Rem Koolhaas

Antes de dedicarse a proyectar edificios, Koolhaas,

nacido en Rotterdam en 1944, trabajó como guionista

de cine y ejerció de periodista. Aunque en España es

menos popular que Foster, Richard Meier, Alvaro Siza o

Philip Johnson, reconocidos también con el Pritzker, el

máximo galardón para los arquitectos, Koolhaas es una

figura fundamental para entender el desarrollo de la

arquitectura contemporánea. Antes de esbozar sobre

el tablero de dibujo su primer proyecto, Rem Koolhaas,

que estudió en la Architectual of Association de

Londres, se dedicó a impartir teoría. Su libro La delirante

Nueva York lo situó en la línea de salida para una

carrera que dura ya dos décadas. En 1975, después de

analizar el impacto de la cultura metropolitana sobre la

arquitectura fundó, junto a Elia y Zoe Zenghelis y

Madelon Vriesendorp, la Office for Metropolitan

Architecture (OMA), cuyos objetivos son la definición de nuevos tipos de relaciones, tanto

teóricas como prácticas, entre la arquitectura y la situación cultural contemporánea. La

arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican

muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los

proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos. Su arquitectura es

una arquitectura de lo esencial; ideas a las que se da una forma constructiva. Es un

profesional que se siente manifiestamente a gusto con el

futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y

sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja

sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al

armazón que termina por ser una casa, un centro de

congresos, el proyecto de un campus o un libro. El

Netherlands Dance Theater, en La Haya, fue uno de los

primeros proyectos que Rem Koolhaas consiguió

materializar. A partir de ahí le llovieron los encargos. Sus

clientes le demandaron desde una casa hasta un plan

director para un área concreta de una ciudad. Una

sofisticada vivienda en Burdeos, construida sobre una colina

por encargo de una persona que había sufrido un

accidente, lo introdujo en el Olimpo destinado a los

arquitectos más innovadores. Rem Koolhaas ha sido

galardonado con el Pritzker del año 2000.

Obra

Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara

consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter

predominante.

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón

internacional más importante de arquitectura.

Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos

y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en

todo el mundo. El más importante que se ha

desarrollado recientemente es la nueva sede de la

televisión China junto a un centro cultural, que suman

en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha

construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de

Pekín 2008.

Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha

publicado varios libros. Entre los más importantes se

encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y

"Delirious New York: A Retroactive Manifesto for

Manhattan".

Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea

más importante y es su labor como urbanista, entre los

que predomina su especial predilección por el uso de

la congestión en sus obras, como en los proyectos para

Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las

ciudades asiáticas.

Ha impartido clases en varias escuelas y universidades.

Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad

Harvard, probablemente sea en estos momentos el

arquitecto más influyente y contundente del panorama

internacional.

Obras representativas

1988 - Edificio Grand Palais (Lille, Francia) (puede

verse en la Wikipedia en francés en: Lille Grand Palais);

Plan maestro de desarrollo urbanístico (Lille,

Francia);

Centro Euralille (Lille, Francia);

1988 - Teatro de la Danza de Holanda (La Haya,

Holanda) (puede verse en la Wikipedia en inglés en:

Netherlands Dance Theater;

1991 - Villa Dall'Ava (Saint-Cloud, París) (puede

verse en: Villa dall’Ava);

1991 - Viviendas Nexus (Fukuoka, Japón);

1993 - Museo de Arte Kunsthal (Rotterdam);

1993-97 - Edificio multifuncional Educatorium, Universidad de Ultrecht (Ultrecht,

Holanda);

1997-2003 - McCormick Tribune Campus Center (IIT , Chicago, EEUU) (puede verse

en la Wikipedia en inglés en: en:McCormick Tribune Campus Center;

1998 - Casa unifamiliar en Burdeos (Burdeos, Francia) (puede verse en: Maison à

Bordeaux);

1999 - Second Stage Theatre (Nueva York);

2001-02 - Museo Guggenheim de Las Vegas (Las Vegas, EE.UU.);

2001-05 - Casa da Música (Oporto, Portugal);

2004–09 - Sede de la Televisión Central de China (Pekín, China) (Edificio CCTV);

2003 - Embajada de los Países Bajos en Berlín (Berlín, Alemania) (puede verse en la

Wikipedia en inglés en: en: Netherlands Embassy Berlin)

2003-05 - Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl (Seoul) (puede verse

en la Wikipedia en inglés en: Seoul National University Museum of Art);

2004-09 - Teatro Dee y Charles Wyly (Dallas, Texas) (puede verse en la Wikipedia en

inglés en: en:Dee and Charles Wyly Theatre)

2004 - Biblioteca Central de Seattle (Seattle);

2006 - Pabellón de la Serpentine Gallery (Londres);

2006 - Shenzhen Stock Exchange (Shenzhen, China);

2006-09 - Milstein Hall, (Cornell) ([1]);

2007 - Proyecto Torre Bicentenario (México, D.F). Cancelado;1

Centro de Congresos de Córdoba (Palacio del Sur) (Córdoba, España).

Cancelado;

2008–10 - Edificio del 23 East 22nd Street (Nueva York);2

2008–10 - Bryghusprojektet, (Copenhagen);3

2009 - Riga Port City (Riga);

2009-13 - De Rotterdam, (Róterdam);

2010 - New Court, St. Swithin's Lane (Londres).

Diseño de las tiendas de Prada para todo el mundo (Nueva York: 2003, Los

Ángeles: 2004)

Obra y biografía de Santiago Calatrava

Introducción a la figura del arquitecto Santiago Calatrava

El arquitecto español, Santiago Calatrava, nació en

1951 en Valencia, en el barrio de Benimamet. A los

ocho años, ingresó en una escuela de arte para

aprender dibujo y pintura, actividad que compaginó

con sus estudios escolares. Después, se matriculó en la

Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia,

donde también realizó un curso de post-graduado en

urbanismo.

En 1975 se trasladó a Zúrich para

ampliar su formación. Allí estudió

durante cuatro años ingeniería civil en

el Instituto Federal de Tecnología y

trabajó como profesor auxiliar en el

Instituto Federal de Tecnología.

Comenzó a trabajar en pequeños

encargos y poco a poco fue

participando en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicado uno de sus

primeros proyectos importantes, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al

centro de Zúrich.

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como

una obra viva donde todas las partes que la

componen están relacionadas. Da gran importancia

a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como

materiales de construcción. Se inspira en la

naturaleza y en los esqueletos humanos. Arquitectura

e ingeniería se funden en sus obras hasta tal punto

que resulta imposible dividirlas.

Principales obras de Santiago Calatrava

La Estación de Ferrocarril de Stadelhofen (1983-1990)

La construyó en colaboración con Arnold Amsler y

Wener Rüeger. Los elementos más significativos de la

obra son el paseo-mirador, la marquesina de las vías

y la galería comercial subterránea, que se encuentra

bajo las vías.

Exposición Universal de Sevilla ´92

Para la Exposición Universal de Sevilla ´92, Calatrava

levanta el Puente del Alamillo. Se trata de un mástil o torre inclinada hacia atrás de la que

parten los tirantes que sujetan la plataforma.

En el mismo recinto de La Cartuja realiza el Pabellón de Kuwait, un edificio de gran

limpieza espacial y estructural. Se divide en una planta inferior para exposiciones, una

superior, que es la plaza pública y una simbólica cubierta móvil que se abre al Universo.

El Puente Peatonal del Campo de Volantín

El Puente Peatonal del Campo de Volantín se

encuentra en Bilbao, sobre la ría del Nervión.

También se le conoce como El Zubizuri, que

en euskera significa puente blanco, ya que

está pintado de blanco, rasgo característico

de Calatrava. Consiste en un arco inclinado

que une dos plataformas, con rampas de

acceso y escaleras en ambas orillas y que

sostiene la estructura peatonal con cables

de hierro.

Otros puentes son el Puente Bac de Roda en

Barcelona, La Peineta en Valencia o el

Puente Lusitania en Mérida.

Aeropuerto de Bilbao

Calatrava también dirigió en Bilbao el proyecto de la renovación

del Aeropuerto. Predomina el color blanco, el vidrio y el hormigón

y su aspecto exterior se asemeja a un ave emprendiendo el

vuelo. Por este motivo, se le ha llamado popularmente con el

nombre de La Paloma.

La nueva torre de control la diseñó con forma de halcón.

Torre de Montjuïc

Es una de sus obras más originales. Se encuentra en Montjuïc,

Barcelona. Está realizada en acero blanqueado con forma de

antorcha olímpica. Sus 120 metros de altura la convierten en el

elemento señalizador clave del Anillo Olímpico.

Otras obras a destacar son:

El Centro Internacional de Ferias y Congresos en

Santa Cruz de Tenerife, concebido como un edificio

polivalente que permite acoger los principales

acontecimientos que tienen lugar en la isla. En esta misma

ciudad también proyectó el Auditorio. La Ciudad de las Artes y las Ciencias, en Valencia,

que es un complejo cultural y de entretenimiento. La estación de metro "Alameda" en Valencia. El Museo de Arte de Milwaukee, Wisconsin. Edificio BCE en Toronto, Canadá.

Estilo

Se le considera un arquitecto especializado en grandes estructuras. Calatrava ha recibido

numerosos premios y reconocimientos por su trabajo. Entre ellos destaca el Premio Príncipe

de Asturias de las Artes que recibió en 1999.4 También ha sido nombrado Doctor honoris

causa en veinte ocasiones.1

Posee influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antonio Gaudí, y las arquitecturas

gótica y romana.

Frank Owen Gehry

Frank Owen Gehry nació en Toronto,

Ontario, Canadá en 1929. Nació con el

nombre de Ephraim Goldberg pero

adoptó más tarde la nacionalidad

norteamericana. Se graduó en 1954 de

sus estudios de arquitectura y comenzó

a trabajar en el estudio de Victor Gruen

y Asociados en Los Ángeles. Fue a

servicio militar durante un año y a su

regreso fue admitido en la Escuela de

Diseño de la Universidad de Harvard

para estudiar urbanismo.

Él estudió también en la universidad de

Southern, antes de que estableciera su primera firma, Frank O. Gehry y Asociados en 1963.

En 1979 esta firma fue fusionada y se convirtió en Gehry & Krueger Inc. Sobre los años,

Gehry se ha movido lejos de una práctica comercial convencional a un taller artístico

dirigido. Su estilo arquitectónico deconstructivo comenzó a emerger en los últimos años 70

en que Gehry, dirigido por una visión personal de la arquitectura, creaba composiciones

collage con los materiales encontrados.

En vez de crear edificios, Gehry crea pedazos de escultura funcional. La arquitectura de

Gehry ha experimentado una evolución marcada desde sus primeros trabajos en

concreto retorcido hasta el chapeado y metal acanalado de sus trabajos más recientes.

Su estilo es impactante, realizado frecuentemente con materiales inacabados. En un

mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual

entre ellas. Sin embargo, los trabajos conservan una estética deconstructiva que ajusta

bien con la cultura cada vez más desunida a la cual pertenecen.

En las comisiones públicas a gran escala, desde que se convirtió en un estético

deconstructivo, Gehry ha explorado los temas de la arquitectura clásica. En estos trabajos

él combina las composiciones formales con una estética estallada. Más recientemente

posible, Gehry ha combinado formas curvadas con formaciones deconstructivas

complejas, alcanzando nuevos resultados significativos.

Es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte,

en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como

si fuese una escultura. El ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos de esta manera, sin

abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del

edifico o la integración de éste en el entorno. En reconocimiento a su incansable labor,

Gehry recibió en 1989 el prestigioso premio de arquitectura Pritzker, comparable con el

premio Nobel.

Algunas de sus obras más importantes son: ·Casa Frank Gehry (California) ·Museo

Guggenheim de Bilbao, Bilbao, España. ·Hotel Marqués de Riscal, Elciego, España ·Casa

Danzante, Praga, República Checa. ·Edificio del Banco DG, Berlín, Alemania. ·Centro de

Exposiciones, Columbia, Maryland, EE.UU. ·Centro Maggie’s Dundee, Dundee, Escocia.

·Torre Gehry, Hannover, Alemania. ·Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles, EE.UU.

La arquitectura clásica de Frank Gehry

Mientras el área bilbaína de Abandoibarra va alcanzando su forma definitiva tras largos años de obras, una no menos larga lista de grandes nombres de la arquitectura ha ido dejando sus edificios en ese lugar, pero sin lugar a dudas es el museo de Frank Gehry el que parece aún generar ese lugar. El 18 de octubre de 1997 se inauguró el museo Guggenheim de Bilbao, catorce años después mantiene inalterado su espíritu comprometido con el lugar. A Frank Gehry le gusta contar que su arquitectura tiene su origen en el lugar, en un lugar entendido de forma amplia, un lugar que comprende desde la situación anímica del país

en el que se sitúan sus edificios hasta los vecinos que lo rodean, pasando por el paisaje, la cultura y las arquitecturas cercanas. Sin lugar a dudas el arquitecto canadiense se encuentra entre los más influyentes, más conocidos y más mediáticos del mundo y en gran medida se debe a su museo, que de alguna manera a eclipsado el resto de su obra. Gehry recibió el premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura, en 1989 por lo que no hay dudas de que su obra era ya muy importante antes de la llegada del Guggenheim Bilbao.

Hoy Gehry es considerado un arquitecto artista, un constructor de formas, de artificios estéticos. Y su obra parece estar dominada por la repetición continuada de un lenguaje de gestos ya aprendidos, de pieles de metal retorcidas que sirven igual para revestir un museo o una bodega y que se exportan de un proyecto a otro casi sin ningún criterio. Esta visión es totalmente errónea, y curiosamente es también un producto del edificio que le consagró como uno de los mejores arquitectos del siglo XX. De este modo el increíble poder mediático del Museo Guggenheim ha sido un arma de doble filo, por un lado capaz de lanzar al estrellato una trayectoria como por otro capaz de aplastar bajo su imponencia todo el trabajo anteriormente

desarrollado, hasta brindar una imagen irreal de su propio autor. Frank Gehry es un arquitecto tremendamente culto que al ser preguntado sobre sus intereses arquitectónicos recurre al maestro del renacimiento italiano Francesco Borromini. Y es que más allá de un escultor de la forma Gehry es un arquitecto obsesionado por poseer el lugar, transformarlo y definir un nuevo escenario en el que representar una nueva realidad. Una condición que habla de la arquitectura como soporte y no como objeto artístico al servicio de la contemplación. Es por esta condición por la que si despojamos a la arquitectura de Gehry de sus voluptuosas formas y observamos sus fundamentos, encontraremos esquemas clásicos, renacentistas o barrocos, argumentos sobre el lugar, el paisaje o la escala urbanas, en definitiva motivaciones propias de la disciplina arquitectónica alejadas de esa aparente irracionalidad que algunos pretenden achacar a su obra. En las obras de su estudio, afincado en Los Angeles, la forma de desarrollar el acceso, el esquema de funcionamiento de la planta , las circulaciones, las relaciones con el espacio público o con la llegada de los visitantes son temas fundamentales que tal vez el desarrollo volumétrico del proyecto coloque en un segundo plano, pero son puntos de partida que ayudan a racionalizar la arquitectura.

Es por esto, por lo que su obra no cuenta con una determinada caducidad, sino que más bien permanece inalterable a lo largo del tiempo ya que se asienta sobre principios invariables revestidos, eso si, de un lenguaje concreto y característico que evoluciona lentamente de obra en obra. Son precisamente estas razones las que han mantenido vivo el museo Guggenheim de Bilbao en lo que a arquitectura se refiere. A pesar del cambio urbano experimentado por el área de Abandoibarra en los últimos años, con la llegada de magníficos edificios realizados además por grandes arquitectos, como es el caso del edificio del rectorado de la EHU del portugués Alvaro Siza,

la biblioteca de la Universidad de Deusto de Rafael Moneo o la torre Iberdrola, el Museo Guggenheim permanece fiel a los valores que lo consagraron como un referente urbano. La adaptación del edificio a su entorno, resolviendo perfectamente el desnivel entre la calle y el paseo de la ría, integrando perfectamente el puente de la Salve pero manteniendo una escala adecuada tanto en la cara más urbana en relación a los bloques de viviendas como en la fachada más expuesta respondiendo a la escala paisajística del Nervión. El museo Guggenheim nos muestra al mejor Frank Gehry, a la vez innovador , con ganas de experimentar y aportar nuevas lecturas; mientras se mantienen reflexivo y disciplinar construyendo un lugar, escultórico en su lenguaje pero arquitectónico en su contexto. Una arquitectura proyectada en el siempre difícil equilibrio entre la experimentación y el conocimiento de la disciplina.

Richard Rogers

(Richard George Roberts Rogers; Florencia, 1933) Arquitecto británico, responsable de

algunos de los edificios más emblemáticos de las últimas décadas, como el Centro

Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou en París, que diseñó con Renzo Piano, y

el Lloyd’s en Londres. Conocido por sus edificaciones pioneras junto a Norman Foster y

Renzo Piano, al frente de su propio estudio, Richard Rogers Partnership, ha mantenido

durante toda su carrera profesional un compromiso con la relación entre arquitectura y

medio ambiente, cultura y sociedad.

Richard Rogers

Hijo de padres angloitalianos, su primo era el célebre arquitecto italiano Ernesto Rogers. Al

estallar la II Guerra Mundial su familia se trasladó a Inglaterra, donde Richard pasó la

infancia de internado en internado. Disléxico, según ha contado él mismo en más de una

ocasión, no le fue fácil salir adelante. Tras diplomarse en arquitectura en la Architectural

Association de Londres (1954-1959), donde tuvo como profesores a James Stirling y Peter

Smithson, en 1962 obtuvo una maestría por la Universidad de Yale; allí entablaría amistad

con Norman Foster.

A su regreso a Londres, Rogers y su entonces esposa, Sue Brumwell, se asociaron con el

matrimonio formado por Norman y Wendy Foster y crearon su primer estudio, Team 4. El

primer proyecto del grupo consistió en diseñar la casa familiar de los padres de Sue en

Cornualles, pero su construcción más ambiciosa resultó, sin duda, la fábrica Reliance

Controls Ltd. en Swindon, Wiltshire, en la que se combinaban los preceptos heredados de

Charles Eames con nuevos intereses sociales inusuales en aquellos años. Team 4 logró

notoriedad por sus diseños de alta tecnología, pese a lo cual el grupo decidió disolverse

en 1968.

En 1967 Rogers representó a los arquitectos británicos en la Bienal de París con la Dr.

Rogers House (Wimbledon), y un año más tarde obtuvo el premio House for Today de

Dupont Company por el prototipo Zip-Up House, un importante hito histórico dentro del

desarrollo de la vivienda industrial. A finales de la década de 1970, Rogers estableció

estrecho contacto con el arquitecto italiano Renzo Piano, a quien conoció cuando

ambos impartían cursos en la Architectural Association. Ambos decidieron asociarse y

fundaron el estudio Piano & Rogers.

El estudio proyectó obras como el Pabellón Italiano para la Exposición Universal de Osaka

(1970), el centro comercial de Fitzroy Street (1970), el Centro PATS (1975) en Cambridge o

el Instituto de Investigación y Coordinación Acústica de Pierre Boulez (1977). Sin embargo,

la obra que les daría mayor renombre internacional sería el Centro Georges Pompidou, en

París. En 1971 Piano & Rogers ganaron el concurso para la construcción del Centro

Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou, en la capital francesa. La construcción

del edificio, en el centro histórico de París, se convirtió en un acontecimiento internacional

por su estética industrial y por redefinir el papel del centro cultural tradicional.

El Centro Pompidou (París), de Rogers y

Piano

Los arquitectos concibieron el edificio

como un “diagrama espacial

evolutivo”. Pensado como una

superestructura de acero y vidrio, una

de las prioridades más importantes

fue dotarlo de la mayor movilidad

funcional posible, para lo cual

liberaron el espacio interior de

conductos técnicos y órganos de

circulación (escaleras, ascensores,

etc.), que son exteriores y se

diferencian por colores: azul para el

aire (climatización), verde para los

fluidos (circuitos de agua), amarillo

para los revestimientos eléctricos, y

rojo para las comunicaciones (ascensores) y la seguridad (bombas contra incendios).

Precisamente este aspecto, tan innovador y chocante en la década de 1970, hizo que

fuese muy criticado al chocar enormemente con la estética clásica y romántica de las

calles y edificios de la capital francesa, aunque actualmente es uno de los edificios más

queridos por los parisienses. El Centro Pompidou fue inaugurado por el presidente de la

República, Valéry Giscard d’Estaing, en 1977. Lo visitan anualmente cerca de seis millones

de personas y está considerado uno de los edificios más emblemáticos del siglo XX.

Acabado el Centro Pompidou, en 1977 Rogers fundó su propia empresa, Richard Rogers

Partnership, que integran en la actualidad 130 personas. Su estilo, enérgico y alegre, nos

muestra estructuras que poseen algo de revival gótico o estilo Tudor, concibiendo al final

lo que se podría llamar un “diseño británico” que ha hecho de Rogers el arquitecto más

involucrado con la construcción de obras gubernamentales británicas de los últimos

cincuenta años. Es responsable de obras como la expansión del aeropuerto de Heathrow

(1989-2008) y la Asamblea Nacional de Gales en Cardiff (1998-2005), y en sus manos puso

Tony Blair la ejecución de la Cúpula del Milenio (1996-2000). Hablar de Richard Rogers es

hablar de un hombre comprometido con su país.

Philip Johnson

Philip Johnson (8 de julio de 1906 - 25 de enero de 2005) fue

un arquitecto estadounidense.

Biografía

Sony Building (originariamente AT&T building), situado en

Manhattan, Nueva York. Considerado como uno de los máximos

exponentes delposmodernismo arquitectónico y uno de los edificios

más controvertidos de la década de 1980.1

Nació en Cleveland, Ohio. Estudió arquitectura e hizo

después un máster de historia de la arquitectura en

la Universidad Harvard. Una vez terminados los estudios

Johnson aceptó el cargo de director del departamento

de arquitectura del Museo de Arte Moderno de Nueva

York, que se acababa de crear.

En los años siguientes se dedicó a muchas actividades,

excepto a la práctica de la arquitectura. Fue crítico,

autor, historiador y director de museo, hasta que

finalmente, a la edad de 36 años, se concentró en la

arquitectura y diseñó su primer edificio. A partir de

entonces empezó su trayectoria como arquitecto.

En 1967 se unió a John Burgee, con el que mantuvo una asociación durante 20 años. En

este tiempo, ambos arquitectos realizaron un número muy elevado de proyectos.

Johnson organizó las primeras visitas arquitectónicas a Ludwig Mies van der Rohe, y

también a Le Corbusier, cuando éstos viajaron a los Estados Unidos. Con Mies tuvo una

estrecha relación y colaboró más tarde con él en el diseño y la construcción del

famoso edificio Seagram en Nueva York.

Johnson ha sido distinguido por el Instituto Americano de Arquitectos con la Medalla de

Oro, y en 1979recibió la primera edición del Premio Pritzker, máximo galardón en

arquitectura.

Desde 1989 Johnson vivió en un semi-retiro. Dedicó su tiempo sobre todo a proyectos

propios, aunque siguió como consejero del antiguo despacho. Uno de sus últimos diseños

fue para una nueva escuela deBellas Artes en el estado de Pennsylvania.

La obra más famosa de Johnson es probablemente la Casa de Cristal (Glass House), en

New Canaan,Connecticut. Es un edificio cuya estructura metálica muy esbelta que no

oculta la visión. Todas las paredes son enteramente de vidrio, de forma que la casa se

hace transparente, permitiendo ver desde un lado lo que ocurre en el otro, mirando a

través del edificio. Johnson diseñó la casa para sí mismo y al mismo tiempo

como tesis para su graduación. Desde entonces Johnson vivió siempre en ella, por lo que

también se la denomina Casa Johnson.

Obras representativas

Crystal Cathedral. New York State Theater.

Casa de Cristal

Torre International Place (Boston)

Torre Tycon (Vienna, Virginia)

Torre Momentum (Dallas, Texas)

Torre NCNB (Houston)

Torre PPG (Pittsburgh)

Torre United Bank (Denver)

Torre Bank of Amerika (Houston)

Edificio Penzoil Place (Houston

Sede principal de AT&T (Nueva York) 2

Centro Nacional de Artes Dramáticas (Bombay, India)

Centro Century (South Bend, Indiana)

Jardines de agua (Fort Worth, Texas)

Centro Cívico (Peoria, Illinois)

Centro Cultural del Condad de Dade (Miami)

Catedral de Cristal (Garden Grove, California)

Museo de Arte Neuberger (Suny)

Restaurante Four Seasons en el edificio Seagram (Nueva York)

Teatro del estado de Nueva York en el Lincoln Center (Nueva York)

Torres Puerta de Europa (Madrid, España))

Centro Banaven (Caracas, Venezuela) Siendo la única obra de Philip Johnson en Latinoamerica.

ROBERT VENTURI

Robert Venturi (* 25 de junio de 1925) es

un arquitecto estadounidense.

Biografía

Nació en Filadelfia como Robert Charles

Venturi. Estudió arquitectura en la

Universidad de Princeton, en Nueva

Jersey, y pasó después tres años como

becario en la Academia Americana

en Roma.

A continuación Venturi trabajó

hasta 1958 en el estudio de Eero

Saarinen y Louis Kahn. En esa época

también fue profesor de arquitectura

teórica en la Universidad de

Pennsylvania, en Philadelphia. A partir

de 1964 trabajó con John Rauch, y más

tarde se incorporaron al despacho

Denise Scott Brown y otros dos socios. El

nombre de la sociedad fue Venturi,

Rauch and Scott Brown, y se realizaron

numerosos proyectos.

Guild House.

Los diseños de sus edificios urbanos

tienen un aspecto característico, que

recuerda a dibujos o pinturas, tanto por

el empleo de colores, como por la

ubicación de las ventanas y demás

elementos en las fachadas. Venturi

pretende con ello dar un aire alegre a los

edificios situados en un medio urbano,

por lo general monótono. En cambio, es

muy respetuoso con el entorno cuando

diseña edificios situados en la naturaleza,

como las casas de vacaciones que ha

realizado en diversos lugares de los

Estados Unidos.

Venturi es considerado como uno de los

arquitectos más originales de finales

del siglo XX, y es apreciado por haber

introducido conceptos diferentes en sus

obras, que se apartan de todo lo que se

acostumbra a ver en arquitectura. Al

mismo tiempo ha expresado sus

pensamientos en numerosas

conferencias y clases, y también en

varios libros y artículos. Escribió sus libros

principalmente con su socia y

esposa Denise Scott Brown, en los que

realza el hecho de que también la

arquitectura moderna se basa en las

referencias históricas. Según manifiesta,

él como arquitecto intenta no dejarse

llevar por el hábito, sino por un sentido

consciente del pasado, evaluando

detenidamente lo que significa y la

conveniencia y forma de tenerlo en

cuenta en sus proyectos.

Publicó un manifiesto, Complejidad y

contradicción en arquitectura en 1966;

en la introducción, Vincent Scully lo

considera "acaso el escrito más

importante en arquitectura desde la

publicación de 'Vers Une Architecture'

por Le Corbusier en 1923."

Durante los 30 años de su carrera, Venturi

ha sido profesor, entre otras, en las

universidades de Harvard, Yale y

Princeton. En 1991 Venturi fue distinguido

con el premio Pritzker, el galardón

internacional más importante de

arquitectura, comparable al

premio Nobel.

Obras representativas

Separación del movimiento moderno

En su “Complejidad y contradicción en la

arquitectura” de 1966 defiende una

posición contraria a la arquitectura

moderna, contra su pretención de

buscar sólo la diferencia y la novedad.

Quiere mostrar la complejidad de la

forma arquitectónica que no puede ser

reducida a un solo sistema lógico y

estético (como defendían los modernos).

Argumenta que esta arquitectura no es

adecuada para un período de cambio

como es de los 60’, haciendo de esta

voluntad de cambio su objetivo

entonces se separa de ellos

autodenominándose postmoderno. La

postmodernidad significa la superación

del movimiento moderno. Un aceptar las

complicaciones del hombre común en

vez de ignorarlas y plantear un empezar

de cero como hacían sus predecesores.

Influencias

Algunas de las más importantes son su

admiración por Kahn con quien estudió

en la universidad de Yale. De él rescata

el haber establecido una conexión con

el pasado y haber dado a la

arquitectura un desarrollo autónomo.

Además es vital el viaje que realiza a

Roma en el cual puede estudiar

el barroco, período que lo apasiona por

su capacidad de articular los elementos,

subordinándolos a una unidad

geométrica global y desarrollando todo

tipo de ambigüedades. Finalmente hay

que destacar su contemporaneidad con

el pop art, cuyos valores, la admiración

por el vernáculo comercial y los objetos

de consumo se ven reflejados en su obra.

Las fuentes fundamentales para Venturi

serán las tradiciones eclécticas y

clasicistas (Barroco, Manierismo,

Rococó) y la arquitectura popular. Es

además admirador de Le Corbusier,

Aalto, Van Eyck (por su defensa de las

culturas primitivas y sus saberes). Critica

arduamente a Mies, principalmente por

su reduccionismo, y a Wright.

Toda esta complejidad debe resolverse

comprometiéndose con el conjunto. Esta

unidad mantiene un control sobre los

elementos en conflicto que las compone

como un todo. Valora la tradición que

considera que los artistas tienen

completo significado en cuanto son

valorados en relación con sus

predecesores. Proclamaba en su libro la

dualidad, la riqueza de significado, que

oponía a una arquitectura aburrida,

intuyendo que con atender solamente

los requerimientos funcionales no se

cumplía con la misión arquitectónica,

sino que se conducía a la desolación y el

agotamiento del habitante. Se basa

para su obra en la cultura americana de

consumo por excelencia. Estas

características emergentes de una

sociedad desordenada, difícil de

entender por el ciudadano, no son

compatibles con el racionalismo. Es

necesario expresar estas contradicciones

e incertidumbres también en el plano

artístico.

Concluye que el arquitecto debe saber

como interpretar con nuevos criterios de

gusto y composición los elementos de la

metrópolis moderna y los elementos de

mala reputación, como puede ser el

equipamiento urbano. Se refiere al pop

art con quien comparte el gusto por los

elementos vulgares de la cultura urbana,

que combinan para mostrarla variedad y

vitalidad. En este sentido la propuesta de

Venturi es un reflejo de la sociedad

norteamericana de los 50’ y 60’. Lo que

más destaca de los edificios que analiza

en su libro (más de 200 obras) es explorar

temas como las contradicciones en las

composiciones así como el poder de

expresar varios significados

simultáneamente, o tener una dualidad

funcional. Reduce la arquitectura a un

fenómeno perceptivo, a un juego de

formas que transmiten mensajes a

nuestros sentidos. Destaca entonces su

capacidad expresiva.

Casa Vanna Venturi

Se realizan previamente varios proyectos

previos y maquetas. Considera al edificio

sustancialmente clásico en su planta y

forma y su ornamentación y elevación.

Sin embargo especifica que a pesar de

ser clásica no es pura, se adhiere más a

las características manieristas que admite

contradicción con la idea de orden.

Venturi considera que para apreciar esto

se debe ser consciente de la

contradicción en la arquitectura clásica,

como en las obras de Palladio a quien

considera su guía. De su Villa Master es

que toma la fachada en pendiente. En

esta casa vemos expresados varios de los

elementos de contradicción y

complejidad explicados en el libro:

La planta y el frente y la parte

posterior son simétricas con un

eje ventral pero en el perímetro de la

planta las extremidades varían para

acomodarse a excepciones en la

planta.

Escala doméstica que es a la vez

monumental conseguida con las

cubiertas inclinadas que rememoran

el frontón.

Orden y simetría generales que se

ponen en crisis en los pequeños

detalles como el cuerpo que

sobresale por detrás o las ventanas

que se abren de forma asimétrica. La

abertura para revelar el volumen

posterior y la chimenea son formas

de mostrar el efecto manierista de las

capas espaciales y de esa forma

separar a la fachada de la casa.

Entrada parece enorme por la

sombra que proyecta pero es en

realidad modesta

El cuerpo central de la casa es sólido,

a diferencia de los espacios centrales

del plan Palladiniano.

La simetría evidente al principio es

entonces modificada por pequeñas

excepciones. Vale destacar que, aunque

en parte critica a Wright, el interior se

encuentra en esta casa articulado en

torno a la chimenea, una estufa a leña y

una escalera, en similitud a las casas

inglesas del SXVII. Sorprende en la época

que las ventanas parecen efectivamente

ventanas, y no son simplemente huecos

como había promulgado el Movimiento

Moderno.

Además es importante decir que se ve

una recuperación de la ornamentación,

finalizando la obra de su

maestro Kahn en la ruptura con todos los

ideales modernos. Su decoración

aplicada de carácter clásico, es inusual

para la época (mediados del S. XX).

Existe un arco en la fachada que se

compone de las mismas molduras y es

aplicado para enriquecer la abertura.

Este combinado con el dintel hacen

parecer mayor aún la escala del edificio.

Además se ve decoración en las paredes

circundantes, casi similar a un dibujo. Hay

elementos decorativos que no son

clásicos, como la “banda” industrial o la

ventana de la cocina. Pero esto se

enmarca en la voluntad manierista de

contradicción. Finalmente se remite a un

historicismo simbolista del estilo que

busca la esencia del estilo.

“Algunos han dicho que la casa de mi

madre parece un dibujo de niños -

representando los elementos básicos de

refugio- (…). Me gusta pensar que es

algo que alcanza otra esencia, esa del

género de que es una casa y es

elemental”.

“La casa de mi madre fue diseñada

cuando ella ya era una viuda anciana,

con su dormitorio en la planta baja, sin

garaje porque ella no conducía, y con

habitaciones para una sirvienta y la

posibilidad de tener una enfermera -

además de ser también adecuada para

sus bellos muebles con los que yo me

había criado. Por lo demás, ella no

realizó otras demandas al arquitecto, su

hijo, relacionadas con el programa o su

estética -ella era maravillosamente

confiada.”

Guild House

Es una residencia de ancianos en

Filadelfia.

Su planta es funcional e ingenieril

Recurso de la cartelería aplicado por

primera vez deliberadamente

Composición clásica en la fachada

Antena dorada como símbolo de la

vida de los ancianos y de la cultura

(pop art).

En su libro “Aprendiendo de las Vegas”

plantea dos caminos para que un

edificio sea comunicativo. Que en su

forma exprese una función o que sea un

edificio funcional con un rótulo gigante.

La segunda opción es la que considera

más contemporánea. Esto implica una

independización de la fachada como

hecho autónomo del contenido

funcional. Un ejemplo del edificio

anuncio es el “National College Hall of

Fame”, un edificio con forma similar a la

de una galería que es totalmente

independiente de la fachada, siendo

esta una anuncio gigante con pantalla

electrónica. Así se opone

a Loos considerando al edificio como

una máquina funcional por dentro y una

obra singular por fuera. Los que pasará a

caracterizar su obra será una muestra de

posibilidad de adaptabilidad y

prevalencia de la arquitectura

basándose en el uso de elementos

convencionales. Se ubica entonces en el

polo opuesto de su maestro Kahn.

El concepto de aplique.

Lo que empezó por se una búsqueda de

un máximo efecto con los mínimos

medios (como en la Guild House en la

que se usan elementos de producción en

serie para reducir los costos económicos)

se termina transformando en una caída

en la trivialidad y el decorativismo.

Tomando como modelo los papeles

pintado de Morris, aplicará diseños a

objetos y espacios tratándolos

epidérmicamente. Considerará que lo

que caracteriza cada edificio es el

vestuario, la ornamentación, el

tratamiento, la estructura interior que lo

constituye es entonces meramente un

hecho constructivo y funcional.

Museo National Gallery de Londres.

Enlace entre el Ala Sainsbury (Venturi) y el

Edificio Wilkins visto desde la parte trasera.

Casa Vanna Venturi (Filadelfia)

Modelo de Ciudad Celebration

para Disney World (Orlando, Florida)

Pabellón de Estados Unidos para la

Exposición Universal 1992 (Sevilla)

Museo de Arte (Seattle, Washington)

Ampliación del Museo National

Gallery (Londres)

Laboratorio Lerwis

Thomas, Universidad de

Princeton (Princeton, Nueva Jersey)

Auditorio de la Orquesta de

Philadelphia (Filadelfia)

Museo de las Artes Manufactureras

(Fráncfort del Meno)

Sala de Exposición de Basco

(Philadelphia)

Edificio de Investigaciones Clínicas,

Universidad de Pennsylvania

(Philadelphia)

Casa de Vacaciones Trubek y

Wislocki (Nantucket

Island, Massachusetts)

Edificio de Juzgados Franklin

(Philadelphia)

Edificio Gordon Wu, Universidad de

Princeton (Princeton, New Jersey)

Facultad de Estudios Humanísticos,

Universidad del Estado (Nueva York)

Guild House (Philadelphia)

Museo del Niño en Houston.