capítulo 1 los elementos de la...
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Capítulo 1
Los elementos de la música
La música cuenta con cuatro elementos esenciales que son: el ritmo, la melodía, la armonía y los matices (Dinámica),
aunque para algunos este último no es tenido en cuenta como tal. Otras propuestas adicionan la textura y la forma
como un elemento más. La forma en que se definen estos elementos varía de una cultura a otra y también hay
variaciones temporales, por ello presentaremos varias posibles definiciones de cada uno de ellos.
EL RITMO
Es la distribución de las duraciones sonoras en el tiempo y en el espacio.
Es la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares de sonidos fuertes o débiles,
y silencios en una composición.
Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier movimiento que se repite con
regularidad en el tiempo, en la música se lo divide por medio de la combinación de sonidos y silencios de
distinta duración.
Es la distribución de los sonidos y silencios en unidades métricas establecidas.
El compositor cuando decide crear una obra cuenta con los cuatro elementos, de los que hemos hecho mención en otro
capítulo, que son el ritmo, la melodía, la armonía y los matices. El artista trabaja con ellos como lo haría cualquier otro
artesano con los suyos. El escucha que no tiene formación en el campo musical o ésta es muy poca, rara vez los
percibe de forma separada, para él sólo hay un todo que le produce un efecto o le genera una respuesta.
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La base de la música se encuentra pues en el ritmo, es éste quien da los cimientos para mantenga un orden y
equilibrio, es quien da el sentido temporo espacial que es complementado por los aportes que hacen los otros
elementos.
LA MELODIA
Es una sucesión coherente de sonidos y silencios que se desenvuelve en una secuencia lineal y que tiene una
identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. La melodía parte de una base
conceptualmente horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo y no vertical, incluye cambios de alturas y
duraciones, y en general incluye patrones interactivos de cambio y calidad. Es el arreglo significativo y
coherente de una serie de notas, este arreglo (en la música tonal) se realiza según la tonalidad en la cual se
diseña la melodía.
Es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente
uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los
silencios forman parte de la estructura de la melodía poniendo pausas al ―discurso melódico‖. Es la sucesión
ordenada de sonidos para conformar frases musicales de acuerdo con las leyes de la tonalidad.
LA ARMONÍA
Es la superposición de sonidos que se producen simultáneamente, el arte de conformar acorde.
es ciencia y arte a la vez. Es ciencia porque enseña a combinar los sonidos de acuerdo a las reglas inmutables
con el fin de construir acordes, y es arte porque de la habilidad y el buen gusto de la conducción de las voces
armónicas resultará el trabajo realizado más o menos musical.
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LOS MATICES
Es la intención, el color o dinámica que se da a la música.
Son las diferentes gradaciones que se puede dar a un sonido o frase musical.
Son las dinámicas que se aplican para enriquecer el hecho musical.
Los matices pueden ser de dos clases: Dinámicos, que tienen que ver con la intensidad de los sonidos y agógicos,
relacionados con las duraciones o el tempo de los sonidos.
Los elementos de la música están directamente relacionados con las cualidades del sonido como se puede apreciar en
el siguiente cuadro.
EELEMENTOS DE LA MÚSICA CUALIDADES DEL SONIDO
Ritmo Duración
Melodía Altura
Armonía Altura
Duración
Matices Intensidad
Duración
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Capítulo2
Pentagrama. Notas. Líneas adicionales.
El Pentagrama
El Pentagrama es un conjunto de cinco líneas y cuatro espacios. En él o en sus proximidades se colocan las notas
y todos los demás signos musicales. Tanto las líneas como los espacios se cuentan de abajo hacia arrib
Las figuras musicales se escriben sobre las líneas y los espacios del pentagrama. También pueden escribirse fuera
de él (Líneas adicionales)
Dependiendo de su posición sobre el pentagrama podemos conocer la nota musical que representan.La palabra
Pentagrama viene del griego, penta = cinco y grama = escritura.
La Clave de Sol
En todo pentagrama lo primero que encontraremos es una clave.
Existen varias claves. Las más utilizada es la clave de sol:
La clave de sol en segunda línea nos indica que la nota SOL se escribe en la segunda línea del pentagrama. Una vez
conocido el nombre de esta nota, podemos conocer también el de las notas que se colocan sobre las restantes líneas y
espacios:
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La clave de sol es utilizada por instrumentos agudos como el violín, la flauta, la trompeta y por otros no tan agudos
como la guitarra.
Nombre de las notas
Antes de ver como escribimos las notas musicales en el pentagrama repasemos el nombre y orden de ellas.
Nuestro sistema musical tiene siete notas. El orden de las notas es do, re, mi, fa, sol, la y si. Estas notas corresponden a
las teclas blancas del piano:
Las notas en el pentagrama y en clave de sol en 2ª son:
Las líneas adicionales
Además de escribir sobre los espacios y líneas del pentagrama, podemos también añadir líneas adicionales para
escribir notas más agudas o graves:
El do sobre la primera línea adicional inferior equivale al do central del piano.
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Capítulo 3
Figuras. Ritmo y Compás. Línea divisoria.
Las figuras musicales
Las figuras musicales nos permiten especificar la duración de un sonido. A continuación pueden ver las figuras, sus
nombres y valores:
Figura Nombre Valor
Cuadrada El doble de una redonda
Redonda El doble de una blanca
Mitad de una cuadrada
Blanca El doble de una negra
Mitad de una redonda
Negra El doble de una corchea
Mitad de una blanca
Corchea El doble de una semicorchea
Mitad de una negra
semicorchea El doble de una fusa
Mitad de una corchea
fusa El doble de una semifusa
Mitad de una semicorchea
semifusa Mitad de una fusa
Como podes notar, cada figura dura el doble de tiempo que la siguiente y la mitad del tiempo que la anterior.
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NOTA: Cuando escribimos corcheas, semicorcheas, fusas y semifusas acostumbramos a agrupar el corchete de todas
las que queden dentro de un tiempo para facilitar la lectura. Aquí tienes un ejemplo:
Los silencios
Cada figura musical tiene un símbolo correspondiente que se usa para representar un silencio de la misma duración.
Llamamos a estos símbolos silencios.
Figura Silencio
Cuadrada
vale 8
Redonda
vale
4
Blanca
vale 2
Negra
vale
1
Corchea
vale 1/2
10
Semicorchea
vale 1/4
Fusa
vale 1/8
Semifusa
vale 1/16
Ritmo y Compás
Podemos definir el Ritmo como las diversas maneras en las que un compositor agrupa los sonidos y los silencios,
atendiendo principalmente a su duración (largos y cortos) y a los acentos.
El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la misma duración y
acentuación. El tempo de la música determina la velocidad del pulso. Al combinar pulso y acentos obtenemos los
ritmos básicos:
Ritmo Binario
Divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero: Un dos / Un dos / Un dos.... Si te fijas, el ritmo de
estas palabras coincide con lo anterior: Can – ta / To –ca / Bai – la, etc.
Ritmo Ternario
Divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más el primero: Un dos tres / Un dos tres / Un dos tres... Al igual
que el ritmo de estas palabras: Can – ta -lo / To – ca – lo / Bai -la – lo.
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Ritmo Cuaternario
Divide el tiempo en cuatro partes iguales y acentúa más el primero y un poco el tercero: Un dos Tres cuatro / Un dos
Tres cuatro /...
Podemos encontrar ritmos que tengan más de cuatro tiempos o partes, y sería el resultado de combinar los ritmos
básicos, por ejemplo, un ritmo de cinco partes podría ser el siguiente: Un dos Tres cuatro cinco / Un dos Tres cuatro
cinco, combinando un ritmo binario y otro ternario.
Otro efecto rítmico interesante es el de la polirrítmia, que consiste en la interpretación de dos o más ritmos diferentes,
de forma simultánea, es decir, que suenen a la vez.
El Compás
Los ritmos se representan en la notación musical mediante los compases. Llamamos compás a la división regular del
tiempo musical mediante la alternancia de pulsos acentuados y no acentuados.
En la escritura musical cada uno de los fragmentos de tiempo en que se divide una partitura se llama compás. Esta
división se realiza mediante una línea vertical que atraviesa el pentagrama, separando los compases entre sí y se
llama línea divisoria o barra de compás. Ejemplos:
Al final de una obra musical se utiliza la barra final y la doble barra se suele poner cuando hay algún cambio
importante dentro de la composición.
Todo compás se divide en varias partes iguales llamadas tiempos. Hay compases que están divididos en 2, en 3 o en 4
tiempos.
Un compás también puede dividirse en 5, 6, 7 o más tiempos.
El Compás se indica al principio del pentagrama inmediatamente después de la clave mediante dos números colocados
uno debajo del otro, que nos informan sobre el número de tiempos y el valor de cada tiempo. El número superior nos
indica el número de tiempos del compás y el inferior el valor o figura de cada tiempo en relación con la redonda.
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Cifras para el denominador de los compases:
Compás 2 por 4. Ritmo binario
Consta de dos tiempos, el primero Fuerte y el segundo débil.
2 --- indica el número de tiempos --- dos tiempos
4 --- indica la figura que entra en cada tiempo --- una Negra 2 negras en cada compás, una por cada tiempo.
Compás 3 por 4. Ritmo ternario
Consta de tres tiempos, el 1º fuerte y el 2º y 3º débiles.
3 --- el número de tiempos --- tres tiempo
4 --- la figura que entra en cada tiempo --- una Negra
Compás 4 por 4. Ritmo Cuaternario
Consta de cuatro tiempos, el 1º fuerte, el 2º débil, el 3º semifuerte y el 4º débil.
4 --- el número de tiempos --- cuatro tiempos
4 --- la figura que entra en cada tiempo --- una Negra 4 negras por cada compás, una por cada tiempo.
Compases Simples y Compuestos
Un compás es simple cuando cada tiempo del compás es divisible por dos, es decir que la figura que entra en cada
tiempo se puede sustituir por las dos figuras que le equivalen. Por ejemplo una blanca puede ser sustituida por dos
negras, una negra por dos corcheas, etc.
Un compás es compuesto cuando cada tiempo del compás es divisible por tres. Para ello es necesario que la figura
unidad del tiempo tenga un puntillo. Por ejemplo una negra con puntillo puede ser sustituida por tres corcheas.
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Compases simples
Compases compuestos
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Capítulo 4
Signos de Prolongación
El puntillo
Si añadimos un puntillo a una figura, su duración aumentará de la mitad de su valor:
Sin puntillo Con puntillo
Figura Equivalencia Figura Equivalencia
La ligadura
La ligadura es un signo que se utiliza para unir el valor de dos o más notas del mismo sonido en una sola duración.
Tiene forma de línea curva abarcando a las notas que afecta:
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La ligadura puede unir notas que están en diferente compás como se puede ver en el siguiente ejemplo:
El Calderón
El calderón es un signo que sirve para prolongar la duración de un sonido o de un silencio. Tiene forma de pequeño
semicírculo, con un punto en medio, y se coloca sobre la nota o silencio al que afecta:
El Calderón prolonga la duración del sonido a la vez que detiene la marcha del compás. Se utiliza bastante en la nota
final de una obra musical.
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ACTIVIDADES
Lenguaje Musical
1. ¿Cómo se llama el signo donde se escribe la música?
2. Los signos que representan los sonidos se llaman...
3. Los signos que representan la duración se llaman..
4. ¿Qué es la Clave?
Signo que indica el nombre de las notas en el pentagrama
Signo que indica la duración de las notas
Signo que adorna el pentagrama al principio
5. La Redonda vale tres tiempos
Verdadero Falso
6. En un tiempo entran dos corcheas
Verdadero Falso
7. Una blanca vale lo mismo que media redonda y dos negras
Verdadero Falso
8. La semicorchea vale medio tiempo
Verdadero Falso
9. ¿Cómo se llaman los signos que tienen duración pero no tienen sonido?
10. ¿Qué signo es este?
Silencio de blanca Silencio de negra Silencio de corchea
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11. ¿Cuánto vale esta figura con puntillo?
un tiempo dos tiempos y medio tres tiempos
12.¿ Cuánto vale esta figura con puntillo?
medio tiempo un tiempo y medio un tiempo y cuarto
13. La ligadura une notas de diferente sonido
verdadero Falso
14. ¿Se pueden ligar varias notas seguidas?
15. ¿Cómo se llama el signo que alarga la duración y para la marcha del compás?
Puntillo Compás Calderón
16. ¿Cuántos tiempos tiene este compás?
17. ¿Cuántas negras entran es dos compases de 2/4?
18. ¿Cuántas blancas entran en un compás de 2/4?
19.¿ Cuántas corcheas entran en un compás de 2/4?
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20. ¿Cuantas semicorcheas puedes poner en un compás de 2/4?
21. ¿Cómo son los tiempos del 2/4?
el 1 fuerte y el 2 fuerte el 1 fuerte y el 2 débil el 1 débil y el 2 fuerte
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Capítulo 5
Intervalos. Escalas
Los Intervalos
Un Intervalo es la distancia que hay entre dos notas. El discurso musical es una sucesión de Intervalos. Clasificación:
Según la forma de sonar de sus notas los Intervalos pueden ser:
Melódicos. Cuando las notas del intervalo suenan de forma sucesiva
Armónicos. Cuando las notas del intervalo suenan de forma simultánea
Según la dirección de sus notas los Intervalos pueden ser:
Ascendentes. Cuando las notas del intervalo van de grave a agudo
Descendentes. Cuando las notas del Intervalo van de agudo a grave
Según la proximidad de sus notas los intervalos pueden ser:
Conjuntos. Cuando las notas del intervalo están seguidas
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Disjuntos. Cuando las notas del intervalo no están seguidas
Según el número de notas que tienen los intervalos pueden ser:
Simples. Cuando no superan la 8ª, son los siguientes:
De 1ª. Cuando el intervalo sólo consta de una nota
De 2ª. Cuando el intervalo contiene dos notas
De 3ª. Cuando el intervalo contiene tres notas
De 4ª. Cuando el intervalo contiene cuatro notas
Ejemplos:
De 5ª. Cuando el intervalo contiene cinco notas
De 6ª. Cuando el intervalo contiene seis notas
De 7ª. Cuando el intervalo contiene siete notas
De 8ª. Cuando el intervalo contiene ocho notas
Ejemplos:
Compuestos. Cuando superan la 8ª, es decir, intervalo de 9, 10ª, 11ª,etc...
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La Escala
La Escala es una sucesión de notas seguidas, pueden ordenarse ascendente y descendentemente.
Según el número de notas y la disposición de los tonos y semitonos entre dichas notas, hay diferentes tipos de escalas:
Pentatónica, Diatónica, Cromática, etc...
Escala Diatónica
La Escala Diatónica se sucede por tonos y semitonos, está formada por 8 notas seguidas. La escala diatónica
comienza y termina con la misma nota, la cual se denomina tónica y da nombre a la escala.
Escala de Re ascendente
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Cada nota de la escala se denomina Grado y se representa con el número romano correspondiente. Los grados de la
escala tienen gran importancia en la organización de la tonalidad, tienen los siguientes nombres:
Escala Cromática
La escala cromática está formada exclusivamente por semitonos, consta de 12 notas. Ser necesita el uso de las
alteraciones para formar esta escala.
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Lenguaje Musical- Actividades
1. El signo musical que determina el nombre de las notas se llama...
2. La redonda con puntillo vale..
Seis tiempos cuatro tiempos cinco tiempos
3. Una blanca equivale a cuatro corcheas
Verdadero Falso
4. La blanca con puntillo vale dos tiempos y medio
Verdadero Falso
5. La ligadura se coloca entre notas...
de distinto nombre de igual nombre y diferente sonido de igual nombre y sonido
6. Cuántas semicorcheas entran en un compás de 4/4?
7. El compás de 2/4 tiene dos tiempo, el primero débil y el segundo fuerte
Verdadero Falso
8. En un compás de 3/4 puedo poner...
6 corcheas 8 corcheas 3 negras con puntillo
9. En un compás de 4/4 puedo poner...
8 semicorcheas 2 blancas 1 redonda con puntillo
10. ¿Qué tipo de escala es la más utilizada en nuestra música?
diatónica pentatónica -fa y la-si cromática
11. Los semitonos de la escala de DO están entre...
mi-fa y la-si si-do y re-mi mi-fa y si-do
12. ¿Qué nombre recibe el V grado de una escala?
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13. ¿Y el III grado?
14. La escala básica Mayor es la escala de La
Verdadero Falso
15. En qué se diferencia una escala mayor de una menor?
Que empiezan en distintas notas En la colocación de los tonos y semitonos
En el número de notas de la escala
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Capítulo 6
Alteraciones. Tonos y Semitonos.
Alteraciones
Las alteraciones son signos que se colocan delante de las notas y modifican la altura de las mismas. Estos nuevos
signos pueden subir o bajar medio tono la entonación de un sonido.
La altura o frecuencia sonora de las notas puede ser modificada ascendente o descendentemente por medio de las
alteraciones:
Alteración Nombre Efecto
sostenido Altera ascendentemente la nota 1 semitono
bemol Altera descendentemente la nota 1 semitono
becuadro Anula cualquier alteración y devuelve la nota a su estado natural.
Dentro de las alteraciones podemos distinguir: Alteraciones Propias y Accidentales
Alteraciones Propias
Las Alteraciones Propias son las constitutivas de una Tonalidad, se escriben después de la clave y afectan a todas las
notas del mismo nombre a lo largo de la obra musical. A este conjunto de alteraciones propias se le llama Armadura.
Alteraciones Accidentales
Las Alteraciones Accidentales son las que aparecen a la izquierda de una nota alterando su sonido, no son
constitutivas de la tonalidad. Afectan a la nota que lleva la alteración y a todas las del mismo nombre dentro del
compás.
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Veamos la representación de las alteraciones en el teclado:
Tonos y Semitonos
El sistema de afinación temperada divide equitativamente la octava en doce sonidos. La distancia o diferencia en
frecuencia sonora entre cada uno de estos sonidos se conoce por el nombre de semitono. En el teclado del piano hay la
distancia de un semitono entre teclas contiguas:
Un tono equivale a 2 semitonos. Todas las teclas blancas del piano separadas por una tecla negra, están a la distancia
de un tono. Las que no tienen tecla negra ente ellas están a un semitono de distancia:
En la escala de DO vemos cómo los semitonos están entre el III y IV grados y el VII y VIII respectivamente. En el
resto de grados la distancia es de 1 tono.
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Semitono Diatónico
El Semitono Diatónico es el que se produce entre dos notas de distinto nombre, por ejemplo de
MI a FA, de SI a DO, de SOL a LA bemol, etc...
Semitono Cromático
El Semitono Cromático es el que se produce entre notas de igual nombre, por ejemplo de FA a FA#.
Enarmonía La Enarmonía se produce entre dos notas de distinto nombre pero del mismo
sonido, por ejemplo SOL# y LAb. En el teclado se tocarían en la misma tecla.
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Lenguaje Musical .Actividades
1. ¿Qué efecto producen las alteraciones?
Cambian la duración de las notas Modifican el sonido de las notas
Alteran la velocidad de las notas
2. ¿Cuántos tipos de alteraciones hay?
Dos, propias y accidentales Tres, propias, accidentales y casuales
Dos, sostenido y bemol
3. Las alteraciones propias se colocan a la izquierda de cada nota.
Verdadero Falso
4. ¿Se ponen alteraciones a los silencios?
5. ¿Cuánto dura el efecto de las alteraciones accidentales?
Toda la obra un compás dos compases solo a la nota que señala
6. ¿Cuántas notas alteradas hay en este fragmento?
7. ¿Cuál de estas dos notas es más aguda?
el LA el LA bemol son iguales
8. ¿Cuántas alteraciones hay en total?
Cinco Tres Cuatro
9. El Becuadro anula el efecto de las demás alteraciones
Verdadero Falso
10. El sostenido baja un semitono a la nota
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Verdadero Falso
11. ¿Qué efecto produce el bemol?
baja un tono sube medio tono baja medio tono
12. ¿Cuántos tipos de semitonos hay?
tres, diatónico,cromático y enarmónico dos, diatónico y cromático uno, diatónico
13. ¿Qué tipo de semitono es el de MI-FA?
Diatónico Cromático
14. Señala el semitono cromático...
RE-MI b FA-FA #-
mi-fab
15. La Enarmonía la forman dos notas de distinto nombre pero igual sonido.
Verdadero Falso
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Capítulo 7
Tempo. Signos de Repetición. Matices
Tempo o Movimiento
Los términos tradicionalmente utilizados para indicar el movimiento o grado de velocidad con que debe interpretarse
una obra musical son palabras italianas que se colocan sobre el pentagrama, al principio de las composiciones.
Los principales términos son los siguientes:
TÉRMINOS SIGNIFICACIÓN EN CASTELLANO
Largo Muy Despacio
Lento Muy Despacio
Adagio Despacio
Andante Moderado
Allegro Rápido
Vivo o Vivace Muy Rápido
Presto Muy Rápido
Para una indicación más precisa se utiliza el Metrónomo que nos marca el tempo exacto tomando una
figura como unidad.
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Signos de Repetición
Los Signos de Repetición se utilizan para abreviar y facilitar la lectura de las partituras. Hay varios signos de
repetición, los más utilizados son:
Doble barra con dos puntos.
Indica repetición del fragmento anterior cuando la indicación está con los puntos a la izquierda, y repetición del
fragmento posterior cuando la indicación está con los puntos a la derecha.
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Da Capo
Este signo de repetición indica volver al principio de la obra y repetir hasta el final o donde aparezca la palabra fin.
La Llamada
Este signo indica repetición desde el lugar de la obra donde aparezca hasta la indicación de la palabra fin.
1ª y 2ª Vez
Con la indicación también de la doble barra con dos puntos este signo de repetición se utiliza para repetir un
fragmento que tiene uno o más compases diferentes al final. Indica saltar el compás indicado con 1ª pasando al 2ª
cuando se hace la repetición.
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ACTIVIDADES
Análisis de partitura
1. Nombra las figuras y silencios que aparecen en la partitura e indica su valor absoluto
2. Identifica la o las claves en la que está escrita y explícalas
3. Explica el o los compases en que se escribió
4. Señala en qué compases hay cambio de tiempo (cambio de compás)
5. Qué son signos de repetición y que indican?
6. Explica que son las alteraciones e identifica las que hay en la partitura
7. Qué dinámicas de expresión hay y qué están indicando
8. En la partitura, debajo de cada nota escribe los nombres correspondientes
9. Qué otros signos aparecen en la partitura? explícalos
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Capítulo 8
Matices
En música se llama "Matices" a un conjunto de signos que se colocan en la partitura con la función de indicar la
intensidad relativa de una nota, una frase, o de un pasaje entero. La sucesión de matices constituyen la dinámica de la
obra.
La Dinámica se refiere a las gradaciones de la intensidad de la música. Existen por lo menos ocho indicaciones de
dinámica, empezando desde un sonido muy suave, hasta un sonido muy fuerte.
Para diferenciar el grado de intensidad sonora se usan los siguientes términos italianos, los cuales se sitúan bajo el
pentagrama de forma abreviada:
Términos Abreviatura Interpretación
Pianissimo pp Muy suave
Piano p Suave
Mezzopiano mp Medio suave
Mezzoforte mf Medio fuerte
Forte f Fuerte
Fortissimo ff muy fuerte
Por otro lado, existen otros términos que se usan para indicar cambios progresivos de intensidad del sonido. Los dos
más comunes son:
-cresc.: crescendo (‗creciendo‘, aumentando gradualmente la intensidad sonora).
-dim.: diminuendo (‗disminuyendo‘ gradualmente la intensidad sonora).
-decresc.: decrescendo (‗decreciendo‘), menos usado.
Los reguladores son unos signos que expresan también cambios graduales de la intensidad:
Crescendo De menor a mayor intensidad
Diminuendo De mayor a menor intensidad
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ACTIVIDADES
Responde a estas preguntas
a-¿Para qué sirve le Metrónomo?
Para marcar el pulso y conocer la velocidad de la obra Para marcar las corcheas de la partitura
Para ayudar en la interpretación musical
b-¿Quién fue el inventor del Metrónomo?
Marconi Mäelzel Winkel
c-¿Qué indicación del tempo es más exacta?
La indicación del metrónomo Las palabras italianas Ambas son igual de exactas
d-Señala el pulso más rápido
Negra= 60 Negra= 120 Negra= 90
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CAPÍTULO 9
LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO
SITUACIÓN:
Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI,
cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro
del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da
Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,…; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había
ocurrido.
CONTEXTO HISTÓRICO:
Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas, terminando con el feudalismo medieval
(excepto en Italia, donde surgirán ciudades estado). Los grandes nobles y aristócratas van a ser los mecenas de los
artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de un salario. Es una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los
medios de comunicación y los transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio y
propagación de ideas musicales. Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma
Católica serán importantes para la evolución de la música.
CONTEXTO CULTURAL:
En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo es el del Humanismo, que considera al
hombre como el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del medievo.
Algunas de las características culturales de esta etapa se resumen a continuación:
Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como alabanzas a Dios, los artistas buscan
como fin la belleza y el placer de los sentidos en sus obras.
El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en todos sus ámbitos.
El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media para hablar a partir de ahora de artistas
que firman sus obras.
Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los renacentistas como una época oscura y sin
interés artístico, por lo tanto, van a despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico
sobretodo de Grecia y Roma.
CONTEXTO MUSICAL:
Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características:
Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas sobre la importancia de la cultura,
además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se empiezan a imprimir las primeras partituras.
Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu humanista. Cada vez se crea más
música de carácter no religioso y en detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había menospreciado la
música instrumental, y ésta ahora experimentará un gran desarrollo.
Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya lo había hecho en los últimos
siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA RENACENTISTA
La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se debe a que se van a producir una serie de
cambios, de los cuales destacamos los siguientes:
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Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había alcanzado una gran complejidad; ahora en el
Renacimiento el uso de grupos de voces con diferentes timbres y tesituras se generaliza. En este periodo podemos
hablar ya de las cuatro voces que llegarán hasta nuestros días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro del ámbito
polifónico destacan dos técnicas de composición, o dos tipos de texturas: una contrapuntística (en la que las voces
se mueven de manera independiente) y otra homofónica (en la que las voces se mueven de manera homogénea).
Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha alcanzado la polifonía, los sistemas de notación
tienen que desarrollarse en cuanto a la métrica, por ello se abandona totalmente el ritmo libre del gregoriano para
establecer una música con medidas fijas, en la que las duraciones de los sonidos son absolutas.
Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus obras voces a distancias de terceras
superpuestas, que en la Edad Media no eran utilizadas. Este uso de terceras será el antecedente de los acordes de
nuestro sistema tonal actual.
PERIODOS DE LA MÚSICA RENACENTISTA
El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI, dentro de este periodo podemos distinguir tres etapas:
– Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido también como el periodo franco-
flamenco, ya que los duques de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y
Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los más importantes de esta época.
Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor
parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante este Primer Renacimiento será muy
frecuente la técnica compositiva denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema ó motivo
repetidamente entre las distintas voces.
– Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los músicos franco-flamencos se
extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se crean, por
lo tanto, los denominados estilos nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se
desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la chanson.
– Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI. Italia se convierte en el país más
importante musicalmente hablando, las innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin
embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni Pierluigi
Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria.
Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa. En esta época también tenemos que destacar al
italiano Claudio Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura decisiva
en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.
LA MÚSICA RELIGIOSA
Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la unidad del catolicismo.
En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no comparte algunas de las formas de
comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta
nuestros días en la religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma Protestante, ya que
Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era
un gran estudioso de la teoría musical.
Entre los cambios más importantes introducidos por Lutero destacamos los siguientes:
Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era muy importante que la gente comprendiese
lo que se decía en la liturgia y que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las celebraciones se
seguían realizando en latín, debido a que era una lengua que sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo.
Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el gran desarrollo al que había llegado la
polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma musical: EL CORAL, que será el género
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más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una composición sencilla, escrita normalmente a cuatro
voces, que se canta en alemán y presenta una textura homofónica.
En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia anglicana, de la cual se
proclama máximo mandatario, y así acapara todo el poder político y religioso de su país. A partir de este momento, la
iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual
se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.
La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de arreglar los males en los que
está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra ―El Concilio de Trento‖, en el que se tratan de establecer las
directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al terreno musical, de las cuales
destacamos las siguientes:
Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo de unidad cristiana. Esta norma seguirá
vigente hasta el Concilio Vaticano II.
Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible entender los textos religiosos, y
recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano.
Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados en los que sólo se debe interpretar
música religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa vigente.
Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el motete y la misa (forma musical compleja
resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia), en los que se evitará la complejidad polifónica. Los
compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso
(que también realizó numerosos madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.
MÚSICA PROFANA
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios se escribe
bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como
los “Estilos Nacionales”.
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país
desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín
como sucedía en la música religiosa.
A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos países:
– ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de polifonía compleja escrita para
cuatro o cinco voces. Normalmente es música ―a capella‖, aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es
música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala un ritornello
(breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio
Monteverdi.
– FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON. Es una forma polifónica normalmente con
acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El compositor más destacado es Clement Janequin.
– ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su origen no tiene nada que ver
con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El
compositor más representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina .
LA MÚSICA INSTRUMENTAL
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que hasta
entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la
laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a componer
música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música evolucionará en campo
profano ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir muchos libros con partituras y teoría
musical, por lo que mucha gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento.
Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música instrumental del Renacimiento:
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PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que primitivamente estaban escritas para varias voces y que serán
adaptadas para poder interpretarlas con instrumentos polifónicos como el órgano y otros instrumentos de teclado.
Destacan en este grupo formas como el ricercare o la canzona.
PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una
melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música
corresponden géneros como la fantasía o la toccata.
PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el intérprete parta de un tema sencillo que va repitiendo
sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este grupo destacan las diferencias; éste fue
el nombre que recibió en España el tema con variaciones en el cual destacó el compositor español Antonio de
Cabezón.
PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA:
La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran importancia, sobre todo entre las clases más
altas, ya que en todas las celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza cortesana, va a existir otra danza
menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes salones. La danza era bailada por todos los nobles
que participaban en la celebración (el aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que iban ataviados con sus
mejores galas. Los grandes vestidos eran los que impedían cualquier tipo de movimiento acelerado y por tanto estos
bailes van a ser siempre muy pausados y elegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la evolución de la música instrumental, ya que
buena parte de esa música era dedicada a este género. Otro de los factores decisivos que impulsaron las danzas fue la
invención de la imprenta, ya que a partir de este momento se van a editar los primeros libros de coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:
LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época. Se interpretaba con paso saltado. Es una danza en
compás ternario y paso alegre. Normalmente se interpretaba después de la pavana.
LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la que abría el baile y normalmente sólo la
bailaban los organizadores del evento. Es pausada y refinada; es un paseo de los ricos nobles para que todo el mundo
presente les admire.
EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se agarraban e iban oscilando a derecha y a
izquierda sin romper el círculo.
* Además podemos mencionar otras muchas danzas: el ronde, la tarantela, la zarabanda, la alemanda, el courante, el
saltarelo, la calada.
LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO
Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el Renacimiento, perfeccionándose y
adaptándose a las nuevas exigencias de los compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el
Renacimiento se compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos adquieran una gran
importancia.
A continuación citamos algunos de los más importantes:
AERÓFONOS:
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los instrumentos más populares de la
época. También existían las flautas traveseras de madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina) que termina en forma de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido a los oboes pero de mayor
tacabamaño).
Suchebuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.
CORDÓFONOS:
La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra y violonchelo. En España recibió
el nombre de vihuela de arco.
La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto se extendió por toda Europa. Las
primitivas tenían cuatro cuerdas.
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La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran prestigio en nuestro país de la mano
de compositores como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales se especializaron en este instrumento.
El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se convierte en uno de los más
importantes.
El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.
LA DANZA RENACENTISTA
La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran importancia, sobre todo entre las clases más
altas, ya que en todas las celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza cortesana, va a existir otra danza
menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes salones. La danza era bailada por todos los nobles
que participaban en la celebración (el aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que iban ataviados con sus
mejores galas. Los grandes vestidos eran los que impedían cualquier tipo de movimiento acelerado y por tanto estos
bailes van a ser siempre muy pausados y elegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la evolución de la música instrumental, ya que
buena parte de esa música era dedicada a este género. Otro de los factores decisivos que impulsaron las danzas fue la
invención de la imprenta, ya que a partir de este momento se van a editar los primeros libros de coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:
LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época. Se interpretaba con paso saltado. Es una danza en
compás ternario y paso alegre. Normalmente se interpretaba después de la pavana.
LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la que abría el baile y normalmente sólo la
bailaban los organizadores del evento. Es pausada y refinada; es un paseo de los ricos nobles para que todo el mundo
presente les admire.
EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se agarraban e iban oscilando a derecha y a
izquierda sin romper el círculo.
* Además podemos mencionar otras muchas danzas: el ronde, la tarantela, la zarabanda, la alemanda, el courante, el
saltarelo, la calada,…
COMPOSITORES DESTACADOS:
ANDREA GABRIELI, GIOVANI GABRIELI, ORLANDO DI LASSO, GIOVANNI PERLUIGI DA PALESTRINA
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ACTIVIDADES
1-Introduce las palabras que faltan.
El Renacimiento es la época de la .La composición a varias voces se impone definitivamente sobre la
monodia medieval. La polifonía desarrollará la técnica del contrapunto , técnica que consiste en que las
distintas voces que participan en la polifonía se imitan entre ellas.
Según su función o género, podemos seguir dividiendo la música del Renacimiento en e .La
música vocal religiosa adquiere en este periodo una gran importancia y un estilo internacional, contando España con
grandes maestros de música vocal religiosa como Cristóbal de , Francisco o Tomás Luis
de . Otros importantes compositores en este género fueron Orlando di o Giovanni Pierluigi
de Los principales géneros de música vocal religiosa son el y la .Los dos géneros
anteriores estaban escritos a varias voces, sobre texto y el idioma era el .
Por su parte, la música vocal profana empezaría a crear diferentes estilos en función de su situación geográfica, es
decir, se crearía una especie de música nacionalista. Los tres géneros más importantes de música vocal profana fueron:
el en Italia, la en Francia y el en España.
Las características del madrigal son: composición a varias , sobre textos e idioma .
Las chansons, por su parte, está escrita sobre textos en y eran más sencillas musicalmente que los madrigales,
de ahí su gran popularidad entre la población.
En cuanto a la música instrumental, ésta no tenía la relevancia de la vocal, sirviendo de acompañamiento a danzas y al
canto. Pero a lo largo del s. XVI ya comienzan a escribirse obras pensadas como obras instrumentales autónomas y no
dependientes de ningún género vocal. En el s. XV la música instrumental estaría basada en géneros como el motete o
la chanson instrumental dando lugar a géneros instrumentales como el o la , pero habrá que esperar
al Barroco para que esta música adquiera identidad propia. En España serían muy importantes las diferencias, música
instrumental que utiliza el recurso de las variaciones, es decir, el instrumentista varía sucesivamente la melodía
original. En cuanto a la música de danza, las danzas se seguían agrupando por parejas dando lugar a emparejamientos
tan comunes como pavana y , o passamezzo y .
y eran más sencillas musicalmente que los madrigales, de ahí su gran popularidad entre la población.
2- Marca con una cruz la respuesta correcta
El Renacimiento es la época de la...
A. polifonía
B. monodia profana
C. chanson
D. composición a una voz
La música vocal de este periodo se divide en:
A religiosa e imitativa
B religiosa y profana
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C religiosa pero profana
D profana y danzable
El principal género de música religiosa en el Renacimiento fue:
A. el género masculino religioso
B. la sinfonía
C. el madrigal
D. el motete
También fue importante como género musical religioso...
A el villancico
B la chanson
C la cantiga
D la misa
Los dos géneros de música vocal profana que tuvieron más importancia durante el Renacimiento
fueron...
A la chanson Frère Jacques y la misa
B la chanson y el canto gregoriano
C el madrigal y la chanson
D el madrigal y el mambo
El género de música vocal profana conocido como madrigal es:
A. francés
B. alemán
C. español
D. italiano
El género de música vocal profana conocido como chanson es:
A español
B francés
C alemán
D italiano
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Un instrumento de cuerdo pulsada muy importante en España durante el Renacimiento fue...
A el laúd
B la vihuela
C la guitarra española
D la guitarra acústica
El instrumento del Renacimiento que por evolución se convertiría en el trombón fue:
A el sacabarriga
B el sacabuche
C el oboe
D la chirimía
La chirimía (instrumento de viento del Renacimiento) evolucionó hacia:
A no evolucionó y desapareció
B la trompeta de pistones
C el oboe moderno
D la flauta
3-COMPLETA EL CRUCIGRAMA
1 2
3
4
5 6
7
8
9
46
Pistas horizontales:
1. Idioma del género de música vocal conocido como madrigal
3. Nombre del famoso compositor español de villancicos cuyo apellido es Del Encina
4. El más importante género de música vocal profana sobre textos poéticos y en italiano
6. Nombre que recibe el género de música vocal religiosa más importante del Renacimiento
7. Composición española que consiste en la alternancia de estribillo y copla
8. Junto con el motete es un género importante de música vocal religiosa
9. Idioma en que se cantaban los motetes renacentistas
Pistas verticales:
1-Nombre que recibe el contrapunto más utilizado durante el Renacimiento
2-Apellido de un gran compositor español de música vocal religiosa cuyo nombre es
Francisco
3-Pieza musical sobre textos en francés
4-Instrumento de cuerda pulsada preferido por los músicos ingleses del Renacimiento
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CAPÍTULO 10
Textura
Mediante el sentido del tacto podemos apreciar la textura de los objetos o las superficies: rugoso, liso, suave, áspero...
Pero ¿a qué nos podemos referir cuando hablamos de textura en la música? Los sonidos no se pueden tocar, no se
pueden definir con el tacto. En música la textura es un concepto más complejo. Podemos definirla como la manera de
mezclar o entretejer las distintas melodías, voces o instrumentos.
Monodia o monofonía
Es la más simple de las texturas. Consiste en una sola línea melódica, sin armonía ni acompañamiento. Cuando
estamos cantando bajo la ducha, cuando en un coro cantan toda la misma melodía en el mismo tono (unísono), o
cuando todos tocamos en clase con la flauta la misma canción... todos estos son ejemplos de monodia o monofonía.
Canto gregoriano. Monodia religiosa
Esquema de la monodia o monofonía
La música litúrgica que se cantaba en las catedrales y monasterios, conocida
como gregoriano, era monódica. Los instrumentos estuvieron prohibidos en los
templos durante mucho tiempo, pues lo que importaba era el texto de la música y su
alabanza a
Dios
Melodía acompañada
Destaca una melodía sobre un acompañamiento. Cuando tocamos juntos en clase La flauta y el profesor acompaña con
el piano, estamos haciendo una melodía acompañada. Las flautas tocarían la melodía principal y el piano el
acompañamiento. Ésta es la textura más común en la música moderna y comercial, o la que predomina en la ópera.
La melodía acompañada experimentó un desarrollo importante en Italia durante el siglo XVII (Barroco). Fue habitual
en la música de la segunda mitad del siglo XVIII (Clasicismo) y del siglo XIX (Romanticismo), manteniéndose
vigente hasta hoy día en la música folklórica y popular.
Esquema de la melodía acompañada
Éste es un fragmento de partitura de piano. La mano derecha
toca el pentagrama de arriba que es la melodía principal,
mientras la mano izquierda acompaña tocando el pentagrama
de abajo.
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Polifonía
Cuando varias melodías discurren al mismo tiempo, teniendo la misma importancia y cierta independencia, hablamos
de polifonía (poli= varias; fonía= sonidos o melodías). Las obras polifónicas son más complicadas de escuchar, pues
un oyente inexperto puede perderse entre las distintas melodías.
Un tipo especial de polifonía es el contrapunto o imitación. Un mismo tema entra escalonadamente en las distintas
voces con varios compases de desfase, de manera que se imitan o persiguen, creándose un efecto musical muy bello.
El contrapunto más sencillo es el canon, donde el tema se imita de manera literal
En la Fuga, en cambio, la melodía imitada sufre transformaciones en su transcurso, partiéndose en pequeños trozos,
alargando o acortando sus valores rítmicos, invirtiendo su direccionalidad e incluso apareciendo de atrás para adelante.
Todas las transformaciones que experimenta el tema, o sujeto de la fuga, son imitadas por las voces restantes. Por lo
general, la fuga se escribe para cuatro voces o instrumentos distintos.
Esquema de la polifoníacontrapuntìstica
la voz azul expone el tema, que es imitado por las
voces amarilla y verde
En este fragmento expone el tema el violín, y le imitan poco
después el oboe y la flauta
Homofonía (polifonía Homofónica)
En la textura Homofónica participan varias voces o instrumentos, como en la polifonía, pero a diferencia de ésta, las
voces no son independientes, sino que se relacionan y avanzan de manera compacta, a un ritmo semejante,
manteniendo relaciones verticales en la partitura y formando acordes. También se pueden identificar como varias
melodías de distinta altura, pero que avanzan a un ritmo semejante.
Si analizas el Alleluya del Mesías de Haendel observarás que, tras una breve introducción de los violines, comienza un
coro en el que todas las voces cantan simultáneamente y actúan de manera compacta formando acordes. Ese
fragmento es monofónico. En cambio, después las voces de las sopranos citan un tema, que es imitado sucesivamente
en contrapunto por el resto de voces. La obra alterna las texturas homofónica y polifónica-contrapuntística en varias
ocasiones.
Esquema de la homofonía
Observa este fragmento musical.
Un coro de tres voces canta esta
obra homofónica. ¿Ves cómo las
notas de todas las voces
coinciden casi siempre
verticalmente? Significa que
llevan un ritmo similar, y juntas
van formando acordes
]
50
ACTIVIDADES
1-Escucha y responde
a) ¿Qué textura utiliza Mozart en el Aria de la Reina de la Noche?
b) ¿Qué textura utiliza Haendel para iniciar la parte vocal de su obra Aleluya?
c) Que textura está representada en esta partitura de la canción Help de los Beatles?
2- Análisis de Texturas
1. ¿Qué textura representa el siguiente gráfico?
Homofonía
Melodía Acompañada
Monodía
Polifonía
51
2. El siguiente gráfico pertenece a la Polifonía
Verdadero
Falso
3. Clasifica la Textura del siguiente fragmento musical
Polifonía. Contrapunto libre
Homofonía
Polifonía. Contrapunto Imitativo
Melodía acompañada
4. Esta Textura es Monódica
52
Verdadero
Falso
5. La Textura Homfónica y Contrapuntística pertenecen a la Textura Polifónica
Verdadero
Falso
6. ¿Qué textura ves en el siguiente ejemplo?
Melodía Acompańada
Homofonía
Polifonía. Contrapunto libre
Monodía
7. La Textura Contrapuntística es típica del Canto Gregoriano
Verdadero
Falso
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8. Clasifica la siguiente textura musical
Textura Homofónica
Textura Monódica
Textura Polifónica. Contrapunto
9. LA siguiente textura musical es...
Homofonía
Melodía Acompańada
Contrapunto Imitativo
Monodía
10. ¿Qué diferencia hay entre Homofonía y Contrapunto Libre?
No hay diferencia
La Homofonía mantiene el mismo ritmo en las voces y el Contrapunto no
En la Homofonía se imitan las voces y en el Contrapunto no
54
3- CRUCIGRAMA
1 Textura muy utilizada en la música actual. Melodía...
2: Textura Polifónica horizontal
3 Textura polifónica con sentido vertical, las voces coinciden en el ritmo..
4Varias melodías que suenan a la vez
5Textura formada por una única melodía
6Cuando varias voces cantan una textura Monódica están cantando al...
7Tipo de Contrapunto donde las voces no se imitan..
8: Tipo de Contrapunto donde unas voces imitan a otras
1 2
3 4
5
6
7
8
55
CAPITULO 11
56
57
58
59
CLASIFICACION DE LAS VOCES
EL APRATO FONADOR
60
LAS AGRUPACIONES VOCALES
La voz humana
Actividades
1- Completa las frases..
Dentro de las voces masculinas hay tres tipos : la más aguda llamada , la intermedia llamada y la
más grave denominada . Las voces femeninas, de la más aguda a la más grave, se denominan ,
Mezzosoprano y .
Hay muchos tipos de agrupaciones vocales, la agrupación formada por 100 cantantes se denomina . El Coro de
voces está formado por voces masculinas o femeninas, si lo forman niños se llama .Los Coros
pequeños se denominan Coros de .La agrupación formada por Soprano, Contralto, Tenor y Bajo se
denomina .
61
COMPLETA EL SIGUIENTE CRUCUGRAMA
1
2
3
4
5 6
7
8
1: Grupo formadon por voces blancas (de niños)
2: Voz grave femenina
3: Voz aguda masculina
4: Voz masculina de registro intermedio
5: Masa coral de 100 o más cantores
6: Voz masculina sobreaguda. El nombre proviene de la época del Barroco
7: Voz aguda femenina
8: Voz grave masculina
62
CAPITULO 12
La flauta dulce
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