Artes Visuales 2 medio A-B

Clase N°16-17-18-19Historia de la Escultura

Profesor: Alberto CouratierValor del mes: Solidaridad

Agosto de 2021

“Colegio San Francisco de Asís de La Florida de Santiago”

“Educando en la Paz y el Bien”

• Objetivo de la clase: identificar y analizar elementos presentes en lahistoria de la escultura.

• Aprendizaje esperado: OA1 Crear proyectos visuales basados en lavaloración crítica de manifestaciones estéticas referidas a problemáticassociales y juveniles, en el espacio público y en diferentes contextos

• Habilidades: apreciar, observar, comunicar

¿Qué es la escultura?

Durante miles de años la escultura, siendo también obras de arte, ha llenado el

espíritu de la vida humana. Por lo tanto, la escultura más temprana fue hecha

probablemente para suministrar ayuda mágica a los cazadores. Luego en los

comienzos de la civilización, las estatuas fueron utilizadas para representar a los

dioses. Así mismo, los antiguos reyes, posiblemente con la esperanza de hacerse

inmortales, tenían tallados y esculturas de su semejanza.

De igual manera, los griegos hicieron estatuas que mostraban a hombres y mujeres

perfectamente formados. Así, los primeros cristianos decoraron las iglesias con

demonios y diablos, recordatorios de la presencia del mal de los muchos feligreses

que no podían leer ni escribir. Desde sus inicios hasta la actualidad, la escultura ha

sido en gran parte monumental. Igualmente, en el siglo XV, se construyeron

monumentos a héroes bíblicos en las calles de las ciudades italianas, y

posteriormente, en el siglo XX se construyó un monumento a un compositor en el

corazón de la ciudad de Nueva York.

En este sentido, en la escultura como arte, ha predominado el diseño y realización

de grandes fuentes con esculturas en el centro que han sido de lugar común al lado

de modernos rascacielos como en los tribunales de antiguos palacios. De igual forma,

los antiguos sumerios celebraban la victoria militar con la escultura, así como

también, los participantes de la II Guerra Mundial también utilizan la escultura para

honrar a sus soldados.

David de Miguel Ángel

Historia de la escultura

La Escultura puede ser la más antigua de las artes, puesto que las personas tallan antes

de haber pintado o haber diseñado sus viviendas. Los primeros dibujos probablemente

fueron tallados en la roca o con incisión (rayada) en la tierra. Por lo tanto, estos dibujos

eran los precursores del relieve de la escultura y también el inicio de la pintura. De igual

manera, sólo unos pocos objetos sobrevivieron para mostrar lo que fue la escultura hace

miles de años. Sin embargo, hay cientos de ejemplos recientes de escultura realizada por

personas que viven en culturas primitivas. Estos ejemplos se cree que pueden ser similares

a la escultura prehistórica. Por lo tanto, desde la reciente escultura primitiva y de las

pocas piezas sobrevivientes prehistóricas, se puede juzgar que la escultura prehistórica

nunca fue hecha para ser bella. Así, la escultura, siempre fue hecha para ser utilizada en

los rituales. En consecuencia, debido a la constante lucha del ser humano por la

supervivencia, la gente primitiva hacían esculturas para proporcionarse apoyo espiritual.

En este sentido, las figuras de hombres, mujeres y animales, así como la combinación de

todos que éstos sirvieron de honor a los extraños y a veces aterradoras fuerzas de la

naturaleza, que eran adoradas como espíritus malos o buenos. Extraña forma figuras deben

han representado oraciones para hijos fuertes, buenas cosechas y abundante caza y

pescado. Escultura en forma de máscaras fue usada por sacerdotes o curanderos en danzas

diseñados para conducir a los malos espíritus o pedir favores de los buenos.

Venus de Willendorf

Etapas de la Escultura

Escultura en el mundo antiguo

Las primeras civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, el valle del

Indo y China gradualmente desarrollaron formas de escritura

alrededor del año 3000 A.C. Las personas de estas

civilizaciones, como sus antepasados prehistóricos, también

expresaron creencias profundamente sentidas en la escultura.

Escultura del valle del Indo

Escultura Egipcia

Egipto y todo el arte egipcio se basaba en la creencia en una vida después de

la muerte. El cuerpo del gobernante egipcio o Faraón, fue siempre,

cuidadosamente preservado, también todas sus pertenencias y tesoros eran

enterrados con él para atender sus necesidades para siempre. De igual

manera, se construyeron las pirámides, grandes tumbas monumentales de Giza,

para los gobernantes más poderosos. Igualmente, el Faraón y su esposa eran

enterrados en cámaras de corte profundo dentro de los enormes bloques de

piedra.

Por otra parte, los escultores egipcios hacían esculturas sentadas y de pie

en redondo y en relieve. De allí que, los cambios en el estilo revelan el cambio

de las circunstancias. Así, las figuras colosales como las de Ramsés II en la

entrada de su tumba en Abu-Simbel, son amplias, poderosas y demandantes.

Un pequeño retrato de Ramsés II muestra el acabado liso, artesanía de

precisión y elegancia de nuevo arte unido.

Busto de Nefertiti

Escultura Mesopotámica

Mesopotamia, que significa, la tierra entre los ríos, tenía una

sociedad mucho menos estable que Egipto y carecía de las

grandes cantidades de piedra con la que contaba Egipto para la

escultura monumental. A menudo, sus ciudades fueron

destruidas por las inundaciones y los ejércitos invasores. Por

lo tanto, los primeros ejemplos de escultura en esta región se

formaron de materiales ligeros, tales como la arcilla horneada

y sin hornear, la madera o combinaciones de madera, conchas y

hoja de oro. Por lo tanto, un grupo de figuras de piedra de

Asmar representan los dioses, sacerdotes y fieles de una

manera muy diferente que desde la escultura egipcia. Estas

figuras son en forma de cono, con faldas plisadas, cabezas

pequeñas, enormes y prominentes narices de ojos grandes y

mirada fija.

Figura de piedra de Asmar

Escultura Egea

De esta civilización sólo se tienen algunos ejemplos de

escultura que siguen siendo de la colorida civilización minoica en

la isla de Creta. De igual manera se esculpían en marfil y

terracota, pequeñas estatuillas de sacerdotisas y diosas

serpiente y acróbatas, vasos con escenas en relieve como un

ser atrapado en una red o cosechadoras animadas volviendo de

los campos mostrando animadas sugerencias de los minoicos en

acción. La puerta del León en Mycenae (alrededor 1250 A.C.),

con sus dos bestias enormes custodiando la entrada a la ciudad

fortificada, es una escultura monumental excepcional de este

tiempo. La máscara de oro batido de Agamenón es memorable

por su sugerencia de los grandes héroes de las leyendas

homéricas. Igualmente, la máscara que fue hallada con tazas de

oro, dagas, pectorales y otros objetos en las tumbas y

sepulcros del eje de Mycenae. La puerta del León en Mycenae

Escultura de la antigua Grecia

Alrededor del año 600 A.C., Grecia desarrolló una de las grandes civilizaciones

de la historia del mundo. Escultura se convirtió en una de las más importantes

formas de expresión para los griegos. La creencia griega de que el hombre es

la medida de todas las cosas muestra claramente lo que significa la escultura

griega. La figura humana fue el tema principal de todo el arte griego. Por lo

tanto, los escultores en Grecia buscaban constantemente mejores formas de

representar la figura humana. Por lo tanto, los griegos desarrollaron una

figura de pie de un hombre desnudo, denominado la Kouros Apollo. El Kouros

sirve para representar dioses y héroes. Igualmente, la Kore o figura de pie de

una mujer cubierta, era más agraciada y fue utilizada para retratar doncellas

y diosas. La figura femenina con alas, o Nike, se convirtió en la personificación

de la victoria. Un hecho trascendente del a escultura griega es que los

escultores concentraban sus energías en un número limitado de problemas lo

que podría haber ayudado a traer los rápidos cambios que se produjeron en

la escultura griega entre el siglo VII y el último 4to siglo A. C. Así, el cambio

desde la abstracción al naturalismo, de figuras simples a las realistas, ocurrió

durante este período. Por lo que, las figuras más adelante tienen proporciones

normales al pararse o sentarse fácilmente en poses perfectamente

equilibradas.

Kuros de Aristodico

Escultura Etrusca y Romana

La escultura y el arte griego habían sido exportadas a Italia

mucho antes que los romanos gobernaran la tierra. Por los

siglos 7 y 6 A.C. los etruscos se asentaron firmemente en

Italia, por lo que, cientos de objetos han sido y todavía se

encuentran en extensos cementerios etruscos. Algunas de las

esculturas y muchos floreros son griegos, mientras que otros

son traducciones etruscas animadas de forma griega. Muchas

pequeñas figuras de bronce de los campesinos, guerreros o

dioses demuestran el gran talento de los etruscos como

metalúrgicos y escultores. Por ello, Roma se benefició de la

doble herencia artística de la escultura griega y etrusca. Así,

la inventiva de los escultores romanos fueron agregados a

este patrimonio. De igual manera, las contribuciones más

importantes de los escultores romanos fueron los retratos.

El Apolo de Veyes

Escultura Cristiana

La escultura de este periodo se asemejó al arte de Roma. De allí que los

sarcófagos (cofres funerarios) encontrados en Italia son todos romanos en

tipo, aunque reciben un significado especial por temas, señales o símbolos

importantes para los cristianos. La Escultura, sin embargo, no era una forma

natural de expresión para los primeros cristianos. Esto fue así porque uno de

los diez mandamientos prohíbe la realización de imágenes (tallado). Así, muchos

de los primeros cristianos interpretaban este mandamiento, tal como los

hebreos, en el sentido de que consideraban un error hacer cualquier imagen de

la figura humana. Finalmente las autoridades de la iglesia decidieron que este

arte podía servir cristianismo. Por lo que, fue sólo la fabricación de ídolos

(dioses falsos), lo que era considerado como una violación del mandamiento.

Existen relativamente pocos ejemplos de escultura realizada en los primeros

1.000 años del cristianismo. Entre estos raros ejemplos están los altares

portátiles, relicarios (contenedores para restos de santos cristianos y

mártires), cálices y otros objetos utilizados en los servicios del culto cristiano.

Éstos fueron formados con gran cuidado y a menudo fueron hechos de

materiales preciosos. Por lo que, los artistas escultores utilizaban el medio

frágil y hermoso del marfil de muchas maneras. Habían tallas en relieve para

pequeños altares o como cubiertas para los evangelios, la Biblia o libros de

rezo. Figuras pequeñas, independientes representaban la virgen y el niño

Jesús, ángeles, o Santos.Escultura de Santa Bárbara

Escultura Gótica

Después del siglo XII, la escultura había cambiado gradualmente

de las abstracciones claras y concentradas del arte románico a

una apariencia más natural y realista. Por lo tanto, las figuras

humanas en proporciones naturales fueron talladas en alto

relieve en portales y columnas de la iglesia. Como más hábiles

los escultores góticos, también adquirieron mayor libertad e

independencia. Más tarde las figuras góticas se muestran mucho

más realistas que las realizadas durante el románico y los

períodos góticos anteriores. Las caras de las estatuas tienen

expresión, y sus vestiduras les cubren de una manera natural.

Cientos de tallas en las grandes catedrales góticas por toda

Europa occidental presentan aspectos de la fe cristiana en los

términos que cada cristiano podía entender.

Ángel de la sonrisa

Escultura Renacentista

En el mar Mediterráneo, sobresale la península italiana, en la

encrucijada de varios mundos, que había sido el corazón del

imperio romano. Por lo tanto, Roma era el centro del mundo

cristiano occidental. Después, el noreste de Italia, especialmente

Venecia, se convirtió en la puerta de entrada para el cercano

Oriente. Por lo tanto, los artistas italianos no aceptan

completamente los estilos góticos que dominaron el arte en la

Europa occidental. La razón es que los artistas italianos fueron

afectados por los restos de la edad clásica y expuestos a la

influencia oriental del arte bizantino. Así, ya en el siglo XIII los

italianos plantaron las semillas de una nueva era tal como lo

fue el renacimiento. Aunque los elementos del arte Bizantino y

medieval contribuyeron mucho a la formación de la escultura del

Renacimiento, artistas italianos estaban interesados en revivir

el clásico enfoque de este arte.

Piedad, Miguel Ángel

Escultura Barroca

La escultura en el siglo XVII continuó siendo tratada con la

misma amplia variedad de problemas escultóricos que sus

antecesores del Renacimiento, con la figura humana como una

forma de expresión. Sin embargo, reaccionaron, contra el

manierismo de los escultores de finales del siglo XVI.

Trabajaron más bien para lograr un retorno a la mayor fuerza

de Miguel Ángel, a la energía y la agilidad de la escultura del

siglo XV. Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) fue, como Miguel

Ángel, un artista talentoso de la escultura barroca. En una

larga y productiva carrera, él fácilmente se convirtió en la

figura dominante en su país y uno de los artistas más

importantes de Europa durante un período brillante y creativo.Apolo y Dafne – Bernini

Escultura del Rococó

Las cualidades básicas del arte del siglo XVII fueron llevadas

adelante en el siglo XVIII pero fueron transformadas para el

gusto de una generación diferente. El término “rococó” sugiere

la preferencia por efectos más ligeros y decorativos en

escultura y en todas las artes. Jean Baptiste Pigalle (1714-85)

y Étienne Maurice Falconet (1716-91) muestran la misma

destreza técnica que Bernini, pero sus figuras son ligeras y

alegres. La habilidad en su trabajo delicado, con su pequeñas,

dulces figuras de movimientos dulces y agraciados, representan

un cambio notable de la fuerte intensidad religiosa de la obra

de Bernini.

Cupido de Edmé Bouchardon

Escultura Neoclásica

La escultura del Neoclásico y Romántico, se consolida en el

siglo XVIII, mientras Clodion (1738-1814) y otros escultores del

rococós estaban aún activos. Esta dirección, llamada neoclásica

busca describir el retorno deliberado a la temática y estilo

clásico, duró en fuerza durante casi un siglo. El cambio puede

verse en la obra del destacado escultor Jean Antoine Houdon

(1741-1828), por lo tanto, la estatua de George Washington

podría compararse a un retrato de un emperador romano.

Por su parte, el movimiento romántico fue creciendo, aún

cuando muchos artistas aún preferían trabajar en la tradición

clásica en las academias. En la década de 1860 el joven escultor

llamado a Auguste Rodin fue rechazado tres veces de la École

des Beaux-Arts, la Academia de París. Al final del siglo fue el

escultor más famoso en Francia y en la mayor parte de Europa.

Antonio Canova: Perseo con la cabeza de Medusa

Escultura del siglo XX

El siglo XX fue una época de experimentación con nuevas ideas,

nuevos estilos y nuevos materiales. Estudios de la figura

humana dieron lugar a nuevos temas tales como los sueños,

ideas, emociones, así como también el estudio de la forma y el

espacio. De igual manera, se utilizaron materiales como el

plástico, cromo y acero soldado, así como cajas, piezas rotas

de automóvil y piezas de muebles viejos. Igualmente, los

escultores del siglo XX, tienen una gran deuda con Rodin,

debido a su tremenda producción y variedad que inspiró una

nueva generación de escultores para expresar nuevos

pensamientos en una forma de arte que había estado repitiendo

viejas ideas durante 200 años. Aunque los sucesores de Rodin

tienden a alejarse de su realismo y sus temas literarios, sus

innovaciones tuvieron una influencia muy importante.

Umberto Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio

Escultura Moderna y Posmoderna

Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido

reemplazado por el arte contemporáneo o el postmodernismo. A

diferencia de los anteriores los escultores modernistas y

posmodernista de hoy (por ejemplo, los artistas Pop como

Claes Oldenburg, Robert Indiana y los artistas Neo-Pop como

Jeff Koons, no dudan en utilizar una amplia variedad de

materiales, imágenes y métodos de exhibición. Sin embargo,

estos estilos tienden a ser más localizados, por lo que, como

tendencia actual entre los movimientos del arte contemporáneo

está en desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo

de los movimientos de arte moderno del siglo XIX y mediados

del siglo XX.Jeff Koons, Balloon Dog

Tipos de Esculturas

Escultura Exenta

Es rodeada por todos lados por el espacio.

Escultura Ecuestre

Una estatua de una persona a caballo, como la de Giambologna (1529-

1608) de Cosimo de’ Medici en Florencia. Tal vez la mayor estatua

ecuestre es la del jinete de bronce de estilo barroco de Falconet en

San Petersburgo la Plaza decembrista: un monumento al zar Pedro el

grande y una obra maestra de ruso de la escultura, aunque creado por

un francés.

Escultura en Relieve

Es de bajorrelieve abarcando alto relieve y relieve hundido, donde sigue

siendo el diseño a un segundo plano, generalmente piedra o madera.

Longitud completa

Las dos versiones del David de Donatello y Miguel Ángel, suele

ser un retrato en tres dimensiones de representación de

longitud completa de una persona.

De Busto

generalmente representa sólo la cabeza, cuello y hombros, es

el caso del busto de George Washington (1788) Jean-Antoine

Houdon (1741-1828).

Dinámica

• Grupal

• Los/las estudiantes observan video de la historia de la escultura.

• Presentan al curso elementos y características presentes en los videos y se vinculan con la realidad actual nacional.

• Se registra en el cuaderno/croquera lo descubierto en los videos.

Videos

• https://youtu.be/JRQY4LLX9t8

• https://youtu.be/Bdvgkc95cV4

• https://youtu.be/fx5dy81ExwM