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Creatividad e influencia social

Trabajo Práctico Nº 4

Consigna:

Objetivos:

A partir de las corrientes artísticas de la segunda postguerra mundial como el Arte

Pop y sus influencias de la cultura Hippie en el Happening y la Performance y el Arte

Conceptual realizar un escrito que incluya en su análisis lo siguiente:

Parte 1

Comparar las características del Arte Pop, la Psicodelia y el Kitsch y el Arte Conceptual

en relación a la cultura y la sociedad en donde comenzó, explicando que trataban de

representar estos estilos como emergentes de la sociedad y mencionando al menos dos

artistas de cada una de las corrientes.

Parte 2

Analizar que fue la “Factory” de Andy Warhol, explicando que actividades se

desarrollaban allí y cuál era el concepto de Performance y Happening y en que se

diferencian.

Parte 3

Desarrollar una imagen fotográfica basada en el concepto del Kitsch y otra del arte

conceptual explicando que tratan de simbolizar.

Parte 4

Escribir una acción performatica grupal basada en un emergente de la sociedad

actual y luego producirla y registrarla en secuencia fotográfica o de video de al menos un

minuto de duración.

Elaborar una conclusión que explique la acción performatica. Se debe incluir

bibliografía (ver normas APA) y elaborar un powerpoint para su presentación en clase.

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Parte 1

ARTE POP

El Arte Pop fue un movimiento que surgió a finales de la década de 1950 en Inglaterra

y Estados Unidos, como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que

consideraban vacío y elitista. Los artistas se basaban en temas tomados de la sociedad de

consumo y de la comunicación de masas para aplicarlos al arte. Utiliza imágenes conocidas

con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de

la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo

los intereses y la temática.

Es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura

caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos

dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los

carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido

considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de

serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de refrescos, etc.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y

pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad

queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su

contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y

divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad; al espectador le

gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros.

Andy Warhol fue uno de los representantes más reconocidos del Pop Art, que además

de dedicarse a las artes plásticas, se avocó al mundo del cine, y fue considerado como un

gurú de la modernidad.

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Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la

misma superficie, descontextualizándolas y trasladándolas al dominio del arte. Describió

así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.

Algunas de sus obras fueron:

Latas de sopa Campbell (1962)

Marilyn Monroe (1967)

Otro de los representantes del movimiento fue Richard Hamilton, pionero del Pop Art

británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan

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diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop. Es un collage

fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo,

a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de

contenido y que resalta lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como

el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Entre sus creaciones se encuentran:

¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?

(1956)

Interior II (1964)

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PSICODELIA

En 1938 Albert Hofmann, químico suizo de los laboratorios Sandoz, inició sus

investigaciones sobre el ácido lisérgico, nombre que había dado al núcleo común de todos

los alcaloides del cornezuelo (un hongo parásito del centeno). Cinco años más tarde, se

produjo un hecho fortuito que modificó decisivamente el curso de los acontecimientos.

Hofmann descubrió los efectos del LSD-25, naciendo, de esta manera, la psicodelia. Un

término que deriva del griego (psiké y deloun) y significa “algo que manifiesta la mente, el

espíritu o el alma” o lo que es capaz de tener “efectos profundos” sobre la naturaleza de la

experiencia consciente. Durante los primeros años el LSD se empleó casi exclusivamente

con fines médicos, en psiquiatría, psicoanálisis e investigaciones sobre el cerebro.

Tras las experiencias iniciales de Hofmann varios intelectuales, representantes de muy

diversas tendencias e ideologías, se acercaron a la autoexperimentación con LSD y otras

drogas psicodélicas, alucinógenas, visionarias o enteógenas.

Experimentación psicodélica artística explícita con el LSD fue conducida en un marco

clínico por el psiquiatra de Los Angeles Oscar Janiger. En 1959, propuso a un grupo de 50

artistas gráficos que hicieran primero una pintura sin la influencia de substancias

psicodélicas y después otra bajo los efectos del LSD. Las pinturas fueron comparadas por

Janiger y también por los artistas, quienes reportaron que el LSD había contribuido a su

creatividad.

Entre 1964 y 1966, ciudades como San Francisco, Berkeley y Los Ángeles estallaron

en un inmenso alucine colectivo. Fue un fugaz momento de esperanzas e ideales, un amago

de revolución que bailaba al ritmo de Grateful Dead, The Doors, Janis Joplin, Jefferson

Airplane, Santana y otras formaciones musicales de corte psicodélico. Una experiencia

multitudinaria, hinchada de misticismo, orientalismo y no-violencia y que daría finalmente la

ecuación básica del Flower Power. Era la primera vez que los jóvenes, como colectivo,

tomaban la iniciativa por sí mismos.

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Usualmente, las obras psicodélicas se caracterizan por patrones caleidoscópicos,

fractales o inspirados en los diseños persas conocidos en inglés como paisley pattern,

colores brillantes y contrastantes, extrema profundidad de detalle o estilización del detalle,

mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage, y la inclusión de motivos

fosfénicos y otros fenómenos entópticos.

Entre los artistas psicodélicos, destacan Alex Grey, estadounidense interesado en la

anatomía del cuerpo humano. Su principal idea consiste en plasmar en una obra el equilibrio

que todo hombre debe alcanzar para poder llegar a una perfecta contemplación, una

mediación entre el cuerpo, la mente, y el espíritu.

Algunas de sus obras son:

Healing (1985)

New Family (1985)

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Por otro lado, Michael Garfield también destacó dentro del arte psicodélico. En su

trabajo se pueden ver reflejadas las experiencias por las que ha pasado; el artista visual,

además de haber vivido en ciertas comunidades artísticas de Estados Unidos, también ha

participado en varios festivales de arte como Wakarusa, Electric Forest, Sonic Bloom,

Rothbury, Rootwire, Trinumeral, Bear Creek, Motion Notion, Global Sound Conference y

Geoparadise. Él mismo ha descrito su trabajo como ilustraciones que tratan de mostrar el

campo energético que la música contiene.

Entre sus obras se encuentran:

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KITSCH

Tendencia artística de fines del siglo XVIII, el concepto de kitsch nació junto a la

revolución industrial que urbanizó las masas y estableció lo que se denomina alfabetidad

universal, empezó cuando las ciudades se comenzaron a llenar de proletarios y pequeños

burgueses alfabetizados que descubrieron una nueva capacidad de aburrirse. La esencia

del kitsch es mostrar el mal gusto, se caracterizó por su ostentosidad pretenciosa, su

barroquismo y su mal gusto. Este estilo busca la exageración, colores disonantes, en moda

o en elementos decorativos excesivamente recargados y pretenciosos. El kitsch, según el

concepto común que se tiene del mismo, no pretende ni pide nada más a los espectadores

que su dinero, ni siquiera su tiempo para reflexionar sobre las obras, ya que su contenido

no invita a la reflexión.

Jeff Koons, artista estadounidense, busca hacer la obra de arte lo más accesible

posible para el espectador, mayormente sus obras son esculturas de gran tamaño que se

han expuesto en numerosos museos a nivel mundial.

Algunas de sus obras son:

La Pantera Rosa (1988)

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Ushering in Banality (1988)

Moda Kitsch

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ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual emergió a mediados de los años 60 y apropió ideas más allá de los

componentes formales o visuales de la obra de arte tradicional. Los artistas fueron

motivados por el reto de subvertir los presupuestos acerca del arte, conceptos como

belleza, calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte. También

cuestionaron los significados convencionales a través de los cuales el público consumía

arte, y cómo era procesado a través de un creciente complejo de galerías, museos y críticos;

instituciones que, ellos creían, le daban a la obra nuevos significados con los que muchas

veces estaban inconformes. Para cuestionar estas convenciones, deconstruyeron el objeto

de arte convencional, a menudo pasando por instituciones convencionales, y presentaron

trabajos en diversos medios, desde mapas y diagramas hasta textos y videos. El

conceptualismo fue una amalgama de varias tendencias, la mayoría de ellas perdieron su

ímpetu a principios de los 70 pero quedó una de los más influyentes movimientos del arte

reciente.

En el arte conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue

transformada. Una obra de arte conceptual no es una mera narración de la naturaleza en

sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias personales, utilizan los elementos

disponibles de la expresión para representar no solamente la naturaleza de los objetos sino

además temas políticos, sociales y tecnológicos. En muchos casos el espectador, y a veces

el artista en sí mismos son parte íntegra de la obra de arte y su concepto base.

Marcel Duchamp fue uno de los precursores en cuanto a arte conceptual, entre sus

obras destacan:

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Fountain (1917)

Bottle Rack (1914)

Por otro lado, Joseph Kosuth, artista norteamericano, exploró una nueva función en el

arte a partir de las idea de Duchamp, el estructuralismo francés y de las teorías del lenguaje

que surgían en los años 60, de ellas toma el “giro lingüístico” (las ideas, reflexiones, análisis

y estructuras que se dan a partir del lenguaje) como parte de la obra de arte. Esto lo hace

a partir de una postura crítica para acercarse a las obras, ya que quiere dejar de hacer arte

como un objeto decorativo.

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Su obra más reconocida es “Una y tres sillas”, una instalación conceptual en la que se

presentó una silla, la fotografía de la silla y la definición de silla.

Una y tres sillas (1954)

Parte 2

The Factory (La Fábrica) fue un estudio de arte fundado por Andy Warhol y situado en

la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este en Midtown, Manhattan, Nueva York. El

estudio funcionó entre 1963 y 1968, fecha en la que Andy trasladó The Factory a la sexta

planta del número 33 de Union Square Oeste, cerca del famoso club y restaurante Max's

Kansas City.

Era un local-fusión: centro de arte, discoteca a tiempo completo, estudio de cine y

fotografía y, sobre todo, refugio del artista.

Warhol se rodeó de personas de procedencia diversa: artistas de exóticas tendencias,

músicos inadaptados, niñas ricas buscando el vértigo de lo prohibido, feministas freudianas.

Todos ellos se alistaron en una legión descontrolada por las drogas, las poses extremas,

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los dogmas desenfrenados. Veneraban a Andy Warhol como un tótem instigador de las

mayores extravagancias, donde la jet society neoyorquina compartía la celebridad con

drogadictos y marginales de todo tipo.

Este taller tuvo una actividad artística desenfrenada y a veces excéntrica. Se realizaron

proyectos artísticos de todo tipo, incluso se impulsó la actividad musical de grupos de rock

como los de la Velvet Underground. Se filmaron más de quinientas películas, algunas de

ellas de una duración de horas, en las cuales tan sólo se veía a individuos que hablaban o

dormían. Parecían experimentos de dudosa credibilidad que en realidad eran actos

corrientes pero tocados del divino sello de lo real según Andy Warhol. También se

realizaban docudramas de finales imprevisibles, donde los actores se agredían llevados por

el calor de realizar actos reverenciales; en el centro de las ceremonias, observando todo,

santificándolo, estaba Andy Warhol. Realizó muchas colaboraciones con otros pintores,

incluso en ocasiones tan sólo estampaba su firma sobre obras que no le pertenecían en su

ejecución.

Por la Factory pasaron muchas celebridades de las artes como Truman Capote, Allen

Ginsberg, Salvador Dalí, Bob Dylan, Mick Jagger, Fernando Arrabal, Brian Jones o John

Giorno.

El Happening es una manifestación artística que surgió en la década de 1950, con el

objetivo de producir una obra de arte que no se focaliza en objetos, si no en el evento en sí

mismo y la participación de los espectadores, para que dejen de comportarse de forma

pasiva, y alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación

colectiva. Frecuentemente se llevan a cabo en lugares públicos, de manera sorpresiva,

interrumpiendo la cotidianeidad. Es guiado por la improvisación e intervienen la música, la

danza, el teatro y el movimiento.

La historia de la Perfirmance se remonta a principios del siglo XX, con las acciones en

vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Consiste en una muestra escénica, muchas

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veces con un importante factor de improvisación, en la que el asombro y la provocación

juegan un papel importante. Puede ocurrir en cualquier lugar y comenzar en cualquier

momento, mientras estén los cuatro elementos básicos: espacio, tiempo, el artista y su

relación con el público. Suele ser un acto organizado en el que no intervienen los

espectadores.

Parte 3

Concepto Kitsch

Título: Abundancia y Prosperidad

Basada en historias sobre la ley de atracción. Muchas veces las personas enfocan su fe en

religiones o amuletos para elevar su ánimo y esperanzas. Sienten que tienen un gran apoyo

espiritual que los conduce hacia sus objetivos.

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Arte conceptual

Título: Pirámide de medias

Revela el equilibrio entre la unificación de cuerpo, mente y alma tras exponer la variedad

de materiales que el usuario puede llevar a sus pies para el desarrollo del día a día.

Parte 4

Mediante la acción performatica quisimos representar el consumismo.

Actualmente vivimos en un entorno sobre comunicado que constantemente nos incita a

consumir. El marketing y la publicidad, a través de los medios de comunicación masivos

(televisión, radio, internet e incluso en la vía pública), crean necesidades que “debemos”

satisfacer para poder pertenecer a la convivencia en sociedad.

La mayoría de la población que ya tiene sus necesidades básicas cubiertas (según Maslow

serían las fisiológicas, de seguridad, de afiliación, reconocimiento y autorrealización), se

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deja influenciar por los cambios constantes en los hábitos de consumo en moda, tecnología

u otros campos, ya sean de productos, bienes o servicios.

Así, el individualismo gana por el afán de acumular cosas materiales, y nos olvidamos de

las personas que nos rodean que no han podido lograr alcanzar las necesidades básicas

en la vida, generando desigualdad social y retroalimentando esos deseos que nos despierta

la comunicación abusiva a la que estamos sometidos diariamente, siempre

convenciéndonos de adquirir lo último que sale al mercado.

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Fuentes de consulta

http://elartecomoarte.blogspot.com.ar/2014/04/andy-warhol-latas-de-sopa-

campbell.html

http://jalfocea.com/2014/07/08/10-obras-mas-famosas-pop-art-andy-warhol-91456/

http://www.arteespana.com/artepop.htm

http://www.elcultural.es/noticias/arte/Richard-Hamilton-cuando-haces-Pop/6422

http://revistareplicante.com/historia-de-la-psicodelia/

http://culturacolectiva.com/los-10-artistas-mas-representativos-del-arte-psicodelico/

http://cultivacultura.jimdo.com/2014/07/02/michael-garfield-y-la-esencia-del-arte-

psicod%C3%A9lico/

http://www.artishock.cl/2012/07/el-arte-kitsch-de-jeff-koons-en-la-fondation-beyeler/

http://www.portaldearte.cl/terminos/kitsch.htm

http://www.ecured.cu/index.php/Arte_conceptual

https://esquimalenator.wordpress.com/2010/12/20/arte-conceptual-y-

postconceptual-de-duchamp-a-joseph-beuys/

http://culturacolectiva.com/joseph-kosuth-el-arte-y-los-conceptos/

http://www.20minutos.es/noticia/1500623/0/factory/andy-warhol/exposicion-madrid/

https://aevr.wordpress.com/2007/05/07/the-factory-andy-warhol/

http://es.slideshare.net/jhosep1014/happening-y-performance-1

http://www.wordreference.com/definicion/kitsch

https://arteyvestimenta.wordpress.com/2012/12/10/kitsch/