Formas Únicas de Continuidad en el Espaciode

Boccioni

AUTOR:

Umberto Boccioni (1882-1917).

CRONOLOGÍA:

1913

LOCALIZACIÓN:

Museo de arte ModernoMoMA

Nueva York (EEUU) El original en yeso y una fundición en bronce se encuentran en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo (Brasil) , El resto de las otras fundiciones en bronce se encuentran en museos de Nueva York, Londres, Los Ángeles y Milán.

Isla de Manhattan (Nueva York)

Museo de Arte Moderno (MoMA)

Proyecto de ampliación del MoMa

El yeso original ejecutado en 1913 fue adquirido por Ciccillo Matarazzo en 1952, junto con el yeso original de otra célebre escultura de Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio. Ambas fueron donadas por Ciccillo al Museo de São Paulo (MAC-USP), en 1963. Cuatro ejemplares fueron fundidos en bronce del yeso original después de la muerte del artista. Uno de ellos está en el MoMA (1931), otro en el Museo Metropolitano de Arte (1942), ambos en Nueva York. El tercero fue fundido en 1960, y también pertenece a las colecciones del MAC-USP. El cuarto fue fundido por el MAC, a petición de la Tate Gallery, y negociaron a cambio una escultura de Henry Moore, encontrandose en Londres desde 1972. Otras versiones se fundieron en 1972, pero no del yeso original, sino de la versión del año 1942 del Metropolitan. Una se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y otra en el Museo del Novecento en Milán. Esta escultura se encuentra reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de euro italiana.

La pieza en yeso se convierte en una de las pocas piezas originales del artista que se salvaron de la destrucción que ocurrió en una exposición póstuma, celebrada en Italia. Las circunstancias de la destrucción de las otras piezas permanecen oscuras.

ESTILO:

Futurismo.

Humberto Boccioni fue uno de los fundadores del movimiento futurista italiano, que nació en 1910, rechazando el pasado y con la inspiración de la tecnología, la vida moderna, el dinamismo, la nueva realidad de la ciudad urbanita e industrial.

El futurismo se asienta en dos manifiestos de 1910, el 'manifiesto de los pintores futuristas' y el 'manifiesto técnico del movimiento futurista'.

En ellos predican la liberación de los modelos y los modelos figurativos, que quieren romper con el pasado, centrándose en el mundo contemporáneo, donde la ciudad y los automóviles se convierten en una realidad caótica.

Aunque herederos del cubismo, lo consideran excesivamente estático, evitan la línea recta y utilizan la técnica de los colores complementarios para obtener un efecto de vibración en sus cuadros.

En la escultura Formas Únicas en la Continuidad del Espacio, se representan las dos máximas del futurismo, la simultaneidad y el dinamismo, por ello se captura el espacio, el movimiento de la figura y, con ello, el tiempo.

En 1909 el poeta y dramaturgo italiano Filipo Tomasso Marinetti publicará el 1º manifiesto del futurismo. Como veremos, todas las vanguardias históricas se caracterizarán por la difusión de manifiestos en los que divulgar sus ideas. Lo que distinguirá al futurista de otros movimientos será su fascinación por la modernidad, la técnica, la luz eléctrica, los motores, las nuevas máquinas como motocicletas, automóviles de carreras o aviones y la velocidad encarnada por ellos y el culto de la violencia y la guerra como agentes de transformación, higiene y superación de lo antiguo y regeneración. El rechazo de lo antiguo y de los valores y el arte tradicionales les llevará a proclamar la condena de los museos y así, dirán que un automóvil de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia.

Esto se concretará en las formas de sus pinturas y esculturas por la adopción de un lenguaje plástico inspirado en el cubista pero , también, en la utilización de recursos puntillistas y de líneas cinéticas para intentar representar en éstos el dinamismo de figuras y máquinas en movimiento.El núcleo inicial del futurismo surgió en Italia, revolviéndose contra toda el enorme peso de su tradición clásica y estaba formado por artistas como Giacomo Balla, Carló Carrá, Gino Severini y Humberto Boccioni, aunque sus presupuestos fueron seguidos inmediatamente por artistas de otros países como Rusia, dónde pronto se darían cédulas futuristas, aunque éstas evolucionarían con rapidez hacia presupuestos suprematistas o constructivistas.

La llegada de la primera guerra mundial hizo que la mayoría de estos futuristas italianos corriera a enrolarse en el ejército. Alguno de ellos, como Boccioni, fallecería en la guerra y , tras ella, muchos de ellos encontrarían acomodo en el violento y bravucón fascismo italiano.Boccioni fue el representante más notable del futurismo. Trabajó como pintor y escultor y en ambos campos realizaría importantes obras que testimonian su interés por el movimiento, las máquinas y la vida moderna. Entre sus cuadros más destacables están “ Estados de la mente n. 1. Las despedidas” o “Dinamismo de un jugador de fútbol” ambos de 1911 y “Dinamismo de un ciclista” de 1913.

Al declararse la 1ª Guerra Mundial, impulsado por la creencia en el poder regenerador de la guerra que acaba con lo débil y lo anticuado y selecciona y hace sobrevivir a lo moderno y fuerte, Boccioni corrió a enrolarse como voluntario en el ejército italiano. En 1916, falleció, como si se tratara de una broma de mal gusto, al caer de su caballo que se había encabritado al paso de un automóvil, durante unas maniobras militares.

DIMENSIONES:

111,2 cm de altura88,5 cm de largo40 cm de ancho.

MATERIALES Y TÉCNICA:

Bronce Formas únicas de continuidad en el espacio es la obra

más conocida de Boccioni y una de las esculturas más significativas del siglo XX. La versión original fue realizada en 1913 por Boccioni en yeso, ya que éste rechazaba el empleo de los materiales más tradicionales y se inclinaba por el empleo de la madera, el hierro o el vidrio, aunque, paradójicamente, tras la muerte de Boccioni se realizaron una serie de versiones en bronce a partir del vaciado de la figura original.

TEMA: En esta obra podría estar representado a un hombre, una figura heroica

que avanza al futuro, y en su movimiento queda reflejado su movimiento, su estela se mantiene, resplandeciente. Se parece a una máquina, ya que se representan las formas angulares gracias a la superficie pulimentada.

La escultura podría contemplarse como una figura que avanza imparable a gran velocidad, sensación que se transmite abriendo como hemos dicho el contorno de la pieza a base de multiplicar planos y ángulos de visión, que desfiguran la imagen de la figura en sí, pero potencian la sensación de movimiento al convertirse en estelas de alas o ropajes que se agita con su velocidad. De tal forma que la obra al final no representa figura alguna, sino el concepto mismo del movimiento. Y esa es la gran aportación de Boccioni a la escultura, la plena liberación del tema, y como en la pintura, la reducción definitiva de la obra de arte a su lenguaje esencial, en este caso, el juego de planos, el juego de luces que provoca el bronce, el concepto de masa variable y el de volumen abierto, movimiento y fuerza.

El que el resultado parezca una máquina, cuyas piezas se mueven potenciando la fuerza y la velocidad, se inscribe igualmente en ese peculiar concepto del arte que tenían los futuristas.

DESCRIPCIÓN: La simultaneidad y el dinamismo de Umberto Boccioni busca capturar una

sensación no solo de espacio y movimiento, sino también de tiempo. De hecho fue uno de los fundadores del movimiento Futurista italiano en 1910, que rechazaba el pasado y buscaban su inspiración en la tecnología, plasmando en sus obras la vida moderna con todo su dinamismo y vitalidad.

En la obra “Formas Únicas en la Continuidad del Espacio”, vemos una figura que avanza potentemente hacia el futuro, la figura tradicional del desnudo heroico se hace aquí agresivamente moderna. La superficie brillante y pulida del bronce hace que esta figura parezca más una máquina, potenciado por las formas angulares que la componen.

Boccioni además ha acentuado la sensación de espacio y movimiento perenne, gracias a la multiplicación de las formas y a que la figura aparece con unas extensiones, a modo de alas o de ropajes movidos por el viento en contra, que permiten al espectador sentir cómo la figura avanza con fuerza, de hecho el motivo esencial de la escultura no es la figura en sí misma o la forma, sino la captación del movimiento y la fuerza.

La forma escultórica juega con la representación de superficies cóncavas y convexas perfectamente pulidas, formas geométricas que la aproximan a un cierto aspecto de máquina y con líneas angulosas que se asemejan a líneas cinéticas y que acrecientan la sensación de movimiento perenne de un cuerpo que avanza por el espacio. Así, las formas parecen el resultado de la fusión de músculos, miembros y ropajes captados en distintos momentos y posiciones. Si el cubismo de Picasso construía una imagen pictórica que era el resultado del proceso de la reordenación y la reconstrucción intelectual de visiones parciales efectuadas sobre el motivo desde distintos puntos de vista y , por tanto en distintos momentos, Boccioni introduce también el factor tiempo al intentar representar en una misma imagen las distintas fases del poderoso movimiento de avance de una figura en el espacio. La aportación fundamental de esta obra de Boccioni está en que La fluidez y el dinamismo de sus formas parecen romper con las formas cerradas o recogidas en si mismas de la escultura tradicional. La forma escultórica se desarrolla en su periferia, se extiende, se abre al espacio con el que, en el caso de esta obra, parece luchar en su avance por él. Se acentúa la sensación de espacio y movimiento por la multiplicación de las formas, como extensiones, como ropajes movidos por el viento en contra. Esto se traduce en la sensación de que la figura, humana pero maquinizada, avanza con fuerza.

CONTEXTO ARTÍSTICO: Plásticamente sus aportaciones se entremezclan con las de otras vanguardias

contemporáneas, especialmente con el Cubismo y el Orfismo de Delaunay. Su objetivo fundamental es plasmar en sus obras ese dinamismo que nutre toda su proclama. Hacer del movimiento la esencia de su representación estética: por ello se procura una pintura sólida, que construya sus formas con color (como Cézanne), pero no estáticamente como ocurría con aquél, sino siempre en movimiento. Para ello se expanden los cuerpos en el espacio y se deforman las figuras buscando siempre su elasticidad. Aunque inevitablemente, como ya había demostrado el Cubismo, tienen también que dividir y superponer en planos las imágenes para transmitir su idea de simultaneidad. Por último utilizaron lo que se dio en llamar Líneas-fuerza, es decir, una estructuración de los objetos y figuras en las que prevalezcan una serie de tramas o líneas remarcadas, que marquen el ritmo compositivo, pero que sirvan siempre como un reclamo al movimiento e incluso a la potenciación de determinados sentimientos y sensaciones. Boccioni se propuso la abolición de la línea finita y de la estatua cerrada. Entendía con ello que la forma escultórica no había de cerrarse sobre sí misma, sino desarrollarse en su periferia. El bloque plástico se dotaba de un impulso centrífugo en la medida en que trataba de dar síntesis a la actividad misma del objeto en movimiento, en este caso una figura que camina.

En efecto es la obra de Boccioni la que tiene una perduración mayor en la Historia del arte, más allá de los presupuestos puntuales del episodio futurista. De hecho, la obra que hoy comentamos es sin duda la muestra más conocida del movimiento y una de las piezas más características de toda la escultura contemporánea. Es ella en realidad una experimentación del concepto del movimiento en la escultura, siguiendo así la idea esencial del futurismo de agregar a la obra de arte dinamicidad y agitación. La forma de conseguirlo es abrir la escultura, es decir, romper las líneas cerradas en las que la escultura tradicional envolvía su volumen, de tal forma que sus límites queden imprecisos e indeterminados para el espectador, lo que considerando la carga crítica que lleva respecto al arte anterior es también un perfecto ejemplo de obra futurista.

SIMBOLISMO: Esta obra simboliza la figura que

avanza al futuro, al dinamismo, a dejar el pasado atrás y mirar al futuro con optimismo. Con fuerza, ya que puede con el viento que la azota.

VALORACIÓN: Con esta escultura Boccioni intentó, ir más allá de la

impresión de movimiento, explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo. “Formas únicas de continuidad en el espacio” de Boccioni es uno de los hitos en el devenir de la escultura del siglo XX y en el interés presente en ésta por establecer nuevas relaciones entre la forma escultórica y el espacio circundante.