arte barroco

Historia del Arte: (2º Bachillerato). Arte Barroco.

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● Arquitectura barroca italiana: Bernini y Borromini.

● Escultura barroca italiana: Bernini.

● Escultura barroca en España: Gregorio Fernández, Martínez Montañés, Alonso Cano, Salzillo.

● La pintura barroca en Italia: Caravaggio.

● La pintura flamenca y holandesa: Rubens y Rembrandt

● La pintura barroca española: Ribera, Zurbarán, Velázquez, Murillo, Valdés Leal

Arte Barroco

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Arquitectura Barroca: características generales (I).




Arquitectura Barroca: características generales (II).




Arquitectura Barroca: principales obras y autores.




● Origen: Italia, siglo XVII (Papado de Sixto V y Pablo V).

● Objetivo: manifestar la grandeza de la Iglesia por medio de las artes figurativas y con monumentos impresionantes.

● El término despectivo (barroco, barrueco). Significado = arte que no respete reglas y proporciones, arte desmesurado, desmedido.

● Arte que insiste en el papel de la fe sobre los fieles:

– Principal cliente = la Iglesia (Italia); la Monarquía (Francia)...

– Tendencia a la escenografía, teatralidad y efectismo

– Interés por representar la tensión dramática (escultura), perspectiva aérea (pintura), urbanismo escenográfico (arquitectura)

– La búsqueda del movimiento se consigue en:

● La arquitectura a través de las fachadas ondulantes, columnas salomónicas...

● Las artes plásticas (pintura y escultura), a través de temas dramáticos, juegos de luces y sombras

San Pedro del Vaticano (vista aérea)

Arte Barroco: concepto y características.




● Italia, centro artístico principal.

● Tipología de edificios: iglesias y palacios.

● Interés en las obras urbanísticas que se llevan a cabo para la ordenación de las ciudades.

● Rasgos generales de la arquitectura:

– Plantas: elípticas, ovales...).

– Mezcla de planes (central y longitudinal)

– Columnas de orden gigante, que ocupan varios pisos.

– Alternan partes rectas y curvas (entrantes y salientes), paredes cóncavas y convexas...

– Elementos decorativos: volutas, frontones y entablamentos partidos, columnas salomónicas.

San Carlos de las Cuatro Fuentes (BORROMINI)

Arquitectura barroca italiana.




● Arquitectura de carácter religioso preferentemente.

● Roma como principal centro artístico.

● Principales arquitectos italianos: Carlo MADERNA, Gian Lorenzo BERNINI, Francesco BORROMINI.

● Trabajó para el Papa Pablo V

● Terminó la catedral de San Pedro del Vaticano (1607-1612):

– Transformó la planta central en plan basilical (ampliación por los pies).

– Amplió la fachada de forma horizontal y ocultó las capillas laterales y las 3 naves.

– Utilizó el orden gigante en las columnas; nichos de gran tamaño; ventanas rectilíneas y curvilíneas y frontón central y ático coronado por estatuas.

Italia: Bernini y Borromini.

Carlo MADERNA




Fachada de San Pedro del Vaticano (MADERNA)




● Genio del siglo XVII.

● Artista polifacético (arquitecto, escultor y pintor).

● Su estilo se caracteriza por la grandeza y monumentalidad, rica ornamentación, superposición de órdenes en las fachadas.

● Sus iglesias son de planta central, preferentemente (cruz griega, circular y ovalada).

● En las fachadas utiliza pórticos de columnas coronadas por un frontón.

Baldaquino de San Pedro del Vaticano.

● Encargado por Urbano VIII y situado en el crucero de la basílica.

● Mezcla arquitectura, escultura y pintura.

● Altar de bronce, sostenido por 4 columnas gigantes (salomónicas), torneadas en espiral y rematadas por un capitel compuesto. Encima dispone un entablamento curvado, coronado por un dosel con ángeles y volutas que se reúnen en el centro para sostener el globo terráqueo y la cruz.

G. Lorenzo BERNINI




Columnata de la plaza de San Pedro del Vaticano (BERNINI)




San Andrés del Quirinal (BERNINI): exterior, interior, planta y cúpula.




● Arquitecto, colaborador y competidor con Bernini.

● Estilo es pura fantasía y movimiento.

● Inventa elementos arquitectónicos = capiteles con volutas al revés; entablamentos y cornisas onduladas; muros cóncavos-convexos (curvas y contracurvas).

● Convierte elementos decorativos (querubines alados, coronas de laurel...) en estructurales

● Principales obras:

– San Ivo de la Sapiencia.

– Santa Inés (plaza Nabona).

– San Carlos de las Cuatro Fuentes.

● Planta ovalada, con curvaturas convexas en sus extremos.

● Cúpula ovalada sobre pechinas.

● Fachada muy dinámica con movimiento ondulante (tramos cóncavos y convexos).

● Combina 2 órdenes: pequeño y gigante.

● Como remate se sustituye el frontón por un medallón ovalado sostenidos por ángeles.

Francesco BORROMINI.




San Carlos de las Cuatro Fuentes (BORROMINI)




San Ivo de la Sabiduría Santa Inés (Piazza Navona)




Basílica de la Superga (Turín)

Filippo Juvara




● Arquitecto de Luís XIV.

● Palacio de Versalles:

– Remodeló el palacio, antigua residencia de caza de Luís XIII.

– Galería de los Espejos (rica decoración a base de espejos, pilastras de mármol rojo, bóveda cañón, estucos y pinturas...).

– fachada del Jardín (3 plantas, almohadillado; ventanas de medio punto y pilastras; ventanas cuadradas; trofeos y armaduras como elementos decorativos en la parte superior).

J. Hardouin Mansart




Arquitectura barroca España.




Hospicio de San Fernando (Pedro de RIBERA)




Retablo Convento de San Esteban(José Benito Churriguera). Salamanca.




Fachada del ObradoiroCatedral Santiago de CompostelaFernando de Casas Novoa.




Palacio Real de Madrid (G. B. Sacchetti)




Cárcel de la Corte (Madrid).Palacio de Santa Cruz.Juan Gómez de Mora.Actual Ministerio Asuntos Exteriores.




Palacio del Buen Retiro (Madrid)Alonso de Carbonell.




Palacio ducal de Lerma (Francisco de Mora).




Fachada de la catedral de GranadaAlonso Cano.




Clerecía de Salamanca.Colegio Real de la Cª de Jesús.Juan Gómez de Mora




Plaza Mayor de Salamanca.Alberto de Churriguera.




● Roma, principal centro de creación de formas barrocas.

● Bernini, y su obra, representan el máximo esplendor.

● Idea fundamental: expresar las pasiones del alma.

● Temática:

– Religiosa (propagandística de la fe católica).

– El hombre como héroe (escultura funeraria y ecuestres).

– Alegóricos y mitológicos (fuentes y jardines).

● Preocupación por la representación del movimiento, la acción del cuerpo, por eso encontramos paños que flotan en el aire, composiciones en aspa y una gesticulación de brazos y manos.

● La escena se fija en el momento de mayor tensión y dramatismo.

● Predilección por la figura serpentinata (cuerpo humano captado mientras realiza un movimiento en espiral).

● Violentos juegos de luces y sombras (ropajes, cabellos...)

● Naturalismo.

● Materiales: bronce y mármol (trabajados en busca de calidad y textura).

2. La escultura barroca: características.




● Representación de Santa Cecilia, según fue encontrado su cuerpo después de haber sido decapitada.

● La perfección del trabajo se aprecia en el mármol tallado a imitación de la tela, y en la suavidad que transmite la figura

Stefano Maderno

Santa Cecilia in Trastevere (ROMA). Stefano MADERNO

2. La escultura barroca: escuelas y autores.




● Arquitecto y escultor.

● Influencias: cinquecento y clasicismo italiano.

● Tipología de esculturas: grupos, tumbas, fuentes, monumentos ecuestres...

● Sus obras: movimiento, fuerza expresiva y la adaptación a los temas mitológicos y religiosos.

Apolo y Dafne

● Grupo escultórico realizado en mármol blanco.

● Representa un tema mitológico, el momento en el que Apolo trata de alcanzar a la ninfa Dafne, y esta se convierte en laurel. El dios Apolo amaba a Dafne con una gran pasión pero la ninfa no le correspondía. En una ocasión Apolo perseguía a Dafne y ésta huía. Cuando el dios estaba a punto de alcanzarla, la joven dirigió una plegaria a Zeus, suplicándole que la metamorfoseara para poder escapar.. Su petición fue escuchada y concedida, y al momento la joven comenzó a transformarse en un laurel.

● Composición: destaca por la tensión y el dramatismo de la escena, la ninfa que se metamorfosea, el dios Apolo que está a punto de alcanzarla. Predominio de la línea serpentinata.

Gian Lorenzo BERNINI.




El David

● Mármol (1,70 mt)

● Estilo: Barroco (siglo XVII)

● Tema: David, pastor israelita, en el momento justo que lanza su honda para derribar a su adversario, Goliat.

● Fue concebida para ser colocada ante una pared, de manera que un punto de vista único permitiera percibir la máxima intensidad y violencia de movimiento al contemplarla.

● Contraposición entre pierna, cuerpo, cuello y giro de cabeza.

● Tensión previa a la acción inminente.

● Rostro: compendio de acción y tensión, labios contraídos, músculos rígidos, fosas nasales hinchadas, ceño fruncido.

● Contrasta con el David de Miguel Ángel (clásico, contenido y meditabundo) al proponer la acción en desarrollo.

● Composición adaptada al esquema de línea serpentinata.




Éxtasis de Santa Teresa

● Material: mármol (3,5 mt)

● Estilo: Barroco (siglo XVII)

● Tema: Santa Teresa en trance, espera que el ángel de enigmática sonrisa (entre maliciosa y beatífica) traspase de nuevo su corazón con la lanza del fuego divino.

● Composición: Representación de la santa desmayada,sobre una nube, con la cabeza caída, ojos cerrados, boca entreabierta en un quejido inaudible.

● La escena está iluminada a través de una ventana de cristal amarillo, oculta, que contribuye a crear la ilusión de que el sol se materializa a través del haz de rayos dorados que envuelve a los personajes.

En una noche oscura, con ansias en amores inflamada¡oh dichosa ventura!salí sin ser notada,estando ya mi casa sosegada.

(…) ¡Oh noche que juntaste! amada con amadoamada en el amado transformada!

(San Juan de la Cruz)




● Plástica que responde al espíritu de la Contrarreforma.

● Son imágenes que muestran el sufrimiento del hombre.

● Dos focos:

– Castellano: Valladolid.

– Andaluz: Sevilla y Granada.

● Características:

– Predomina la temática religiosa, aunque también encontramos representaciones profanas (para público cortesano).

– Clientes: Iglesia, cofradías, gremios y la propia Corte.

– Tipos: retablos, imágenes individuales y grupos procesionales.

– Materiales: madera policromada.

– Técnica: estofado.

2.1 La escultura barroca en España. (*)




● Escuela Vallisoletana.

● Autor de retablos, imágenes sueltas y pasos procesionales.

● Trabaja la madera (pino castellano).

● Concede especial importancia al tratamiento anatómico de sus personajes.

● Naturalismo: simula tejidos, músculos, venas, carne...

● Realismo muy exagerado en los rostros y extremidades.

● Figuras vestidas con telas duras y quebradas, que recuerdan el cartón y simulan efectos de claroscuro.

● El efecto doloroso, patético y escénico de sus tallas.

Gregorio Fernández.

Cristo muerto (G. FERNÁNDEZ)




● Escuela andaluza.

● Artista polifacetico: arquitecto, escultor y pintor.

● Amplia producción: retablos, figuras aisladas...

● Es el escultor de la serenidad y el clasicismo, que entronca con la escultura renacentista.

● Creador de tipos: Crucificados, Inmaculadas y Niño Jesús.

Cristo de la Clemencia (catedral Sevilla):

● Representación de Cristo crucificado vivo, de bello y sereno rostro.

● Impresiona, pero sin llegar al dramatismo.

● Prototipo andaluz de Cristo en la cruz.

J. Martínez Montañés.




● Escuela andaluza: Granada.

● Artista polifacético: arquitecto, escultor, pintor.

● Se formó en el taller de Martínez Montañés; trabajó en Sevilla, Madrid y Granada.

● Estilo:

– Belleza idealizada.

– Crea tipos: “Inmaculadas”

– Adolescentes, dulces y bellas.

● Composición: suave giro de la cabeza, disposición lateral de las manos, recogido del manto a la altura de los pies.

● Inmaculada del Facistol (catedral de Granada).

Alonso Cano.




● Escuela granadina.

● Amplia producción: Magdalenas, Ecce Homo, Dolorosas...

● Estilo:

– Patetismo de las figuras, que muestran sus expresiones interiores.

– Su producción está integrada por imágenes aisladas, que repitió de manera considerable, por lo que definió una iconografía devocional de gran estilo.

La Magdalena penitente

● Representación de María Magdalena, penitente, arrepentida de su pasado como pecadora, que fija la mirada en la cruz, símbolo de la muerte de Cristo y de la redención de la Humanidad.

● Talla, realizada en madera (1,65 mt).

● Composición: escultura que trata de comunicarnos el fervor religioso mediante gestos muy meditados: mano derecha sobre el pecho; izquierda que sostiene el crucifijo con fuerza; cuerpo inclinado hacia la cruz, tratando de pedir auxilio; pies descalzos y rústica túnica.

Pedro de Mena




● Reacciona contra el manierismo y sus principios (distorsión, asimetría, intenso colorido).


– Introduce el realismo y la teatralidad.

– Hay un interés por representar los sentimientos, los temperamentos y el dolor.

– Tenebrismo: interés por la luz y sus contrastes de luces y sombras.

– Dominio de la perspectiva aérea, se intenta representar la atmósfera que envuelve a los objetos.

– Técnica: óleo sobre lienzo (también tabla) y fresco para bóvedas.

– Temática: religiosa y profana (mitológica, alegórica, bodegones...).

● Tendencias:

– Realismo = Caravaggio

– Clasicismo = Los Carracci

3. La pintura barroca.




● Técnica:

● Óleo sobre lienzo

● Utiliza una luz artificial, intencionada, que cae deliberadamente sobre el objeto representado

● Sus obras presentan acusados contrastes de luces y sombras

● Sus personajes son reales, sacados de la vida diaria

● Temas: dramáticos y violentos; rechaza la pintura clásica al considerarla alejada de la realidad; su obra es realismo y verdad.

● Precursor del tenebrismo, sitúa un único foco de luz fuera del cuadro, y concentra el interés lumínico en aquello que más le interesa.

● Principales obras:

– La vocación de San Mateo

– Tránsito o muerte de María

– El entierro de Cristo

Italia: el realismo de Caravaggio.




La vocación de San Mateo


● Tema: Jesús señala a Mateo, el cual se pregunta si es a él al que llama

● Composición: La escena presenta siete figuras, que han de organizarse en un espacio reducido, sobre un fondo de oscuridad. Así, tras la figura de Cristo, que acaba de penetrar en la taberna, brilla un potente foco de luz. La luz ha entrado con Cristo y cruza el espacio diagonalmente para ir a buscar a la sorprendida figura de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo dudando que sea a él a quien busca. Un compañero de Mateo, vestido como un caballero fanfarrón de la Roma que conocía tan bien Caravaggio, se obstina en no ver la llamada y cuenta con afán las monedas que acaban de recaudar.

Caravaggio.




La crucifixión de San Pedro (CARAVAGGIO)

● San Pedro fue martirizado mediante la crucifixión, pero el apóstol solicitó a sus verdugos que no le dieran martirio de la misma manera que a Cristo, puesto que no creía merecer ese honor. Es por ello que los verdugos le han crucificado al revés. Los tres esbirros están enfrascados en su tarea, con un absoluto desapasionamiento. Todas son figuras despersonalizadas, cuyo rostro ni siquiera podemos ver. Con gran crudeza, Caravaggio pinta los sucios pies descalzos de uno de ellos. San Pedro, sereno, anciano, mira hacia algún objeto situado fuera del marco del lienzo.




El tránsito o muerte de Maria (CARAVAGGIO)


● Tema: la Virgen acaba de morir; Magdalena solloza junto a ella y los apóstoles inclinan sus cabezas mostrando abiertamente su dolor y su respeto

● Composición: La obra fue la más escandalosa de la carrera de Caravaggio. Se consideró que el tratamiento de la divina figura de la Virgen era poco menos que herético por su falta de respeto. El rechazo de los religiosos ante la pintura, pues se decía que Caravaggio había tomado como modelo el cadáver de una mujer ahogada en el Tíber (lo cual podía ser consecuencia de un suicidio, un terrible pecado como para servir de modelo a la Virgen). Caravaggio pintó una mujer desmadejada, con el cabello desordenado, el vientre hinchado, las piernas descubiertas sin pudor y la piel verdosa, sin el aura celestial que se atribuía a las figuras sagradas. A su alrededor, los discípulos se agrupan en corrillos informales llorando y comentando la muerte de la Madre de Cristo. Magdalena llora desconsoladamente con el rostro entre las manos.




● Agostino, Annibale y Ludovico. Pertenecen a la denominada escuela de Bolonia.

● Influencia de la pintura renacentista; Composiciones ordenadas; Reaccionan contra el Manierismo y las formas caprichosas

● Annibale Carraci = pintor más sobresaliente; Influencia de Miguel Ángel, Tiziano, Rafael, Veronés; Su obra destaca por el rico colorido y la elegancia compositiva; Temas: religiosos y mitológicos

La huida a Egipto

El clasicismo: Los Carracci.




● Contexto histórico (siglo XVII):

– Enfrentamiento entre católicos y protestantes.

– Auge comercial de los Países Bajos.

– Escisión: Holanda (protestante) y Flandes (Católica).

● Principales clientes: la aristocracia y la Iglesia

● Temática:

– Religiosa.

– Profana.

– Mitológica.

– Retrato.

● Principales representantes:

– RUBENS.

– VAN DYCK.

– JORDAENS.

Pintura barroca: la escuela de Flandes.




● Principal representante de la escuela flamenca.

● Biografía:

– Vivió y trabajó en Italia, por lo que recibió influencias de los grandes maestros del Renacimiento y Barroco: Tiziano, Tintoretto, Veronés, Rafael, Caravaggio, Caracci.

– Su labor de diplomático le llevó a viajar por España, conoció a Velázquez.

● Estilo:

– Obras repletas de dinamismo y vitalidad.

– Composiciones abiertas y en diagonal.

– Gran riqueza cromática (colores cálidos). Influencia pintura veneciana (Tiziano, Tintoretto).

– Pincelada suelta y deshecha.

– Obras de carácter sensual; siente pasión por los desnudos femeninos.

– Temas: religioso, mitológico, retratos y paisajes.

– Composiciones de gran tamaño.

– Retratista: destaca la psicología del retratado sin descuidar su aspecto.

● Obras: La adoración de los Magos, Las tres Gracias, El juicio de Paris,

Elena Fourment (esposa de RUBENS)

Peter Paulus Rubens




Las tres Gracias (RUBENS)

● Óleo sobre tabla (Museo del Prado).

● Tema: las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza.

● Composición: El asunto y la manera de tratarlo se remontan al arte clásico renacentista. Rubens representa a las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, dando así nueva unidad al grupo. También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. El fuerte foco de luz resalta el colorido de las muchachas, en cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las dos esposas del pintor.




El juicio de Paris (RUBENS)




Retrato del rey Carlos I de Inglaterra (VAN DYCK).

El rey bebe (Jacobs JORDAENS)

Van Dyck Jacob Jordaens




● Siglo XVII: separación de los Países Bajos.

● Desarrollo de una pintura con características propias.

● Clientela: burguesía comercial.

● Cuadros de pequeño tamaño.

● Temas:

– Retratos individuales o colectivos.

– Escenas costumbristas y domésticas.

– Paisajes.

– Bodegones.

– Temas religiosos y mitológicos.

● Principales representantes:

– Rembrant.

– Frans Hals.

– Vermeer.

Pintura barroca: la escuela de Holanda.




● Pertenece a la escuela holandesa.

● Amplia producción (+ 60 autorretratos).

● Su pintura evoluciona en función de su carácter.

● Estilo:

– Influencia de Caravaggio (realismo y tratamiento de la luz).

– Contrastes de luces y sombras que definen el tema.

– Pincelada apretada, que evoluciona hacia la pincelada suelta y pastosa.

– Cultivo todos los géneros: religiosos, retratos, paisajes, mitológicos.

● Obras:

– Lección de anatomía.

– Noche de ronda.

– Los síndicos de los pañeros.

Rembrandt van Rijn




Lección de anatomía del doctor Tulp

● Óleo sobre lienzo.

● Tema: retrato de grupo encargado por el doctor Nicolaes Tulp, en el que aparece representada una lección pública de anatomía.

● Composición: vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección, destacando el realismo de las figuras a través de sus expresiones: sorpresa, entusiasmo, atención... Las miradas de cada una de las figuras hablan por sí solas y hacen que el espectador se sienta protagonista también de la escena y se integre en la lección, ampliando así el aula de Tulp a la sala donde se expone el cuadro. El pintor está interesado en los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio, según indicaba la teoría tenebrista que trabajaba por estas fechas. Los detalles de los cuellos y los ropajes o los libros demuestran la altísima calidad del artista.




Noche de ronda (REMBRANDT)


● Tema: obra que representa la milicia del capitán Frans Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez.

● Composición: se trata de un retrato en grupo. Tras las dos figuras principales aparecen los integrantes de la Compañía. La escena se desarrolla al aire libre, pero no es de noche como reza el título sino que se oscureció con el paso del tiempo y por eso tiene en la actualidad ese aspecto nocturno. Llama la atención el realismo con el que está pintada la escena, captando a la perfección los rostros y las actitudes de todos los personajes, en una sensación de movimiento y de vida muy difícil de superar. Los juegos de luz y sombra recuerdan la influencia del tenebrismo de Caravaggio. El pintor está en estos momentos muy interesado en destacar los detalles, como observamos en la banda roja del capitán, la casaca del alférez o el vestido de la niña que aparece al fondo.




● Retratista

● Obra:

– Retratos individuales y colectivos.

– Predomina la familiaridad, alegría y vivacidad.

– El alegre bebedor.

– La gitana.

Frans Hals.




● Pintor de escenas de interior plácidas y serenas.

● Cuadros muy reales, con pocos personajes, que realizan labores cotidianas.

● Luz clara y diáfana, que penetra siempre por un lateral (ventana).

● Rico cromatismo.

● La lechera.

● El geógrafo.

● Vista de Delf.

Johanes Vermeer.




● Siglo XVII: Siglo de Oro.

● Rasgos:

– Pintura fundamentalmente religiosa.

– Clientes: Iglesia y Monarquía.

– Temas: religiosos, retratos, bodegones y mitológicos.

– Principal característica: realismo y religiosidad.

● Escuelas:

– Valencia: Jose de Ribera “El españoleto”.

– Andalucía: Alonso Cano, Bartolomé Esteban Murillo, Juan de Valdés Leal.

– Madrid: Diego de Velázquez.

Pintura barroca española.




● Ribera conocido como el “el Españoleto”.

● Pintor de origen valenciano.

● Viajó por Italia y se instaló en Nápoles.

● Producción: cuadros religiosos y mitológicos.

● Estilo:

– Influencia de Caravaggio (tenebrismo).

– Su obra evoluciona con el tiempo, hacia una mayor luminosidad y cromatismo.

– Pincelada pastosa que genera superficies ásperas.

– Personajes habituales en sus cuadros: pobres, mendigos, locos y deformes.

● Obras:

– Martirio de San Felipe.

– La mujer barbuda.

– El patizambo. El patizambo (RIBERA)

José de Ribera




Martirio de San Felipe (RIBERA)

● Óleo sobre lienzo (Museo del Prado).

● Tema: San Felipe fue crucificado cuando predicaba. Sus manos fueron amarradas al travesaño de la cruz, que se convierte en su atributo habitual. El Martirio de San Felipe pudo ser pintado por Ribera para el rey Felipe IV. Durante mucho tiempo ha sido catalogado como el Martirio de San Bartolomé, a pesar de no aparecer el atributo del santo, el cuchillo con el que fue desollado.

● La composición está dominada por diagonales y violentos escorzos. La figura del santo ha sido realizada con gran realismo, marca su caja torácica al elevar los brazos y poner una suave resistencia al martirio. La escena se desarrolla al aire libre, las figuras reciben la luz del sol, que en el caso de las mujeres de la zona izquierda desdibuja los contornos, dando sensación de atmósfera, como más tarde harán los impresionistas.

La Piedad (J. De RIBERA).




La barbuda de los Abruzos (RIBERA)

● Conocida escena que refleja una enfermedad hoy curable pero en aquellos tiempos no. Ribera se fijó en un caso real. A la señora representada, al tener su cuarto hijo, le cambió su metabolismo y le salió barba. Así la escena no tiene desperdicio: marido y mujer con barbas pobladas, y ésta última con un seno descubierto dando de mamar a su último retoño.

● Como en todo cuadro barroco hay un fuerte contraste de colores vivos y una exagerada luz artificial destacando los personajes mientras el fondo presenta un negro profundo.

El sueño de Jacob.




● Pintor extremeño (Fuente de Cantos, BADAJOZ).

● Principal representante de la pintura devocional barroca española.

● Pertenece a la escuela andaluza, trabajó fundamentalmente en Sevila.

● Estilo:

– Sencillez en el tratamiento de escenas y figuras.

– Volúmenes simples, sin escorzos.

– Composiciones de disposición sencilla

– Dominan las series monacales.

● Temática: religiosa (series monacales), y profana (bodegones).

● Obras:

– San Hugo visitando el refectorio.

– Funeral de San Buenaventura.

– Bodegón.

Francisco de Zurbarán




Bodegón (ZURBARÁN)




San Hugo en el Refectorio (ZURBARÁN).




La aparición de San Pedro al padre Nolasco (ZURBARÁN)




Funeral de San Buenaventura (F. ZURBARÁN)




Niños comiendo uva y melón


● Tema: dos muchachos vestidos con harapos y descalzos comen uva y melón despreocupados de su pobre condición.

● Composición: fondo oscuro y poco elaborado. Se trata de un modelo de cuadro repetido constantemente, niños humildes que sobreviven en medio de la adversidad, ambos sentados.

Bartolomé E. Murillo




El buen Pastor (MURILLO)


● Tema: representación infantil de Jesucristo como buen pastor ( "el buen pastor que da la vida por sus ovejas").

● Composición: en este lienzo de Murillo luce como en ningún otro el estilo vaporoso y tierno que le hizo famoso. Con mucha frecuencia representaba a los santos como niños, acentuando con la ternura el acercamiento devoto de los fieles. Así, el niño lleva en su mano derecha la vara con la que los pastores organizan y dirigen el rebaño, y apoya la izquierda en el lomo de una oveja.




La Sagrada Familia del pajarito (MURILLO).




Adoración de los pastores (MURILLO).




● Pintor sevillano

● Estilo: muestra más interés por la expresión que por la belleza. Utilizó la pincelada amplia, suelta, de rápida ejecución.

Las Postrimerías:

● Hospital de La Caridad (Sevilla). Se denominan los "Jeroglíficos de las Postrimerias" y en ambas obras se hace una referencia al dilema de conseguir la salvación o la condenación eterna.

● In Ictu Óculi: “En un abrir y cerrar de ojos”, avisa de la llegada de la inesperada muerte, que obliga al hombre a abandonar sus glorias, para lo cual el pintor utiliza la llama de la vida, elevándose sobre diversos objetos que simbolizan los poderes humanos.

● Finis Gloris Mundi: plasma la visión de una cripta de cadáveres corroídos y un obispo y un caballero que esperan el juicio final, representado por una balanza que sostiene la mano llagada de Cristo.

El sacrificio de Isaac (VALDÉS LEAL)

Juan de Valdés Leal




Finis Gloris Mundi (VALDÉS LEAL)In ictu oculi (VALDÉS LEAL)




● Escuela madrileña

● Evolución estilo:

– Etapa sevillana (1617-1623)

– Primera etapa cortesana (1623-1629)

– Primer viaje a Italia (1629-1631)

– Segunda etapa cortesana (1631- 1635)

– Segundo viaje a Italia (1649-1651)

– Última etapa cortesana (1651-1660)

Diego de Silva y Velázquez.




Etapa sevillanaAdoración de los Magos (VELÁZQUEZ)


● Tema: Adoración de los Magos de Oriente al niño Jesús recién nacido. En esencia se trata de un retrato de la familia de Velázquez.

● Composición: sobre un fondo crepuscular los personajes de la historia sagrada parecen ser retratos de la familia del pintor. Podemos identificar a Velázquez con Gaspar, a Melchor (el más anciano) con su suegro, Francisco Pacheco, a la Virgen con su mujer, y al niño con su hija recién nacida, Francisca.




Vieja friendo huevos (VELÁZQUEZ)


● Tema: representación de una escena de interior, donde una mujer fríe huevos en presencia de un niño.

● Composición: el hiperrealismo es casi fotográfico, Velázquez se esmera porque los objetos destaquen sobremanera en un ejemplo de bodegón donde aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas, morteros, jarras, destacando el brillo especial del cristal o la influencia de la luz en el melón que porta el muchacho. Parece, incluso, que el aceite donde se fríen los huevos está hirviendo y que realmente está saltando delante de nuestros ojos. Si observamos por un momento las manos de la vieja que fríe los huevos nos daremos cuenta de que el artista ha trabajado en ellas con esmero, lo mismo sucede con las manos del chico que la acompaña en el sala sujetando el melón o apretando la vasija de cristal.




El aguador de Sevilla (VELÁZQUEZ)


● Tema: un aguador que reparte el preciado líquido a un joven y a un niño.

● Composición: mantiene la técnica del claroscuro, iluminando una zona del cuadro con un foco de luz desde la parte izquierda y oscureciendo el resto del lienzo. Destaca sobremanera la calidad de los objetos representados en el cuadro, el tratamiento que Velázquez hace del cristal o de la cerámica son magnificos, así como el detallismo hiperrealista que se puede observar en la obra, por ejemplo en las gotas de agua que resbalan por el cántaro. Todo ello pintando personajes populares. El cuadro puede representar una alegoría de las tres edades del hombre, el aguador, un anciano, ofrece una copa con agua a un chico joven, esa copa representa el conocimiento, mientras tanto al fondo de la escena, un mozo aparece bebiendo como si estuviera adquiriendo los conocimientos.




Primera etapa cortesana

● En 1623, VELÁZQUEZ es nombrado retratista de cámara para el rey Felipe IV.

● Su obra se centra sobre todo en representar personajes de la corte madrileña.


– Exaltación de la monarquía absoluta, imagen bella y gradable del rey (según filosofía neoplatónica la belleza física = belleza interior)

– Representaciones muy austeras, pobres en objetos decorativos y mobiliario. Trata de captar la atención sobre la persona representada

– Retratos psicológicos, centrados en la representación del carácter y personalidad

– Influencia de Rubens y Tiziano

● Obras:

– Retrato de Felipe IV de pie

– Los borrachos




Los borrachos (VELÁZQUEZ).




Primer viaje a Italia

Mediodia, Villa Medici (VELÁZQUEZ) Atardecer, Villa Medici (VELÁZQUEZ)




La fragua de Vulcano (VELÁZQUEZ)

● Óleo sobre lienzo (223 x 290 cm)

● Tema: inspirado en la Metamorfosis de Ovidio (Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para informarle de la infidelidad de su esposa, Venus, con Marte. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada).

● Composición: Apolo se ve envuelto en un manto que deja al descubierto su torso desnudo.Vulcano, en este caso, es simplemente un herrero, al igual que los cíclopes que le ayudan, que son hombres del pueblo que conocen el oficio. Vulcano le contempla con ojos atónitos después de haber escuchado la mala noticia sobre el adulterio de su esposa con Marte a quien le estaba forjando en esos momentos una armadura. Con la maestría que le caracteriza, pinta además una serie de variados artefactos propios de una fragua. En esta pintura Velázquez inició sus ensayos de perspectiva aérea con la figura que hay al fondo y que contrasta con la otra figura que está de espaldas en primer término. El fuego de la fragua proporciona luz y sombras mientras que el halo de Apolo hace que entre claridad por la izquierda.




Segunda etapa cortesana ● 1631-1649

● Caraterísticas:

– Auge retratos cortesanos, y del género ecuestre

– Cambios en las relaciones personajes-fondos

– Pincelada más fluida

– Composiciones más dinámicas, forma aspa

● Principales obras

– Retrato ecuestre príncipe Baltasar Carlos

– Retrato ecuestre del conde-duque Olivares

– Retrato ecuestre de Felipe IV

– Las Lanzas

– La Venus del Espejo

Retrato del príncipe Baltasar Carlos (VELÁZQUEZ)




Retrato ecuestre del Príncipe Baltasar Carlos.

● Óleo sobre lienzo (museo del Prado)

● Tema: retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos, hijo de Felipe IV.

● Composición: el príncipe aparenta en este retrato unos 5 o 6 años. Está erguido sobre su silla, en una actitud de nobleza; en la mano derecha lleva la bengala propia de general, que se le concede por su rango de príncipe real. Viste un jubón tejido de oro, un calzón verde oscuro, botas de ante, sombrero negro con una pluma. De la figura del niño lo más destacable es la cabeza; los críticos sostienen que esta cabeza es una de las cumbres de la pintura de todos los tiempos. El caballo tiene un gran y desmesurado vientre si se le observa a poca distancia, pero hay que tener en cuenta que está pintado con la deformación de perspectiva adecuada al lugar donde iba a ir emplazado, en alto, sobre una puerta. Está presentado en corveta de 3/4, de manera que el espectador pueda ver sin dificultad la cabeza del pequeño jinete. El paisaje del fondo es clásico, se ha dado en llamar cielo velazqueño. El pintor conocía bien esos parajes del Pardo y de la sierra de Madrid. En este caso, el caballo está situado en una altura para dar pie así a la perspectiva del paisaje. La montaña nevada que se ve al fondo a la derecha es el pico de la Maliciosa, en Guadarrama.




Retratos del conde-duque de Olivares (VELÁZQUEZ)




El niño de Vallecas (VELÁZQUEZ)

● Óleo sobre lienzo (museo del Prado)

● Tema: representación de Francisco Lezcano con traje verde caza y al aire libre, por lo que se piensa que acompañaría alrey Felipe IV y al príoncipe Baltasar Carlos en sus jornadas cinegéticas.

● Composición: figura de un enano sentado, en traje de caza, pierna derecha extendida, manos jugando con las cartas y cabeza echada hacia un lado, confirmando con este gesto su anormalidad. Al fondo aparece la sierra madrileña, realizada con una factura sorprendentemente suelta, al igual que el rostro del representado, aunque sea tonto. Velázquez empleaba los bufones como conejillos de indias para sus cuadros, lo que permitía al artista mayor libertad de ejecución.




La rendición de Breda (Las Lanzas)

● HISTORIA: la ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que hasta el sitio llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias; una de las que más éxito tuvo fue el anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda. Las crónicas de la época cuentan que la defensa holandesa llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el día 2 de julio de 1625. Fue una capitulación honrosa que el ejército español reconoció como tal, admirando en su enemigo la valentía. Por estas razones permitió que la guarnición saliera formada en orden militar, con sus banderas al frente. Los generales españoles dieron la orden de que los vencidos fueran rigurosamente respetados y tratados con dignidad. Las crónicas cuentan también el momento en que el general español Spinola esperaba fuera de las fortificaciones al general holandés Nassau. La entrevista fue un acto de cortesía, el enemigo fue tratado con caballerosidad, sin humillación. Este es el momento histórico que eligió Velázquez para pintar su cuadro.

● Tema: momento histórico en el que Justino Nassau, general holandés, entrega las llaves de la ciudad de Breda al general español, Ambrosio de Spínola.

● Composición: En el centro de la pintura están los dos generales y como detalle que atrae más todavía la vista, está la llave que Nassau entrega a Spinola. A la derecha pueden verse las lanzas victoriosas que se alzan hacia el cielo. De ese conjunto de lanzas le viene al cuadro su segundo nombre Las lanzas, aunque en realidad es una mala interpretación pues no son lanzas sino picas. A la izquierda se ven las picas y alabardas de los holandeses. Se aprecia un contraste entre los dos ejércitos: los españoles son caballeros cetrinos, curtidos, con rostro satisfecho y sosegado. Los holandeses son más jóvenes, rubios y muestran la fatiga y la resignación. Al fondo se ve Breda con sus fortificaciones y entre medias la campiña inundada, tal y como sucedió. También se ven incendios y una columna de humos. En primer término, a la derecha hay un caballo de campaña, con las cuatro patas blancas, tan encima del espectador que parece real.




Venus del espejo (VELÁZQUEZ)

● Óleo sobre lienzo (127 x 177 cm)

● Tema: representación mitológica de Venus, diosa del amor, que aparece desnuda sobre su lecho, de espaldas al espectador y mirándose en un espejo que sostiene Cupido.

● Composición: pintura con tema mitológico pero a la que Velázquez, como acostumbra con estos temas, da trato mundano. Pero esta vez prescinde del toque irónico que emplea con "Baco", "Marte" o "Vulcano". No es una diosa sino, simplemente, una mujer.

– La Venus del espejo es el primer desnudo integral de la pintura española (recordemos que el desnudo estaba prohinido en España y que Velázquez, protegido por el rey se atrave a realizar el desnudo). Tampoco parece un desnudo provocativo ya que la mujer se encuentra de espaldas al espectador contemplandose en un espejo.

– Cupido, gordito e ingenuamente respetuoso, incluso vulgar, tiene en sus manos una cinta rosa que simboliza que el amor es vencido por la belleza. Cupido está sujetando un espejo en el que la diosa ve reflejada la cara del espectador, y nosotros podemos ver en el espejo su cara, difumidada por el efecto de la distancia.

– Colores: El cuerpo de Venus ha estado pintado con una gran cantidad de color blanco, y también rosa, rojo, negro y gris sordos. El satén sobre el que está tumbada contiene negro, gris y azul. Profundidad colocando objetos y cuerpos unos detrás de otros, las diferentes sabanas, cuerpo de la Venus, el espejo, Cupido, la cortina en diagonal, y la pared del fondo hacen que tengamos la idea de una estancia muy profunda.

● El cuadro fue apuñalado en 7 ocasiones por una feminista, puñaladas que tras la reparación apenas se notan.




Las Meninas (VELÁZQUEZ)

A la izquierda y delante de un gran lienzo, el autor de la obra, Velázquez. Está de pie y mantiene en sus manos la paleta y el pincel, en una actitud de trabajo sin distracción, como si el cuadro lo hubiera pintando otra persona. Está trabajando frente a unos modelos cuya identidad se conoce totalmente: Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, en la lejanía del cuadro, reflejándose en un espejo que hay a la espalda del autor. Es la escena diaria que Velázquez captó en un instante, la visita de los reyes a su estudio, en horas de trabajo. Con este pequeño truco del espejo, el artista consigue que el espectador y su espacio entren en la pintura.

La infanta Margarita, la primogénita de los reyes, es la figura principal. Tiene cinco años y está acompañada de sus meninas y de otros personajes. Es la alegría de sus padres como única superviviente de los otros hijos que fueron naciendo y muriendo. La infanta Margarita fue la persona de la familia real más retratada por Velázquez.

Doña María Agustina Sarmiento, menina de la Infanta. La Infanta ha pedido un poco de agua para beber y doña María Agustina le ofrece sobre una bandeja, un búcaro, es decir, una vasija hecha de arcilla porosa y perfumada que refrescaba el agua. La menina inicia el gesto de reclinarse ante la real persona, gesto propio del protocolo de palacio.

Doña Isabel de Velasco, la otra menina, está al otro lado, en pie, vestida con la falda o basquiña de guardainfante, en actitud también de hacer una reverencia.

Mari Bárbola es la enana hidrocéfala que vemos a la derecha. Entró en palacio en el año en que nació la infanta y la acompañaba siempre en su séquito.

Nicolasito Pertusato, italiano, está a su lado, y parece que hostiga con su pie a un mastín pintado en primer término, con aire tranquilo. Nicolasito llegó a ser ayuda de cámara en Palacio.

Doña Marcela de Ulloa está detrás de doña Isabel. Va adornada con tocas de viuda. Era la dueña (o guarda menor de damas).

El personaje que está a su lado, medio en penumbra, es un guardadamas. Los estudios recientes aseguran que se trata de don Diego Ruiz Azcona.

Don José Nieto Velázquez es el personaje que se ve al fondo. Fue el aposentador de la reina.




Explicación de la obra: la escena representa el momento en que la infanta Margarita ha llegado al estudio de Velázquez para ver trabajar al artista. En algún momento ha pedido agua que ahora le ofrece la dama arrodillada a la izquierda. En el momento en que ésta le acerca a la princesa una pequeña jarra, el rey y la reina entran en la habitación reflejándose en el espejo de la pared del fondo. Una a una, aunque no simultáneamente, las personas congregadas comienzan a reaccionar ante la presencia real. Velázquez ha notado también su aparición y se detiene en medio del trabajo. Mari Bárbola no ha tenido tiempo todavía de reaccionar. La infanta, que estaba mirando a Nicolás Pertusato jugar con el perro, mira de repente hacia la izquierda, en dirección a los reyes, aunque su cabeza permanece todavía vuelta en dirección al enano. Esta es la razón del extraño efecto de dislocación entre la posición de la cabeza y la dirección de su mirada. Isabel de Velasco, ocupada en servir agua a la princesa, no se ha dado cuenta todavía de la presencia de los reyes, lo mismo que le acontece a la señora de honor en conversación con el guardadamas que acaba de percatarse.




Las hilanderas (la fábula de Aracne). VELÁZQUEZ


arte barroco

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