Arte

y e m o c i o n e s

Aún sabiendo que nuestra mirada no es neutra, intentaremos entender cuáles podrían ser las emociones y la motivación que llevaron al artista a hacer las siguientes obras.

“Para producir una perla perfecta, la ostra necesita algún trozo de materia, un granito de arena o una pequeña chispa para formarse a su alrededor. Sin este núcleo puede convertirse en una masa informe. Si el sentir del artista respecto a las formas y los colores tiene que cristalizar en una obra perfecta, también necesita un núcleo sólido, una intención determinada en la cual pueda desplegar sus dones.” Ernest H. Gombrich

Caspar David Friedrich Mañanas de Pascua, 1828-1835

Friedrich nació en Greifswald, un pequeño pueblo situado en la ribera del Báltico. Friedrich no dejó de viajar, buscando el encuentro con la naturaleza, volviendo una y otra vez a su tierra natal.Loa paisajes de Friedrich, silenciosos y de una profunda quietud, contienen un simbolismo alusivo a la vida y a la esperanza que el artista plasma a través de una iconografía personal.

«Tres mujeres caminan rígidamente hacia el cementerio por la mañana muy temprano. Todavía no ha amanecido y la luna, alta en el firmamento, aún permanece, aunque ya no ilumina el paisaje y no arroja sombras. Los viejos árboles al lado del camino están echando yemas y en los campos se ven los verdes brotes que han sobrevivido al invierno. La naturaleza celebra su despertar»

Wilhel Wegener

Mark Rothko Sin título (verde sobre morado), 1961

Rothko quería transmitir con sus obras una intensidad espiritual que llevara al espectador a la contemplación y a la meditación.Pinta sobre grandes formatos pero no por pretensión de elocuencia, sobre ello comenta: “La razón (...) es precisamente que quiero ser íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño implica colocarse fuera de la experiencia, considerar una experiencia como una vista estereoscópica, o con un vidrio reductor. Sin embargo, si pintas un cuadro más grande, estás dentro de él (1951: 74).Robert Rosenblum, que encuentra parecidos entre la pintura de Rothko y la de Friedrich, pintor romántico que acabamos de ver y que vivió dos siglos antes, expresa: “Buscan lo que es sagrado en un mundo profano”

“No me interesan las relaciones del color, ni de la forma, ni nada; lo único que me importa es expresar misemociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte. La gente que llora ante mis cuadros tiene la mismaexperiencia religiosa que yo cuando los pinté." Mark Rothko

Francis Bacon Retrato de George Dyer en un espejo 1968

El cuadro es el retrato de George Dyer, el amante de Bacon durante años.La pintura convulsa y agitada de Bacon tiene que ver con las dificultades con que tuvo que enfrentarse durante su vida; su dependencia del alcohol, su homosexualidad, sus problemas de asma, sus extravagancias, su inclinación al juego...A Bacon siempre le interesó el aspecto más amargo de la existencia y sus obras son metáforas de la lucha del ser humano con su entorno. Su personal lenguaje pictórico mostra los aspectos más misteriosos y inquietantes de la condición humana; sus retratos no buscan el parecido de las facciones del modelo sino su condición espiritual.

“Atrapar un instante de la vida en toda su violencia, en toda su belleza. Esto equivaldría a lograr el cuadro definitivo." Francis Bacon

Paul KleeCasa giratoria, 1921

Klee ve la ciudad como un sitio donde se imponen la ley y el orden, donde la naturaleza es modificada por el hombre. Introduce un elemento dinámico en la concepción geométrica de las casas y hace que giren alrededor de un centro como si imitaran la rotación de una rueda.Se le ha considerado uno de los pioneros del arte abstracto, pero su obra no es del todo abstracta; siempre hay un diálogo con la naturaleza.

"Así como un niño nos imita en su juego, así también los artistas imitamos en el juego del arte a las fuerzasque han creado y siguen creando el mundo". Paul Klee

Vincent Van GoghAtoretrato con oreja vendada, 1989

Van Gogh había puesto muchas esperanzas en la visita que iba a hacerle Gaugin. Pensaba compartir con él experiencias sobre la pintura y así sentirse menos solo.Parece que al ver que las cosas no iban como esperava se apoderó de Vincent una tremenda tensión que estalló en una noche en que vio a su amigo salir de casa. Se mutiló la oreja derecha con una navaja de afeitar. Después de estos hechos ingresó voluntariamente en un sanatorio.

“Amo Arles, aunque Gauguin la haya nombrado la ciudad más sucia del Midi Francés.” Vincent Van Gogh

Eduardo Chillida Peine del viento, 1976

“Antes que nadie lo supiera, antes incluso de ser escultor, yo ya había escogido este sitio (…) En esta obra busqué la relación directa con la naturaleza, y quizás lo conseguí, más que en otras ocasiones.” Eduardo Chillida

A Chillida le interesaba el tema del espacio y la materia. Nos dice que no son, de hecho, tan distantes; la única diferencia apreciable es que la materia es más lenta, o bien el espacio más rápido.La dicotomia entre cóncavo y convexo está muy presente en su obra, con ello se pregunta: “¿Por qué razón cuando yo hago una curva la prioridad es por la forma cóncava y si la hace Miró la prioridad es por la convexa?”

Joan MiróLa esperanza del condenado a muerte, 1974

Los últimos juicios sumarísimos de los años de la dictadura no dejan indiferente a Joan Miró, que pinta el tríptico La esperanza del condenado a muerte en 1974, cuando se esperaba una medida de gracia para el joven anarquista Salvador Puig Antich. Acaba la obra el mismo día en que Salvador Puig Antich es ejecutado.Miró expresó su sentimiento ante la injusticia con los medios que tenía a su alcance: la pintura. Con el gesto tenso, que delimita un círculo que la muerte no permitirá que se acabe de cerrar, Miró intenta transmitir al espectador la tensión y la crispación del momento.

“Entiendo que un artista es alguien que, entre el silencio de los demás, utiliza su voz para decir algo, y que tiene la obligación que este algo no sea inútil, sino que sirva a los hombres.” Joan Miró

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Mary Cassatt Maternal Caress, 1890

Este texto hace referencia a la profunda admiración que la pintura de Edgar Degas despertaba en Mary Cassatt. La trayectoria de esta pintora estuvo ligada al movimento impresionista.Dedicó su vida al arte (no se casó ni tuvo hijos), a pesar de las dificultades que le comportó el hecho de ser mujer.Las escenas maternales con un tratamiento suave y emotivo son una constante en su obra.

“Solía aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber todo lo que podía de su arte… Cambió mi vida, desde entonces pude ver al arte del modo que siempre quise verlo”. Mary Cassatt

Juan MuñozThe Nature of Visual Illusion, 1994

Es uno de los grandes escultores del siglo XX. Su obra invita al espectador a dejar de serlo, de manera que acaba formando parte de la obra que está observando. Uno de los temas repetitivos de su obra es la dualidad, el mundo de los contrarios. En la misma obra pueden coexistir determinados aspectos aparentemente opuestos entre sí, pero que al mismo tiempo resultan complementarios: ruido y silencio; multitud y soledad; ausencia y presencia; familiaridad y desubicación; estatismo y mobilidad.

“Me gustaría que el espectador entrara en la obra de arte como un actor entra en su propia escena… Me gustaría que quien acude a una exposición, ya sea un museo o una galería, se comportara como si fuera un actor, un actor inmóvil..”

Juan Muñoz

Marc ChagallEl aniversario, 1915

La pintura El aniversario se realizó en 1915, año en que se casó con Bella. En esta época Chagall pinta cuadros donde aparecen él y su mujer sobrevolando los tejados de la ciudad, haciendo de su amor uno de los motivos principales de su obra.Otro de los motivos recurrentes en la obra de Chagall son los que hacen referencia a sus orígenes judíos y a su querida Rúsia. Nos transporta al mundo de su infancia a partir de imágenes de tejados, vacas, luces de petróleo y violinistas.

“La necesidad de pintar y aportar amor a mis sueños, mis formas, mis colores y quizás esta facultad que me ha sido dada y que yo mismo no sé expresar muy bien, guía mi mano” Marc Chagall

Sophie CallePrenez soin de toi (cuídate), 1980

“He decidido hacer pública la carta y esto me ha hecho sentir muy bien. Me he cuidado, tal y como me pidió...”

Sophie Calle

El punto de partida de esta obra es una carta de ruptura que recicibió Sophie Calle de quien hasta entonces era su pareja. El texto estaba muy bien escrito y expresaba la necesidad de romper la relación que consideraba imposible de forma definitiva. La carta terminaba diciendo: “Cuídate”Sohie Calle crea una obra a partir de la carta. La entrega a 107 mujeres de diferentes profesiones, edades y condiciones, y les pide que reaccionen desde su subjetividad y desde su profesión. Estos materiales son presentados en una instalación de la Bienal de Venecia.

Esther FerrerSilla Zaj, 1975

“Sientese en la silla y permanezca sentado/a hasta que la muerte les separe.”

Esther Ferrer

Este es el cartel que lleva la silla que la artista traduce a diferentes idiomas según el país donde se expone la obra. Esther Ferrer realiza su primera performance en 1967, y desde entonces la práctica efímera se convierte en el hilo conductor de su obra. La artista pretende provocar una toma de conciencia, una reflexión crítica a partir de las performances.Intenta transmitir la conciencia del paso del tiempo. El tiempo, el espacio (que incluye el espacio mental) y la presencia (suya y de los demás) son elementos que manipula en sus acciones, en las que suele trabajar con objetos ordinarios y cotidianos: martillos, relojes, mesas, sillas, marcos, hilos, zapatos, etc.

Las imágenes han sido cedidas por el Museo Thyssen- Bornemisza de

Madrid, por el MACBA, Museu d’Art contemporani de Barcelona y por la

Fundació Miró.