiencias

vinculadas al Dibujo con el docente y los compañeros.


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5

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Realice el dibujo de un objeto personal de uso cotidiano o de

valor afectivo. Apele a la memoria para su realización. ( Trabajo

individual)

Realice un dibujo del natural a partir de la observación del

entorno, un recorte visual de un sector de la institución, puede ser interior

o exterior. ( Trabajo individual)

Realice una composición de creación libre utilizando materiales

a lección. (Trabajo individual)

Realice una composición aplicando técnicas mixtas. ( Trabajo

individual)

Compartan en grupo las producciones (Exposición de dibujos)

Reflexionen sobre las experiencias del proceso de creación y los

resultados: uso de los materiales, coherencia expresiva, creatividad, etc.

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y

Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008.


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Texto 6

INTRODUCCIÓN AL CAMPO CERÁMICO

*Prof. Sergio Rosas

El trabajo con el barro es un arte rico en contradicciones, es bastante complejo si se

mira desde los avances tecnológicos que ha alcanzado, pero igualmente es muy

sencillo trabajar con este material pudiendo lograr resultados simplemente

inesperados en el campo del las artes y las artesanías. También se encuentra dentro de

las prácticas más antiguas realizadas por el hombre. “Los arqueólogos han encontrado

en todas las islas japonesas, objetos de baja temperatura de gran antigüedad y muy

elaborados. Algunos datan del año 12.000 a. C, fecha estimada por los métodos del

carbono.”1En general todas las culturas antiguas hicieron uso del barro en donde

siempre se conjugó la experimentación y el conocimiento. Los primeros objetos fueron

vasijas modeladas y cocinadas a bajas temperaturas en cuyas superficies se

estampaban o superponían elementos formales propios relacionados con sus de sus

creencias, cuyo resultado son objetos culturales transformados a través de la historia.

La palabra cerámica se puede definir como “el arte de hacer objetos duraderos, de

utilidad y/o belleza, por el tratamiento con calor de materias primas terreas.”2 Una de

las cualidades más grandes que tiene el trabajo en barro es la importancia que ha

tenido en el desarrollo de las culturas de todas las partes del mundo. Los objetos

cerámicos siempre han sido de gran utilidad y el hombre ha dependido de ellos en sus

actividades en la vida cotidiana, sin embargo, no solo han tenido un valor utilitario sino

forman parte de las “piezas de arte más hermosas del mundo: los azulejos de las

mezquitas persas, las esculturas de las primeras dinastías chinas , las figuras

precolombinas de Mesoamérica, las jarras de Micenas del año 2.000 a.C. entre otras.”3

El oficio de los ceramistas está lleno de implicaciones, depende en gran medida del

barro con el que se trabaje, si es puro o ha sido preparado con otros materiales

(pastas cerámicas) con el objetivo de reducir el tiempo de cocción, mejorar su textura

o alterar su color, además depende de las manos que lo trabajen y del conocimiento

de la técnica, sin contar con los sentimientos del creador, ya sea artesano, artista,

diseñador entre otros. Los objetos cerámicos cuentan con características que los hacen

particularmente especiales: la resistencia a través del tiempo, no se corroe como otros

materiales y adquieren gran dureza después de un proceso de cocción, lo que los hace

increíblemente resistentes y duraderos. Todo esto permite desarrollar objetos

tecnológicamente avanzados aplicados a la gran industria como ejemplo tenemos


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- 47 -

partes para naves que van al espacio, también está presente en objetos culturales con

tradición artesanal en donde interactúan la técnica, el sentir y el conocimiento. Ya en

otro campo el barro alcanza una gran nobleza a través de propuestas artísticas que

aportan innovaciones técnicas, contenidos formales y espiritualidad.

Los artistas que usan activamente la cerámica en su trabajo logran vincular aspectos

temáticos y formales y en muchos casos se basan en las técnicas tradicionales y en los

lenguajes de las culturas antiguas explorando a través de referencias arqueológicas o

registros históricos. Algunas veces se acercan a objetos cerámicos con carácter

utilitario como también logran propuestas que van desde la escultura a la instalación

artística. Casi siempre alcanzan formas que dejan ver el conocimiento por el oficio y la

relación de la materia prima con un gran sentido de pertenencia y amor frente a su

trabajo. Las reflexiones y las preocupaciones por el entorno y la naturaleza están

presentes en las creaciones. La esperanza esta que el trabajo con este material tan

noble logre a través del tiempo el lugar que se merece en el corazón de los seres

humanos.

LA PLASTICIDAD. FENÓMENO FÍSICO QUE CUALIFICA A LAS ARCILLAS

La arcilla cuando está húmeda con la cantidad adecuada de agua, tiende a mantener

cualquier forma que se le dé. Esta propiedad se conoce como plasticidad y es una de

las principales cualidades del material. Entre los materiales naturales la arcilla es única

en su grado de plasticidad. Es la plasticidad la que hace posible la fabricación de la

infinita variedad de figuras de los objetos cerámicos. Pellizcando, estrujando o

enrollando una bola de arcilla se reconoce instantáneamente el potencial que reside

en esta masa húmeda y deformable. La plasticidad de la arcilla ha sido muy estudiada

por los científicos, pero el mecanismo exacto aún no ha sido comprendido

completamente. Hasta cierto punto la plasticidad puede atribuirse a la finura del

grano. La pequeñez de las partículas cada una de las cuales está mojada con agua y

lubricada en la superficie con humedad, tienden a hacer que las partículas se peguen

unas con otras y esto hace que la masa en conjunto mantenga la forma que se le da. El

hecho de que se pueda modelar con arena húmeda, la cual cuando está seca no tiene

plasticidad en absoluto, ilustra este principio. Cuanto más fina es la arena, mayor éxito

tendrá el castillo de arena. La forma aplanada de las partículas de arcilla también

contribuyen a la plasticidad. La arcilla plástica puede ser comparada a un mazo de

cartas mojadas con agua. Cada carta está saturada de agua y una película de agua

entre las superficies hacen que las cartas resbalen y se deslicen una sobre otra y

también hace que se peguen entre sí; de forma similar las partículas se deslizan unas

sobre otras cuando se aplica una fuerza pero se mantienen en su nueva posición.


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La materia carbonosa corrientemente presente en la arcilla contribuye también a la

plasticidad. Muchas arcillas corriente que tienden a tener un contenido significativo

de carbón en ellas son bastante plásticas. La materia orgánica parece acentuar casi

como una goma o cola en el comportamiento de la arcilla. Mientras que una pequeña

cantidad de materia orgánica en la arcilla puede ser de ayuda en el desarrollo de la

plasticidad, demasiada hará a la arcilla excesivamente pegajosa, difícil de trabajar y de

contracción elevada.

Las arcillas varían grandemente de plasticidad según su historia geológica. Algunas

arcillas gruesas, aun cuando consideradas bastante no plástica (o antiplástica), son

útiles para hacer ladrillos y otros productos pesados de arcilla, tales como tejas y

revestimientos Otras arcillas son demasiado pegajosas para utilizarse por sí mismas y

deben mezclarse con otras menos plásticas para ser útiles. Sin embargo muchas

arcillas son utilizables tal y como salen de la tierra y pueden ser modeladas y torneadas

sin ningún ajuste de su composición.

ARCILLAS PRIMARIAS O RESIDUALES

Las arcillas pueden clasificarse de distintas maneras según las propiedades que

interesen al clasificador. Se pueden clasificar las arcillas según su color, según existen

en la naturaleza. O puede centrarse la clasificación sobre la idea de su uso u origen

geológico. El ceramista está interesado en lo que la arcilla puede hacer por él en la

manufactura y cocción de sus productos y mirará la arcilla desde su punto de vista.

Está interesado en la plasticidad o trabajabilidad de la arcilla, sus reacciones durante

el secado y la cocción. La división de las arcillas en dos grandes grupos, arcillas

primarias y secundarias, ayuda a clasificar las arcillas pare el ceramista y le ayuda a

comprender y hacer uso de las propiedades particulares de trabajo y cocción de las

distintas arcillas.

Las arcillas primarias (también denominadas residuales) son las arcillas que se han

formado en el lugar de sus rocas madres y no han sido transportadas por el agua, el

viento o el glaciar. Las arcillas primarias son poco corrientes, ya que normalmente los

productos de la meteorización son transportados pendiente abajo por el agua de

torrentes y los ríos hasta llegar finalmente a lagos o mares. Pero en ciertas ocasiones

las arcillas se dejan en el punto en que han formado por la desintegración de las rocas

feldespáticas.

Los lechos de roca se desintegran en arcilla principalmente por la acción del agua del

suelo filtrándose a través de la roca y esto lava gradualmente los componentes más


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- 49 -

solubles. En algunos casos la percolación de vapor o gases procedentes del subsuelo

pueden haber contribuido a la formación de la arcilla. Los depósitos de arcillas

primarias tienden a ser de grano grueso y relativamente no tan plásticas.

Las arcillas primarias, cuando han sido limpiadas de fragmentos de roca, tienden a ser

relativamente puras y libres de contaminación de otros materiales no arcillosos.

Valoramos las arcillas primarias por su pureza, su blancura y su libertad de minerales

rechazables o contaminación orgánica y por la resistencia a altas temperaturas (ej.

Ladrillos refractarios 1700ºC, porcelanas 1400ºC). Los caolines son arcillas primarias o

residuales.

ARCILLAS SECUNDARIAS O SEDIMENTARIAS

Son aquellas que han sido desplazadas del lugar de las rocas madres originales.

Aunque el agua es el agente más corriente de transporte, el viento los glaciares

pueden también transportar arcilla. Las arcillas secundarias o transportadas son mucho

más comunes que las primarias. En la naturaleza es casi seguro que el material

erosionado se transportará a un lugar nuevo.

El transporte por el agua tiene un efecto importante sobre la arcilla. Por un lado la

acción del agua en las corrientes tiende a moler la arcilla en partículas de tamaño más

y más pequeño. Luego, cuando el agua de la corriente comienza a tranquilizarse, algo

de material que transporta se deposita. Las partículas más gruesas naturalmente se

depositan primero, dejando las partículas finas todavía en suspensión en el agua.

Cuando se alcanza el agua quieta, las partículas restantes muy finas de arcilla se

depositan. Caso de un lago o como en nuestra provincia el Río Mendoza, en la zona

de Lavalle, encontramos depósitos de arcilla sedimentaria útil para la industria

ladrillera y alfarera.

Las arcillas transportadas son corrientemente compuestas por material procedente de

distintas fuentes. En cada corriente son propensos a mezclarse entre sí fangos de

numerosas fuentes de erosión. Esto explica la constitución más compleja de la mayoría

de las arcillas secundarias comparadas con el caolín puro. Como podría esperarse, las

arcillas transportadas son propensas a contener hierro, cuarzo, mica y otras impurezas.

En las arcillas secundarias también se encuentran corrientemente materias

carbonosas, usualmente en forma de lignito, también musgos, líquenes, material en

descomposición que colaboran con la característica principal de las arcillas

sedimentarias: su plasticidad.


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0

- 50 -

Las arcillas secundarias contienen, además, suficiente hierro, manganeso, titanio y

otros óxidos que hacen que se cuezan con un color anteado, marrón o rojo, y que la

temperatura de maduración sea corrientemente bastante baja (entre 900-950ºC).

Actividades



Responda el siguiente cuestionario:

a) ¿Participaste alguna vez en algún taller de cerámica?

b) ¿Podrías enunciar los productos cerámicos que conozcas?

c) ¿Qué tipo de cerámica te gusta?

d) ¿Has observado en tu vida cotidiana la cantidad de productos

cerámicos que te rodean? Mencione algunos

e) ¿Cuáles utilizas diariamente?

f) ¿Crees que la cerámica es un arte o una industria?

Subraya los conceptos claves, las afirmaciones, las definiciones

y otros elementos de relevancia.

Anota al margen un concepto que sintetice lo que cada párrafo

desarrolla o describe.

Interpretar el sentido de las palabras según el contexto de

producción del texto (Búsqueda en diccionario, internet)

Registra las dudas para preguntar al docente

Trabajo Presencial (comprensión del texto)

Analicen los diferentes párrafos.

Diluciden el sentido de los términos no conocidos del texto, con

ayuda del docente.

Planteen el tema del texto

Planteen el tópico2 del texto

2 Enunciar el tópico es evidenciar la orientación y el tratamiento particular del autor con respecto al

tema. Es una actividad inferencial, realizada por el lector. Es una actividad orientada a la síntesis, por lo

tanto es lícito formularlo con palabras propias.


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Trabajo Presencial (aspecto técnico)

Identificar objetos cerámicos a partir de la observación directa.

Realizar una aproximación a una técnica cerámica reconociendo

las características del material.

PETERSON, Susan, 1997. Artesanía y arte del barro. El manual completo del ceramista, Editorial Blume, Barcelona,

p.12.

RHODES, Daniel, 1990. Arcilla y vidriado para el ceramista, Ediciones CEAC, S.A, Barcelona. Pag. 12, 20 a 23.

PETERSON, Susan, 2003.Trabajar el barro. Editorial Blume, Barcelona, p.22 .

Texto 7

El hacer plástico


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2

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“Quería lograr una dialéctica entre la percepción que uno tiene del lugar en su

totalidad y la propia relación con el área en la que se camina. El resultado es una forma

de medirse a sí mismo contra la indeterminación del entorno.

No me interesa en absoluto contemplar una escultura que solamente se define por sus

relaciones”.

“En los años 1967 y 1968, escribí una lista de verbos como medio para aplicar diversas

actividades a materiales no específicos. Enrollar, plegar, doblar, recortar, partir,

desgarrar, trocear, picar, cortar, desgajar *…+ El lenguaje estructuró mis actividades en

relación con los materiales, que tenían la misma función que verbos transitivos”. Richard Serra.

Daniel Marzona. “Arte minimalista” Ed.Tashen. 2009.

Dar un nombre

Comentan que James Watt perfeccionó la máquina de vapor mientras estaba sentado

en la cocina. Su madre vierte contenido de un paquete de harina sobre una mesa

donde va a preparar un pastel. Pero el muchacho no tiene ningún interés en ese

pastel. El, un futuro diseñador, está fascinado por la forma que aparece encima de la

mesa. Por parecerle la silueta de un volcán, llama a esta forma “Fujiyama” y ésa es su

invención. El sigue el ejemplo de Adán y Eva en el Paraíso, que dieron nombres a los

animales y a las flores cambiando de ese modo su conversación, y con ello su mundo.

La importancia de tener un nombre específico para algo me vino por primera vez

cuando estuve trabajando en una escultura de nieve con un grupo de inuites* en

Quebec. Siempre había pensado que la vida en la nieve eterna debía ser

extremadamente aburrida y sin color. Yo estaba al tanto sólo de dos clases de nieve: la

nieve húmeda y la nieve seca, aparte de ese desastre llamado aguanieve. Ahora bien,

de los inuites aprendí que había 97 clases de nieve y lo más extraordinario, cada una

tenía un nombre distintivo. Después de aprender algunos de esos nombres, observé

que muchas variedades de nieve empezaron a existir en realidad para mí y que podría

reconocer sus distintivas cualidades.

Unos meses después de esta experiencia, ya de de vuelta en casa, caminando por las

playas del Mar del Norte, contemplando los ribetes de la arena hechos por el viento y

el retroceder del océano, me di cuenta de que a estas hermosas formas se les podía


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dar un nombre “huellas”, y que además, en adición a ese nombre específico, se las

podría emplazar dentro de una categoría total de formas son el tema las que

llamaríamos: “no tocadas por las manos del hombre”. Estas formas, las que derivan de

esta categoría, son el tema de los capítulos que integran la primera parte de este libro.

Huellas, […] Apilar, Formar, Hacer, La Forma Entallada, Empaquetar, Hender- Escindir

*, Arrugar, Fluir, Plegar, Conectar, Anudar, Tejer, Agrietar, La forma Inflada, Lámina

(Una Forma Dada)*…+ Adicionar-Sustraer*…+

“El arte no copia la naturaleza, sino que procede como ella”

Tomás de Aquino

J.J. Beljon “Gramática del Arte” Ed Celeste. Madrid. 1993

Glosario

Inuite: El término "esquimal", se considera despectivo, proviene probablemente

de "eskimantsik" denominación dada por las tribus Wabanaki, que significa "devoradores de carne

cruda". Ellos se designan como "inuit" ("hombres", "propietarios" de un lugar), en Alaska se

prefiere "yuit".

Hender: Atravesar, cortar.

Escindir: Separar, dividir.

Actividades



Realice una lista de los conceptos destacados en negrita: escriba al

lado de cada verbo una actividad vinculada al mismo que haya

realizado, o imagine realizar, en relación al uso de distintos

materiales.



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Compartan las síntesis elaboradas.

Realicen un objeto o una escultura con diversos materiales a partir

de las palabras destacadas en negritas que figuran en los textos.


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Texto 8

UNA EDUCACIÓN ALTERNATIVA

En una sociedad con incertidumbre creciente se plantean todo tipo de problemas

cotidianos. La resolución de problemas está orientada hacia el futuro, ya que implica el

diagnóstico, la comprensión y la decisión entre más de una alternativa. Cobra

importancia la práctica que permita resolver problemas cotidianos en un doble

sentido: por un lado el enfrentamiento a la incertidumbre de cada día; y por otro la

actitud activa ante situaciones nuevas que requieren creatividad, capacidad de

relacionar los conocimientos adquiridos y de usar otros nuevos.

Las alternativas educativas constituyen aspectos fundamentales del sentido de la

educación en estos tiempos. La búsqueda de un sentido de la propuesta educativa es

la condición más importante en las situaciones sociales que vivimos.

Se trata de construir sentido en una relación en la que entran en juego la creatividad,

la novedad, la incertidumbre, el entusiasmo y la entrega personal.

Las alternativas * son:

Educar para la incertidumbre.

La vida humana se organiza en una lucha contra la incertidumbre. Las instituciones

sociales intentan sembrar seguridad en un mundo signado por los riesgos. No nos

educan para vivir en la incertidumbre aunque nadie escapa a ella.

En una educación para la incertidumbre como primer punto se debe interrogar en

forma permanente la realidad de cada día, y por lo tanto no inculcar ni enseñar

respuestas. Se trata de una pedagogía de la pregunta más que de la respuesta como

dice Freire.

También significa educar para localizar, reconocer, procesar y utilizar información.

Desde hace décadas se insiste en la relación entre información e incertidumbre, a

mayor falta de aquella mayor dimensión de esta.

*Gutiérrez Pérez, Francisco; Prieto Castillo, Daniel. La mediación pedagógica, apuntes para una educación a

distancia alternativa, Buenos Aires, Ed. Ciccus-La Crujía, 1999.


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La educación debe ofrecer recursos o metodologías para trabajar con la gran cantidad

de información existente, presente en todas partes.

Desde esta perspectiva también se busca educar para saber reconocer propuestas

mágicas para desmitificarlas y resignificarlas. Es decir enfrentarse a los distintos

textos sociales para leerlos críticamente, ser un lector crítico de los mismos no un

mero consumidor.

Como último punto educar para la incertidumbre es: educar para crear, recrear y

utilizar recursos tecnológicos de escala humana.

Lo tecnológico es parte de nuestro medio ambiente, pero en general lo utilizamos a

nivel de consumo más que apropiarnos de su sentido y función social. La tecnología es

muy importante para ilustrar prácticas y orientar la reflexión de los estudiantes.

A modo de síntesis podemos concluir que educar para la incertidumbre significa

impulsar una actitud activa ante la misma, para abandonar la ilusión de certidumbre y

de moverse con una mente abierta a los cambios en una sociedad tan compleja como

la actual.

Educar para gozar de la vida.

Educar en, por y para el goce significa generar entusiasmo en todas las actividades, las

practicas, los ambientes, las relaciones, los resultados, los progresos, incluso los

errores. Es un procesos educativo donde todos se sienten vivos, comparten su

creatividad, generan respuestas originales, se divierten, juegan, gozan.

Significa movilizar todas las energías en una aventura lúdica compartida; sentir y hacer

sentir, ello implica un ambiente gozoso. Un ambiente donde se pongan en juego la

riqueza de los sentidos, de la imaginación y de la creación colectiva.

Educar para la significación.

Una propuesta alternativa busca procesos significativos que involucren a educadores y

educandos, teniendo en cuenta que en educación no hay nada in-significante, aunque

casi siempre la tarea de significar este en manos de la institución o de sus funcionarios.

Significar es: dar sentido a lo que hacemos, incorporar mi sentido al sentido de la

cultura y el mundo, compartir y dar sentido, también es comprender el sinsentido de


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- 57 -

ciertas propuestas y relacionar y contextualizar experiencias o discursos; además es

impregnar de sentido las practicas y la vida cotidiana.

Una educación con sentido educa protagonistas para los cuales sus actividades, los

conceptos y los proyectos significan algo para su vida. La capacidad de dar sentido

pasa por criticar los sentidos y los sinsentidos ajenos, lejos de una educación entendida

como obediencia ciega a un mando superior. El sentido no se imparte a base de

órdenes ni de misterio, se construye en una relación solidaria.

Educar para la expresión.

Expresar significa exteriorizar, sacar afuera lo que uno tiene adentro, comunicar,

manifestar, hacer público. De acuerdo a ello podemos afirmar que: sin expresión no

hay educación.

Quien no se expresa se reprime, es suprimido, está sujeto a que le impriman el

sentido, que lo compriman y depriman.

La capacidad expresiva significa un dominio del tema y de la materia discursiva y se

manifiesta a través de claridad, coherencia, seguridad, riqueza, belleza en el manejo de

las formas de los diferentes lenguajes.

La educación debe pasar por una constante y rica expresión de sus individuos para no

quedar en los viejos moldes de la respuesta esperada y los objetivos sin sentido.

Educar para convivir.

Esta alternativa es educar para vivir con, es decir entreayudarnos, ya que todo

aprendizaje es un interaprendizaje. Se destaca la importancia de lo compartido,

aquello que puede ser aprendido de los demás. Para ello es importante valorar al otro,

ya que es imposible aprender de alguien en quien no se cree.

Educar para convivir es también educar para la cooperación y la participación

colectiva.

Se reivindican desde esta propuesta necesidades básicas como: las relaciones

interpersonales, la participación y el afecto. Para ello se debe permitir el trabajo en

grupo, dando oportunidades al intercambio de experiencias e información. El grupo es

el ámbito ideal para el interaprendizaje para la recreación y producción de

conocimientos.


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Educar para apropiarse de la historia y la cultura.

Somos seres históricos, producto de experiencias anteriores, de conocimientos,

vivencias, tecnologías, cultura, entre otras.

Somos producto de esa historia social y de nuestra biografía.

En la cultura se educa para la producción cultural, ya que todo producto cultural y su

proceso son educativos; tanto para la apropiación de lo creado por otros, como para la

creación inherente al acto educativo.

La propuesta educativa se orienta a promover las virtudes activas a través de la

mediación. Se logra apropiarse de la historia y de cultura en el interaprendizaje,

interrogando la propia situación, en la invención, en el planteamiento de alternativas,

en la alegría de construir e imaginar.

Educar para la complejidad.

Uno de los grandes problemas del aprendizaje es su reducción a simplezas. Esto ha

colaborado en gran manera el aprendizaje informal basado en la cultura mediática,

donde todo es fácil, digerible accesible sin esfuerzos a cualquier entendimiento.

Esto en la educación formal ha derivado por ejemplo en el acortamiento de carreras,

también en el retroceso constante de las exigencias de estudio serio. Sin embargo en

nuestra realidad y con fuerza desde el siglo XX nos enfrentamos al estallido de la

complejidad.

En educación debemos reconocer que no es posible colaborar en la inserción de las y

los estudiantes en un mundo tan complejo desde la fragmentación de disciplinas, de

manera desarticulada en materias sin conexión entre ellas.

Debemos promover en los jóvenes al insertarse socialmente la capacidad de pensar la

complejidad, de situarse dentro de ella y decidir.

Educar para la comprensión.

La comprensión mutua entre humanos cercanos o lejanos, es vital para que las

relaciones humanas salgan de su estado salvaje de incomprensión.


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Es necesario estudiar las raíces de la incomprensión, sus modalidades y sus efectos.

Ello constituiría una de las bases más seguras para la educación por la paz, a la cual

estamos ligados esencialmente.

Consideramos dos comprensiones: la comprensión intelectual u objetiva y la

comprensión humana intersubjetiva. Comprender significa aprender en conjunto. La

comprensión individual pasa por la inteligibilidad y en ella la explicación es necesaria,

pero es insuficiente para la comprensión humana.

Esta comporta un conocimiento de sujeto a sujeto entendiendo que las personas se

perciben no sólo objetivamente, sino como otro sujeto con el cual uno se identifica.

Comprender incluye necesariamente un proceso de empatía, de identificación y de

proyección que necesita apertura, simpatía y sobre todo generosidad.

LA EDUCACIÓN ALTERNATIVA DESDE LAS ARTES VISUALES

Desde mi área de trabajo, la educación artística considero que se ponen en juego

diferentes alternativas. La educación artística trabaja de manera integral con las

diferentes dimensiones del sujeto.

Al analizar cada una de las posibilidades educativas, reflexionando sobre las prácticas

puestas en juego desde mi especialidad, puedo reconocer claramente la mayoría de

estas propuestas. Considero que la Educación Artística es en sí misma una alternativa

esencial para una nueva educación donde se contemple el desarrollo de la

expresividad, la sensibilidad y la creatividad. Algunos de estos aspectos han sido

abordados actualmente por Elliot Eisner en su libro: “La escuela que necesitamos”.

Señalando las alternativas más destacadas que se relacionan con mí ámbito del saber

puedo mencionar en primer lugar la educación para gozar de la vida ya que desde las

prácticas áulicas se pretende generar climas de libertad creativa y gozo en las

actividades; propiciando el entusiasmo en las tareas desarrolladas y buscando

respuestas originales en la resolución de las mismas.

Las áreas artísticas trabajan especialmente con la riqueza de los sentidos, la

imaginación y la creación colectiva. Esto desde la plástica se pone en práctica a través

de la exploración lúdica de materiales, la selección libre de herramientas y

procedimientos de trabajo, las salidas de campo para la observación de la naturaleza y


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0

- 60 -

las obras estéticas del entorno, además del trabajo en grupo como ámbito de

diversión y cooperación.

De acuerdo a lo manifestado emerge con fuerza otra de las alternativas: el educar para

la expresión. Nuestras áreas desarrollan como ejes fundamentales la expresión y la

comunicación en sus múltiples formas. A través las distintas disciplinas artísticas desde

propuestas de integración se favorecen el manejo y la utilización de recursos

expresivos de lenguajes no verbales. Además se hace hincapié en el desarrollo de las

capacidades creadoras individuales inherentes a todo ser humano, considerando la

singularidad de cada individuo. En el aula se observa en la producción expresiva desde

los diferentes géneros plásticos: los alumnos se expresan de acuerdo a sus propias

motivaciones a través de obras que ilustran, representan o simbolizan. A partir de las

formas, los colores, las texturas, la figuración o la abstracción, la bidimensión y la

tridimensión, crean obras propias cargadas de significado. Buscan comunicar

sensaciones, emociones, ideas y sentimientos; y a su vez al decodificar obras de sus

pares logran interpretar otros mensajes completando el proceso comunicativo.

Todas estas propuestas pretenden contribuir en la formación de los futuros docentes

desarrollando la expresión en sentido amplio es decir apelando a todos los sentidos y

formas de expresión a menudo poco desarrolladas en la educación como son los

lenguajes no verbales.

El futuro docente debe utilizar eficazmente todas sus posibilidades expresivas para

lograr una verdadera comunicación con sus alumnos y conseguir posicionarse como

verdaderos mediadores del aprendizaje.

Asimismo se vislumbra el educar para convivir y para la comprensión teniendo en

cuenta que en un clima de libertad y creación colectiva se busca el respeto por la

producción propia y ajena, incentivando la cooperación y el interaprendizaje.

Desde la Plástica se contribuye también para apropiarse de la historia y de la cultura.

Dentro de los contenidos abordados desde la disciplina se trabaja el acercamiento a

obras del Patrimonio artístico y cultural de nuestro medio, para contribuir al rescate y

la valoración del mismo. Esto contribuye en la formación de los futuros docentes en un

sentido integral, entendiendo que ellos se constituirán en un futuro como referentes

culturales de sus alumnos con la valiosa tarea de transmitir los valores culturales y

tradicionales propios de su cultura y también ayudar a construir su identidad y

reafirmar su sentido de pertenencia.


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1

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A modo de síntesis considero que el Arte al desarrollar el pensamiento creativo,

propicia la flexibilidad y la fluidez dentro de procesos de pensamiento divergente que

permiten desarrollar respuestas nuevas y adaptarse a escenarios cambiantes. Nos

acercamos aquí a otras alternativas de la educación como el educar para la

incertidumbre, para la significación, y para la complejidad.

Para finalizar, es importante reconsiderar el valor de las actividades artísticas que permiten el desarrollo de una educación alternativa centrada en la singularidad de cada sujeto, dando lugar a modos de expresión no convencionales a menudo poco apreciados en la educación, que contemplan al sujeto de modo integral valorando todas sus capacidades para lograr aprendizajes significativos, propiciando la creatividad el juego y el goce en cada una de las actividades.

En la sociedad contemporánea, como señalan diversos autores, las funciones culturales, sociales y simbólicas, que en el pasado servían como vía de transmisión de imaginarios y de concreción de la experiencia humana, se desplazan actualmente desde los territorios de las “artes cultas” a los de las “culturas de masas” o “culturas populares”, para proponer e imponer una revisión urgente de nuestros presupuestos estéticos y educativos.

De esta manera, se identifica una función contemporánea de las artes, básicamente integradora y relacional, que pretende conectar con todos los sustratos de la realidad que compartimos, y no solo como una manifestación superior del espíritu humano. Una función sustentada desde las condiciones necesarias para entender que las producciones culturales no son privilegio de tan solo unos pocos que producen y reparten la cultura, sino un derecho de todos/as.

Reconocemos esta función social de las artes como generadora de cambio y transformación, para ello la educación artística puede y debe ofrecer ámbitos de exploración, reflexión y compromiso, de manera individual y colectiva, que se proyectan en la búsqueda de una mayor calidad en la relación entre arte y vida

Abad, Javier. Usos y funciones de las artes en la educación y el desarrollo humano en Educación artística, cultura y ciudadanía. Colección metas educativas 2021. Fundación Santillana. España. Martínez, Carolina Eva. Texto Paralelo. Módulo I. Especialización en Docencia Universitaria. (pág 44 a 53), inédito,

Mza, 2010.


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2

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Actividades


Lee atentamente el texto 6.

Relea por apartado y subraye los conceptos claves, las afirmaciones,

las tesis por el autor, las definiciones y otros elementos de relevancia.

Anote al margen las palabras claves que sinteticen lo que esa frase o

párrafo desarrolla o describe.

Señale las dudas para preguntar al profesor


Dialoguen en grupo sobre los aspectos relevantes del texto, compartan

experiencias vividas respecto a su propia educación y su vinculación con el

texto. Estas experiencias y las conclusiones elaboradas a partir del diálogo se

retomarán en una próxima intancia para la creación de una producción

plástica grupal.

Seleccionen algunos de los conceptos del texto y realicen una

produción plástica donde representen, o simbolicen la idea través de la

imagen utilizando materiales diversos.


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3

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Texto 9

LOS HUARPES EXISTIMOS

Cuando fui a la escuela, me discriminaron mucho por ser indígena. Éramos varios

chicos los hijos de laguneros y la mayoría de los maestros eran hijos de italianos,

“gringos”, como decían los viejos nuestros. A tal punto me discriminaron, que estuve

en los tres cuadros de honores para recibir la bandera, con buen puntaje, y no me la

dieron porque yo era hija de lagunero, era indígena. Yo había estudiado y había hecho

mucho esfuerzo para recibir la bandera. Pero no me la dieron. Después le tocó a mi

hermana. Ella también logró muy buen puntaje para la bandera y tampoco pudo

recibirla: se la dieron al hijo de un abogado. Entonces mi otro hermano, siendo muy

chiquito, le dijo a mi papá: “Papi, yo no voy a estudiar para recibir la bandera, no me

interesa ser abanderado. Yo quiero ser un ser humano, no quiero ser un indígena”.

Hasta hoy nos acordamos de esa conversación. Él lo decía con mucha convicción,

quería que no lo discriminaran, que lo reconocieran como ser humano. Hoy tiene 38

años y le decimos “ser humano”.

Jamás tuve vergüenza, tuve dolor, pon nunca me avergonzaba. Ahora, de grande, me

han discriminado, pero ya no me duele. En todo caso me puede dar un poco de

bronca, pero puedo pelearla, puedo discutir y puedo decir que la historia que ellos

cuentan no es así. El año pasado, un investigador nos discriminó y nos dijo que los

Huarpes no existíamos, que usábamos esto políticamente. Las radios en seguida

empezaron a llamar a casa para hablar con mi papá. El tuvo una respuesta muy sabia,

dijo: “Que pena que este señor que estudió tanto, tanta historia, sepa tan poco, porque

los huarpes estamos”. Es todo lo que dijo mi padre. “Nosotros, los huarpes, estamos”;

eso solo dijo.

Noemí Jofré. (2008)

“Mujeres dirigentes indígenas

Relatos e historias de vida”

….”La escuela es muy ignorante de nuestra cultura y la ignorancia genera el

antirrespeto. Para que haya respeto tienen que haber conocimiento. ¿Por qué

nuestros abuelos respetaban a la Pachamama? Porque conocían, no era por hacerlo

nomás.


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Conocían que la tierra había un tiempo en que tenía que descansar y otro que era para

sembrar. Y que cuando la tierra nos da nuestro alimento es como nuestra madre

cuando nos da la leche de sus mamas. Nosotros siempre estamos agradecidos a

nuestra madre, a nuestro padre que nos ha engendrado y a la tierra lo mismo, es un

ser viviente más.

Ese conocimiento profundo no lo enseñan en la escuela. No lo enseñan por el mismo

hecho de que los que enseñan no conocen.

Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.

Preparatorias de Abra Pampa

…”Es fundamental la relación de la comunidad con los docentes para charlar sobre

el tema, porque los docentes siguen sin saber la historia y las costumbres. Entonces

vamos a llegar a un acuerdo cuando nos reunamos, nos juntemos, y ahí hablaremos de

educación.

Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.

Preparatorias de Susques

Actividades


Lea los relatos (Los Huarpes existimos, Primeras Jornadas de Educación

Intercultural)

Anote al margen apreciaciones personales sobre las frases más

significativas del texto.

Reflexione individualmente sobre la siguiente situación


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Usted ha tomado un cargo de docente de plástica en la escuela rural Antonio Silva,

ubicada en Barrancas, Maipú. La misma es una escuela con grados múltiples.

En la charla con el director antes de iniciar las clases, él le comenta que los chicos

más grandes, vienen trabajando el tema de identidad, “…en la zona existió un

asentamiento Huarpe, y los chicos han encontrado muchos restos cadáveres y

todo…bueno llamamos a patrimonio y con ellos y gente de la municipalidad están

trabajando la recuperación de la historia regional y su relación con la vida de ellos

hoy”.

Pensando en la charla con ese director, reflexione honestamente sobre:

¿Qué conoce usted sobre los Huarpes hoy? En un pequeño escrito detalle

sus conocimientos al respecto

Ahora tome posición como docente de esa escuela y piense:

¿Cómo utilizaría los datos que le provee el director para su presentación

los primeros días de clase en el grado?

Detalle una serie de actividades a realizar a fin de ocuparse en sus clases

de esa realidad escolar.


Seleccionen algunos de los conceptos esenciales de los textos 7 y 8 y

realicen una produción plástica donde representen, o simbolicen la idea

través de una imagen utilizando materiales diversos.


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Texto 10

“Mi última obra es un muro”

Joan Miró

Fue en 1955 cuando la Unesco me solicitó que participara en la decoración de sus

nuevos edificios que estaban construyéndose en la Plaza de Fontenoy, en Paris. La

Organización puso a mi disposición dos muros perpendiculares- el uno de 15 metros de

largo y el otro de siete metros y medio - que se habían erigido junto al edificio de

conferencias. Yo propuse decorarlos con mosaicos de cerámica y ejecutar mi obra en

colaboración con Llorens Artigas.

La estructura misma de los edificios, su aprovechamiento del espacio, las condiciones

de la luz, me sugirieron las formas y los colores de mis muros. Como una reacción

contra las inmensas paredes de cemento, se imponía para el muro mayor la idea de

un gran disco, de potente coloración rojiza. Su eco o su equivalente pictórico sobre el

muro menor sería una luna menguante de color azul, dictada por el espacio más

restringido, más íntimo, sobre el cual iba a reinar. (…)

Traté de dar una expresión de gran fuerza en el muro de mayor tamaño y una

sugestión más poética en el muro menor. De este modo dibuje y pinte algunas

maquetas a la escala de 1/100 que fueron sometidas a un comité especial y obtuvieron

su aprobación.

La segunda etapa de mi trabajo fue la búsqueda que emprendí, en compañía de

Artigas, de los medios técnicos para la transposición de mi pintura a la cerámica.

Ningún ceramista se había enfrentado con una obra de semejantes dimensiones. Era

necesario, por otra parte, prever la resistencia del material a las diferentes

temperaturas, a la humedad y al calor excesivo del sol, ya que los dos muros estaban

situados en el exterior, sin protección alguna. Todos estos problemas eran arduos y

solo Llorens Artigas podía resolverlos. Como un antiguo alquimista buscaba las clases

de arcilla, los esmaltes de greda y los colores que debía utilizar. Esta búsqueda

constituye una verdadera creación (….).

Se nos ocurrió la idea de hacer un viaje a Santillana del Mar, para volver a contemplar

las célebres pinturas rupestres de Altamira y meditar delante del primer arte mural del

mundo. En la vieja iglesia románica de la Colegiata nos maravilló la belleza plástica de

un muro arcaico, carcomido por la humedad. Llorens Artigas no olvidaría ese muro al

crear la materia de los fondos de cerámica. Después (….) quisimos ponernos bajo el

signo y la advocación de los artistas románicos catalanes y de Gaudí. El Museo de


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Barcelona encierra admirables frescos románicos, cuya lección no he cesado de

escuchar desde mis primeros trabajos de pintor.

Finalmente fuimos a visitar al Gaudí del Parque Güell y allí embargó mi imaginación el

disco inmenso que se encuentra incrustado en el muro. Este encuentro lo interpreté

como una confirmación de mi idea y un estímulo a mi creación pictórica.

Artigas no estaba satisfecho con la materia de fondo y, por otra parte, la regularidad

geométrica de los mosaicos le parecía peligrosa para la calidad artística y la vida

misma de la obra. Fue entonces cuando recordó el muro de la Colegiata y volvió a

encontrar una maravillosa sensibilidad en sus ensayos. Asimismo, los muros de la

antigua capilla de Gallifa nos abrieron los ojos. Había que rehacerlo todo con mosaicos

de dimensiones diferentes. Esta experiencia infortunada nos costó cuatro toneladas

de tierra, 250 kilos de esmalte y diez toneladas de leña, sin contar el trabajo y el

tiempo empleados.

Habíamos encontrado por fin la estructura de los mosaicos y la materia que debía

servir como fondo; así, el primer cocimiento se llevó a cabo sin incidentes (…). Pero, a

pesar de todas las precauciones que se puedan tomar, el amo de la obra es en última

instancia el fuego: su acción es imprevisible y su sanción tremenda. (…) Existía una

dificultad suplementaria: las grandes dimensiones de la superficie que yo debía pintar.

Ciertas formas y líneas debían ser trazadas con un solo movimiento para conservar su

dinamismo y su espontaneidad original. Me serví para ello de una escoba de fibras de

palmera. Artigas contuvo la respiración cuando me vio asir la escoba para trazar

formas de cinco o seis metros, corriendo el riesgo de perder el trabajo de muchos

meses.

Noviembre de 1958

JOAN MIRO (1893-1983), pintor español, es uno de los grandes artistas plásticos de este siglo. En su

juventud participo en el movimiento surrealista en Paris, donde vivió largos años. Por encargo de la

Unesco realizo dos murales, a los que el pintor dio el título de El muro del Sol y El muro de la Luna y de

los que habla en el artículo aquí reproducido

Fragmentos de un texto publicado previamente en la revista Derriere le miroir (Nos 107, 108, 109) Maegt, Paris,

1958


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Actividades



Subraye los nombres de artistas y obras de arte que se mencionan.

Busque y observe imágenes de las obras y artistas marcados. (laminas,

revistas, internet, etc)

Trabajo grupal (presencial)

Analicen junto a los docentes la obra de pintura mural de la fachada de

nuestra institución: preceso de organización del proyecto, elaboración

de imágenes, gestión de recursos, pintura directa sobre el muro, entre

otros.

Elaboren en grupo una composición plástica colectiva con

características de mural a partir del tema “Educación”, ensamblando

de manera coherente y creativa las producciones realizadas en el

encuentro anterior.


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Texto 11

Domingo por la tarde

Vincent

Van Gogh

… ¿Qué es dibujar?¿Cómo llegar a un resultado? Es preciso pasar a través de un muro

de hierro invisible que parece levantarse entre aquello que uno siente y aquello de lo

que es capaz. ¿Cómo pasar a través de ese muro?, porque arrojarse contra él no sirve

de nada, a mi parecer; es preciso minar y limar el muro, poco a poco con paciencia,

pero, ¿cómo proseguir asiduamente un trabajo semejante sin dejarse perturbar o

distraer, a menos que se reflexione y se ordene la vida en base a ciertos principios?,

En los otros dominios sucede lo mismo que en el del arte. Lo sublime no es un efecto

de azar, es preciso quererlo realmente. Decidir si, en el punto de partida, los actos

deben conducir al hombre a los principios, o si los principios deben conducirlo a los

actos, me parece tan imposible- y tan vano- como decidir si la gallina ha precedido al

huevo o inversamente. Pero lo que considero más positivo y de la mayor importancia,

es tratar de desarrollar la voluntad y la fuerza del pensamiento. Siento mucha

curiosidad por saber si tú descubrirás cualidades en las figuras que he dibujado en

estos días, cuando en algún momento los veas. También en este dominio se encuentra

el problema de la gallina y el huevo: ¿es preciso dibujar figuras para usarlas en una

composición concebida previamente, o bien es preciso juntar las figuras dibujadas

separadamente de tal manera que la composición las absorba?

Pienso que lo mismo da, a condición de trabajar. Termino retomando la conclusión de

tu carta: nosotros tenemos en común el hecho de que nos gusta echar una mirada

detrás de los bastidores, o dicho de otro modo, estamos dispuestos a analizar las

cosas. Creo que es esta la cualidad que es preciso tener para pintar, es preciso poner

esa facultad cuando se pinta o se dibuja. Aún cuando tenemos algunas aptitudes

naturales (tú las tienes, y yo también; quizá las debemos a nuestra juventud pasada en

el Bramante y a un medio que ha contribuído, más de lo que generalmente ocurre, a

ensenarnos a pensar), sólo más tarde, mucho más tarde se desarrolla y madura el

sentido artístico, gracias al trabajo.

… Estoy de acuerdo contigo acerca de lo que dices de mis pequeños dibujos; por

ejemplo, que el del banco está hecho a la manera antigua. Lo traté así más o menos

conscientemente, y es posible que todavía lo haga. Aunque numerosos cuadros y

dibujos concebidos expresamente para volver delicado y armonioso el gris y el color


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local, me parezcan hermosos y magníficos, creo sin embargo que muchos artistas, que

persiguen menos expresamente esa meta, que ahora se los considera como pasados

de moda, se mantienen siempre sanos y jóvenes, porque su procedimiento tenía y

todavía tienen su razón de ser.

A decir verdad, no querría abstraerme ni de la concepción pasada de moda ni de la

nueva concepción. Hay demasiadas cosas fuera de lo común en las dos corrientes

como para que pueda sistemáticamente conceder mis preferencias a una u otra. Los

cambios realizados por los jóvenes en el dominio del arte no son mejores en todos los

sentidos; no todo es progreso, ni por lo que respecta a la obra, ni por la lo que

respecta a la personalidad de los artistas, y a menudo tengo la impresión de que

muchos pierden de vista su punto de partida y su objetivo, o dicho de otro modo que

no se mantiene con firmeza.

Querido Theo:

Otra vez domingo, y el tiempo está lluvioso, como de costumbre. Además, esta semana

tuvimos una tempestad, y las hojas escasean sobre los árboles. Te aseguro que me

felicito por haber instalado la estufa. Cuando esta mañana me decidí a clasificar mis

dibujos, quiero decir los estudios sobre modelos que he hecho desde tu visita, conté

más o menos un centenar (sin contar los estudios más viejos, ni los dibujos

diseminados en mi libreta de croquis).

Cito ese número, porque recuerdo que me preguntaste, cuando tu visita, si tenía otros

estudios además de los dibujos que entonces viste. Ignoro si todos los pintores

trabajan tanto como yo, incluso aquellos que miran mi obra desde lo alto de su

grandeza, al punto que no se dignan a concederle la más mínima atención. Ignoro

igualmente si conocen mejor manera que trabajar con un modelo, aunque no lo hagan

bastante, a mi parecer. Ya te escribí más de una vez que no logro comprender por qué

no usan más modelos. (Es evidente que no me dirijo a hombres como Mauves e

Israels- este último hasta da el ejemplo admirable de no trabajar más que con

modelos-, sino más bien a señores como De Bock y Breitner, por ejemplo). No volví a

ver a este último desde el tiempo en que iba a visitarlo al hospital, cuando estaba

enfermo; por casualidad supe que había sido nombrado profesor en una escuela

comunal, pero no me ha vuelto a dar señales de vida.

Esta semana recibí una carta de Rappard en la que dice que se asombra, también de él,

de la manera como muchos artistas se comportan con él. En efecto, le rechazaron una


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tela en Arti. Sólo diré lo siguiente, ¿es justo que no hagan ningún caso de pintores

como él y yo? Porque te aseguro que él trabaja bien, este verano permaneció en

Drenthe, luego trabajó un tiempo en el hospicio para ciegos de Utrecht. Me alegra

saber que hace experiencias del tipo de las que yo hago.

…Me parece que si queremos consagrarnos a las figuras, debemos incubar en nuestros

corazones esa sensibilidad calurosa que Punch define en la leyenda de su grabado de

Navidad: “Benevolencia para todos”, es decir amar realmente a todos los seres

humanos. Me propongo hacer todo lo que pueda para vibrar lo más posible en esa

nota.

Es por eso que lamento tanto que mis relaciones con los pintores no anden bien, y que

parezca imposible reunirse amigablemente en un día lluvioso como hoy, alrededor de

la estufa, para mirar dibujos o reproducciones, y para infundirse ánimo mutuamente.

¿Puedo preguntarte si se encuentran reproducciones baratas de Daumier en el

comercio, y cuáles?. Siempre le he reconocido mucho talento, pero desde hace poco

adivino que es más notable de lo que creía. Si conoces detalles interesantes sobre él o

sus dibujos más importantes, te agradecería que me informes. En otros tiempos vi

caricaturas hechas por él, y puede que me hayan inducido a formarme una idea

inexacta de su obra. Sus figuras me impresionan siempre en el más alto grado, pero

creo que no conozco más que una ínfima parte de su obra, y que las caricaturas, por

ejemplo, no son por cierto sus creaciones más notables, ni las más importantes.

Van Gogh, Vincent. Cartas a Theo. Buenos Aires, Editorial y Librería Goncourt 1980. Traducción de Victor . A

Goldstein.

Esta carta fue escrita en 1882. Theo era hermano del pintor, también era artista y su mecenas.


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Actividades

Trabajo individual (no presencial)

Lea atentamente el texto 8

Destaque aquellas frases o párrafos significativos

Marque los parrafos o palabras de difícil comprensión. Para

comentar y analizar en la instancia presencial.

Trabajo Grupal (Presencial)

Identifique con ayuda del professor la estructura y las

caracterísiticas de una carta.

Veamos la estructura de una CARTA

La estructura de la carta debe adecuarse en cada caso a nuestras necesidades y, sobre

todo, a las necesidades del lector.

Al analizar la estructura de una carta, debemos tener en cuenta tres partes principales:

1. Inicio.

2. Cuerpo de la carta.

3. Cierre

Además en la parte superior de la carta, deben indicarse los datos del destinatario y

del remitente.

El inicio de las cartas

Los elementos que configuran el principio y el final de la carta determinan, en gran

medida, su tono y estilo. Existen diversos elementos que configuran el comienzo del

escrito:

La fecha

En las cartas, la fecha suele situarse en el margen superior derecho del documento,

aunque no existe una norma al respecto..

Se coloca el lugar desde donde se escribe: Mendoza, 4 de junio de 2000

http://www.xuletas.es/ficha/la-carta/


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El saludo o encabezamiento

El saludo o encabezamiento se escribe debajo de los datos del destinatario y del

remitente.

Siempre que sea posible, personalizaremos nuestros envíos (Estimado Sr. Gómez,

Estimada Sra. Gómez).

Querido amigo / Querida amiga / Estimada amiga / Estimados amigos

El cuerpo de la carta

El cuerpo de la carta está constituido por el mensaje en si. Es fundamental que esté

redactado de forma clara y adecuada para que nuestro mensaje cumpla su función.

En primer lugar, es importante cuidar el estilo de nuestra redacción.

Evitar el empleo del gerundio al comienzo de la frase (Respondiendo a su carta del

día...).

Emplear construcciones sintácticas ordenadas ( sujeto, verbo y complementos): Ej:Nos

ponemos en contacto con usted para informarle...

El resto del cuerpo de la carta dependerá del mensaje que queramos transmitir y ha de

adecuarse a las necesidades y expectativas de nuestros lectores.

El cierre de las cartas

No existen unas normas rígidas para concluir una carta, aunque siempre debemos

hacerlo de forma que guarde relación con el saludo o encabezamiento empleado.

La despedida

Evitar el empleo del gerundio al comienzo de la frase

Concluir con un mensaje positivo y alentador, incluso en aquellas cartas cuyo

contenido sea negativo

Cerrar la carta con un mensaje directo, conciso y sin circunloquios (Esperamos

colaborar con ustedes en un futuro próximo. Hasta entonces...

La firma

La posdata es un elemento opcional en las cartas. Se coloca después de la firma y

separada de esta por un interlineado amplio. Se introduce con las iniciales P.D. o P.S.

(post scriptum) y tiene por objeto introducir un mensaje o recordatorio.


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Texto 12

¡ESOS CHICOS PIERDEN EL TIEMPO! (1935) Olga Cossetini

A la lectura se asocia el canto (…). La lectura interpretada así crea en el niño el sentido

artístico.

Casi siempre después de cuatro o cinco lecturas, hacen un programa y organizan una

fiesta a la que invitan a otros grados.

Son actos simpáticos; contienen la belleza que emana de las cosas sencillas y hondas,

que se han arraigado bien en el alma y no son sino una consecuencia inmediata de las

clases de lectura.

Recuerdo que cierto día, al empezar uno de esos actos, llegó a la escuela un padre en

son de protesta y dirigiéndose a la maestra dijo:

- ¡Esos chicos pierden el tiempo!

Pero la maestra le replicó con energía;

- Señor, lo que ocurre es que usted quiere que su hija sea educada en la escuela del

rigor, a la que usted asistía más por obligación que por cariño: venga usted y presencie

la fiesta, puede ser que cambie de opinión.

Y ahí estaba instalado en una silla del Teatro Infantil, un poco incómodo por la algazara

de los chicos y la expresión sonriente de algunas madres.

El segundo número del programa era un diálogo que debía ser interpretado por una

niña y la hija del padre ofendido, una pequeña llena de alegría y de gracia.

Era una escena d amor maternaly la niña, posesionada d su papel de madre, arrullaba a

su muñeca cantándole un “duérmete, mi niño” dulcísimo.

Observé la actitud del padre, hasta entonces rígida y fría. Poco a poco fue modificando

su expresión, lo miré recogerse en la silla, inclinar un poco la cabeza, pasar repetidas

veces la mano por su mentón áspero, hasta que al final aplaudió con los chicos

confundiendo su alegría nueva con la alegría d los pequeños.

Cuando salió del salón quiso volver a su actitud primera, pero no tuvo tiempo. Ahí

estaba frente a él su hijita, satisfecha, sonriente, esperando del papá la palabra buena,

que no tardó en llegar. Olga Cossetini (1898-1987). Maestra santafesina vinculada a las

posiciones más democráticas de la escuela nueva. Escuela Serena. Apuntes

de una maestra relata su experiencia como directora en la escuela

Experimental “Gabriel Carrasco” de Rosario en las décadas de 1930 y 1940.

Fragmento extraído de “Relatos de escuela. Una compilación de textos breves sobre la experiencia escolar”, Pablo

Pineau (compilador). Bs. As: Paidós, 2008


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Actividades

Trabajo Individual (No presencial).

Lea atentamente el texto, y escriba brevemente sus reflexiones

personales de acuerdo a los siguientes interrogantes:

1. ¿Cuál es el tema principal del texto?

2. ¿Cuál es la mirada de la sociedad en general sobre las

actividades expresivas en la escuela?

3. ¿Qué pretenden actualmente los padres de la escuela?

4. ¿Qué pretendía la autora con esta propuesta pedagógica?

5. Vivió alguna situación escolar semejante. Relátela de manera

sintética.

Trabajo Grupal (Presencial)

Compartan en grupo las opiniones escritas. Debatan sobre

temas vinculados a la creatividad en la escuela, la educación artistica en la

actualidad, el rol del docente de arte, entre otras ideas fundamentales.

Como trabajo integrador final les proponemos el acercamiento a la producción de

textos para elaborar un escrito propio que será evaluado.

Es preciso conocer algunos aspectos destacados para que se inicien en la producción

escrita.

Producción de textos

Escritura:

Primer paso generar ideas

Segundo paso: profundizar

Tercer paso: ordenar las ideas

Para desarrollar la producción tener en cuenta:

La introducción

El desarrollo

La conclusión

Los docentes brindarán las pautas necesarias para la elaboración del texto escrito que

pretende recoger las experiencias vividas durante todo el cursado del Ingreso a las


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Carreras Artísticas, como así también, la manifestación de las expectativas propias en

relación a la Carrera elegida, la proyección personal como futuro profesional vinculado

a las Artes, las ilusiones que forman parte de tu presente y que te impulsan hacia el

futuro…

"La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando " Pablo Picasso.

Entonces: ¡Manos a la obra!


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Mediación, procesamiento

y coordinación general:

Prof. Esp: Carolina Eva Martínez

Mediación y procesamiento

del material didáctico:

Prof: Matilde Ojeda

Profesores que colaboraron

en la elaboración del ingreso:

Prof: Verónica Aguirre

Prof: Sergio Maure

Prof: Silvina Negri

Prof: Carina Osorio

Prof: Rosana Quiroga

Prof: Sergio Rosas

Prof: Natalia Ziperovich

cuadernillo de ingreso - ens9002-mza.infd.edu.ar · profesorado de artes visuales. estructura...

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