arte griego 2012-13

ARTE GRIEGO HISTORIA DEL ARTE

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ARTE GRIEGO

1. CONTEXTO GEOGRÁFICO, HISTÓRICO Y CULTURAL El arte griego, que se extiende fundamentalmente entre los siglos VIII y II a. C., tiene

su momento de esplendor en el siglo V, correspondiente al periodo clásico.

El marco geográfico en el que se desarrolla es el de las cuencas e islas del Egeo, así

como el de las regiones mediterráneas colonizadas por los griegos desde Asia Menor hasta

la Península Ibérica.

La cultura griega será el resultado de diversas aportaciones, tanto de las

civilizaciones prehelénicas donde tiene su origen (Creta y Micenas), como de pueblos helenos

como los dorios, jonios, etc., a las que habrá que unir el de las civilizaciones orientales

(sumerios, babilonios, egipcios). El resultado fue una cultura nueva, original, con personalidad

propia: la Helénica.

Se encuadra en el arte clásico, que tiene su origen en Grecia y que se extiende

posteriormente a Roma, la cual los difundirá a través de todo el Mediterráneo.

La Grecia clásica aportó un legado extraordinario a la cultura occidental en todos los

ámbitos de la vida (filosofía, literatura, física, historia...). Para comprender el arte griego, es

necesario entender sus fundamentos sociales y culturales:

a) Geografía y economía: El gran desarrollo del comercio que alcanzó el

mundo griego permitió que pudieran ponerse en contacto con otras culturas

que, como la egipcia, constituyeron una interesante aportación desde el punto

de vista artístico.

b) La religión: Era politeísta. Los griegos humanizan a los dioses, otorgándoles

sentimientos humanos, e incluso atreviéndose a enfrentarse a ellos.

La religión se convertirá en uno de los motores de las obras artísticas: se

construían grandes templos en los que moraban los dioses; éstos se

representaban en forma de bellos seres humanos, protagonizaban la poesía y el

teatro, etc.

c) El pensamiento racional: Los griegos inician el camino hacia la racionalidad,

lo que solemos entender como el origen de nuestra civilización. También ocurre

en el arte, ya que éste pasa a estar también regido por la razón: la belleza que

caracteriza a las obras griegas se basa en la búsqueda de la armonía mediante

un sistema de medidas y proporciones.

d) Concepción antropocéntrica del mundo: Esa misma racionalidad explica

también que se trate de una cultura antropocéntrica: todas las

manifestaciones culturales de Grecia están presididas por una preocupación

por el Hombre. Esto va a dejar una clara influencia en el arte: la arquitectura

pierde las dimensiones colosales que encontramos en la egipcia para tomar

unas más medidas más humanas. De igual forma, la escultura intentará

plasmar la concepción ideal del hombre.

e) Ideal político griego: la democracia: Los atenienses crearon un régimen

político nuevo basado en la igualdad y el gobierno del pueblo.


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Fundamentándose en la racionalidad, los griegos se enorgullecen de someterse

a un orden, no a un hombre. Por ello, difícilmente encontraremos en Grecia

grandes construcciones funerarias o grandes palacios. La mayor parte de las

obras que se realizaron eran edificios públicos: para las instituciones públicas

(Asamblea, tribunales), para los espectáculos (teatros), para el recreo público

(gimnasios y palestras), etc.

2. CRONOLOGÍA DEL ARTE GRIEGO Aunque cualquier cronología que establezcamos pueda ser discutida, vamos a

distinguir las siguientes fases fundamentales del arte griego:

o Período Arcaico: siglos VII al VI a.C.

o Período Clásico: siglos V – IV a.C.

o Período Helenístico: siglos IV (323 a.C.) – II a.C.

3. LA ARQUITECTURA GRIEGA: Características y órdenes

3.1. Características Las características principales de la arquitectura griega son las siguientes:

Está planteada a escala humana: construyen sus edificios a la medida del

hombre, por lo que podemos hablar de una arquitectura anticolosal.

Es una arquitectura arquitrabada o adintelada: produce una fuerte sensación

de solidez, de estatismo y de apariencia serena, al basarse en líneas rectas.

Como material se utilizó la piedra. En principio la piedra arenisca, para a partir

de mediados del siglo V a.C. generalizarse el uso del mármol.

Obsesión por la perfección técnica: utilizan sillares regulares, con un perfecto

acabado de sus muros, al ajustar los sillares por medio de clavijas (sin

argamasa).

Aunque se han perdido, se utilizaron colores: azul en los triglifos, rojo en el

fondo de las metopas, planos dorados, etc.

El elemento sustentante esencial es la columna, compuesta de basa, fuste y

capitel. Crearán tres órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio.

Búsqueda de una armonía basada en el número, la proporción y el equilibrio,

ideales de belleza, según la concepción racional de la sensibilidad griega.

Perseguían también la perfección visual, consiguiéndola mediante una serie

de reajustes ópticos que tenían como fin corregir las perturbaciones ópticas

causadas por las estructuras de líneas horizontales y verticales (por ejemplo,

curvarán ligeramente hacia abajo el entablamento, ya que el ojo humano tiende

a curvar ligeramente las líneas horizontales hacia arriba; consiguen así una

sensación visual de absoluta rectitud).


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3.2. Los órdenes arquitectónicos Los órdenes surgieron como soluciones armónicas de elementos arquitectónicos y

decorativos. En la búsqueda de la armonía de las partes del edificio con sus elementos

arquitectónicos establecieron como arquetipos los órdenes clásicos de las columnas: dórico,

jónico y corintio.

Cada uno de los elementos, de formas regulares, es colocado con proporciones

geométricas puras en las cuatro zonas del edificio: BASAMENTO, COLUMNAS,

ENTABLAMENTO Y CUBIERTA O FRONTÓN. Es todo un equilibrio de fuerzas verticales y

horizontales que determina la forma resultante.

a) Orden dórico

Orden de proporciones robustas, y austero en su decoración. Es el más antiguo ya que

surge por primera vez hacia el siglo VII a.C. Fue creado por los dorios, siendo sus

características principales:

Columna: sin basa y con fuste estriado y con éntasis.

Capitel: compuesto de collarino (anillo que lo separa del fuste), equino

(moldura convexa) y ábaco (pieza rectangular sobre la que descansa el

entablamento).

Entablamento: formado por arquitrabe (dintel liso), friso (alternando triglifos

y metopas) y cornisa (sobresale del friso).

Frontón: decorado habitualmente con relieves escultóricos.

b) Orden jónico

Surge hacia mediados del siglo VI a.C. en Jonia: es más esbelto (columnas más

alargadas y delgadas) y rico en ornamentación:

Columna: con basa y con fuste acanalado y sin éntasis.

Capitel: compuesto por dos volutas (hojas enrolladas en espiral).

Entablamento: formado por arquitrabe (decorado con tres bandas

horizontales o platabandas) y friso (liso o con decoración continua de relieves o

pinturas).

c) Orden corintio

Aparece en la primera mitad del siglo IV a.C., teniendo su origen en Corinto. Deriva

del orden jónico, salvo en el capitel, que tiene una mayor riqueza decorativa: similar a una

cesta cubierta por hojas de acanto. El fuste es más delgado y elevado que el jónico.

4. LA ARQUITECTURA GRIEGA: urbanismo, el templo y el teatro

4.1. El urbanismo griego En Grecia nace el urbanismo, en el sentido de que los griegos se preocupan de la

planificación del espacio urbano: la ciudad deja de ser una simple acumulación de edificios. El

urbanismo griego se caracteriza por la relevancia de espacios cívicos o públicos:


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Ágora: plaza pública donde se situaban los principales edificios públicos, siendo

también lugar de comercio.

Acrópolis: recinto sagrado y amurallado situado en la parte más alta de la

ciudad. Albergaba los principales templos y servía también como núcleo

defensivo. La ACRÓPOLIS DE ATENAS es la más conocida.

Stoa: pórtico cubierto que da protección a la gente reunida, en el que se

localizan a veces los establecimientos comerciales.

Edificios públicos: dedicados a la administración (buleuterio, eclesiasterio) o

al ocio (estadio, hipódromo, gimnasio, palestra, teatro).

4.2. El templo griego La ciudad griega gira en torno al templo: contemplado desde la distancia su mole y

emplazamiento sugieren la idea de una deidad protectora. El templo es la construcción más

característica del arte griego, edificado para alojar la imagen de la divinidad mientras que

los ritos se celebraban fuera. En el interior de los templos sólo entraban los sacerdotes, de ahí

que se cuide sobre todo su apariencia exterior.

El templo griego se configura como un bosque de columnas que rodea un santuario,

la cella oscura que alberga la imagen de la divinidad.

El plano del templo griego deriva del megarón o casa micénica. La planta es

rectangular, excepto en los tolos, en los que es circular. El templo griego está formado

generalmente por tres partes:

1. La cella o naos, que es la sala central y capilla del dios.

2. El pronaos o vestíbulo que antecede la naos por delante.

3. El opistodomo, sala en la parte posterior.

Según la distribución de sus columnas, los templos se clasifican así: In Antis (con

sólo dos columnas en la fachada principal flanqueadas por los muros laterales), próstilo

(columnas sólo en la fachada delantera), anfipróstilo (columnas en las dos fachadas),

períptero (la columnata rodea todo el templo), díptero (la columnata rodea todo el templo

con doble fila de columnas), pseudoperíptero (cuando tiene columnas adosadas a los lados)

o monóptero (de planta circular).

Según el número de columnas en su frente, el templo puede ser dístilo (si tiene

dos), tetrástilo (cuatro), exástilo (seis), octástilo (ocho), etc.

Como partes de un templo en altura podemos distinguir (de abajo a arriba):

Krepis: basamento escalonado que realza y distingue al edificio sobre el

terreno.

Peristilo: conjunto de columnas que rodea el templo.

Entablamento: se dispone encima de las columnas, y es el conjunto formado

por el arquitrabe, el friso y la cornisa.

Se coronaban con cubierta de madera a dos aguas, que formaban sendos

espacios triangulares en la parte anterior y posterior, donde aparecen

frontones pétreos decorados habitualmente con relieves, y enmarcados por la

cornisa.


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No podemos acabar este apartado sobre el templo griego sin resaltar que suele ser muy

destacada la decoración escultórica, centrada en los frisos y frontones, y basada en

la mitología griega.

a. El periodo arcaico

En el siglo VI a.C. se levantaron grandes templos en los que prima el estilo dórico,

con columnas anchas y ábacos muy volados, características del periodo arcaico. En este

período se encuadran el templo de Hera en Olimpia y el templo de Apolo en Corinto.

b. El periodo clásico

El clasicismo pleno se desarrolló en la 2ª mitad del siglo V a.C., bajo el patronazgo de

Pericles. Éste ordenó construir la Acrópolis (ciudadela elevada y recinto sagrado de los

templos atenienses), cuya supervisión encargó al escultor Fidias. El acceso a la Acrópolis,

rodeada por una muralla, se hacía por una entrada monumental, los Propíleos, para dirigirse

hacia el Partenón, el Erecteion y el templo de Atenea Niké.

El monumento más significativo es el Partenón, obra de Ictinos y Calícrates. Es un

templo realizado en mármol, de grandes dimensiones, de orden dórico, octástilo (ocho

columnas en sus frentes) y peristilo de diecisiete columnas en cada lado. Constituye un

edificio de proporciones armónicas, columnas dóricas y un gran esmero en sus correcciones

ópticas. Este santuario estaba dividido en una cella o naos y el opistodomo, que se usó como

tesoro. Un conjunto escultórico se extendía por el friso, las metopas y los frontones.

El templo de Atenea Niké, en la Acrópolis, es un edificio de pequeñas dimensiones de

estilo jónico y tetrástilo.

En el norte de la Acrópolis se encuentra el Erecteion, de planta rectangular y pórtico

hexástilo. Está formado por tres cámaras a distintos niveles, un pórtico de columnas jónicas

en el lado este, una puerta al norte y un pórtico con seis cariátides en el lado sur.

En el siglo IV a.C., los edificios son de mayores proporciones, apareciendo por primera

vez el orden corintio, como podemos apreciar en la Linterna de Lisícrates.

c. El periodo Helenístico

En esta época se fundaron muchas ciudades, en las que se construyeron numerosos

edificios públicos, como teatros, gimnasios, altares, etc.; que tendían a lo colosal.

Destacan el Altar de Zeus en Pérgamo y el Mausoleo de Halicarnaso, obras que

acordes con el período en el que fueron realizadas tienen como función destacada la de

propaganda oficial del poder político.

4.3. El teatro griego Grecia concedía mucha importancia al ciudadano, para el que se crearon edificios

públicos cuya principal función era el disfrute de los habitantes de la ciudad. Uno de ellos era

el teatro. El teatro griego consta de tres partes:

La orquesta, circular, se sitúa en el centro y es el lugar destinado al coro.


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Al fondo, la cavea (gradería), el pueblo se acomoda en los asientos de

disposición semicircular, situado en la falda de una colina.

La representación se celebra en la scena, destinada a los actores.

Uno de los teatros mejor conservados es el teatro de Epidauro, erigido por Polícleto

“el Joven” alrededor del 350 a.C.

4. LA ESCULTURA GRIEGA: CARÁCTERÍSTICAS Y EVOLUCIÓN La escultura alcanza una importancia extraordinaria dentro del arte griego, tanto por

las novedades que introduce como por servir de referencia a toda la estatuaria posterior.

Entre las principales características de la escultura griega destacamos:

Su carácter ornamental. Así se empleaba en la decoración de los templos

(frisos y tímpanos), en monumentos funerarios y como escultura exenta.

El cuerpo humano se va a convertir en el centro de la representación

escultórica como corresponde a una cultura antropocéntrica. Así, incluso los

dioses adquieren la forma de bellos seres humanos.

A medida evoluciona desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo

helenístico, la escultura griega irá ganando en cuatro aspectos que definen los

rasgos de la escultura griega: belleza, expresión, movimiento y volumen.

1. Búsqueda de la BELLEZA física intentando plasmar el ideal del cuerpo

humano perfecto. Es una belleza basada en la medida, es decir, en la

armonía y proporción entre las partes, en la idealización del cuerpo

humano. Esa belleza idealizada pasará a la historia como la belleza

clásica.

2. Preocupación por la EXPRESIÓN entendida como la exteriorización de

los sentimientos.

3. Representación del MOVIMIENTO, que se iniciará en el período clásico.

4. También se preocupan por el VOLUMEN. Los griegos van a aportar el

principio esencial de que la escultura es un arte de volúmenes que

requieren diferentes puntos de vista para ser contemplado.

Aunque en un principio debieron realizarse en madera (xoanas), los materiales

que se utilizaron con más frecuencia fueron la piedra, bronce, terracota, madera

y oro combinado con marfil (crisoelefantinas: técnica que consistía en aplicar

sobre un núcleo de madera placas de oro y marfil). El material preferido por los

griegos para realizar las esculturas de gran tamaño era el bronce, aunque la

mayor parte de las que se conservan son de piedra (mármol sobre todo),

aunque no son auténticas obras griegas, sino copias romanas de éstas.

Estaban policromadas, aunque el color se fue perdiendo a causa del tiempo.

Esto hizo que en el Renacimiento creyeran erróneamente que no estaban

policromadas, y por eso la estatuaria del Renacimiento se hizo sobre mármol

blanco.


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Con frecuencia las obras estaban firmadas por su autor, dejando el arte de ser

anónimo y demostrando así la valoración que se otorgaba a los artistas.

4.1. Periodo Arcaico (siglos VIII al VI a.C.) En este período la escultura en caliza y mármol, sustituirá a la de madera. Sus rasgos

estarán claramente influidos por la escultura egipcia:

1. Rigidez y ausencia de movimiento: una de las piernas se adelanta en un intento

inútil de sugerir movimiento; las rodillas son simples triángulos invertidos.

2. Las figuras son auténticos bloques: dificultad para separar los brazos del

cuerpo.

3. Falta de expresividad (hieratismo) fruto de la herencia oriental, igual que

los ojos almendrados y el pelo ordenado en superficies geométricas. A la falta de

expresividad contribuye la “sonrisa arcaica”, una sonrisa un tanto injustificada.

4. Figuras dominadas por la ley de la frontalidad y la ley de la simetría: el cuerpo

está realizado para ser contemplado exclusivamente de frente y dividido en dos

mitades exactamente iguales por un plano que pasaría por la nariz-ombligo.

Suelen ser esculturas votivas (ofrendas a los dioses) de dos tipos:

1. El kouros (kouroi en plural): jóvenes desnudos, de aspecto atlético, con función

religiosa (exvotos). Como ejemplo tenemos el Kouros Anavissos.

2. La koré (korai en plural): mujeres vestidas con una túnica y velo (llamado peplo

dórico), frecuentemente sacerdotisas. Ejemplo es la Dama de Auxerre (siglo VI

a.C.)

4.2. El Clasicismo del siglo V a.C. En este siglo se produce el máximo esplendor del clasicismo, alcanzándose el IDEAL

DE BELLEZA GRIEGO, aunque todavía con reminiscencias arcaicas (todavía no se alcanza

plenitud en el movimiento ni en la expresión):

Dominio de la anatomía (no está ya tan geometrizada) y de la symetría

(relación armoniosa de unas partes del cuerpo con otras).

Establecen el canon de belleza: la proporción matemática que debe haber

entre las diferentes partes del cuerpo.

Se consigue plasmar el movimiento, aunque todavía contenido, acabando

definitivamente con la “ley de la frontalidad". Lo hacen mediante:

El “contrapposto”. Supone la oposición rítmica de las partes simétricas del

cuerpo humano: mientras una pierna avanza la otra se mantiene rígida y

cargada, si un hombro se levanta el otro desciende, etc.).

El escorzo: disposición de un objeto, un cuerpo o un miembro de forma

perpendicular al plano del cuadro. Así, los brazos se despegan del cuerpo y se

colocan en diferentes posturas, moviéndose con naturalidad.

Representación del ethos (personalidad) aunque sin mucha expresividad.

Tratamiento más delicado de la piel.


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a) Primer Clasicismo o Periodo Severo (1ª mitad siglo V a.C.)

Los artistas tratarán de plasmar en sus obras la belleza física ideal. Para lograrlo

estudian matemáticamente las proporciones que debería tener un cuerpo humano perfecto

porque la perfección corporal es la expresión externa de la armonía espiritual.

El Auriga de Delfos data del 474 a.C. y se le atribuye a Pitágoras de Región.

Compositivamente, el auriga1 sostiene las riendas con una mano y gira el rostro hacia el lado

contrario para buscar una compensación compositiva. Al ladear la cabeza y proyectar el brazo

hacia delante rompe la simetría tradicional y la frontalidad. La sensación amable y serena del

rostro lo libera de la rigidez y el estatismo del periodo arcaico y lo acercan, en esto que se ha

dado en llamar “periodo severo”, hacia el pleno clasicismo.

b) Clasicismo Pleno (2ª mitad siglo V a.C.)

MIRÓN se caracteriza por la pasión por el movimiento (predominando en sus obras

composiciones en arco de círculo) y la peculiar concepción de la escultura como imagen de

un instante fugitivo (capta el movimiento en el momento de máximo esfuerzo del ejercicio

atlético, con lo que plasma el máximo desequilibrio). Así, en su obra más conocida, el

Discóbolo, presenta a un joven atleta en el momento que va a lanzar el disco.

POLICLETO se centra en conseguir la anatomía idealizada (torsos y músculos

ideales) y en establecer las proporciones numéricas ideales. Escribe el “Canon”, en el que

establece el canon ideal de “un cuerpo igual a siete cabezas”. Ignora la plasmación de

cualquier sentimiento. Obra suya es el Doríforo.

FIDIAS es el gran escultor de la época clásica y el paradigma del clasicismo: consigue

el equilibrio y la armonía en cuerpos (anatomía), proporciones y movimiento. Destaca su

técnica de “paños o pliegues mojados”: los ropajes, adheridos al cuerpo como si estuvieran

mojados, dejan traslucir la anatomía.

Las mayores muestras de la obra de Fidias nos han llegado a través de los relieves

para la decoración escultórica del Partenón. Así, en el friso que rodea externamente a la

cella encontramos representada la Procesión de las Panateneas. También dirige la

decoración de las metopas y los frontones.

4.3. El Clasicismo del siglo IV a.C. El clasicismo del siglo IV a.C. muestra algunos rasgos diferentes con respecto al del V

a.C.:

Se transforman los ideales anatómicos: canon más esbelto (Lisipo lo establece

con su Apoxiomeno: un cuerpo igual a ocho cabezas, siendo ésta más pequeña).

Se acentúan los movimientos (la Ménade de Scopas).

Se conquista definitivamente el volumen (Apoxiomeno de Lisipo).

Mayor realismo, acentuándose el naturalismo en gestos y actitudes.

Mayor expresividad facial: se muestran los sentimientos (pathos).

Introducción del desnudo femenino integral (las Venus).

1 Un auriga era un esclavo que debía conducir la biga, vehículo ligero tirado por dos caballos.


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PRAXÍTELES es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la nostalgia en el rostro de

sus obras. Destaca por el gran contrapposto de sus figuras, dando así lugar a la curva

praxiteliana (leve ondulación de la cadera). Fue el introductor del desnudo femenino a través

de su Venus de Cnido. Otras obras suyas son: Hermes con Dionisos niño y el Apolo

Sauróctono.

SCOPAS destaca por el dramatismo y el movimiento que imprime a sus figuras. Son

conocidas sus Ménades, cuyos cuerpos se contorsionan produciendo una sensación de

movimiento en que los paños parecen flotar.

LISIPO modifica los ideales anatómicos de Policleto, mediante un canon más alargado

(ocho cabezas), la mezcla de músculos y grasa en la anatomía y la conquista definitiva de

la tercera dimensión a través de escorzos. Podemos apreciarlo en su Apoxiomeno.

4.4. La escultura durante el período helenístico2 Con la conquista de Oriente pon Alejandro Magno, se extendió el dominio helénico y se

experimentaron transformaciones en el arte griego, que recibe aportaciones de los pueblos

conquistados. Los centros escultóricos se dispensaron y los reinos independientes crearon

sus propias escuelas artísticas: Atenas, Pérgamo, Rodas, Alejandría, Efeso…

En este período se seguirán las pautas que Scopas dio en su obra llevándolas al

extremo lo que supondrá la ruptura con la serenidad y el equilibrio clásicos:

Dominio de lo real (realismo) en detrimento de lo ideal, debido al

descreimiento religioso y a la depravación de costumbres. Esto les lleva a

retratar niños, hombres y ancianos que muestran incluso su decadencia física.

El tema pierde seriedad y se convierte en algo anecdótico. Se representa así lo

feo, lo monstruoso, lo gracioso o lo grotesco.

Expresión de los sentimientos extremos: dolor, crueldad, drama, tragedia...

El movimiento se acentúa, los cuerpos se retuercen.

Proliferan los grupos escultóricos.

Esculturas helenísticas son: la Victoria de Samotracia, la Venus de Milo, el Laocoonte

y sus hijos, los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo…

PREGUNTAS PAEG:

Características generales de la arquitectura griega.

La arquitectura griega: La Acrópolis de Atenas.

Características generales de la escultura griega.

2 Se denomina período helenístico (también llamado alejandrino por Alejandro Magno) a una etapa histórica de la Antigüedad, cuyos límites cronológicos vienen marcados por dos importantes acontecimientos políticos: la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) y el suicidio de la última soberana helenística, Cleopatra VII de Egipto, y su amante Marco Antonio, tras su derrota en la batalla de Accio (30 a.C.).


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DIAPOSITIVAS PAEG ARTE GRIEGO

1. PARTENON (Ictinos, Calícrates y Fidias, 447-432 a.C.) El templo del Partenón es el edificio más

impactante de toda la Acrópolis.

Está dedicado a la diosa Atenea Partenos. En su

interior albergaba la estatua de esta divinidad

realizada por Fidias, hoy perdida. El Partenón fue

construido totalmente en mármol del pentélico,

con sillares bien trabajados. Los arquitectos

fueron Ictinos y Calícrates, con el apoyo de Fidias.

Se construyeron en un tiempo record (447-432

a.C., siglo V a.C.), pertenece a la etapa clásica. Este edificio está hecho para ser visto no de

frente sino diagonalmente. Es un templo de planta rectangular, y se divide en pronaos, naos y

opistodomos. Es de orden dórico, octástilo (ocho columnas en el pórtico) y períptero

(columnata rodea toda la planta).

El templo se asienta sobre un crepidoma o basamento escalonado que contribuye a realzar el

edificio. En la parte alta se sitúa el capitel y sobre él, el entablamento formado por el

arquitrabe que es liso, el friso dividido en triglifos y metopas, éstas últimas decoradas con

relieves, y, por último la cornisa.

El edificio se remata con un frontón decorado con esculturas exentas. La rica policromía del

templo se ha ido perdiendo. La naos está dividida en tres naves, separadas por columnas, de

las cuales la central es más ancha que las otras dos. Adosada a la naos se construye una

habitación cuadrada, cuyo techo está sostenido por cuatro columnas: es el “partenón” o

habitación de las vírgenes. Esta habitación sirve para guardar las donaciones al templo.

El sistema constructivo es adintelado. La cubierta estuvo formada por armadura de madera

con techo plano en el interior y exteriormente presentó un tejado a dos aguas lo que provoca

la existencia de frontones en la fachada anterior y posterior.

La belleza de este edificio radica en la relación de todas las partes con el todo; es una

arquitectura basada en la geometría y las matemáticas que se refleja en la utilización de los

órdenes arquitectónicos. Todo se ha estructurado en función de la escala humana.

El Partenón responde a los reajustes ópticos para corregir las deformaciones de la visión

humana: no hay líneas rectas en todo el edificio.

Ha sido un edificio que ha pasado por todo tipo de avatares históricos: fue una iglesia

católica con los bizantinos; con los turcos fue una mezquita; en el siglo XVII sufrió diversos

ataques, fue usado como polvorín y fue víctima de una terrible explosión que destruyó casi

completamente todo el centro del edificio, incluyendo partes del friso y de las metopas, y dañó

gravemente otras zonas. Entre 1801-1803 el embajador inglés en Turquía, Lord Elgin, compró

la mayor parte de las esculturas que quedaban en el templo y por eso hoy se conservan en el

Museo Británico de Londres.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Arquitectura clásica), Título/Obra

(Partenón), Autor (Ictinos, Calícrates y Fidias), Situación (Acrópolis de Atenas), Cronología


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(447-432 a.C.), Época histórica/cultural (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con

otros templos arcaicos, clásicos y helenísticos), Influencia obra-época (Guerras Médicas y

reconstrucción de la Acrópolis por Pericles).

2. TEMPLO ATENEA NIKÉ (Calícrates, 421 a.C.) El Templo de Atenea Niké, o Atenea Victoriosa

conmemora la victoria sobre los persas en la batalla de

Salamina (448 a.C.). La idea de su construcción en la

Acrópolis de Atenas, surgió en el 449 a.C., tras la paz con

los persas. Sin embargo, Pericles se opuso al levantamiento

del mismo y no se comenzaron las obras hasta el 421 a.C.,

comenzada ya la Guerra del Peloponeso (431-404 a.C.).

El proyecto se le encargó a Calícrates quien diseñó un

templo de orden jónico que tuvo que adaptarse al pequeño

espacio que se le asignó: un bastión (torreón) de los

Propileos, que domina la subida a la Acrópolis de Atenas.

En su interior hubo una imagen de Atenea personificada como Niké, o diosa alada, símbolo de

las victorias navales, a la que se cortaron las alas (áptera: sin alas) para que nunca pudiese

abandonar la ciudad. Pero el templo no estaba destinado a grandes reuniones, para eso tenía

enfrente un altar que permitía celebrar ceremonias al aire libre.

El templo en su estado actual ha sido fielmente restaurado, pero ha perdido parte del

entablamento, la cubierta y los frontones.

La planta, de muy pequeñas dimensiones, consta de una pronaos, una cella o sala de la diosa

cuadrada (4 x 4 metros) y opistodomos. Es, por tanto, un templo muy pequeño, de

dimensiones humanas y muy armonioso en sus proporciones. Todas las medidas están

matemáticamente estudiadas para dar esa sensación de esbeltez, a pesar de su escaso tamaño.

El friso del templo, que representa a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando a los atenienses en las

guerras Médicas, es sin duda un intento de elevar la moral de la ciudad, que en aquellos años

estaba sumida en la Guerra del Peloponeso que acabó perdiendo contra Esparta. Los

frontones estaban dedicados a Atenea.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Arquitectura clásica), Título/Obra (Templo

de Atenea Niké), Autor (Calícrates), Situación (Acrópolis de Atenas), Cronología (421 a.C.),

Época hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con otros templos arcaicos,

clásicos y helenísticos), Influencia obra-época (Guerras Médicas y reconstrucción de la

Acrópolis por Pericles).

3. ERECTEION (Mnesikles, 421-406 a.C.) Templo jónico situado en el norte de la Acrópolis de Atenas. La construcción fue confiada a

Mnesikles. La primera fase de los trabajos se inició en el año 421 a.C., concluido el edificio en

el 406 a.C. interrumpidos los trabajos por las Guerras del Peloponeso.

Mnesikles hubo de salvar dificultades topográficas pues el Erecteion se alza sobre un terreno

desnivelado. Además, en el espacio elegido para su ubicación tenía su sede los principales

cultos tradicionales de la ciudad que el arquitecto hubo de respetar escrupulosamente. Fue


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este segundo hecho, en buena medida, el que condicionó la extraña configuración final del

edificio.

Por la fachada principal se accede a una primera

cella dedicada a Atenea Polias, donde se guardaba

una escultura en madera de la diosa.

Al Norte se abre un gran pórtico que conduce a las

otras tres cellas del templo. Concretamente, se

desembocaba en la cella más grande dedicada a

Poseidón, Erecteo. Esta cella se comunicaba

visualmente con el pórtico de las Cariátides,

mirador que se situaba frente a las terrazas de la Acrópolis y que tenía enfrente el Partenón.

Este pórtico, desde el punto de vista clásico, constituye una aportación genial. Desde la cella

de Poseidón Erecteo se accedía a otras dos cellas interiores que estaban dedicadas, una, a los

ancestros míticos y, otra, a Hefaistos. Finalmente, en el ángulo nordeste había una pequeña

plaza que se utilizaba para realizar juegos rituales.

Esta enorme complejidad puntual condicionó la apariencia final del Erecteion. Así, el

resultado final se caracteriza por una serie de soluciones parcialmente brillantes dentro de un

conjunto que, sin embargo, es incoherente. Es posible que el arquitecto, impotente para

imponer un plan racional, se concentró en las diferentes partes en las que desplegaría sus

extraordinarias dotes decorativas.

A pesar de todo, el Erecteion constituye una obra maestra del orden jónico con un tratamiento

exquisito de todos los detalles escultóricos. Esta característica puede ser hecha extensiva a

todas las partes ornamentales del edificio, desde el soberbio Pórtico de las Cariátides a los

frisos de los que aún queda algún resto que permite saber que sus relieves fueron tallados en

mármol blanco y, para que destacaran más, se les puso como fondo unas placas de caliza de

tonalidad azul oscuro.

Mnesikles realizó también los propileos de la Acrópolis de Atenas.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Arquitectura clásica), Título/Obra (El

Erecteion), Autor (Mnesikles), Situación (Acrópolis de Atenas), Cronología (421-406 a.C.),

Época hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con otros templos arcaicos,

clásicos y helenísticos), Influencia obra-época (Guerras Médicas y reconstrucción de la

Acrópolis por Pericles).

4. TEATRO DE EPIDAURO (Policleto el Joven, s. IV a.C.) El teatro de Epidauro es edificado en el siglo IV a.C. para acoger las Asclepeia, concurso en

honor del dios y médico Asclepio cada 4 años en el que se combinaban pruebas gimnásticas y

musicales. Es el modelo de teatros griegos.

El teatro fue concebido por el arquitecto y escultor Policleto el Joven (hijo de Policleto el viejo,

autor del canon de 7 cabezas) que lo situó a 500 metros del santuario de Asclepio, sobre un

lugar que permitió adosar las gradas en el flanco de una colina.

El teatro y el santuario fueron saqueados, aun así, es de todos los teatros antiguos el mejor

conservado.


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El edificio pudo contener 14.000 espectadores. Se

compone de una orchestra circular de tierra batida de

casi 10 m. de diámetro, rodeada por gradas (la cávea)

en herradura de 120 metros de diámetro y 24 metros

de desnivel, divididas en dos niveles por un pasillo, el

diazoma. Las gradas existen aún en gran parte. El

edifico de la escena es de piedra y está dotado de un

piso, con dos salidas laterales provistas de puertas.

La acústica del teatro de Epidauro es excepcional,

permite a los últimos espectadores de la parte superior

de las gradas oír a los actores hablar.

Actualmente aún tienen lugar representaciones en él y se trata de un lugar emblemático para

el país ya que allí se declaró la independencia de Grecia en 1822.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Arquitectura helenística), Título/Obra

(Teatro de Epidauro), Autor (Policleto el Joven), Situación (Pérgamo, costa de Asia Menor),

Cronología (330-320 a.C.), Época hist/cult (Época helenística griega), Relacionar/comparar

(con los teatros romanos), Influencia obra-época (origen e importancia del teatro en Grecia).

5. ALTAR DE PÉRGAMO (164-156 a.C.) Altar dedicado a Zeus en la ciudad de Pérgamo (Asia Menor) fue un edificio grandioso

mandado construir por Eumenes II Sóter en el siglo II a.C. entre los años 164 a.C. y 156 a.C.,

para celebrar sus victorias sobre los celtas.

En la época clásica se levantaban templos

dedicados a los dioses y delante de ellos se

colocaban los altares para los sacrificios; los

altares eran construcciones de poca

importancia. Durante el período helenístico

se pusieron de moda los grandes altares

monumentales, dedicados a una gran deidad,

por lo común a Zeus. Había que erigir a ese

dios no ya un templo, sino un gran y colosal altar de sacrificios.

Uno de estos grandes altares construidos fue el gran altar de Pérgamo. Era de planta

cuadrada, y la fachada daba acceso a un patio que guardaba el altar de los sacrificios. En su

ciudad, Bergama (Turquía) sólo se conservan los cimientos. El altar era un podio de 7 metros

de alto con escalera, con una columnata jónica de altura reducida (2’67 metros) en forma de

U, sosteniendo un entablamento plano.

DECORACIÓN ESCULTÓRICA: La decoración escultórica hecha en relieves alcanza 120 m de

longitud. Se trata de una Gigantomaquia, la lucha de los dioses contra los gigantes. Las escenas

no están separadas sino que es un friso corrido que describe un momento de la batalla. En él

trabajaron un buen número de artesanos coordinados de forma precisa (dado el breve

periodo de tiempo que necesito la obra, entre 22 y 28 años), ya que no se distinguen talleres,

siendo la calidad y la factura de una calidad excelente.


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En esta narración de la Gigantomaquia se ve representado el triunfo de Zeus y de Atenea

frente a sus enemigos los gigantes.

La elección del tema de la gigantomaquia está relacionada con la realidad del reino de

Eumenes II, ya que tiene como modelo a Zeus, mientras que Atenea es su protectora y la que le

da la victoria. Igual que los dioses habían vencido a los gigantes, los atálidas habían vencido

las invasiones de los celtas.

Sus ruinas han subsistido a través de los siglos y fueron descubiertas por un equipo de

arqueólogos alemanes en el siglo XIX. En la actualidad puede contemplarse el gran friso de

esculturas en la ciudad alemana de Berlín, en el museo de Pérgamo, excepto un breve periodo

cuando los soviéticos lo desmantelaron y se expuso en el Museo del Hermitage de San

Petersburgo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Arquitectura helenística), Título/Obra

(Altar de Zeus), Autor (Anónimo), Situación (Pérgamo, costa de Asia Menor), Cronología (164-

156 a.C.), Época hist/cult (Época helenística griega), Relacionar/comparar (con la

arquitectura griega clásica), Influencia obra-época (reinos helenísticos e influencias orientales

en el Arte Griego).

6. DAMA DE AUXERRE (650 a.C.) Pequeña estatua realizada en piedra caliza en el 650 a.C. aproximadamente.

Es la primera escultura en piedra que se conserva completa, que pertenece a

la escuela cretense. En ella se pueden apreciar todas las características

formales de las kores griegas del periodo arcaico; los ojos almendrados, la

sonrisa arcaica, la desproporción entre las partes de su cuerpo, el pelo

geométrico y cumplir la ley de la frontalidad. El trabajo de labra es mucho más

tosco en la parte superior y detallista en la inferior, decorando el peplo con

incisiones de cenefas y una ancha correa que se ciñe a la cintura.

Encontrada en un pequeño museo de la ciudad francesa de Auxerre,

actualmente se encuentra en el Louvre (París).

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura arcaica), Título/Obra (Dama de

Auxerre), Autor (Anónimo), Situación (Auxerre, ahora en el Louvre), Cronología (650 a.C.),

Época hist/cult (Época arcaica griega), Relacionar/comparar (con la escultura egipcia y la

clásica griega), Influencia obra-época (religión y cultura prearcaica griegas y expansión

colonial por el Mediterráneo y contactos con otras civilizaciones).

7. AURIGA DE DELFOS (474 a.C.) Escultura realizada en bronce, y descubierta en 1896 en el santuario de Apolo de Delfos. Su

autoría se atribuye al broncista Pitágoras de Reggio.

Se realizó en el año 474 a.C. para conmemorar la victoria del tirano Polizalos de Gela en una

carrera de cuadrigas. De tamaño natural, la figura tiene una altura de 1’80 metros. Se trata de

una de las escasas esculturas originales que se conservan en bronce del arte griego. El grupo

estaría formado seguramente por el auriga que sostiene las riendas de la cuadriga, los cuatro

o seis caballos y el propio tirano. La escultura está fundida en varias piezas separadas y


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soldadas posteriormente, tal y como era costumbre en representaciones que incluían un

número importante de figuras.

La figura erguida, con la larga túnica y la actitud impasible, recuerda

mucho las esculturas arcaicas. Sin embargo, elementos como la

marcada frontalidad que caracterizó a las esculturas arcaicas exentas,

especialmente en los primeros tiempos, tiende aquí a desaparecer

gracias a la introducción de matices que dotan a la figura de una

mayor tridimensionalidad: los pies se sitúan oblicuamente respecto al

cuerpo, el cual acentúa levemente la torsión lateral, de acuerdo con

los brazos y cabeza; esta torsión se manifiesta en el juego de los

pliegues de la túnica, ceñidos en la cintura y sueltos en el torso, crean

un volumen que rompe con el hieratismo propio de épocas pasadas.

Este movimiento es, no obstante, mínimo. El rostro está de acuerdo

con esa disposición corporal; mantiene un gesto sereno en el que ha

desaparecido la sonrisa (propia también del periodo arcaico).

Además del bronce, se han utilizado otros materiales nobles, tanto en los ojos, elaborados con

incrustaciones de piedras de color, plata en la diadema y cobre en los labios.

Actualmente se conserva en el Museo de Delfos (Grecia).

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica, estilo severo),

Título/Obra (Auriga de Delfos), Autor (Anónimo), Situación (Santuario de Delfos), Cronología

(474 a.C.), Época hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con la escultura

arcaica, otras clásicas y la helenística), Influencia obra-época (mitología e historia griegas y su

influencia en la escultura, los Juegos Panhelénicos, etc.).

8. DISCÓBOLO (Mirón, entre 460-450 a.C.) El discóbolo (Lanzador de disco) fue en origen, como muchas otras

obras griegas, una escultura de bronce, que se conoce a través de

varias copias romanas en mármol. Representa tal vez al héroe

Hyakinthos que murió cuando arrojaba el disco siendo así una de las

primeras obras que representan al hombre como símbolo de sí

mismo y no como una divinidad.

Destaca por su composición. Representa un notable avance en la

representación del movimiento, rompiendo con la frontalidad y el

hieratismo de la escultura griega arcaica. Para ello se elige el

momento crítico en el que el atleta se dobla hacia delante, en una

postura de gran tensión y concentración, antes de girar para lanzar

el disco; la posición del cuerpo es inestable, sólo se comprende en

un contexto de movimiento continuado, en segundo lugar la colocación de brazos, piernas,

tronco y cabeza responden al justo momento de iniciar el esfuerzo final de salida del disco,

todo el cuerpo se tensa y concentra para dar la mayor velocidad posible al disco.

El equilibrio es también intencionalmente crítico, es un momento puntual, como una foto

realizada a alta velocidad, congelando el tiempo.


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La composición, está construida sobre el equilibrio inestable de dos arcos que se cortan, el

primer arco está formado por los brazos y hombros, hasta el pie levantado. El segundo arco lo

forman la cabeza, la espalda y una continuación hacia el pie que sostiene la mayor parte del

cuerpo. El Discóbolo no representa el momento en el que la acción está terminada, sino un

instante fugaz de la misma. Su belleza radica en ello.

A pesar de estos prodigios compositivos, la figura no rompe del todo con el estilo arcaico

anterior, ya que la expresión de la cara no se corresponde con el esfuerzo del momento.

Su realización se fecharía entre los años 460 y 450 a.C. Su autor, Mirón (490-440 a.C.) fue un

broncista nacido en Eleuteras, ciudad entre Ática y Beocia. Se le atribuyen numerosas obras

entre las que destaca ésta.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica), Título/Obra (El

Discóbolo), Autor (Mirón), Situación (copia romana del original en bronce), Cronología (460-

450 a.C.), Época hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con la escultura



9. DORÍFORO (Policleto, 450-445 a.C.) El “portador de lanza” es una destacada escultura de Policleto, realizada

entre los años 450 y 445 a.C., identificable como una representación

idealizada del mítico héroe Aquiles. Es conocida por las copias romanas

realizadas en mármol, ya que el original, hoy perdido, era de bronce.

El Doríforo es la máxima representación del canon de Policleto, la

encarnación misma del ideal clásico. Es la representación de un joven

en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura

muestre ningún rasgo de niñez. El brazo izquierdo está en tensión,

sujetando la lanza, y el izquierdo cae relajado, mientras que es la pierna

derecha la que recibe el peso del cuerpo, quedando la otra sin apenas

tocar el suelo, creando así una descompensación que genera tensión.

Esta obra, a pesar de ser considerada clásica, conserva aún rasgos de un

cierto arcaísmo: está tallada con cierta rudeza, los músculos de los

pectorales son planos, sin apenas relieve, y las líneas de cadera y

cintura están perfectamente marcadas. El movimiento de la figura está

perfectamente acompasado, con una pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más

retrasada, a imagen de los kuroi de la época precedente. La belleza del Doríforo reside

primordialmente en su proporción y medida.

Policleto era broncista de la escuela de Argos en Peloponeso, fijó el canon de 7 cabezas,

siendo un minucioso estudio de la proporción en el cuerpo humano. Destacan otras de sus

obras como el Diadúmeno o la de la diosa Hera para el templo de Argos. Fundó una

importante escuela de la que salieron escultores como Scopas y Lisipo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica), Título/Obra (El

Doríforo), Autor (Policleto), Situación (copia romana del original en bronce), Cronología (450-

445 a.C.), Época hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con la escultura


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10. FRISO DE LAS PANATENEAS (Fidias, 447-432 a.C.) La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas (esculpidas

en altorrelieve extendiéndose por los cuatro lados externos del templo), los tímpanos

(rellenando los espacios triangulares de cada frontón) y un friso (esculpido en bajorrelieve

abarcando el perímetro exterior de la cella). En ellos se representan escenas de la Mitología

griega.

El friso interior constituía la representación

de la procesión de las Panateneas, el festival

religioso más importante de Atenas antigua.

La procesión que narra el friso se celebraba

periódicamente en Atenas para presentar el

nuevo peplo a Atenea que tejían las propias

doncellas. En ella intervenían los ciudadanos

y también los dioses, se hacían sacrificios y había música. La procesión ocupa los cuatro lados

del friso y es posible apreciar la extraordinaria diversidad de figuras que aparecen:

divinidades, sacerdotes, sacerdotisas, ciudadanos, músicos, jinetes, animales para el sacrificio,

etc.

En los relieves queda patente el genio de Fidias; la armonía de sus figuras, el equilibrio de sus

composiciones, la proporcionalidad siempre presente, formas elegantes, delicadeza en la

anatomía que queda patente en la técnica de paños mojados, que acentúa el juego de luz y la

sensualidad.

En el s. XIX fueron desmanteladas las esculturas y vendidas al Museo Británico de Londres,

donde se exhiben desde entonces.

Fidias es quizás escultor más conocido de la antigüedad, protegido por Pericles en los

momentos de máximo esplendor de Atenas. Realizó además de toda la decoración escultórica

del Partenón, otras obras como la estatua de Atenea de su interior o la de Zeus del templo de

Olimpia. Junto a su protector fue desprestigiado, e incluso encarcelado y desterrado de

Atenas.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica), Título/Obra (Friso de

las Panateneas), Autor (Fidias), Situación (en el Partenón), Cronología (447-432 a.C.), Época

hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con la escultura arcaica, otras clásicas

y la helenística), Influencia obra-época (mitología e historia griegas y su influencia en la

escultura y la reconstrucción de la Acrópolis por Pericles y Fidias).

11. HERMES Y DIONISIOS NIÑO (Praxíteles, s. IV a.C.) Figura en mármol encontrada en las excavaciones del templo de Olimpia. Su excepcional

calidad hizo pensar que se trataba de un original de Praxíteles, descrito por Pausanias

(geógrafo griego) en Olimpia, pero por sus características se ha pensado que es una copia del

s. I, y que el original sería en bronce.


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Según relatos de mitología griega, Dionisios (Dios del Vino) nació del

muslo de Zeus tras la muerte de su madre embarazada, y recién nacido,

fue confiado a Hermes para llevarlo con las ninfas que se encargarían de

su cuidado. El grupo representa un alto en el camino en el viaje de

Hermes y Dionisio, Hermes ofrece un racimo de uvas (desaparecido)

que el pequeño dios intenta alcanzar. La inclinación de Hermes es muy

pronunciada en esa “curva praxiteliana” y que para mantener el

equilibrio se apoya en el árbol. A pesar de tratarse de dioses, el tema es

anecdótico y capta un instante fugaz propio del s. IV a.C.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica),

Título/Obra (Hermes y Dionisos niño), Autor (Praxíteles), Situación

(Templo de Hera en Olimpia), Cronología (370 a.C.), Época hist/cult (Época clásica griega),

Relacionar/comparar (con la escultura arcaica, otras clásicas y la helenística), Influencia obra-

época (mitología griega y su influencia en la escultura).

12. VENUS DE CNIDO (Praxíteles, s. IV a.C.) Escultura de Praxíteles y una de sus primeras obras (realizada en torno al

360 a.C.). La escultura representa a la diosa griega del amor, la belleza y la

fertilidad femenina, preparándose a tomar un baño. Fue llamada Cnido

porque fueron los habitantes de esta ciudad quienes adquirieron la estatua

tras que los de la ciudad de Cos la rechazaran y compraran a Praxíteles

una versión en la cual la diosa estaba vestida más púdica. La escultura se

situó al aire libre dentro de un patio circular para ser vista por todos los

puntos de vista.

Es una de las primeras veces que se representa a una diosa en actitud

íntima y despreocupada, recurso usado en la Antigüedad por Praxíteles o

Scopas.

Esta obra obtuvo rápidamente una merecida fama y fue muy venerada, y despertaba deseos

poco honestos en sus admiradores; Plinio el Viejo relata que un joven llegó a enamorarse de la

escultura. Como sea, se trata de una de las esculturas que posee mayor número de copias y

variantes.

La desnudez en la Afrodita Cnidia es un buscado y logrado elemento de erotismo: la seducción

ha sido acentuada por el fino labrado del mármol y sus formas sinuosas, marcando la “curva

praxiteliana”. La representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño deja caer

casi lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para agua) que está a su

costado. Su gesto es de despreocupado pudor como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal

pose por un extraño, así “lleva” su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el

pubis. No era frecuente el desnudo femenino y solo a partir del s. IV a.C. se llevarán a cabo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica), Título/Obra (Afrodita de

Cnido), Autor (Praxíteles), Situación (copia, el original en Cnido, Asia Menor), Cronología (360

a.C.), Época hist/cult (Época clásica griega), Relacionar/comparar (con la escultura arcaica,

otras clásicas y la helenística), Influencia obra-época (mitología griega y su influencia en la

escultura).


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13. MÉNADE (SCOPAS, s. IV a.C.) Conocida como Ménade danzante o furiosa, eran diosas relacionadas con

Dionisio, dios del vino, mujeres de vida insana e incluso violenta, dedicadas

a la ebriedad y la danza. El tema rompe la armonía clásica y representa una

joven semidesnuda, enloquecida por el vino y el baile; este frenesí

contorsiona todo su cuerpo, los paños crean contrastes marcados de luz y

sombra, dando más vigor a los movimientos y expresionismo a la figura.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura clásica),

Título/Obra (Ménade furiosa), Autor (Scopas), Situación (copia romana del

original), Cronología (340 a.C.), Época hist/cult (Época clásica griega),

Relacionar/comparar (con la escultura arcaica, otras clásicas y la

helenística), Influencia obra-época (mitología griega y su influencia en la

escultura).

14. LAOCOONTE Y SUS HIJOS (Escuela de Rodas, s. I d.C.) El conjunto escultórico Laocoonte pertenece a la Escuela de Rodas. Sus autores fueron

Agesandros, Polydoros y Athenodoros. Se trata de una copia

del s. I sobre un original del siglo II a.C. Fue esculpido en

mármol y destinada a Roma.

Actualmente expuesta en los Museos Vaticanos.

La escultura representa el instante en que el Sacerdote

Laocoonte es enroscado por dos serpientes junto a sus dos

hijos, descrito en la Eneida de Virgilio, en ella, Laocoonte se

niega a la entrada del caballo de madera en la guerra de Troya

y le lanza fuego para acabar con él. Varias serpientes enviadas

por Poseidón surgen del mar y devoran a él y sus hijos.

Representa la impotencia y el dolor sobrehumano.

Desaparece la serenidad y el equilibrio clásicos. Los

personajes se interrelacionan y entrelazan por la línea sinuosa de la serpiente, creando una

composición que acentúa la fuerza expresiva de luz y tensión. La impresionante musculatura

de Laocoonte y su expresión de dolor han influido en la historia de la escultura, y sobre todo

en grandes autores como Miguel Ángel.

Cuando la escultura se descubrió en 1506 le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un

nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, cuando en 1957 se descubrió el brazo

original, éste estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto

para la reconstrucción. La estatua fue adquirida para el Vaticano por el Papa Julio II.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura helenística, Escuela de Rodas),

Título/Obra (Laocoonte y sus hijos), Autor (Agesandros, Polydoros y Athenodoros), Situación

(Museos Vaticanos en Roma), Cronología (50 d.C.), Época hist/cult (Época helenística griega),




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15. VICTORIA DE SAMOTRACIA (Escuela de Rodas, s. II a.C.) La Victoria alada de Samotracia, escultura perteneciente a la

escuela de Rodas del periodo helenístico. Se encuentra en el

Museo del Louvre, París. Tiene una altura de 245 cm. y se

elaboró en mármol hacia el 190 a.C. Procede del santuario de los

Cabiros en Samotracia y conmemora la victoria naval de Rodas

contra Siria.

Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a

Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de

Samotracia por un cónsul francés aficionado a la arqueología

que la trasladó a París.

La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa

de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo

cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un

fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo

dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que recuerda a la denominada técnica de

"paños mojados".

Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico

de la escuela escultórica de Rodas, una de las más barrocas del helenismo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Griego), Etapa (Escultura helenística, Escuela de Rodas),

Título/Obra (Victoria de Samotracia), Autor (Anónimo), Situación (isla de Samotracia, ahora

en el Louvre), Cronología (190 a.C.), Época hist/cult (Época helenística griega),



16. RELIEVES ALTAR DE PÉRGAMO (La información aparece en el apartado de la arquitectura referente al Altar de Pérgamo).


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VOCABULARIO TEMA ARTE GRIEGO

ACRÓPOLIS: Parte elevada y amurallada de algunas ciudades griegas, donde se emplazaban

los edificios públicos y de carácter sagrado. La más famosa es la de Atenas, construida en su

mayoría en tiempos de Pericles y que muestra el gran poder de esta polis. En ella trabajaron

artistas de la importancia de Ictinos, Calícrates o Fidias, levantando edificios importantes

como el Partenón, Atenea Niké, Erecteion o los propios Propileos de acceso.

ACRÓTERA: Ornamento que se utilizaba para rematar el vértice de un frontón en los templos

clásicos levantados en la Grecia Clásica entre los siglos s. V y IV a.C., normalmente con forma

de estatuillas en piedra.

ÁGORA: Plaza mayor de las ciudades griegas. Se trataba de un amplio espacio abierto que

servía de lugar de reunión a los ciudadanos. Además solían estar adornadas con estatuas y

fuentes y en ellas se realizaban todas las manifestaciones festivas de la ciudad, junto con

actividades económicas, de comercio y políticas como asambleas de ciudadanos. Fue el origen

de los posteriores foros romanos. Podían existir varias ágoras en la misma ciudad como era el

caso de la ciudad de Mileto.

ÉNTASIS: Engrosamiento o ensanchamiento del fuste de una columna, normalmente de su

parte central, con el objetivo que con el efecto de la perspectiva, el fuste parezca recto y no

cóncavo como podría aparecer sin éntasis. Fue utilizado por los griegos en sus templos, dados

a realizar reajustes ópticos en ellos, sobre todo en el orden dórico. Un caso destacable es el

Partenón de Atenas (s. V a.C.).


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ESTILÓBATO: Escalón superior de los tres donde se levantan los templos clásicos, y por tanto

donde descansan directamente las columnas.

FRONTÓN: Remate triangular de una fachada, pórtico, ventana, etc. En los templos clásicos

surge por el espacio que queda entre el friso y el tejado a dos aguas. El espacio cerrado que

resulta se le denomina tímpano y es utilizado en los templos clásicos como lugar para decorar

con programas escultóricos en relieve. Importante mencionar los realizados por Fidias para el

tímpano del Partenón (s. V a.C.), representado en el occidental el nacimiento de Atenea, y en el

oriental, la lucha de Atenea y Poseidón por la ciudad.

KORÉ: Escultura que representa una figura joven femenina. Específicamente son las

representadas en la época arcaica griega (s. VIII-VI a.C.) Todas cumplían unas características

como vestidas con peplo o chitón, un brazo pegado y otro separado, pies juntos, ojos

almendrados, sonrisa arcaica, etc. La más famosa es la Dama de Auxerre (650 a.C.).


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KOUROS: Escultura que representa atletas o semidioses jóvenes esculpidos durante el

periodo arcaico griego (s. VIII-VI a.C.). Todos cumplían una características comunes como

desnudos, pie izquierdo adelantado, geometrización de su anatomía y peinado, ojos

almendrados, y sonrisa arcaica. Unos de los más famosos son los conocidos como gemelos

délficos (Cleobis y Bitón) del 590 a.C.

NAOS: También conocido como cella, es la estancia principal en los templos clásicos, situada

entre la pronaos y el opistodomos. En ella se guardaba la estatua o representación de la

divinidad. En la naos del Partenón se situaba la escultura de Atenea Partenos realizada por

Fidias (s. V a.C.).

OPISTÓDOMOS: Parte del templo clásico consistente en una sala, sin comunicación con la

naos, y que generalmente se utilizaba para guardar los tesoros y ofrendas de la divinidad a la

que estaba erigida el templo.

ORDEN: Es el estilo arquitectónico con los que en la antigüedad clásica griega se intentan

obtener edificios armoniosos entre todas sus partes. El orden fija la relación entre las partes

del edificio, definiendo un patrón estético que refleja el ideal de belleza. En Grecia existieron

tres órdenes, definidos principalmente por los capiteles: Dórico, jónico y corintio. Se articulan


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en base a una crepidoma, sobre ella una columna (basa, fuste y capitel), un entablamento

(arquitrabe, friso y frontón), que varían en sus formas según el orden correspondiente.

PALESTRA: Lugar destinado a la realización de ejercicio físico y lucha. Muy extendido en las

ciudades griegas del clasicismo y posteriormente en las romanas, donde pasaron a integrase

como una parte más de las termas.

PERISTILO: Patio rodeado de columnas, al cual se abren las distintas habitaciones de las casas

griegas y que haría la función del ágora en la privacidad de la casa.

PRONAOS: Sala o pórtico situado delante del templo y que da acceso a la naos o sala principal

de los templos clásicos griegos. Formado por columnas y en donde comienza a decrecer la

luminosidad que se va perdiendo al ir accediendo al interior.


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STOA: Pórtico columnado, normalmente en torno al Ágora de las ciudades griegas durante la

antigüedad, que protegía a la gente del sol y de la intemperie, y que por tanto servía de lugar

de paseo para los ciudadanos, además de llevarse a cabo allí otras actividades como el

intercambio comercial.

TEATRO: Edificio griego construido al aire libre, aprovechando la ladera de una montaña,

para la representación de obras. Se componía de una serie de partes: Cávea: Graderío para los

espectadores. El nombre lo adoptan también los romanos con el que bautizan los graderíos de

sus teatros, dividiéndolos en ima, media y summa cávea, según su altura. Los romanos

también denominarán así a los graderíos de los circos y anfiteatros. Orchestra: Espacio

central de arena donde se colocaban los músicos y coros en las representaciones teatrales

griegas y romanas, que actuaban generalmente mientras los actores se cambiaban. En los

teatros griegos esta zona es circular y en los romanos se reduce a semicircular. Escena: Lugar

del escenario propiamente dicho donde se desarrolla la acción dramática. Su frente será

utilizando como decorado o fondo de escena aprovechando sus puertas laterales como

elemento de la acción teatral. Los romanos aumentaron esta parte en detrimento de la

orchestra ya que no utilizaban coro en las representaciones teatrales.

El ejemplo más conocido y mejor conservado de teatros griegos es el de Epidauro construido

en el s. IV a.C.

THOLOS: Nombre que reciben en la Grecia clásica las construcciones de planta circular con

cubierta de cúpula o cono. Podía ser monóptero formado por una columnata sobre estilóbato,

o períptero formado por una sala de planta circular y rodeado por columnata. Un ejemplo de

este tipo de construcción está en el tholos del santuario de Atenea Pronaia en Delfos,

levantado hacia el 360 a.C. por Teodoro de Focea.


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ESQUEMA ARTE GRIEGO

1. INTRODUCCIÓN Se desarrolla en el ámbito griego entre los siglos VIII y I a.C.

Resulta una aportación fundamental para la cultura occidental:

Define la estética clásica.

Da fundamentación ideológica.

Podemos distinguir:

Antecedentes en la cultura minoica (Creta), la cultura micénica (Micenas) y los inicios

de Grecia.

Etapas: arcaica (VIII-VI a.C.), clásica (V y IV a.C.) y helenística (IV-I a.C.).

Sus manifestaciones más importantes son en arquitectura y escultura.

Características generales del Arte Griego:

El cuerpo humano (masculino) es el fundamento de toda belleza.

La belleza es algo objetivo, cuando cumple unas medidas, proporciones y simetría.

Existe armonía.

Belleza en la imitación de la naturaleza, pero es un naturalismo idealizado.

2. LA ARQUITECTURA GRIEGA

2.1. Características generales

Perfección técnica.

Materiales: piedra y mármol.

Relación con el espacio exterior, con la polis. Importancia del exterior; menor

preocupación por los interiores.

La belleza es proporción, armonía. El Módulo.

Arquitectura arquitrabada. Elementos: basamento, columnas, entablamento, cubierta o

frontón.

Elementos decorativos: relieve y pintura.

Correcciones ópticas.

Diferentes tipologías (santuarios, teatros, templos, ciudades y edificios civiles).

Su evolución pasa por:

Época arcaica (siglos VIII-VI a.C.): Formación. Surgen los órdenes dórico y jónico.

Época clásica (siglo V a.C.): perfección. Acrópolis de Atenas (Partenón, Erecteion,

Atenea Niké, Propileos).

Época postclásica (siglo IV.C.): Ruptura de la norma clásica. Linterna de Lisícrates,

tholos y construcciones monumentales.

Época helenística (siglos IV-I a.C.): influencia oriental. Construcciones muy complejas,

decoradas, orden corintio. Altar de Zeus en Pérgamo.


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2.2. Los órdenes arquitectónicos

Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista viva, éntasis, capitel sencillo,

arquitrabe de una sola pieza, friso dividido en triglifos y metopas.

Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas,

arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado).

Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de acanto.

2.3. Tipologías de edificios. Evolución. a) El Templo

Morada del dios. Origen: mégaron micénico. Planta tipo: pronaos, naos y cella.

También templos circulares (tholos).

Tipologías de templos (según el número de columnas y su disposición).

o Época arcaica (siglos VIII-VI a.C.):

Hera en Paestum (Magna Grecia) y el de Apolo en Corinto (Grecia

peninsular).

o Época clásica (siglos V-IV a.C.):

Siglo V a.C.: Acrópolis. El Partenón, Atenea Niké, Erecteion.

Siglo IV a.C.: Linterna de Lisícrates, en Atenas.

o Época helenística (siglos IV-I a.C.):

Olimpeion en Atenas y el Altar de Zeus, en Pérgamo y el

desaparecido Mausoleo de Halicarnaso.

b) Teatro

Partes (escena, graderío y orchestra). Teatro de Epidauro, del siglo IV a.C.

3. LA ESCULTURA GRIEGA

3.1. Características generales

Importancia del HOMBRE. El CÁNON: belleza, número, proporción.

Materiales: piedra o mármol; bronce. Técnica criselefantina.

Escultura de bulto redondo. Relieves: adaptación al marco arquitectónico.

Escultura policromada.

Evolución: desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico.

3.2. Etapas a) Período arcaico (siglos VIII-VI a.C.)

Función religiosa.

Influencias orientalizantes.

Hieratismo, frontalidad, geometrización, sonrisa arcaica.

Progreso hacia el naturalismo.

Kurós y koré. Dama de Auxerre, El moscóforo.


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b) Período clásico (ss. V-IV a.C.)

Primer clasicismo (estilo severo): etapa de transición, se abandona la frontalidad.

Idealismo y expresión contenidas (equilibrio entre el “ethos” y “pathos”).

o Auriga de Delfos.

Plenitud del Clasicismo (segunda mitad siglo V a.C.): naturalismo e idealización.

Búsqueda de la belleza ideal. Armonía y proporción. Dominio total de la anatomía.

o Mirón (movimiento): El discóbolo.

o Policleto (búsqueda de la proporción humana): El Doríforo.

o Fidias (técnica de los paños mojados): Friso de las Panateneas.

Segundo clasicismo (siglo IV a.C.): menor majestuosidad, canon estético más

estilizado, se acentúa el naturalismo, aparece el desnudo femenino. Se busca la

belleza a través de lo diverso y expresivo.

o Praxíteles (estilo hedonista): Hermes con Dionisio niño.

o Scopas (estilo moral): Ménade furiosa.

o Lisipo (uso del canon): Apoxiomenos.

c) Período helenístico (ss. IV-I a.C.)

Realismo; sentimiento (pathos); barroquización; mayor expresividad; gusto por lo

dramático y anecdótico.

Temas variados: retrato, desnudo femenino, temas de género (personajes

humildes).

Diferentes escuelas:

o Atenas: extremo realismo. Venus de Milo.

o Pérgamo: grandes composiciones. Relieves Altar de Zeus.

o Rodas: colosalismo y movimiento. La Victoria de Samotracia, el Laocoonte

y sus hijos.

o Alejandría: alegorías. Grupo del Nilo.

arte griego 2012-13

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