arte gótico

Arte Gótico

Características del Arte Gótico Arte que sucede cronológicamente al románico. Nace ya en el siglo XII, coexistiendo con el estilo románico. En la

Isla de Francia (mediados de siglo). Difusión : hasta comienzos del siglo XVI.

Su máximo esplendor se produjo entre el siglo XIII y las primeras décadas del XVI y adoptó múltiples variantes regionales.

Origen del término: Vasari lo utiliza para el arte medieval considerado monstruoso y bárbaro (concepto peyorativo). Recién en el siglo XIX será entendido como arte digno de estudio por los románticos y en el siglo XX se reconoce su vigor expresivo, su dinamismo y nueva concepción del espacio creado creado por la verticalidad y la ligereza.

Evolución diferente: en Inglaterra enlaza con el neogótico del siglo XIX; en España es el flamígero y luego el Reyes Católicos; en Italia tiene influencias del clasicismo y termina con el Renacimiento.

Contexto histórico

Económico: aumento de la producción y comercio a larga distancia. Social: se mantienen los tres estamentos, pero en el Estado llano a

partir del siglo XIII se comienzan a diferenciar artesanos y comerciantes por su producción de la riqueza. Viven en burgos (barrios comerciales en los extramuros de la ciudad).

Político: por crisis de epidemias y guerras aparecen las monarquías autoritarias (apoyo económico de la burguesía), extinguiéndose el poder feudal y de la Iglesia.

Iglesia: el papel poderoso que tenía en lo cultural y espiritual se va transformando por reformas: cisterciense, órdenes mendicantes (franciscanos y domínicos). Se adaptan a la vida urbana y aportan religiosidad más humanizada y próxima a la naturaleza. Pierde control sobre las universidades, aunque sigue la escolástica.

Urbanismo: la ciudad es el foco de las innovaciones. Nuevos edificios civiles: ayuntamiento, palacios y casas. Edificio característico: la catedral (símbolo de poderío económico y capacidad artística).

Sociología del arte

Artistas: se agrupan en cofradías y gremios, lo que favorece el sentido colectivo y el anonimato. Sin embargo, se conocen maestros de obras, arquitectos, escultores y pintores que firman sus obras.

Clientes: Los burgueses los principales patrocinadores de obras religiosas y municipales

Arquitectura Gótica

Origen: Abad Suger en abadía de Saint Denis y San Bernardo y su orden cisterciense.

La abadía de Saint Denis es considerada el primer edificio gótico y el centro de irradiación de este estilo hacia todo el Occidente cristiano.

Los principales edificios:

Iglesias, Catedrales y Monasterios.

Edificios civiles: castillos, palacios,

ayuntamientos, lonjas.

Arquitectura Gótica

Ejemplos

CastilloCastilloLonjaLonja

PalacioPalacio CatedralCatedral

Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica

La característica más destacada de la arquitectura gótica es su verticalidad y ligereza.

Catedral tipo: Planta basilical: axialidad, aumenta número de naves

(5). Crucero va hacia el centro( gran espacio interior). Interiores: elevación extraordinaria; nave principal con

bóveda de ojiva y naves laterales con bóveda de artista.

Exteriores: chapitel cubre el crucero y fachada: exceso de expresividad y recargamiento, 3 portales, más arquivoltas y estatuas que en el románico y rosetón.


Planta Planta


Gombrich:

“Las iglesias góticas parecen una plegaria en piedra que va hacia los

cielos”

Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica: Tipos de arcos

Arco conopial Arco conopial

Arco apuntado u ojival Arco apuntado u ojival

Arco carpanel Arco carpanel

Arco apuntado:

Consta de dos segmentos de arco que forman ángulo. Tiene dos centros que pueden ser interiores, a todo punto, o exteriores. Los arcos evolucionan alargándose y en la etapa flamígera aparecen los conopiales o carpaneles.

Arco carpanel:

Se parece al rebajado pero se traza a partir de tres centros.

Arco conopial:

Tiene forma de quilla de barco invertida. Consta de cuatro centros, dos interiores y dos

exteriores.


Bóvedas Bóvedas

Bóveda de crucería (de ojiva):

Tiene arcos ojivales y es ligera (dos ojivas entrecruzadas dan lugar a cuatro plementos o entrepaños – bóveda cuatripartita).

Esto hace que el edificio gótico sea una linterna de piedra y vidrio.

Es flexible: se adapta a superficies rectangulares.

Formada por arcos formeros, fajones y nervios.

Las bóvedas transmiten las presiones:

-interior: a gruesos pilares

- exterior: arbotantes (segmentos de arco) hacia los gruesos contrafuertes rematados por pináculos, que junto a naves laterales contrarrestan los empujes.

Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica: Contrafuertes, arbotantes, pináculos.

Muros exteriores mas ligeros gracias a:

A. Nave central

B. Nave lateral

1. Pilar

2. Arco perpiaño

3. Arco formero

4. Arco crucero

5. Plementería

6. Contrafuerte

7. Arbotante

8. Pináculo

Arco peripaño: el ojival dispuesto transversalmente al eje de la nave.

Arco fomero: paralelo al eje longitudinal de la nave que sirve con la columna o el pilar para unir y separar las naves contiguas.

Plementería: el conjunto de los plementos dispuestos entre los nervios en una bóveda de crucería.

Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica: Contrafuertes, arbotantes, pináculos .

ContrafuertesContrafuertes

Contrafuerte: construcción adosada al muro a la manera de una pilastra para reforzarlo y contrarrestar los empujes de las bóvedas.

Arbotante: segmento de arco que sobrevuela el tejado de la nave lateral y que transmite el empuje lateral de la bóveda central al contrafuerte. También sirve para conducir el agua de lluvia a través del canal excavado en sus extradós hasta la gárgola. Aparece en el siglo XII en la Ille de France.

Pináculo: cima, parte superior de un edificio. En general, remate puntiagudo. En la arquitectura gótica torrecilla de forma piramidal, puntiaguda, que desempeña función estética y estructural.

Elementos fundamentales de la Arquitectura gótica

PortadasPortadas

Gablete: frontón ornamental muy puntiagudo,

generalmente calado, coronado por un festón. Situado

como remate de ventanales, pórticos o arquivoltas.

No responde a las vertientes de un tejado (como el frontón

clásico).

Elementos fundamentales de la Arquitectura gótica

PortadasPortadas

La principal es la occidental.

Flanqueda por dos torres cuadradas que a veces van rematadas en flechas.

La fachada gótica se estructura en tres calles y tres pisos:

-La zona de los portales,

-La zona del rosetón y las vidriedas,

-Las torres.

Elementos fundamentales de la Arquitectura gótica: rosetón y gablete

RosetónRosetón

GableteGablete

Rosetón: 2 significados:

1.Vano o ventana circular con tracería característica del románico y gótico.

2.Flor decorativa característica de los capiteles corintio y compuesto.


VidrierasVidrieras

El muro es liberado de su papel sustentante, convirtiéndose en un paramento que permite la apertura de grandes ventanales cerrados con tracerías y vidrieras.

Tracería: decoración hecha sobre piedra calada a base de figuras geométricas trazadas a regla y compás, especialmente la que decora las ojivas góticas de los ventanales, triforios, etc.

Vidriera: armazón o bastidor de madera o metálico con vidrios utilizado en puertas y ventanas. Vidriera emplomada es el que tiene tiras de plomo.


Fases de elaboración de la vidriera:

1.Concepción de su composición sobre madera.

2.Fabricación de los vidrios fundiendo en un horno potasa y sílice y añadiendo óxidos metálicos durante la fusión para colorearlos.

3.Recorte de los vidrios con un hierro al rojo vivo siguiendo la forma y dimensiones del patrón. A continuación se pintaban los grafismos de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes, sombras, etc. Y se introducían de nuevo en el horno a fin de que la pintura penetrase en la pasta vítrea.

4.Colocación de las piezas de vidrio en el emplomado (hecho a base de tiras de plomo – vergas-) de sección en forma de H soldadas entre sí. Los plomos constituyen un elemento esencial porque es una armazón flexible al viento y confiere belleza (se superpone al dibujo, lo subraya, lo descompone y permite mantener a cada color su propio valor, de tal manera que sin los plomos, en vez de las visiones radiantes las formas se desvanecerían y los tonos se mezclarían).


Alzados y VidrierasAlzados y Vidrieras

Portada: Catedral de León

RosetónRosetón

GableteGablete

PortadaPortada

ArbotantesArbotantes

El Espacio

- Principio básico: la verticalidad, exalta la ingravidez.

- Bóvedas impresión de liviandad.

- Paredes de la nave central no es un muro continuo sino una estructura diáfana.

- Simbolismo: poder y acercamiento a la divinidad.

- Elemento fundamental: la luz.

- Espacio gótico está transfigurado y concebido en función de la luz.

- Luz coloreada que se filtra a través de las vidrieras.

- Tiene tanta importancia como la arquitectura, amplitud espacial.

- Es una luz sobrenatural.

- Color de las vidrieras:

- Las vidrieras, arte de la luz y el color: elemento transformador del espacio, muro traslúcido de cierre del edificio.

- Completa la imagen visual de Dios-Sol, luz-color.

La concepción del espacio según Norberg-Schulz

- El espacio es espiritualizado: se logra la dematerialización (con la luz)

- En la Ig paleocristiana: reciben luz sólo superficie interior; Románico se perfora el ábside con ventanas; Gótico se vuelve en una estructura diáfana.

- Su forma es abierta. Es una totalidad viviente más que una imagen estática e inmutable.

- La catedral expresa la idea de que la Cristiandad ya no está en camino, sino que ha alcanzado su meta y siente a la Civitas Dei como un hecho consumado.

- En la arquitectura gótica Dios se acercó al hombre. Era el “espejo del mundo”(su programa iconográfico reunía las esferas celestiales y terrenales en un discurso complejo que enseñó al analfabeto la historia del mundo, santos, virtudes, dogmas, etc.

- La iluminación gótica, significa algo más que la presencia de la luz divina, implica el esclarecimiento y comprensión y se concreta en formas arquitectónicas como una estructura lógica resultante de la interacción entre la luz y el elemento materia: “materia espiritualizada”

Simbolismo

“La catedral era algo más que el foco religioso de su sociedad. Sus campanas regulaban las actividades seculares del día…la forma material de la estructura del templo simbolizaba la Iglesia espiritual… estaba considerada como metáfora del alma del hombre, y como representante del Reino de los Cielos y del Cuerpo místico de Cristo…La catedral era un símbolo ambivalente de Cristo, la celestial Jerusalén, y el universo. La magnificencia de ella…juzgábase adecuada a su función como ofrende de los fieles y morada espiritual de Cristo y de la Virgen. A través de la catedral, el hombre entendía lo invisible y lo infinito, y lo divino se hacía inminente”.

A. Elsen, Los propósitos del arte, pp. 71-74.“El rosetón, su forma circular dividida por finos rayos de piedra parecidos a los de una ruede, tiene para el cristiano de la época un significado doblemente simbólico: alude…al sol, símbolo del Cristo, y a la rosa, símbolo de María. Su función es también doble: por un lado constituye una fuente de luz y por otro aligera el espesor de la pared con una perforación fina y elegante, a menudo tan refinada como un encaje”.

Ma. C. Gozzoli, Cómo reconocer el arte gótico, p. 26.

Las Artes Plásticas en la Catedral

Clientes: Iglesia y Monarquía. También cofradías (buscan el prestigio que da una catedral a la ciudad)

Artesanos: aún no considerados artistas, pero crecen talleres, se reglamenta la carrera artesana.

Iconografía: sigue en su función pedagógica, pero cambia por una transformación en la mentalidad. Dios bondadoso en vez de justicieroIdea de salvación en vez de horror del infiernoBelleza de las figuras: idea de bondad y sabiduría.Escenas preferidas: del Nuevo Test.Santos y mártires distinguidos por sus símbolosPantócrator y tetramorfos se representa como anfitrión:

humanización del Cristo con porte aristocrático relacionado con la salvación, amor y protección.

Crucificados dolientes; Virgen Madre y apóstoles dialogantes.

Escultura Gótica.

Temática:–Religiosa–Civil o

laica.

Escultura Gótica

Mayor realismo: en rostros, vestidos, volumen, movimiento, expresividad.

GárgolasGárgolas Virgen Blanca, Catedral LeónVirgen Blanca, Catedral León

Escultura Gótica

Grandes conjuntos escultóricos: en las portadas y claustros.

Portadas: pórtico del Juicio Final, el de la Virgen o el de lossantos. En jambas: aumenta el tamaño de las figuras y toman mayor expresividad (dialogantes), liberándose del marco arquitectó-nico muchas veces.

Significado de la portada: Umbral solo debe ser flanqueado por los elegidos y en el más allá los

bienaventurados Virgen en el parteluz: mediadora entre Dios y los hombres en el Juicio

Final

Virgen Blanca de León: con el Nino en el parteluz o mainel En el dintel: relato de los condenados y bienaventurados En el tímpano: Dios justiciero En jambas: apóstoles y santos En arquivoltas: ángeles

Riqueza ornamental en el interior y exterior, más recargada.

Escultura Gótica: tímpano

Escultura Gótica: portada

Pintura Gótica: características.

El espacio ocupado por las vidrieras resta protagonismo a la pintura al fresco.

Se generalizó la pintura sobre madera, podían ser encargos de la iglesia, de un noble, o de un burgués para su domicilio particular. Tipos :

Tablas: para los altares de las iglesias o para particulares.

Retablos dípticos y trípticos. Gran importancia, portador de doctrina

- El dibujo tiene gran importancia.

- La luz contribuye a destacar el volumen, no es real sino simbólica.

- Es clave el color, también simbólico.

- Se toma en cuente el eje de simetría.

- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo

idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

- La temática religiosa, y en menor escala también la profana

- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional

Miniaturas

Beato Angelico, Convento de San Marcos de Florencia. Hacia 1417

Maestro Hugo, Biblia Bury, 1150.

Limbourg, Libros de Horas del duque de Berry, h.1480

Limbourg, Libros de Horas del duque de Berry, h.1480

Miniaturas: viveza cromática, empleo del oro, las orlas de temas vegetales y decoración historiada de las letras capiteles.

Gran expresividad.

Pintura Gótica: características.

Los personajes empiezan a abandonar la rigidez y adquieren mayor movimiento y expresividad.

Mayor interés por plasmar la realidad.

Temas: religiosos y particulares, Retratos.

Descripción detallista de la vida cotidiana: Pintura Flamenca (transición del Gótico al Renacimiento)

Del Gótico al Renacimiento en las artes plásticas

Evolución de las artes figurativas es distinta en cada región. Italia: arraigo de la tradición clásico, por lo que el gótico da paso al

Renacimiento que se define en el siglo XV. Borgoña y Flandes: Gótico pervive en arquitectura, pero por rica

burguesía se estimula un Renacimiento en artes plásticas. España, Inglaterra y Francia: se mantiene el gótico hasta el siglo

XVI. Contexto histórico: desarrollo urbano, nuevo patriciado en ciudades

italianas y Países Bajos. Su poderío económico y contacto con lujo oriental los lleva a interesarse por la historia (cultura y lenguas clásicas) y al desarrollo de lenguas romances.

Clientes y mecenas: rica burguesía. Preocupados por sus viviendas, casa del gremio, la ciudad.

Características de la mentalidad: misticismo, interés por la naturaleza, deseo de libertad y de individualismo.

En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante

escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento.

Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo

será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá

favorecida por la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

- Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.

- Desarrollo de la pintura sobre tabla

- Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.

- Introducción del retrato a través de la imagen del donante

- Valoración de la luz

- Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.

- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.

- Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.

- Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras

La escuela de los Primitivos Flamencos: siglo XV

Jan van Eyck Adoración del Cordero Místico - Altar de Gante.

Óleo sobre tabla. 1432

Joos Vyd Elisabeth Borluut

San Juan Bautista

San Juan Evangelist

a

Profeta Miqueas

Profeta Zacarías

Sibila Cumana Sibila Eritrea

Pintura Gótica

polípticopolíptico Jan van Eyck Adoración del Cordero Místico - Altar de Gante. Óleo sobre tabla. 3,50 m por 4,61 m; 1432.

Jan van Eyck Adoración del Cordero Místico - Altar de Gante. Óleo sobre tabla. 3,50 m por 4,61 m; 1432.

Pintura Gótica

Apocalipsis – Relato del Cordero Místico (cap. 5, versículos 5-7)

“Y vi en la mano derecha del que estaba sentado en el trono un libro escrito por dentro y por fuera, sellado por siete sellos.

Y vi a un ángel fuerte que pregonaba a gran voz: Quién es digno de abrir el libro y desatar sus sellos? Y ninguno ni en el cielo ni en la tierra ni debajo de la tierra, podía abrir el libro, ni aun mirarlo.

Y lloraba yo mucho, porque no se había hallado a ninguno digno de abrir el libro, ni de leerlo, ni de mirarlo. Y uno de los ancianos me dijo: No llores. He aquí que el León de la tribu de Judá, la raíz de David, ha vencido para abrir el libro y desatar sus siete sellos.

Y miré, y vi que en medio del trono y de los cuatro seres vivientes, y en medio de los ancianos, estaba en pie un Cordero como inmolado, que tenía siete cuernos, y siete ojos, los cuales son los siete espíritus de Dios enviados por toda la tierra.

Y vino, y tomó el libro de la mano derecha del que estaba sentado en el trono. Y cuando hubo tomado el libro, los cuatro seres vivientes y los veinticuatro ancianos se postraron delante del Cordero; todos tenían arpas, y copas de oro llenas de incienso, que son las oraciones de los santos; y cantaban un nuevo cántico, diciendo: Digno eres de tomar el libro y de abrir sus sellos; porque tú fuiste inmolado, y con tu sangre nos has redimido para Dios, de todo linaje y lengua y pueblo y nación; y nos has hecho para nuestro Dios reyes y sacerdotes y reinaremos sobre la tierra. Y miré, y oí la voz de muchos ángeles alrededor del trono, y de los seres vivientes, y de os ancianos; y su número era millones de millones…

Apocalipsis – Relato del Cordero Místico (cap. 5, versículos 5-7)

“Y vi en la mano derecha del que estaba sentado en el trono un libro escrito por dentro y por fuera, sellado por siete sellos.

Y vi a un ángel fuerte que pregonaba a gran voz: Quién es digno de abrir el libro y desatar sus sellos? Y ninguno ni en el cielo ni en la tierra ni debajo de la tierra, podía abrir el libro, ni aun mirarlo.

Y lloraba yo mucho, porque no se había hallado a ninguno digno de abrir el libro, ni de leerlo, ni de mirarlo. Y uno de los ancianos me dijo: No llores. He aquí que el León de la tribu de Judá, la raíz de David, ha vencido para abrir el libro y desatar sus siete sellos.

Y miré, y vi que en medio del trono y de los cuatro seres vivientes, y en medio de los ancianos, estaba en pie un Cordero como inmolado, que tenía siete cuernos, y siete ojos, los cuales son los siete espíritus de Dios enviados por toda la tierra.

Y vino, y tomó el libro de la mano derecha del que estaba sentado en el trono. Y cuando hubo tomado el libro, los cuatro seres vivientes y los veinticuatro ancianos se postraron delante del Cordero; todos tenían arpas, y copas de oro llenas de incienso, que son las oraciones de los santos; y cantaban un nuevo cántico, diciendo: Digno eres de tomar el libro y de abrir sus sellos; porque tú fuiste inmolado, y con tu sangre nos has redimido para Dios, de todo linaje y lengua y pueblo y nación; y nos has hecho para nuestro Dios reyes y sacerdotes y reinaremos sobre la tierra. Y miré, y oí la voz de muchos ángeles alrededor del trono, y de los seres vivientes, y de os ancianos; y su número era millones de millones…

Pintura Gótica

Actividad:

-Explica qué es un políptico y de cuántas tablas se compone éste.

-Identifica las figuras en esta obra, utilizando el relato. Cuéntalas, destaca los grupos; describe los elementos del paisaje; las telas, las joyas, rostros, todos los detalles.

-Analiza el eje de la composición, el reparto de masas y vacíos, los colores.

- Cómo explicas que la pintura pueda reflejar detalles con tanta minuciosidad?

Programa iconográfico de la obra:-El pecado

-La Anunciación de la salvación para la humanidad

-La Redención

Representa la teoría de los bienaventurados que se dirigen al Cordero y que la Iglesia celebra desde el siglo VI en la “Fiesta de todos los Santos” (instituida en el siglo VII por el Papa Bonifacio IV cuando ordenó trasladar al Panteón de Roma los restos enterrados en las catacumbas).

Actividad:

-Explica qué es un políptico y de cuántas tablas se compone éste.

-Identifica las figuras en esta obra, utilizando el relato. Cuéntalas, destaca los grupos; describe los elementos del paisaje; las telas, las joyas, rostros, todos los detalles.

-Analiza el eje de la composición, el reparto de masas y vacíos, los colores.

- Cómo explicas que la pintura pueda reflejar detalles con tanta minuciosidad?

Programa iconográfico de la obra:-El pecado

-La Anunciación de la salvación para la humanidad

-La Redención

Representa la teoría de los bienaventurados que se dirigen al Cordero y que la Iglesia celebra desde el siglo VI en la “Fiesta de todos los Santos” (instituida en el siglo VII por el Papa Bonifacio IV cuando ordenó trasladar al Panteón de Roma los restos enterrados en las catacumbas).

El Cordero:

-Símbolo del Verbo Encarnado.

-Mana sangre en el cáliz = redime a

la humanidad mediante su sacrificio.

14 ángeles le rodean.

La Fuente de la Vida:

-La Gracia de Dios, que mana abun-

dantemente sobre la humanidad.

Espíritu Santo:

-Alcanza con la luz de sus rayos a

todos los bienaventurados

Los bienaventurados

ApóstolesProfetasPatriarcas Papas, obispos

y diáconos

Santos mártires Vírgenes

Los bienaventurados de las tablas laterales

La Procesión de los Jueces Íntegros

La Procesión de los Caballeros de

Cristo

La Procesión de los Eremitas

La Procesión de los Peregrinos

Aspectos formal y técnico que llaman la atención en la época:

- Sus dimensiones (la pintura del momento era la de las ilustraciones en libros).

- Su compleja estructura.

- La exactitud y el detalle de lo representado, como si fuera real:- Los ropajes

- Rostros donde se perciben las arrugas (algunos son retratos de contemporáneos)

- Las miradas

- El lenguaje de las manos

- El paisaje (tiene entidad propia en el cuadro) no es convencional (hay atmósfera, distintos colores, nubes, pájaros, edificios).

- La verosimilitud y la profundidad son nuevas

- La utilización de una nueva pintura, al óleo.

Análisis plástico: el esquema compositivo- Eje central vertical (fuente, altar y Espíritu Santo)

- Simetría:- Figuras repartidas simétricamente a ambos lados. Cada grupo tiene su correspondencia

del otro lado.

- Equilibrio de masas y vacíos en el paisaje del fondo del cuadro respecto al eje central.

- Correspondencia en los praderíos, en los bosques, en los paisajes urbanos.

- Eje horizontal (altar y Cordero)- Marca la diferenciación entre lo cercano y lo lejano para el espectador.

- Primer plano: figuras de mayor tamaño, mismo número de personas ocupan más espacio. Segundo plano: menor tamaño, mismo número ocupan menos espacio. Isocefalia. Reposo. Rostros individualizan a los personajes.

- Utiliza métodos empíricos para recrear un espacio verosímil. Esta perspectiva no es correcta desde el punto de vista geométrico (sus ejes se encuentran en múltiples puntos principales) como la italiana.

- Elementos plásticos trabajados por Van Eyck: Línea y Color

Línea- Dibujo es fundamental. Es fino, minucioso, detallado.

- Lo primero que hacía era dibujar las formas sobre el fondo de yeso, luego aplica los tintes de color y luego la capas de barniz.

Color- Abandona los colores convencionales de la Edad Media.

- Selecciona y le permiten lograr la sensación de realidad, ambiente y atmósfera.

- Investiga sobre la representación de la textura superficial: la reacción de la luz ante superficies distintas. Así logra expresar el carácter peculiar de cada material: destelleo y brillo de las joyas, el bruñido del metal, el mate del terciopelo. Toque de luz sobre una perla o joya, sobre la pupila de un ojo. DOMINIO DEL COLOR Y DE LOS TOQUES DE LUZ le permiten transforma el detalle del paisaje en un verdadero microcosmos del mundo real.

Valoración estética:

- Van Eyck recrea un mundo verosímil , las Praderas del Cielo, aunque es fruto de su arte imaginativo. Da una visión de un mundo rico, refinado, brillante, tranquilo, feliz. No hay ningún detalle violento, no hay dolor.

- Muchos centros de atención: telas, joyas, rostros, libros, plantas, flores y árboles. Ese gusto por el detalle se relaciona con el origen de la pintura flamenca: la ilustración de manuscritos.

- En su elección de colores busca los más brillantes y luminosos, capta sus tonalidades, las infinitas modificaciones del color en relación con el espacio y la luz.

Contenido simbólico, función, significado:- Tema: la Redención de la humanidad y se concentra en los Bienaventurados.

El pecado del hombre hace necesaria la Encarnación y el Sacrificio; todos aquellos que son capaces de redimirse de sus pecados, por la sangre del Cordero, gozarán de la vida eterna, de la visión de Dios y podrán disfrutar del paraíso.

Todas estas visiones provienen de Juan el Evangelista quien, en su estadía en Patmos, las transmite en imágenes simbólicas en su Apocalipsis.

- El Apocalipsis: fuente documental de la iconografía cristiana medieval.

- Van Eyck utiliza un soporte distinto y realiza una representación plástica distinta del tema. No utiliza el fondo de oro, las escenas religiosas se sitúan en un espacio real que, si bien no ocurrió, tiene verosimilitud (en cuerpos, rostros, vestidos contemporáneos, expresiones, luz atmosférica). No utiliza halos, disposicion sintetizada (refuerzo de contornos lineales) ni colores planos y brillantes. Igual continua utilizando contenidos teológicos.

- Lo divino y lo sobrenatural son representados con naturaleza humana. Dota su pintura de una dimensión individualista y antropocéntrica.

Matrimonio Arnolfini, Van Eyck, 1434Óleo sobre tabla, 82 x 62 cm.Matrimonio Arnolfini, Van Eyck, 1434Óleo sobre tabla, 82 x 62 cm.

¿Cómo mirar el cuadro?

• La posición de los contrayentes, sus manos y gestos ¿qué nos dicen?

• ¿Con quién se casa Giovanni Arnolfini?

• ¿Dónde está el oficiante de la ceremonia?

• Las vestiduras, la alfombra: ¿a qué posición social pertenecen?

• ¿Por qué hay una cama en la estancia?

• Los protagonistas están descalzos: los zapatos de él están cerca del mundo exterior, los de ella al lado de la cama, ¿Qué simboliza la desnudez de sus pies y la posición en la que se encuentran los zapatos?

• La lámpara sólo tiene una vela como símbolo de la llama del amor; ¿qué otra interpretación, de carácter religioso puede dársele?

• Las naranjas, fruta que en el norte de Europa ha de ser importada del sur, representa por un lado el alto nivel económico y por otro el origen mediterráneo de los contrayentes ¿de qué país provienen éstos?

• El espejo: en una superficie total de 5´5cm, dibuja las escenas de la Pasión de Cristo, 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis y la imagen reflejada de ¿quién?

• La firma de Van Eyck sobre la cama: "Jan Van Eyck estuvo aquí". Curiosa forma de rubricar la obra y a la vez ser "testigo" del casamiento.

Pintura Gótica

Tabla Tabla Rogier van der Weyden, El Descendimiento, Museo del Prado, c. 1435. Óleo sobre tabla, 220 x 262 cm.Rogier van der Weyden, El Descendimiento, Museo del Prado, c. 1435. Óleo sobre tabla, 220 x 262 cm.

Los personajes, de izquierda a derecha son: María, esposa de Cleofás, una de las mujeres que supuestamente presenció la crucifixión de Cristo. A su lado, san Juan, cuya cara transmite la contenida gravedad del que pugna por controlar sus emociones, se agacha para consolar a María, desmayada por el sufrimiento; su postura se repite en la de María Magdalena, al otro lado del cuadro, abrumada por el dolor. A sus pies, una calavera representa a Adán, expulsado del paraíso por comer la fruta prohibida. Cristo se sacrificó para redimir al mundo del pecado original. La túnica de María está pintada de azul de ultramar, bello y raro pigmento (se hacía con un preciado lapislázuli importado de Afganistán) que determinaba el precio de los cuadros en tiempos de Van der Weyden; su tocado es blanco, el color de la inocencia y la pureza. A subrayar la recurrencia del blanco en el equilibrado cromatismo del cuadro. La postura de la Virgen repite la de Cristo muerto -la mano derecha de la Virgen remeda la izquierda de su hijo y viceversa-. Si él ha padecido un extremo dolor físico, no es menor la agonía emocional de su madre. El cuerpo de Cristo lo sostiene José de Arimatea, un hombre acaudalado que obtuvo permiso para bajarlo de la cruz y depositarlo en el sepulcro destinado para sí. El hombre que sostiene los pies de Cristo es Nicodemo, discípulo secreto de Jesús como José de Arimatea; ambos se disponen a envolver el cuerpo en un lienzo. El detalle de su capa está pintado con desapasionada objetividad. Un seguidor de Cristo porta un tarro de ungüentos. La última figura es María Magdalena, representada en actitud convulsa de inconsolable dolor. Las intensas tonalidades rojas en las mangas de María Magdalena y la túnica de San Juan, además de su valor simbólico como color de la Pasión, hacen que la vista se desplace por todo el cuadro y resalten las heridas de Cristo.

TÉCNICA: el autor utilizó la técnica del óleo, en la que los pigmentos se machacan y aglutinan con aceites vegetales (aceite de linaza y nuez). Para aportar una mayor fluidez, se pueden añadir disolventes, especialmente, esencia de trementina o aguarrás. Esta técnica permite hacer correcciones (arrepentimientos, o según los italianos, pentimentis). Para terminar la pintura al óleo, se da una capa de barniz (capa transparente de tipo resinosa) que la protege y le da brillo.

SOPORTE: se trata de varias tablas ensambladas, engatilladas, y lijadas, que dan el aspecto de una sola y que únicamente se aprecia a escasa distancia del cuadro. Las tablas fueron preparadas alisándolas y dándoles una capa de gesso (yeso y cola), que se deja secar. Luego se hace el dibujo preparatorio y se aplican los pigmentos.

TIPO DE PINCELADA Y TEXTURA: el uso del óleo permite pintar incluso con pinceles de un único pelo, los cuales permiten realizar los detalles más minuciosos, como el pelo de las barbas y de las pieles, o las lágrimas. En esta composición, tanto el dibujo como los colores son de gran importancia: el dibujo, por dar una gran definición al contorno de las figuras, y los colores, porque produce que la escena se haga aún más impactante. Todos los personajes llevan hermosos ropajes, cuyas texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, etc. Es también una característica propia del arte flamenco ésta de resaltar la calidad de las materias que aparecen, ya que indica el poder de quien encarga la pintura.

LUZ: da la impresión de ser luz artificial por el color dorado del fondo.

COLOR: el autor utilizó varias gamas de colores. Todo el fondo está recubierto por riquísimas láminas de pan de oro (influencia gótica), que además de un símbolo de riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra cosa que no sea la escena. La túnica de San Juan, está pintada de color carmesí, la de la Virgen, de color azul lapislázuli (esto indica que el cuadro costó caro a quienes lo encargaron, puesto que se utilizaba esta piedra semi-preciosa para conseguir ese color); M. Magdalena y una de las “Marías” (la más joven) están vestidas en tonos verdes (también a base de machacar piedras semi-preciosas); Nicodemo, en tonos marrones y ocres; y el ángel, en azul pálido. El color blanco aparece en varios personajes (en una de las “Marías”, en el tocado de la Virgen, en la cabeza de M. Magdalena, y en el paño de pureza de Cristo). Se consigue fácilmente, puesto que únicamente tienen que dar unas pocas pinceladas para que tome brillo, porque la base ya es blanca debido al gesso. Además de todo esto, el color acentúa el efecto de sentimientos exaltados por la pasión y muerte de Cristo, que en definitiva, es el objetivo que el autor persigue con el cuadro, que los devotos y no devotos sientan la emoción de la escena.

Bibliografía:

• ALONSO IGLESIAS, L. et. atlri: Trabajos Prácticos de Arte. Una visión integradora, Del Renacimiento al Postimpresionismo, Libro del Profesor, Ed. Akal, Madrid, 1994.

• ELSEN, A.E.: Los propósitos del Arte, Ed. Aguilar, Madrid, 1971.

• GOMBRICH, E.H.: Historia del Arte, Ed. Alianza Forma, Madrid, 1987.

• JESTAZ, B.: El Arte del Renacimiento

• ROMANO, R. TENENTI, A.: Los Fundamentos del Mundo Moderno, Ed. Siglo XXI, Madrid, 1972.

Sitios de Internet:

http://educartecc.blogspot.com/2010/12/el-matrimonio-arnolfini.html

http://www.avizora.com/publicaciones/pintura_y_escultura/textos/0043_descendimiento_cruz_van_der_weyden.htm

arte gótico

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