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Republica bolivariana de Venezuela
Ministerio del poder popular para la educación universitaria
Instituto Antonio José de Sucre
Valencia, Edo. Carabobo
Biografía
Bachiller:
Joeberli Diaz
C.I.: 24.903.682
Escritores Griegos
EURIPIDES
(Salamina, actual Grecia, 480 a.C.-Pella, hoy desaparecida, actual Grecia, 406 a.C.)
Poeta trágico griego. De familia humilde, Eurípides tuvo como maestros a Anaxágoras,
a los sofistas Protágoras y Pródicos y a Sócrates, cuyas enseñanzas se reflejan en su
obra.
En el 455 a.C. Eurípides presentó a concurso su primera tragedia, Los Pelíadas, con la
que obtuvo el tercer puesto. Seguirían 92 obras más, de las cuales se han conservado
diecisiete tragedias, que, sin embargo, poca fama y reconocimiento le aportaron en
vida: sólo obtuvo cuatro victorias en los festivales anuales que se celebraban en
Atenas, por lo que hacia el final de su vida decidió trasladarse a Macedonia para
incorporarse a la corte del rey Arquelao (408 a.C.), donde según la leyenda fue
devorado por unos perros.
Las obras de Eurípides representan un cambio de concepción del género trágico, de
acuerdo con las nuevas ideas que había aprendido de los sofistas; así, su escepticismo
frente a las creencias míticas y religiosas es manifiesto en sus obras, que rebajan el
tono heroico y espiritual que habían cultivado Esquiloy Sófocles a un tratamiento más
cercano al hombre y la realidad corrientes.El héroe aparece retratado con sus flaquezas y
debilidades, dominado por oscuros y
secretos sentimientos que le impiden enfrentarse a su destino, del que finalmente es
liberado por la intervención de los dioses al término de la obra (recurso llamado deus
ex machina, por los artilugios escénicos que usaba para introducir al dios); otras
innovaciones suyas son la introducción de un prólogo y la asignación de un papel más
reducido al coro. En sus tragedias pasa a primer término el tratamiento psicológico de
los personajes, de gran profundidad.
Incomprendido en su época, Eurípides se convirtió en modelo a imitar ya por los
trágicos latinos, y luego su influencia prosiguió durante el neoclasicismo y el
Romanticismo alemán (Lessing, Schiller, Goethe).
ESQUILOS
(Eleusis, 525 a. C. – Gela,456 a. C.), Fue uno de los «Maratonómaco»; luchó en las
guerras promovidas contra los persas en la Batalla de Maratón (490 a. C.), en las
de Salamina(480 a. C.) y, posiblemente, en la de Platea.
Alguna de sus obras, como Los persas (472 a. C.), Los siete contra Tebas (467 a. C.),
son el resultado de sus experiencias de guerra. Fue también testigo del desarrollo de
la democracia ateniense. En Las suplicantes (490 a. C.), puede detectarse la primera
referencia que se hace acerca del poder del pueblo, y la representación de la creación
del Areópago, tribunal encargado de juzgar a los homicidas. En Las
euménides (478 a. C.), se apoya la reforma de Efialtes (462 a. C.), transferencia de los
poderes políticos del Areópago al Consejo de los Quinientos.
Se le acusó de haber revelado los misterios de Eleusis, por lo que fue juzgado y
posteriormente absuelto.
Viajó a Siracusa, en Sicilia, invitado por el tirano Hiéron, para el que produjo Las
mujeres de Etna en honor a la nueva ciudad de Etna que éste había fundado, y puso,
de nuevo, en escena, Los persas. Tras la representación de la Orestíada(458 a. C.),
volvió a visitar Sicilia, donde murió en Gela, entre 456 a. C. y 455 a. C.
Tuvo un hijo, Euforión, que como él fue un poeta trágico.Escribió 82 piezas (algunas
fuentes las cifran en 90), consiguió su primera victoria en
composición dramática en el484 a. C., siendo sus rivales Pratinas, Frínico y Quérilo.
Sólo fue vencido por Sófocles en el año 468 a. C.
De la importancia de su obra da fe el hecho de que se permitiera que sus obras fueran
representadas y presentadas en elagón («certamen») en los años posteriores a su
muerte, junto a las de los dramaturgos vivos; un honor excepcional ya que era
costumbre que las obras de los autores fallecidos no se pudieran presentar al agón.
De toda su obra sólo se conservan siete piezas, seis de ellas premiadas, y
sustanciosos fragmentos de otras tantas.
SOFOCLES
(Colona, hoy parte de Atenas, actual Grecia, 495 a.C.-Atenas, 406 a.C.) Poeta trágico
griego. Hijo de un rico armero llamado Sofilo, a los dieciséis años fue elegido director
del coro de muchachos para celebrar la victoria de Salamina. En el 468 a.C. se dio a
conocer como autor trágico al vencer a Esquilo en el concurso teatral que se celebraba
anualmente en Atenas durante las fiestas dionisíacas, cuyo dominador en los años
precedentes había sido Esquilo.
Comenzó así una carrera literaria sin parangón: Sófocles llegó a escribir hasta 123
tragedias para los festivales, en los que se adjudicó, se estima, 24 victorias, frente a las
13 que había logrado Esquilo. Se convirtió en una figura importante en Atenas, y su
larga vida coincidió con el momento de máximo esplendor de la ciudad.
Amigo de Herodoto y Pericles, no mostró demasiado interés por la política, pese a lo
cual fue elegido dos veces estratego y participó en la expedición ateniense contra
Samos (440), acontecimiento que recoge Plutarco en sus Vidas paralelas. Su muerte
coincidió con la guerra con Esparta que habría de significar el principio del fin del
dominio ateniense, y se dice que el ejército atacante concertó una tregua para que se
pudieran celebrar debidamente sus funerales.
De su enorme producción, sin embargo, se conservan en la actualidad, aparte de
algunos fragmentos, tan sólo siete tragedias completas: Antígona, Edipo Rey,Áyax, Las
Traquinias, Filoctetes, Edipo en Colona yElectra. A Sófocles se deben la introducción
de un tercer personaje en la escena, lo que daba mayor juego al diálogo, y el hecho de
dotar de complejidad psicológica al héroe de la obra.
Filósofos Griegos
SOCRATES
(Atenas, 470 a.C.-id., 399 a.C) Filósofo griego. Fue hijo de una comadrona, Faenarete,
y de un escultor, Sofronisco, emparentado con Arístides el Justo. Pocas cosas se
conocen con certeza de la biografía de Sócrates, aparte de que participó como soldado
de infantería en las batallas de Samos (440)
La sabiduría de Sócrates no consiste en la simple acumulación de conocimientos, sino
en revisar los conocimientos que se tienen y a partir de ahí construir conocimientos
más sólidos.
Esto le convierte en una de las figuras más extraordinarias y decisivas de toda la
historia; representa la reacción contra el relativismo y subjetivismo sofista, y es un
singular ejemplo de unidad entre teoría y conducta, entre pensamiento y acción. A la
vez, fue capaz de llevar tal unidad al plano del conocimiento, al sostener que la virtud
es conocimiento y el vicio ignorancia.
El poder de su oratoria y su facultad de expresión pública eran su fuerte para conseguir
la atención de las personas.
Sócrates no escribió ninguna obra porque creía que cada uno debía desarrollar sus
propias ideas. Conocemos en parte sus ideas desde los testimonios de sus
discípulos: Platón, Jenofonte, Aristipo y Antístenes, sobre todo. Tales testimonios no
son convergentes, por lo que no resulta fácil conocer cuál fue el verdadero
pensamiento de Sócrates.
ARISTÓTELES
Nació en Estagira, Macedonia, el año 384 a. de J.C. y murió en 322 a. de J.C. Fue
discípulo de Platón y maestro de Alejandro Magno. Creó su "Liceo" que fue tan
prestigioso como la "Academia".
Su filosofía se caracteriza por ser un movimiento filosófico y científico basado en la
experimentación. Concepción revolucionaria. En un panorama filosófico denominado
por la ciencia del mundo exterior y la cosmología, creó un concepto de la sociedad, de
la realidad y del hombre totalmente diferente. Enfatizó la transformación de su
sociedad política porque afianzó la libertad democrática en su obra "Las Constituciones
de Atenas", contra Filipo de Macedonia, quien reaccionó ordenando su muerte, ya que
vislumbró que la democracia terminaría por derrotar al totalitarismo.
En el campo de la metafísica - hasta entonces denominado por Platón - en el que tenía
predominio las ideas y por lo tanto el mundo ideal y dialéctico de la lógica y
el pensamiento sobre la realidad y la experiencia, él decidió crear bases totalmente
diferentes para constituir en ellas la filosofía y la ciencia.
Su gran revolución ideológica la hace precisamente en el campo de
la teoría del conocimiento. Contra todos los filósofos que presumían la validez del
conocimiento, él dice que sin experimentación no hay verdad.
Aristóteles da realidad a las ideas entendiéndolas como la esencia de las cosas reales -
"Nada hay en la mente que no haya estado antes en los sentidos".
Frente a toda metafísica, a la filosofía cosmológica y frente al idealismo metafísico e
intelectualista de Platón, la posición de Aristóteles no puede ser más radicalmente
distinta.
Por la fuerza de su ingenio trascendió su época y se proyecto en el siglo XVII y XVIII,
época en que su tesis es sostenida por los empiristas británicos John Locke, George
Berkeley y Davis Hume, y en cierto modo también Emmanuel Kant, filósofo alemán
creador de la filosofía crítica.
PLATON
Nacio en Atenas 427-347 a. C. fue un filósofo griego seguidor de Sócrates y maestro de
Aristóteles. En 387 fundó la Academia, institución que continuaría su marcha a lo largo
de más de novecientos añosn. 3 y a la que Aristótelesacudiría desde Estagira a
estudiar filosofía alrededor del 367, compartiendo, de este modo, unos veinte años de
amistad y trabajo con su maestro.n. 4 Platón participó activamente en la enseñanza de
la Academia y escribió, siempre en forma de diálogo, sobre los más diversos temas,
tales como filosofía política, ética, psicología, antropología filosófica,
epistemología, gnoseología, metafísica, cosmogonía, cosmología, filosofía del
lenguaje y filosofía de la educación; intentó también plasmar en unEstado real su
original teoría política, razón por la cual viajó dos veces aSiracusa, Sicilia, con
intenciones de poner en práctica allí su proyecto, pero fracasó en ambas ocasiones y
logró escapar penosamente y corriendo peligro su vida debido a las persecuciones que
sufrió por parte de sus opositores.
OBRAS:
1. Primeros diálogos o diálogos socráticos o de juventud. Se caracterizan por sus
preocupaciones éticas. Están plenamente influidos por Sócrates. Las más
destacadas
son: Apología, Ion, Critón, Protágoras, Laques, Trasímaco,Lisis, Cármides y Euti
frón.
2. Época de transición. Esta fase se caracteriza también por cuestiones políticas,
además, aparece un primer esbozo de la Teoría de la reminiscencia y trata
sobre la filosofía del lenguaje. Destacan: Gorgias, Menón, Eutidemo, Hipias
Menor, Crátilo, Hipias Mayor y Menexeno.
3. Época de madurez o diálogos críticos. Platón introduce explícitamente la Teoría
de las Ideas recién en esta fase y desarrolla con más detalle la de la
reminiscencia. Igualmente se trata de distintos mitos. Destacan: El Banquete —
también conocido como Simposio—, Fedón, República y Fedro.
4. Diálogo de vejez o diálogos críticos. En esta fase revisa sus ideas anteriores e
introduce temas sobre la naturaleza y la medicina.
Destacan: Teeteto, Parménides, Sofista, Político, Filebo, Timeo, Critias, Leyes y
Epínomis.
Biografías
LEONARDO DAVINCHI
Nació el sábado 15 de abril de 1452 «en la tercera hora de la noche», es decir,
tres horas después del Ave María: a las diez y media. No es seguro si su nacimiento
tuvo lugar en el castillo de Vinci, ciudad a unos 25 km en línea recta de Florencia, o
bien en la casa materna de Anchiano, una pedanía a unos dos kilómetros de Vinci.
Leonardo era hijo ilegítimo: su padre dejó embarazada a una humilde joven de familia
campesina llamada Caterina. Su padre, Messer Piero Fruosino di Antonio,
fue notario, canciller y embajador de la República de Florencia. El propio Leonardo fue,
por tanto, descendiente de una rica familia de nobles italianos. De su madre se dice
que pudo ser una esclava de Oriente Medio.
Leonardo, o Lionardo según su nombre de bautizo fue bautizado y pasó sus
cinco primeros años en la casa de su padre en Vinci donde fue tratado como un hijo
legítimo. Tuvo cinco madrinas y cinco padrinos, todos ellos habitantes del pueblo. En
este lugar, Leonardo recibió instrucción, aprendió a leer y a escribir, y adquirió
conocimientos de aritmética. Sin embargo, prácticamente no aprendió latín, base de la
enseñanza tradicional. El hecho de que tuviese una ortografía caótica muestra que su
instrucción no estuvo exenta de lagunas; en todo caso no fue la de un universitario.
En aquella época, las convenciones modernas en los nombres de personas no
se habían desarrollado todavía en Europa, por lo que únicamente las grandes familias
hacían uso del apellido patronímico. La gente del pueblo solía ser designada por su
nombre, al que se le adjuntan todo tipo de precisiones útiles: el nombre del padre, el
lugar de origen, un apodo, el nombre del maestro en el caso de los artesanos, etc. Por
consiguiente, el nombre del artista fue «Leonardo di ser Piero Da Vinci», cuyo
significado es «Leonardo, hijo del maestro Piero De Vinci»; sin embargo, el término
«Da» lleva una mayúscula para denotar que se trata de un apellido. El propio
Leonardo firmaba simplemente sus obras como «Leonardo» o «Io, Leonardo» («Yo,
Leonardo»), así que la mayoría de las autoridades atribuyen sus obras a «Leonardo»
sin el «da Vinci». Es verosímil que se abstuviera de emplear el apellido de su padre
porque era un hijo ilegítimo. «Vinci» proviene de «vinchi», denominación que reciben
unas plantas similares a los juncos, que crecen en el entorno del arroyo Vincio y que
eran utilizadas por los artesanos toscanos.
En 1457, cuando Leonardo tenía cinco años, su madre se casó con Antonio di
Piero Buti del Vacca da Vinci, un campesino de la localidad, con el que tuvo cinco hijos.
Fue acogido entonces en la casa de la familia de su padre en el pueblo de Vinci. Entre
tanto, el padre se había casado con una joven de dieciséis años proveniente de una
familia rica de Florencia, Albiera degli Amadori. Ésta, al no tener hijos, volcó su afecto
en Leonardo, pero murió siendo muy joven debido a complicaciones de parto, en 1464.
Aunque era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre,
Leonardo nunca fue reconocido formalmente como un hijo legítimo. Su padre se casó
hasta cuatro veces, dándole diez hermanos y dos hermanas menores legítimos. De
estas relaciones, el pequeño Leonardo tuvo un muy buen vínculo con la última mujer de
su padre, Lucrezia Guglielmo Cortigiani, afecto que se evidencia en una nota en donde
se dirige a ella como «querida y dulce madre». Su abuela paterna, Lucia di ser Piero di
Zoso, una ceramista próxima a Leonardo, fue probablemente la persona que le inició
en las artes.
Un conocido presagio refiere que un milano venido del cielo había hecho un
vuelo estacionario sobre su cuna, tocando su cara con la cola. Giorgio Vasari, biógrafo
del siglo XVI de los pintores del Renacimiento, cuenta en Le Vite (1568), la historia de
un campesino local que pidió a ser Piero que su talentoso hijo le pintara una imagen
sobre una placa. Leonardo pintó entonces una representación de
un dragón escupiendo fuego, tan bien realizada que ser Piero la vendió a
un mercader de arte florentino, quien a su vez la revendió al duque de Milán. Tras
haberse así beneficiado con la venta, ser Piero compró una placa decorada con un
corazón atravesado por una flecha, la cual entregó al campesino.
Formación en el taller de Verrocchio
BAUTISMO DE JESÚS. Óleo sobre madera de Verrochio (1470–1480).
Leonardo trabajó de manera particular en los ángeles del lado izquierdo. El joven
Leonardo era un amante de la naturaleza, la cual observaba con gran curiosidad y le
interesaba. Dibujaba caricaturas y practicaba la escritura especular en dialecto toscano.
Giorgio Vasari cuenta una anécdota sobre los primeros pasos en la carrera artística del
gran artista: «un día, ser Piero tomó algunos de sus dibujos y se los mostró a su amigo
Andrea del Verrocchio y le pidió insistentemente que le dijera si Leonardo se
podría dedicar al arte del dibujo y si podría conseguir algo en esta materia.
Andrea se sorprendió mucho de los extraordinarios dones de Leonardo y le
recomendó a ser Piero que le dejara escoger este oficio, de manera que ser Piero
resolvió que Leonardo entraría a trabajar en el taller de Andrea. Leonardo no se hizo
rogar; y, no contento con ejercer este oficio, realizó todo lo que se relacionaba con el
arte del dibujo». Fue así como, a partir de 1469, Leonardo entró como aprendiz a uno
de los talleres de arte más prestigiosos bajo el magisterio de Andrea del Verrocchio, a
quien debe parte de su excelente formación multidisciplinaria, en la que se aproxima a
otros artistas como Sandro Botticelli, Perugino y Domenico Ghirlandaio. En efecto, a
finales de 1468, aunque Leonardo estaba empadronado como residente del municipio
de Vinci, viajaba muy a menudo a Florencia, donde su padre trabajaba.
Verrocchio era un artista de renombre, y muy ecléctico. De formación
era orfebre y herrero, pero además fue pintor, escultor yfundidor. Trabajó sobre todo
para el poderoso Lorenzo de Médici. Leonardo trabajó también con Antonio Pollaiuolo,
que tenía su taller muy cerca del de Verrocchio. Después de un año dedicado a la
limpieza de los pinceles y otras pequeñas actividades propias de un aprendiz,
Verrocchio inició a Leonardo en las numerosas técnicas que se practicaban en un taller
tradicional. Así, en este contexto, Leonardo tuvo la oportunidad de aprender las bases
de la química, de la metalurgia, del trabajo del cuero y del yeso, de la mecánica y de
la carpintería, así como de diversas técnicas artísticas como el dibujo, la pintura y
la escultura sobre mármol y bronce. Igualmente, recibió formación en habilidades
como la preparación de los colores, el grabado y la pintura de los frescos. Al darse
cuenta del talento excepcional que tenía Leonardo, Verrocchio decidió confiarle a su
alumno terminar algunos de sus trabajos.
PAISAJE DEL VALLE DEL ARNO. Este dibujo a pluma, el más antiguo que
conservamos de Leonardo, está fechado de su puño y letra empleando escritura
especular: «El día de Nuestra Señora de las Nieves,5 de agosto de 1473». Se ha
identificado la comarca reproducida en él como una región montañosa próxima a Vinci.
Al dorso aparece la anotación «Estoy satisfecho [...]». Galería Uffizi, Florencia.
La formación recibida durante su aprendizaje en el taller de Verrochio va más
allá y se extiende a otros ámbitos culturales. Estudió cálculo algorítmico y mostró el
buen conocimiento que tenía citando a los dos abaquistas florentinos más
relevantes,Paolo dal Pozzo Toscanelli y Leonardoo Chernionese. Posteriormente,
Leonardo mencionó la Nobel opera de arithméticade Piero Borgi, impresa
en Venecia en 1484, y que representa perfectamente el saber de estas escuelas
de abaquistas.
No se conoce la existencia de ninguna obra de Leonardo durante la época en
que trabajó con Verrocchio. Según Vasari, únicamente colaboró en una pintura
llamada Bautismo de Cristo (1472-1475). Por otra parte, según la leyenda, Verrocchio
abandonó la terminación de la obra cuando se sintió superado por la calidad del joven
Leonardo, que dejó su toque magistral en un pequeño ángel presente en la
obra. También, de acuerdo con la tradición de que era el aprendiz quien debía posar,
Leonardo habría servido de modelo para el David de Verrocchio, una estatua en
bronce. Del mismo modo, también se supone que es el retrato de Leonardo el que
representa al arcángel Rafael en la obra Tobías y el ángel de Verrocchio.
En 1472, a la edad de veinte años, apareció registrado en el Libro
rojo del Gremio de San Lucas, el célebre gremio de losartistas y doctores en medicina,
que en Florencia se agrupaba con la denominación de la "Campagnia de pittori". De
esta época deriva uno de sus primeros trabajos conocidos, el Paisaje del valle del
Arno o Paisaje de Santa Maria della neve(1473), un dibujo hecho con pluma y tinta.
Fue así como comenzó su carrera de pintor con obras ya destacables como La
Anunciación (1472-1475), y mejoró la técnica del sfumato hasta un punto de
refinamiento nunca conseguido antes de él.
En el año 1476 siempre aparece mencionado como ayudante de Verrocchio, ya
que, incluso después de que su padre le ayudase a tener su propio taller, él continuó
colaborando con Verrocchio debido a que le profesaba un gran afecto. Durante este
período, recibió encargos personales y pintó su primer cuadro, La Virgen del
clavel (1476). El archivo judicial de este mismo año recoge el dato de que él y tres
hombres más fueron acusados en un caso de sodomía, práctica que en aquella época
en Florencia era ilegal, pero todos fueron absueltos. Este documento, que partía de
una acusación anónima, no permite afirmar categóricamente que Leonardo
fuera homosexual.
Pronto Leonardo también destacó como ingeniero. En 1478, se ofreció para levantar la
iglesia octagonal de San Juan de Florencia. En ese año Leonardo contaba con 26
años, y fue cuando se alejó de lado de su maestro después de haberlo superado
brillantemente en todas las disciplinas. De esta manera se convirtió en un maestro
pintor independiente.La Adoración de los magos (ca. 1481-1482). En marzo de 1481
Leonardo recibió
el encargo de este óleo (hoy en la Galería Uffizi de Florencia) de los monjes de San
Donato de Scopeto, en Florencia. El administrador del monasterio era el padre de
Leonardo, y es muy probable que indujese a los monjes a contratar a su hijo.
En 1481 el monasterio de San Donato le encargó la Adoración de los magos,
pero Leonardo nunca acabó éste cuadro, probablemente decepcionado o humillado por
no haber sido elegido por el papa Sixto IV para decorar la capilla Sixtina del Vaticano,
en Roma, donde había una fuerte competencia entre varios pintores.
El neoplatonismo, que en aquel tiempo estaba de moda en Florencia, pudo
desempeñar también un importante papel en la decisión de su marcha a una ciudad
más abierta, académica y pragmática como Milán. Probablemente en éste nuevo
entorno estaba más en consonancia con su espíritu, que se basaba en un desarrollo
empírico de sus múltiples experimentos.
Leonardo pintó La Virgen de las Rocas (1483-1486) para la confraternidad de la
Inmaculada Concepción, que iría a la capilla San Francesco el Grande de Milán. Este
cuadro fue el origen de un conflicto entre el autor y los propietarios que duró varios
años. Leonardo obtuvo el derecho de poder copiar la obra, pero posteriormente se
inició un problema legal con esto. El problema no se resolvió hasta que hubo
decisiones judiciales y la intervención de algunos amigos, terminando con dos
versiones de la obra.
Estudio de un caballo de Leonardo. Los dibujos o bosquejos hechos por él
resaltaban su magnífico arte. Éste es considerado un predecesor del dibujo del valle
Arno. En Florencia el trabajo de Leonardo no pasó inadvertido. Lorenzo de Médici se
enteró de que Leonardo había creado una lira de plata en forma de cabeza de caballo.
Impresionado por la calidad de su trabajo, envió a Leonardo con ella a Milán como
emisario florentino, y también para que trabajara para el mecenas y duque de
Milán, Ludovico Sforza.El objetivo de esta maniobra era el de mantener buenas relaciones
con este
importante rival. Probablemente fue acompañado por el músico Atalante Migliorotti.
Además le escribió una carta al duque, carta que se encuentra en elCodici Atlántico, y
en la que describe las numerosas y variadas habilidades de Leonardo en el ámbito de
la ingeniería y le informa de que también es pintor. Por ello la principal ocupación de
Leonardo a partir de entonces fue la de ingeniero, siguiendo la tradición de los
ingenieros que le precedieron.
Leonardo aparecía en la lista de los ingenieros de los Sforza y cuando fue
enviado a Pavía, el 21 de junio de 1493, lo hizo con el título de «ingéniarius ducalis».
Sforza le encargó la realización de diversas tareas, dándole el mítico título de «Apeles
florentino», reconocimiento reservado únicamente a los grandes pintores. De esta
manera se dedicó a «organizar fiestas y espectáculos con decoraciones suntuosas» en
el palacio e inventando tramoyas que maravillaban al público, como en la boda de
Ludovico Sforza y Beatriz de Este y para la de Ana Sforza y Alfonso I de Este. También
pintó varios retratos de la corte de Milán. Este contacto de Leonardo con las élites
ilustradas de Milán fue importante porque le hicieron darse cuenta de las lagunas que
había en su formación.
Se ocupó tanto del estudio para la cúpula de la Catedral de Milán, como de la
realización de la versión en arcilla para el molde de «Il Cavallo», una imponente estatua
ecuestre en honor de Francisco I Sforza, el padre de Ludovico Sforza. Iba a hacerse
con setentatoneladas de bronce, hecho que constituía una verdadera proeza técnica
para la época. La estatua permaneció inacabada durante varios años. Cuando
Leonardo acabó la versión en arcilla para el molde y ya tenía hechos los planes para el
proceso de fundición, el bronce fue utilizado para la fabricación de cañones, puesto que
hubo que defender la ciudad de la invasión de Carlos VIII de Francia.
En 1490 participó en una especie de congreso de arquitectos e ingenieros,
reunidos para debatir algunos aspectos del acabado de la cúpula de la catedral de
Milán. Allí conoció a un ingeniero de renombre, Francesco di Giorgio Martini, que le
recomendó ir a Parma a consultar con Giovanni Antonio Amadeo y Luca Fancelli, para
aclarar determinados aspectos de la construcción de la catedral. En esta época
Leonardo reflexionó sobre proyectos técnicos y militares. Mejoró los relojes, el telar, las
grúas y muchas otras herramientas. Estudió también el urbanismo y propuso planos de
ciudades ideales. Se interesó por la disposición hidráulica y un documento de 1498 lo
cita como ingeniero y encargado de los trabajos en ríos y canales. En 1495 una lista
detallada de los gastos relativos a un funeral sugieren la muerte de su madre Caterina.
Hacia 1490 creó una academia que llevaba su nombre, en la que durante unos
años enseñó sus conocimientos, anotando todas sus investigaciones en pequeños
tratados. Pintó el fresco de la La última cena (1494-1498) para el convento dominico de
Santa Maria delle Grazie. En 1496 llegó a Milán Luca Pacioli y estableció una gran
amistad con Leonardo, que realizó para él las tablas que se grabaron en su obra La
Divina proportione. Un poco más tarde, en 1498, construyó el techo del castillo de los
Sforza.
En 1499 las tropas de Luis XII de Francia conquistaron el Ducado de
Milán destituyendo a Ludovico Sforza, que huyó a Alemania con su sobrino Maximiliano
I.
28 El 6 de octubre entró en la ciudad Luis XII y reivindicó sus derechos a la sucesión
de los Visconti.
28 Leonardo se encontró una mañana con que los franceses estaban
usando su modelo de arcilla a escala real del caballo de la estatua ecuestre de
Francisco Sforza como blanco para sus entrenamientos de tiro, quedando totalmente
destruida. Luis XII consideró la posibilidad de cortar el muro donde se encontraba La
última cena para llevársela a Francia, como también lo pensó Napoleón
Bonaparte siglos más tarde. Con la caída de los Sforza Leonardo quedó al servicio del
conde de Ligny, Luis de Luxemburgo, que le pidió que preparase una relación sobre el
estado de la defensa militar de la Toscana. El 14 de diciembre Leonardo hizo depositar
600 florines en el Hospital de Santa Maria Nuova de Florencia, que actuaba como
banca. El retorno inesperado de Ludovico Sforza modificó sus proyectos y huyó de
Milán con su asistente Salai y el matemático Luca Pacioli.
Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo
temporal, durante esos años caracterizados por los conflictos bélicos, las intrigas, las
preocupaciones y las calamidades. La dio por terminada, aunque él, eterno
insatisfecho, declaró que tendría que seguir trabajando en ella. Fue expuesta a la vista
de todos y contemplada por muchos. La fama que el «gran caballo»Nota 7 había hecho
surgir se asentó sobre cimientos más sólidos. Desde ese momento se le consideró sin
discusión uno de los primeros maestros de Italia, si no el primero. Los artistas acudían
desde muy lejos al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, miraban la
pintura con detenimiento, la copiaban y discutían. El rey de Francia, al entrar a Milán,
acarició la idea de desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país. Durante
su realización se tejieron innumerables leyendas en torno al maestro y a su obra. Los
relatos de Bandello y Giraldi, dedicados por lo demás a temas radicalmente distintos,
recogen también la génesis de La Última Cena.
20 23 11 12
De Venecia a Florencia (1501-1508)
En marzo de 1499, Leonardo trabajó como arquitecto e ingeniero militar para los
venecianos que querían construir protecciones en su ciudad.7 12 Por este motivo,
elaboró sistemas para defender la ciudad de un posible ataque naval de los turcos y,
entre sus propuestas, destaca la invención de un tipo de escafandra submarina con un
casco rudimentario. Los turcos no atacaron y el invento nunca fue utilizado. A finales de
abril, volvió a Florencia y allí, después de hacer un estudio sobre los cursos de agua en
el Friuli, propuso un sistema de esclusas para hacer posible el levantamiento del curso del
río Isonzo y así poder inundar toda una región que cubría las cercanías
de Venecia.
La batalla de Anghiari de Peter Paul Rubens es una de las copias de la obra
original de Leonardo. La cual retoma «La lucha por el estandarte», la parte central del
fresco de Leonardo.
Regresó a Venecia en abril de 1500 para permanecer ahí durante un par de
meses después de haber estado en Mantua en compañía del fraile matemático Luca
Pacioli. En Mantua destacó por un retrato que hizo a Isabel de Este. Una carta del 4 de
abril de 1501 en la que Pierre de Nuvola responde a la duquesa de Mantua, en relación
a Leonardo afirma que «sus estudios matemáticos lo han alejado de la pintura»;
Leonardo continuaba llevando a cabo grandes investigaciones.11 En 1501, recibe en el
convento de la Santissima Annunziata la aprobación para hacer un boceto preparatorio
de lo que sería La Virgen y el Niño con santa Ana y san Juan Bautista, una obra que
provocó tal admiración que «hombres y mujeres, jóvenes y viejos» acudían a
observarla «como si estuvieran participando en un gran festival».14 30 Realizó una breve
estancia en Roma, en lavilla Adriana, en Tívoli.28 Estuvo trabajando en la Virgen de los
husos, un encargo de Florimond Robertet, el secretario de Estado de Luis XII de
Francia.
En 1502, fue solicitado por el príncipe César Borgia, duque de Valentinois e hijo
del papa Alejandro VI, y obtuvo el cargo de «capitán e ingeniero general».7 Se quedó
en las Marcas y en la Emilia-Romaña para inspeccionar las fortalezas y los territorios
recientemente conquistados, llenando sus cuadernos de múltiples observaciones,
cartas, croquis de trabajo y copias de obras consultadas en las bibliotecas de las
ciudades que él visitaba.11 Allí se reencontró con Nicolás Maquiavelo, «espía» de
Florencia al servicio de los Borgia.
El 18 de octubre de 1503, regresó a Florencia, donde ejerció las funciones de
arquitecto e ingeniero hidráulico.11 Se volvió a inscribir en el gremio de San Lucas y le
dedicó dos años (1503-1505) a la preparación y ejecución de La batalla de Anghiari,
una pintura mural imponente de siete por diecisiete metros,7 28 mientras Miguel Ángel
pintaba La batalla de Cascina en la pared opuesta.28 Las dos obras se han
perdido. La obra de Miguel Ángel se ha conocido a partir de una copia de Aristotole da
Sangallo de 1542,
31 y la pintura de Leonardo la conocemos a partir de croquis
preparatorios y de varias copias de la sección central, de las cuales sin duda la más
destacada es la de Rubens.
7 Parece ser que las causas de la alteración de la obra
fueron el fuego que se utilizó para secar más rápidamente la pintura o la calidad del
material usado; posteriormente fue recubierta, probablemente por un fresco de Giorgio
Vasari.
A menudo, se consultaba a Leonardo como experto, como, por ejemplo, para
estudiar la estabilidad del campanario de San Miniato al Monte y en el momento de la
elección del emplazamiento del David de Miguel Ángel,28 sobre lo cual su opinión se
oponía a la de éste. Fue en este período cuando presentó a la ciudad de Florencia su
proyecto de desviación del río Arno, destinado, por una parte, a crear una vía
navegable capaz de conectar a Florencia con el mar y, por otra, a permitir el control de
las terribles inundaciones.11 Este período fue importante para la formación científica de
Leonardo.
De Milán a Roma
La Monalisa es el retrato que más literatura ha generado a lo largo de toda
lahistoria del arte; ha dado origen a cuentos,novelas, poemas y hasta óperas. Fue una
obra famosa desde el momento de su creación; el joven Rafael bebió en ella. Su
sonrisa ha hecho correr ríos de tinta. Se ha visto en ella crueldad y se le ha considerado la
sonrisa despiadada de la mujer que esclaviza al hombre. Otros se han
sentido deslumbrados por su encanto, por su dulzura. Para Walter Pater simboliza el
«espíritu moderno con todos sus rasgos patógenos». Existe también una explicación
más prosaica, fundada en las propias anotaciones de Leonardo: el maestro hizo aflorar
esa expresión a su modelo con el tañido del laúd.Citemos a Vasari: «Monalisa era muy
bella y Leonardo, mientras pintaba, procuraba que siempre hubiese alguien cantando,
tocando algún instrumento o bromeando. De esta manera, la modelo se mantenía de
buen humor y no adoptaba un aspecto triste, fatigado [...]».
En 1504, volvió a trabajar en Milán, que, en aquella época, se encontraba bajo el
control de Maximiliano Sforza gracias al apoyo de los mercenarios suizos. Muchos de
los alumnos y los interesados en la pintura conocieron o trabajaron con Leonardo en
Milán; entre ellos, cabe destacar a Bernardino Luini, Giovanni Antonio
Boltraffio y Marco d'Oggiono.
Nota 8 Su padre murió el 9 de julio y Leonardo fue apartado
de la herencia debido a su ilegitimidad; sin embargo, más tarde su tío haría de él su
heredero universal. El mismo año, Leonardo realizó estudios anatómicos e intentó
clasificar sus innumerables notas. También es la época en que empieza a trabajar
en La Gioconda (1503-1506, y después 1510-1515) obra habitualmente considerada
como un retrato de Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna Lisa del
Giocondo. Sin embargo, hay numerosas interpretaciones sobre este cuadro que aún
son motivo de debate y discusión.
En 1505, se dedicó a estudiar el vuelo de los pájaros, y es también cuando
redacta el Códice sobre el vuelo de los pájaros.
32 A partir de entonces, observaciones,
experiencias y reconstrucciones se sucedieron con mucha intensidad.11 Un año más
tarde, el gobierno de Florencia le permitió reunirse con el gobernador francés de
Milán, Carles d'Amboise, que lo retuvo con él pese a las protestas por parte de
Florencia. Leonardo quedó en medio de disputas entre franceses y toscanos, y fue
presionado por el tribunal para que acabara La Virgen de las rocas con su
alumno Ambrogio de Predis, mientras se encontraba trabajando en La batalla de
Anghiari.
En 1507, Leonardo quedó como único heredero de su tío Francesco, pero los
hermanos de Leonardo empezaron un procedimiento para modificar el testamento.
Leonardo apeló a Charles d'Amboise y a Florimond Robertet para que
intervinieran en su favor;28Luis XII regresó a Milán y Leonardo se convirtió de nuevo en
el organizador de las fiestas que se celebraban en la capital lombarda.En 1508, vivió
con el escultor Giovanni Francesco Rústica en casa de Piero di Braccio Martelli, en
Florencia, pero luego se marchó y se fue a vivir a Milán, en la Porta Orientale, en la
parroquia de Santa Babila.7
Luis XII volvió pronto a Italia y en mayo de 1509 entró en
Milán. Pronto dirigió sus ejércitos contra Venecia y Leonardo siguió al rey en calidad de
ingeniero militar, y asistió a la batalla de Agnadel. En 1511, murió el gobernador
Charles d'Amboise y, en 1512, tras la batalla de Rávena, Francia se marchó del territorio
italiano. Este segundo período milanés le permitió a Leonardo profundizar en
sus investigaciones de ciencia pura. En 1509, la aparición de De expendentis te
fugiendis rebus de Giorgio Valla tuvo una gran influencia sobre él.
En septiembre de 1513, Leonardo da Vinci se fue a Roma, donde trabajó para
el papa León X, miembro de la rica y poderosa familia de los Médicis. En aquellos
momentos, en el Vaticano, Rafael y Miguel Ángel tenían mucho trabajo.7 Ante el éxito
de Sangallo, Leonardo no recibió más que encargos modestos y parece que no
participó ni en la construcción de las numerosas fortalezas romanas, poco relevantes, y
ni en el embellecimiento de la capital. Tampoco tuvo éxito su pintura y se refugió en
otra especialidad, quizá su preferida, la hidráulica, y realizó un proyecto de secado de
las Lagunas Pontinas, que pertenecían al duque Juliano II de Médicis.
11 En 1514,
realizó la serie de los Diluvios, que fue una respuesta parcial a la gran obra que Miguel
Ángel desarrolló en labóveda de la Capilla Sixtina. «Los Médici me han creado, los
Médici me han destruido», escribió Leonardo, sin duda para subrayar las decepciones
de su estancia en Roma. Pensó que nunca se le dejaría mostrar su capacidad con la
realización de un encargo importante. Probablemente también era conocida su
inestabilidad, su fácil desánimo y su dificultad para finalizar lo que había empezado.
Últimos años en Francia
Anciano pensativo. Hay quien considera que este dibujo es el último autorretrato
de Leonardo. Biblioteca Real, Windsor. En septiembre de 1515, el nuevo rey de
Francia, Francisco I, reconquistó Milán tras vencer en la batalla de Marignan.
34 En
noviembre del mismo año, Leonardo diseñó un nuevo proyecto sobre la disposición del
barrio de Médici en Florencia. El 19 de diciembre, estuvo presente en la reunión entre
Francisco I y el papa León X que se celebró en Bolonia. Francisco I le encargó a
Leonardo un león mecánico que pudiera andar y con el detalle de que el pecho se
abriera para mostrar la flor de lis.
14 No se sabe para qué ocasión fue concebido este
león, pero puede tener relación con la llegada del rey a Lyon, o con las conversaciones
de paz entre el rey y el papa.En 1516 se marchó a Francia junto con su ayudante, el pintor
Francesco Melzi, y
quizás también con Salai;33 su nuevo mecenas y protector, el rey
de Francia Francisco I, los instaló en la casa donde éste vivió en su niñez,
el Castillo de Clos-Lucé, cerca del castillo de Amboise. Fue el «primer pintor,
primer ingeniero y primer arquitecto del rey»,10 y recibió una pensión de 10.000
escudos.7 En la corte francesa estaban más interesados por el pintor que por
el ingeniero, lo cual en Italia era lo más valorado.11 El hecho de que Francisco I
le diera el castillo de Clos-Lucé se puede entender como un mensaje a Leonardo
para que «hiciera lo que él quisiera». No fue el primer artista en recibir este
honor, pues Andrea Solario y Giovanni Giocondo lo habían precedido unos años
antes.
El rey estaba fascinado con Leonardo y lo consideró como un padre. La
casa y el castillo de Amboise estaban conectados por un paso subterráneo que
permitía al soberano rendir visita al artista y hombre de ciencia con total
discreción. Leonardo proyectó el palacio real de Romorantin, que Francisco I
pretendía erigir para su madre Luisa de Saboya: sería una pequeña ciudad, para
la cual previó el desvío de un río que la enriqueciera con agua y fertilizase la
campiña vecina. En 1518 participó en las celebraciones del bautizo del Delfín y
de las bodas de Lorenzo de Médici con una sobrina del rey francés. Ese mismo
año Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante (el 19 de
enero de 1524) perecería en un duelo.
Asistentes y alumnos
Salai sirvió de modelo para elSan Juan Bautista, pintado entre 1513 y 1516. Se ha
llegado a considerar que Leonardo tenía una relación con éste.7 14 Sin embargo, era
uno de sus alumnos preferidos, lo cual le hacía estar con él casi todo el tiempo.15
Gian Giacomo Caprotti da Oreno, llamado «il Salaino» (« el diablillo») o Salai, fue
descrito por Giorgio Vasari como «un simpático y bello jovencito de cabellos finos y
ensortijados, que encantaba a Leonardo». Salai entró al servicio de Leonardo
en 1490 a la edad de 10 años. Su relación no fue fácil. Un año más tarde, Leonardo
hizo una lista de las faltas del joven, y lo calificó de «ladrón», «mentiroso», «obstinado»
y de «glotón». El «pequeño diablo» había robado dinero y objetos de valor en al menos
cinco ocasiones, y había dilapidado una fortuna en ropa, llegando a comprar veinticinco
pares de zapatos.46 Sin embargo, las anotaciones de Leonardo de los primeros años de
su relación con el joven contienen numerosas imágenes del adolescente. Salai fue su
oficial, sirviente y asistente durante los treinta años siguientes.
En 1506, Leonardo tomó como alumno a Francesco Melzi, de 15 años, hijo de
un aristócrata lombardo. Melzi se convirtió en compañero de la vida de Leonardo, y es
considerado su alumno favorito. Permaneció en Francia con Leonardo y Salai, y estuvo
con el maestro hasta su muerte.15 Salai abandonó Francia en 1518 y regresó a Milán,
donde construyó una casa en el viñedo de una finca de Leonardo que finalmente el
pintor dejó en herencia. En 1525, Salai murió violentamente, quizás asesinado o a
consecuencia de un duelo.
Salai ejecutó un cierto número de cuadros bajo el nombre de «Andrea Salai»,
pero, si bien Giorgio Vasari pretendió que Leonardo «le enseñó muchas cosas sobre la
pintura», su obra se considera menos valiosa que la de otros alumnos de Leonardo,
como Marco d'Oggiono o Giovanni Antonio Boltraffio. En 1515, pintó una versión
desnuda de La Gioconda, llamada «Monna Vanna». A su muerte en1525,
la Gioconda propiedad de Salai se tasó en 105 liras, lo que supone un valor
excepcionalmente elevado para un retrato de talla pequeña.
Giovanni Antonio Boltraffio y Marco d'Oggiono formaron parte del taller de Leonardo
cuando éste regresó a Milán, teniéndose constancia de la existencia de numerosos
alumnos, como Ambrogio de Predis, Bernardino dei Conti, Francesco
Napoletano o Andrea Solario, estos últimos menos conocidos.
Vida privada
Leonardo da Vinci tuvo muchos amigos que gozaron reconocimiento en sus
respectivos campos o tuvieron una influencia importante en su época. Por ejemplo, el
matemático Luca Pacioli, con el que colaboró en un libro, Cesar Borgia, a cuyo servicio
pasó dos años, Lorenzo de Médici o el médicoMarcantonio della Torre. Conoció
a Nicolás Maquiavelo, con quien tuvo una estrecha amistad, y a su rival Miguel Ángel.
Entre sus amistades también se encontraban Franchino Gaffurio e Isabel de Este.
Leonardo no pareció haber tenido relaciones estrechas con ninguna mujer, salvo
Isabel, de quien hizo un retrato en el transcurso de un viaje que le llevó a Mantua,
retrato que parece haber sido la base para un cuadro, hoy perdido.15 Fue también
amigo del arquitecto Jacopo Andrea da Ferrara hasta su asesinato.28
Más allá de la amistad, Leonardo guardó su vida privada en secreto. Su vida,
sus capacidades extraordinarias de invención, su «excepcional belleza física», su
«gracia infinita», su «gran fuerza y generosidad», la «formidable amplitud de su
espíritu», tal y como las describe Vasari han despertado la curiosidad. Numerosos
autores han especulado sobre los diferentes aspectos de la personalidad de Leonardo.
Su sexualidad ha sido objeto de estudios y análisis. Esa tendencia comenzó a
mediados del siglo XVI y se incrementó en el transcurso de los siglos XIX y XX,
pudiéndose destacar entre los estudiosos a Sigmund Freud.
Las relaciones más íntimas de Leonardo fueron con sus
alumnos: Salai y Francesco Melzi. Melzi dejó escrito que los sentimientos de Leonardo
eran una mezcla de amor y de pasión. Después del siglo XVI se han descrito esas
relaciones como eróticas. A partir de entonces se ha escrito mucho sobre esa
presunta homosexualidad y sobre el papel de ésta en su arte, en particular en la
impresión andrógina que se manifiesta en su Baco, y más concretamente en alguno de
sus dibujos.
Leonardo fue un apasionado admirador de la naturaleza y los animales, hasta el punto
de convertirse en vegetariano.
51 y de comprar aves enjauladas para luego ponerlas en
libertad.52 Fue también un excelente músico. Es bien conocido que Leonardo era zurdo,
lo que explicaría la utilización que hacía de la escritura especular.
Pintura
Cartón de Burlington House.
A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó
como científico e inventor en los últimos años, su fama ha descansado sobre sus
creaciones como pintor de varias obras, autentificadas o que se le atribuyen, y que han
sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal.
Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por los
estudiantes, y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los
especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras
que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el
conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la
utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la
forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones
gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras
y luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La
Última Cena y La Virgen de las rocas.
Década de 1480
En la década de 1480, Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a
trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de
composición. Desgraciadamente, dos de las obras nunca fueron terminadas, y la
tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. Uno de
estos cuadros fue el de San Jerónimo. Liana Bortolon, asocia este cuadro a un período
difícil de la vida de Leonardo, los signos de la melancolía se pueden leer en su diario:
«Pensaba que aprendía a vivir, aprendía sólo a morir». La fijación audaz e innovadora
de la composición de San Jerónimo, con los elementos del paisaje y el drama personal,
aparece igualmente en otra gran obra inacabada, la Adoración de los Magos, un
encargo de los frailes de San Donato en Scopeto.
Fue un cuadro muy complejo, y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios
preparatorios, incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de
arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. En 1480, el pintor florentino hizo
una obra que ha sido muy famosa, La dama del armiño. Pero, en 1482, a petición
de Lorenzo de Médici, Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico
Sforza. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. La tercera obra
importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos
versiones, ambas atribuidas a Leonardo ), que fue un encargo de la cofradía de
la Inmaculada Concepción de Milán. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya
construido,34 y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los
Magos, pese a tener sólo cuatro personajes, y describe un paisaje en lugar de un fondo
arquitectónico. El cuadro pudo ser terminado, se hicieron dos versiones de la pintura: la
que ha quedado en la capilla de la cofradía, y una segunda versión hecha algunos años
más tarde, con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista.
Dibujos
Dibujo preliminar de La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.
Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue un dibujante muy
productivo; llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para
dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. Además de sus notas,
existen numerosos estudios de sus pinturas, del que algunas son bocetos preparatorios
de obras como Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocasy La Santa Cena. Su
primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473, donde se puede observar
el río, las montañas, el castillo Montelupo y, más allá, las explotaciones agrícolas
hechas con gran detalle.
Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio, un estudio de las
proporciones del cuerpo humano, el Jefe del ángel, La Virgen de las Rocas y La Virgen,
el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista, que fue un gran dibujo (160x100 cm)
en yeso blanco y negro sobre un papel de color; en él utiliza la técnica sutil del
«sfumato». Este tema de Santa Ana, junto con el de la Sagrada Familia, predominaría
en la obra de Leonardo de 1500 a 1517. No parece que Leonardo hubiera hecho
ninguna pintura a partir de este dibujo, pero un cuadro bastante próximo es La Virgen,
el Niño Jesús y santa Ana.
Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios
«caricaturescos» que, aunque exagerados, parecen estar basados en la observación
de modelos vivos. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una
cara interesante, la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con
detenimiento.
Escultura
No ha llegado a nuestros días ninguna de sus esculturas. El proyecto escultórico
de Leonardo del que más se sabe es el de una estatua ecuestre que representara
a Francisco Sforza, padre de Ludovico el Moro. Sobrepasaba en tamaño las otras dos
estatuas ecuestres de bronce del
Renacimiento: Gattamelata de Donatello en Padua y Bartolomeo
Colleoni de Verrocchio en Venecia. Leonardo ejecutó en arcilla el modelo, conocido
como el "Gran Caballo". Estaba previsto que fuera una estatua en bronce, de
8 metros de altura, y se alzaría en Milán. Se prepararon 70 toneladas de metal para
moldearla. El monumento quedó sin acabar durante varios años, lo que no era inusual
en Leonardo.68 En 1495 el bronce se usó para fabricar cañones para el Duque en un
intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en
1495. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua
construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió.
El humanismo renacentista no ve polaridades mutuamente excluyentes entre la
ciencia y las artes. Los estudios de Leonardo en ciencias en ingeniería son tan
impresionantes e innovadores como su obra artística, y fueron registrados en sus
diarios y cuadernos de notas, que comprenden 13.000 páginas de texto y dibujos,
asociando arte y filosofía natural (precedente de la ciencia moderna). Tales notas eran
realizadas y puestas al día de manera cotidiana a lo largo de toda la vida y viajes de
Leonardo. De manera constante se esfuerza por hacer observaciones del mundo que le
rodea, consciente y orgulloso de ser, como él se definía, un «iletrado», autodidacta y
lúcido observador de fenómenos naturales a menudo alejados de lo que se aprendía en
la escuela.
Estos diarios están en su mayor parte redactados usando escritura especular,
también llamada "en espejo", lo que pudo haberse debido más a razones prácticas, por
ser este método de escritura más rápido, que a razones de cifrado, como se ha
sugerido tantas veces. Dado que Leonardo escribía con la mano izquierda, le resultaba
más cómodo hacerlo de derecha a izquierda. Sus notas y dibujos, estando fechados los
más antiguos en 1475, muestran una gran variedad de intereses y de preocupaciones,
incluso simples listas de la compra o de dinero prestado. Hay composiciones de
cuadros, estudios de detalles y de tapices, estudios sobre las expresiones
faciales, animales, disecciones, bebés, estudios de botánica y geología, máquinas de
guerra, máquinas voladoras y trabajos de arquitectura.
Estos carnets (inicialmente hojas volanderas de diferentes tamaños y tipos,
regalados a su muerte por sus amistades) han encontrado su lugar en colecciones
importantes como las expuestas en el Castillo de Windsor, en el Museo del Louvre, en
la Biblioteca Nacional de España, en la Biblioteca ambrosiana de Milán, o el Victoria
and Albert Museum y laBritish Library de Londres. La British Library ha puesto en
internet una selección (BL Arundel MS 263). El Codex Leicester o Codex Hammer es el
único gran trabajo de estas características que se encuentra en manos privadas. Fue
comprado por Bill Gates por la cantidad récord de 30.802.500 dólares, en Christie's,
Nueva York, 11 de noviembre de 1994.
Ingeniería e inventos
El tornillo aéreo (arriba), 1486, considerado como el antecesor del helicóptero.
(abajo) Experimento sobre la fuerza de sustentación de un ala. Cuántas biografías se
habrán escrito que sólo mencionan esta actividad científica o técnica para mostrar la
extensión de un saber que se pretende universal. Todo esto sólo pudo hacerse
penosamente, por una búsqueda constante de lo que habían escrito los antiguos o los
predecores inmediatos. Y a falta de conocer todo este pasado que lo había formado, se ha
presentado a Leonardo como un inventor fecundo Los ingenieros del Renacimiento,
Bertrand Gille.
Leonardo da Vinci se inscribe en la corriente tecnicista del Renacimiento y, como
tal, tuvo predecesores inmediatos o más lejanos entre los que se puede citar a Konrad
Kyeser, Taccola, Roberto Valturio, Filippo Brunelleschi, Jacomo Fontana o Leon
Battista Alberti, al cual probablemente le debe mucho. Algunos de ellos fueron
personalidades más potentes, con un espíritu aún más completo y una curiosidad aún
más amplia que los de Leonardo. Fue el caso por ejemplo de Francesco di Giorgio
Martini, que fue su superior durante la construcción del Duomo de Milán y del cual
Leonardo tomó muchas cosas. Probablemente por estar menos ocupado que Martini
debido a una lista menor de pedidos, Leonardo fue a la vez más prolijo y sobre todo
capaz de un cambio de método.
Junto a Herón de Alejandría, se considera a Leonardo un precursor importante
de un cierto número de máquinas modernas. Sin embargo, más allá del asombro que
provoca la imaginación prospectiva del autor, se puede constatar rápidamente que el
funcionamiento real de las máquinas no debió ser su principal preocupación. Al igual
que el monje Eilmer de Malmesbury, que en el siglo XI olvidó de poner una cola a su
máquina voladora, los inventos de Leonardo chocan con numerosas dificultades: el
helicóptero habría girado sobre sí mismo como una peonza, el buzo se habría asfixiado
y el barco de palas nunca habría podido avanzar. Sin embargo igualmente se ha
postulado que errores específicos en sus diseños pueden haber sido realizados
intencionalmente por Leonardo con el objetivo de evitar la contrucción viable de sus
artefactos por otras personas. En una carta dirigida a Ludovico Sforza, pretende ser
capaz de construir todo tipo de máquinas tanto para la protección de ciudades como
para su asedio. Tras su fuga a Venecia en 1499, encontró empleo como ingeniero y
desarrolló un sistema de barreras móviles para proteger la ciudad de los ataques
terrestres. También proyectó el desvío delrío Arno para irrigar los campos toscanos,
facilitó el transporte e incomodó el acceso marítimo a Pisa, la rival de Florencia.
DONATO DI BETTO BARDI
Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466 fue un
famoso artistay escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista
Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del Renacimiento. Donatello se
destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el
tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un
mínimo plano, denominándose con el nombre destiacciato, es decir «relieve aplanado o
aplastado». El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia,
fue su primera obra documentada entre 1444 y 1446. En los años sucesivos realizó
numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y
ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas
en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en
diciembre de 1466.
Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo
del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua
ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo
dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.
Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes
estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La
gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan
vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional, el estilo vigente en
Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la
concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San
Jorge, su primera obra famosa, de la que Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de
moverse dentro de la piedra».
Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de
1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en
relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare
Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros pasos en el
difícil arte de la fundición en bronce. El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430-
1432 condicionó de manera decisiva toda su producción posterior, ya que le brindó la
oportunidad de conocer en directo el arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia
comenzó la famosa Cantoría para la catedral, en la que recreó libremente algunos de
los motivos clásicos admirados en Roma. Poco posterior es su escultura exenta más
famosa, elDavid en bronce, comparable en ciertos aspectos alSan Jorge de su etapa
anterior.
Donatello fue el hijo de Niccoló di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació
en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó
en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por
los cardadores de lana.Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde
(1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó
en otras acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte
y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante
y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello.
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la
fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la
cama y sin poder trabajar. Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su
enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la
tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se
encontraba Andrea della Robbia. El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el
escultor Raffaello Romanelli.
A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su
casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión
parece más bien relacionada con su total indiferencia en los asuntos financieros, que
en toda su vida demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas
anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor
apogeo de trabajo en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus
ayudantes podían aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que
recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte
Cosme de Médicis le había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su
vida.
El artista, según Giorgio Vasari, fue educado en la casa de la familia Martelli; y,
es cierto que recibió su primera formación, en un taller de orfebrería. Entre 1402 a 1404
viajó a Roma con Brunelleschi, para estudiar el arte de la Antigüedad. Vieron gran
cantidad de ruinas antiguas que pudieron estudiar y copiar para posteriormente
inspirarse en ellas. Vasari afirma que hacían excavaciones en busca de «trozos de
capiteles, columnas, entablamentos y restos de edificios».7 Su estancia en Roma fue
decisiva para el completo desarrollo del arte italiano en el siglo XV, fue durante ese
periodo que Brunelleschi estudió las medidas de la cúpula del Panteón y de otras
construcciones romanas. Las construcciones de Brunelleschi y los monumentos de
Donatello fueron la expresión suprema del espíritu en la era en que la arquitectura y la
escultura ejercieron una potente influencia en los pintores de esta época.
Donatello, en 1404 regresó solo a Florencia, para trabajar en el taller de Lorenzo
Ghiberti, donde ayudó en la realización de la cera para la fundición de los modelos de
la puerta norte del Baptisterio de San Juan, hasta 1407. Esta actividad le permitió
adquirir los conocimientos fundamentales de joyería y orfebrería. De hecho, en 1412
existe una nota en el registro de la corporación de pintores que lo nombra como
orfebre.
En la actualidad, el profeta de la izquierda se atribuye, en mayoría, a Donatello,
sobre la base de comparaciones con otras obras de la misma época, como el David en
mármol. El hecho que la otra estatua es probablemente obra de Nanni di Banco, no es
incompatible con los documentos de la catedral, donde consta que Donatello recibió en
1406 y 1408 unos pagos, en recompensa por su trabajo en dos estatuas de profetas
(que no son descritas con detalle); en aquel momento los dos escultores estaban
asociados y participaban en la decoración de la Puerta de la Mandorla de la catedral.
En 1408 se le encargó un David en mármol de medida natural, y que muestra
una escultura más elaborada, para los contrafuertes del coro de la catedral; para el mismo
sitio le encargaron a Nanni di Banco otra estatua en la que debería representar
al profeta Isaías. Si se compara ambas esculturas se observa una flexión del cuerpo en
la de Isaías que continúa siendo gótica y que parece no tener un eje central, mientras,
la del David de Donatello, presenta un contrapposto perfecto. Donatello la realizó
en mármol con una altura de 190 cm, la gran meticulosidad del acabado nos recuerda
la influencia que aún tenía el autor del oficio adquirido durante su aprendizaje en el
taller de Ghiberti. Esta obra no se ha de confundir con una versión posterior sobre el
mismo tema del David que realizó en bronce. En este primer Davidtiene un rostro poco
expresivo, con una corona de amaranto, símbolo profano, y los miembros alargados
aún recordando el estilo gótico tardío, muestra una colocación de contraste, con el
punto de soporte en una pierna, correspondido con una torsión del tronco opuesta, con
lo que forma el clásico contrapposto, el detalle de las manos indican un estudio
profundo de anatomía. En 1416 fue trasladado al Palacio Vecchio y se constituyó como
emblema de la ciudad.
San Juan Evangelista, en el Duomo, Florencia
Entre 1409 y 1411 realizó la colosal figura sedente de San Juan Evangelista,
que hasta 1588 ocupó una hornacina en la fachada antigua de la catedral, al lado del
portal central, con otros tres evangelistas de autores diferentes: San Marcos de Niccolò
di Piero Lamberti, San Lucas de Nanni di Banco, San Mateo de Bernardo Ciuffagni.
Desde 1990 se encuentra colocada en una capilla del Duomo. En esta obra Donatello
dio expresión a su manierismo gótico tardío y no sólo con las referencias cruzadas con
la noble postura de las antiguas estatuas, sino buscando una verdadera humanidad en la
expresión del rostro del santo con la disposición frontal, probablemente influido por la
cabeza del Júpiter capitolino, hombros y torso geométricamente simplificados de
acuerdo con la concepción semicircular, en la parte inferior de la figura la estilización
favorece una naturalidad más acentuada, las manos son realistas y el ropaje que
envuelve las piernas aumenta los volúmenes de los miembros. La estatua con su carga
de fuerza contenida representó un importante modelo para el Moisés de Miguel Ángel.
San Jorge
El San Jorge del año 1417, con el tabernáculo obra también de Donatello, fue un
encargo del Gremio de fabricantes de armaduras; el resultado venía condicionado
porque, evidentemente, el gremio quería una obra donde tuviesen protagonismo las
armas y armaduras. La figura, ligeramente en rotación alrededor del eje central, se
basa en la superposición de tres líneas ovales: la cara con las cejas, el pecho y el
escudo. El trazo de la cabeza, en la dirección opuesta a la del torso, es un recurso del
artista para dinamizar la obra.
El bajorrelieve en piedra de la base, probablemente añadido dos años más
tarde, fue tallado con la técnica de stiacciato; es uno de los primeros ejemplos de una
perspectiva central de punto de fuga, con carácter horizontal y que converge en el
grupo central, con la representación de San Jorge salva a la princesa, sacado de La
leyenda dorada de Jacobus de Voragine. Las líneas de la capa, la armadura del santo y
las alas abiertas del dragón, que captan la atención de la mirada del espectador, están
en la línea del estilo gótico tardío. Pero la nueva concepción del espacio, que parece
extenderse más allá del marco del bajorrelieve, son también punto de referencia, como
también la innovadora función de la luz que sobresale del punto focal de la acción.
San Luis de Tolosa
San Luis de Tolosa lo realizó en el año 1423 en bronce dorado, esta pieza se
encuentra en el Museo dell'Opera de la Santa Croce, pero originalmente estaba en un
tabernáculo diseñado por Donatello. Este tabernáculo pertenecía a los güelfos; cuando
éstos perdieron poder, la tuvieron que vender, entre 1459 y 1460, fue comprada por la
corporación gremial de los comerciantes, que cambiaron la obra por el grupo
escultórico de La incredulidad de Santo Tomás de Andrea Verrocchio. Como se pudo
observar en una restauración de la escultura de San Luis, la construcción fue hecha a
base de piezas fundidas que se ensamblaban entre sí, la mitra y el báculo pastoral se
pueden quitar como piezas sueltas y la mano derecha del santo en posición de
bendecir, es un guante vacío.
Crucifijo
Hay otra referencia sobre un trabajo de esta primera época, de un crucifijo en
madera policromada, que se nombra en un informe de Vasari, con motivo de una
especial competición entre Brunelleschi y Donatello... hizo un Crucifijo de madera, que,
cuando lo hubo acabado, lo mostró a Brunelleschi,muy amigo suyo, para saber su
opinión. Este, que por las palabras de Donatello esperaba ver algo mucho mejor, al
mirarlo se sonrió. Y Donato le rogó, por la amistad que entre ellos había, que le dijese
su parecer. Por lo que Filippo, que era muy liberal, repuso que le parecía que había
puesto en la Cruz a un campesino y no un cuerpo semejante a Jesucristo, que era más
delicado y en todas sus partes el más perfecto de forma humana jamás creada.
Vasari.Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori-IV Donatello ante esta cruel
crítica invitó a Filippo Brunelleschi a producir un trabajo mejor que el suyo. Ante el
crucifijo realizado por su amigo, Donato fue leal y admitió que había sido vencido.
Su datación se coloca entre 1406 y 1408 y como en su obra de los pequeños
profetas, en su atribución hay algunas dudas expresadas creyendo que puede haber
sido realizado por Nanni di Banco, aunque esta teoría no tiene grandes seguidores. El
cuerpo del crucifijo de Donato está realizado según el deseo del comitente, la Orden de
San Francisco, con un realidad del sufrimiento humano y un patetismo para llegar al
pueblo llano, refleja la agonía de Cristo, con lo ojos parcialmente abiertos, la boca
abierta y el cuerpo relajado. Se encuentra en la Basílica de Santa Cruz (Florencia).
El profeta pensativo
El Profeta pensativo, instalado en el tercer orden del campanario de la catedral,
es del año 1418 y está realizado en mármol. Como pasa con el Profeta imberbe, no ha
sido posible identificar al personaje que representa. Su rostro tiene una gran semejanza
con el San Marcos de Orsanmichele, realizado por Donatello poco tiempo antes. Su
ejecución fue hecha con unos trazos que muestran la grandeza y la dignidad del
representado, con el típico gesto de actitud pensativa profunda que lo consigue el
artista, llevando la mano derecha como si estuviera mesándose la barba.22
Sacrificio de Isaac
Entre toda esta serie de esculturas sobre profetas, descuella como excepción —
por formar un grupo de dos personajes— la del Sacrificio de Isaac,
representa Abraham en el acto del sacrificio de su hijo Isaac, mientras los otros
profetas están con gestos meditativos y todos sin identificar, en este grupo se advierte
el movimiento en la cabeza girada de Abraham, como si estuviera pendiente de la
advertencia del ángel para que pare su sacrificio. Se cree que en la ejecución de esta
obra participó su ayudante Nanni de Bartolo.
Profeta Habacuc o Zuccone
El profeta Habacuc conocido popularmente como il Zuccone (el calabacín), fue
realizada la escultura para colocarla en el lado norte del campanario, una de la peores
caras para su visualización, pero una vez hecha la obra, los comitentes de la catedral
quedaron tan satisfechos, que cambiaron su colocación al lado oeste, parte que queda
en paralelo con la fachada de la catedral. En esta escultura, Donatello, realizó el retrato
de un personaje de Florencia llamado Barduccio y que el pueblo lo llamaba Zuccone,
es decir, calabacín, por su cráneo alargado y calvo y de aquí también el nombre
popular de la escultura. Al profeta, Donatello lo representó con una extrema delgadez y
con una larga túnica por donde se le aprecian los brazos desnudos con una excelente
anatomía, lo más impresionante, es el carácter que supo dar a la expresión del rostro,
con un intenso realismo.
Profeta Jeremías
Esta escultura del profeta Jeremías, fue la última realizada por Donatello para el
campanario de la catedral de Florencia, donde se colocó en la misma cara oeste que
el profeta Habacuc. Vasari en su Le Vite cuenta que Donatello empleó como modelo de
esta estatua a Francesco Soderini, un amigo florentino del escultor. La obra tiene una
gran expresividad en su rostro y un muestra un efecto general de grandeza y seriedad.
Obras en Siena
Festín de Herodes en mármol.
El Festín de Herodes en mármol del año 1437, ya había sido tratado este mismo
tema, con material de bronce anteriormente. En el de mármol, el tratamiento llega a un
alto grado de sutileza y difuminación, que demuestra hasta que punto había llegado el
autor, con el dominio en el relieve, con la resolución en la dificultad de la representación
de la parte arquitectónica, así como en las figuras que se encuentran
admirando la danza de Salomé, llena de sensualidad.32
La asociación con Michelozzo
En 1425 se inició la asociación entre el taller de Donatello y Michelozzo, que
duró hasta finales de los años treinta, con una serie de obras importantes en
cooperación. Michelozzo, fue un buen escultor y arquitecto y tenía diez años menos
que Donatello, mientras Donatello fue un indiscutible maestro de la escultura.
Michelozzo, antiguo discípulo de Brunelleschi, por lo general se dedicaba a la
resolución de asuntos relacionados con el aspecto social cotidiano y la arquitectura.
Monumentos fúnebres
Púlpito exterior de la catedral de Prato
tancia, la creación del púlpito exterior de la catedral de Prato, con la intención de
utilizarlo para la exposición de la reliquia de la Sagrado Cíngulo de la Virgen. En el
contrato, firmado por Michelozzo en nombre de ambos, se les da un plazo de ejecución
dentro de los siguientes quince meses, cláusula que se rebasó ampliamente, ya que
duró, a pesar de las reiteradas protestas de los comitentes, hasta finales de los años
treinta. La arquitectura se da por unanimidad a Michelozzo y todos los relieves con putti
a Donatello, al menos en el diseño, ya que la escultura se ha constatado que no es
siempre de la mano del maestro, seguramente, algunas se realizaron por los
numerosos ayudantes de que dispusieron. Las esculturas originales se conservan en
el Museo dell'Opera del Duomo (Prato) y se han colocado unas copias en el exterior.
Retrato de Niccolò da Uzzano.
Después de completar el púlpito, las pistas de la colaboración entre los dos
artistas se pierden. Michelozzo empezó a dedicarse cada vez más a la arquitectura,
convirtiéndose en el arquitecto de Cosme el Viejo, y Donatello siguió sin interrupción
con la creación de obras escultóricas.El retrato de Niccolò da Uzzano es
un busto en terracota policromada, que data de alrededor de 1432, a su vuelta del viaje
efectuado a Roma. Los retratos en forma de busto siguieron siendo utilizados en
el Quattrocento con la nueva concepción humanística que imponía la representación
con gran parecido físico, pero también con la afirmación de la personalidad del
retratado.
Según Leon Battista Alberti,el artista debía «caracterizar pero también
establecer relaciones armoniosas». Es posible que la petición le viniera del propio
Uzzano, ya que fue uno de los encargados de proponerle la realización de la tumba del
antipapa Juan XXIII. Sin embargo, parece que por las líneas tan marcadas del rostro,
fue realizado a partir de una mascarilla mortuoria. La calidad del modelado se compara
con algunas esculturas ejecutadas por Donatello, como las de losprofetas
Habacuc y Jeremías.
Cantoría de Santa María del Fiore
De regreso de su segundo viaje a Roma, Donatello firmó el contrato con
la catedral de Santa Maria del Fiore de Florencia con fecha 10 de julio de 1433 para
realizar una de las dos cantorías o tribunas de las que quería disponer la iglesia. La
primera, para la instalación del órgano, se pidió su realización en 1431 a Luca della
Robbia, para colocarla por encima de la puerta de la sacristía de las Misas en el
sureste del crucero. La de Donatello tenía que estar dispuesta simétricamente, en el lado
contrario sobre la otra sacristía de los Canónigos y estaba destinada para los
niños cantantes del coro de la catedral, fue terminada en 1439. Ambas tribunas se
conservan, los originales, en el Museo dell'Opera del Duomo.
La tribuna muestra la combinación de arquitectura, relieve y mosaico policromo,
mezclado con motivos clásicos de dentellones y guirnaldas. Descansa sobre cinco
fuertes ménsulas. En los putti copiados de antiguos sarcófagos romanos, consigue el
máximo movimiento y expresividad gracias a la composición por medio de líneas en
diagonal de los pequeños cuerpos de los ángeles, en contraposición con la verticalidad
de las columnas de separación de las escenas. Los pequeños ángeles bailan
alegremente, con distintas posiciones, en el friso entre las columnillas, en general,
representan los cantos en alabanza a Dios: Alabadle con clamor de cuerno, alabadle
con arpa y con cítara, alabadle con tamboril y danza, alabadle con laúd y flauta,
alabadle con retumbantes címbalos, alabadle con címbalos de aclamación (...).
Tabernáculo de la Anunciación Cavalcanti obra de Donatello.
Cerca del año 1435 realizó el tabernáculo de la Anunciación para el altar
Cavalcanti de la Basílica de Santa Cruz (Florencia). La obra muestra una desviación
del dinámico estilo usual de Donatello, que aquí creó una escena de gran dulzura y
belleza. La Anunciación, está insertada dentro de un tabernáculo renacentista,
compuesto por un basamento, con el apoyo de dos ménsulas que muestran los
escudos de los Cavalcanti, familia emparentada con Cosme de Médici y que fue la que
le encargó la obra a Donatello. La rica ornamentación de toques dorados acentúa las
líneas pero, no influye de ninguna manera en la calma y la concentración del encuentro
sacro.
Los dos protagonistas la Virgen y el Ángel, están realizados en alto relieve y
representados en el momento de la aparición angelical. La Virgen escucha con
sorpresa moderada y con una reacción controlada. Su figura está modelada según el
ideal anatómico de los antiguos, pero supera el arte antiguo en la expresión de una
emoción más profunda. El ángel, arrodillado ante ella, la mira con timidez y con
dulzura, estableciendo un estrecho diálogo visual que hace la escena extremadamente
ligera y viva.No se muestra ninguna alusión al jardín cerrado (hortus conclusus)
símbolo de la virginidad de María, y tampoco el ángel lleva el tradicional lirio (símbolo
de la pureza) así como no se aprecia la disposición de una cama, cosas bastantes
frecuentes en las representaciones de la Anunciación durante el Trecento y
el Quattrocento. El símbolo iconográfico de la paloma perteneciente al Espíritu Santo,
tampoco está presente.
Otras obras
Se considera a Donatello como un gran experto en el tema infantil, sobre todo en
la expresión de la alegría de los niños como ya había hecho en las tribunas de las
catedrales de Florencia y del Púlpito exterior de la catedral de Prato. En la figura
del Amorcillo danzanteguardada en el museo Bargello, esá tratada como un tema
clásico y con una interpretación de gran vivacidad y un magnífico realismo.
RAFFAELLO SANZIO
Nació en Urbino, 6 de abril de 1483 y murió en Roma, 7 de abril de 1520 ,
también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue
un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que
sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura
y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los
vestigios grecorromanos.Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un
niño prodigio por su
precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de
prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias
Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una
de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales,
destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo
da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37
años. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado
por numerosos colaboradores, y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa
obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en
los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como
las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a
causa de su muerte y fue completado por ayudantes. Después de sus años de juventud
en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada
por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su
época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la
producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su
muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos
XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron
consideradas de nuevo como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así
por Giorgio Vasari: sus primeros años enUmbría, el periodo posterior de cuatro años
en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y
finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para
los papas y su corte.
Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio. En esta obra, se puede apreciar la
influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.
Su madre, Magia di Battista di Nicola Ciarla , murió en 1491 y el 1 de
agosto de 1494, Giovanni Santi, su padre, volvió a casarse. Con tan sólo 11 años,
quedó huérfano y bajo la custodia legal de su tío Bartolomeo, sacerdote, que inició un
litigio con la madrastra del chico. Sin embargo, Rafael continuó viviendo con ella
cuando no acudía a su aprendizaje con un maestro. Aun así, ya había dado muestra de
su talento, según Giorgio Vasari, quien cuenta que había sido "una gran ayuda para su
padre". Un brillante autorretrato de su adolescencia muestra su precoz talento. El taller
de su padre continuó y, probablemente en compañía de su madrastra, jugó un
relevante papel en su gestión desde su juventud. En Urbino tuvo la oportunidad de
conocer la obra de Paolo Uccello, el precedente pintor de la corte († 1475), y de Luca
Signorelli, quien hasta el año 1498 residió y trabajó en la próxima Città di Castello.
Según Vasari, su padre lo colocó en el taller del maestro de Umbria Pietro
Perugino como aprendiz, «a pesar de las lágrimas de su madre». La evidencia de un
periodo de aprendizaje viene sólo de Vasari y de otra fuente, y ha sido discutida,
porque su madre murió cuando él tenía ocho años, lo que sería demasiado pronto para
comenzar a formarse. Una teoría alternativa es que recibió algún adiestramiento
de Timoteo Viti, un pintor de la corte de Urbino desde 1495. Pero los historiadores
modernos están de acuerdo en que Rafael trabajó al menos como ayudante de
Perugino desde alrededor de 1500; la influencia de Perugino en sus primeras obras es muy
evidente: "probablemente ningún otro discípulo de talento había absorbido las
enseñanzas de su maestro como lo hizo Rafael, aún comparándolo con Leonardo da
Vinci y Miguel Ángel", según Wölfflin. Vasari escribe que, en cuanto a este período, era
imposible distinguir las obras de ambos artistas, pero muchos historiadores del
arte modernos afirman haber detectado las partes que Rafael pintó como ayudante en
obras de Perugino o de su taller. Aparte de la similitud estilística, sus técnicas eran
también muy similares, por ejemplo en la densa aplicación de la pintura, con el uso de
un medio a base de barniz, en las sombras y los adornos oscuros, pero con una
aplicación más ligera en las partes de carne. Sin embargo, el exceso de resina en el
barniz, ha causado a menudo grietas en áreas de las pinturas de ambos maestros. El
taller de Perugino estaba activo tanto en Perugia como en Florencia, quizá con dos
sucursales permanentes. Se considera que en 1501 Rafael era un Maestro de Pleno
Derecho, completamente formado.
Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci —aunque hay una
controversia con La resurrección de Cristo que fue realizada entre los años 1499 y
1501— para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino en Città di Castello, una ciudad a
medio camino entre Perugia y Urbino. Evangelista di Pian di Meleto, quien había
trabajado para su padre, compartió el encargo de la obra, que data de 1500 y fue
terminada en 1501, hoy en día sólo quedan algunas porciones y un boceto
preparatorio. Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias, incluyendo
la Crucifixión Mond —alrededor de 1503— y Los desposorios de la Virgen de
la Pinacoteca di Brera, así como obras para Perugia, como el Retablo Oddi —La
anunciación , La Adoración de los Magos y La coronación de la Virgen 1501-1503—.
Probablemente también visitó Florencia en esta época. Se trata de obras mayores,
algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la composición al estático estilo
de Perugino. En estos años también pintó muchas pequeñas y exquisitas pinturas de
caballete, la mayor parte probablemente para amantes de la pintura de la corte de
Urbino, como Las Gracias, El sueño del caballero o San Miguel, y empezó a
pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.
En el año de 1502 fue a Siena por invitación de otro discípulo de
Perugino, Pinturicchio, "al ser amigo de Rafael y conocedor de su capacidad como
artista de la más elevada calidad", porque le ayudó con las obras, y muy
probablemente con los dibujos, para una serie de frescos en la Biblioteca
Piccolomini de la Catedral de Siena. Es evidente que en esta etapa temprana de su
carrera ya era un artista solicitado.
Otros proyectos
Los proyectos en el Vaticano ocuparon la mayor parte de su tiempo, pero aun
así pintó algunos retratos, incluyendo los de sus mecenas, los papas Julio II y León X,
el primero de los cuales es considerado como uno de sus mejores retratos. Otros
retratos fueron los de sus amigos, como Castiglione, o de personajes del círculo de los
papas. Algunos gobernantes lo presionaron con hacer sus respectivos encargos, como
a Francisco I de Francia que le fueron enviados dos pinturas como presente
diplomático del papado. Para Agostino Chigi, el inmensamente rico tesorero del papa,
Rafael pintó La Galatea, diseñó frescos decorativos para su Villa Farnesina y pintó dos
capillas en las iglesias de Santa Maria della Pace y Santa Maria del Popolo. También
diseñó parte de la decoración de la Villa Madama, sin embargo, la obra de ambas villas
fue realizada por su taller.
Tras la muerte de Rafael, la actividad del taller continuó, sin embargo, muchas
de sus pinturas quedaron incompletas, así como algunas de sus posesiones. Los
miembros más destacados fueron Giulio Romano, joven discípulo de origen romano —
de 21 años —, y Gianfrancesco Penni, ya considerado un maestro, de origen florentino.
Penni no alcanzó el mismo nivel de reputación personal que Giulio, y después de la
muerte de Rafael, ocupó el puesto de ayudante de Giulio Romano durante la mayor
parte de su carrera.Perino del Vaga, ya un maestro, y Polidoro da Caravaggio, quien
supuestamente ascendió a la posición de pintor luego de ocupar el humilde oficio de
trasportar materiales para los obreros, también llegaron a ser importantes
pintores. Maturino da Firenze, como en el caso de Penni, fue eclipsado por la fama de
su compañero Polidoro. Giovanni da Udine gozaba de un estatus más independiente, y
fue responsable de la decoración en estuco y los grotescos que decoraban los
principales frescos.52 La mayor parte de los artistas se dispersaron, y algunos de ellos
tuvieron una muerte violenta a raíz del saqueo de Roma de 1527.
3 Esto contribuyó a la
difusión del estilo de Rafael por toda Italia y a lugares más lejanos.
Vasari da mucha importancia al hecho de que Rafael logró un armonioso y
eficiente taller, y al igual su habilidad y paciencia en la resolución de los conflictos o
disputas entre los clientes y sus ayudantes, algo que carecía Miguel Ángel con ambos
colectivos. Aun así, hoy en día, es casi imposible descifrar las partes que Rafael y sus
ayudantes realizaron, ya que, tanto Giulio como Penn, eran diestros, no hay duda de
que muchas de las últimas obras murales de Rafael, y probablemente algunas de sus
obras de caballete, destacan más por el dibujo que por la ejecución. Sin embargo,
muchos de sus retratos, que se encuentran en buenas condiciones, muestran la
brillante técnica de ejecución que alcanzó al final de su vida.
Otros de sus destacados discípulos y ayudantes fueron Raffaellino del
Colle, Andrea Sabbatini, Bartolommeo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo
Tamagni, Battista Dossi,Tommaso Vincidor, Timoteo Viti—pintor de Urbino—, así como
el escultor y arquitecto Lorenzetto—cuñado de Giulio Romano. Se ha dicho que el
flamenco Bernard van Orleytrabajó durante un tiempo para Rafael, y que Luca Penni,
hermano de Gianfrancesco, tal vez fue miembro del taller.
A lo largo de su vida realizó varios retratos donde mostró una gran medida de
gracia y armonía, ejemplo de esto fue el de Baltasar de Castiglione. Las Madonne y
los bambinillenos de belleza y elegancia fueron un tema recurrente tanto en sus
retratos como en sus pinturas. En la "Última Cena" dio un gran protagonismo a la figura
de los apóstoles. De igual manera realizó retratos de grandes personajes como:
del Cardenal Bibbiena (c. 1516), el Retrato de Andrea Navagero y Agostino
Beazzano (c. 1516), Retrato de Bindo Altoviti (c. 1514), Retrato de Tommaso
Inghirami (1515-1516), Retrato de cardenal (1510-1511), Retrato de Julio II (1511–
1512) y Retrato del cardenal Alessandro Farnese(1509-1511). Muchos de ellos se
encuentran hoy dispersos en los museos y galerías de Europa.
Arquitectura
Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de
San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o
modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel
Ángel, pero, sobreviven unos pocos diseños. Para el análisis de estos, se llevó a cabo
el examen de un templo que se encontraba muy oscuro, con grandes pilares a lo largo,
«como un callejón» según un análisis crítico y póstumo de Antonio da Sangallo el
Joven. Existe también la hipótesis de que el templo tiene un parecido con el santuario
de La expulsión de Heliodoro del templo.
57 Rafael diseñó otros edificios, y durante un
corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del
círculo social del papa. Julio había hecho cambios en la disposición urbanística de la
ciudad, creando varias vías públicas, las cuales aparentaban esplendorosos palacios.
Un importante edificio, el Palazzo Branconio dell'Aquila del chambelán de León
X, fue completamente derrumbado para hacer lugar a la plaza diseñada
por Bernini para San Pedro, obra que jamás se realizó, pero se han conservado dibujos
de la fachada y del patio. La fachada gozaba de una abigarrada decoración, inusual
para la época, incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior (de tres) como
profusión de esculturas en el piso intermedio. El diseño básico de la Villa Farnesina no
fue de Rafael, pero él diseñó y pintó la Capilla Chigi para el propietario, Agostino Chigi,
tesorero del papa. Otro edificio, para el doctor del papa León, el Palazzo di Jacobo da
Brescia, el cual fue trasladado en la década de 1930, y actualmente se mantiene en
pie; dicho edificio fue diseñado como complemento de un palacio de la misma calle,
obra de Bramante, donde el mismo Rafael residió durante un tiempo.
La Villa Madama, una espléndida residencia de recreo del cardenal Julio de
Médicis, posteriormente del papa Clemente VII, nunca fue terminada, pero sus planos
revelan su propósito. Se hizo un diseño a partir de los planos constructivos por Antonio
da Sangallo el Joven y aunque incompleta, era la villa más sofisticada diseñada hasta
el momento en Italia. De este modo, influyó de manera importante en los diseños
posteriores de este tipo de edificio. (éste parece ser el único edificio moderno
deRoma del cual Palladio hizo un dibujo medido).
Sólo quedan los planos de la planta baja de un gran palacio diseñado por él
mismo a la nueva «Via Giulia», en el Borgo, para el cual estuvo acumulando el terreno
en sus últimos años. Se encontraba en una manzana irregular cerca del río Tíber.
Parece que las fachadas debían incluir una orden gigante de pilastras elevándose al
menos dos plantas hasta la altura completa de la planta noble, «un estilo
grandilocuente sin precedentes en un palacio de carácter privado». En 1515, le fueron
otorgados poderes como "Prefecto" sobre todas las antigüedades que se desenterraran
en la ciudad y hasta una milla alrededor de esta. Rafael escribió una carta al papa León
sugiriendo medidas para impedir la destrucción de los monumentos antiguos, y propuso
una inspección visual de la ciudad para registrar las antigüedades de manera
organizada. La opinión del Papa era diferente, quería seguir reutilizando las antiguas
fábricas para la construcción de San Pedro, pero quería que todas las inscripciones
antiguas quedaran documentadas, así como también conservar las esculturas, antes
de dar permiso para el uso de la piedra.
Se le considera uno de los dibujantes más finos en la historia del arte
occidental y uno de los que usó ampliamente el dibujo para planear sus composiciones.
Según Armerina, experta en la vida del artista, cuenta, que cuando éste empezaba a
planear una composición, extendía en el suelo un gran número de dibujos que
conservaba archivados, y comenzaba rápidamente a dibujar, utilizando figuras de «aquí
y de allá». Han sobrevivido unos cuarenta bocetos de la Disputa de las Estancias y
probablemente haya más entre las cuatrocientas hojas que se tienen actualmente de
sus pre-diseños. Hizo muchos dibujos para perfilar las posturas y las composiciones,
aparentemente en cantidad superior a la de otros pintores, a juzgar por la gran cantidad
de variantes que han sobrevivido: «... Es así como el mismo Rafael, que tenía tanta
riqueza inventiva, solía trabajar, siempre partiendo de cuatro o seis maneras diferentes
de exponer la escena, cada una de ellas diferente al resto, y todas ellas llenas de
gracia y finura» escribió un autor tras la muerte de éste.69 Para John Shearman, el arte
de Rafael marca «un desplazamiento de los recursos desde la producción hacia la
investigación y el desarrollo».
Cuando estaba satisfecho con una composición a menudo la trasladaba a cartón
a escala real, que posteriormente perforaba con un punzón, dejando agujeros por
donde dejaba pasar un poco de hollín, de modo que quedaban líneas en la superficie
final como guía. También hizo un uso exhaustivo y poco habitual, tanto en papel como
en yeso, de una «aguja ciega», marcando líneas que dejaban sólo una hendidura, pero
ninguna marca. Estas pueden ser vistas en el muro de La escuela de Atenas y en
muchos otros dibujos. Los Cartones de Rafael, como diseños para tapices que eran,
fueron completamente coloreados con pintura al temple, y fueron enviados
a Bruselas para ser tejidos.
En las últimas obras pintadas por el taller, los dibujos son a menudo mucho
mejores que la pintura. La mayor parte de sus dibujos son bastante detallados, incluso
los bocetos iniciales con figuras desnudas están cuidadosamente hechos, y los
posteriores dibujos de preparación tienen un alto nivel de acabado, con sombreados y,
a veces, zonas iluminadas en blanco. Carecían de la libertad y la energía de algunos
de los bocetos de Leonardo o de Miguel Ángel, pero siempre muy satisfactorios desde
el punto de vista estético. Fue uno de los últimos artistas en utilizar de manera habitual
un dispositivo metálico, aunque también supo hacer un soberbio uso de la técnica más
libre del carbón rojo o negro. En sus últimos años fue uno de los primeros artistas en
usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que
habitualmente se usaban hombres para estudio de ambos sexos.
Fue nombrado mayordomo del Papa León X, lo que le daba un cierto estatus
ante la corte y unos ingresos adicionales, así como también, caballero de la Orden
Papal de la Espuela Dorada. Vasari afirma que estos nombramientos, y al igual que los
muchos encargos hechos por estos, pudieron ser motivo y explicación del retraso de
su casamiento. Según Vasari, su prematura muerte en un Viernes Santo (6 de abril
de 1520, posiblemente el día de su aniversario treinta y siete) fue debido a una noche
en la cual tuvo excesivas relaciones sexuales con «La Fornarina», tras lo cual enfermó
con fiebre, y al no confesarle a los doctores la verdadera causa, no le fue administrado
el cuidado correcto, lo que le causó la muerte. Fuese cual fuese la causa, en la
agudización de su enfermedad, que duró quince días, pudo recibir laextremaunción y
puso sus cosas en orden. Dictó su testamento, mediante el cual dejó suficiente dinero
para manutención de su amante, confiados a su leal sirviente Baviera, y dejó la mayor
parte del contenido de su taller a Giulio Romano y a Penni. Cumpliendo su solicitud, fue
enterrado en el Panteón de Roma.
Gozó de la admiración de sus contemporáneos, aunque su influencia en el
desarrollo del arte en su siglo fue menor que la de Miguel Ángel. El manierismo, que
comenzó más o menos en el tiempo de su muerte, y el barroco posterior, llevaron el
arte en una «dirección completamente opuesta» a las cualidades rafaelinas; 6
«con la
muerte de Rafael, el arte clásico —el Alto Renacimiento—se hundió», según manifiesta
Walter Friedlander. Sin embargo, pronto fue considerado como modelo ideal para
aquellos que detestaban los excesos del manierismo:
La opinión ... generalmente mantenida a mediados del siglo XVI era que Rafael
representaba el pintor idealmente equilibrado, universal en su talento, completo en
todos los sentidos, y respetuoso con todas las reglas que supuestamente debían
gobernar las artes, mientras que Miguel Ángel era el genio excéntrico, más brillante que
otros artistas en su campo particular, el dibujo del desnudo masculino, pero
desequilibrado y carente de ciertas cualidades, como la gracia y la contención,
esenciales para un gran artista. Quienes, como Dolce y Pietro Aretino, que sostenían
este punto de vista fueron generalmente los supervivientes del Humanismo
Renacentista, incapaces de apoyar a Miguel Ángel por su deriva manierista.
Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se
han convertido «joya» del arte académico. El período de mayor influencia se extendió
desde finales del siglo XVII hasta finales del siglo XIX, en que fueron muy admirados
tanto su perfecto equilibrio como su decoro. Fue visto como el modelo perfecto de la
historia de la pintura, y a mismo tiempo era considerado como el más elevado de
la jerarquía de géneros. Sir Joshua Reynolds, en su obra Discursos, alabó su «simple,
grave y majestuosa dignidad» y dijo que «se sitúa como el principal de los primeros
[sobre los mejores] pintores», especialmente por sus frescos (entre los que incluía
los Cartones) , mientras que «Miguel Ángel reclama el siguiente lugar. No poseía tantas
cualidades excelsas y descomunales como Rafael, pero las que poseyó eran del más
alto nivel». Haciéndose eco de las opiniones del siglo XVI expresadas anteriormente,
Reynolds concluye: La excelencia de este hombre extraordinario radica en el decoro,
belleza y majestad de sus personajes, la juiciosa organización de su composición, la
corrección del dibujo, la pureza de gusto y la talentosa adaptación de contribuciones
ajenas a sus propios objetivos . Nadie le superó en este juicio, en saber unir la propia
observación de la naturaleza, la energía de Miguel Ángel y la belleza y simplicidad del
arte antiguo. Por tanto, a la pregunta de quién debería ostentar el primer puesto, Rafael
o Miguel Ángel, debería contestarse, que si fuese a concederse a quien posee
cualidades en el arte superiores a cualquier otro, no hay duda de que Rafael es el
primero. Pero si, según Longinos, lo sublime, considerado como la mayor obra que el
hombre puede conseguir, compensa abundantemente la ausencia de cualquier otra
belleza y neutraliza cualquier otra deficiencia, entonces Miguel Ángel pediría la
preeminencia.
Reynolds mostraba menos entusiasmo por las pinturas de caballete de Rafael,
pero la ligera sentimentalidad que desprenden las hizo muy populares durante el siglo
XIX: «Nos hemos acostumbrado a ellas desde la infancia, a través de un enorme
número de reproducciones, cosa jamás hecha por algún otro artista...» escribió Wölfflin,
quien había nacido en 1862, sobre la obra Las Vírgenes del florentino. En Inglaterra, en
el siglo XIX, la Hermandad Prerrafaelista reaccionó explícitamente en contra de su
influencia (y también en contra de la de sus admiradores, como «Sir Sploshua»), en
busca de un retorno hacia los estilos anteriores a su «nefasta» influencia. Según John
Ruskin:
La maldición de las artes en Europa vino de esta cámara [la Stanza della
Segnatura], provocada en gran parte por las grandes cualidades del hombre que había
marcado el inicio del declive. La perfección de la ejecución y la belleza formal
características de su obra y de la de sus contemporáneos hicieron del acabado de la
ejecución y la belleza de la forma del objeto clave de todos los artistas, y desde
entonces la ejecución fue considerada más importante que la idea, y la belleza más
importante que la verdad. Y como os decía, estas son las dos causas secundarias del
declive del Arte, siendo la primera de ellas la pérdida del propósito moral. Hay que
expresarse claramente. En el arte medieval, la idea es el elemento principal, la
ejecución en segundo lugar, en el arte moderno la ejecución es el elemento más
importante, y la idea el segundo. Y nuevamente, en el arte medieval la verdad es el
elemento más importante, la belleza va en segundo lugar, en el arte moderno la belleza
es el elemento principal, y la verdad el segundo. Los principios medievales hicieron
ascender el arte hacia Rafael, y los principios modernos lo hicieron descender desde él.
NICOLÁS COPÉRNICO
Nació en Toruń, Prusia, Polonia, 19 de febrero de1473- y murió en
Frombork, Prusia, Polonia, 24 de mayo de 1543) fue
un astrónomo del Renacimiento que formuló la teoría heliocéntrica delSistema Solar,
concebida en primera instancia por Aristarco de Samos. Su libro De revolutionibus
orbium coelestium (Sobre las revoluciones de las esferas celestes) suele ser
considerado como el punto inicial o fundador de la astronomía moderna, además de ser
una pieza clave en lo que se llamó la Revolución Científica en la época
del Renacimiento. Copérnico pasó cerca de veinticinco años trabajando en el desarrollo
de su modelo heliocéntrico del universo. En aquella época resultó difícil que los
científicos lo aceptaran, ya que suponía una auténtica revolución. Copérnico
era matemático, astrónomo, jurista, físico, clérigo católicoromano, gobernador, líder mili
tar, diplomático y economista. Junto con sus extensas responsabilidades, la astronomía
figuraba como poco más que una distracción. Por su enorme contribución a la
astronomía, en 1935 se dio el nombre «Copernicus» a uno de los
mayores cráteres lunares, ubicado en el Mare Insularum.
El modelo heliocéntrico es considerado una de las teorías más importantes en la
historia de la ciencia occidental. Copérnico no publicó su obra en la que defendía el
heliocentrismo hasta 1543, año de su fallecimiento, teniendo la admiración de las
autoridades eclesiásticas de la Iglesia Católica Romana; sin embargo, sus libros serían
incluidos en el Index, muchos años después de su muerte, con el caso Galileo. La
afirmación periodística acerca de que fue perseguido por hereje4
es erróne oso
científico polaco-prusiano6
estudió en la Universidad de Cracovia (1491-1494)
probablemente bajo las directrices del matemático Wojciech Brudzewski.
7 Viajó
porItalia y se inscribió en la Universidad de Bolonia (1496-1499), donde
estudió Derecho, Medicina, Griego, Filosofía, y trabajó como asistente
del astrónomo Domenico da Novara.
En 1500 fue a Roma, donde tomó un curso de ciencias y astronomía, y en 1501
volvió a su patria y fue nombrado canónigo en la catedral de Frauenburg, cargo
obtenido merced a la ayuda de su tío Lucas Watzenrode. Pese a su cargo, volvió a
Italia, esta vez a Padua (1501-1506), para estudiar Derecho y Medicina, haciendo una
breve estancia en Ferrara (1503), donde obtuvo el grado deDoctor en Derecho
Canónico. Reinstalado definitivamente en su país (1523), se dedicó a la administración
de la diócesis de Warmia, ejerció la Medicina, ocupó ciertos cargos administrativos y
llevó a cabo su inmenso y primordial trabajo en el campo de la Astronomía. Falleció
el 24 de mayo de 1543 en Frombork, Polonia. En 2005 un equipo de arqueólogos
polacos afirmó haber hallado sus restos en la catedral de Frombork, teoría que fue
verificada en 2008 al analizar un diente y parte del cráneo y compararlo con un pelo
suyo encontrado en uno de sus manuscritos. A partir del cráneo, expertos policiales,
reconstruyeron su rostro, coincidiendo éste con el de su retrato. El 22 de mayo de
2010 recibió un segundo funeral en una misa dirigida por Józef
Kowalczyk, nuncio papal en Polonia y recién nombrado Primado de Polonia. Sus restos
fueron de vuelta enterrados en el mismo lugar, en la Catedral de Frombork. Una lápida
de granito negro ahora lo identifica como el fundador de la teoría heliocéntrica y lleva
además la representación del modelo de Copérnico del sistema solar, un sol dorado
rodeado por seis de los planetas.
En 1533, Johann Albrecht Widmannstetter envió a Roma una serie de cartas
resumiendo la teoría de Copérnico. Éstas fueron oídas con gran interés por el
papa Clemente VII y varios cardenales católicos. Para 1536 el trabajo de Copérnico
estaba cercano a su forma definitiva, y habían llegado rumores acerca de su teoría a
oídos de toda Europa. Copérnico fue urgido a publicar desde diferentes partes del
continente. En una epístola fechada en noviembre de 1536, el arzobispo de Capua,
Nikolaus Cardinal von Schönberg, pidió a Copérnico comunicar más ampliamente sus
ideas y solicitó una copia para sí. Algunos han sugerido que esta carta pudo haber
hecho a Copérnico sospechoso al publicar, mientras que otros han sugerido que esto
indicaba el deseo de la Iglesia de asegurarse que sus ideas fueran publicadas. A pesar
de la presión ejercida por parte de diversos grupos, Copérnico retrasó la publicación de
su libro, tal vez por miedo a la crítica. Algunos historiadores consideran que, de ser así,
estaba más preocupado por el impacto en el mundo científico que en el religioso.
Las ideas principales de su teoría eran:
1. Los movimientos celestes son uniformes, eternos, y circulares o compuestos de
diversos ciclos (epiciclos).
2. El centro del universo se encuentra cerca del Sol.
3. Orbitando alrededor del Sol, en orden, se encuentran Mercurio, Venus,
la Tierra y la Luna, Marte, Júpiter, Saturno. (Aún no se
conocían Urano y Neptuno.)
4. Las estrellas son objetos distantes que permanecen fijos y por lo tanto no orbitan
alrededor del Sol.
5. La Tierra tiene tres movimientos: la rotación diaria, la revolución anual, y la
inclinación anual de su eje.
6. El movimiento retrógrado de los planetas es explicado por el movimiento de la
Tierra.
7. La distancia de la Tierra al Sol es pequeña comparada con la distancia a las
estrellas.Su obra maestra, De revolutionibus orbium coelestium (Sobre las revoluciones de
las esferas celestes), fue escrita a lo largo de unos veinticinco años de trabajo (1507-
1532) y fue publicada póstumamente en 1543 por Andreas Osiander, pero muchas de
las ideas básicas y de las observaciones que contiene circularon a través de un
opúsculo tituladoDe hypothesibus motuum coelestium a se constitutis
commentariolus (no editado hasta 1878), que, pese a su brevedad, es de una gran
precisión y claridad.
Copérnico estudió los escritos de los filósofos griegos buscando referencias al
problema del movimiento terrestre, especialmente lospitagóricos y Heráclides Póntico,
quienes creían en dicha teoría. En cuanto a la teoría heliocéntrica en sí, hasta donde se
sabe hoy, fue concebida por primera vez por Aristarco de Samos (310-230 a. C.), a
quien curiosamente no nombra en su obra.12 Es preciso centrar el valor real de sus
estudios en el hecho de reimponer teorías ya rechazadas por el «sentido común» y de
darles una estructuración coherente y científica.
La ruptura básica que representaba para la ideología religiosa medieval, la
sustitución de un cosmos cerrado y jerarquizado, con el hombre como centro, por un
universo homogéneo e indeterminado (y a la postre incluso infinito), situado alrededor
del Sol, hizo dudar a Copérnico de publicar su obra, siendo consciente de que aquello
le podía acarrear problemas con la Iglesia; por desgracia, a causa de una enfermedad
que le produjo la muerte, no alcanzó a verla publicada. Copérnico aún estaba
trabajando en el De revolutionibus orbium coelestium (aunque aún no convencido de
querer publicarlo) cuando en 1539 Georg Joachim Rheticus, un matemático
deWittenberg, llegó a Frombork. Philipp Melanchthon había arreglado para Rheticus su
visita a diversos astrónomos y el estudio con ellos. Rheticus se convirtió en el pupilo de
Copérnico, viviendo con él durante dos años.
Rheticus leyó el manuscrito de Copérnico y de inmediato escribió un resumen no
técnico de sus principales teorías en la forma de una carta abierta dirigida a Schöner,
su profesor de astrología en Núremberg, y más tarde publicó esta carta como un libro
titulado Narratio Prima (primer recuento), en Dánzig en 1540. El amigo de Rheticus y
mentor, Gasser Aquiles, publicó una segunda edición de la Narratio en Basilea en
1541. En 1542 Rheticus publicó un tratado de trigonometría escrito por Copérnico
(incluido después en el segundo libro de De revolutionibus). Bajo gran presión por parte
de Rheticus, y habiendo visto la reacción favorable del público frente a su trabajo,
Copérnico finalmente accedió entregar el libro a su amigo cercano Tiedemann Giese,
obispo of Chełmno (Kulm), a ser entregado a Rheticus para ser impreso por Johannes
Petreius en Núremberg.
La primera edición del De Revolutionibus aparece en 1543 (el mismo año de la
muerte del autor), con una larga introducción en la que dedica la obra al Papa Pablo III,
atribuyendo su motivo ostensible para escribirla a la incapacidad de los astrónomos
previos para alcanzar un acuerdo en una teoría adecuada de los planetas y haciendo
notar que si su sistema incrementaba la exactitud de las predicciones astronómicas,
esto permitiría que la Iglesia desarrollara un calendario más exacto (un tema por
entonces de gran interés y una de las razones para financiar la astronomía por parte de
la Iglesia).
El trabajo en sí estaba dividido en seis libros:
1. Visión general de la teoría heliocéntrica, y una explicación corta de su
concepción del mundo.
2. Básicamente teórico, presenta los principios de la astronomía esférica y una lista
de las estrellas (como base para los argumentos desarrollados en libros
siguientes).
3. Dedicado principalmente a los movimientos aparentes del Sol y a fenómenos
relacionados.
4. Descripción de la Luna y sus movimientos orbitales.
5. Explicación concreta del nuevo sistema.
6. Explicación concreta del nuevo sistema (continuación).
La importancia de la obra de Copérnico es ser una obra revolucionaria, precursora
de grandes cambios científicos. Dicho carácter revolucionario no está sólo en sus
escritos sino en poner en marcha unos caminos que romperán las barreras del
pensamiento. No debemos olvidar que la obra de Copérnico sigue ligada al Mundo
Antiguo, ya que ciertas premisas platónicas siguen vigentes en su pensamiento como
los dos grandes principios de uniformidad y circularidad. Sin embargo con su obra se
afianza otra gran idea propia de la modernidad: la naturaleza va perdiendo su carácter
teológico, el hombre ya no es el centro del universo, sino que Copérnico le desplaza a
una posición móvil, como la de cualquier otro planeta.A partir de Copérnico se
desencadena la idea de que el hombre ahora está
gobernado por su Razón, que será la facultad del ser humano que hace que tome parte
en el ordenamiento del Universo. Así el hombre pasa a ser un ser autónomo que basa
dicha autonomía en su capacidad de raciocinio. La razón humana puede ahora
apoderarse de la Naturaleza: dominarla y controlarla. Así el hombre deja de ser el
centro físico del Universo para convertirse en el centro racional del Universo. A partir de
ahora nos enfrentamos al mundo, no contemplándolo, sino construyendo hipótesis a
través de las capacidades del hombre, que contrastadas con la naturaleza se podrán
dar por válidas o no.
En este caso particular, Copérnico tuvo en contra al cristianismo de la época que
hizo suyos los presupuestos aristotélicos del mundo antiguo. Aristóteles escribió de
teoría literaria, política, ética, metafísica, lógica, meteorología, física, biología,
astronomía… y todo ello integrado coherentemente, lo que hacía muy difícil atacar una
parte sin atacar al todo. A la vez, permitía, por esa misma razón, dejar de lado
pequeñas dificultades que pudieran surgir en aspectos parciales. Esa es la razón
fundamental de su permanencia como visión del mundo a lo largo de dos mil años. Si
además se añade que, tras su descubrimiento por parte del mundo medieval, este
sistema fue cristianizado y asumido por la Iglesia católica a través de la obra de Santo
Tomás de Aquino, comprenderemos mejor la resistencia que opuso a su superación y
hasta qué punto determinó, no sólo la historia de la astronomía, sino de la ciencia y de
la cultura.
La difusión de la teoría copernicana se lleva a cabo sobre un fondo político e
histórico en el que es de importancia fundamental el problema religioso existente desde
1517 con la irrupción en escena del luteranismo. En 1545 se inició el Concilio de
Trento, que después de tres sesiones, con su final en 1563, deja establecida la reforma
radical de la Iglesia e impone un programa de recuperación y defensa del dogma frente
al mundo reformista. Pío V y Gregorio XIII, entre 1566 y 1585 culminarán el proceso de
recuperación de la Iglesia católica en la segunda mitad del siglo XVI, solventado los
problemas de disensión interna y de jerarquía. Difunden la enseñanza eclesiástica y
recuperan importancia e influencia en los países en los que la creencia protestante se
había hecho fuerte. Pero los sucesos acaecidos en los cielos a finales del siglo XVI y
las observaciones que Copérnico hizo de estos, minaron ciertamente la autoridad y
credibilidad de la filosofía que sustentaba la astronomía ptolemaica. La Iglesia
protestante paulatinamente se rinde ante la situación y su oposición al heliocentrismo
desaparece. Se da un vuelco en la situación. A partir del final de siglo será la Iglesia
católica la que, utilizando su poder organizado en la Inquisición, convertirá al
heliocentrismo en el enemigo más inmediato.
La obra de Copérnico y los cambios que propone se proyectan sobre el estado
anterior de la astronomía y sobre el entramado científico y filosófico que con él se
asociaban. En el texto que ahora comentamos, el autor hace un breve repaso por todas
aquellas partes de la astronomía anterior a él que quedan obsoletas a partir de sus
descubrimientos: la inseguridad sobre los movimientos del Sol y la Luna (ya que sus
movimientos anuales no se podían establecer con seguridad), la explicación del
movimiento de los planetas tampoco resultaba aceptable ya que no se utilizaban los
mismos supuestos para todos (ya que en unos casos se utilizan círculos
homocéntricos, en otros excéntricos, epiciclos, etc.), y sobre todo, que el Universo era
tomado como un sistema por partes que carece de unidad. De esta manera, al final del
texto, el autor reflexiona y explica que la astronomía que le precedía era confusa en el
sentido de que no se seguían principios seguros sino que en unos casos se utilizaban
unas explicaciones, en otros otras, y que por lo tanto se llega a un «método»
incompleto (ya que si las hipótesis que se plantearon fuera ciertas, ciertamente podrían
demostrarse con facilidad).
Las ideas principales de la obra de Copérnico, que se oponen a las anteriores a él,
son entre otras, su idea de preservar la unidad de movimientos y crear un sistema de
círculos más racional. El helioestatismo y el heliocentrismo no son las premisas sino la
conclusión. Además, elimina los ecuantes de la astronomía porque no parecen respetar
los principios básicos de Platón. Cambia también de hipótesis y toma la de que el Sol
permanece quieto y la Tierra se mueve (con una serie de movimientos distintos: el
movimiento de rotación, el de traslación y el de declinación que sirve para explicar los
equinoccios). Para esto, Copérnico plantea sus hipótesis: que no existe un centro único
de todas las esferas celestes, y que además el centro de la Tierra no es el centro del
Universo (sino el centro lunar y el centro de gravedad).
Todas las esferas giran en torno al Sol, que es el centro de giro de ellas, y el Sol
está en las proximidades del centro del Mundo; supera el problema del paralaje si
pensamos que las estrellas están a una distancia muchísimo superior a lo que se
pensaba anteriormente. Además, cualquier movimiento que parezca realizado en
la esfera de las estrellasno es tal; sino que lo que se mueve es la Tierra (que gira cada
día y da una vuelta completa, mientras que la esfera de las estrellas está inmóvil). De
esta misma manera, los movimientos del Sol no se deben a él, sino a la Tierra que gira
en torno a él igual que el resto de planetas; y los movimientos retrógrados y directos de
los planetas no se deben a ellos, sino al movimiento de la Tierra. Vemos por lo tanto
que el plantear la hipótesis de que la Tierra se mueve sirve para explicar muchas de las
irregularidades de los movimientos del Universo: elimina antiguos problemas y
herramientas complicadas como los ecuantes, las esferas celestes, etc.
Copérnico está considerado como el precursor de la astronomía moderna,
aportando las bases que permitieron a Newton culminar la revolución astronómica, al
pasar de un universo geocéntrico a un cosmos heliocéntrico y cambiando
irreversiblemente la mirada del cosmos que había prevalecido hasta entonces. Así, lo
que se conoce como Revolución Copernicana es su formulación de la teoría
heliocéntrica, según la cual, la Tierra y los otros astros giran alrededor del Sol. En
memoria de Nicolás Copérnico, el 19 de febrero de 2010 la IUPAC nombra al elemento
112 de la tabla periódica como copernicio.
GALILEO GALILEI
Fue uno de los personajes más emblemáticos e influyentes de la historia,
especialmente para todos los amantes de las ciencias y el conocimiento, ya que es una
de las figuras más importantes en la historia y el desarrollo de campos científicos como
laastronomía. Te invito a conocer algunos de los aspectos más interesantes sobre la
vida de este genio reprimido.
Sobre la vida de Galileo quien fuera hijo de un famoso teórico musical, nació en
los alrededores de Pisa, Italia, el 15 de febrero del año 1564. De niño, su educación
estuvo a cargo de un grupo de monjes en Vallombrosa y culminada esta etapa, estudió
medicina en la Universidad en Pisa, en el año 1581. Aquí es donde Galileo se dio
cuenta de que su verdadera pasión eran las ciencias, especialmente la filosofía y las
matemáticas, razón por la cual termina su carrera universitaria en 1585, abandonando
la medicina sin haber conseguido un título.
Pese a ésto, Galileo realizó tutorías privadas hasta comenzar su carrera como
profesor de matemáticas en el año 1589, a sus 25 años de edad. Existe una leyenda
que señala que fue en este período en el que Galileo demostró a sus alumnos
que Aristóteles estaba equivocado en su teoría respecto a la caída de los cuerpos, una
teoría en la que señalaba que la velocidad de la caída de los objetos estaban
relacionados con el peso de los mismos, lanzando varios objetos desde la torre de la
universidad y registrando los diferentes tipos de movimientos: el movimiento rectilíneo
uniforme, el movimiento periódico y el movimiento rectilíneo uniformemente acelerado.
Contradecir a Aristóteles era considerado prácticamente un sacrilegio para entonces,
por lo cual, para 1592, ya no volvió a ser convocado para trabajar en la universidad. Sin
embargo, ese mismo año pudo ingresar como profesor en la Universidad de Padua,
puesto que cubrió por casi 20 años más.
Los primeros inventos de Galileo Galilei
En todos los aspectos, Galileo creció muchísimo en Padua, residencia en la cual
inventó, entre otras cosas, una especie de calculadora llamada ―el compás geométrico
militar‖, la cual se podía utilizar para resolver problemas matemáticos de considerable
complejidad y que de cierto modo, bien podría considerarse uno de los primeros
antecesores de nuestras calculadoras. Durante el mismo período comenzó a estudiar
física, descubriendo y fundamentando varias leyes nuevas.
Por otra parte, Galileo también estudió el particular movimiento de los péndulos, siendo
quien descubre y desarrolla el llamado principio del péndulo. Curiosamente, hasta el
momento no demostraba interés alguno en el campo de la astronomía, aunque sí era
un confeso creyente en el modelo universal de Copérnico.
Luego de enterarse de que en Holanda se había inventado un complejo
dispositivo diseñado para ver de cerca objetos lejanos (especialmente para aquellos
que están en los cielos), conocido como el catalejo, Galileo Galilei construyó su primer
telescopio, el cual tenía un factor de magnificación de 20. Con esta nueva herramienta,
fue capaz de realizar asombrosos descubrimientos, tales como los cráteres y las
montañas de la Luna, que la vía láctea estaba compuesta por estrellas y las cuatro
lunas más grandes de Júpiter, entre otros, que para entonces ya denotaban su
profundo interés por la astronomía. Después de publicar sus descubrimientos en 1610,
le fue ofrecido un puesto como matemático de la corte de Florencia, lo que le permitió
realizar numerosas investigaciones y publicaciones al ya no tener que sostener más su
puesto de profesor y tener más tiempo libre.
Para aquel entonces, muchos científicos, sectores intelectuales y especialmente
eclesiásticos discutían los novedosos descubrimientos y las teorías de Galileo. Fueron
sus significativos avances en la teoría heliocéntrica así como la forma de trabajar de
Galileo, basada en la observación, hipotetización, experimentación y demostración
(método científico), que se confrontaba a la palabra de Dios, la autoridad y la sumisión
a la que sometía el orden eclesiástico, lo cual le trajo multitudes de enemigos.
Lamentablemente, enemigos con mucho poder. En el año 1614, un sacerdote florentino
denunció a Galileo y a sus seguidores por sus trabajos. Como respuesta, Galileo
escribió una carta abierta en la cual dejaba en claro que cuando se discutía sobre
cuestiones meramente científicas, la Biblia era un texto irrelevante. Menudas agallas,
claro, pero tuvo sus consecuencias.
Dos años más tarde, prácticamente todas las publicaciones de su antecesor
Nicolás Copérnico fueron censurados por la iglesia e inmediatamente después, a
Galileo se le advierte de que no podrá defender más la idea de que la Tierra se mueve.
Galileo no tuvo más remedio que aceptar y continuó su trabajo para determinar
longitudes en el mar, basándose en los hallazgos que había podido observar gracias a
su telescopio. En 1630, los censuradores de la iglesia le permitieron a Galileo publicar
un libro el que discutía las teorías de la conformación del universo, aunque estos
censores cambiaron el título original.
La muerte de Galileo
Su último libro fue publicado en el año 1638, en el cual discutía y mejoraba sus
primeros estudios en el movimiento y los principios de la física. Este libro comenzó un
lento camino que luego seguiría nada menos que Isaac Newton. Galileo perdió su vista
antes de que su último libro fuese publicado, pereciendo en Arcetri el 8 de Enero de
1642. Casi 100 años más tarde, un mausoleo es erguido en su honor, irónicamente, en
la iglesia de la Santa Cruz de Florencia.
JOHANNES KEPLER
Astrónomo y filósofo alemán, famoso por formular y verificar las tres leyes del
movimiento planetario conocidas como leyes de Kepler. Fue colaborador de Tycho
Brahe, a quien sustituyó como matemático imperial de Rodolfo II. En 1935 la UAI
decidió en honor llamarle «Kepler» a un astroblema lunar.
Infancia
Johannes Kepler nace en 1571 en el ducado alemán de Wurttemberg. De niño
padeció diversas enfermedades tales como miopía, dolores de cabeza, afecciones
estomacales. A la edad de tres años, contrae la viruela, lo que, entre otras secuelas,
debilitará la vista severamente. A pesar de la salud, fue un niño brillante que gustaba
impresionar a los viajeros en el hospedaje de su madre con sus fenomenales
facultades matemáticas. En1584 ingresó al seminario protestante de Adelberg.
Estudios
A partir de 1589 estudió Teología en la Universidad de Tübingen. Allí tuvo como
Profesor de Matemáticas a Maestlin, que conocía y compartía la Teoría Heliocéntrica
de Copérnico. Él, que era un pitagórico y veía en Dios al supremo geómetra creador de
un universo armónico, vio en la simplicidad de esta teoría un rasgo del plan creador de
Dios. Continúa allí con los estudios después de obtener una maestría en 1591.
Matrimonio
Kepler estuvo casado dos veces. El primer matrimonio, de conveniencia, el 27
de abril de 1597 con Barbara Müller. Este matrimonio, organizado por los allegados, lo
unió a una mujer "grasa y simple de espíritu", con carácter execrable.
Muerte
Muere en 1630 en Ratisbona, mientras viajaba con la familia de Linz a Sagan.
En la lápida fue grabado el siguiente epitafio, compuesto por él mismo: Medí los cielos,
y ahora las sombras mido. En el cielo brilló el espíritu. En la tierra descansa el cuerpo.
En 1594, cuando Kepler dejó Tübingen y marchó a Graz (Austria), elaboró una
hipótesis geométrica compleja para explicar las distancias entre las órbitas planetarias -
órbitas que se consideraban circulares erróneamente.(Posteriormente, Kepler dedujo
que las órbitas de los planetas son elípticas; sin embargo, estos primeros cálculos sólo
coinciden en un 5% con la realidad.) Kepler planteó que el Sol ejerce una fuerza que
disminuye de forma inversamente proporcional a la distancia e impulsa a los planetas
alrededor de sus órbitas.
Publicó las teorías en un tratado titulado Mysterium Cosmographicum en 1596.
Esta obra es importante porque presentaba la primera demostración amplia y
convincente de las ventajas geométricas de la teoría copernicana.En 1597 año publicó
Mysterium Cosmographicum, dejando constancia de las ventajas que desde el punto
de vista geométrico ofrecía la Teoría Heliocéntrica. Por ese entonces aún consideraba
que las órbitas planetarias eran circulares. Kepler fue profesor de astronomía y
matemáticas en la Universidad de Graz desde 1594 hasta 1600, cuando se convirtió en
ayudante del astrónomo danés Tycho Brahe en el observatorio de Praga. A la muerte
de Brahe en 1601, Kepler asumió su cargo como matemático imperial y astrónomo de
la corte del emperador Rodolfo II.
Una de sus obras más importantes durante este periodo fue Astronomía
nova (1609), la gran culminación de sus cuidadosos esfuerzos para calcular la órbita de
Marte, dedicada a exponer sus cálculos sobre la órbita de este planeta. En ella expone
dos de sus tres famosas "leyes del movimiento de los planetas", hoy llamadas "leyes de
Kepler". En 1610 publicó Dissertatio cum Nuncio Sidereo, sobre las observaciones
de Galileo y, al año siguiente, realizó sus propias observaciones de los satélites
descriptos por el italiano con la ayuda de un telescopio, publicando los resultados de
dichas observaciones en su obra Narratio de Observatis Quatuor Jovis Satellitibus. En
1612 Kepler se hizo matemático de los estados de la Alta Austria. Mientras vivía en
Linz, publicó su Harmonices mundi, Libri (1619), obra en la que hizo pública su tercera
ley: la relación lineal entre el cubo de la distancia promedio de un planeta al Sol y el
cuadrado de su período de revolución. Hacia la misma época publicó un libro, Epitome
astronomiae copernicanae (1618-1621), que reúne todos los descubrimientos de Kepler
en un solo tomo.Igualmente importante fue el primer libro de texto de astronomía basado
en los
principios copernicanos, y durante las tres décadas siguientes tuvo una influencia
capital convirtiendo a muchos astrónomos al copernicanismo kepleriano. La última obra
importante aparecida en vida de Kepler fueron las Tablas rudolfinas (1625). Basándose
en los datos de Brahe, las nuevas tablas del movimiento planetario reducen los errores
medios de la posición real de un planeta de 5 °a 10'. El matemático y físico inglés
sir Isaac Newton se basó en las teorías y observaciones de Kepler para formular su ley
de la gravitación universal. Kepler se destacó también por sus aportes a la óptica,
formuló:
Newton.
GIORDANO BRUNO.
FILÓSOFO Y HEREJE
«El martes por la mañana en Campo de‟ Fiori fue quemado vivo ese malvado fraile de
Nola, el que se mencionó antes: el más obstinado de los herejes, y debido a que había
formado en su imaginación determinadas creencias contrarias a nuestra fe, y en
particular sobre la Virgen María y los santos, este malvado hombre quiso morir
obstinado en sus creencias. Y dijo que moría como un mártir, y voluntariamente, y que
su alma ascendería con el humo hasta el paraíso. Bueno, ahora verá si dijo la verdad».
Avvisi di Roma, 110r-v (Despacho de Roma, el 19 de febrero de 1600)
La mayoría de los seres humanos nacemos, vivimos y morimos sin que en la
Historia quede registro alguno de nuestro paso. Pero a veces sucede que determinados
personajes sí quedan registrados, sí pasan por la Historia, a modo de figurantes
desempeñando un papel más o menos relevante. Y otras veces, las menos, sucede
que algunos no sólo pasan por sino que pasan a la Historia, porque su papel ha sido
de peso, y por ser de peso han dejado poso, un poso que es justo lo que les ha
permitido pasar a la Historia. Quién sabe si fue la época en la que vivieron, o las
circunstancias que les tocaron vivir, lo que ha hecho que esos pocos individuos
hayan pasado a la Historia y hayanpesado en ella. Quién sabe si Filippo Bruno, de no
haber nacido donde y cuando lo hizo, habría llegado a ser Giordano Bruno, el filósofo
nolano, mártir y hereje, místico y astrónomo, profesor y poeta, dominico y calvinista, y
en definitiva símbolo (voluntario o no) del librepensamiento y de la rebeldía frente a los
poderes establecidos. Probablemente no, pero como dijo Ortega y Gasset, las
circunstancias que a cada uno nos toca vivir nos son inseparables y forman parte de
nuestro propio yo. Quién sabe por tanto si la vida de Filippo da Nola habría sido
diferente en otras circunstancias, si su peso en la Historia habría sido mayor o menor;
pero lo que es seguro es que la Historia no sería la misma sin el paso por ella del
nolano.
Alguna singularidad ha de haber en la figura de Giordano Bruno para que nunca
haya recibido el perdón institucional de la Iglesia, que sí han recibido otros personajes
heréticos como Galileo. Habiendo sido ajusticiado públicamente en el año del jubileo de
1600, habría sido quizá un buen momento el jubileo del 2000, cuatrocientos años más
tarde, aniversario además de su muerte, para pronunciarse a favor de ese perdón. En
cambio,«el papa Juan Pablo II declaró, por mediación de dos cardenales, Angelo
Sodano y Paul Poupard, que Bruno se había desviado demasiado de la doctrina
cristiana como para concederle el perdón cristiano. Los inquisidores que sentenciaron
al filósofo a su espantosa muerte, añadían los cardenales, deben ser juzgados a la luz
de los tiempos horribles que les tocó vivir». La cita pertenece al prólogo del libro de
Ingrid D. Rowland Giordano Bruno. Filósofo y hereje, interesantísimo ensayo sobre la
vida y época del filósofo de Nola que, en un tono en general aséptico, a veces
apasionado y siempre ameno, hace un recorrido por la Europa de la segunda mitad del
siglo XVI tomando como eje vehicular el recorrido vital de Fra Giordano.
El libro nos muestra una imagen sin sorpresas de Giordano Bruno, que coincide
con la que nos ha transmitido la Historia: de carácter irritante y algo irritable, terco y de
lengua afilada, agudo y mordedor, rebelde e inconformista; Bruno fue fugitivo de la
Inquisición durante prácticamente toda su vida, desde que como estudiante empezó
planteando dudas sobre cosas que no debían dudarse y más tarde, como profesor y
pensador, continuó afirmando lo que estaba prohibido afirmar. Nunca, ni en las
prisiones de la Inquisición en Venecia o en Roma, se mordió la lengua ni se retractó de
nada que su conciencia le permitiera (y ésta le hacía pocas concesiones, ciertamente),
y casi podría afirmarse que fue su obstinada actitud, más incluso que sus opiniones
sobre teología y cosmología, la que le condenó. Se conoce bastante sobre la vida de
Bruno gracias a que se han conservado los archivos del largo proceso al que le
sometió la Inquisición, en los cuales el propio Bruno, preguntado por los inquisidores
venecianos y romanos, relata numerosos episodios de su vida. Y es esa vida la que
Ingrid D. Rowland, profunda conocedora del siglo XVI italiano, nos describe con gran
lujo de detalles, contextualizándola con el entorno de la época.
Nacido en la pequeña población italiana de Nola, Filippo Bruno fue educado
desde muy joven entre los dominicos en el mismo convento de Nápoles que unos 300
años atrás se viera honrado con la imponente presencia de Tomás de Aquino (de cuya
capacidad intelectual se decía que le permitía dictar cuatro libros a cuatro secretarios a
la vez, y cuyo grueso cuerpo necesitaba de una mueca en la mesa del refectorio para
que pudiera sentarse a ella a comer). Una de las tesis que hubo de defender Bruno
para aprobar unos exámenes tuvo como título, curiosamente, Todo lo que dice Tomás
de Aquino en la Suma de los gentiles es cierto. Ya desde sus primeras inquietudes
filosóficas y teológicas conoció el nolano el largo brazo de la Inquisición. Como muestra
de esas peligrosas inquietudes vale la pena citar su enfrentamiento dialéctico con un
eminente profesor de filosofía, Fra Agostino da Montalcino, que el propio Bruno
relataría así años más tarde: «En una conversación con Fra Montalcino, que dijo que
los herejes eran ignorantes y carecían de términos escolásticos [para su
argumentación], le respondí que, aunque no pudieran concordar sus puntos de vista
con la disciplina escolástica, planteaban sus intenciones de manera efectiva (…) En
ese punto el Padre saltó, junto con los presentes, y dijo que estaba defendiendo a los
herejes, mientras que lo único que yo quería afirmar era que eran instruidos».
Filippo, quien escogió para sí mismo el nombre de Giordano inspirándose en el
río Jordán, llevó una vida de peregrinaje por toda Europa perseguido con relativo
ahínco por los poderes inquisitoriales que le obligaron a buscar refugio en tierras
mucho más septentrionales que su pueblo natal. El ensayo de Rowland recorre con él
el norte de Italia, el sur y norte de Francia, Inglaterra y Alemania, acompañando cada
paso de Fra Giordano con descripciones ora someras, ora detalladas, del ambiente que
se respira en esa época en las ciudades por las que pasa el filósofo: Roma, Venecia,
Padua, Lyon, París, Londres, Oxford, Wittenberg, Zúrich, Frankfurt, Praga… Se nos
muestra a un Bruno poseedor de una prodigiosa memoria; conocedor de las técnicas
mnemotécnicas del místico catalán Ramon Llull; interesado en la magia y el ocultismo;
estudioso de la astronomía y la matemática; y sorprendido de la estupidez humana
universal (la «asnalidad», «asinità»), que es capaz de honrar la reliquia de la cola del
asno que llevó a Jesús a Jerusalén. Se nos dan también pequeñas pinceladas sobre el
auge de la novela picaresca que nace en España, sobre el creciente peso del
protestantismo (no hacía tantos años que Lutero había colgado sus 95 tesis en
Wittenberg), sobre la matanza de hugonotes en Francia en 1572, o sobre el cada vez más
frecuente uso de lenguas vernáculas en los escritos eruditos en lugar del latín (el
propio Bruno escribía en latín o en italiano según su conveniencia).
Bruno dio clases en universidades de muchas de las ciudades que recorrió,
aunque su suerte en esos lugares fue dispar. Dio clases, por ejemplo, en Ginebra,
donde no le fue demasiado bien (al no estar bien visto que discutiera con un profesor
de un curso en el que Bruno se había inscrito, envió a la imprenta una hoja en la que
enumeraba veinte errores que aquel hombre había cometido en una sola clase;
Giordano fue obligado a pedir perdón); en París, donde se ganó rápidamente la
confianza del propio rey Enrique III; en Oxford, donde tuvo que soportar las estúpidas
burlas de los ingleses acerca de su aspecto, su figura, su gesticulación e incluso su
pronunciación (Bruno abría sus plegarias en latín con un «benedicite» que pronunciaba
con acento italiano, «benedichite», mientras que para los ingleses la pronunciación
correcta debía ser como si fuera una palabra inglesa, «binidaisiti»); o en Wittenberg,
ciudad en la que cosechó fama y éxito.
Los últimos capítulos del libro están dedicados a los casi ocho años que duró el
proceso de Giordano Bruno desde que fue denunciado en Venecia y entregado a la
Inquisición por el hombre a quien daba clases particulares, hasta su traslado años más
tarde a la cárcel de Roma y su posterior ejecución en la Piazza di Campo de‘ Fiori el
año 1600. El arma que utilizó el Santo Oficio contra la dureza argumental y la
terquedad del nolano fue un eminente teólogo jesuita, que según todos los informes era
la mente teológica más incisiva de la época: el cardenal Roberto Bellarmino («No he
leído prácticamente ningún libro al que no hubiera querido hacerle una buena
censura», escribió en una ocasión).
La condena final que recayó sobre Giordano Bruno decía que sus
inquisidores«proclamamos en estos documentos, afirmamos, pronunciamos,
sentenciamos y declaramos que vos, el arriba mencionado Fra Giordano Bruno, sois un
impenitente, pertinaz y obstinado hereje, y por esa razón estáis incurso en todas las
censuras y castigos eclesiásticos de los cánones, leyes y constituciones sagrados, en
general y en particular, como los que se imponen a dichos herejes confesos,
impenitentes, pertinaces y obstinados; y como tal os degradamos de palabra y
declaramos que debéis ser degradado (…); y que seáis expulsado, como ahora os
expulsamos nosotros, de nuestro tribunal eclesiástico y de nuestra santa e inmaculada
Iglesia, de cuya misericordia sois indigno (…).
Además, condenamos, reprobamos y prohibimos todos los libros arriba
mencionados y otros libros y escritos vuestros como heréticos y erróneos, puesto que
contienen muchas herejías y errores, ordenando que todos los existentes en este
momento y todos los que aparezcan en el futuro deberán ser consignados al Santo
Oficio para ser públicamente destruidos y quemados en la plaza de San Pedro, ante las
escaleras, y como tales deben ser incluidos en el Índice de libros prohibidos, tal como
ordenamos ahora que se haga. Y así establecemos, pronunciamos, sentenciamos,
declaramos, degradamos, mandamos y ordenamos, expulsamos y liberamos y
rogamos en este y en todos los demás modos y formas más vinculantes que haremos lo
que podemos y debemos razonablemente hacer». A los pocos días de escuchada la
sentencia Giordano Bruno fue quemado vivo en la hoguera, y una losa de silencio
sepultó al nolano hasta que en el siglo XVIII volvieron a reeditarse algunos de sus libros
y su pensamiento volvió a ser tomado en consideración.
El ensayo de Rowland, frecuentemente salpicado (como así ha de ser) por citas
del propio Bruno o de otros personajes de la época, supone una lectura interesantísima
para conocer, más que la filosofía de Giordano (que es abordada pero no a fondo, pues
no es ese el objetivo), su trayectoria vital, la cual no deja de ser un fiel reflejo de su
pensamiento. Se trata, pues, de un excelente trabajo de investigación, y por tanto de un
muy buen acercamiento a la figura del filósofo italiano.
Nació en Nola, a unos 20 kilómetros de Nápoles, entonces bajo el dominio
español. Estudió en Nápoles desde los diez años, en 1565 ingresó a la Orden de los
Dominicos, donde se dedicó al estudio de la filosofía aristotélica y a
la teología de Santo Tomás de Aquino(tomismo). Ese mismo año cambió su nombre de
pila, Felipe, por el de Giordano. En 1575 fue trasladado al convento de la Minerva en
Roma y se ordenó sacerdote.
Expresó en escritos y conferencias sus ideas científicas acerca de la pluralidad
de los mundos y sistemas solares, el heliocentrismo, lainfinitud del espacio y
el Universo y el movimiento de los astros, lo cual escandalizaba a la cristiandad de la
época, pero fueron sus teorías teológicas las que le traerán una persecución en su
contra por parte de la Iglesia católica y la Inquisición. Sus opiniones suscitaron un
escándalo, y se formularon 130 artículos de acusación contra él. Por temor a la
Inquisición, a los veintiocho años abandonó la "prisión angosta y negra del convento" y
huyó de Roma en 1576, comenzando una vida errante y aventurera. Desde entonces
pudo decir con razón, que "toda la tierra es patria para un filósofo". Viajó por el norte de
Italia: Génova, Savona, Turín, Venecia, Padua, enseñando gramática y cosmogonía a
los niños para ganarse la vida. Al mismo tiempo estudio intensamente las obras
de Nicolás de Cusa, Telesio y adoptó el sistema de Nicolás Copérnico, lo que le valió
ser combatido tanto por los católicos como por los protestantes.
Se trasladó luego otras regiones, como Ginebra 1579 yLyon. En la Universidad
de Toulouse se doctoró en teología y enseño dos años (1580-1581). Escribió la Clavis
magna (lulista) y explicó el tratado De Anima de Aristóteles. Tras recorrer otras
regiones y realizar diversos escritos, regresa a Italia, fijando su residencia en Venecia,
donde la Inquisición veneciana, lo encarcela el 23 de mayo de 1592 y es reclamado por
Roma el 12 de septiembre de 1592, pasando otros siete años en prisión, acusado
de blasfemia, herejía e inmoralidad, para finalmente ser condenado, porherético,
impenitente, pertinaz y obstinado, a la hoguera, en la que murió el 17 de
febrero de 1600 en Campo dei Fiori, Roma. Murió estoicamente, sin exhalar un grito.
Rechazó al sacerdote que quería darle a besar el crucifijo. En 9 de junio de 1889 se
erigió por suscripción internacional una estatua en el lugar de su muerte, exaltando su
figura como mártir de la libertad de pensamiento y de los nuevos ideales. Según
la Enciclopedia de filosofía de la Universidad de Stanford, «en 1600 no había una
postura oficial de la Iglesia Católica sobre el sistema copernicano, y ciertamente no era
una herejía. Cuando Giordano Bruno fue quemado en la hoguera como hereje, no tuvo
nada que ver con sus escritos en apoyo de la cosmología copernicana.» Entre sus
afirmaciones teológicas que se consideraron heréticas estaban las siguientes:
que Cristo no era Dios, sino meramente un mago excepcionalmente hábil, que
el diablo se salvará y otras. Según Isaac Asimov, su muerte tuvo un efecto disuasorio
en el avance científico de la civilización, particularmente en las naciones católicas pero,
a pesar de esto, sus observaciones científicas continuaron influyendo en otros
pensadores, y se le considera uno de los precursores de la revolución científica.
Sus problemas comenzaron durante su adoctrinamiento, al rechazar tener
imágenes de santos, aceptó sólo el crucifijo. En 1566 tuvo lugar el primer
procedimiento en su contra por sospechas de herejía. Dicho proceso no prosperó, y
en 1572 fue ordenado como sacerdote dominico en Salerno y pasó al estudio de Santo
Domingo Mayor, donde recibió en 1575 el título de Doctor en Teología de la
Orden.En 1576 fue acusado de desviarse en la doctrina religiosa y tuvo que abandonar
la orden y huyó a Roma, donde consiguió asilo en el Convento de Santa María en
Minerva. Después de viajar por Italia y Francia llegó a Ginebra. Allí abandonó los
hábitos.
En Ginebra, Juan Calvino había instaurado una república protestante, doctrina a
la que se adhirió Bruno, pero con la cual también se pronunció en disconformidad. En
una ocasión publicó y distribuyó un panfleto donde acusaba a Calvino de cometer
veinte errores en una lectura. Por este motivo fue hecho prisionero hasta que se
retractó y abandonó el calvinismo bajo la acusación de coartar la libertad intelectual. Se
trasladó a Francia donde, luego de varios tropiezos por la guerra religiosa, fue
aceptado porEnrique III como profesor de la Universidad de París en 1581.
En esa etapa de su vida publicó sus dos primeras obras: Las sombras de las
ideas y El canto de Circe. En 1583 viajó a Inglaterra, tras ser nombrado secretario del
embajador francés Michel de Castelnau. Allí se convirtió en asiduo concurrente a las
reuniones del poeta Philip Sidney. Enseñó en la Universidad de Oxford la
nueva cosmología copernicana atacando las ideas tradicionales. Después de varias
discusiones abandonó Oxford. Sus escritos más importantes son De umbris idearum,
de 1582; La cena de las cenizas, Del universo infinito y los mundos y Sobre la causa, el
principio y el uno, las tres últimas escritas en1584. En 1585 escribió Los furores
heroicos donde, en un estilo de diálogo platónico, describe el camino hacia Dios a
través de la sabiduría. Ese mismo año regresó a París con el embajador, para luego
dirigirse a Marburgo, donde dio a la prensa las obras escritas en Londres.
En Marburgo retó a los seguidores del aristotelismo a un debate público en el College
de Cambrai, donde fue ridiculizado, atacado físicamente y expulsado del país.
Física
Famosa es la evidencia dada por Giordano Bruno de la relatividad del
movimiento.4 Bruno muestra que la tierra no es estática. Si cae una piedra desde la
parte superior del mástil de un barco en movimiento, caerá aún al pie del mástil, sin
importar el movimiento del barco. Demostrando que uno no puede considerar el
movimiento de un cuerpo en términos absolutos solo con un sistema de referencia.
Todas las cosas que hay sobre la tierra se mueven con la tierra. Una piedra lanzada
desde lo alto del mástil volverá al final de alguna manera aunque la nave se está
moviendo. ("La Cena de le Ceneri ").
Magia
En el uso común, la magia es entendida como dominio sobre las fuerzas físicas,
espirituales o divinas; sin embargo, el estudio de la magia en Bruno se muestra como la
capacidad de percibir o reconocer el conjunto de relaciones vinculatorias que se
suscitan dentro del reino de lo fantástico. Esto es, la práctica mágica se asienta en su
teoría de los vínculos. Por ello, el mago debe conceder fuerte atención al trabajo de la
imaginación. La imaginación constituye la puerta de acceso a todos los afectos que
pueden conmover a un ser viviente. Se requieren básicamente tres factores para lograr
la vinculación:
potencia activa en el agente.
potencia pasiva en el sujeto o el paciente (esto es una disposición o aptitud de
no resistencia).
la aplicación apropiada a las circunstancias de tiempo y lugar.
Los vínculos no son eternos porque se dan en el mundo, a la vez que no todo
puede vincular a todas las cosas y si lo hace no se da del mismo modo. Hay tres
accesos para vincular:
la visión, a través de formas, gestos, movimientos y figuras adecuadas.
el oído, mediante la voz y el discurso.
la mente o imaginación.
Los vínculos se establecen a través de los sentidos; sucede la entrada que es
cuando son percibidos, la atadura que es cuando se empieza a formar un sentido de
las cosas que entraron vía los sentidos, luego sucede el vínculo y finalmente
la atracción. El mago o manipulador debe ser consciente en todo momento de que para
atraer a uno o más individuos, debe considerar toda la variedad de intereses de los
sujetos a hechizar. Por esta razón, para la técnica mágica se requiere tener un
conocimiento más que parcial del sujeto y sus deseos, pues sin tenerlo no puede darse
ningún vínculo. Su propuesta mágico-fantástica responde a los tres niveles de realidad
que en su ontología señala: el mundo divino y el mundo material son conectados
mediante la fantasía; de manera que ella es el intermediario en el proceso que va de la
sensibilidad a la cognición.
La sensibilidad es un proceso multívoco y dinámico de asociaciones en el ascenso
y descenso de los datos perceptibles. La concepción metafísica de Bruno está
emparentada con las ideas de Pico della Mirandola quien consideraba al hombre con
una posición intermedia entre las partes superiores (divinas) y las partes inferiores
(materiales). Del mismo modo, Bruno extiende las teorías elaboradas por Marsilio
Ficino, quien como San Agustín, distinguía tres reinos: el reino material, divino y
espiritual. De manera que quien vincula alma y cuerpo es el espíritu. Es en el espíritu
donde se da el ascenso y descenso de las ideas y percepciones; ahí se forma la
sensibilidad del sujeto: el alma tiene contacto con las cosas materiales gracias al reflejo
que de ellas se da (en imágenes) dentro del espíritu, mientras que el cuerpo accede al
contacto luminoso de la inteligencia por su reflejo en el espíritu como fantasías. Del
mismo modo, Bruno al igual que Ficino considera que el espíritu no es propio de los
hombres sino que es una realidad propia, un mundo en sí mismo; así podemos hablar
de un mundo de los espíritus.
En la teología platónica de Ficino puede observarse una sutil distinción entre el
concepto de imaginación y el de fantasía, siendo la primera aquella que da forma a lo
que percibimos, mientras que la segunda emite un juicio respecto a lo ya elaborado por
la imaginación. La fantasía en tanto que emite juicios también ha de distinguirse del
intelecto, la primera se ocupa de lo particular, esto es, traduce los universales en
particulares; mientras que el intelecto concibe los universales -por lo que posee
autonomía sobre la fantasía-, pero ambos operan de manera simultanea. La capacidad
del mago para influenciar y atraer reside en reconocer el vínculo que une a todas las
cosas: a partir del lenguaje corpóreo (el cual aporta una imagen completa sobre algo)
que vía el sentido manda a las percepciones por el canal de los mediadores que son la
imaginación y la fantasía, para de tal modo elevarse hasta el intelecto.
Bruno advierte que las características particulares de nuestros juicios no son estéticas
ni éticas en sí mismas, dado que al ser la fantasía la función intermediaria del espíritu,
ella misma establece un sentido al vincular. Así, el juicio que discierne es siempre
fantástico. Así, en cada representación tenemos un halo de fantasía. La aportación
fantástica no es un juicio racional, responde más bien a la sensibilidad; siendo ésta el
eje que va acomodando toda percepción interior y exterior. El reino de la fantasía es el
lugar de cruce donde todo adquiere sentido; es el lugar del alma humana, de tal modo
que el alma se conforma a través de los vínculos y se constituye a partir de las
relaciones multívocas con que asocia cosas, arquetipos y espíritus.
La técnica de la magia consiste en descubrir el misterio del hechizo, sacando
partido de la continuidad del pneuma individual y del pneuma universal.8 El amor es un
mago por excelencia, pues pone a su disposición todos los medios de persuasión para
apoderarse de ciertos objetos, su finalidad es atar. El mago, puede ejercer su influencia
sobre los objetos, los individuos, las sociedades, así como también puede invocar la
presencia de aquellos seres invisibles, los demonios y los héroes. Más para todo actuar
y dominar la manipulación debe acumular el conocimiento de las redes que se
entrelazan para alcanzar el objeto de su deseo. Esta operación es el vincular. De este
modo, la magia como técnica sirve como instrumento de manipulación individual o en
masa; el conocimiento de los vínculos apropiados permite al mago disponer de toda la
naturaleza; por eso antiguamente mago y sabio se identificaban.
Del mismo modo, reconocer las redes vinculatorias permite el dominio de uno
mismo, por lo que podemos considerar el uso de la magia como una condición esencial
para la acción humana en tanto que permite una manifestación libre y no reactiva de
las percepciones que nos atan. Así, entre más conocimientos tenga el manipulador
sobre aquellos o aquello que quiere vincular, mayor serán sus probabilidades de éxito
puesto que sabrá escoger las circunstancias y el momento propicio para crear el lazo
vinculante.
CIENTIFICOS MODERNOS
ISAAC NEWTON
Newton nació, de forma prematura, el 4 de enero de 1643, varios meses
después de la muerte de su padre en Woolsthorpe, Lincolnshire, Inglaterra. A pesar de
que durante sus primeros días de vida se temió por su vida debido a su delicado
estado, logró sobreponerse. De joven vivió en la casa de un boticario amigo de la
familia donde se dedicó a construir diversos ingenios tales como molinos de viento,
carros o relojes de agua y tuvo acceso a libros de ciencias y sustancias químicas. Con
18 años ingresó en la Universidad de Cambridge con unos resultados mediocres en su
primer año. Entonces se cruzó en su camino un prestigioso profesor de matemáticas
llamado Barrow que viendo su potencial lo propuso para ser el beneficiario de una beca
y le encauzó hacia las matemáticas.
Se dice que a él le dedicó la frase ―Si consigo ver más lejos es porque he
conseguido auparme a hombros de gigantes‖. Cuando Newton tenía 21 años la
Universidad de Cambridge cerró temporalmente por una epidemia de peste lo que hizo
que pasase un tiempo estudiando por su cuenta. En 1667 regresó a la Universidad
para ocupar un puesto de profesor de matemáticas que conservó durante 20 años
hasta que en 1701 renunció al ser nombrado director de la Casa de la Moneda de
Inglaterra.
A lo largo de su vida Newton recibió muchos honores dignos de mención, en
1689 se le otorgó un puesto en el Parlamento, en 1702 entró a formar parte de la Real
Sociedad de Londres de la que un año más tarde pasó a ser presidente y por último en
1705 recibió el título de caballero a manos de la Reina Ana I de Gran Bretaña.
El 31 de marzo de 1727 murió en Kensington, Londres, tras de una larga enfermedad a
la edad de 84 años.
Benjamín Franklin
Nació en Boston, 17 de enero de 1706 y murió en Filadelfia, 17 de abril de
1790 Filósofo, político, físico, economista, escritor y educador, figura clave en la
Independencia de los Estados Unidos de Norteamérica, creó las bases de lo que hoy
se entiende como «el ciudadano americano ejemplar».Era el decimoquinto de los hijos
y comenzó a aprender el oficio de su padre, que era un pequeño fabricante de velas y
jabón. Cansado de este trabajo, se colocó a los 12 años en la imprenta de un familiar,
desarrollándose así su amor a la cultura. El escaso tiempo libre lo empleaba en devorar
todo tipo de libros que caían en sus manos. Sus primeros versos y artículos los publicó
en un periódico que su cuñado había fundado. A los 17 años, debido a discusiones con
él, se traslada a Nueva York para hacer fortuna. Respaldado por el gobernador de
Filadelfia, instala una imprenta y decide ir a Londres a comprar el material. Allí,
olvidándose un poco de sus propósitos principales, trabaja en la imprenta Pelmer,
conociendo a distinguidas personalidades.Cuando tenía dieciocho años, viajó de Filadelfia
a Londres, -con la expectativa
de unas cartas de recomendación que finalmente no dieron resultado. Sin embargo,
encontró trabajo de impresor. Siendo todavía adolescente, los libros que imprimía y sus
propios escritos lo pusieron en contacto con algunas de las figuras literarias del
momento. Cuando tenía veinte años volvió a Filadelfia para trabajar en la tienda de un
amigo. Muy poco después volvió a dedicarse a la impresión y, en 1730, cuando tenía
veinticuatro años, contrajo matrimonio con una novia anterior, Deborah, que se había
casado mientras él estaba en Londres, pero a la que había abandonado su marido. Fue
una unión que duró hasta su muerte, cuarenta y cuatro años después.
La naturaleza del rayo: Franklin se interesó por la ciencia en esa época.
Durante el resto de su vida, aunque comprometido con la escritura, la edición, la
política y la diplomacia, se mantuvo al tanto de los últimos descubrimientos gracias al
contacto con otros científicos y a sus propios experimentos. En 1743 fundó la primera
sociedad científica norteamericana, la American Philosophic Society. También encontró
tiempo para desarrollar unas cuantas invenciones notables, incluidos los pararrayos,
las lentes bifocales y la estufa de Franklin.
Franklin estaba particularmente interesado en la electricidad y en el magnetismo,
que en aquellos momentos se comprendían muy poco. En 1745, un físico holandés
llamado Píeter van Musschenbroek, que vivió en la ciudad de Leiden (o Leyden),
inventó un dispositivo de almacenamiento eléctrico que se conoció como «la botella de
Leiden»; y sería la experiencia de Franklin con este ingenio la que inspiró su
experimento más famoso. Las botellas de Leiden, al ser tocadas, producían una chispa
y una descarga eléctrica. Sospechando que el rayo era una forma de electricidad
similar a la chispa de la botella de Leiden, Franklin decidió intentar capturar la
electricidad de un rayo en una de sus botellas.
Un día de 1752, conectó un alambre a una cometa de la cual pendía un hilo de
seda atado a una llave. Hizo volar su cometa hacia un nubarrón y, cuando colocó su
mano cerca de la llave, una chispa saltó entre ambas. Después consiguió cargar la
botella con la energía del rayo, a través de la llave, al igual que podía haberla cargado
con una máquina generadora de chispas. Fue una emocionante demostración de que
el rayo y la humilde chispa de la botella eran el mismo fenómeno. Cuando informó
sobre su experimento creó sensación, y corno recompensa fue admitido como miembro
en la Royal Society de Londres. Pero tuvo mucha suerte: las dos personas siguientes
en intentar el mismo experimento terminaron electrocutadas.
Fue nombrado director general de Correos y ya entonces propuso en el Congreso de
Alvan un proyecto para unir las colonias. También fue miembro del Congreso Continental
y, en 1776, firmó la Declaración de la Independencia, ganándose
hábilmente las simpatías de franceses, españoles y holandeses. Desde esa fecha
hasta 1785 estuvo de embajador en París, donde se hizo muy popular en las logias
francmasónicas, e intervino en la paz con Inglaterra, contra la que había luchado en pro
de las libertades de Estados Unidos. A su regreso fue recibido esplendorosamente y
elegido presidente del estado de Pennsylvania hasta 1789, año en que se retiró, tras
formar parte de la Convención que desarrolló la Constitución de su país. Murió en
1790, abrumado de honores científicos y títulos de diversas universidades de Europa y
Norteamérica. Veinte mil personas asistieron a su funeral en Filadelfia. Había hecho
buen uso de sus dos años de escuela.
Principales Inventos de Benjamín Franklin
Franklin fue un prolífico científico e inventorPresentó la teoría del fluido único
(ésta afirmaba que cualquierfenómeno eléctrico era causado por un fluido eléctrico, la
"electricidad positiva", mientras que la ausencia del mismopodía considerarse
"electricidad negativa") para explicar los dos tipos de electricidad atmosférica a partir de
laobservación del comportamiento de las varillas de ámbar, o del conductor eléctrico,
entre otros.-inventó una herramienta llamada "brazo largo" para alcanzar los libros. El
brazo era un palo de madera, con ungancho en un extremo.-Además del
pararrayos,inventó también el llamadohornode Franklin o chimenea de Pensilvania(1744),
metálico
ymás seguro que las tradicionales chimeneas-también invento laslentes bifocales,para
su propio uso, pues decidió buscar una manera de hacer que sus anteojosle
permitieran ver de cerca y de lejos. Uno de los primeros catéteres urinarios flexibles,
para tratar los cálculos urinarios de su hermano John;- elcuentakilómetros,en su etapa
de trabajo en la Oficina Postal- las aletas de nadador- laarmónica de cristal-Estudió
también las corrientes oceánicas calientes de la costa Este de Norteamérica, siendo el
primero en describirlaCorriente del Golfo.
Charles Robert Darwin
Nació en Sherewsbury el 12 de febrero de 1809. Fue el segundo hijo varón de
Robert Waring Darwin, médico de fama en la localidad, y de Susannah Wedgwood, hija
de un célebre ceramista del Staffordshire, Josiah Wedgwood, promotor de la
construcción de un canal para unir la región con las costas y miembro de la Royal
Society. Su abuelo paterno, Erasmus Darwin, fue también un conocido médico e
importante naturalista, autor de un extenso poema en pareados heroicos que
presentaba una alegoría del sistema linneano de clasificación sexual de las plantas, el
cual fue un éxito literario del momento; por lo demás, sus teorías acerca de la herencia
de los caracteres adquiridos estaban destinadas a caer en descrédito por obra,
precisamente, de su nieto. Además de su hermano, cinco años mayor que él, Charles
tuvo tres hermanas también mayores y una hermana menor. Tras la muerte de su
madre en 1817, su educación transcurrió en una escuela local y en su vejez recordó su
experiencia allí como lo peor que pudo sucederle a su desarrollo intelectual. Ya desde
la infancia dio muestras de un gusto por la historia natural que él consideró innato y, en
especial, de una gran afición por coleccionar cosas (conchas, sellos, monedas,
minerales) el tipo de pasión «que le lleva a uno a convertirse en un naturalista
sistemático, en un experto, o en un avaro».En octubre de 1825 Darwin ingresó en la
Universidad de Edimburgo para estudiar
medicina por decisión de su padre, al que siempre recordó con cariño y admiración (y
con un respeto no exento de connotaciones psicoanalíticas); la hipocondría de su edad
adulta combinó la desconfianza en los médicos con la fe ilimitada en el instinto y los
métodos de tratamiento paternos. Sin embargo Darwin no consiguió interesarse por la
carrera; a la repugnancia por las operaciones quirúrgicas y a la incapacidad del
profesorado para captar su atención, vino a sumarse el creciente convencimiento de
que la herencia de su padre le iba a permitir una confortable subsistencia sin necesidad
de ejercer una profesión como la de médico. De modo que, al cabo de dos cursos, su
padre, dispuesto a impedir que se convirtiera en un ocioso hijo de familia, le propuso
una carrera eclesiástica. Tras resolver los propios escrúpulos acerca de su fe, Darwin
aceptó con gusto la idea de llegar a ser un clérigo rural y, a principios de 1828, después
de haber refrescado su formación clásica, ingresó en el Christ's College de Cambridge.
Una nueva vida
Pero en Cambridge, como antes en Edimburgo y en la escuela, Darwin perdió el
tiempo por lo que al estudio se refiere, a menudo descuidado para dar satisfacción a su
pasión por la caza y por montar a caballo, actividades que ocasionalmente culminaban
en cenas con amigos de las que Darwin conservó un recuerdo -posiblemente
exagerado- como de auténticas francachelas. Con todo, su indolencia quedó
temperada por la adquisición de sendos gustos por la pintura y la música, de los que él
mismo se sorprendió más tarde, dada su absoluta carencia de oído musical y su
incapacidad para el dibujo (un «mal irremediable», junto con su desconocimiento
práctico de la disección, que representó una desventaja para sus trabajos posteriores).
Más que de los estudios académicos que se vio obligado a cursar, Darwin
extrajo provecho en Cambridge de su asistencia voluntaria a las clases del botánico y
entomólogo reverendo John Henslow, cuya amistad le reportó «un beneficio
inestimable» y que tuvo una intervención directa en dos acontecimientos que
determinaron su futuro: por una parte, al término de sus estudios en abril de 1831,
Henslow le convenció de que se interesase por la geología, materia por la que las
clases recibidas en Edimburgo le habían hecho concebir verdadera aversión, y le
presentó a Adam Sedgwick, fundador del sistema cambriano, quien inició precisamente
sus estudios sobre el mismo en una expedición al norte de Gales realizada en abril de
ese mismo año en compañía de Darwin (treinta años más tarde, Henslow se vería
obligado a defender al discípulo común ante las violentas críticas dirigidas por
Sedgwick a las ideas evolucionistas); por otra parte, lo que es aún más importante, fue
Henslow quien le proporcionó a Darwin la oportunidad de embarcarse como naturalista
con el capitán Robert Fitzroy y acompañarle en el viaje que éste se proponía realizar a
bordo del Beagle alrededor del mundo.
Pierre Curie
(1859 - 1906)
Fue un reconocido científico ganador del Premio Nobel de Física en el año
1903 y considerado el más grande representante de la física gracias al descubrimiento
de lapiezoelectricidad y por ser el primero en dedicar sus años al estudio de
la radiactividad. Este notable físico nació en Paris, Francia un 15 de mayo de 1859,
muy poco se conoce de su infancia, solo se sabe que su padre fue un gran autodidacta
quien impulso a él y a su menor hermano Jacques a estudiar la ciencia y la física.
Luego de un tiempo de esfuerzo y preparación llego a postular a la universidad de
la Sorbona y se graduó con reconocimiento de la facultad de ciencias.Inicio su
trabajo de investigación con su hermano Jacobs y en el año 1880, su esfuerzo dio su
primer fruto descubriendo la ―piezoelectricidad‖, que es un fenómeno por el cual se
obtiene potencial eléctrico al comprimir un cuarzo o un cristal.
Así ambos científicos pudieron llegar a la conclusión que un cristal puede cambiar de
forma o transformarse cuando es sometido a un fuerte potencial de energía o
calor.Continuo con sus estudios y en el año 1894 demostró el principio de la Simetría,
con el cual demostraba que toda simetría presente en un fenómeno físico se podrá
encontrar en sus consecuencias. A los años siguientes decidió seguir un doctorado
especializándose en elmagnetismo, es así como invento una balanza de torsión por
medio de la cual podía estudiar fenómenos no solo magnéticos, sino también
ferromagneticos, el diamagnetismo y los fenómenos paramagnéticos. Es así como llego
a descubrir la tan conocida ―Ley de Curie‖ que se basa en el efecto que tiene la
temperatura sobre el paramagnetismo.Si bien es cierto este hombre trajo grandes
descubrimientos a la ciencia, se le conoce aun mas por la excelente dupla o equipo
científico que hacía con su esposa, la recordada Marie Sklodowska, conocida solo
como Marie Curie. Ambos se dedicaron a estudiar la radioactividad y dedicaron
muchas horas de su vida en investigar el aislamiento del polonio y del radio.
De unos padres tan notables en el campo de la investigación era lógico que su
hija Irene Joliot-Curie, continúe el trabajo de sus padres y es acreedora a otro Nobel a
la química en el año 1935. Aproximadamente treinta años después de la muerte de su
padre. Pierre Curie murió un 19 de abril de 1906, al ser atropellado por una carroza
en Paris, una mañana cuando se dirigía a su laboratorio.Ese mismo año, Pierre recibe
junto con su esposa y Henrry Becquerel el Premio Nobel a la Física por su
investigación sobre radiación, al igual que recibieron la medalla Davy de la Royal
Society de Londres. El co-descubridor de la radioactividad y de la energía nuclear, fue
educado por su padre y alcanzó el equivalente de un grado universitario a la edad de
18 años.
Luis Pasteur
Químico, fundador de la físico-química, padre de la bacteriología, inventor de
bio-terapéuticas. Nacido en Dole, Jura, Francia, 27 Deciembre de1822; murió cerca de
Sevres, 28 Septiembre de 1895. Su padre era un pobre quien se trasladó a Arbois
cuando su hijo sólo tenía dos meses. Pasteur recibió su primera educación en el
Colegio Comunal de Arbois, pero prestó poca atención a los estudios, prefiriendo
pescar y dibujar. Durante algún tiempo pensó que llegaría a ser pintor. Cuando fue
descubriendo la ciencia se sintió muy interesado.
Se graduó en Besancon y para consagrarse totalmente a la ciencia se trasladó a
Paris para estudiar bajo el magisterio de Dumas, Balard y Biot. Su padre le ayudó, pero
tenía que financiarse él mismo parte de sus propios trabajos. Su primer trabajo original
versó sobre los cristales. Mitscherlich anunció que dos ácidos, aparentemente idénticos
en sus químicas cualidades y en su cristalina forma, actúan diferentemente en la
solución por la luz polarizada. Rechazando aceptar esta afirmación, Pasteur demostró
que los cristales aunque parecieran similares eran diferentes y demostró la aparente
contradicción.
Su descubrimiento llamó poderosamente la atención. Como consecuencia se
entregó al estudio de lo que llamó disimetría, indicando que las sustancias inorgánicas
no son disimétricas en su cristalización, por el contrario todos los productos de la vida
vegetal y animal son disimétricos. Concluyó que debajo de estas apariencias había un
gran principio biológico. Como resultado de su descubrimiento fue nombrado(1844)
profesor de Física en el Liceo de Dijon, tres meses después se le nombró profesor
asociado de Química en la Universidad de Estrasburgo y profesor definitivo en 1852; en
1854 decano y profesor de Química en la nueva Universidad de Lille; en 1856 la
Sociedad Real Inglesa le confirió el Rumford Medal por el descubrimiento sobre la
polarización de la luz con de cristales; en 1857 es nombrado director de estudios
científicos en la Escuela Normal de París; en 1863 profesor de Geología y Química en
la Escuela de Bellas Artes, en 1869 profesor de Química en la Sorbona, en donde
permaneció hasta 1889, cuando fue nombrado Director del Instituto Pasteur, fundado
en su honor.
Sus primeros estudios químicos le orientaron a la investigación de la
fermentación y putrefacción, demostró que eran debidas a varias clases de gérmenes
vivientes. Partiendo de aquí demostró que la generación espontánea era imposible.
Demostró que en la materia altamente organizada, si los gérmenes vivos son todos
destruidos, y si además el acceso de los gérmenes es controlado de tal modo que
nunca al aire se le permite el libre acceso, la fermentación o la putrefacción no se
producen. Una pieza de algodón empañada y colocada en un matraz libre de gérmenes
es suficiente después de esterizarla, para mantener la orgánica solución
completamente estéril.
El estudio de la fermentación condujo a Pasteur a estudiar el vinagre, el vino y la
cerveza. Como resultado de esta feliz investigación de fermentos fue requerido por el
Emperatriz Eugenia para que se consagrase a la organización de una gran industria
manufacturera para beneficio de Francia. Respondió que consideraba incompatible con
la dignidad de un científico dedicar su tiempo al comercio, y mientras él estaba
dispuesto para que otros se aprovechasen de la ventaja de sus descubrimientos, él
deseaba dedicarse totalmente al trabajo científico.
Esta fue una postura afortunada. Sus exitosos descubrimientos motivaron que el
Gobierno Francés lo llamara para estudiar la enfermedad del gusano de seda. Esta
había producido tales prejuicios en la industria de la seda francesa que su final parecía
próximo. Se habían ensayado muchos expedientes y supuestos remedios. Gusanos de
seda frescos habían sido traídos desde China en numerosas ocasiones, pero habían
sucumbido a la enfermedad, o sus crías se habían visto afectadas por ellas. Nada
había viable y el asunto parecía desesperado. Pasteur halló que el gusano de seda
había sufrido dos enfermedades, pebrine y flacherie, y que la extensión de esas
enfermedades podría ser prevenida por la cuidadosa separación de los gusanos sanos
de los enfermos.
El anuncio parecía demasiado bueno para ser verdadero y escuchado. Pasteur
demostró su absoluta verdad y su práctica capacidad para poder encargarse de la villa
del Príncipe Imperial Francés, en donde la industria de la seda se había sido arruinado.
Al final del año el saldo de capullos dio una ganancia neta de 26.000.000 francos
(cerca de 5.000.000).Naturalmente Pasteur procedió a estudiar las enfermedades de los
animales y de los
seres humanos. Demostró la causa bacterial del carbunco (ántrax) que había causado
serios estragos en Francia entre el ganado. El organismo se extendía por contacto, real
contagio. Demostró que las lombrices eran transportadas desde los cuerpos de
animales sepultados en poca profundidad e infectaban a los que pastaban. Halló
además que podía por el calor reducir la vitalidad del microbio ántrax, de tal forma que
producía una leve enfermedad que protegía al ganado contra otra fatal. Después
descubrió la causa del cólera en el ave. Lo cultivó artificialmente y después de un
tiempo sus cultivos no producían la enfermedad en el ave, pensó que esto servía para
protegerlas contra inyecciones de virulentos cultivos que asesinarían al control=1Ffowl.
Los descubrimientos de virus que vacunaban contra estas enfermedades ahorraron a
Francia millones de dólares cada año.
Pasteur continuó con el desarrollo de la bacteriología y su relación con la
enfermedad. Habiendo estudiado muchos casos de niños encamados con fiebre en los
hospitales, declaró ante la sociedad médica que había encontrado su causa y dibujó un
diseño semejante a un rosario que conocemos como un estreptococo, o cadena cocos.
Descubrió otro coco (marrón) forma de microbios patológicos, algunos de los cuales se
organizaban como racimo de uvas, los llamó estafilococo. Por último llegó su trabajo
sobre la rabia. Incapaz de encontrar la causa de la enfermedad, que aún no había sido
descubierta, tuvo éxito preparando con vértebras disecadas de animales muertos un
virus que vacunaba contra la enfermedad, el cual protegía a los seres humanos
atacados por un animal rabioso contra el desarrollo de la rabia.
Este tratamiento encontró una dura oposición. Los alemanes hablaban
despectivamente de " un remedio del que conocemos menos que la enfermedad‖. Con
el tiempo llegó el reestablecimiento de Pasteur. Los rusos, quienes sufrían numerosas
clases de rabias, incluidas las mordeduras de furiosos lobos en las montañas,
reconocieron un gran servicio y el zar honró a Pasteur con una visita personal.
Después Inglaterra y la India lo encontraron como un trabajo maravilloso. Otros países
también lo admitieron. Finalmente el Gobierno Alemán estableció los Institutos Pasteur
y reconoció el descubrimiento.
Muchos honores le fueron concedidos. Además de las RCM (1856-1874), en
1868 el Gobierno Austriaco le concedió un premio de 10.000 francos por su
investigación sobre la enfermedad del gusano de seda; en 1873 la Sociedad Francesa
de Aliento, un premio de 12.000 francos; La Sociedad Rusa de Economía Rural, una
medalla (1882); la medalla de (1882) el Premio Bressa;5000 (Academia de Turín,1888);
el Gobierno Francés, una pensión anual de 12.000 francos (1874) incrementada en
1883 en 25.000 francos y además todos los grados de la Legón de Honor, le fueron
conferido por Rusia, Dinamarca, Gracia, Brasil, Suiza, Turquía, Noruega y Portugal.
Oxford le concedió un D.C.I., Bonn, un honorario M.D., la English Royal Society,
miembro extranjero y la Academia Francesa, su miembro (1881). Fue nombrado
Secretario Perpetuo de la Academia de Ciencias en 1887. Un celebración magnífica
tuvo lugar con motivo de su jubilación a los70 años, 27 de Diciembre, 1892, a cuya
contribución llegaron enviados de todos los países civilizados y todas las grandes
instituciones docentes. La Fe de Pasteur era tan genuina como su ciencia. En su
panegírico de Littré, cuya fauteuil tomó, afirmó: "Feliz el hombre que lleva dentro una
divinidad, un ideal de belleza y lo obedece; y un ideal de arte, y un ideal de ciencia; y
un ideal de país y un ideal de las virtudes del Evangelio".
Estas palabras están gravadas sobre su tumba en el Instituto Pasteur. En sus
cartas escribía: "Estos son los manantiales vivos de los grandes pensamientos y de las
grandes acciones. Todo se transforma claramente desde el Infinito".
Declaraba :"Cuánto más conozco, tanto más cerca está mi fe de la de un campesino
Bretón. Quisiera conocerlo todo y desearía la fe de una campesina Bretona". Lo que el
nunca habría comprendido, sobre todo, es el fracaso de los científicos a reconocer la
demostración de la existencia de Dios presente en el mundo que nos rodea. Murió con
su rosario en sus manos, después de escuchar la vida de San Vicente de Paúl, había
suplicado que se la leyesen, pensaba que con su trabajo como el de San Vicente
podría hacer mucho para salvar a los niños que sufrían.
Las principales obras de Pasteur son: "Etudes sur le vin", (1866); "Etudes sur le
Vinnaigre » (1868) « Etudes sur la Maladie des Vers á Soie » (2vols.,1870) ;
« Quelques Réflexions sur la Science en France » (1871) ; Etudes sur la Biére »(1876) ;
« Les Microbes organiosés, leur rôles dans la Fermentation, la Putrefaction et la
Contagion » (1878) « Discours de Réception de M.L., Pasteur á l´Academie
Française »(1882) « Traitement de la Rage » (1886).
SIGMUND FREUD
Sigmund Freud nació el 6 de mayo de 1856 en Freiberg, Moravia (en la
actualidad, Příbor en la República Checa) en el seno de una familia judía. Aunque el
nombre que figura en su certificado de nacimiento es Sigismund, su padre añadió un
segundo nombre, de origen hebreo, Schlomo o Shelomoh (versiones de Salomón) en
una inscripción manuscrita en la biblia de familia. Un documento de 1871 se refiere a
Freud como Sigmund aunque él mismo no comienza a firmarSigmund hasta 1875 y
nunca usó el segundo nombre.Fue el mayor de seis hermanos (cinco mujeres y un
varón). Tenía además dos hermanastros de un matrimonio anterior de su padre.
En 1860, cuando contaba con tres años de edad, su familia se trasladó a Viena,
esperando el padre recobrar la prosperidad perdida de su negocio de lanas.
A pesar de que su familia atravesó grandes dificultades económicas, sus padres
se esforzaron para que obtuviera una buena educación y en 1873, cuando contaba con
17 años, Freud ingresó en la Universidad de Viena como estudiante de medicina en un
ambiente de antisemitismo creciente. En 1877, abrevió su nombre de Sigismund
Freud a Sigmund Freud. Estudiante poco convencional pero brillante, fue asistente del
profesor E. Brücke en el Instituto de Fisiología de Viena
entre 1876 y 1882.
6 En 1880 conoció al que sería su colaborador Joseph Breuer.
Según se desprende de numerosas cartas entre Freud y su amigo Eduard Silberstein,
escritas entre 1871 y 1881,7ambos aprendieron el español de manera autodidacta.
Incluso formaron una especie de sociedad secreta a la que nombran ―Academia
Castellana‖ (AC)‖y usaron como pseudónimos los nombres de los dos perros protagonistas
de El coloquio de los perros del "gran Cervantes"; solían firmar Freud
como Cipion y Silberstein como Berganza. Publicadas en 1965, las cartas han sido
traducidas al inglés, italiano, español y francés. Las originales se encuentran en
el Library of Congress. En 1881 se graduó como médico. Freud trabajó bajo la
dirección de Theodor Meynert en el Hospital General de Viena entre los
años 1883 y 1885. Como investigador médico, Freud fue un pionero al proponer el uso
terapéutico de lacocaína como estimulante y analgésico. Entre 1884 y 1887 escribió
muchos artículos sobre las propiedades de dicha droga. En base a las
experimentaciones que él mismo realizaba en el laboratorio de neuroanatomía del
notable patólogo austríaco y especialista en histología Salomon Stricker, logró
demostrar las propiedades de la cocaína como anestésico local.
En 1884 Freud publicó su trabajo Über Coca (Sobre la coca), al que sucedieron
varios artículos más sobre el tema. Aplicando los resultados de Freud, pero sin
citarlo, Carl Koller utilizó con gran éxito la cocaína en cirugía e
intervenciones oftalmológicas publicando al respecto y obteniendo por ello un gran
reconocimiento científico. Se ha podido determinar - tras la publicación de las cartas a
su entonces prometida y luego esposa, Martha Bernays - que Freud hizo un intento
frustrado de curar con cocaína a su amigo Ernst von Fleischl-Marxow, quien era adicto
a la morfina, pero el tratamiento sólo agregó una nueva adicción y finalmente falleció.
Se le critica a Freud no haber admitido públicamente este fracaso, así como el hecho
de que su biógrafo y amigo Ernest Jones tampoco lo haya reportado. Es también
conocido que el propio Freud consumió cocaína por algún período de su vida, según se
puede leer en la versión completa de su correspondencia con Wilhelm Fliess.
Profesional debido a la incomprensión e indignación que en general sus teorías
e ideas provocaron, comenzó a formarse un grupo de adeptos en torno a él, el germen
del futuro movimiento psicoanalítico. Sus ideas empezaron a interesar cada vez más al
gran público y se fueron divulgando pese a la gran resistencia que suscitaban. El
primer reconocimiento oficial como creador del psicoanálisis fue en 1902 al recibir el
nombramiento imperial como Profesor extraordinario, hecho que Freud comentaría en
una carta a Wilhelm Fliess fechada en Viena el 11 de marzo de 1902, señalando
sarcásticamente que esto era «...como si de pronto el papel de la sexualidad fuera
reconocido oficialmente por su Majestad...»Internacionalmente, sin embargo, el primer
reconocimiento oficial de su trabajo ocurrió en 1909, cuando la Universidad de Clark,
en Worcester, Massachusetts, le concedió el título honorífico doctor honoris causa.
16 G.
Stanley Hall invitó a Freud a dar una serie de conferencias como parte de las
celebraciones con motivo del vigésimo aniversario de la fundación de la universidad
que presidía, con la intención de divulgar el psicoanálisis en los Estados Unidos.
Freud experimentó la primera disensión interna a su doctrina en octubre
de 1911 cuando Alfred Adler y seis de sus partidarios se dieron de baja de la Asociación
Psicoanalítica Vienesa.
17 Por esta época ya estaba en gestación la que
en 1914, y con más graves consecuencias, protagonizaría Carl Gustav Jung, que
amenazaría con desestabilizar todo el edificio psicoanalítico. En 1923 le fue
diagnosticado un cáncer de paladar, probablemente a consecuencia de su intensa
adicción a los puros, por el cual fue operado hasta 33 veces. Su enfermedad, aparte de
provocarle un gran sufrimiento, una gran incapacidad y una eventual sordera del oído
derecho, lo obligó a usar una serie de incómodas prótesis de paladar que le dificultaron
grandemente la capacidad del habla. Nunca dejó de fumar, con las consecuencias que
esto le acarreó. A pesar de su enfermedad, Freud continuó trabajando como
psicoanalista y, hasta el fin de su vida, no cesó de escribir y publicar un gran número
de artículos, ensayos y libros.
Sigmund Freud en sus últimos años de vida.
Toda la vida de Freud, con la excepción de sus tres primeros años, transcurrió
en la ciudad de Viena. Sin embargo, en 1938, tras la anexión de Austria por parte de
la Alemania nazi, Freud, en su condición de judío y fundador de la escuela
psicoanalítica, fue considerado enemigo del Tercer Reich. Sus libros fueron quemados
públicamente y tanto él como su familia sufrieron un intenso acoso. Reacio a
abandonar Viena, se vio obligado a escapar del país al quedar claro que el peligro que
corría su vida era inminente. En un allanamiento de la casa donde operaba la editorial
psicoanalítica y de su vivienda, su hijo Martin fue detenido durante todo un día. Una
semana más tarde, su hija Anna fue interrogada en el cuartel general de la Gestapo.
Estos hechos lo llevaron a convencerse de la necesidad de partir.
El hecho que sus hermanas (cuatro de ellas permanecieron en Viena) fueran
apresadas más tarde y murieran encampos de concentración confirma a posteriori que
el riesgo vital era completamente real. Gracias a la intervención in extremis de Marie
Bonaparte yErnest Jones consiguió salir del país y refugiarse en Londres, Inglaterra. En
el momento de partir se le exigió que firmara una declaración donde se aseguraba que
había sido tratado con respeto por el régimen nazi. Freud consintió en firmarla pero
añadió el siguiente comentario sarcástico: «Recomiendo calurosamente la Gestapo a
cualquiera».
El 23 de septiembre de 1939, muy deteriorado físicamente e incapaz de soportar
el dolor que le producía la propagación del cáncer de paladar, le recordó a su médico
personal, Max Schur, su promesa de sedación terminal a fin de ahorrarle el sufrimiento
agónico. Freud murió después de serle suministradas tres inyecciones de morfina.
Fue incinerado en el crematorio laico de Golders Green, donde reposan sus cenizas
junto a las de su esposa Martha. A pesar de los implacables y a menudo apremiantes
desafíos a los que virtualmente todas sus ideas tuvieron que enfrentarse, tanto en vida
como una vez desaparecido, Freud se convirtió y sigue siendo una de las figuras más
influyentes del pensamiento contemporáneo.
MAXWELL PLANCK
Físico alemán. Nació en Kiel, donde estudió hasta los nueve años, edad a la que
ingresó en el Maximilian Gimnasium de Munich. En Munich, comienza también sus
estudios universitarios, y al cuarto año de su carrera se traslada a la Universidad de
Berlín. Se interesa mucho desde el primer momento por el estudio de la energía, en
especial de la Termodinámica. En 1879 es aprobada su tesis doctoral, no muy bien
comprendida, e ingresa en la Facultad Científica de Munich.
En 1892, sustituye a Kirchhoff, antiguo profesor suyo en la cátedra de Física
Teórica de Berlín. Hasta este momento, Planck, junto con el cultivo de su afición a la
literatura clásica y a la música, se había enfrentado de lleno y con planteamientos
filosóficos con el problema fundamental de la Física de finales del siglo: la esencia de la
energía, su conservación, su dinamismo...
En el año 1900, y en la Sociedad de Física de Berlín, presenta la forma revolucionaria
que resolvería la cuestión, y para cuya aceptación había que aceptar también dos
presupuestos no menos revolucionarios y que posteriormente serían comprobados:
primero, la existencia de infinitos y diminutos osciladores eléctricos en cada emisor de
energía con período propio de vibración cada uno; segundo, verificación de la emisión y
absorción de energía de los osciladores, mediante una variación a saltos, que son el
producto de una constante denominada «quantum» por la frecuencia del oscilador.
Estos «saltos» serían las unidades mínimas de energía. Tal es la teoría revolucionaria -
tan revolucionaria como la de la Relatividad Generalizada de Einstein- de los Quanta,
que conmocionó a los físicos y amenazó a la Física clásica, Física cuyo fundamento
residía en la continuidad de la energía.
Con el tiempo, las teorías de Planck fueron comprobadas y admitidas, y su fama pronto
fue mundial. En 1918 recibe el Premio Nobel de Física. Ya con muchos años, tuvo que
sufrir el terror del régimen de Hitler: su hijo es fusilado y pierde su casa en Berlín,
teniendo que establecerse en Gotinga, desde donde sigue los progesos que su teoría
experimenta en manos de De Broglie, Heisenberg y Schrödinger. Allí murió. Al año
siguiente se constituyó la Fundación Max Planck.El germen de la teoría cuántica ha sido
desarrollado posteriormente con fuerza y
perfección. Primero, como aplicación al conocimiento de la estructura atómica; luego,
como teoría abstracta de numerosas aplicaciones.
Trabajó como profesor de física en la Universidad de Kiel en 1885, y de 1889 a
1928 dio clases en laUniversidad de Berlín. En el año 1900 formuló que la energía se
radia en unidades pequeñas separadas denominadas "cuantos". Estudiando la
radiación emitida por el llamado "cuerpo negro", para poder explicarla tuvo que
renunciar a a la física clásica e introducir la teoría del "quantum", que al principio ni él
mismo entendía, pero llegó a descubrir la constante universal de la naturaleza, que se
conoce como la Constante de Planck, estableciendo que la energía de cada "quantum"
es igual a lafrecuencia de la radiación, multiplicada por la constante universal.
Estos descubrimientos, no invalidaron la teoría de que la radiación se propagaba
por ondas. Se cree que laradiación electromagnética combina las propiedades de
las ondas y de las partículas. Sus descubrimientos fueron verificados posteriormente
por otros científicos y significaron el nacimiento de un campo totalmente nuevo de la
física, conocido como "mecánica cuántica".
Entre sus obras más importantes se encuentran Introducción a la física teórica (5
volúmenes, 1932-1933) y Filosofía de la física (1936). Colaboró con Albert Einstein y
fue galardonado con numerosos premios, especialmente, el Premio Nobelde Física,
en 1918. En 1930 fue presidente de la Sociedad Kaiser Guillermo para el Progreso de
la Ciencia, que después se llamó Sociedad Max Planck. Sus críticas al régimen
nazi le forzaron a abandonar la Sociedad, de la que volvió a ser su presidente al
acabar la II Guerra Mundial. Perdió a su hijo mayor en guerra. Su casa fue destruida
durante los bombardeos de los aliados, y su otro hijo, Erwin Planck fue ejecutado en
1945 por conspirar contra Hitler. Max Planck falleció en Gotinga el 3 de octubre de
1947.
ALFRED NOBEL
Los Nobel son conocidos en la historia de las ciencias como una familia sueca
de notables químicos e inventores. Olof Nobel desde principios del siglo XVIII se
destacó como tal, además de haber sido un influyente profesor en la Universidad de
Upsala. Su nieto, Inmanuel Nobel, fue tan famoso como su abuelo y su genio creador
en el campo de la química, principalmente en la rama de los explosivos, fue heredado
con creces por sus descendientes. Del matrimonio de Inmanuel con Andrietta Ahlsell
nacieron cuatro hijos varones: Robert y Ludwig, destacados colaboradores de su
padre; Alfred, que inmortalizó el apellido con sus grandes aportes en el campo de la
química de los explosivos y Emil, que murió siendo estudiante universitario, víctima de
una explosión en el laboratorio familiar como consecuencia de las experiencias que
realizaba.
El tercero de los hermanos, Alfred Bernhard Nobel, nació en Estocolmo capital
de Suecia, el 21 de octubre de 1833. Aunque recibió su educación en Rusia y estudió
ingeniería en los Estados Unidos de América junto al famoso ingeniero John Ericson,
su profunda formación científica en todo lo referente a explosivos la alcanzó con su
trabajo junto al padre. Joven aún, Inmanuel Nobel, con toda la familia emigró a San
Petersburgo, Rusia, donde fundó primero un establecimiento destinado a la fabricación
de torpedos y después, sucesivamente, un astillero, una fundición de hierro y fábricas
de armas, en los que laboraron intensamente, junto al progenitor, los tres hijos
mayores. Alfred, que unía a su genio creador en la química, una especial habilidad para
los grandes negocios, cuando aún no había cumplido las tres décadas de vida, fundó
por su propia cuenta, en 1862, una fábrica de nitroglicerina en Estocolmo y tres años
después otras dos, en Winterviken y Kummel del Elba, llegando a ser esta última una
de las más importantes de Europa.
Se dedicó desde entonces a realizar, paciente y temerariamente, estudios sobre
la nitroglicerina con el propósito de atenuar su sensibilidad que hacía imposible su uso
en forma pura. La nitroglicerina que es el más importante de los éteres nítricos de la
glicerina, también denominado trinitrina, había sido descubierta en 1846 por el químico
y médico italiano Ascanio Sobrero, quien la llamó piroglicerina y advirtió la extrema
peligrosidad de su uso comercial. En 1854 Williamson estableció su composición
química, lo que facilitó que años más tarde, con un completo dominio de su
estructura, Nobel pudiera ensayar con diversas sustancias para conocer, cuales podían
atenuar su gran sensibilidad.
Después de un arduo proceso de experimentación, en el que estuvo a punto de
no continuar los estudios emprendidos debido a una violenta explosión en 1864 que
destruyó sus laboratorios y corrió gran peligro su vida, notó que la tierra de infusorios o
trípoli ofrecía la propiedad de ser muy absorbente respecto de la nitroglicerina, pues
retenía en sus poros hasta el 82 por ciento de dicha sustancia lo que daba paso a una
nueva mezcla, que continuaba siendo un gran explosivo, pero que hacía menos
peligroso su manejo. Corría el año 1867 y Nobel acababa de descubrir la dinamita, con
lo que hacía posible el uso industrial de la nitroglicerina y se convertía en el genuino
creador de la moderna pirotecnia. Muy pronto hizo multiplicar los establecimientos
dedicados a esta industria, de proyecciones incalculables, e introdujo la dinamita en
toda Europa y en los Estados Unidos. En 1873 fijó su laboratorio en Saint-Sevrán,
cerca de París y fue entonces que creó la gelatina explosiva, llamada también gelatina
de Nobel, consistente en una mezcla de nitroglicerina y nitrocelulosa.
Todos estos logros no agotaron su genio. En 1880 obtuvo la patente de un freno
automático y de una caldera antiexplosiva, más tarde perfeccionó la concentración de
ácido sulfúrico y de aparatos vaporizadores y congeladores. Junto a esa labor,
encaminó sus esfuerzos en hallar medios modernos que permitieran la refinación del
hierro de fundición. De extraordinaria importancia fue su método para la destilación
contínua del petróleo, aportado en 1884, con el que estableció los fundamentos de la
industria petrolera rusa, cuya ventajosa explotación constituyó una de las bases de su
inmensa fortuna personal. Su último gran aporte lo sería la llamada pólvora sin humo o
balistita, de la que recibió patente de invención en 1888, precursora de la cordita,
materia explosiva lograda por los químicos ingleses Frederick Abel y Jacob Dewar. En
todos estos trabajos fueron constantes colaboradores sus hermanos Robert y Ludwig.
En 1891 trasladó su laboratorio a San Remo, en la Riviera italiana, cerca de los
Alpes. En 1894 compró la fundición de Bofors por dos millones y medio de coronas
suecas con lo que completó su legendario capital y ensanchó la vieja mansión familiar
en Estocolmo, donde pasaba los veranos. Durante los inviernos permanecía en su
refugio de San Remo, cerca de donde vivía Bertha Kinsky, baronesa de von Suttner,
renombrada escritora austríaca, único amor conocido en su productiva vida de sabio
solitario. Allí sorprendió la muerte el 10 de diciembre de 1896 al hombre, que según
frase feliz del ensayista Austin Tower, escribió su historia mojando, valientemente, su
pluma en nitroglicerina. Los últimos años de su vida los pasó Alfred Nobel atormentado
por la idea de que su obra científica había contribuido a que las guerras fueran cada
vez más destructoras y sangrientas, por ello, un año antes de su fallecimiento, el 27 de
noviembre de 1895, otorgó testamento en el que creaba la llamada Fundación Nobel
(Nobelstiftelsen) en los siguientes términos: "Se dispondrá como sigue de todo el
remanente de la fortuna realizable que deje al morir: el capital, realizado en valores
seguros por mis testamentarios, constituirá un fondo cuyo interés se distribuirá
anualmente como recompensa a los que, durante el año anterior, hubieran prestado a
la humanidad los mayores servicios.
El total se dividirá en cinco partes iguales, que se concederán: una a quien, en el
ramo de las Ciencias Físicas, haya hecho el descubrimiento o invento mas importante;
otra a quien lo haya hecho en Química o introducido en ella el mejor perfeccionamiento;
la tercera al autor del más importante descubrimiento en Fisiología o Medicina; la
cuarta al que haya producido la obra literaria más notable en el sentido del idealismo; por
último, la quinta parte a quien haya laborado más y mejor en la obra de la
fraternidad de los pueblos, a favor de la supresión o reducción de los ejércitos
permanentes, y en pro de la formación y propagación de Congresos de la Paz. Los
premios serán otorgados: los de Física y Química por la Academia Sueca de Ciencias;
el de Fisiología o Medicina por el Instituto Carolino de Estocolmo; el de Literatura, por
la Academia de Estocolmo; el de la obra de la Paz, por una comisión de cinco
individuos que elegirá el Storthing noruego*
. Es mi voluntad expresa que en la
concesión de los premios no se tenga en cuenta la nacionalidad, de manera que los
obtengan los más dignos, sean o no escandinavos."
Veinte días después de su muerte, el 30 de diciembre de 1896, el documento
era abierto con todas las formalidades de la ley y algo más de treinta millones de
coronas suecas fueron destinadas a la creación de la Fundación y los réditos de ese
capital habrían de ser entregados anualmente, a partir de 1901 en forma de los cinco
premios dispuestos, a los que se agregaría muchos años después, en 1969, un sexto
destinado a la mejor obra de investigación en el campo de la Economía, creado por el
Banco Nacional de Suecia, que es quien lo paga y otorgado por la Academia Sueca de
Ciencias.
Las instituciones encargadas de adjudicarlos nombraron desde su creación
comités compuestos de tres a cinco de sus miembros, llamados Comités de los
Premios Nobel, para dictaminar acerca de las concesiones. El importe de los mismos
ha sido muy variable en el tiempo de acuerdo con los réditos anuales de la Fundación.
Los premios pueden ser compartidos hasta por tres personas o quedar vacantes y en el
de la Paz, pueden ser galardonadas instituciones, como lo han sido, entre otras: el
Instituto de Derecho Internacional de la Universidad de Gante; el Comité de la Cruz
Roja (Ginebra) y la Oficina Internacional Nansen para refugiados (Ginebra).
NIKOLA TESLA
Nikola Tesla nació de padres serbios en el pueblo de Smiljan, en el Imperio
Austrohúngaro, cerca de la ciudad de Gospić, perteneciente al territorio de la actual
Croacia. Su certificado de bautismo afirma que nació el 28 de junio de 1856
delcalendario juliano, correspondiente al 10 de julio del calendario gregoriano en uso
actualmente. Su padre fue Milutin Tesla, un sacerdote de la iglesia ortodoxa serbia en
la jurisdicción de Sremski Karlovci, y su madre Đuka Mandici.
Se piensa que su origen paterno proviene de alguno de los clanes serbios del
valle delrío Tara, o bien del noble herzegovino Pavle Orlović.
12 Su madre, Đuka,
provenía de una familia domiciliada en Lika y Banija, pero con profundos orígenes
morlacos enKosovo. Era buena fabricando herramientas artesanales caseras y había
aprendido de memoria numerosos poemas épicos serbios, aunque nunca aprendió a
leer. Fue el cuarto de cinco hijos. Su hermano mayor, llamado Dane, murió en un
accidente de equitación cuando Nikola tenía 9 años; sus otras tres hermanas se
llamaban Milka, Angelina y Marica.
Su familia se trasladó a Gospić en 1862. Tesla asistió a la escuela Gymnasium
Karlovac en Karlovac, donde completó el plan de estudios de cuatro años en tres. Más
tarde comenzó los estudios de ingeniería eléctrica en la Universidad de Graz, en la
ciudad del mismo nombre, en 1875. Mientras estuvo allí estudió los usos de la corriente
alterna. Algunas fuentes afirman que recibió la licenciatura de la Universidad de Graz,
sin embargo la universidad afirma que no recibió ningún grado y que no continuó más
allá del segundo semestre del tercer año, durante el cual dejó de asistir a las clases. En
diciembre de 1878 dejó Graz y dejó de relacionarse con sus familiares. Sus amigos
pensaban que se había ahogado en el río Mura. Se dirigió a Maribor, (hoy Eslovenia),
donde obtuvo su primer empleo como ayudante de ingeniería, trabajo que desempeñó
durante un año. Durante este periodo sufrió unacrisis nerviosa. Tesla fue
posteriormente persuadido por su padre para asistir a la Universidad
Carolina en Praga, a la cual asistió durante el verano de 1880. Allí fue influenciado
por Ernst Mach. Sin embargo, después de que su padre falleciera, dejó la Universidad,
completando solamente un curso.
Tesla pasaba el tiempo leyendo muchas obras y memorizando libros completos,
ya que supuestamente poseía unamemoria fotográfica.
24 En su autobiografía relató que
en ciertas ocasiones experimentó momentos detallados de inspiración. Durante su
infancia sufrió varios episodios de una enfermedad muy peculiar, la cual provocaba que
cegadores haces de luz apareciesen ante sus ojos, a menudo acompañados de
alucinaciones. Normalmente las visiones estaban asociadas a una palabra o idea que
le rondaba la cabeza. Otras veces, éstas le daban la solución a problemas que se le
habían planteado. Simplemente con escuchar el nombre de un objeto, era capaz de
visualizarlo de forma muy realista. Actualmente la sinestesia presenta síntomas
similares.
Tesla podía visualizar una invención en su cerebro con precisión extrema,
incluyendo todas las dimensiones, antes de iniciar la etapa de construcción; una
técnica algunas veces conocida como pensamiento visual. No solía dibujar esquemas,
en lugar de eso concebía todas las ideas solo con la mente. También en ocasiones
tenía reminiscencias de eventos que le habían sucedido previamente en su vida; esto
se inició durante su infancia. En 1880, se trasladó a Budapest para trabajar bajo las
órdenes de Tivadar Puskás en una compañía de telégrafos,
25 la compañía nacional de
teléfonos. Allí conoció a Nebojša Petrović, un joven inventor serbio que vivía en Austria.
A pesar de que su encuentro fue breve, trabajaron juntos en un proyecto usando
turbinas gemelas para generar energía continua. Para cuando se produjo la apertura de
la central telefónica en 1881 en Budapest, Tesla se había convertido en el jefe de
electricistas de la compañía, y fue más tarde ingeniero para el primer sistema telefónico
del país. También desarrolló un dispositivo que, de acuerdo a algunos, era un repetidor
telefónico o amplificador, pero que, según otros, pudo haber sido el primer altavoz.
BLAISE PASCAL
Blaise Pascal fue un filósofo, matemático y físico francés, considerado una de
las mentes privilegiadas de la historia intelectual de Occidente y el primero en
establecer las bases de lo que serían las calculadoras y los ordenadores actuales.
Nació en Clermont-Ferrand el 19 de junio de 1623, y su familia se estableció en París
en 1629. Bajo la tutela de su padre, Pascal pronto se manifestó como un prodigio en
matemáticas, y a la edad de 16 años formuló uno de los teoremas básicos de la
geometría proyectiva, conocido como el teorema de Pascal y descrito en su Ensayo
sobre las cónicas.
Pascal inventó la primera calculadora, para ayudar a su padre con las cuentas.
La máquina, llamada Pascalina, era similar a las calculadoras mecánicas de 1940. El
diseño de esta calculadora era complicado, porque en aquélla época, la moneda en
Francia no seguía el sistema decimal. Se fabricaron 50 máquinas pero no se vendieron
muy bien y dejaron de fabricarse.
En 1647 demostró que existía el vacío y en 1648 comprobó que la presión
atmosférica disminuía a medida que aumentaba la altura. Pascal demostró mediante un
experimento que el nivel de la columna de mercurio de un barómetro lo determina el
aumento o disminución de la presión atmosférica circundante. Este descubrimiento
verificó la hipótesis del físico italiano Evangelista Torricelli respecto al efecto de la
presión atmosférica sobre el equilibrio de los líquidos.
Seis años más tarde, junto con el matemático francés Pierre de Fermat, Pascal formuló
la teoría matemática de la probabilidad, que ha llegado a ser de gran importancia en
estadísticas actuariales, matemáticas y sociales, así como un elemento fundamental en
los cálculos de la física teórica moderna. Otras de las contribuciones científicas
importantes de Pascal son la deducción del llamado ‗principio de Pascal‘, que establece
que los líquidos transmiten presiones con la misma intensidad en todas las direcciones,
y sus investigaciones sobre las cantidades infinitesimales. Pascal creía que el progreso
humano se estimulaba con la acumulación de los descubrimientos científicos.
Pascal fue uno de los más eminentes matemáticos y físicos de su época. Estuvo muy
influenciado por la religión, incluso escribió artículos sobre religión y en defensa de los
Jansenistas que se oponían a los Jesuitas. Pascal murió el 19 de agosto de 1662 en
París, a los 39 años, a causa de un tumor cerebral
Obras
1640 — Teorema de Pascal
1651 — Traité du vide
1654 — Traité du triangle arithmétique (Teoría de probabilidad y combinatoria)
1654 — Entretien avec Savi sur Epictète et Montaigne
1656 — Lettres à un Provincial (Cartas provinciales)
1657 — L`art de persuader (El arte de convencer)
1658 — Traité général de la roulette
1670 — Pensées sur la religión
Obra
Filosofía:
Descartes trató de aplicar a la filosofía los procedimientos racionales inductivos
de la ciencia, y en concreto las matemáticas. Antes de que su método existiera,
la filosofía era dominada por el método escolástico, que se basaba en comparar y
contrastar las opiniones de autoridades reconocidas. Pero Descartes rechazó este
sistema estableciendo: “En nuestra búsqueda del camino directo a la verdad, no
deberíamos ocuparnos de objetos de los que no podamos lograr una certidumbre
similar a las de las demostraciones de la aritmética y la geometría” Por esto mismo
determinó no creer en una verdad hasta tener las verdaderas razones para creerla.
Tuvo solo un conocimiento seguro con el que comenzó sus investigaciones:“Pienso,
luego existo” Descartes tenía una visión distina, para la época, acerca de la existencia
de Dios. Según sufilosofía, Dios creó dos sustancias que conforman toda la realidad:
Una clase era la pensante o la inteligencia, mientras que la otra era la sustancia
extensa, o física.
Ciencia:
La filosofía de Descartes lo llevó a elaborar explicaciones complejas y erróneas
de diversos fenómenos físicos. Sin embargo, estas explicaciones cobraban valor al
sustituir los vagos conceptos espirituales de la mayoría de los autores clásicos por un
sistema de interpretaciónmecánica de los fenómenos físicos. También formuló algunas
teorías en el ámbito de la fisiología y la óptica.
Matemáticas:
La contribución mas notable de Descartes a las matemáticas fue la
sistematización de la geometría analítica. Contribuyó también a la elaboración de
la teoría de las ecuaciones. Asimismo, fue él quien comenzó la utilización de las
últimas letras del alfabeto (X, Y y Z) para designar las cantidades desconocidas, y las
primeras (A, B y C) para las conocidas. También inventó el método de las exponentes
(como por ejemplo x2) para indicar las potencias de los números. Además, formuló la
regla, conocida como la Ley Cartesiana de Los Signos, para descifrar el números de
raices negativas y positivas de cualquier ecuación algebraica.
TOMÁS ALVA EDISON
De era un niño era llamado Al, y se lo recordaba como un muchachito feliz,
alegre y simpático, pero distraído y obstinado. Su padre, era fabricante de durmientes
para ferrocarril, decidió trasladarse a Ohío con toda su familia. En la escuela primaria
sus maestros no le tenían mucha simpatía y lo consideraban un mal estudiante, capaz
sólo de calentar los bancos de la clase. Con su madre tenía una muy buena relación, y
él la recordaba como "comprensiva , cariñosa y su mejor maestra" y según sus
biógrafos tuvo una influencia muy destacada en la vida de su hijo, pues es probable
que sin ella hubiera sido un hombre ignorante, incomprendido y desdichado. Cuando
pesaba por fracasos escolares su madre siempre estaba ahí presente para ayudarlo y
así con tiempo logró terminar su carrera inicial.
Siempre vivió con sueños, imaginando con distintos inventos y sistemas
mecánicos para agilizar procesos industriales u personales. Era de una personalidad
incansable, entusiasta, sabía que las ideas, para dar su fruto, deben apoyarse en la
investigación científica más cuidadosa y perfecta. Trabajó tesoneramente. Deseaba
adquirir y leer todos los libros científicos necesarios para sus anhelados experimentos.
Se convirtió en vendedor de frutas y más adelante se presentó en las oficinas de la
compañía ferroviaria donde trabajaba un amigo de su padre, diciéndole: "No aspiro a
un puesto, deseo sólo una autorización para vender diarios y alimentos en los trenes."
Días más tarde llegaba la autorización anhelada, para la línea Port Hurón-Detroit. Este
mejoramiento económico hizo que Edison pueda acceder a buena literatura para sus
intereses y haga de los mas variados experimentos con mezclas, frascos de química,
imanes, probetas y toda clase de aparatos para la ocación.
Mas tarde su padres cedió una parte del sótano para laboratorio, y así colmó
uno de los mayores deseos de su hijo. Un acontecimiento que casi le cuesta la vida
debía turbar la dicha del futuro sabio. La compañía le permitió instalar, en un coche
furgón, una pequeña imprenta para la publicación del "Weekly Herald" cuya dirección,
redacción y compaginación estaban completamente a su cargo. Este semanario
publicaba las noticias de la guerra entre norteños y sureños, recogidas en Detroit. Al
bajar para vender —al precio de 3 centavos el ejemplar— la ultima edición, no advirtió
que el tren se había puesto en marcha. De un salto trepó al estribo del último coche,
quedando suspendido. Imposibilitado para mantenerse mucho tiempo en esa posición
acrobática, debió su salvación a la rapidez de un empleado que lo ayudó a entrar en el
vagón, pero que desgraciadamente lo golpeó en el oído. El salvamento le produjo una
mastoiditis que determinó en el joven una semisordera incurable. Aceptó ese
contratiempo con resignación, pero tuvo que renunciar al puesto.
Cierto día salvó la vida de un niño que estaba sobre los rieles, a punto de ser
atropellado por un tren. Ese acto de arrojo le valió la gratitud y el afecto del padre de la
criatura que en ese entonces era telegrafista en Port Hurón y que le dijo: "Lo que yo
puedo hacer por ti es enseñarte mi oficio. Cuando lo conozcas te será mucho más fácil
conseguir un buen empleo." Mientras aprendía el alfabeto Morse, Edison vivía
fascinado, entusiasmado, por el funcionamiento de la máquina. Un año después lo
veremos en su primer puesto de telegrafista de Cincinnati. Seguidamente se trasladó a
Boston. A la edad de 22 años (1869) vivía en Nueva York y trabajaba en una compañía
importante. Un día se produjo un desperfecto en el aparato transmisor. Edison se
ofreció para repararlo y cumplió tan brillantemente su tarea que fue nombrado
consejero técnico.
Durante este nuevo período de su vida inventó un registrador eléctrico para los
votos parlamentarios que, sin embargo, no obtuvo el éxito esperado; pero, incansable
en sus investigaciones, inventó otra máquina que reemplazó al anticuado indicador
telegráfico de las cotizaciones de valores. Esto le produjo 40.000 dólares de ganancia
que le permitieron abandonar su empleo y abrir un laboratorio en Newark. La
personalidad del joven sabio era tan definida que sus colaboradores aceptaron
modestos salarios y penosos horarios con tal de trabajar junto a él. Su encantadora
vecina, Mary Stillwall, después de haber sido su primera secretaria, aceptó ser su
esposa a pesar de la existencia modesta que Tomas le ofrecía. Mary, cariñosa, fiel y
buena, compartió sin quejas las privaciones, las fatigas y las preocupaciones que un
día debían transformarse en riqueza y gloria.
Desde 1870 hasta 1876, Edison hizo patentar 120 inventos distintos, algunos
muy importantes. Entre ellos estaba el multicopista (mimeógrafo), destinado a la copia
de escritos y dibujos que se reproducen mediante un papel especial cubierto de
parafina, y un aparato con sirena para alertar policías y bomberos. Pero el más notable
fue el sistema de telégrafo automático, que consistía en una cinta perforada que
permitía la impresión de un mensaje en letras, en vez del antiguo sistema de puntos y
líneas. Este nuevo aparato, ensayado con enorme éxito, realizaba la anhelada
posibilidad de permitir la transmisión simultánea de varios mensajes con el mismo
cable.
Mientras tanto Edison había abandonado sus laboratorios de Newark para
trasladarse a locales más grandes y mejor equipados cerca de West Orange. El lugar
donde se levantaron sus nuevos laboratorios debía procurarle más tarde el apodo de
"Brujo de Menlo Park". Aquí tuvo como colaboradores, entre otros personajes
destacados, al físico e inventor estadounidense de origen croata Nikola Tesla. Sus
numerosos estudios sobre la acústica, a la que dedicaba largas horas desde hacía
muchos años, le valieron el más original de sus descubrimientos: el fonógrafo. Se sabe
también, que pasó al mismo tiempo, otro sabio francés de nombre Charles Cros,
inventaba una máquina llamada "parlante" ... El hecho es asombroso por cuanto los
dos hombres trabajaban separadamente.
El primer fonógrafo consistía en un cilindro sobre el cual se ajustaba una bocina que
recibía la voz unida a una punta que grababa las vibraciones sonoras. Provisto de este
aparato curiosísimo, Edison se presentó ante el señor Beach, director de una de las
más importantes revistas científicas americanas. "Buenos días" dijo la voz de Edison,
saliendo del aparato./'¿qué pensáis del fonógrafo?". Beach se sobresaltó ,pero pronto
se sobrepuso al asombro y preparó inmediatamente un número especial para anunciar,
en el "Scientific American", el nuevo y prodigioso invento. Esto ocurría en 1878. El gran
hombre era feliz como un niño que hubiera llegado a fabricar un juguete maravilloso.
A partir de este instante trabajará incansablemente y éste será el período más
absorbente de su vida. El mundo estaba deseando el alumbrado público. La lámpara
de arco, derivada del invento del italiano Volta, no era práctica pues producía una luz
demasiado violenta, cara y "ruidosa". Un grupo de financistas e industriales confió a
Edison la solución del problema que otros no habían podido resolver. Éste concibió una
pequeña lámpara incandescente, pero ese proyecto no se pudo realizar sino dos años
más tarde. Durante ochocientos días y ochocientas noches, secundado por sus más
fieles colaboradores, tuvo la paciencia de ensayar seis mil fibras diferentes: vegetales,
minerales, animales y aun humanas, pues hasta un pelo de la barba rojiza de uno de
sus asistentes se utilizó en los experimentos.
El recipiente (un pequeño globo de vidrio que le había valido meses de trabajo) estaba
listo. Pero lo que no había podido encontrar aún, era el filamento capaz de resistir la
incandescencia por mucho tiempo. Parece que la noche fue buena consejera y la
suerte favoreció a su genio. Mientras leía a la luz de una lámpara de petróleo, su mano
se untó con hollín al tocar inadvertidamente el tubo. Examinándosela ,pensó de pronto
que sólo un filamento carbonizado podría mantenerse largo tiempo incandescente sin
destruirse, siempre que estuviera en el vacío.
MARIE CURIE
Inestigadora francesa, de origen polaco, cuyo apellido de soltera fue
Sklodowska. nació en Varsovia y murió en Sallanches (1867-1934). Colaboró con su
esposo, Pierre Curie, en la investigación de los fenómenos de radiación, descubierta
por el profesor Henri Becquerel.Por estos trabajos Becquerel compartió el premio Nobel
de Física (1903) con el
matrimonio. Fallecido Pierre Curie, Marie prosiguió los estudios iniciados en común y,
en 1911, obtuvo el premio Nobel de Química, por el descubrimiento de los elementos
radiactivos radio y polonio. Pierre fue un físico francés, n. y m. en París (1859-1906).
Educado en la Sorbona. Descubrió en 1883 la piezoelectricidad. Empezó su estudio de
los cuerpos radiactivos en 1896 en unión con su esposa Marie Curie, con la que recibió
el premio Nobel de Física en 1903.
En medio de un desorden increíble en el «hangar» que les servía de laboratorio
en la Escuela de física y química de París, Fierre y Marie Curie se afanaban. Desde
que conocieron los trabajos del físico Henri Becquerel, que descubrió la radiactividad,
dedicaron toda su energía al estudio de esta radiación. A partir de la pechblenda, un
mineral de uranio, lograron aislar en 1898 dos nuevos elementos, el radio y el polonio,
este último fue nombrado así por Marie en recuerdo de su país natal. En 1903, ambos
sabían que sus trabajos habían llamado la atención de la comunidad científica. En
junio, Marie presentó su tesis sobre las propiedades atómicas del uranio ante un jurado
absorto.
En el transcurso del mismo mes, la célebre Royal Institution británica los invitó a
presenta: un ciclo de conferencias. En noviembre, la Royal Society de Londres les
concedió la medalla Davy. Finalmente, el 10 de diciembre, la Academia de Ciencias de
Estocolmo, en Suecia, anunció públicamente que se les había otorgado el premio
Nobel de física, junto con Henri Becquerel. Una pareja discreta de científicos accedía
así a la celebridad. En su laboratorio, Pierre y Marie Curie formaban una pareja
totalmente dedicada a la ciencia. Estaban convencidos de que ésta debía ayudar a la
humanidad a vivir mejor: Fue este humanismo, así como sus investigaciones los que
forjaron su renombre mundial.
Una joven brillante: Marja Skíodowska nació el 7 de noviembre de 1867 en Varsovia,
que entonces estaba ocupada por los rusos. Al terminar sus estudios secundarios en
forma brillante, Marja soñaba con abrazarla carrera científica, pero en Polonia las
mujeres no estaban autorizadas a ingresar en la universidad. Sus padres
lamentablemente no le podían ofrecer estudios en el extranjero: su hermana Bronja iría
a París a estudiar medicina. Marja permaneció en Polonia dando lecciones particulares
a los niños de familias acomodadas, mientras que en el mayor secreto, en las tardes,
impartía cursos a los obreros en la universidad libre polaca.
En 1891, sin hablar una palabra de francés, viajó a París para encontrarse con su
hermana. En la Sorbona, Marja siguió cursos de física. Era una estudiante brillante y
aprobó en 1893 su licenciatura, ocupando el primer lugar. Al año siguiente fue segunda en
la licenciatura de matemáticas. Por intermedio de un amigo polaco conoció a Pierre
Curie, ocho años mayor que ella, físico en la Escuela de física y química de París, con
el que se casó en julio de 1895.
«En interés de toda la humanidad»
«Renunciando a la explotación de nuestro descubrimiento, nosotros hemos renunciado
a la fortuna que habría podido, después de nosotros, ser transmitida a nuestros niños.
Yo he debido defender nuestras concepciones frente a nuestros amigos, quienes
pretendían, no sin una razón valiosa, que si hubiéramos garantizado nuestros
derechos, habríamos conseguido los medios financieros necesarios para la creación de
un Instituto del radio satisfactorio. [...] La humanidad tiene ciertamente necesidad de
hombres prácticos que saquen el máximo partido de su trabajo sin olvidar el bien
general, salvaguardando sus propia: intereses. Pero tiene también necesidad de
soñadores para quienes las prolongaciones desinteresadas de una empresa son tan
cautivadoras que les resulta imposible a mirar por sus propios beneficios materiales.
[...] Sin embargo, una sociedad bien organizada debería siempre asegurar a sus
trabajadores los medios eficaces para cumplir su función en una vida desembarazada
de las preocupaciones materiales y libremente consagrada al servicio de a
investigación científica».
CRONOLOGÍA:
1859: Nacimiento de Pierre Curie en París, el 15 de mayo.
1867: Nacimiento de Marja Sklodowska en Varsovia, el 7 de noviembre.
1891: Llegada de Marja a París.
1895: Wilhelm Conrad Roentgen descubre los rayos X. Pierre Curie obtiene su
doctorado y se casa con Marja.
1897: Nacimiento de Irene, primera hija de Pierre y Marie Curie, el 12 de
septiembre.1898: Descubrimiento del radio y del polonio.
1903: El premio Nobel de física es otorgado a Henri Becquerel y a Pierre y Marie Curie.
1904: Pierre es nombrado profesor de física en la Sorbona. Nacimiento de Eve,
segunda hija de los Curie.
1906: Muerte accidental de Pierre Curie. Marie es la primera mujer que enseña en la
Sorbona.
1911: Marie Curie recibe el premio Nobel de química.
1914: Fundación del Instituto del radio.
1914 - 18: Marie instruye a enfermeras en radiología para cuidar los heridos de guerra.
1921: Nacimiento de la Fundación Curie, para el tratamiento del cáncer.
1922: El 7 de febrero, Marie Curie ingresa en la Academia de medicina.
1926: Frédéric Joliot es empleado en el Instituto del radio.
1924: Matrimonio de Frédéric Joliot y de Irene Curie.
1934: Muerte de Marie Curie.
1935: Irene y Frédéric Joliot-Curie reciben el premio Nobel de química.
MICHAEL FARADAY
Nació el 22 Septiembre de 1791 en Newington Butts, Surrey (ahora Londres)
Inglaterra y Muerio el 25 Agosto de 1867 en Hampton Court, Middlesex,
Inglaterra Sin embargo fue una figura importante y su ciencia tuvo tan gran impacto en
la obra de aquéllos que desarrollaron las teorías matemáticas que es apropiado
incluirlo. Diremos más sobre esto más adelante. El padre de Faraday, James Faraday,
era un herrero que procedía de Yorkshire, al norte de Inglaterra, mientras que su madre
Margaret Hastwell, también del norte de Inglaterra, era la hija de un granjero. A
primeros de 1791 James y Margaret se mudaron a Newington Butts, que era por
entonces un pueblo a las afueras de Londres, donde James esperaba que hubiera más
trabajo. Ya tenían dos hijos, un niño, Robert, y una niña, antes de mudarse a
Newington Butrs y Michael nació sólo unos pocos meses después de este traslado.
El trabajo no era fácil de encontrar y la familia se mudó de nuevo,
permaneciendo en o alrededor de Londres. Alrededor de 1795, cuando Michael tenía
unos cinco años, la familia estaba viviendo en Jacob's Wells Mews en Londres. Tenían
habitaciones en una posada de carretera y, por esta época, había nacido ya una
segunda hija. Fueron tiempos duros particularmente ya que el padre de Michael tenía
una salud precaria y no era capaz de aportar mucho para su familia. La familia se
mantuvo unida por una fuerte fe religiosa, eran miembros de los Sandemanianos, una
forma de la Iglesia Protestante que se había escindido de la Iglesia de Escocia. Los
Sandemanianos creían en la verdad literal de la Biblia e intentaban recrear el sentido
del amor y la comunidad que habían caracterizado a la primitiva Iglesia Cristiana.
La influencia religiosa fue importante para Faraday ya que las teorías que más
tarde desarrolló estuvieron fuertemente influenciadas por la creencia en la unidad del
mundo. Michael asistió a un colegio externo donde aprendió a leer, escribir, y contar.
Cuando Faraday tuvo trece años tuvo que encontrar trabajo para ayudar a la economía
familiar y fue empleado haciendo recados para George Riebau que tenía un negocio de
librería. En 1805, tras un año como un chico de los recados, Faraday fue tomado por
Riebau como aprendiz de encuadernador. Duró siete años como aprendiz de Riebau.
No sólo encuadernaba libros, sino que también los leía. Riebau escribió una carta en
1813 en la que describía cómo Faraday pasaba sus días de aprendiz.
A partir de 1810 Faraday asistió a clases en la casa de John Tatum. Asistió a
clases sobre temas muy diversos pero estaba particularmente interesado en los de
electricidad, galvanismo y mecánica. En la casa de Tatum hizo dos amigos especiales,
J. Huxtable que era estudiante de medicina, y Benjamin Abbot que era secretario. En
1812 Faraday asistió a las clases de Humphry Davy en la Royal Institution e hizo
meticulosas copias de las notas que había tomado. De hecho estas clases se
convertirían en el pasaporte de Faraday para una carrera científica. En 1812, en un
intento de mejorar sus habilidades literarias, mantuvo correspondencia con Abbot. Ya
había intentado dejar la encuadernación y el camino que emprendió era en verdad
bastante ambicioso. Había escrito a Sir Joseph Banks, el Presidente de la Royal
Society, preguntando cómo podría implicarse en el trabajo científico.
Quizá no era sorprendente que no recibiera respuesta. Cuando terminó su
aprendizaje en Octubre de 1812, Faraday consiguió un trabajo como encuadernador
pero todavía intentaba introducirse en la ciencia y de nuevo escogió un camino algo
ambicioso para un joven con poca educación formal. Escribió a Humphry Davy, que
había sido su héroe desde que asistió a sus clases de química, enviándole copias de
las notas que había tomado en sus clases. Davy, a diferencia de Banks, le respondió
concertando una cita. Aconsejó a Faraday seguir trabajando como encuadernador,
diciendo: La ciencia [es] una señora muy exigente, y desde un punto de vista
económico bastante tacaña para aquellos que se dedican a su servicio.
Poco después de la entrevista, el ayudante de Davy tuvo que ser despedido por
batirse y Davy envió a por Faraday y le invitó a cubrir el puesto vacante. En 1813
Faraday ocupó el puesto en laRoyal Institution. En octubre de 1813 Davy partió en una
expedición científica y se llevó a Faraday con él como asistente y secretario. Faraday
se encontró con Ampère y otros científicos en París. Viajaron hacia Italia donde
pasaron un tiempo en Génova, Florencia, Roma y Nápoles. Dirigiéndose de nuevo al norte
visitaron Milán donde Faraday encontró a Volta. El viaje fue muy importante para
Faraday: Estos dieciocho meses en el extranjero habían tomado el lugar, en la vida de
Faraday, de los años pasados en la universidad por cualquier otro hombre. Consiguió
un conocimiento práctico del francés y el italiano; había añadido considerablemente a
sus logros científicos y se había encontrado y hablado con muchos de los principales
hombres de ciencia extranjeros; pero, sobre todo, el viaje había sido lo más valioso
para él hasta esa fecha, una influencia enriquecedora.
A su regreso a Londres, Faraday fue reempleado como asistente en la Royal
Institution. Su trabajo allí estuvo principalmente dedicado a los experimentos de
química en el laboratorio. También comenzó a dar clases sobre temas de química en
la Sociedad Filosófica. Publicó su primer artículo en 1816 sobre la cal viva desde
Toscana. En 1821 Faraday se casó con Sarah Barnard con quien se había reunido
mientras asistían a la Iglesia Sandemaniana. Faraday fue nombrado Superintendente
de la Casa y Laboratorio en la Royal Institution y le fueron concedidas habitaciones
suplementarias para que pudiera casarse. El año 1821 marcó otra época importante
para las investigaciones de Faraday. Hasta ahora había trabajado casi íntegramente en
temas de química aunque uno de sus intereses desde sus días de encuadernador
había sido la electricidad. En 1820 varios científicos de París, incluido Arago y Ampère
hicieron significativos avances en el establecimiento de una relación entre la
electricidad y el magnetismo. Davy se interesó en el tema y esto dio a Faraday la
oportunidad de trabajar sobre el tema. Publicó Sobre algunos nuevos movimientos
electro-magnéticos, y sobre la teoría del magnetismo en la Revista Trimestral de
Ciencia en octubre de 1821. Pearce Williams escribe: Registra la primera conversión de
energía eléctrica en mecánica. También contenía la primera noción de la línea de
fuerza.
Es la obra de Faraday sobre la electricidad la que nos ha llevado a incluirlo en
este archivo. Sin embargo debemos destacar que Faraday no fue en ningún sentido un
matemático y casi todos sus biógrafos le describen como un 'analfabeto matemático'.
Nunca aprendió nada sobre matemáticas y sus contribuciones a la electricidad fueron
puramente las de un experimentador. ¿Por qué entonces incluirlo en un archivo de
matemáticos? Bien, fue la obra de Faraday la que condujo a las profundas teorías
matemáticas de la electricidad y el magnetismo. En particular las destacables teorías
matemáticas sobre el tema desarrollado por Maxwell no habrían sido posibles sin el
descubrimiento de Fararaday de varias leyes. Este es un punto que el mismo Maxwell
destacó en muchas ocasiones. En los diez años desde 1821 a 1831 Faraday de nuevo
abordó la investigación química. Sus dos obras más importantes sobre química durante
ese periodo fueron la licuefacción del cloro en 1823 y el aislamiento del benceno en
1825. Entre estas fechas, en 1824, fue elegido miembro de la Royal Society. Fue ésta
una época difícil para Faraday ya que Davy era por entonces presidente de la Royal Society
y no podía ver al hombre que él aún consideraba su asistente como Miembro.
Aunque Davy se opuso a su elección, fue sobrepasado por los otros miembros.
Faraday nunca tuvo en cuenta el incidente contra Davy, manteniéndolo siempre en el
mejor de los recuerdos. Faraday presentó una serie de seis conferencias de Navidad
para niños en la Royal Institution en 1826. En 1831 Faraday regresó a su trabajo sobre
la electricidad e hizo lo que dudosamente se considera su mayor descubrimiento, es
decir la inducción electromagnética. Este descubrimiento fue el opuesto al que había
hecho diez años antes. Mostró que un imán puede inducir una corriente eléctrica en un
cable. Así fue capaz de convertir una energía mecánica en una energía eléctrica y
descubrir la primera dinamo.
De nuevo convirtió las líneas de fuerza en el centro de su razonamiento. Publicó
su primer artículo lo que se convertiría en una serie en el Investigaciones
experimentales sobre la electricidad en 1831. Él leyó el artículo ante la Royal Society el
24 de noviembre de ese año. En 1832 Faraday comenzó a recibir honores por sus
importantes contribuciones a la ciencia. En ese año recibió un título honorario de la
Universidad de Oxford. En febrero de 1833 llegó a ser Catedrático Fulleriano de
Química en la Royal Institution. Honores posteriores como la Medalla Real y la Medalla
Copley, ambas de la Royal Society, estaban por venir. En 1836 fue hecho miembro del
Senado de la Universidad de Londres, que fue un acuerdo con la Corona. Durante este
periodo, comenzando en 1833, Faraday hizo importantes descubrimientos en
electroquímica. Siguió trabajando en electrostática y para 1838, él: estaba en posición
de encajar todas la piezas juntas en una teoría coherente de la electricidad.
La extremada carga de trabajo pasó factura con el tiempo a la salud de Faraday
y en 1839 sufrió una depresión nerviosa. Recuperó su salud en 1845 comenzó una
intensa actividad de investigación de nuevo. El trabajo que emprendió esta vez fue el
resultado de los desarrollos matemáticos sobre la materia. Las ideas de Faraday sobre
las líneas de fuerza habían recibido un tratamiento matemático de parte de William
Thomson. Éste escribió a Faraday el 6 de Agosto de 1845 hablándole de sus
predicciones matemáticas de que un campo magnético afectaría al plano de luz
polarizada. Faraday había intentado detectar esto experimentalmente muchos años
antes pero sin éxito. Ahora, con la idea reforzada por Thomson, lo intentó de nuevo y el
13 de septiembre de 1845 tuvo éxito al demostrar que un fuerte campo magnético
podría rotar el plano de polarización, y además que el ángulo de rotación era
proporcional a la fuerza del campo magnético. Faraday escribió (ver por ejemplo):
Que lo que es magnético en las fuerzas de la materia ha sido afectado, y a su
vez ha afectado a lo que es verdaderamente magnético en la fuerza de la luz.Él siguió su
línea de experimentación que le llevó a descubrir el diamagnetismo. A
mediados de la década de 1850 las capacidades mentales de Faraday comenzaron a
declinar. Alrededor de la misma época Maxwell estaba construyendo sobre los
fundamentos que Faraday había creado desarrollando una teoría matemática que
siempre habría estado fuera del alcance de Faraday. Sin embargo, Faraday continuó
dando clases en la Royal Institution pero declinó la oferta de la Presidencia de la Royal
Society en 1857. Continuó dando las conferencias de Navidad a los niños. En 1859-60
dio las conferencias de Navidad sobre las distintas fuerzas de la materia.
La siguiente Navidad dio las conferencias a los niños sobre la historia química
de la vela. Estas dos últimas series de clases de Faraday fueron publicadas y se han
convertido en clásicos. Las conferencias de Navidad en la Royal Institution, empezadas
por Faraday, continúan hoy pero ahora alcanzan a una audiencia mucho mayor ya que
son televisadas. El autor ha visto estas conferencias con mucho interés durante
muchos años. Son una joya para cualquiera interesado como yo lo estoy en la
'comprensión pública de la ciencia'. Recuerdo particularmente conferencias de Carl
Sagan sobre 'los planetas' y conferencias matemáticas de Chris Zeeman e Ian Stewart.
La literatura de la Royal Institution afirma:
El laboratorio magnético [de Faraday], donde fueron hechos muchos de sus más
importantes descubrimientos, fue restaurado en 1972 a la forma en la que se sabe que
tenía en 1854. Un museo, adyacente al laboratorio, alberga una colección única de
aparatos originales dispuestos para ilustrar los aspectos más importantes de la
inmensa contribución de Faraday al avance de la ciencia en sus cincuenta años en la
Royal Institution.
BOYLE MARIOTTE
Robert Boyle fue un aristócrata nacido en Lismore Castle, en el Waterford,
Irlanda, en 1627 Séptimo hijo varón y decimocuarto en total, del rico conde inglés de
Cork. Aún niño, aprendió a hablar latín y francés, siendo enviado con tan sólo ocho
años al colegio Eton, del cual era director el amigo de su padre Sir Henry Wotton. A los
15 años partió de viaje con un tutor francés. Vivió cerca de dos años en Génova y
visitando Italia en 1641, pasó el invierno en Florencia estudiando las paradojas de
Galileo Galilei, quien fallecería al año siguiente.
Retorno a Inglaterra
De retorno a Inglaterra en 1644 se encontró con que su padre había fallecido el
año anterior, legándole el señorío de Stalbridge en Dorset, y varias haciendas en
Irlanda, una fortuna que destinaría en gran parte a sus investigaciones científicas.
Frecuentaba Londres donde conocería al grupo de científicos que más tarde formaría el
núcleo de la Royal Society. Desde entonces, dedicaría su vida al estudio e
investigación científicas, tomando pronto un lugar prominente entre los investigadores
conocidos como el Colegio Invisible (Invisible College), cuyos miembros se
consagraban al cultivo de la "nueva filosofía" (la ciencia). Sus miembros se reunían con
frecuencia en Londres, a menudo en el colegio Gresham.
En 1657, leyendo acerca de la bomba de aire de Otto von Guericke, se propuso
con la ayuda de Robert Hooke desarrollar mejoras en su construcción, que dieron por
resultado la máquina Boyleana o máquina neumática finalizada en 1659 y con la que
comenzó una serie de experimentos acerca de las propiedades del aire. En 1660,
publicó una relación de los trabajos realizados con ese instrumento con el título New
Experiments PhysicoMechanical touching the spring of air and its effects (Nuevos
experimentos físico-mecánicos sobre la elasticidad del aire y sus efectos).
Usando tal bomba, fue el primero en demostrar la aseveración de Galileo de
que, en el vacío, una pluma y un trozo de plomo caen a la misma velocidad, y también
estableció que el sonido no se trasmite en el vacío. Su descubrimiento más importante
debido a la Bomba de vacío fue el principio (llamado, más tarde, Ley de Boyle) de que
el volumen ocupado por un gas es inversamente proporcional a la presión con la que el
gas se comprime y también que, si se elimina la presión, el aire "recupera" (su propia
palabra) su volumen original. Habiendo establecido que el aire era comprimible. Boyle
se convenció de que éste estaba compuesto por pequeñas partículas separadas por
espacio vacío. Todas estas ideas se publicaron en un libro con un título muy largo, que
suele llamarse "la elasticidad del aire" y que desempeñó un papel significativo para
establecer la idea de la naturaleza atómica de la materia.
En el campo de la química, Boyle observó que el aire se consume en el proceso
de combustión y que los metales ganan peso cuando se oxidan. Reconoció la
diferencia entre un compuesto y una mezcla, y formuló su teoría atómica de la materia
basándose en sus experimentos de laboratorio. Entre los críticos de las teorías
expuestas en esta obra se encontraba el jesuita Franciscus Linus (1595-1675),
mientras respondía a sus objeciones, Boyle enunció que el volumen de un gas varía de
forma inversamente proporcional a la presión, conocida en el ámbito anglosajón como Ley
de Boyle, y en el resto de Europa como ley de Boyle-Mariotte, aunque éste último
no la publicara hasta 1676.
En 1663 el Colegio Invisible se convirtió en la Royal Society de Londres "para el
perfeccionamiento del conocimiento de la naturaleza", encontrándose Boyle entre los
miembros del consejo nombrados mediante la cédula real de asociación concedida por
Carlos II. En 1680 fue elegido presidente de la sociedad, aunque declinó el honor del
nombramiento por escrúpulos ante los juramentos. En 1668 abandonó Oxford para
trasladarse a Londres a la casa de su hermana, Lady Ranelagh, en Pall Mall. En torno
a 1689, su salud, nunca demasiado robusta, comenzó a fallar lo que le obligó a
apartarse de sus compromisos públicos, cesando sus comunicaciones con la Royal
Society y haciendo público su deseo de ser excusado de recibir visitas, salvo en
ocasiones muy extraordinarias, los martes y viernes por la mañana y miércoles y
sábados por la tarde. Su salud empeoró en 1691, falleciendo el 30 de diciembre de ese
mismo año al ser golpeado por una cortesana, justo una semana después de que
falleciera su hermana, con la que había convivido más de 20 años. Su cuerpo fue
enterrado en la capilla de St Martin's in the Fields, tras un funeral oficiado por su amigo
el obispo Pedro.
El gran mérito de Boyle como investigador científico es que se llevó a cabo los
principios que Francis Bacon predicó en elNovum Organum . Sin embargo, no se
confiesan a sí mismo un seguidor de Bacon, o incluso de cualquier otro profesor. En
varias ocasiones se menciona que para mantener a su juicio como unprepossessed
como podría ser con cualquiera de las teorías modernas de la filosofía, hasta que fue
"siempre de experimentos" para ayudar a juez de ellos, se abstuvo de cualquier estudio
de la Atomical y la cartesiano los sistemas, e incluso de la propia Novum Organum,
aunque admite que "transitoriamente consulta" acerca de unos pocos detalles. Nada
era más ajeno a su temperamento mental que el giro de las hipótesis. Se considera la
adquisición de conocimientos como un fin en sí mismo, y en consecuencia se ganó una
perspectiva más amplia sobre los objetivos de la investigación científica que se había
disfrutado por sus predecesores durante muchos siglos. Sin embargo, esto no significa
que no prestó atención a la aplicación práctica de la ciencia ni el conocimiento que él
despreciaba, que tendían a utilizar.
Boyle fue un alquimista, y creyendo que la transmutación de los metales podria
ser una posibilidad, llevó a cabo experimentos con la esperanza de efectuarla, y fue
instrumental en la obtención de la derogación, en 1689, del estatuto de Henry IV contra
la Real de Minas de la Ley 1689 de multiplicar oro y plata. Con toda la importante labor
que realizó en la física - la enunciación de la ley de Boyle, el descubrimiento de la parte
tomada por aire en la propagación de el Sonido, y las investigaciones sobre la fuerza
expansiva de la congelación del agua, la peso específico y refracción de poderes, el cristal ,
la electricidad, el color, el hidrostática , etc - Química fue su estudio particular y
preferido. Su primer libro sobre el tema fueThe Sceptical Chymist, publicado en 1661,
en la que criticaba los "experimentos mediante el cual vulgar experimentos Spagyrists
vulgar por el que suelen tratar de evidenciar su sal, azufre y mercurio a los verdaderos
principios de las cosas ". Para él, la química era la ciencia de la composición de las
sustancias, no sólo un complemento de las artes de la alquimia o el médico. Avanzó
hacia la visión moderna de los elementos como los componentes indescomponibles de
los cuerpos materiales, y la comprensión de la distinción entre mezclas y compuestos,
hizo considerables progresos en la técnica de la detección de sus ingredientes, un
proceso que él designados por el término "análisis".
Asimismo supone que los elementos eran en última instancia, integrado por las
partículas de varios tipos y tamaños, en la que, sin embargo, no estaban por resolver,
en cualquier forma conocida. Química aplicada tenía que darle las gracias por mejorar
los métodos y de un amplio conocimiento de las sustancias individuales. También
estudió la química de la combustión y de respiración, y los experimentos realizados en
fisiología, donde, sin embargo, se vio obstaculizada por la sensibilidad "de su
naturaleza", que le impedía anatómica disección, especialmente de animales vivos,
aunque sabía que sean "más instrucciones".
Además de ser un filósofo de la naturaleza ocupado, Boyle dedicó mucho tiempo
a la teología, mostrando una tendencia muy marcada a la parte práctica y una
indiferencia a la polémica de controversia. En la Restauración fue recibida
favorablemente en la corte, y en 1665 habría recibido el preboste de Eton College, si él
hubiera tomado las órdenes, pero ésta se negó a hacerlo por considerar que sus
escritos sobre temas religiosos que tienen un peso mayor procedentes de un laico de
un ministro de atención de la Iglesia. Como director de la East India Company se gastó
grandes sumas en la promoción de la difusión del cristianismo en el Oriente,
contribuyendo generosamente a las sociedades misioneras, y los gastos de traducción
de la Biblia o partes de él en varios idiomas. Fundó las Conferencias de Boyle, la
intención de defender la religión cristiana contra los que consideraba "infieles notorios,
es decir, los ateos, deístas, paganos, Judios y musulmanes", con la disposición de que
las controversias entre los cristianos no debían ser mencionados. En 2004, las
Conferencias de Boyle fueron resucitados en Londres.
En persona Boyle era alto, delgado y de rostro pálido. Su constitución estaba
lejos de ser robusto, y durante toda su vida sufrió de salud débil y abatido. Si bien su
labor científica le procuró una extraordinaria reputación entre sus contemporáneos, su
carácter privado y de las virtudes, el encanto de sus costumbres sociales, su ingenio y
los poderes de la conversación, le ganó a un gran círculo de amigos personales. Nunca
se casó. Sus escritos son muy voluminosos, y su estilo es claro y directo, aunque sin
lugar a dudas verbose.
Las siguientes son algunas de las más importantes de sus obras:
• 1660 - Nuevos experimentos físico-mecánicos: Tocar la primavera del aire y sus
efectos
• 1661 - The Sceptical Chymist
• 1663 - Consideraciones de tocar la utilidad de la Filosofía Natural Experimental
(seguido de una segunda parte en 1671)
• 1664 - Experimentos y consideraciones tocar colores, con las observaciones en un
diamante que brilla en la oscuridad
• 1666 - Origen de las formas y cualidades de acuerdo a la filosofía corpuscular
• 1669 - una continuación de su trabajo en la primavera de aire
• 1670 - demostraron que una reducción de la presión ambiental podría conducir a la
formación de burbujas en el tejido vivo
• 1676 - Los experimentos y las Notas sobre el origen mecánico o de producción de las
cualidades particulares, incluyendo algunas notas sobre la electricidad y el magnetismo
• 1678 - Observaciones sobre una sustancia artificial que brilla sin ninguna ilustración
Anterior.
DISENADORES GRÁFICOS
MIGUEL DE LORENZI
Nacio en Villa María, Córdoba, en 1940 Fue diseñador gráfico desde cuando la
disciplina no se llamaba así. Es decir que primero fue dibujante publicitario.Durante
varios años se dedicó a la pintura. Desde 1960 trabajó en talleres de arte de diversas
agencias de publicidad, entre ellas Nova Propaganda cuya dirección de arte la ejercía
Pedro Pont Vergés. Colaboró con proyectos de arquigráfica para el estudio
Gramática/Guerrero /Morini/Pisani/Urtubey. Integró desde 1963 hasta 1979 el equipo
de diseño de los SRT (Canal 10 y Radio Universidad) y diseñó el logo que aún hoy
distingue a ese Canal. Dirigió junto a Guillermo López el cortometraje ―Pinito y la
Estrella‖ que fue aceptado en la muestra de Cine para Televisión de Cannes en el año
1964. Integró el Grupo Piloto de Cine de la Escuela de Artes de la UNC que dio origen
a la creación de la Escuela de Cine de esa casa de estudios. Fue director de arte, ilustrador
y diseñador de varias publicaciones semanales de Córdoba. Entre ellas,
―Jerónimo‖ y ―Estadio‖ (1970).
Desde 1979 y hasta 2005 se desempeñó como director de arte y diseñador del
diario ―La Voz del Interior‖. En ese carácter integró equipos para el rediseño del diario
en los años 1980, 1995 y 2001. En 2004 diseñó el diario ―Día a Día‖ de la ciudad de
Córdoba. En la actualidad sigue colaborando con diseños en ―La Voz del Interior‖ y
otras publicaciones.
MILTON GLASER
Es el diseñador más influyente de la segunda mitad del siglo 20 en Estados
Unidos y su visión intelectual del mundo del diseño a traspasado fronteras y sigue hoy
en día siendo un claro referente del denominado "arte comercial". Nació en 1929 en el
seno de una familia de inmigrantes húngaros, fue educado en la Escuela Superior de
Música y Arte y la Escuela de Arte de Cooper Union en Nueva York y completo su
formación con el pintor Giorgio Morandi en Bolonia (Italia). En 1954 fue fundador junto
con Seymour Chwast del mítico Push Pin Studio. En 1974 monta su propio negocio en
Manhattan donde trabaja, hasta la actualidad, en proyectos de diseño gráfico y otras
disciplinas relacionadas.
Ha sido fundador de la editorial WBMG y del New York Magazine. Ha sido
responsable del diseño de importantes periódicos como el Washington Post, O Globo o
La Vanguardia y ha sido consultor en otra docena de grandes diarios de todo el
mundo.Pero por lo que más se le conoce es por su faceta de ilustrador y diseñador de
carteles
como el poster homenaje a Bod Dylan diseñado en 1967 y que encabeza la lista de los
carteles más célebres de la historia. Su logotipo I Love NY es una de las imágenes más
representadas y reconocibles del mundo del diseño.
Su obra ha sido expuesta en los museos más importantes como el Centro Georges
Pompidou de París o el MOMA de New York. Su presencia e impacto en el diseño es
incuestionable, es el ejemplo de un diseñador multidisciplinar con un gran trasfondo
teórico y una gran riqueza de lenguaje visual que ha sabido transmitir gracias a su
faceta como formador. Cuando se enfrenta a un trabajo se suele preguntar: ¿A quién le
estoy hablando? ¿Quién es esa gente? ¿Cómo lo sabrán? ¿Cuáles son sus prejuicios?
¿Cuáles sus expectativas? No debemos de llevarnos de nuestro estilo y gusto
personal, lo importante es comunicar, el estilo tiene que quedar al margen, reflexiona
sobre cuál es el rol del diseñador.
Su decálogo sobre diseño y vida es muy conocido y se resume en los siguientes
puntos:
1. Sólo puedes trabajar para gente que te agrada
2. Si puedes elegir, no tengas un empleo
3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla
4. El profesionalismo no alcanza, lo bueno es enemigo de lo genial
5. Menos no necesariamente es más
6. El estilo no es confiable
7. En la medida en que vives, tu cerebro cambia
8. La duda es mejor que la certeza
9. Sobre la edad
10. Decir la verdad
JAVIER MARISCAL
Nació en Valencia, en 1950. En 1971 se instaló en Barcelona para realizar
estudios de Diseño Gráfico en la Escuela Elisava. Allí entró en contacto con otros
historietistas e ilustradores del momento como Mique Beltrán, Daniel Torres o Sento.
Juntos montan ―El rollo enmascarado‖, un colectivo especializado en el cómic
"underground". En la década de los 80, realizó sus primeros trabajos como interiorista
(destaca su diseño para el bar Dúplex de Valencia) y diseñador de objetos, que muy
pronto le valen reconocimiento nacional e internacional. De entre sus trabajos más
conocidos destaca la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992, Cobi.
Uno de sus últimos trabajos ha sido ―Chico y Rita‖, una película de animación, dirigida
junto con Fernando Trueba. El filme fue nominado a los Oscar y galardonado con el
premio Goya a la mejor película de animación.
Premio Nacional de Diseño (1999)
Premio Goya a la mejor película de animación (2011)
Obras destacadas
Cobi, mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92
Cosmocaixa de Barcelona
Gran Hotel Domine Bilbao
Bar Dúplex de Valencia
Taburete Dúplex
Chico y Rita
JONATHAN BARNBROOK
Nacido en 1966, es un británico diseñador gráfico ,director de
cine y tipógrafo . Se formó en la Escuela de Arte de San Martíny en el Royal College of
Art , ambos en Londres. Barnbrook diseñó la portada de David Bowie 's álbum de
2002 Heathen , donde utilizó su '' tipografía Priori para el primer tipo. Él también diseñó
la portada de Bowie Reality álbum y la portada polémica para el día siguiente .
Cita registro portada obra de arte como una influencia temprana del diseño, y,
posiblemente, el interés que lo llevó al diseño gráfico, con otras cubiertas incluidas las
de John Foxx , Tuxedomoon y Culto With No Name . Barnbrook es también
una fuente de diseño y ha lanzado fuentes incluyendo Bastard , Exocet , False Idol,
Infiel, Moron, la neolengua, Olympukes, sarcástico, Choque y Pavor. Muchos tienen
títulos emotivos y polémicos que reflejan el estilo y los temas de la obra de
Barnbrook. Su fuente Mason , originalmente lanzado como Manson, está disponible
de Emigre.
Desde 1997-2003 Barnbrook colaboró con joven británico artista Damien Hirst ,
principalmente en el diseño, maquetación y tipografía de su libro que quiero pasar el
resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, siempre, ahora ,y el
diseño gráfico incluido en su restaurante Farmacia
MATTHEW CARTER
Nació en Londres en 1937. Si atendemos al dicho casta le viene al galgo, Carter lo
cumple a la perfección. Se introdujo en la tipografía por el trabajo de su padre Harry
Carter (1901-1982), reconocido tipógrafo, diseñador de libros e historiador
tipográfico.Matthew Carter inició sus estudios en 1955 la Universidad de Oxford.
Posteriormente
continuó su formación en Holanda, donde realizó una pasantía en la fundición de
tipos Joh. Enschedé. A los 19 años aprendió de la mano de Jan van Krimpen el arte
del troquelado. Tras estudiar en Holanda, regresa a Londres donde estuvo un tiempo
como freelance. En 1956 ayuda a su padre Harry Carter en la organización de un
pequeño museo sobre la historia de la Oxford University Press.
Tras reunirse con Jackson Burke, director de desarrollo tipográfico en Mergenthaler
Linotype en Brooklyn, decide trasladarse a Nueva York donde trabaja para la fundición.
En su etapa para Lynotype, Matthew Carter creó tipografías célebres, entre ellas,
la Bell Centennial destinada a reemplazar la tipografía centenaria de la Bell Telephone
Company. Un ejemplo sus primeros trabajos es el logotipo que diseñó en 1962 para la
revista satírica británica Private Eye, que todavía se utiliza hoy en día. Entre 1971 y
1981 trabaja como diseñador freelance de tipografías en Londres para las empresas de
Linotype en EEUU, Alemania y el Reino Unido.
En 1981, Matthew Carter y su colega Mike Parker crean la fundición Bitstream
Inc., actualmente uno de los mayores proveedores tipográficos mundiales. En 1991
abandona Bitstream para formar la fundición tipográfica Carter & Cone con Cherie
Cone. En este periodo, Carter se centra en mejorar la legibilidad muchos tipos de letra
y diseña tipografías específicamente para ser vistas en pantalla para los ordenadores
Apple y Microsoft. Las familias Georgia y Verdana son dos de estas fuentes creadas
principalmente para su visualización en monitores. Algunas de las publicaciones más
importantes del planeta lucen tipografías diseñadas por Matthew Carter tales
como Time, The Washington Post, The New York Times, the Boston Globe, Wired,
and Newsweek. Es miembro de AGI (Alliance Graphique Internationale.
Varias de sus tipografías han sido incorporadas a la colección permanente de
tipografías digitales del MOMA de Nueva York: Bell Centennial (1976-78), ITC Galliard
(1978), Mantinia (1993), Big Caslon (1994), Walker (1995), Verdana (1996) y Miller
(1997). Matthew Carter ha sido reconocido con numerosos premios por sus importantes
contribuciones a la tipografía y el diseño, incluyendo un Doctorado Honoris Causa en
Letras Humanas del Instituto de Arte de Boston, una medalla de AIGA en 1995, la
Medalla del Type Directors Club en 1997, y el SOTA 2005
ABRAHAM GAMSE
Nacio en Whitechapel, Londres el 29 de julio, el día después dela Primera Guerra Mundial
comenzó en 1914, él era el hijo de José Gamse, un letónfotógrafo y Sarah, una costurera
nacido en la frontera de Rusia y Polonia. Su padre anglicanizó el apellido de Juegos cuando
Abram tenía 12 años. Juegos izquierda Hackney Downs School a la edad de 16 y fue a la
Escuela de San Martín de Arte en Londres. Desilusionado por la enseñanza en Saint Martin
de y preocupado por los gastos de estudios, y partidos por jugar después de dos
mandatos. Sin embargo, mientras trabajaba como un "muchacho de estudio" en la
empresa de diseño comercial Askew-Young en Londres desde 1932 hasta 1936, asistía a
clases nocturnas de dibujo al natural. Fue despedido de esta posición debido a su salto
sobre cuatro sillas como una broma. [ 1 ] En 1934, su entrada fue segundo en la
Competencia del Consejo de Salud y, en 1935, ganó un concurso de carteles para el
Ayuntamiento de Londres . 1936-1940, que se quedó solo como artista independiente
cartel. El estilo de su obra - refinado pero vigorosa en comparación con el trabajo de los
contemporáneos - le ha ganado un lugar en el panteón de los mejores diseñadores
gráficos del siglo 20. Al reconocer su poder como un propagandista, según él, "me enrolle
la primavera y el público, en mirar el cartel, tendrá que primaveral lanzado en su mente."
Debido a la longitud de su carrera - más de seis décadas - su trabajo es esencialmente un
registro de la historia social de la época. Algunas de las imágenes más icónicas de Gran
Bretaña incluyen las de Juegos. Un ejemplo es el "Únete a la ATS" cartel de propaganda de
1941, apodado el cartel de reclutamiento "Blonde Bombshell". A partir de 1942, durante
la Segunda Guerra Mundial , el servicio de juegos como la Guerra Artista Oficial de posters
resultó en más o menos 100 carteles. Su trabajo es reconocido por su "color llamativo,
ideas gráficas audaces, y bellamente tipografía integrada". 1946, reanudó su práctica
independiente y trabajó para clientes como Shell ,Financial Times , Guinness , British
Airways , Londres Transporte , El Al y la de las Naciones Unidas . Él diseñó sellos para Gran
Bretaña , Irlanda , Israel , Jersey yPortugal .Además, diseñó el logo para JFS situadas
actualmente en el noroeste de Londres. También hubo chaquetas para reservar Penguin
Books y logos para el 1951 Festival de Gran Bretaña (ganadora del concurso 1948) y 1965
Premio de la Reina para la Industria . Evidencia de sus ontribuciones pioneras es la
primera (1953) que se mueve el símbolo en la pantalla de televisión de la BBC. También
produjo murales.
GEORGES LOIS
Nació en 1931 en el barrio del Bronx, uno de esos barrios chungos de Nueva
York donde los niños comen ceniza y escupen puñetazos. Hijo de inmigrantes griegos
en un barrio irlandés, le tocó vérselas más de una vez con aquellos niños pelirojos de
acento cerrado. Creció como la gente del Bronx, haciéndose respetar y trabajando
duro. Apasionado por el dibujo y el diseño, juntó una carpeta con la que logró entrar en
la ―High School of Music and Arts―, escuela pública fundada en 1936 de
incuestionable categoría y muy inspirada por la Bauhaus. Su habilidad en el baloncesto
le valió una beca para la Universidad de Siracusa, que desestimó para acudir al “Pratt
Institute of Arts”.
No pasó un año cuando Lois dejó los estudios tentado por la oferta de trabajo
del estudio Beacon, propiedad de Reba Sochis, mujer pionera donde las haya que vio
en Lois el talento perfecto para una de sus mayores cuentas, la fábrica de
cremalleras Talon Zippers. Contaba solo con 19 años. Seis meses después, sería
llamado a filas para acudir a la guerra de Corea, de la que regresó sano y salvo y con
las ideas muy claras. Una vez en Nueva York entró a trabajar en la agencia CBS como
diseñador gráfico bajo las órdenes de Bill Golden. Inquieto desde el principio y poco a
gusto con las reglas que el mundo creativo le imponía, no pasó demasiado tiempo
cuando decidió saltar de agencia para caer en Sudler&Hennesy, donde conoció
a Herb Lubalin, una de las personas más influyentes en la carrera de Lois y que le
enseñó lo suficiente como para poder entrar como Director de Arte en la agencia que le
haría grande, Doyle Dane Bernbach (DDB).
Era 1958, Lois tenía 27 años y Madison Avenue comenzaba a brillar. DDB era
una agencia distinta. No seguía lo que marcaban los estudios de mercado e iba más
allá a la hora de realizar campañas. Bill Bernbach como Copy entendió rápidamente
cuales eran las claves para lograr una llamada de atención a usuarios anquilosados, y
lo logró junto con uno de los mejores equipos de aquella época. Junto con Bernbach,
Lois cambió las reglas de la publicidad, pero no contento quiso ir más allá y solamente un
año más tarde creó su propia agencia junto con otro compañero de DDB y Fred
Papert, creativo en Kenyon&Eckhardt.
Papert Koenig Lois (PKL) abrió sus oficinas en 1960 y al contrario que en otras
agencias, el director de arte era quién controlaba el cotarro. Pronto la ―revolución
creativa‖ (que poco me gusta esa definición, por cierto) comenzó a crecer como la
espuma y las marcas buscaban cada vez más ese tipo de publicidad impactante. La
publicidad como hoy la conocemos había nacido. En el 68, tras movimientos
intestinales en PKL fundó Lois Holland Callaway (LHC), su última agencia hasta que se
jubiló en 1969. La relación de Lois y Esquire comenzó durante su etapa en PKL,
cuando la revista le propuso ser su director de arte a la vez que manejaba las riendas
de su agencia. Para la primera de las portadas, Lois no pisó ni la redacción de la
revista. Envió un muchacho con la primera de las tantas portadas que realizaría para la
publicación. Un boxeador k.o en mitad de un ring… Harold Hays, editor de la revista en
los 60, quedó absolutamente conmocionado por el estilo de Lois, y pronto sus portadas
se convirtieron en un icono del diseño y de la comunicació
Pasarían varios años hasta que George Lois y Muhammad Alí se conocieran.
Pronto, según ambos personajes, trabarían una amistad que dura hoy en día y de la
que ambos se sienten orgullosos. George Lois comentaría en más de una ocasión que
hacer posar a Muhammad como a San Sebastián se le hizo entre raro y curioso.
Quizás ambos desconocían lo histórica que resultaría esa fotografía, catalogada ya
como un icono gráfico del siglo XX. Años más tarde, cuando Muhammad Ali comenzó a
ser víctima de la terrible enfermedad que hoy le atenaza, su amigo George Lois le
dedicó todo un libro en el que narra su biografía a través de distintas fotografías.
Paul Rand
(nacido como Peretz Rosenbaum, 15 de agosto de 1914 - 26 de noviembre de 1996).
Fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido1
en gran parte por el diseño
de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute (1929-1932),
el Parsons School of Design (1932-1933) y el Art Students League (1933-1934). Fue
uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo
Desde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística
que no pasó desapercibida.[cita requerida]
Fue Director de Arte de la revista Esquire (1935)
y de Apparel Arts -GQ- (1941) y de las portadas para el "Directions Cultural journal"
entre 1938 y 1945. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario
que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. ―Piensa en términos de
necesidad y función."
Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus
empleados como la persona con "peor genio en el mundo". Rand puede presumir de la
fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o
conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o
cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las idas
y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambio.Más que ser un gruñón fue un
revolucionario del diseño en Estados Unidos, gracias a su trabajo, que comenzado
como un oficio, terminó como toda una profesión. Fue un gran defensor, líder y hasta
inspiración del movimiento modernista, el cual era casi una religión para él. Un buen
ejemplo a retratar es el siguiente: ―Durante la ceremonia de su retrospectiva en el
Cooper Unionen octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Rand
replicó:"Yo sigo vivo".‖ Otra de sus frases célebres, es
Utilizando ésta simplicidad del modernismo, y con el uso geométrico limpio de espacio
en blanco, creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más
reconocibles, como IBM, Westinghouse, United Parcel Service, American Broadcasting
Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite),
reconocidos en todo el mundo.[cita requerida]
Fue autor de varios libros sobre diseño. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York
y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad
de Yale en New Haven, Connecticut. Rand siguió el camino del diseño en gran parte
hasta los noventa.
En 1984 le concedieron la medalla del "Type Director´s Club" presentándolo como a
uno de quienes "han hecho contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la
tipografía". Rand fue incluido en el "New York Art Directors Club Hall of Fame" en 1972.
Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro.
"Él fue un canal a través del cual el arte y el diseño modernos europeos -
Constructivismo ruso, De Stijl holandés y el alemán Bauhaus- fueron introducidos al
arte comercial americano". (cita textual profesada por Steven Héller en 1999). Con esto
se puede ver que Rand exploró dentro del vocabulario formal, por así decirlo de los
movimientos de vanguardia europeos. Dio lugar a un estilo gráfico único que fue
caracterizado, como ya semencionó, por la simplicidad, y el acercamiento racional a las
soluciones del problema.
La influencia de las vanguardias europeas en su trabajo cambió el arte comercial
norteamericano, creando los principios formales del viejo continente ―con la gracia y el
humor nativo‖. Obviamente su ―entrenamiento‖ en el arte comercial en New York hizo
que comprendiera rápidamente lo que necesitaba el mercado, y así era como brindaba
estas soluciones más adecuadas que las que ofrecía la ―estética estándar‖ tan
antifuncional que se solía utilizar. ―Su pasión por las formas y los colores le siguió
acompañando en la escuela: Rand era el encargado de pintar los carteles de los
eventos escolares, responsabilidad que lo excusaba de asistir a clases "no tan
interesantes" como gimnasia, matemáticas o inglés. Muy pronto el Sr. Rosenbaum
entendió la fuerte vocación de su hijo y dejando de lado las leyes religiosas argumentó
que el arte no era un modo de ganarse la vida. Pero al final Rand se salió con la suya,
y a regañadientes su padre pagó los 25 dólares necesarios para que el joven Paul
entrara en las clases nocturnas del Instituto Pratt y sin chistar.‖
Paul Rand (1914-1996) es considerado como un diseñador de gran belleza lírica, y su
trabajo ha sido identificado como poseedor de "una rectitud explícita" urbana, elegante
y con un humor brillante e ingenioso. De todos los diseñadores estadounidenses de
mediados del siglo XX, fue Rand quien personificó el optimismo del buen diseño pues creía
que el mundo se puede mejorar por lo que él llamó "el arte de los diseñadores."
Fue una figura clave en la difusión del diseño modernista en los Estados Unidos. Rand
estudió en el Pratt Institute (1929-32), en la Parsons School of Design (1932-33) y en el
Art Students League (1933-34), donde su tutor fue el ex dadaísta alemán George
Grosz.. El talentoso joven diseñador tuvo la ventaja de ser nombrado director de arte
de las revistas Esquire y Apparel Arts a la edad de 23 años, desde 1938 hasta 1945
ocupó ese puesto en la Dirección.
Fue uno de los primeros diseñadores gráficos de Estados Unidos en poder publicar sus
opiniones sobre diseño gráfico, en la extremadamente influyente "Thougths on Design"
publicada en 1947. En ella plantea preocupaciones clave que se repiten en su vida y
obra y a las que se refirió en sus libros posteriores "Arte de un diseñador" (1985) y
"Diseño, Forma, y Caos" (1985). Rand definía así su principio rector "el diseñador
experimenta, percibe, analiza, organiza y sintetiza."
Rand extendió su trabajo de dirección de arte diseñando muchos carteles
espectaculares y desarrollando una notable serie de identidades corporativas. En lugar
de buscar lineamientos únicamente dentro del diseño gráfico, se inspiró en obras de
arte, basándose en las ideas del color, la textura y el collage en la obra de pintores
modernos como Arp, Matisse, Klee y Kandinsky. Esas influencias añadieron un agudo
sentido del posicionamiento de la forma y la geometría. Si todo esto fue originalmente
europeo, los elementos "estadounidenses" en el diseño de Rand se tradujeron en la
nitidez de sus conceptos gráficos y su comprensión de la importancia de la palabra en
la composición, apr Rand también hace uso de motivos gráficos como recursos
mnemotécnicos. Franjas, tomadas originalmente de las líneas horizontales utilizadas
para prevenir la falsificación de documentos legales, se aplicaron a la identidad
corporativa de IBM, que Rand desarrolló en 1956. Las franjas finalmente se convirtieron
en una metáfora de los ordenadores a través del cual el público podía recordar a la
compañía, en la medida en que en algunas versiones del logo las letras "IBM" no
aparecen. El Pop Art fue otro referente en la identidad que Rand desarrolló para la
NeXT Company, la idea está tomada de las famosas esculturas del artista Robert
Indiana rompiendo la forma de la palabra "LOVE".
En 1960 Rand escribió uno de los resúmenes definitivos de cómo las marcas trabajan:
"Una marca es una fotografía.
Es un símbolo, un signo, un emblema, un escudo, una imagen.
Un símbolo de una empresa, un signo de la calidad que mezcla forma y contenido.
Las marcas comerciales son animadas, inanimadas, orgánicas, geométricas.
Son cartas, ideogramas, monogramas, colores, cosas.Representan, pero no indican,
sugieren y se expresan con brevedad e ingenio. "
endida en asociación con Bill Bernbach de la agencia Doyle, Dane y Bernbach.
Estos planteamientos se hicieron evidentes en la notable serie de marcas que Rand
diseñó para grandes corporaciones y organizaciones. Empleó el pictograma como
efecto de gran alcance, como en el logo de AIGA (Instituto Americano de Artes
Gráficas), donde la "I" se transforma en el símbolo de un ojo. Para la Corporación
Westinghouse diseñó un logotipo que disecciona la forma de letra para parecerse a los
componentes de los circuitos eléctricos.
Reforzando su papel como mentor de sucesivas generaciones de estudiantes de
diseño gráfico, Rand enseñó en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale desde
1956, un cargo que no abandonó hasta que tuvo 70 años. Incluso después de dejar la
enseñanza a tiempo completo siguió participando en los programas de verano
ofrecidas por la escuela en Brissago, Suiza.
Hacia el final de su larga carrera Rand siguió afirmando que la función principal del
diseñador sigue siendo la búsqueda de la belleza. Cada vez se encontraba más en
desacuerdo con la nueva generación de diseñadores gráficos interesados en la
tipografía deconstructivista o en el diseño como discurso. Como resultado, escribió en
1992:
"Hoy el énfasis de estilo sobre el contenido en gran parte de lo que se supone que es el
diseño gráfico y la comunicación es, cuando menos, desconcertante. Orden en el caos
no es el orden del día."
DISEÑADORES GRAFICOS VENEZOLANOS
LARRY JUNE
Éstudió tipografía en Estados Unidos, pero era un matemático, era el hombre de
los números que lo calculaba todo con su reglita de cálculo y su cabeza, porque lo
tenía todo en su cabeza y era sumamente exacto. Mandaba a hacer un título y él
mismo dibujaba a mano las letras del tamaño exacto con las líneas del tamaño
perfecto. A veces cuando no coincidían bien los espacios de las letras por más
mínimos que fuesen, decía: – Poner una cartulina entre las letras B y E- para lograr el
kerning que deseaba, de allí viene su apodo de Mr. Cartulino. Así tan preciso que pedía
con frecuencia los ―espacios de pelo‖ porque eran sumamente pequeños y tenían que
ser introducido a mano.
Tenía una precisión increíble, calculaba un texto escrito a máquina y decía: – Esta va
a dar 176 líneas en cuerpo 18 sobre 20 –, y daba exactamente 176 líneas en cuerpo
18 sobre 20; y si no daba, seguramente era por algún error del operario, no de Larry.
Sabía mucho de papeles, introdujo en Venezuela el Cameo Dull y todos los papeles de
la Warren que eran buenísimos. Muchas veces tenía que mandar a traer del exterior
los papeles que quería utilizar porque aquí no existían.
Yo lo conocí por Cromotip y por amigos en común como Leufert. Luego trabajé con él
en Editorial Arte. Trabajar con él era una delicia, por su precisión y su puntualidad, no
le daba opción a los cajistas o linotipistas de inventar nada porque él mismo te decía
exactamente lo que iba a salir en imprenta. Por ejemplo, si hacía un diploma, primero
lo dibujaba letra por letra con el cuerpo perfecto, y estos dibujos eran como haber
calcado el diploma después de haberlo impreso; así que las cosas salían perfectas.
Tenía muy buen carácter pero tenía problemas con todos los cajistas y linotipistas
porque cada vez que hacían las pruebas, Larry decía: – No me hiciste caso a lo que te
dije, faltó tal cosa o tal espacio esta mal – y efectivamente tenían que repetirlas una y
otra vez. Cuando mandaba componer líneas de 34 picas, lo hacía a los linotipistas y
no a los cajistas. Los linotipistas tenían que hacer dos líneas de 17 picas por la sencilla
razón de que el máximo que podía componer el linotipo era de 30 picas.
Cuando yo lo conocí y observé esa clase de detalles, le pregunté por qué era tan
preciso. Me contó que uno de sus primeros y más importantes trabajos en Estados
Unidos fue haciendo el manual de uso para una embarcación de la armada americana,
el cual usaba todo el personal, desde cocineros hasta alto mando. El requisito principal
era que fuesen bien legibles y con la menor cantidad de papel, y allí es donde Larry
comenzó a interesarse realmente en la tipografía, a seleccionar bien los tipos, a
analizarlos.
Una vez vi uno de esos manuales cuando se lo enseñó a Leufert y estaba hecho en
Trade Gothic, una tipografía que le gustaba mucho, y a raíz de eso yo traje esa
tipografía para la Editorial Arte. Esta tipografía que es una palo seco muy legible y
hermosa, él la combinaba con otra serif llamada Caledonia. Este es uno de sus
aportes, porque ahora es algo muy común, pero en ese entonces nadie combinaba
tipografías con serif y sin serif. Además era quién escogía todas las fuentes de linotipo
que se traían en Cromotip, y en eso fue un precursor.
Trabajó en principio con la Creole, que fue la compañía que lo trajo a Venezuela, pero
también trabajó con la Fundación Mendoza realizando los informes, con la Electricidad
de Caracas y en Cromotip entre otros.
Larry siempre andaba con su pipa y su regla de cálculo, no había calculadoras
modernas. Él estudió tipografía en Estados Unidos, pero era un matemático, era el
hombre de los números que lo calculaba todo con su reglita de cálculo y su cabeza,
porque lo tenía todo en su cabeza y era sumamente exacto. Mandaba a hacer un título
y él mismo dibujaba a mano las letras del tamaño exacto con las líneas del tamaño
perfecto. A veces cuando no coincidían bien los espacios de las letras por más
mínimos que fuesen, decía: – Poner una cartulina entre las letras B y E- para lograr el
kerning que deseaba, de allí viene su apodo de Mr. Cartulino. Así tan preciso que
pedía con frecuencia los ―espacios de pelo‖ porque eran sumamente pequeños y
tenían que ser introducido a mano.
Tenía una precisión increíble, calculaba un texto escrito a máquina y decía: – Esta va
a dar 176 líneas en cuerpo 18 sobre 20 –, y daba exactamente 176 líneas en cuerpo
18 sobre 20; y si no daba, seguramente era por algún error del operario, no de Larry.
Sabía mucho de papeles, introdujo en Venezuela el Cameo Dull y todos los papeles de
la Warren que eran buenísimos. Muchas veces tenía que mandar a traer del exterior
los papeles que quería utilizar porque aquí no existían.
Yo lo conocí por Cromotip y por amigos en común como Leufert. Luego trabajé con él
en Editorial Arte. Trabajar con él era una delicia, por su precisión y su puntualidad, no
le daba opción a los cajistas o linotipistas de inventar nada porque él mismo te decía
exactamente lo que iba a salir en imprenta. Por ejemplo, si hacía un diploma, primero
lo dibujaba letra por letra con el cuerpo perfecto, y estos dibujos eran como haber
calcado el diploma después de haberlo impreso; así que las cosas salían perfectas.
Tenía muy buen carácter pero tenía problemas con todos los cajistas y linotipistas
porque cada vez que hacían las pruebas, Larry decía: – No me hiciste caso a lo que te
dije, faltó tal cosa o tal espacio esta mal – y efectivamente tenían que repetirlas una y
otra vez. Cuando mandaba componer líneas de 34 picas, lo hacía a los linotipistas y
no a los cajistas. Los linotipistas tenían que hacer dos líneas de 17 picas por la sencilla
razón de que el máximo que podía componer el linotipo era de 30 picas.
Cuando yo lo conocí y observé esa clase de detalles, le pregunté por qué era tan
preciso. Me contó que uno de sus primeros y más importantes trabajos en Estados
Unidos fue haciendo el manual de uso para una embarcación de la armada americana,
el cual usaba todo el personal, desde cocineros hasta alto mando. El requisito principal
era que fuesen bien legibles y con la menor cantidad de papel, y allí es donde Larry
comenzó a interesarse realmente en la tipografía, a seleccionar bien los tipos, a
analizarlos.
Una vez vi uno de esos manuales cuando se lo enseñó a Leufert y estaba hecho en
Trade Gothic, una tipografía que le gustaba mucho, y a raíz de eso yo traje esa
tipografía para la Editorial Arte. Esta tipografía que es una palo seco muy legible y
hermosa, él la combinaba con otra serif llamada Caledonia. Este es uno de sus
aportes, porque ahora es algo muy común, pero en ese entonces nadie combinaba
tipografías con serif y sin serif. Además era quién escogía todas las fuentes de linotipo
que se traían en Cromotip, y en eso fue un precursor.Trabajó en principio con la Creole,
que fue la compañía que lo trajo a Venezuela, pero
también trabajó con la Fundación Mendoza realizando los informes, con la Electricidad
de Caracas y en Cromotip entre otros.
GERD LEUFERT
Venezolano, nacido en 1914 en Memel, actualmente Kláipeda, Lituania. Estudió en las
escuelas de arte de Hannover, Maguncia y Munich, Alemania, en esta última con el
profesor F. H. Ehmcke.Estudió en la Escuela Superior de Diseño de Hannover
(Alemania, 1933), en la Escuela de Artesanía de Maguncia (Alemania, 1935-1936) y en
la Academia de Bellas Artes de Múnich (Alemania, 1939) con F.H. Ehmcke. Al concluir
la Segunda Guerra Mundial trabaja como colaborador gráfico en casas editoras como
Piper, Biederstein, Oldenbourg y Hansen, entre otras; en 1947 asume el cargo de jefe
del estudio gráfico Bayrisches Bild, en Múnich, propiedad de su maestro Ehmcke.
Eberhard Holscher publica un ensayo sobre su trabajo en la revista Gebrauchsgraphik
de Múnich (1951). Ese mismo año se traslada a Venezuela. En 1952 obtiene el cargo
de director de arte en la publicidad McCann Erickson de Venezuela. En 1953 se
residencia con su esposa, la artista Gego (Gertrud Goldschmidt), en Tarma (Edo.
Vargas), donde desarrollan importantes obras hasta 1956. En 1957 recibe la dirección
artística de la revista El Farol; su director, Alfredo Armas Alfonzo, le confía la creación
de una nueva imagen. De ese modo, El Farol se convierte en marco experimental para
una nueva expresión del diseño gráfico; en 1959 deja su cargo en manos de Nedo M.F.
Entre 1958 y 1960 inicia su experiencia docente en la Facultad de Arquitectura y
Urbanismo de la UCV, que alterna con una cátedra en la Escuela Cristóbal Rojas,
donde dirige la sección de artes aplicadas. En 1960 viaja a Estados Unidos para cursar
estudios especiales en la Universidad de Iowa y técnicas gráficas en el Instituto Pratt
de Nueva York. Entre 1961 y 1966 inicia una fructífera labor en el MBA, inicialmente
como coordinador y director de arte de la revista Visual y luego como curador,
emprende una transformación de la producción del museo en el ámbito del diseño
gráfico. En 1961, el MBA presenta "Gráfica uno", la primera exposición de diseño
gráfico organizada en el país.Como pintor, se interesó en las tendencias abstractas y, sin
abandonar la técnica del
óleo, desarrolló obras informalistas monocromas, como AM-17 (1961, colección GAN),
y constructivas, a través de las oposiciones de color en un espacio reversible, como la
serie Union Square (1964). En una última etapa revisó el marco como posibilidad
objetual (Rodríguez, 1980, pp. 143-144). Esteban Muro comentaba en aquel tiempo
sobre su obra pictórica: "Leufert encara una síntesis fundamental entre las
posibilidades de la luz y la materia como resultado de haber entendido la pintura como
cuestión experimental" (1962, p. 1). Años más tarde señala Juan Calzadilla: "la pintura
de Gerd Leufert en los años sesenta introduce tonos desconcertantes y bizarros y los
emplea con arreglo a los principios de extensión, intensidad y ubicación del color en el
plano […] con la idea de cuestionar la armonía tradicional de primarios y secundarios
que empleaban los abstractos" (1999, p. 4).
En 1964 Leufert diseña el emblema oficial del pabellón de Venezuela para la Feria
Mundial de Nueva York y obtiene elogiosos comentarios en publicaciones
especializadas. Ese año trabaja activamente en la creación del Instituto Neumann, del
cual será profesor hasta 1967. En 1966 exhibe sus proposiciones gráficas, que llamó
Visibilia, en el MBA, acompañadas con un libro homónimo diseñado por Larry June con
textos de Miguel Arroyo y Alfredo Chacón. Visibilia participa en eventos como Trade
Marks International AIGA (Nueva York), la III Bienal Americana de Arte (Córdoba,
Argentina), la I Bienal Internacional del Afiche en Varsovia y la "Segunda exposición
internacional de artes gráficas" (Brno, República Checa). En 1967 trabaja con Gego en
el diseño de las obras ambientales para la fachada del Centro Comercial Cedíaz, y un
año después inicia también, con Gego, la obra mural del edificio sede del INCE, en
Caracas. En 1968 retoma su labor en el MBA y al año siguiente crea, junto a Miguel
Arroyo, la curaduría de dibujo y estampa, que dirige hasta su retiro de la institución en
1973; durante ese tiempo organiza la serie de exposiciones titulada "Sobre papel". En
1968 edita junto a Nedo M.F. un nuevo libro de diseño, Imposibilia, con textos de
Alfredo Armas Alfonso y Alfredo Silva Estrada; esta obra obtiene, tres años más tarde,
medalla de bronce en la "Exposición internacional del arte del libro" (Leipzig, Alemania).
En 1969 se edita su libro Nenias. En 1970 sale a la luz Marcas, publicación que reúne
trabajos realizados para identificar empresas y organizaciones, "un decantado proceso
de fusión entre el diseño y la escritura, un lenguaje libre, penetrante y certero, que
expresa, con máxima economía y máxima eficacia, una idea clara y distintiva"
(Guevara, 1970). En 1971, una nueva publicación Sin arco, con texto de Miguel Arroyo
y diseño de Nedo M.F., reúne muestras de su trabajo gráfico en las que "toca más de
cerca la creación desinteresada, pero se relaciona con el tema único de la flecha y sus
variantes, de manera que permanece obligado a presentar y describir un tema sin
perder de vista la analogía entre una flecha real y la imagen diseñada" (Traba, 1974).
En 1972 recibe el premio de honor en la "Exposición internacional de artes gráficas" en
Brno (República Checa) y medalla de bronce por su libro Sin arco. Entre 1974 y 1979, con
Nedo M.F., Santiago Pol y Álvaro Sotillo, realiza una serie de sellos postales
venezolanos; entre sus diseños se encontraban los dedicados al bicentenario del
Libertador y al Año Reveroniano. La serie completa fue expuesta en "La nueva
estampilla venezolana" (GAN, 1978). Al año siguiente el grupo recibe una medalla y
mención de honor en la "Exposición mundial de la estampilla" realizada en Praga.
En 1976, con textos de Hani Ossott y María Fernanda Palacios y diseño de Nedo M.F.,
surge un libro que muestra parte del trabajo escultórico de Leufert: Listonados. Sobre
estos trabajos escribió Roberto Guevara: "la escultura ha combinado la especulación
de la forma de origen naturalista, o tal vez deberíamos decir organicista, con otra más
acorde con el sistema rectangular que domina casi toda la producción de diseño, como
sería el caso de las obras conjugadas en la serie de Listonados" (1990). Por su parte,
Juan Calzadilla comentó: "experimentó lo conceptual elaborando una parodia frenética
[…] del marco usado para enmarcar pinturas tradicionales […], artefactos
desprevenidos que él mismo tallaba, retomaba del kitsch o del desecho, repintándolos,
ensamblando sus partes, relevándolos y exhibiéndolos sin lienzo" (1999, p. 4). En
1977, la revista Novum Gebrauchsgraphik de Múnich publica una separata dedicada a
la obra de Leufert. Ese mismo año, el MBA edita Gerd Leufert diseñador, con textos de
Gabriel Rodríguez y Miguel Arroyo, diseño de Nedo M.F. y diagramación de Álvaro
Sotillo. En 1979 forma parte del grupo fundador del TAGA y trabaja con el Taller
Cobalto. En 1984 aparece La emblemática de Gerd Leufert, editado por la GAN, con
textos de Victoria de Stéfano; esta obra obtiene la Letra de Oro en la exposición "Los
libros más bellos del mundo", en Leipzig (Alemania). En 1985 expone "Nenias" (MBA),
formas que "reflejan la necesidad de anteponer la forma a la imagen ya constituida y
socialmente empobrecida, la intención de restaurar la riqueza de estímulos de una
visión originaria, la posibilidad de una comunicación previa a la comunicación misma"
(De Stéfano, 1985). Durante esa época colabora con Alfredo Armas Alfonzo en la
realización del libro Diseño gráfico en Venezuela (Caracas: Maraven, 1985).
En 1988 presenta una retrospectiva de su obra como diseñador en la Sala Sidor, con la
curaduría de Gloria Carnevalli, quien señaló en relación a su obra: "cuán primordial ha
sido en su trabajo la búsqueda de las cualidades lógicas de una imagen […]. Y sin
embargo, hay algo en sus emblemas, en sus logotipos, afiches y carátulas que elude el
extremo ascetismo de una filosofía visual cuya premisa básica es la exaltación de la
imagen más escueta […]. En la obra de Leufert se da una feliz y lúdica coexistencia
entre el rigor y la frescura, entre la imaginación y la norma constructiva […]. La fantasía
formal de Leufert encuentra en las estructuras de lectura múltiple, en el principio serial,
en la ambigüedad espacial y en la contraposición de elementos especulares, versátiles
recursos para la invención de sus imágenes" (1988). En 1990, Miguel Arroyo
seleccionó 83 fotografías realizadas por Leufert desde 1981 para su primera exposición
en esta disciplina, "Penthouse B" (Sala RG), "un intenso, tal vez también implacable
recorrido por la cotidianidad, el tributo generoso y simple al universo visual del entorno,
pero de igual modo se encuentra el proceso de la mirada constructiva […], el
desdoblamiento de seres, objetos y espacios […], luces y sombras jugando al eterno
flujo de apariciones" (Guevara, 1990). Ese año recibe el Premio Nacional de Artes
Plásticas. En 1991, la BN organiza la VI Bienal del Cartel en homenaje al artista. Sus
indagaciones en la fotografía dan lugar a nuevas propuestas que se exhiben en 1992
en el Centro Cultural Consolidado, a propósito de la cual Victoria de Stéfano señaló que
a partir de contactos, copias, ampliaciones, Leufert reanimaba "la realidad con una
mirada estereoscópica. Es justamente de eso de lo que se trata: intervenir y reutilizar la
memoria fotográfica de las viejas copias a estos fines […]. Se acorta, se agrupa, se
destruye, se interpola, se ensamblan los elementos" (1992). En 1994 exhibe "Espacios
imaginarios y reales: tintas de Gerd Leufert" (MBA), pequeños paisajes del norte de
Europa, dibujados entre 1963 y 1982, junto a un grupo de tintas abstractas realizadas
entre 1981 y 1987. Estas obras fueron donadas por el artista al MBA. Al año siguiente,
la misma institución muestra "Los papeles de abajo", tintas y aguadas que el propio
Leufert llamó obras sin autor, pues surgieron en forma casual, sobre los papeles que
servían de soporte a aquellos otros papeles en los que efectivamente el artista realizó
trabajos. La obra de Leufert "es el producto del coloquio ininterrumpido que ha
mantenido con las formas y los signos gráficos para averiguar qué es lo que nos dicen.
De allí la variedad de su exploración, la riqueza y multiplicidad de sus hallazgos, el
amplio registro de posibilidades formales en que se mueve" (De Stéfano, 1984). De
Leufert, la GAN posee en su colección AM-17 (óleo sobre madera, 1961), Union
Square 13 (óleo sobre tela, 1964), Teque (óleo sobre tela, 1964) y Nenia plateada
(serigrafía, 1980), entre otros.
Premios
Alemania; por Imposibilia (coautoría con Nedo M.F.)
artes gráficas", Brno, República
Checa / Medalla de bronce, "Exposición internacional de artes gráficas", Brno,
República Checa; por Sin arco (diseño de Nedo M.F.)
Álvaro Sotillo), "Exposición mundial de la estampilla", Praga
del mundo", Leipzig, Alemania; por Historia de la alfombra en Venezuela (de Carlos
F. Duarte)
Exposición Anual del Libro, BN-GAN; por Enigma realidad
Alemania; por La
emblemática de Gerd Leufert (diseño de Álvaro Sotillo; Caracas: GAN, 1984)
de Artes Plásticas, Caracas
NEDO MION FERRARIO
Nació en (Milán, Italia, el 23 de septiembre de 1926. Diseñador Gráfico italiano,
considerado pionero del diseño gráfico venezolano.
Diversas generaciones de venezolanos han adquirido sólidos conocimientos
del diseño, la tipografía y el dibujo gracias al patrimonio histórico-artístico legado por
el maestro Nedo, M.F en Venezuela, quien fue un artista muy prolífico, hábil acuarelista
e ilustrador. Gran parte de su vida la dedicó al diseño y la docencia.
Nedo, M.F. diseñó unos sesenta alfabetos para ser utilizados en carteles, catálogos y
logotipos, algunos de ellos dentro de la denominada familia Imposible, otros
identificados como Reversibles y Computables. Dichos alfabetos radican en la
realización de un trabajo sin descanso, movido siempre desde una exploración
profunda y coherente de la geometría. Su pasión por las formas imposibles y la
fabricación de ilusiones ópticas de tipo geométrico fueron los valores fundamentales y
más característicos de su obra.
Gran parte de su aprendizaje lo obtuvo de su padre, Emilio Mion Vianello, quien era
cincelador, un oficio de linaje en Italia. Emilio se instruyó en la Academia Brera de
Milán. Nedo, M. F. estudió en el Instituto Comercial y Técnico de Milán entre 1936 y
1940 y en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad.
A a finales de la Segunda Guerra Mundial, ambos deciden abandonar Italia debido al
clima político de aquellas fechas. Animados por la política venezolana de inmigración
llegan a Caracas en 1950. Gracias a las relaciones públicas de su padre, uno de los
primeros trabajos que tuvo en Venezuela fue la realización de una serie de
ilustraciones para un periódico denominado "El País"; para el suplemento del diario ―La
Esfera‖, y para otros proyectos didáctico-comerciales como el diseño de emblemas,
logotipos, revistas, catálogos, carteles y campañas publicitarias para distintas marcas
venezolanas y extranjeras.
Entre 1952 y 1953 trabaja en la agencia de publicidad McCann Erickson de Venezuela
y realiza trabajos eventuales para la agencia de publicidad venezolana Ars Publicidad. Este
trabajo va desde el diseño de las cajas de cigarrillos marca ―Negro Primero‖ y
―Alaska‖ hasta una extendida campaña de la transnacional petrolera Mobil.
En 1959 asume la dirección artística de la revista ―El Farol‖ , publicación institucional de
la Creole Petroleum Corporationpara la cual había efectuado con anterioridad algunos
trabajos. Este mismo año suple a Gerd Leufert y Carlos Cruz Diez en la sección de
artes aplicadas de la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas; en la que tiempo
después, impulsa la creación de la cátedra de Diseño, donde sería profesor durante 27
años.
Al convertirse en el director artístico de El Farol, la revista ya había
experimentado su primera transformación de la mano de Gerd Leufert, quien dirigió su
producción entre 1957 y 1959, desligándola de un periodo "criollista", de excesos en la
ilustración, e imponiéndole una diagramación tipográficamente coherente, y portadas
abstractas de impacto visual y táctil que explotaban los verdaderos recursos de la
imprenta.
Nedo, a quien le correspondería su dirección artística durante trece años,
representando sesenta números consecutivos, y al menos cuatro cambios de su
director, sin hablar de los cambios de la Gerencia de Relaciones Industriales de la
Creole, la convierte en una bandera de las artes gráficas, esgrimida aquí y en otros
países, como ejemplo de la excelencia y versatilidad lograda en la industria gráfica
venezolana.
Esto obedece a que Nedo generó un concepto de diseño gráfico total en una
publicación, cuyo verdadero deleite está en la relación entre las partes que se abren y
se cierran con el paso de la página. Cambios de papel y cartulina, efectos de solapa,
fluidez entre carátula y cuerpo del texto, caracterizan su autoría. La manera en que
desarrollaba el tema, fuera histórico o científico, o explotara un efecto de trama para
redimensionar la fotografía y la relación que establecía con las contraportadas, y
especialmente el tratamiento que impartía al contenido, eran siempre sorprendentes y
magistrales.
Continuaría diseñando esta revista hasta 1972, un lapso de trece años en los que sentó
las bases del diseño racional total de una revista, planteándose la diagramación como
una estructura animada que se convirtió en fuente de inspiración y de emulación para
otra generación de diseñadores.
Su relación con Larry June, el tercer miembro de la tríada seminal del diseño gráfico
contemporáneo venezolano, se desarrolla en el entorno de la imprenta caraqueña
Cromotip, en donde ambos mantenían talleres de trabajo gracias a las publicaciones
que diseñaban y allí imprimían.
Muchos fueron los trabajos que se cruzaron entre ellos. June dominaba el medio
empresarial, diseñando los emblemas para un gran número de compañías emergentes
de los años cincuenta y sesenta. Entre Nedo y June, y entre ambos y Leufert, se estableció
una simbiosis de amistad y consenso gráfico que concluye sólo a la muerte de Larry en
1974.
ALVARO SOTILLO
Diseñador gráfico. Hijo de Antonio José Sotillo y Carmen Teresa Méndez. Su
formación académica la realiza en la Escuela Cristóbal Rojas, en el área de artes aplicadas
(1962-1966), y en el Instituto Neumann (1966-1969); en este último realiza el
curso básico con los profesores Gerd Leufert y Gego y comienza a cursar la
especialización de diseño tridimensional atraído por la figura del profesor Cornelis
Zitman. Su formación continúa fuera de los muros académicos con Leufert y Gego: con
el primero establece una relación de maestro-aprendiz y bajo su tutela realiza sus
primeros ejercicios profesionales en el campo del diseño, mientras que de Gego recibe
el ejemplo constante en la ejecución integral del oficio. Trabajó con Nedo M.F., siendo
lo más destacado de este acercamiento la notable influencia que ejerció sobre el joven
Sotillo el trabajo tipográfico de Nedo M.F., mediante publicaciones como Cal y la revista
El Farol. En 1967 se vincula al movimiento artístico Los Expansionistas liderizado por
Omar Carreño, al suscribir el segundo manifiesto del grupo y participar en la colectiva
"Luz y transformación" (junto a Omar Carreño y Rubén Márquez) realizada en el
Ateneo de Caracas. En 1968 forma parte del grupo Cobalto. En 1970 realiza una
exposición individual en el Ateneo de Caracas llamada "Confrontación 70", con una
muestra a gran escala de una exploración tipográfica propia. Entre 1969 y 1976 trabaja
junto a Gerd Leufert en el Departamento de Dibujo y Estampa del MBA, desarrollando
el campo del diseño de catálogos en Venezuela y organizando numerosas
exposiciones. En 1972 participa en la IV Bienal Internacional del Cartel en Varsovia. En
1975 organiza la exposición "Letromaquia", sobre el trabajo tipográfico de Nedo M.F.
para el MBA; ese mismo año participa en la conferencia "El diseño para el
mejoramiento de la vida del hombre y no para su envilecimiento", acompañado de
Orlando Aponte, Sigfredo Chacón, Manuel Espinoza, Víctor Hugo Irazábal, Emiro Lobo,
Jorge Pizzani y Santiago Pol, y dictada en la Casa de la Cultura de Maracay en el
marco del Encuentro Nacional de Jóvenes Artistas. Entre 1975 y 1979 trabaja, junto a
Gerd Leufert, Nedo M.F. y Santiago Pol para el recién creado Instituto Postal
Telegráfico (bajo la dirección de Gonzalo Plaza y la asesoría de Miguel Arroyo), en la
realización de series de estampillas conmemorativas de eventos como la
nacionalización del petróleo y la inauguración del cable submarino Columbus; hasta
entonces la mayor parte de la producción venezolana de estampillas era delegada a
otros países. En 1978, la GAN organiza la muestra "La nueva estampilla venezolana",
con una selección del trabajo desarrollado por estos diseñadores en el Instituto Postal
Telegráfico. En 1980 participa en la IX Bienal de Diseño Gráfico en Brno (República
Checa) y en la "Segunda exposición anual del libro" (BN), en la cual obtiene el premio
al mejor libro con la publicación Los niños de aquí (Caracas: Foto Ediciones, 1979). Su
participación en esta convocatoria anual se repetirá en las ediciones de 1981, 1985,
1986, 1987, 1988 y 1989. En 1983 participa como miembro del comité de selección en
la III Bienal del Cartel (BN), y al año siguiente organiza, junto a Ibrahim Nebreda, la
muestra colectiva "Cincoincidentes" para el Museo de Barquisimeto. En 1985 organiza
la exposición "Gego. Dibujos 5/85" para el mismo museo. Entre este año y 1990 realiza
una serie de libros temáticos sobre regiones de Venezuela para la Fundación Polar
bajo la coordinación de la Editorial Óscar Todtmann, entre los que destacan La Gran
Sabana y El llano por las premiaciones obtenidas en los concursos "Los libros más
bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro" en Leipzig
(Alemania).
En 1986 funda la Editorial Alter Ego, junto a Leufert y Miguel Arroyo, publicando Más
acá del más allá y Retromundo, ediciones que reciben premios en los concursos "Los libros
más bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro" en Leipzig.
En 1988 participa como miembro del comité seleccionador de la V Bienal del Cartel
organizada por la BN. En 1989 es invitado como jurado internacional a la "Exposición
internacional del arte del libro" (Leipzig), donde pudo conocer y participar del criterio de
los expertos en la tradición europea del libro impreso. En 1990 participa en la VI Bienal
del Cartel: Homenaje a Gerd Leufert, organizada por la BN. Ese mismo año es
convocado por un grupo de ex profesores y ex alumnos del Instituto Neumann para
fundar Prodiseño, asociación destinada a la enseñanza de la comunicación visual;
Sotillo desempeña en ella las labores de asesor, profesor invitado y miembro de la
junta directiva hasta 1996. En 1993 es curador de la muestra colectiva "CCS-10. Arte
venezolano actual" para la GAN. Ese mismo año es llamado por Miguel Arroyo para
participar en el proyecto de difusión cultural del diseño gráfico, diseño industrial y
fotografía del Centro de Arte La Estancia, que abre sus puertas al público en 1995. Allí
trabaja hasta 1999 como responsable de la museografía (junto con José Luis Sánchez)
y de la imagen de la institución (para la cual desarrolla una familia tipográfica propia, la
Floresta Book). Entre las exposiciones que asesoró, organizó o curó para el Centro de
Arte La Estancia se cuentan "Chicho Mata: el hombre de Uchire" (1996), "Sentados en
un siglo. Emblemas cotidianos de Venezuela (1997), "40 años de fotografía: Leica M"
(1998) y "El asiento de al lado. La butaca moderna" (1999). En 1996 es invitado a
participar en el fax art Preservación de la capa de ozono, organizado por la Dirección
de Cultura, el Departamento de Artes Visuales y la Galería Ángel Boscán de la UCV.
Desde 1997 forma parte de la AGI, junto a Carlos Rodríguez y Santiago Pol. Esta
organización, formalizada en París en 1952, reúne un selecto grupo de artistas y
diseñadores gráficos con intereses y trabajos notables a nivel internacional; como ellos
mismos señalan, AGI es una plataforma que procura la relación entre sus miembros,
promueve el diseño gráfico a través de la convocatoria de sus integrantes y de
importantes instituciones gubernamentales y comerciales para la realización de
exposiciones y actividades que promuevan la calidad y la capacidad crítica del diseño.
Actualmente cuenta con cerca de 300 miembros de unos 27 países. En 1998 es
invitado a participar en el evento internacional de carteles "Brecht 100 carteles", que
celebra el aniversario del nacimiento de Bertolt Brecht, organizado por el Berliner
Ensemble y la Asociación de Diseñadores Alemanes. Ese mismo año es invitado a
participar en el concurso internacional "La infancia no es un juego de niños",
organizado por el Museo Alemán del Cartel (Essen, Alemania). En 1999 diseña la
presentación de los documentos para la postulación ante la UNESCO de la Ciudad
Universitaria de Caracas para la lista de patrimonios mundiales. Ese mismo año es
invitado por el Museo Alemán del Cartel (Essen) al fax art Kinder sind der rhythmus
dieser welt (Los niños son el ritmo del mundo).
Santiago Pol
Nacido en Barcelona, España, el 19 de Enero de 1946.
Estudios en Bellas Artes en la Escuela de Artes Plásticas "Cristóbal Rojas", Caracas
y Escuela Superior de Bellas Artes, París.
Cargos docentes: Instituto de Diseño / Universidad Simón Bolívar, cursos de Extensión
/ Instituto de Diseño Neumann-Ince / Pro-Diseño / Escuela de Artes Visuales Cristóbal
Rojas / Escuela de Artes U.C.V. / Instituto Diseño Darias, todas en Caracas y la
Universidad de Yaracuy (UNEY), Estado Yaracuy
Cursos, charlas y talleres: Venezuela, México, Brasil, Colombia, Cuba, Estados Unidos,
Argentina, España, Rep. Checa, Corea del Sur y República Dominicana
Salones, Bienales y Trienales de Diseño: Bienal del Cartel de México (Miembro
Honorario) / Bienal del Cartel por invitación de Colorado* / Art Directors Club, New york
/ Bienal del
Cartel de Varsovia / Bienal del Cartel de Lahti (Finlandia) / Bienal del Cartel de Brno,
R. Checa, (Miembro Honorario) / Bienal del Cartel de Toyama (Japón) / Bienal del
Cartel
de Taiwan (China)
Revistas, Libros y Publicaciones: Venezuela, México, Estados Unidos, Corea del Sura,
Colombia, Brasil, España, Francia, Suiza, Alemania, Holanda, Polonia, Finlandia,
Japón,
China (Nacionalista), China (Popular), Sur Africa y Australia
Museo web: ¿Quién es quién en la creatividad? C.W.W. / Kanagama, Japón 2002
Jurado: Venezuela (varias veces), Colombia, Brasil, Cuba, México, Estados Unidos
y Rep. ChecaMiembro de: AVAP: Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, Caracas.
ICOGRADA: International Council of Graphic Desing Associations, Londres. AGI:
Alianza Gráfica Internacional, Zürich. Miembro de la Junta Directiva Museo de la
Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez. Presidente de la Junta Directiva del TAGA
(Taller de Artistas Gráficos Asociados). Amigo de la "Unión des Arts Décoratifs", París.
Libro Inédito: Sobre su obra Raymond Vézina (Profesor de la UQAM: Université
du Québec á Montreal), ha escrito un libro que aún no ha sido publicado.
Distinciones, Menciones y Premios, Pintura y Escultura: Premio del Público, II Salón
Pez Dorado, Caracas, 1963. Mención Honorífica, IV Salón D´Empaire, Maracaibo,
1963. I Premio de Pintura, III Salón Pez Dorado, Caracas, 1965. Premio del Público,
Escultura Gigante,
I Bienal Coca-Cola, Caracas, 1998. Hormiga de Plata, Pintura, Festival de Artistas, 1°
Edición, Caracas, 1998.
Distinciones, Menciones y Premios Carteles y Estampa Nacionales: Mención
Honorífica, Concurso Afiches Turísticos Conahotu, Caracas, 1971. I, II, III, IV y V
Premio del Cartel, Biblioteca Nacional, Caracas, 1979, 80, 81, 82, 83. Premio
(Selección) AGPA-TAGA (Estampa), Caracas, 1999.
Distinciones, Menciones y Premios Carteles Internacionales:
Mención Especial VI Bienal del Afiche en Varsovia, 1978.
1er Coral Negro al Mejor Afiche, 4° Festival del Nuevo Cine Latinoamericano,
La Habana, 1982.
Medalla de Oro 25° Festival Internacional del Documental y Cortometraje,
Leipzig, 1982.
Tercer Premio de Afiches Festival Internacional de Teatro en Expresión Ibérica,
Oporto, 1982.
Merit Award Art Directors Club, New York, 1992 y también en el año 1993.
Medalla de Bronce, 4° Trienal de Toyama, Japón, 1994.
Portada International Print Portfolio, Universal Declaration of Human Rigths,
Durban,
Sur África, 1999.
Selección Almanaque Naciones Unidas, Alemania 2002. Almanaque medalla de
bronce, International Calendar Show, Stuttgart, 2002 y medalla de oro y bronce
en el World Calendar Award Competition, in América.
Selección Afiche Juegos Olímpicos, Beijing 2008.
Enciclopedia Británica 2002.Trabajos Especiales: Formó parte del equipo (Leufert, Nedo,
Sotillo y Pol), el cual se
encargó de diseñar "La Nueva Estampilla de Venezuela", 1978. Plano del Metro de
Caracas
(Versión original), Caracas, 1982. El Siglo más Universal: Cuatro portadas especiales
de la edición aniversaria del diario El Universal, Caracas, 1989. Diseño de la edición
aniversaria (cuatro cuerpos) del diario El Universal en sus 85 años, Caracas, 1994.
Concepto del Diseño del Pabellón de Venezuela en la Feria del Libro de Guadalajara,
México, 1995. Logotipo actual del CNE (Consejo Nacional Electoral), Caracas, 1997.
Imagen Coca-Cola
y el Arte de Nuestra Gente Expo 2000, Caracas, 2000. Homenaje a Jan Rajlich (World
of Friends), Brno, República Checa y Eslovaquia, 2000. Hommage a Johannes
Gutenberg,
Mainz, Alemania, 2000. Diversity (AGI Congress) Oaxaca, México, 2000. AGI París,
Exposición GALERIE ANATOME, septiembre de 2001. 20 años Bienal de Brno,
República Checa, 2002.
Representado en las siguientes Colecciones Nacionales: Museo de Arte de Maracay,
Estado Aragua / Galería de Arte Nacional, Caracas (Colección) / Instituto Autónomo
Biblioteca Nacional, Caracas (Colección Completa) / Museo Francisco Narváez,
Porlamar, Estado Nueva Esparta / Museo Audiovisual, Caracas / Museo de la Estampa
y el Diseño Carlos Cruz-Diez, Caracas (Colección Completa).
Representado en las siguientes Colecciones Internacionales: Museo del Afiche de
Milanov, Polonia / Casa de las Américas, La Habana, Cuba (Colección Completa) / The
Israel
Museum, Jerusalem / Museo de Arte Moderno de New York MOMA, U.S.A. / Museo
Für Gestaltung, Zurich, Suiza (Colección Parcial) / Merril Berman Collection, N.N.Y.Y.,
U.S.A. (Colección Parcial) / National Library Washington, U.S.A. / Trama Visual, México
/
Universidad Autónoma de Puebla, México (Colección Parcial) / Museo de Artes
Decorativas
y del Afiche, Palacio de Louvre, París, Francia (Colección Completa) / Altos de Chavón
La Escuela de Diseño (Colección Completa) / Universidad de Santo Domingo,
República Dominicana.
Exposiciones Personales: Ha expuesto numerosas veces en Venezuela como pintor,
escultor y diseñador. También en Cuba, México, Colombia, Rep. Dominicana,
Inglaterra
y la más importante de todas fue en el Museo del Afiche en el Palacio de Louvre,
en París durante el año 1991.
1992 fue jurado en la 1 Bienal del Cartel de México.1993 Obtuvo el premio Merit Award
del Club de Directores de Arte de Nueva York,
por su cartel Polar en el objeto popular.
1994 Medalla de bronce de la 4 Trienal de Tayoma, Japón.
1997 Es elegido miembro de la Alianza Gráfica Internacional.
1998 Creó la edición aniversaria del diario El Universal en sus 85 años,
y el logotipo para el Consejo Nacional Electoral.
1999 Portada Internacional Print Portfolio, Universal Declaration of Human Rights.
Durban, Sudáfrica.
2001 Premio Nacional de Artes Plásticas. Muestra retrospectiva Olfato visual.
Santiago Pol, 1968-2001, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez.
2005 Representó a Venezuela en la 51 Bienal de Venecia con la muestra Color,
amor y calor de la pequeña Venecia, que reunió su trabajo de 40 años en el afiche.
Asimismo, ha sido docente en reconocidos institutos de diseño del país y participado
en
innumerables exposiciones individuales y colectivas en Venezuela y el extranjero.
Grandes museos del mundo poseen sus obras como el Museo de Arte Moderno
de Nueva York. Actualmente es profesor y coordinador del espacio académico Diseño
Integral en la Universidad Nacional Experimental del Yaracuy (UNEY).
Santiago Pol en la Bienal de Venecia
COLOR, AMOR Y CALOR DE LA PEQUEÑA VENECIA
Por Humberto Valdivieso
Santiago Pol fue seleccionado para representar a Venezuela en la 51 Bienal de
Venezia, exposición que será inaugurada el 12 de junio de este año.
El artista gráfico, más aún el hacedor de carteles, es un hombre que ayuda a construir
la identidad de las ciudades y ofrece alternativas de lectura a los espacios
arquitectónicos. No obstante, la relación entre el diseñador y su medio ambiente es
una simbiosis. Muro y papel, soporte y anuncio, logotipo e institución son parte de un
solo discurso. Uno es el sustento del otro, ambos se alimentan equitativamente puesto
que los afiches, la identidad gráfica de las empresas y aún las estampillas están
pensadas, diseñadas y producidas para un clima, un color, una luz y una forma de
expresarse ya definidos. Lo urbano es una atmósfera cambiante. Y a su vez, es una
condición para el artista que lo transforma.Santiago Pol ha dicho innumerables veces: ―Si
Venezuela no existiera, yo no existiría
como diseñador‖. Su larga trayectoria en el oficio de los carteles descansa sobre la
manía de pensar, oler, saborear, palpar y escuchar el lugar donde coloca
posteriormente una huella gráfica. La obsesión por representar las palabras, el humor
o el malhumor del cliente y los ruidos, temperatura o densidad poblacional de la calle,
de la sala de cine, del teatro o del Metro de Caracas se traduce en cientos de páginas
boceteadas a mano para sintetizar todo aquello en un cartel. Es un comunicador visual
y social masivo, ecléctico e impredecible; conectado sólidamente con el ambiente
cotidiano. Arrastra en cada trabajo todo el amor, todo el calor y todo el color de su
país. Lo investiga minuciosamente a manera de un sabueso gráfico. Su propósito es
llegarle al otro; a ese que camina desprevenido y es potencial receptor de un golpe
visual que lo dejará pensando.
La Pequeña Venecia de Pol no es solamente el país laberíntico, desordenado, fértil,
alto-contraste y generoso donde habita. Un territorio palafito edificado sobre las
emociones de sus habitantes. Es además el mapa que a lo largo de cuarenta años de
carrera ha dibujado para ella. La ha visto por debajo y por arriba; también desde
adentro y desde afuera. La ha representado en diversos formatos y le creado una
iconografía a base de objetos imposibles. Cuando habla en sus diseños de otras
culturas lo hace con ese mismo calor, color y amor; eso lo ha convertido en un
venezolano universal. Un artista que salta la barrera del mensaje lingüístico y de la
fecha pautada para llegar a todos, todo el tiempo.
EDWUARD THOMAS
Nacio en Londres, Reino Unido, 3 de marzo de 1878 – Pas-de-Calais, Francia, 9 de
abril de 1917), escritor y poeta anglogalés.
Es considerado por lo general como poeta de la guerra, pese a que pocos entre sus
poemas tratan directamente sobre sus experiencias bélicas. Se alistó en el ejército en
1915, y murió en combate en la Batalla de Arras en 1917, poco después de llegar a
Francia.
En agosto de 1914, la villa de Dymock en Gloucestershire se volvió residencia de una
serie de figuras literarias, incluyendo a Lascelles Abercrombie, Wilfrid Gibson y el poeta
norteamericano Robert Frost. Edward Thomas era entonces un visitante más.
Se alistó en Julio de 1915, a pesar de ser ya un hombre maduro y casado, que podría
haber evitado entrar en filas. Fue promovido a cabo y en noviembre de 1916 fue
encomendado para la Royal Garrison Artillery. Murió en la acción de Arras, el 9 de abril
de 1917, poco después de su llegada a Francia. Devastado por la noticia, su amigo W.
H. Davies escribió "Killed In Action (Edward Thomas)" en homenaje a él.
MARÍA CAROLINA JOSEFINA PACANINS Y NIÑO
Nace el 8 de enero de 1939 en Caracas (Venezuela), en el seno de una
familia de terratenientes. Su infancia
transcurrió feliz, rodeada de lujo,
privilegios y dedicada a sus caballos y
perros. Su madre, María Cristina
Pacanins impartió a Carolina una
educación estricta y disciplinada.
Con 13 años viaja con su abuela a París
donde presencia un desfile del
diseñador español Cristóbal Balenciaga.
Este fue su primer contacto con la alta
costura, y aunque le gustó la experiencia, no pensó dedicarse a la moda. Cinco años más
tarde, contrae
matrimonio con Guillermo Behrens Tello, y se separan ocho años después,
convirtiéndose en la primera mujer divorciada de su familia.
Al poco tiempo, se reencuentra con Reinaldo Herrera, un amigo de la
infancia, con el que se casa en 1968 y tiene cuatro hijas. Sus años de casada
transcurren entre viajes y fiestas, en las que ejerce de perfecta anfitriona en
su mansión del siglo XVI. Durante su estancia en Caracas vivió las legendarias
fiestas de su suegra, Mimi Herrera, amiga de la duquesa de Windsor y Greta
Garbo. Además fue retratada en tres ocasiones por Andy Warhol. A pesar de
vivir en los más alto de la sociedad, Carolina se caracteriza por ser una mujer
sencilla, amante de su familia y una gran ama de casa.
Rica y guapa, Carolina aparecía siempre en las listas de las mujeres más
elegantes del mundo, y su estilo personal fue lo que le animó a diseñar su
propia colección. En septiembre de 1980 Herrera presenta sus primeros 20
diseños, un año más tarde crea su propia compañía y se muda con su familiar a
la capital de la moda, Nueva York.
Al principio las críticas no fueron muy buenas, y todos auguraban a la
diseñadora uno o dos años en el sector. Como se suele decir, el cliente siempre
lleva la razón, y en este caso el público femenino fue admirando poco a poco la
sencillez y la sofisticación de la creadora venezolana. En la actualidad su
nombre es conocido por toda Europa y América. Su amistad con Jackie Kennedy
otorgó prestigio y fama a Carolina, y consiguió convertirse en su diseñadora
exclusiva en los últimos doce años de su vida. Uno de los mayores logros de su
carrera fue la creación del vestido de novia de Carolina Kennedy, la hija mayor
de John Fizgerald Kennedy.
Sus diseños no van dirigidos sólo para la alta sociedad, sino para todas
aquellas mujeres que se sienten identificadas y afines a su estilo. Para la
venezolana, las modas y las tendencias cambian, pero la sofisticación, el lujo y
la elegancia son elementos permanentes e invariables, de los que no se debe
prescindir. Su secreto es vestir conforme a la personalidad y el estilo de vida
de cada uno.
En 1988 Carolina Herrera presenta su primer perfume unisex 212. En
1991, fue galardonada por la asociación norteamericana de 'Diseñadores
Hispanos' con el premio a una década de creación artística. Seis años después,
la Infanta Doña Pilar le hizo entrega de la medalla de oro del 'Spanish Institute
de Nueva York'.
Aunque Carolina es una mujer conocida en todo el mundo por su trabajo como
diseñadora, empezó a ser aún más popular en nuestro país a raíz de la boda de
su hija Carolina Adriana Herrera con el diestro Miguel Baez, 'El Litri', con quien
tiene dos hijos, Olimpia y Miguel.
Reconocimientos
Premio Geoffrey Beene a la Trayectoria Profesional. CFDA. 2008Premio Fernando Bujones
del American Ballet Theatre. New York. 2008
Premio Cardenal James Kickey de Centro Católico Hispano. New York. 2008
Incluida entre los 100 latinos más influyentes del 2007 por la revista People.
Mejor frangancia selectiva (CH) del año 2007. Academia del Perfume. Madrid.
Embajadora de Buena Voluntad de las Naciones Unidas contra la mal nutrición.
Madre del Año 2006. American Cancer Society. New York
Medalla de Oro de las Bellas Artes (2005). España
Fifi Award's Hall de la Fama 2005. The Frangance Foundation's
Mejor diseñadora de Ropa Femenina del Año 2004 en USA. CFDA
Diseñadora Internacional del Año 1999. Revista Telva de España
Medalla de Oro del Spanish Institute de New York.. (1997)
Premio a Una Década de Creación Artística (1992). Asociación de Diseñadores
Hispanos de Estados Unidos.
PAUL WINCHELL
Paul Winchell es más conocido por ser la voz de Tigger en los dibujos animados
de Winnie-the-Pooh y sus actos de ventrílocuo, pero también era un inventor, y
algunos
de sus inventos han beneficiado a la sociedad en gran medida.Winchell fue el primero
en patentar un concepto para un corazón mecánico, artificial.
El diseño fue desarrollar además de la Universidad de Utah y el Dr. Robert
Jarvik implantado el primer corazón artificial permanente y exitosa en un ser humano
en 1982. El dispositivo ha salvado miles de vidas desde entonces. Winchell inventado
máquinas de afeitar desechables que son inmensamente popular en todo el mundo.
Los precursores de los desechables eran la recta y maquinillas de afeitar. Desechables
son mucho más económicos y no necesitan mantenimiento. Winchell añadido
componentes clave (todos los cuales son estándar actual) a sus muñecos de
ventrílocuo, de modo que las muñecas pudiera parpadear, guiñar y criar a sus cejas.
Sus maniquíes, como Jerry Mahoney y Smith Knuckle-cabeza, le ayudó a entretener a
toda una generación y elevado el nivel de ventrílocuos en todas partes.
Winchell creado muchas voces de dibujos animados como amigo Tigger de
Winnie-the-Pooh, Gargamel de Los Pitufos, el gato Simanese en Aristogatos, y Boomer
en The Fox and the Hound. La suya era la voz de los personajes en numerosos otros
espectáculos, así como Los Picapiedra, Los Supersónicos, Scooby-Do y divide la
Banana. Recibía a mucha gente con su voz versátil. Durante su vida de Paul Winchell
fue concedido 30 patentes, las invenciones que incluyen un encendedor sin llama, un
descongelador de plasma sanguíneo portátil, batería guantes con calefacción, una
pluma retráctil y un liguero invisible.
DR. SPENCER SILVER,
Científico de 3M, encontró algo notablemente distinto de lo que estaba buscando
cuando trataba de mejorar los adhesivos de acrilato. Era un adhesivo que se formaba a sí
mismo en pequeñas esferas y no se pegaba con mucha fuerza cuando se aplicaba a los
soportes de cintas. Una vez inventado este adhesivo tan especial, la cuestión que se le
planteaba a Silver era que hacer con él.El producto definitivo fue descubierto por Art Fry,
investigador que había asistido a uno de los seminarios de Silver y estaba intrigado por el
extraño adhesivo. La intensa curiosidad de Fry, su predilección por las soluciones prácticas
y frustración que sentía por el hecho de que el papel separador de páginas cayera
constantemente de su libro de himnos, le hizo descubrir que el adhesivo de Silver podría
servir como separador más fiable e ideo el concepto de Post-it® Notas adhesivas.
En 1978, después de realizar muchos estudios para ver las diferentes reacciones que
causaban los Post-it® Notas, los responsables del producto obtuvieron diferentes éxitos
dependiendo de que tipo de persona los utilizarían. Ellos viajaron a diferentes partes de
Estados Unidos e hicieron un gran esfuerzo en mostrar el producto y darlo a conocer.
Llenaron a los distribuidores de oficina de muestra y fue asombroso demostrar que el 90%
de los consumidores que probaron el producto dijeron que lo comprarían, la dirección de
3M decidió seguir adelante con el lanzamiento del producto… un producto que ha
revolucionado el mundo de la comunicación.
1980: Post-it Notes se lanzaron en EEUU con un enorme éxito, ya que vino a revolucionar
el mundo de la comunicación.
1981: Post-it Notes se introdujeron en Canadá y Europa.
1990: Post-it Notes celebra su décimo aniversario y es reconocido como una de las marcas
TOP de los consumidores de la década.
En el año 2010, 30 años después de su creación, 3M lanza al mercado una versión
mejorada de los clásicos post-it, conocida como Super Sticky, la cualidad especial de estos
nuevos post-it es que se adhieren un poco más fuerte que los anteriores, pero aún sin ser
dañinos para el papel receptor del post-it. Esto es útil, por ejemplo, para adherirlos sobre
superficies más porosas, tales como papel de diario, o papel de menor calidad, en los
cuales el post-it clásico tiene un grado de adherencia menor. Así ofrecen una adhesión
más firme y duradera que en la versión anterior. En el año 2014 se anuncia que la palabra
castellanizada de la marca, pósit, será introducida en la vigésima tercera edición del
Diccionario de la Real Academia Española.
GUILLERMO MARCONI
Nació en Bolonia, 25 de abril de 1874 - Roma, 20 de julio de 1937) fue
un ingeniero eléctrico, empresario e inventor italiano, conocido como uno de los más
destacados impulsores de la radio transmisión a larga distancia, por el establecimiento
de la Ley de Marconi así como por el desarrollo de un sistema de telegrafía sin hilos
(T.S.H.) oradiotelegrafía. Ganó el Premio Nobel de Física en 1909. Fue también uno de
los inventores más reconocidos, y además del Premio Nobel, ganó la Medalla Franklin,
por el Instituto Franklin, fue presidente de la Accademia de Italia y el Rey Víctor Manuel
III de Italialo nombró Marqués, con lo que pasó a recibir el trato de «Ilustrísimo Señor».
Además, está incluido en el Salón de la Fama del Museo de Telecomunicaciones y
Difusión de Chicago, y en su honor se entregan los NAB Marconi Radio Awards, una
premiación realizada anualmente por la Asociación Nacional de Radiodifusión de
los Estados Unidos
Segundo hijo de Giuseppe Marconi, terrateniente italiano, y su esposa de
origen irlandés Annie Jameson, estudió en la Universidad de Bolonia. Fue allí donde
llevó a cabo los primeros experimentos acerca del empleo de ondas
electromagnéticas para la comunicación telegráfica. En 1896 los resultados de estos
experimentos se aplicaron en Gran Bretaña, entre Penarth y Weston, y en 1898 en el
arsenal naval italiano de La Spezia. A petición del gobierno de Francia, en 1899 hizo
una demostración práctica de sus descubrimientos, y estableció comunicaciones
inalámbricas a través del canal de la Mancha, entre Dover y Wimereux. Patentó
la radio, aunque solo en un país y utilizando para su realización catorce patentes
de Nikola Tesla, fechadas el 2 de julio de 1897 en el Reino Unido. En años posteriores
dicha paternidad fue disputada por varias personas. De hecho, otros países, tales como
Francia o Rusia rechazaron reconocer la patente por dicha invención, refiriéndose a las
publicaciones deAlexander Popov publicadas anteriormente. Tesla había inventado un
dispositivo similar al menos quince años antes que él.
En la década de los cuarenta el Tribunal Supremo de los Estados
Unidos dictaminó que la patente relativa a la radio era legítima propiedad de Tesla, y lo
reconoció como inventor legal de ésta, si bien esto no trascendió a la opinión pública, que
sigue considerando a Marconi como su inventor. En todo caso, fue Marconi quien
desarrolló comercialmente la radio. Atraído por la idea de transmitir ondas de radio a
través del Atlántico, marchó a Saint John's (Terranova), donde, el 12 de diciembre de
1901 recibió la letra "S" en Código Morse, transmitida por encargo suyo
desde Poldhu (Cornualles) por uno de sus ayudantes, a través de 3.360 km de océano.
No obstante, la primera comunicación transatlántica completa no se hizo hasta
1907. Reginald Aubrey Fessenden ya había trasmitido la voz humana con ondas de
radio el 23 de diciembre de 1900.
En 1903 estableció en los Estados Unidos la estación WCC, para transmitir
mensajes de este a oeste, en cuya inauguración cruzaron mensajes de salutación el
presidente Theodore Roosevelt y el rey Eduardo VII del Reino Unido. En 1904 llegó a
un acuerdo con la Oficina de Correos británica para la transmisión comercial de
mensajes por radio. Ese mismo año puso en marcha el primer periódico oceánico a
bordo de los buques de la línea Cunard, que recibía las noticias por radio.
Su nombre se volvió mundialmente famoso a consecuencia del papel que tuvo la radio
al salvar cientos de vidas con ocasión de los desastres del Republic (1909) y
del Titanic (1912).
El valor de la radio en la guerra se demostró por primera vez durante la Guerra
Ítalo-Turca de 1911. Con la entrada de Italia en la I Guerra Mundial en 1915, fue
designado responsable de las comunicaciones inalámbricas para todas las fuerzas
armadas, y visitó los Estados Unidos en 1917 como miembro de la delegación italiana.
Tras la guerra pasó varios años trabajando en su yate, Elettra, preparado
como laboratorio, en experimentos relativos a la conducción de onda corta y probando
la transmisión inalámbrica dirigida. Obtuvo, en 1909, el premio Nobel de Física, que
compartió con Karl Ferdinand Braun. Fue nombrado miembro vitalicio del Senado del
Reino de Italia en 1918 y en 1929 recibió el título de marqués. Se cree que Nikola
Tesla rechazó el premio Nobel porque decía precisamente que Marconi había tomado
patentes suyas para hacer su invento, y que hasta que le retirasen el premio a Marconi
él no lo aceptaría. La Radio Vaticana fue fundada por Guillermo Marconi e inaugurada
por Pío XI (con el Mensaje radial Qui arcano Dei) el 12 de Febrero de 1931.
INVENTOS ATRIBUIDOS
La primera patente de la radio, aunque en un solo país y utilizando para su
realización catorce patentes de Nikola Tesla, verdadero inventor de la radio junto
con Julio Cervera, quien la registró el 2 de julio de 1897 en el Reino Unido. Un año
después de la primera transmisión sin hilos, Marconi patentó su invento y los ingleses
concedieron al joven inventor de veintidós años de edad una subvención de 15.000
francos. De ahí en más, el éxito no se hizo esperar. Por pedido del gobierno francés
hizo una demostración práctica de sus descubrimientos en 1899, estableciendo
comunicaciones inalámbricas a través del canal de la Mancha. El 27 de marzo de 1899
consigue el enlace a través del canal de la Mancha, entre Dover (Inglaterra) y
Boulougne (Francia), a una distancia de 48 km, en lo que fue la primera transmisión
entre ambos países. Cabe aclarar que el 21 de junio de 1943 la Corte Suprema de los
Estados Unidos otorgó los derechos de las patentes a Tesla y no a Marconi por la
invención de la radio.
ELDRED GREGORY PECK
Nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de
Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia armenio-irlandesa, y Bernice Mae
Ayres, de ascendencia escocesa. El padre de Peck era católico y su madre se convirtió
al catolicismo después de casarse. A pesar de esa estricta vida centrada en el
catolicismo, sus padres se divorciaron cuando él era aún muy niño y su infancia
transcurrió en compañía de su abuela, una gran aficionada al cine. De padre
farmacéutico, se propuso estudiar Medicina, pero abandonó la idea en la Universidad
de Berkeley, cuando descubrió su vocación por la interpretación en el grupo de teatro
de la facultad. Fue a actuar y a estudiar interpretación a Nueva York, en la
famosa Neighborhood Playhouse. En 1941 debutó en el teatro, en Broadway, con
obras como The morning star o The Willow and.
Carrerra Cinematogràfica
En 1944 abandonó los escenarios para centrar su carrera en el cine. Su debut
cinematográfico se produjo con Days of Glory (1944), película dirigida por el director
francés Jacques Tourneur, que trabajó en Estados Unidos. Días de gloria es un extraño
y notable film de guerra, y él hace de ruso en medio de rusos (era el momento de
colaboración bélica con la URSS. El éxito le llegó con su segunda película, Las llaves
del reino (1944), del gran director John M. Stahl, por la cual fue nominado al Óscar por
primera vez. En 1945, Alfred Hitchcock le confió el papel protagonista
de Spellbound (conocida como Recuerda en España,Cuéntame tu vida en Argentina),
coprotagonizada por Ingrid Bergman; luego haría con él El proceso Paradine. Y
conmovió a los espectadores en la apasionada y trágica escena final del drama en el
Oeste, Duelo al sol de King Vidor (1947), con Jennifer Jones.
Fue un actor de recursos relativamente limitados en cuanto a su versatilidad,
pero fue sobrio y eficaz, dueño de una sólida prestancia escénica e innegable atractivo
masculino, cuya característica principal era la destacable expresión de su torva mirada
con que remarcaba sus personajes. Intervino en westerns, comedias, películas bélicas,
románticas y costumbristas, etc.Algunos de los títulos de los filmes que interpretó son: La
barrera
invisible (1947), de Elia Kazan; Cielo amarillo (1948), de William A. Wellman; El mundo
en sus manos (1952); Vacaciones en Roma (1953) y Horizontes de grandeza(1958),
ambos de William Wyler; La hora final (1959). Luego rodó La conquista del
Oeste (1962); Matar un ruiseñor(1962), por la que ganó un Óscar; Arabesque (1966); El
oro de Mackenna (1969); Yo vigilo el camino (1970); La profecía (1976); Los niños del
Brasil (1978) y finalmente The Scarlet and the Black (1983). Una de sus más logradas
interpretaciones y quizás la más recordada fue la del intrincado capitán Ahab en Moby
Dick, dirigida por John Huston en 1956. Mantuvo un prolongado estatus como estrella
de Hollywood de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, iniciando su declive artístico
en los setenta. Sin embargo, es uno de los pocos mitos clásicos de Hollywood que se
había mantenido en activo hasta finales del siglo XX.
Frederick Austerlitz
Nació el 10 de mayo de 1899 en Omaha, Nebraska. Cuando contaba cuatro
años fue inscrito junto a su hermana Adele en una escuela de danza por su ambiciosa
madre. Con siete años actuó en el vodevil junto a su hermana. Entre 1917 y 1932
fueron pareja de baile muy famosa en Broadway, y participaron en musicales
como Over the top (1917), Lady be good (1925), y Funny face (1927). De Astaire se
dijo que era el actor al que mejor le sentaba el chaqué y que aprendió la bailar antes
que a andar.
Tras el retiro de su hermana de los escenarios, él comenzó su carrera en el cine.
Debutó con Alma de bailarina (1933, de Robert Z. Leonard). En Hollywood obtuvo su
verdadera consagración trabajando con las mejores actrices de la época como Rita
Hayworth o sobre todo, Ginger Rogers, a quien odiaba fuera de la pantalla. Entre sus
películas con la bailarina Ginger Rogers, que comienzan con Volando hacia Río de
Janeiro (1933, de Thornton Freeland), destacan Roberta (1935, de William A.
Seiter), Sombrero de copa (1935, de Mark Sandrich), Ritmo loco (1936, de Mark
Sandrich), y Vuelve a mí (1949, deCharles Walters).
Otras películas en las que trabajó fueron: Easter Parade (1948), con Judy
Garland; Papá piernas largas (1955, de Jean Negulesco) con Leslie Caron; Una cara
con ángel (1957, de Stanley Donen), conAudrey Hepburn; y La bella de Moscú (1957,
de Rouben Mamoulian), con Cyd Charisse. En 1949 le otorgaron un Oscar por su
contribución al cine musical. En 1989 la National Academy of Recording Arts and
Sciences le concedió un Premio Grammy póstumo al trabajo de toda una vida. Astaire
había obtenido también una candidatura al Oscar como mejor actor secundario por su
intervención en El coloso en llamas (1974), de John Guillermin, donde bailó por última
vez -en esta ocasión un vals- ante la pantalla.
En 1957 publicó su autobiografía Steps in time. Se casó con Phyllis Potter en
1933, con quien tuvo dos hijos, Peter y Eva. Potter falleció en 1954. Cuando contaba
80 años de edad se casó nuevamente con la amazona Roby Smith, de 35 años, sin
hacer público ni el lugar ni la fecha exacta del matrimonio. Fred Astaire falleció el 22 de
junio de 1987 de neumonía en Los Angeles, California.
Audrey Hepburn
Nació el 4 de mayo de 1929 en Ixelles (Bélgica). Hija de una aristócrata de origen holandés
y de un banquero británico. Creció y se educó en Holanda. Al finalizar la guerra se traslada
a Londres para convertirse en bailarina y aparecer en algunas películas británicas
interpretando pequeños papeles.
Comenzó su carrera mal, sin pena ni gloria, en una película británica, Risas del paraíso,
dirigida porAlastair Sim en 1951. En el mismo año, Audrey Hepburn conoce en la Costa
Azul a Colette, quien le sugiere que encarne a Gigi en la versión teatral de la novela
prevista en Broadway. Aceptó y consiguió un gran éxito que le abrió las puertas de
Hollywood convirtiéndose en una de las actrices más elegantes de todos los tiempos.
En 1953, le conceden el Oscar por su aparición en Vacaciones en Roma (William Wyler)
película con la que se convirtió en una de las más cotizadas actrices del cine de entonces.
Después trabajó en La calumnia, dirigida otra vez por William Wyler; Sabrina, dirigida por
Billy Wilder; Los que no perdonan, dirigida porJohn Huston; Charada y Dos en la carretera,
dirigidas por Stanley Donen; Desayuno con diamantes, dirigida por Blake Edwards; y My
Fair Lady dirigida por George Cukor. Su trabajo jugó con el sentido de la distancia y la
sofisticación apareciendo sencilla y extraordinariamente atractiva en la pantalla.
En 1954 Hepburn se casó con Mel Ferrer, quien en ocasiones fue su productor. Se
divorciaron en 1968 y un año después se casa con el médico Andrea Dotti (se divorciarían
en 1982). Se retiró del cine para ocuparse de sus dos hijos pero regresa en 1976 para
actuar en "Robin y Marian". Fue embajadora especial de la UNICEF. Audrey epburn falleció
víctima de un cáncer de colon el 20 de enero de 1993 en Tolochenaz Suiza.
Premios
Óscar
1953 — Vacaciones en Roma — Mejor actriz — Ganadora
1954 — Sabrina — Mejor actriz — Candidata
1959 — Historia de una monja — Mejor actriz — Candidata
1961 — Breakfast at Tiffany's — Mejor actriz — Candidata
1968 — Wait Until Dark — Mejor actriz — Candidata
1992 — Premio Humanitario Jean Hersholt — — Ganadora
Globos de Oro
1954 — Vacaciones en Roma — Mejor actriz - Drama — Ganadora
1955 — Henrietta Award — Actriz favorita del mundo — Ganadora
1957 — Guerra y paz — Mejor actriz - Drama — Candidata
1958 — Ariane — Mejor actriz - Comedia — Candidata
1960 — Historia de una monja — Mejor actriz - Drama — Candidata
1962 — Breakfast at Tiffany's — Mejor actriz - Comedia — Candidata
1964 — Charada — Mejor actriz - Comedia — Candidata
1965 — My Fair Lady — Mejor actriz - Comedia — Candidata
1968 — Dos en la carretera — Mejor actriz - Comedia — Candidata
1968 — Sola en la oscuridad — Mejor actriz - Drama — Candidata
1990 — Cecil B. DeMille Award — — Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Historia de una monja — Mejor actriz — Ganadora
Filmografía
1989 Always
1989 Kill Me Again
1981 They All Laughed
1979 Bloodline
1976 Robin and Marian
1967 Wait Until Dark1967 Two for the Road
1966 How to Steal a Million
1964 My Fair Lady
1964 Paris When It Sizzles
1963 Charade
1961 Breakfast at Tiffany's
1961 The Children's Hour
1960 The Unforgiven
1959 The Nun's Story
1959 Green Mansions
1957 Love in the Afternoon
1957 Funny Face
1956 War and Peace
1954 Sabrina
1954 Young Wives' Tale
1953 Monte, Carlo Baby
1953 Roman Holiday
1952 Secret People
1951 The Lavender Hill Mob
1951 Laughter in Paradise
1951 Nous Irons a Monte Carlo
1951 One Wild Oat
Ingrid Bergman
Nacio en Estocolmo, 1915 - Londres, 1982. Actriz sueca. Huérfana de madre a
los dos años y de padre cuando sólo había cumplido los doce, Ingrid Bergman pasó
gran parte de su infancia y adolescencia bajo los atentos cuidados de un tío suyo. A los
dieciocho años se graduó en el instituto y, para entonces, la tímida y solitaria Ingrid
había ya decidido ser actriz. Un año antes, en 1932, había participado sin acreditar en
una película, Landskamp, hoy perdida. En 1933 consiguió ser admitida en el Swedish
Royal Theatre, pero no soñaba precisamente con ser actriz de teatro; quería ser actriz
de cine y lo intentaba denodadamente, presentándose a multitud de pruebas.
Por fin, consiguió debutar en El conde del Puente del Monje (1935), de Edvin
Adolphson y Sigurd Wallen, un filme que se rodó en 1934. No era Ingrid todavía esa
belleza que, algunos años después, asombró al mundo, pero en su rostro empezaban a
dibujarse ya algunos de los rasgos más hermosos, que, tras unas pocas películas y
alguna que otra dieta de adelgazamiento, asomaron en la primera versión
deIntermezzo (1936), de Gustav Molander, un melodrama romántico que supuso un
acontecimiento en su época y un gran triunfo para el emergente cine sueco, para su
director, para su divo (Costa Ekman) y, sobre todo, para Ingrid Bergman, a quien le
llovieron múltiples ofertas desde Hollywood.
Fue el arrollador productor (todavía no independiente) David O. Selznick quien,
después de ver el filme, envió un emisario de la Metro Goldwyn Mayer a comprar los
derechos de la historia, con un largo contrato para Miss Bergman. Recién casada con
su primer marido, el doctor Peter Lindstrom, con el que tuvo una hija, Friedel Pia, Ingrid
Bergman llegó en mayo de 1939 a Estados Unidos para realizar la segunda versión
de Intermezzo (1939), de Gregory Ratoff. Ingrid era una estrella en Suecia y exigió al
productor Selznick que no se cambiara su nombre ni su imagen, algo a lo que estaban
abocadas las actrices europeas que llegaban a Hollywood.
El enorme triunfo del filme le dio la razón. Intermezzomarcó a toda una
generación de jóvenes románticas sumidas en la ambigüedad del sacrificio final, que
parece artificial, sin hacer olvidar los momentos de felicidad aportados por la culpable
pasión; curiosamente, el pueblo americano fue mucho menos indulgente cuando,
algunos años más tarde, Ingrid Bergman abandonó a su marido por Rossellini. El
mismo año de 1939, Ingrid Bergman volvió a Suecia para cumplir su contrato; allí
realizó un par de filmes de poca trascendencia. De vuelta a Hollywood, comenzó a
forjarse su descomunal prestigio, aunque, no a mayor gloria de Selznick, que la prestó
a otros estudios. Harta de personajes buenos, insistió en interpretar a la prostituta Ivy
Patterson, en vez del papel que le habían asignado, en El extraño caso del Dr.
Jekyll (1941), de Victor Fleming; una mujer coqueta y fácil y, después, martirizada y
aterrorizada por el magnífico Mr. Hyde de Spencer Tracy.
En sus últimos años su carrera teatral le dio más satisfacciones que la
cinematográfica (interpretó desde la escandalosa Té y Simpatía, en París, hasta
prestigiosas piezas de Henrik Ibsen y Eugene O'Neill), aunque antes, en 1974, había
ganado su tercer Oscar, esta vez como actriz secundaria, por su interpretación de la
vieja misionera Greta Ohlsson, en la multiestelar adaptación de la obra de Agatha
Christie Asesinato en el Orient Express (1974), de Sidney Lumet. A finales de los
setenta se le diagnosticó un cáncer que no la apartó de su labor interpretativa. Apareció
con la cara demacrada en Sonata de Otoño (1978), deIngmar Bergman, su último
trabajo en el cine; no tuvo tiempo de recoger el Emmy por su interpretación de la
Primera Ministra israelí Golda Meir en el filme televisivo A Woman Called Golda (1982).
Murió la noche de su sesenta y siete aniversario, después de una pequeña fiesta de
cumpleaños ofrecida por unos pocos amigos. Fue, sin ninguna duda, la cara más dulce,
bella y encantadora que el dorado Hollywood de los cuarenta tuvo el honor de glorificar.
JOHAN FRIEDRICH MIESCHER
Nacio en Basilea, 13 de agosto de 1844 fue un biólogo y médico suizo. Aisló
varias moléculas ricas en fosfatos, a las cuales llamó nucleínas (actualmente ácidos
nucleicos), a partir del núcleo de los glóbulos blancos en 1869, y así preparó el camino
para su identificación como los portadores de la información hereditaria, elADN.
Este descubrimiento, que se publicó por primera vez en 1871, al principio no pareció
relevante, hasta que Albrecht Kossel hizo sus primeras investigaciones en su estructura
química. El trabajo se realizó en el laboratorio de Felix Hoppe-Seyler, en el castillo
de Tuebingen.
También demostró que la regulación de la respiración depende de la concentración
de dióxido de carbono en la sangre. En 1872 se hizo profesor en la Universidad de
Basilea.
Sufría de tuberculosis durante la década de 1890 y falleció a los 51 años, en Davos,
el 26 de agosto de 1895.
LEXANDER FLEMING
nació el 6 de agosto de 1881 en Lochfield, Gran Bretaña. A los veinte años, la
herencia de un pequeño legado le llevó a estudiar medicina. Obtuvo una beca para el
St. Mary's Hospital Medical School de Paddington, institución con la que, en 1901, inició
una relación que había de durar toda su vida. En 1906 entró a formar parte del equipo
del bacteriólogo sir Almroth Wright, con quien estuvo asociado durante cuarenta años.
En 1908 se licenció, obteniendo la medalla de oro de la Universidad de Londres.
Nombrado profesor de bacteriología, en 1928 pasó a ser catedrático, retirándose como
emérito en 1948, aunque ocupó hasta 1954 la dirección del Wright-Fleming Institute of
Microbiology, fundado en su honor y en el de su antiguo maestro y colega.
Fue un científico famoso por descubrir la enzima antimicrobiana
llamada lisozima. También fue el primero en observar los efectos antibióticos de
la penicilina obtenidos a partir del hongo Penicillium chrysogenum.
El descubrimiento de la penicilina, una de las más importantes adquisiciones de la
terapéutica moderna, tuvo su origen en una observación fortuita. En septiembre de
1928, Fleming, durante un estudio sobre las mutaciones de determinadas colonias de
estafilococos, comprobó que uno de los cultivos había sido accidentalmente
contaminado por un microorganismo procedente del aire exterior, un hongo
posteriormente identificado como el Penicillium notatum. Su meticulosidad le llevó a
observar el comportamiento del cultivo, comprobando que alrededor de la zona inicial
de contaminación, los estafilococos se habían hecho transparentes, fenómeno que
Fleming interpretó correctamente como efecto de una substancia antibacteriana
segregada por el hongo.
Antonio Santi Giuseppe Meucci
Florencia, 13 de abril de 1808 - Nueva York, 18 de octubre de 1889) fue el inventor
del teletrófono, posteriormente bautizado como teléfono, entre otras innovaciones
técnicas. Desarrolló un teléfono neumático (precursor de su teletrófono) que hoy
todavía se utiliza en el Teatro della Pergola de Florencia y que luego perfeccionó en el
teatro Tacón de La Habana. Creó un nuevo sistema de galvanizado, un sistema de
filtros para la depuración del agua e introdujo el uso de la parafina en la fabricación
de velas. También desarrolló un sistema de electroshocksterapeúticos que
administraba en La Habana. El gobierno de Italia lo honra con el título de Inventore
ufficiale del telefono.
BETTE NESMITH GRAHAM
Nacio el 23 de marzo de 1924 , murió el 12 de mayo de 1980) fue una mecanógrafa y
artista comercial estadounidense, inventora del corrector LiquidPaper y madre del músico
y compositor Michael Nesmith, integrante del grupo TheMonkees.
CHARLES CHAPLIN
Nació el 16 de abril de 1889 en Londres, en el seno de una familia de artistas de
variedades. En 1913 debutó en el cine, en las películas de la Keystone,
de MackSennett. En Carreras de autos para niños (o Carreras sofocantes, 1914) actuó
por primera vez como el personaje del vagabundo Charlot, con unos anchísimos
pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, papel que interpretaría
luego en más de 60 películas, incluida El vagabundo (o Charlot vagabundo, en 1915).
Ese mismo año se asoció con la compañía Essanay, después con la Mutual y con
la FirstNational, hasta tener sus propios estudios enHollywood en 1918.
Sus películas más destacadas son: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del
oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936),
todas ellas récords sucesivos de taquilla. A éstas siguieron El gran
dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), donde aparece por última vez su personaje de
Charlot, Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957). Aparte dirigió, sin
protagonizarlas, Una mujer de París (1923) y La condesa de Hong Kong (1966), donde
hace un pequeño papel. También compuso la música de la mayoría de sus películas.
En 1919 creó, con Douglas Fairbanks, Mary Pickford y D.W.
Griffith la UnitedArtistsCorporation, en la que participaría hasta el año 1952. Escribió
dos libros Mi autobiografía (1964) y Mi vida en el cine(1975). A finales de la década de
1940 y principios de la de 1950, Chaplin fue perseguido por el Comité de Actividades
Antiamericanas, por su pensamiento político de izquierdas; dejó los Estados Unidos en
1952 para comenzar a vivir en Suiza. En 1972 volvió por un breve periodo de tiempo
para recibir varios premios, entre ellos un Oscar honorífico por sus contribuciones a la
cinematografía. Chaplin fue nombrado Sir en 1975 a la edad de 85 años por la
reina Isabel II.
NO-DOMAIN
Comandado por el diseñador gráfico y director creativo Joaquín Urbina, No-Domain es
un estudio de diseño audiovisual fundado en Barcelona en 2002 que siempre
sorprende en cada uno de su trabajos por la gran dosis de creatividad y la belleza
poética de sus piezas. A ello contribuye su fuente de inspiración, que abarca la danza,
el cine, la pintura… el mundo artístico en general, pero también un chiste, una peli, un
color, o simplemente una imagen. Recién aterrizado desde Berlín, donde ha estado
ultimando su último proyecto, Joaquín Urbina atiende a las preguntas de nuestro
Fotomatón.