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Colección: Andalucía Promoción Audiovisual – Nº 15XV Jornadas ProfesionalesFormatos Audiovisuales. ¿Forman, informan y entretienen?Sevilla, 24 y 25 de mayo de 2016Edita: Fundación Audiovisual de Andalucía

Directora Editorial: May Silva Ortega

Coordinación: Antonio Gómez Aguilar

Colaboración: Almudena Jiménez Virosta y Cirstina Aliseda Barrero.

Equipo Fundación AVA: Pilar Barragán, Patricia García, Antonio Gavira, Carmen Gavira, Dalia Navarro.

Diseño gráfico y maquetación: Área de Comunicación de Fundación AVA

© Fundación Audiovisual de Andalucía - 2017

La Fundación Audiovisual de Andalucía puede o no compartir las opiniones expresadas en esta obra.

5FORMATOS AUDIOVISUALES¿FORMAN, INFORMAN Y ENTRETIENEN?

NNota metodológica

La XV edición de nuestras jornadas profesionales sobre el sector audiovisual, aborda las nuevas tendencias del sector en cuanto a formatos audiovisuales, con especial atención a su carácter formativo, informativo y de entretenimiento. De ahí el título de Formatos Audiovisuales. ¿Forman, informan y entretienen?

Este libro aborda las nuevas tendencias creativas en formatos audiovisuales a través de la conjunción de los productos culturales/entretenimiento tradicionales y los nuevos derivados digitales que permiten las nuevas tecnologías de la información y la comunicación.

Gloria Salo en su obra Qué es eso del formato (2003), propone una aproximación a tan complicado concepto. Salo (2003: 13) afirma que: “Técnicamente se podría decir que [el formato] es el desarrollo concreto de una serie de elementos audiovisuales y de contenidos, que conforman un programa determinado y lo diferencian de otros”. La evolución de los últimos años y la implosión de los contenidos, desdibujando las fronteras entre los tradicionales géneros, convierte a los formatos en un conjunto de características formales específicas de un programa determinado que permiten su distinción y diferenciación con respecto a otros programas sin necesidad de recurrir a los contenidos de cada uno como criterio de demarcación.

Las sinergias entre el audiovisual y las TIC están aportando nuevas oportunidades creativas, casi exigencias por parte de los usuarios, que apuntan a una mayor participación de los consumidores (prosumidores) en los contenidos. Fenómenos como la Social TV, las Smart TV, las Second Screen, los contenidos transmedia, los contenidos multiplataforma, las App para dispositivos móviles, etc. son

algunos de los temas en torno a los que giran estos cambios creativos.

Este libro tiene como origen la XV Jornadas Profesionales de la Fundación AVA que fueron un punto de encuentro para todas las empresas andaluzas del sector audiovisual-TIC. En dichas Jornadas se expusieron las nuevas tendencias dentro del audiovisual y su relación con las TIC. Se debatió sobre las oportunidades creativas que ofrecen los formatos audiovisuales y sus sinergias con las TIC por su carácter integrador de otros productos culturales y tecnológicos. Se aclararon conceptos asociados con los formatos audiovisuales (televisivos) y se señalaron nuevos perfiles profesionales tnato creativos como técnicos que trabajan en el desarrollo de formatos audiovisuales.

Este tipo de encuentros enriquecen el panorama audiovisual andaluz desde una perspectiva tecnológica-cultural; propician el encuentro entre profesionales y empresas de Andalucía y del exterior para fomentar la colaboración entre ellas; establecen vínculos de unión entre Universidad, empresa e instituciones para el desarrollo de iniciativas I+D+i tanto desde el punto de vista técnico como desde el desarrollo de contenidos innovadores que respondan a los nuevos medios; y definen tendencias en el futuro del audiovisual para fomentar el establecimiento de ayudas públicas que favorezcan el desarrollo de empresas innovadoras en Andalucía.


Índice

PresentaciónMª José BayoPresidenta de la Fundación AVA y miembro del Consejo de Dirección de la RTVA

IntroducciónMay SilvaDirectora de la Fundación Audiovisual de Andalucía

1. De los formatos tradicionales a los nuevos formatos en la WebFrancisco Asensi Consultor audiovisual

2. La ficción y el entretenimiento como instrumentos de educaciónJulio CaberoCatedrático de Didáctica y Organización Escolar de la Universidad de Sevilla. Director del Secretariado de Recursos Audiovisuales y Nuevas Tecnologías de la Universidad de Sevilla

3. Formatos ficcionales Javier OlivaresCreador de “El Ministerio del Tiempo”, Cliffhanger TV & MediaFernando López PuigDirector de Área de Cine y Ficción en RTVEDaniel GameroCreador y guionista de “Brigada de Fenómenos”, La Zanfoña Producciones

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8 FORMATOS AUDIOVISUALES¿FORMAN, INFORMAN Y ENTRETIENEN?

Ignacion del MoralCoordinador de guión en “Cuentamé cómo pasó”, Ganga Producciones

4. Formatos de entretenimiento José Mª ZafraConsejero Delegado en ZZJ, S.L.José Miguel Fernández CuadradoCEO en Happy Ending TVRafael GuardiolaDirector General de Xanela Producciones y director de “Pasapalabra”

5. Formatos para la WebLucía GonzálezDirectora en VerneMiguel CamposResponsable de vídeos en Prisa MusicalPablo Lara ToledoProductor transmedia en Onza EntertainmentAlberto FernándezSubdirector de Contenidos y Transmedia en RTVE

6. La información como espectáculo televisivoCésar GonzálezDirector de informativos en LaSexta

7. La educación en medios: de la información al realityEnrique Martínez SalanovaVicepresidente del Grupo Comunicar

8. Formatos de información y opiniónRossana RompatoEquipo de dirección “¿Y tú qué opinas?”en Medina MediaEsperanza MartínProductora ejecutiva de programas de entretenimiento

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en Globomedia, “El Objetivo” de Ana Pastor y “El Club de la Comedia”Enrique Martínez SalanovaVicepresidente del Grupo Comunicar

8. Formatos de realidad y ficciónBaldomero ToscanoDirector de producción de programas en TelecincoSergio ToledoProfesor de Comunicación Audiovisual en EUSA (Universidad de Sevilla)Inmaculada GarcíaResponsable de formatos en Magnolia TVRuth MartínezResponsable de compras en Shine Iberia

9. Apéndice fotográfico

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Mª José Bayo


PPresentación Me complace dar la bienvenida a estas jornadas. Veo entre el público rostros muy conocidos del sector audiovisual, profesionales, estudiantes… Es una satisfacción comprobar la respuesta excelente que ha tenido esta propuesta en el sector y eso me lleva a felicitar a los trabajadores y trabajadoras de la Fundación y a su directora por haber configurado un programa tan atractivo, con ponentes de lujo, del máximo nivel, y además sobre un tema que está muy conectado con la actualidad y que es necesario abordar.

Son ya 15 las jornadas profesionales organizadas por la Fundación Audiovisual de Andalucía, una organización sin ánimo de lucro, promovida por la RTVA, en cuya sede nos encontramos, que intenta potenciar, apoyar y difundir en todas sus vertientes el sector audiovisual en esta Comunidad Autónoma. Asimismo, persigue profundizar y avanzar en relación con la capacitación profesional. Estas jornadas se enmarcan, precisamente, dentro de estos objetivos.

En esta ocasión se ha elegido como tema ‘Formatos Audiovisuales: ¿forman, informan o entretienen?’ El concepto formatos se puede analizar desde diversos puntos de vista. Se trata de un término polisémico, por lo que la idea de organizar este encuentro desde todas esas perspectivas me parece oportuno.

Nos encontramos en un momento en el que se están produciendo importantes cambios, en muchos casos profundamente transformadores, y a un ritmo vertiginoso. Uno de los más relevantes tiene que ver con el papel del consumidor, convertido ahora en ‘prosumidor’. En mi opinión, uno de los grandes retos que tenemos en una situación así, en la que se está produciendo una evolución desde un receptor

https://goo.gl/LjBzzk


meramente receptor, a un receptor que también es emisor de contenidos, va a ser encajar los contenidos profesionales.

Por otra parte, en este contexto es preciso tener algo muy en cuenta y no perderlo de vista. Tenemos que mantener, todos los programadores y otras personas que estamos trabajando en el sector, un compromiso ético, Como profesionales, tenemos una oportunidad enorme para profundizar en la comunicación de valores. Hace poco me decía una compañera que es un referente en la lucha por la igualdad en el sector audiovisual que de nada sirve que hombres y mujeres nos afanemos en trabajar a favor de la igualdad cuando después se plantea algún formato de máxima audiencia en el que se estereotipa de nuevo a la mujer y de repente eso le llega a miles y miles de personas. Por tanto, mantengamos un compromiso ético, fundamentalmente por parte de los programadores, y promovamos una comunicación de valores.

Todas estas vertientes vamos a poder analizarlas, con ponentes de mucha categoría, por lo que lo mejor es dar paso cuanto antes al programa y disfrutarlo. Os animo a aprovechar también la opción que os damos de hacer networking, una oportunidad muy interesante que suele brindar este tipo de jornadas. Muchas gracias.

Mª José Bayo MartínPresidenta de la Fundación Audiovisual de Andalucía

May Silva


IIntroducción

La Fundación Audiovisual de Andalucía tiene el placer de hacerle llegar la XV publicación de la colección Andalucía Promoción Audiovisual, con la que pretendemos, una vez más, analizar, debatir y orientar acerca de la realidad del sector audiovisual-TIC, así como las enormes posibilidades, expectativas y responsabilidades que este genera.

Como nos apunta Castell, la sociedad actual ha experimentado en los últimos años una enorme transformación, pasando de una sociedad industrial a una sociedad en red, una sociedad digital, en la que la producción y el consumo de contenidos audiovisuales se han multiplicado exponencialmente. Este hecho ha trasformado nuestra industria y plantea nuevos retos económicos, sociales, culturales y también, cómo no, éticos, que han de ser debatidos.

En este contexto se hace necesario profundizar sobre “Los formatos audiovisuales” y analizar sus funciones: ¿forman, informan, entretienen?, teniendo en cuenta que los contenidos y la forma de desarrollarlos se han convertido en los principales agentes de educación informal, siendo modeladores de nuestra identidad física, psíquica y emocional.

Por otra parte, se pone de manifiesto que las empresas generadoras y distribuidoras de contenidos vienen recorriendo un camino caracterizado por diferencias importantes respecto al marco regulador, propiedad y gestión, aspectos técnicos, que están influyendo en la producción, la trasmisión de la señal y por supuesto, en la oferta programática y en el consumo que dicha oferta suscita.

En este panorama, diversos estudios nos muestran cómo se está continuando con la pauta generada por la industria norteamericana, estableciéndose una oferta de programación

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basada en tres géneros: ficción, información y el infoshow; y cómo éste, el “infoshow”, se ha convertido en el centro de todas las políticas de programación, impregnando a todo el medio y a los contenidos de todos sus géneros.

Se ha comprobado además cómo la abundancia de canales no ha sido sinónimo de diversidad, sino que han seguido produciéndose programas de unos pocos géneros, debido a que la velocidad de creación de los canales no se corresponde con la capacidad de producción, por lo que la oferta especializada se fundamenta en los mismos macrogéneros que existían en la oferta generalista.

No podemos tampoco perder de vista cómo la revolución digital ha dado paso a nuevos formatos que es importante conocer y tratar y como cuando la ley del mercado es el único eje regulador de la actividad programática, esta resulta implacable como elemento homogeneizador, actuando sobre las singularidades nacionales y sobre las diversas funciones de esta, como por ejemplo la función formativa.

Incidimos por tanto en el análisis de la importancia de la responsabilidad de la oferta audiovisual como agente educativo formal e informal de primer nivel, y en la necesidad de trazar un puente entre estas funciones y los intereses de la industria audiovisual, un puente en el que se viene trabajando desde la educomunicación, una disciplina que surge a mediados del siglo XX, fundamentada en una filosofía y una práctica de la educación y la comunicación, cuya base es la participación y el diálogo que permita un cambio de actitudes y de concepciones pedagógicas y comunicativas.

Somos conscientes de que continúa existiendo un desconocimiento, una enorme distancia entre el ámbito de la educomunicación y la industria audiovisual, una brecha que es necesario superar si queremos conformar una sociedad a la medida de las personas.


May Silva OrtegaDirectora de la Fundación Audiovisual de Andalucía

Con esta publicación además de analizar la situación en que se encuentran los formatos audiovisuales, nos proponemos promover ese conocimiento mutuo, esa necesaria colaboración y cohesión entre ambos mundos, tan vinculados en su esencia y tan distanciados en la práctica. Para ello hemos querido contar con las mejores empresas y profesionales de los dos ámbitos, generando un provechoso debate que esperamos contribuya a ese acercamiento y por ende a enriquecer el sector audiovisual y la sociedad, dejando constancia que los mejores formatos son aquellos en los que se conjuga perfectamente la rentabilidad económica y la rentabilidad social.

Capítulo 1 De los formatos tradicionales a los nuevos formatos en la Web

FFrancisco Asensi desarrolla su actividad en el campo de la estrategia y la innovación en contenidos digitales y nuevas lineas de negocio para la industria de los medios. Reúne una experiencia de más de 15 años en sectores que van desde las tecnologías de la información, los contenidos deportivos, musicales y la televisión. Es un profesional con multidiscipli-nar que comenzó su carrera en consultoras de tecnología como Garben Consultores, Ideal Objects y Altana Consulting ocupando diversos pues-tos en departamentos comerciales y de negocio. En el año 2000 pasó a formar parte del equipo de consultoría de Teknoland que llegó a ser la primera agencia interactiva del país. Tras un nuevo paso por el mundo tecnológico en la multinacional norteamericana de software Borland y como country manager de la multinacional francesa de seguridad para Web, Deny All, recaló plenamente en el mundo del entretenimiento ocu-pando el puesto de audiovisual and new media sales manager en el Real Madrid y key account manager en EMI Music pasando a ocuparse de la dirección de desarrollo de negocio y estrategia digital en RTVE medios interactivos. En los últimos años se ha he hecho cargo de la dirección general del proyecto digital de Endemol Shine Iberia, Endemol Beyond.

Francisco AsensiConsultor audiovisual

https://goo.gl/aNUupp


De los formatos tradicionales a los nuevos formatos en la Web

La televisión ha necesitado siempre de la tecnología para existir. La tecnología es necesaria, por ejemplo, para emitir contenidos y poder acceder a ellosos. La llegada de Internet lo que supone es un cambio tecnológico nuevo de gran impacto en los modelos de distribución. Al cambio tecnológico se une un cambio socio demográfico. Nos encontramos en mitad de un gran cambio generacional. La denominada generación millenial es la más amplia en número de personas de la historia. Es un segmento por otro parte demasiado amplio. Acotar este entorno millenial en cuanto a cuáles son los puntos comunes entre una persona de treinta años y otra de veinte es difícil. También hay cambios en la forma de narrar historias. La evolución del storytelling también ha cambiado como efecto de estos cambios tecnológicos y sociales. Estos tres elementos: cambio tecnológico, social y narrativo están afectando a diferentes elementos de la cadena de valor audiovisual.

Una forma de entender lo anterior es fijarse en la expansión de la conectividad a nivel mundial.


El principal factor de cambio en la televisión, al igual que otros muchos sectores, deriva de la conectividad. Nos convertimos en personas conectadas cada vez de manera más intensa y de forma más numerosa nivel mundial. Como vemos en la diapositiva, Internet ha penetrado en la población mundial hasta este momento en un 42%, el uso del móvil un 51%, y en menor medida, las redes sociales, con un 29%. Hay que tener en cuenta que el móvil es el principal dispositivo de conectividad, ya que, por ejemplo, en continentes como África donde no hay la misma presencia de redes de banda ancha que en otros lugares del mundo. hay sin embargo una gran expansión de los móviles. La consecuencia es que la penetración de móviles en África es superior, en proporción, a otros continentes. Por ejemplo, la banca on-line se utiliza más en Kenia que en España, ya que, de hecho, a penas hay sucursales bancarias y es el móvil el mejor y más seguro medio para acceder a estos servicios.

Cuando pensamos en el móvil desarrollándose a nivel mundial y convirtiéndose en el dispositivo fundamental de conectividad lo que debemos pensar es en cómo impacta en la distribución de contenidos y su producción. Hasta tal punto es importante la conectividad.

Aristóteles definió al ser humano como un “animal político”. Es decir que vive en la polis, conformando la


sociedad. Fuera de la polis no hay humanidad, es la jungla. Este elemento de vida en sociedad es para Aristóteles el elemento básico que define lo humano. Me he permitido hacer un añadido al postulado de Aristóteles. Yo añado a que es un animal político, pero también conectado. La conectividad empieza a ser inherente a lo humano. Ya no es tan necesario vivir en la polis físicamente, ahora podemos vivir fuera de su perímetro pero seguir integrados en la sociedad por medio de la conectividad.

En este contexto de polis ubicua vivimos además en un entorno económico que simultanea abundancia y escasez.

Abundancia de todo tipo, no solo material, si no también en la de medios de comunicación, de contenidos… A todos nos interesan muchas cosas ahora mismo, y hemos llegado incluso a lo que se ha acuñado como FOMO, fear of missing out: el efecto del estrés que provoca la sensación de que puede que esté sucediendo algo importante que nos estamos perdiendo. Es un efecto que se ha dado sobre todo entre los más jóvenes y en relación con las redes sociales. Es el tiempo y la atención que le dedicamos a las cosas lo que es escaso. Nuestros días duran 24 horas y hay cálculos que indican según el tiempo usado en redes sociales etc. los días duran treinta y dos horas. El problema de la atención es muy intenso en las audiencias más jóvenes de los millenials y la


generación Z. Por eso, si ofrezco un contenido y un mensaje que requieren mucho esfuerzo se abandona, si se usa una tecnología que requiere demasiado tiempo para entenderla, no se usa y fracasa.

Y al final, cada vez más, se implanta un modelo en el que si a los diez primeros segundos de decirle atención a algo no me interesa lo abandono. Este efecto es muy relevante en el consumo de contenidos audiovisuales on line. El patrón de consumo en televisión tradicional es algo diferente. Vemos un capitulo de una serie y si no nos convence, solemos darle una oportunidad en el segundo capítulo. Esperamos una propuesta de entretenimiento que esté perfectamente alineada con nuestras expectativas de satisfacción, entretenimiento, etc. sino no, no le dedicamos atención Se ha apuntado por algunos autores que lo que define al ser humano no es solo el que vive en sociedad, en la polis como decía Aristóteles, sino que es un animal que cuenta historias. Es una de las claves de nuestra civilización, y esto pasa desde que habitábamos en las cavernas, cuando nos dedicábamos a la cacería y a la recolección ya queríamos dejar rastro de nuestra vida, queríamos contar historias. El storytelling es algo consustancial a lo que nos define como humanidad. Aquellos humanos usaban para ello las herramientas de las que disponían: tientes naturales, las formas de la piedra, etc. La tecnología ha hecho evolucionar la manera de contar historias. La aparición de la imprenta


modificó la temática de los relatos y, por supuesto, la forma de distribuirlos. Este hecho se compara a menudo con el nacimiento de Internet que, al igual que cuando apareció el cine, produjo un cambio radical. Internet es el medio de medios que integra a todos los que le han precedido.

Los millenials ya están en el nivel social que gestiona empresas, son el consumidor medio me llamó la atención este artículo en el que se habla de que la llegada de esta generación suponía el fin de la fiesta del visionado de la televisión porque según este articulo esta generación ven el contenido fundamentalmente online y no a través de este aparato llamado televisor. El artículo relata alguna anécdota como la de una joven estadounidense que nunca había tenido un televisor. Siendo fan de Dr. Who, siempre había visto los episodios de la serie a travé de plataformas on-line. Cuando la serie cumplió los 50 años, la BBC quiso convertir el aniversario en un evento televisivo que no estaba disponible en las plataformas digitales. Para verlo había que tener una suscripción de cable que incluyera la emisión de BBC América. Esta joven tuvo que viajar veinte millas a casa de su hermana para poder verlo. La experiencia de hacer este pequeño viaje para ponerse en frente de un televisor a una hora concreta y visualizar un contenido efímero,le parecía totalmente irreal, como de otro planeta. Esto nos tiene que hacer reflexionar sobre como las nuevas generaciones esperan que les lleguen los contenidos.


Una palabra que siempre está presente hablando de Internet es la desintermediación. La desintermediación se suele usar en el sentido de que no necesitamos a los medios tradicionales ya que gracias a las nuevas tecnologías podemos acceder e incluso crear contenidos. También se aplica a los productores de contenidos, que ya no necesitan a los medios tradicionales para crear contenidos y distribuirlos por sí mismo. Las marcas también se están desentermediando como es el caso de Red Bull que se ha convertido en un gran grupo de medios sin depender tanto de la televisión como es el caso de otras marcas.

Volviendo al móvil, vivimos en lo que se ha llamado la “era del contexto”, que pone el énfasis en cómo influye el contexto en el que nos encontramos cuando accedemos a la información que necesitamos en un momento del día y como nos afecta en función de ese contexto.

Es el tiempo del SoLoMo, social local mobile. Un ejemplo de cómo opera esto: entramos en una tienda de ropa física, en la que perfectamente podemos comprar on-line desde el móvil los productos que se ofrecen en ella. La tiendas se utilizan a menudo como show room, donde veo y me pruebo ropa, pero finalmente la compra se realiza on-line. Ya hemos comentado que tenemos diez segundos en el mundo on-line para retener la atención del usuario, lo que es


especialmente importante tener en cuenta en el contexto del consumo de contenidos en móviles.

La conectividad ha llegado al propio televisor. Este es el dato de la previsión de la expansión de la televisión conectada como fenómeno mundial. Probablemente, este dato esté ya superado ya que nos acercamos a la cifra de mil millones de televisores conectados. Este nivel de penetración supone que tenemos que pensar en un nuevo modelo de emisión y producción contenidos. Esta expansión de la conectividad en el televisor no le es ajena a los players digitales como YouTube

Hoy día tenemos contamos con una interesante oferta de plataformas de VOD. Quizá Netflix haya sido de la que más se ha estado hablando estos meses. Netflix, y el resto de


plataformas, han entendido que para competir no basta con ofrecer un servicio de calidad a los usuarios. La diferenciación tiene que ver con la capacidad de producir contenido original. Este hecho está abriendo nuevas oportunidades para las productoras audiovisuales. Solo Netflix va a invertir en este año cinco mil millones de dólares en producción de contenidos originales, lo cual es la inversión de HBO, Showtime, Stars y Amazon juntos. Se ha convertido en la mayor productora de contenido mundial o una de las más grandes. Netflix se postula como la nueva televisión de pago. En su web corporativa aparece la siguiente afirmación a modo de declaración de principios.

Esta declaración implica de algún modo una especie de respeto por lo que consideramos “televisión”. Quizá por el hecho de que Netflix se considera la sucesora de este medio. De ahí que el texto indique que: “la gente ama el contenido televisivo y aún ven billones de horas en la televisión lineal”. Ahí está el reto para estas plataformas digitales: cómo alcanzar el volumen de visionado que han tenido hasta ahora (y aún tienen) las televisiones lineales. La clave para empresas como Google, Amazon, Facebook, etc. es conseguir tener los mismos minutos de visionado que alcanza la televisión lineal, atraer y retener la atención en sus respectivas plataformas.

YouTube es el ejemplo fundamental en el que se recoge


toda la cadena de valor del audiovisual desde un punto de vista digital tanto distribución, monetización como creación de contenido.

La CEO de YouTube señalaba que Youtube había pasado por tres eras; un primer periodo en el que la plataforma nace y se alimenta fundamentalmente de contenido user-generated content de baja calidad, normalmente, o, digamos, con una narrativa bastante pobre. En esta primera etapa nadie sabe realmente cómo va a evolucionar la plataforma en rentabilidad. La idea es centrarse en agregar más y más audiencia sin rumbo claro con respecto a una estrategia de contenidos. En la segunda era, YouTube invierte por primera vez en contenidos. Aparecen los primeros YouTube originals. Las marcas van aumentando paulatinamente su inversión publicitaria en la plataforma. Y la tercera era, en la que nos encontraríamos, es donde aparece una mayor profesionalización del contenido y Youtube se convierte en una alternativa completa a la televisión. Podríamos hablar en este momento de la eclosión de una cuarta era en la que incluso se realza la agregación de canales lineales. En este momento el contenido de la plataforma es exclusivamente VOD pero YouTube ya ha anunciado que va a llegar a un acuerdo con televisiones lineales para ofrecer su contenido a través de la plataforma. Algo que otra plataforma, Hulu en EE.UU. ha manifestado como intención, agregando así canales lineales como un agregador más al estilo de, por ejemplo Movistar, pero con una oferta puramente OTT (Over The Top). Esto va a hacer muy interesante la competencia entre televisión lineal y la nueva televisión nacida del digital.

Los números de YouTube son públicos: más de mil millones de usuarios, setenta y dos horas de video subidas por hora, o más cuatro mil millones de visionados. La mitad de los usuarios de YouTube ven videos todos los días, lo que significa que dedican un tiempo a esta plataforma que no es empleado en otras plataformas o para ver la televisión. Tener enganchada la atención de la audiencia, su atención, como se


ha dicho, es la clave de este negocio. La mitad de los usuarios de Youtube acceden vía móvil. Un ejemplo de hasta qué punto se ha convertido en clave y que para muchos usuarios el móvil es su primera pantalla.

Un ejemplo de la evolución de los creadores de YouTube - los llmados youtubers - podemos verlo en una de las más relevantes: Michelle Phan.

Aquí tenemos el primer vídeo de Michelle y un video más reciente. En su primer video vemos a una joven acostumbrándose a la cámara, con cierta inseguridad aún. Comparémoslo con el segundo. Un video producido para una marca, en el que puede verse más producción, calidad de imagen, atrezzo, etc. Los vídeos de Michelle son tutoriales


de maquillaje, un formato propio de YouTube. Pero ¿qué es un youtuber? Un youtuber es un creador interesado en la producción de contenido audiovisual y que, a menudo, no ha encontrado abierto el mercado para contar historias y que ha encontrado sin embargo una plataforma como YouTube que le permite hacerlo. PewDiePie es el más importante del mundo en número de suscriptores. Se calcula que factura cerca de cuatro millones de dólares al año. El formato que más usa es el gameplay. En la diapositiva vemos a algunos de los youtubers más importantes de España, como a El Rubius que se encuentra en el puesto número cuatro a nivel mundial en este momento. Los Youtubers han llegado a ser lo que algunos llaman celebrities digitales por su capacidad de seducir a millones de fans.

Si hablamos de géneros o categorías de contenidos (diapositiva géneros propios) estos son muy propios del mundo digital: Unboxing mostrar algo por primera vez, por ejemplo un nuevo móvil o una nueva televisión; prank travesuras y bromas, challenges o desafíos entre youtubers, el personal video blog donde los youtubers cuentan su propia vida. Algunos incluso lo hacen diariamente como es el caso de JPelirrojo. Tenemos también las reviews (cine, libros, música) o las listas del tipo “las diez cosas que…”, etc. así como otros formatos como la web serie de ficción.

Parece incluso que estos géneros tan propios de la plataforma están influyendo en los medios tradicionales. Por ejemplo de los formatos basados en listas nace la tendencia a elaborar los llamados “listacles” o artículos de periódicos que tienen este formato de lista. El estilo de los challenges, el prank y demás formatos humorísticos asoma en formatos televisivos como pueda ser El Hormiguero o El Intermedio entre otros. Dentro del unboxing se incluyen fenómenos tan curiosos como el unboxing de huevos Kínder. Se trata de vídeos donde se abren estos huevos y se monta el juguete que incluyen. Aparentemente no son vídeos producidos por la propia compañía Kinder. Estos vídeos llegan a alcanzar


una media de visionados superior al de algunos canales de televisión. Oro fenómeno curioso es el unboxing de bolsas de Mercadona. Se trata de una señora que graba vídeos en los que describe la compra que acaba de realizar. Lo interesante de canales como el de esta señora es que muestran que YouTube no se ha convertido sólo en un fenómeno para jóvenes, es intergeneracional. Cualquiera con ideas creativas puede utilizarlo

Nacen continuamente nuevas tendencias como el ASMR. Es una especie de evolución de aquellas grabaciones de sonidos relajantes que incluían sonidos de la naturaleza, por ejemplo el sonido de las olas o de un arroyo.


En el ASMR encontramos vídeo que se graban en alta calidad de audio. Se incluyen sonido que a lo que parece también son relajantes como susurros, el sonido de cepillarse el pelo, etc. Lo importante es cómo en este tipo de plataformas donde nacen tantos contenidos diferentes, los nichos puedan arrastrar a millones de personas.

En Youtube es muy habitual encontrar contenidos en los que los creadores resumen historias como por ejemplo una película o una serie. De alguna forma el fenómeno de los booktubers nació de forma similar pero en este caso con libros. Lo bueno de los booktobers es que promueven la lectura. Están llevando a los más jóvenes de esta generación millenial al amor por los libros.

YouTube también tiene sus propios talk shows al estilo de la televisión. Es el caso de caneles como Good Mythical Morning, donde en directo comentan la vida de las celebrities. Aquí vemos una influencia recíproca entre contenidos nativos digitales y los de toda la vida.

El uso de Stop Motion para grabar videos era una tendencia en YouTube mucho antes de que la Legopelicula diera el puñetazo en la mesa utilizando estas técnicas de animación. Hay numerosos ejemplos desde años atrás donde


los creadores utilizaban piezas de lego y esta técnica para hacer este tipo de grabaciones. Por ejemplo este corto de animación de cerca de 40 minutos.

En el mundo de la animación una persona como Fred Seibert, el creador de Hora de Aventuras dio vida a dicha serie en su canal de YouTube en un video que produjo para su conocido canal Channel Frederator. Seibert era relevante en el mundo de la televisión: trabajó en la MTV y otros grandes canales de televisión, y a finales de los noventa abandonó esta para reaparecer en su proyecto para YouTube. Desde Channel Frederator produce contenidos para Nickelodeon, Cartoon Network, etc.

Fred Seibert es un señor de sesenta y cinco años que hizo esa transición al entorno digital del tradicional porque tuvo, según cuenta, la fortuna de tener mentores adolescentes a los poder observar en su cambio de pautas de consumo audiovisual. Fred Seibert afirmaba que Internet iba a suponer una nueva edad de oro para la animación al permitir poder lanzar proyectos sin depender de terceros.

Una típica fiesta adolescente en EE.UU. donde las cosas se descontrolan, se produce una pelea entre dos jóvenes y resulta que disponen de los mismos poderes que los Jedis de StarWars. El título del video es El veintidós cumpleaños de Leia. Este vídeo de 2007 parece ser, según se cuenta, que está


detrás de que en algún momento se pensara en Josh Trank, su autor, para dirigir una de las spin-offs de la nueva saga de Star Wars, lo que al final no sucedió por el desencuentro del ahora famoso director con la productora.

Como he comentado antes, actualmente estamos en un momento en el cual las plataformas de video como YouTube, después de casi once años de existencia están realmente pensando, en que pueden apropiarse del modelo televisivo, incluso agregando canales lineales dentro de la plataforma.

Algunos han intentado ya que los contenidos de YouTube dieran el salto a la televisión, como fue el caso del fallido canal Triboo. Un proyecto de canal TDT conformado por la agregación de contenidos generados por youtubers en sus propios canales. Otros ejemplos pueden ser “Fiesta Suprema” (emitido por TVE) o YuTubers de Comedy Central.


Han aparecido modelos interesantes en las nuevas plataformas digitales el modelo windowing tradicional resulta que se replica en digital. Es el caso de una plataforma como Vessel que ofrece a los youtubers que suban el contenido quince días antes de publicarlo en YouTube en exclusiva a cambio de un revenue share.

Todo esto no va solo de YouTube. Las redes sociales, como Facebook, también pretenden dominar este campo. El video en directo no deja de crecer y aparecen nuevas apps como Periscope o Vine. Es el comienzo de la “guerra del video” con momentos llamativos como el hecho de que por Facebook quede por encima de YouTube en un momento dado. El crecimiento del consumo de vídeo en Facebook sin que detrás exxista un modelo de monetización para los


creadores provocó que los youtubers se rebelaran contra la plataforma, Hubo, incluso, un video llamado Facebook nos roba, en el que un youtuber mostró su disgusto por el hecho de tener millones de visualizaciones en Facebook que no podría monetizar.

Y de pronto aparecen nuevos competidores como Snapchat, que reúne diez mil millones de videos vistos al día teniendo menos usuarios y convirtiéndose en un gran fenómeno en el mundo de la generación Z especialmente. Se trata de una plataforma muy peculiar cuyo formato de video es diferente y, por tanto, la forma de contar historias. Lo que más llama la atención de ella es como el Discover, una sección de la app donde determinadas marcas de medios pueden disponer de un entorno propio. Un club muy selectivo y restringido que ha dado a algunos, como la CNN, una inesperada relevancia entre los jóvenes.

Dibujaron en el New York Times este mapa de medios

donde aparecen redes sociales, plataformas VOD, etc. estos nuevos medios están cambiando la forma en la que se informa, y por ello han sido cuestionados por los medios antiguos. BuzzFeed fue acusada en su algún momento de plagio y falta de rigor, pero en la actualidad es un gran grupo de medios que dispone de su propia productora de cine. En el caso de PlayGround, vemos cómo ha creado un nuevo modelo de información adaptado a las redes sociales [Diapositiva


XXXVIII: Storytelling para redes sociales]. Los videos de Playground se caracterizan por integrar texto sobre video dejando relegado al audio. A menudo recurren a materiales de Creative Commons para manufacturar historias en base a una especie de collages de imágenes.

Son números inalcanzables. El video más visto en Buzzfeed es “como serían las princesas Disney en un mundo real” y su tercero más visto es un video de gatos, tan populares en Internet. Lo de Internet y los gatos es un fenómeno que ha llegado a tal punto que algún día un estudio antropológico o algo así nos explicará por qué sucede. De hecho, existe en Estados Unidos la Catcon, una convención dedicada a los vídeos de gatos a la que asisten miles de personas. Este video es un video con contenido Branded Content, es decir


que la historia que narra se refiere a los valores de la marca o a las características del producto, pero estos elementos no aparecen de forma evidente. En el vídeo un gato adulto enseña a un cachorro de gato como convertirse en el perfecto gato de hogar. Una empresa de alimentación para mascotas se encuentra detrás de esta producción.

El resurgir del audio. Convertir la radio en Podcast ha sido algo que ha sucedido de forma orgánica. Serial es el podcast más descargado de la historia. Sigue una historia criminal en EE.UU. abordándola desde diferentes puntos de vista y a través de un estilo narrativo que lo convierte en entretenimiento.

El podcast tiene una vida muy larga e intensa. De

igual manera que existen redes o networks de youtubers, han aparecido las networks de podcasters. Estos El mundo del podcasting está influyendo en creación de nuevos contenidos audiovisuales.

La desintermediación es algo que también está en las manos de las marcas como se ha comentado. Las marcas producen contenidos como en el caso de la cadena de hostelería estadounidense Chipotle que produjo su propia web serie: Farmed & Dangerous. Una serie con calidad televisiva, actores conocidos y que aborda el tema las mafias agrícolas de intermediarios entre el productor y el consumidor que hacen que los alimentos no lleguen naturales al mercado. Entre los valores de la marca está el hecho de ofrecer productos elaborados con alimentos naturales, no alterados y adquiridos en la zona dónde se encuentra el restaurante. La serie se distribuye a través de la plataforma Hulu.

Comedians in cars getting coffee es un programa en el que el monologuista de humor Seinfield invita a personajes destacados a pasear en un coche para charlar tomando café Uno de sus invitados fue Obama. El programa es producido por una marca de coches.


En el caso de la hotelera Marriott, esta produce una serie llamada Two Bellmen (dos botones).

¿Es posible la creación automatizada y algorítmica de contenido? Si, a nivel de informativo puro es posible. La Inteligencia Artificial (IA) y el Machine Learning son capaces de incorporar un número ingente de fuentes de información y datos y con ello crear medios informativos sin intervención humana. Pero la duda es si podrían crear contenido original. True Love fue un libro escrito por un robot pero no es contenido original ya que lo que hizo la IA fue un análisis semántico creando, según comentaron los críticos literarios, una especie Ana Karenina al estilo de Murakami. Pero no cabe duda de que en el futuro la IA impactará en los contenidos.

PREGUNTAS Y RESPUESTAS

Pregunta: Netflix. Acaba de producir una serie en Francia además compartida con la televisión pública. ¿Qué posibilidades tiene Netflix en España? ¿Qué problemas con la propiedad intelectual puede tener esto en España?

Respuesta: Netflix de hecho produce en España con Bambú y siempre funciona igual: territorio al que llega, empieza a producir localmente, e incluso Marseille la produce


pensando en el mercado francés pero la tiene en el catalogo español. Ofrece al consumidor algo relacionado con sus gustos, tiene una carta ganadora en un país que normalmente no es muy proclive al pago de subscripciones. El escenario, lo veo entre dos a cinco años: lo que tendremos serán dos subscripciones, una a Netflix y otra Sky, HBO o Amazon… que van a llegar en dos años. Con eso tendrás todo lo que quieres ver. Otra cosa es que Movistar + reaccione. Tienen ahora diez series de producción propia en marcha. El tema de la propiedad intelectual es un tema peliagudo porque en algún punto genera conflictos que no son fáciles de resolver. YouTube, que es en lo que más han trabajado últimamente, ha creado un entorno seguro y pacifico para que tanto creadores y usuarios estén más o menos cómodos. Ahora mismo se le podían sacar a Facebook no sé cuántas infracciones de propiedad intelectual.

Pregunta: En ese sentido, el tema de la aparición de Movistar que va a pasar a la producción con una serie entre otras de un sevillano. Pero, ¿qué peligro hay de usar?, ¿realmente es competitivo? ¿O puede pasar lo que pasó con las televisiones terrestres y las de satélite que se fueron al traste?

Respuesta: Hay claras diferencias entre el entorno de la TDT y el modelo digital. Creo que Movistar+ está provocando que de repente la televisión de pago signifique algo en un país donde no significaba nada. Esto es positivo para el negocio. Pero su capacidad de competir con las grandes plataformas digitales va depender mucho de cómo conforme el servicio que ahora mismo no es amable con el usuario. Yomvi es un buen producto pero no llega a la usabilidad de Netflix. Ha apostado fuerte por crear un producto nuevo como Cero. Ahora mismo tiene diez nuevas series de producción propia en planificación. Va a pisar un acelerador y ahí está por ver si se lleva el gato al agua o si Netflix cae como una avalancha. De momento el efecto de Netflix es limitado aquí.

Pregunta: El entretenimiento está por encima en este momento con estos nuevos formatos. Con seguridad de la información y de la educación al parecer, incluso, con ese propio diseño del tutorial que por definición debe informar de una manera adecuada sobre un proceso. ¿Cuál crees que una de estas preguntas que formulan la jornada está ahora mismo encima?

Respuesta: Creo que las tres. En la evolución del entretenimiento, de la información y educación es común donde pasamos a un entorno digital, donde eso tiene un peso importante. En ese cambio de formato y modelo no todo está aterrizando de la misma forma en un mercado que está más restringido, etc. Cuando nos movemos a lo digital es algo muy líquido, difícil de manejar. Pero poco a poco vamos llegando a ese punto. La educación está muy presente en el mundo digital, en YouTube muy presente. Hay networks que crean contenido apto para menores que eduque, etc., con distintos tipos de contenido como manga, anime etc.

Pregunta: ¿Buzzfeed y Vice son los medios de información nuevos con el mismo rigor que tenían los grandes medios tradicionales?

Respuesta: Cada vez más, hay más rigor y cada vez se parecen más. Estas plataformas han empezado a contratar periodistas que vienen del entorno tradicional, algo de lo que antes no disponían, al menos Buzzfeed

Capítulo 2 La ficción y el entretenimiento como instrumentos de educación

JJulio CaberoCatedrático de Didáctica y Organización Escolar y Director del Secretariado de Recursos Audiovisuales y Nuevas Tecnologías de la Universidad de Sevilla

https://goo.gl/eS5vzk

Miembro fundador de Edutec: Asociación para el desarrollo de la Tec-nología Educativa y de las Nuevas Tecnologías aplicadas a la educación. Director del Grupo de Investigación Didáctica (GID): Análisis Tecno-lógico y cualitativo. (HUM-0390) Ha publicado en diferentes editoriales (Síntesis, Paidós, McGraw-Hill, Aljibe, MAD, Alianza, Oikos-Tau, Edu-forma) y revistas científicas sobre la Tecnología Educativa, las Nuevas Tecnologías, la red aplicada a la educación, la formación del profesorado en TIC, la formación a través de Internet, la formación ocupacional y las nuevas tecnologías. Ha impartido conferencias en distintas Univer-sidades españolas, europeas y latinoamericanas. Miembro del Consejo director de la Asociación de Televisión Educativa Iberoamericana. Ha dirigido proyectos de investigación de convocatorias públicas sobre la creación de entornos personales de aprendizaje, el diseño de materiales educativos para la formación virtual, la producción de vídeos didácticos, la formación del profesorado en TIC, las competencias mediáticas, la utilización educativa de la realidad aumentada.


La ficción y el entretenimiento como instrumentos de educación.

Vivimos en un modelo de sociedad completamente diferente. Antes vivíamos en una sociedad industrial y agrícola, luego en una postindustrial, y ahora en la del conocimiento. Una característica significativa es la modernidad liquida de la que habla Bauman, donde todo es fugaz y donde todo referente a lo industrial, fundamentalmente, parecía no tener fecha de fin. Hoy la información aparece y desaparece como nunca antes lo había hecho.

Otra característica es que se gira alrededor de las tecnologías de la información y de la comunicación. Si desapareciera Internet sería un hecho similar a la desaparición de la calzada romana, momento en el que el mundo se incorpora a la Edad Media, que queda tapada, posteriormente, por el Renacimiento. Si desaparece Internet como elemento de interacción y transformación, posiblemente, la sociedad borraría de nuevo a esa Edad Media. Y ese universo tecnológico va a cambiar todavía más, ya que todas esas nuevas herramientas de la comunicación de la denominada web 2.0 - aunque ya se dice que estamos en la web 5.0- va a suponer cambios grandes no solo en la comunicación si no en la educción. Empezamos a incorporar la realidad aumentada como recurso de aprendizaje, la web semántica, o cómo usar el bitdata como elemento de organización de la transferencia de conocimiento a los alumnos de forma individual.

Cada vez creo más en la sociedad del conocimiento pues cada uno vamos a ir creando un entorno personal de aprendizaje en función de con qué tecnología y de con qué personas interaccionemos para ir construyendo el conocimiento. Creo que no me equivoco si empezamos a plantearnos que mucha de la información que nosotros usamos cuando empezamos


nuestra acción puramente laboral, menos de un cincuenta por ciento ha sido adquirida meramente en lo formal. Si hubiera una teoría a tener en cuenta en la educación para explicar qué es lo que ocurre en la formación, es la teoría del caos. Muchos de los conocimientos de nuestros estudiantes que entran en la Universidad, posiblemente, empiecen a desaparecer y cada vez sean menos válidos o mucho más líquidos. Pero en ese proceso viene una cuestión como podrá ser el aprendizaje del futuro. Sin embargo, se empiezan a dar una serie de datos sobre como aprendemos en la sociedad del conocimiento completamente diferente a como aprendemos en la sociedad industrial o postindustrial, entre otros motivos, porque los conocimientos que se aprendían en esos modelos de sociedad duraban lo suficiente como para que todas las personas pudieran seguir estableciendo relaciones laborales. Cada vez el conocimiento va a ser más abierto y, por tanto, más descontextualizado. Tampoco va a estar ubicado como lo ha estado tradicionalmente en determinadas instituciones, sean religiosas o educativas. El conocimiento cada vez va ser más colaborativo, va a haber una inteligencia grupal que llegue mediante la interacción delas redes para construir uno más amplio, más visual. Lo audiovisual tiene más importancia en el propio conocimiento, las acciones formativas en e-learning y otras formaciones virtuales que funcionan de manera exitosa son aquellas que incorporan píldoras audiovisuales. También el conocimiento, simultáneamente, al ser más colaborativo va ser más individualizado. Cada vez sabemos que las inteligencias que tenemos no son un factor general, sino que disponemos de inteligencia múltiple y que cada persona se adecua a aprender más a través de determinados sistemas simbólicos. Algunos pretenden estos puramente visuales, otros audiovisuales, otros simbólicos puramente kinestésicos. Cada vez el aprendizaje va a ser más móvil. Los dispositivos móviles van a tener cada vez mucha más importancia, tanto en el aprendizaje como en el sector de la comunicación audiovisual. Cada vez el aprendizaje va ser más enredado.

La red se va a convertir en un instrumento de


comunicación y formación cada vez más importante, y eso va a repercutir en como el proceso de enseñanza y aprendizaje se lleva a cabo. Antes estaba todo claro y controlado: habían criaturas como los profesores que eran los que sabían y el alumno el que aprendía. Estaban claramente definidos los roles y el aprendizaje se entendía exclusivamente como la pura repetición de la información que el profesor les había comunicado. Conforme esa información fuera más fiel a lo que había dicho el profesor, venía la propia calificación académica. Hoy día, en un contexto dinámico, visual y totalmente líquido, las concesiones del proceso de enseñanza aprendizaje tienen que variar. Cada vez hablamos más de lo que podría ser el aprendizaje 2.0, el e-learning 2.0, que no es agarrar lo que serían las herramientas de la formación virtual: los clásicos, los moodles, etc., e incorporarle todas las herramientas de la web 2.0, sino cambiar la concesión del propio proceso de enseñanza-aprendizaje donde el alumno es la clave fundamental de todo el proceso y, donde muchas veces, es más importante no lo que el profesor transmite sino la creación de escenarios informativos para que el alumno aprenda. Además el aprendizaje se convierte, por ejemplo, si nos movemos dentro de la teoría de Siemens en un proceso de conectivismo: la conexión entre diferentes personas y tipos de objeto de aprendizaje donde se asume por principio que el sujeto no es un procesador pasivo de información, sino activo y consciente de la misma y se asume, además, que cuando empezamos a hablar de lo que puede ser el aprendizaje tenemos que distinguir tres tipos de conocimiento: conceptual, actitudinal y procedimental (diapositiva), es decir, lo que se refiere al saber, al saber ser y al saber hacer.

Posteriormente plantearé cómo, en cierta medida, lo que serían los escenarios de comunicación en el género de ficción pueden alcanzar o cumplir y ayudar a que las personas adquiramos esos tres tipos de saberes. Pero también es importante que en esta sociedad el conocimiento fuera anteriormente aprendido en contextos puramente formales. Llámese escuela del nivel educativo que sea, llámese seminarios


o Universidad. Lo verdaderamente importante en la actualidad es que las personas aprendemos tanto en los contextos informales y no formales tanto como en los propios formales de formación. Muchos de los conocimientos que traen los alumnos a las aulas universitarias no han sido adquiridos en contextos escolares sino en otros puramente mediáticos, y olvidar eso por parte de los profesores, posiblemente, seria cometer un gran error, porque nos olvidamos de que el alumno trae ya a los propios escenarios de formación cierta cantidad de información y cierto conocimiento. Eso también implica que el profesor tenga que cambiar los roles que tradicionalmente hemos desempeñado. Hasta ahora el rol ha sido el de transmisor de información los depositarios de información, y los roles futuros que tengamos que incorporar en la enseñanza, posiblemente, sean el de diseñador de situaciones mediadas de aprendizaje. Teniendo en cuenta las diferentes tecnologías que tenemos a nuestra disposición - como las impresas, audiovisuales y/o digitales - creamos nuevos escenarios enriquecidos para que los estudiantes interaccionen con nosotros, con los objetos de aprendizaje y entre ellos mismos para poder llegar a adquirir el conocimiento. De ahí a que hoy en día aprendemos tanto en contextos formales e informales, como en contextos intencionados e inesperados.

Hoy día se adquiere mucha información en esos contextos puramente mediáticos y digitales. Si antes la galaxia donde la luz no podía adquirir esa información era fundamentalmente la biblioteca, hoy se ha ampliado extensiblemente, y no solo en esos medios sino también por ejemplo a través de todo el terreno puramente audiovisual. El número de horas que las personas consumimos viendo la televisión - por ponerlo como el medio de comunicación paradigmático – es, absolutamente, cada vez más amplio. Una cosa diferente es que se siga viendo la televisión en el mueble y que esta se haya desplazado a otros tipos medios, pero el número de horas que seguimos consumiendo sigue siendo bastante amplio. Y empezando a tratar un poco sobre cuáles


pueden ser las funciones que la televisión y los mass media pueden llevar a cabo, si hacemos un meta análisis de lo que han podido decir diferente a autores que se han centrado en este tema, son bastante amplias: desde funciones de interpretación de la realidad, puramente psicológica, desde la función de informar, la función política, la de entretener… o la de formar y transmitir la cultura. Básicamente, podríamos decir que desempeñan tres funciones claves: informar, entretener y educar; y que esas tres hacen todo lo que puede ser la galaxia mediática y que la comunicación audiovisual sea hoy en día uno de los medios más significativos para crear ciudadanía, o por decirlo de alguna forma, y como decía master man, los medios cada vez son unos de los recursos más importantes para moldear nuestras percepciones de la realidad, las ideas que tenemos de esta e, incluso, la forma en la que nosotros representamos y construimos esa propia realidad.

Pero, de alguna forma, se han producido una serie de cambios en lo que sería la educación y en la forma en cómo nosotros aprendemos en esa sociedad del conocimiento. También la televisión ha sufrido un fuerte cambio que pasar de que ese mueble televisivo haya pasado a lo que sería un medio totalmente trasmedia, donde la verdaderamente importante no es que podamos ver los medios a través de diferentes tipos de recursos tecnológicos, sino que eso va a requerir que nosotros seamos capaces de generar discursos en esos medios de diferentes formas, así como también tener en cuenta que no se desplaza el medio, sino que se desplaza el espectador a través de esos recursos trasmedia [Diapositiva]. Así este llega a observar lo que podrían ser los medios, los recursos, contenidos e información a través de un escenario completamente descontextualizado.

También se da otro cambio importante, anteriormente, veíamos como de ser meros espectadores de recursos audiovisuales pasamos, en un momento, a un poder mucho más significativo. Y es que nos convertimos en productores, y como dirían algunos autores, en prosumidores de información.


Ya no somos receptores pasivos de la información sino que la red, la nueva galaxia mediática nos permite que nosotros nos convirtamos también en actores y productores, y emisores de mensajes, con lo cual cambia, absolutamente, la diferente posición que nosotros podamos tener en la información.

Otro de los cambios que se da en el medio televisivo en esa nueva galaxia, es que ha dejado de ser un medio frio, como dice Marlene jon?, a ser uno caliente: un medio en el que podemos intervenir, como la televisión interactiva, o un medio donde con otros medios paralelos se puede crear un nuevo discurso puramente comunicativo. Por ejemplo, yo estoy aquí hablando y una serie de personas están, a través de las redes, interviniendo en Twitter. Y se puede producir y se producirá un discurso diferente. También se ha pasado de ese cambio de la televisión a lo que sería una fuerte transformación en lo que es la emisión, el visionado de la televisión puramente lineal a lo que sería la emisión en la televisión en diferido a la carta, en función de lo que al propio espectador en un momento le puede llegar a interesar. Y también se ha pasado de ser un medio de consumo únicamente de masas, o un medio de consumo puramente independiente. Cada vez que se le pregunta a un adolescente sobre cómo consume los medios televisivos dicen que consumen la información en Internet y la información de forma individual y cuando les apetece observar algún fragmento o alguna píldora de información.

Hablando ya entrando en lo que ya serían los géneros, y, precisamente, utilizando la definición que da a la profesora Gordillo los géneros… por otra parte May Silva señala cuando empieza a hablar del genero concreto de ficción de la siguiente manera: es un género lo que tienda a presentar una historia inventada de forma que el público llegue a creerla o sentirla como una verdad, completamente, en un momento muy concreto. Y ya entrando en ese género de ficción se pueden dar dos variables significativas, una que ha aumentado progresivamente en los últimos tiempos, y que ha aumentado, todavía más, en Latinoamérica.


El año pasado estuve en un congreso que organizan en la Universidad de Guadalajara: Telemorfosis. En él una persona presentó un estudio sobre la evolución de los géneros de ficción de la televisión latinoamericana y resultó que estos habían aumentado enormemente.

La otra característica fundamental es que estos géneros se producen para tender hacia el entretenimiento de las personas. Hemos visto, por una parte, como ha cambiado, digamos, todo ese tipo de cómo aprendemos en esa sociedad del conocimiento; hemos visto cómo la televisión se ha visto transformada y cómo esa transformación implica que se den esos mensajes en diferentes recursos y tecnologías, y que también permite que las personas no solo seamos consumidoras de mensajes, sino también prosumidoras de esos mismos mensajes.

Si esos géneros de entretenimiento que van de ficción, aumentando más pueden ser utilizados como recursos puramente educativos, se pueden plantear tres ideas básicas: toda tecnología de información es, a la vez, una de conocimiento; no hay ninguna tecnología que en si no transmita información, otra cosa es que sea un conocimiento formal estructurado o disciplinar, pero cada vez que hay una tecnología, aunque sea una simple señal de tráfico con un stop – que ya es una tecnología- ya transmite información y conocimiento, y, por tanto, en una tecnología, por principio, ya podríamos ver que podrían haber relaciones completamente educativas.

Otra cuestión importante para responder a esa pregunta es que aprendemos en diferentes contextos. Esto, cada día más, se empieza a dar en el ámbito de la formación ocupacional y en el ámbito de la formación profesional, y, sobre todo en los países del norte de Europa, donde las personas pueden examinarse por competencias y adquirir ciclos formativos específicos. En vez de estudiar una carrera de jardinería, uno puede demostrar ante un tribunal que tiene las competencias


y capacidades para tener el título, lo que ha aprendido en contextos informales, y puede recibir ese título con tal grado de validez como aquella que ha estado en la institución formal. Después, también hay otra cuestión importante, y es que el aprendizaje no es solamente una acción puramente cognitiva, sino también una acción totalmente emocional, de ahí a que autores, como Golleman con la teoría de la inteligencia emocional, empiecen a despertar un verdadero interés en lo que sería el ámbito de la fundamentación del hecho educativo, o cómo las corrientes de la neurociencia empiezan también a ser importantes para explicar cómo se produce el aprendizaje en humanos.

Teniendo en cuenta que son tres hechos, podemos decir que el género de ficción puede ser un instrumento para formar a la ciudadanía, para aportarle información, y para que esta adquiera los diferentes saberes, conocimientos procesuales, conceptuales y/o aptitudinales, a los cuales, inicialmente nos referimos. Pero si empezamos a ver en cosas concretas a niveles de investigación, y vemos si eso produce cambios significativos, si la gente aprende o cambia de actitud, o adquiere conocimientos o diferentes tipos de competencias, lo primero que tenemos que decir es que cuando se han utilizado esto géneros de ficción en diferentes países, ,por ejemplo, se han visto notables experiencias en Latinoamérica o Asia donde han servido para modificar lo que podrían ser actitudes hacia el comportamiento sanitario, valores de género, y comportamiento de carácter completamente racista o xenófobo.

Por ejemplo, muchas de las telenovelas latinoamericanas se generaron fundamentalmente como medio educativo desde los propios ministerios de educación con el fin de que con la narrativa que se transmitía en la fotonovela crearan en la ciudadanía actitudes diferentes, a parte del entretenimiento. En ese tipo de cambio significativo, como cada vez que alguna serie de ficción se ha incorporado, se han producido cambios notables en los índices de matriculación de los estudiantes,


series como la del doctor Gannon, o alguna telenovela como Simplemente María, repercutió en el incremento del número de adultos matriculados en la educación en Latinoamérica.

Esto sirve en cierta medida para ir cambiando los comportamientos que pueden tener las personas, pero tampoco podemos negar que determinadas series han supuesto un aumento del conocimiento histórico. Series como Isabel, Carlos V o El ministerio del tiempo, u otra como Cortes de Méjico, están sirviendo como recurso de formación de las propias personas. Muchas de estas series han sido incorporadas en niveles no y sí universitarios por profesores para explicar diferentes acontecimientos… pero también sirven para adquirir conocimientos puramente procedimentales. Un ejemplo podría ser la limpiadora que descubrió algo y salió en la prensa. Al fin y al cabo, lo que había adquirido con una serie de televisión era un procedimiento de ejecución ante determinadas cosas. Puede ser o no correcto, pero la persona lo había adquirido. Muchas series como CSI utilizan la explicación de determinados tipos de comportamiento en laboratorio, o cómo algunas series, como MacGyver se usaban en centros de formación profesional para generar nuevos tipos de recursos, o cómo trabajar con estos. También ha habido una posible transferencia en lo que sería esa adquisición de procedimientos. El conocimiento en diferentes actividades profesionales no se puede negar, como en determinadas series tipo Hospital central o Doctor Ganno, las cuales han hecho que algunas personas entiendan mejor qué ocurre en un terreno como un hospital, qué puede ocurrir en un quirófano, o cómo podría funcionar lo que sería todo el entramado de la justicia, debido a la cantidad de series de ficción sobre abogacía.

Otro de los cambios significativos es cómo han servido ese tipo de series para que las personas adquieran determinadas actitudes, y, fundamentalmente, sobre el ámbito de la música y la escenografía. La tesis de May Silva fue sobre cómo determinadas series de baile no solo transmiten


valores positivos, como el trabajo y el esfuerzo, sino que también informan sobre cómo puede ser determinados estilos musicales, estéticas… también y, sobre todo, en esa utilización de series que pueden ser, por una parte, propias de la cultura de la cual estamos inmersos, o de otras culturas, en nuestro caso de la cultura latinoamericana, que sirven muchas veces para adquirir valores de multiculturalidad. Así vemos cómo personas viven en otro contexto y nos damos cuenta de que el idioma, pese a ser el mismo, tiene matices y se habla diferente, y eso enriquece la formación de la persona no a nivel conceptual pero si a nivel actitudinal. Y sobre la adquisición de valores de solidaridad y esfuerzo destacar como elemento de entretenimiento y refuerzo en conductas de adolescentes, que el esfuerzo es una variante crítica para mejorar aprender y ser mejor persona, no es un valor perdido en la sociedad del conocimiento. Si los medios de comunicación y las series de ficción tienen un verdadero valor educativo es en todo el esfuerzo que hacen en la socialización, entendiéndolo como un proceso de aculturación de la persona dentro de un escenario rural urbano, del tipo que sea, para compartir valores y visiones del mundo o no. Pero para que eso pueda servir la escuela tiene que hacer un fuerte cambio también, y está en la competencia digital que sea adquirida por la ciudadanía. El hecho de que me exponga a un medio no significa que yo adquiera la información de ese medio, tengo que saber cómo decodificar los mensajes que me da ese medio. Cada vez es más necesario hablar del concepto de alfabetizaciones múltiples, porque a día de hoy una persona alfabeta en esa sociedad del conocimiento no es solo la que sabe leer y escribir, sino aquella que sabe eso e interpreta y evalúa a través de los diferentes sistemas simbólicos de la actualidad, escritos y también audiovisuales, etc., y esa si es una nueva competencia imprescindible de ir formando a la ciudadanía en los centros educativos.

Capítulo 3 Formatos ficcionales

JLicenciado en Historia por la Universidad Complutense de Madrid y Ma-gister por el Instituto de Estética y Teoría de las Artes (Universidad Au-tónoma de Madrid). Ha creado series como: Infidels, Kubala , Moreno i Manchón- (TV3), Isabel., Víctor Ros, El Ministerio del Tiempo, (TVE 1). Como productor, fundó en 2013 Cliffhanger Tv&Media, productora de formatos para ficción televisiva Cliffhanger es una productora de for-matos de ficción cuyo principal objetivo es aportar contenidos y nuevos conceptos de producción. Creemos que la audiencia no es sólo el público que sigue viendo la televisión, sino el que dejó de hacerlo y espera una oportunidad que merezca la pena para volver. O busca otras maneras de verla. Creemos que se pueden generar proyectos pensando en el exterior cuando hay tantos millones de espectadores que hablan nuestro mismo idioma en el mundo. Tenemos la certeza de que la producción se inicia en el guión y que la labor de un creador no acaba cuando entrega el texto: debe velar porque el producto creado esté lo más cercano posible a la idea inicial que lo generó. Porque nuestro capital son nuestras ideas y el desarrollo de las mismas.

Javier OlivaresCreador de “El Ministerio del tiempo”, Cliffhanger TV & Media

https://goo.gl/EsmaJX


Sesión temática: Formatos Ficcionales

Respecto al concepto de cultura y de lo que es producción o programación, que es lo más importante en mi opinión, tengo la certeza de que este país tiene problemas, hoy día, y aún por definir, y que, probablemente, los que hacemos series somos los últimos en decidir, porque hay otros que tienen que hacerlo desde perspectivas más políticas, desde el buen sentido de la palabra, o de estructuras. Creo que se nos ha olvidado que la televisión no es solo industria, sino que es una industria cultural y que, por supuesto, en esta no podemos mirar por encima del hombro a otros productos. Hay gente que me dice que es una vergüenza que tal programa tenga más audiencia que el mío, a lo que respondo que habrá más gente que lo vea según esos audímetros. Pero yo no creo que la gente que vea otro programa sea más lista o más tonta que la que ve mi serie. Hay que ser educado y digno y plantear que la batalla está en otros sitios.

Se nos ha olvidado que la ficción es una seña de identidad, lo que la BBC define como Original British Drama. Lo que se emite en otros países, con apenas cinco millones de habitantes como Dinamarca, les convierte en una de las principales factorías de ficción mundiales a base de hacer productos en su idioma, como por ejemplo cuando un danés habla inglés como un propio danés; y a base de vender a la BBC, para que estas las emitan subtituladas, y luego como remake a EEUU. Hay países como Israel, que ve Homeland y no se acuerda de que la original es israelí. O la gente cree que The Killing es el original y que Forbrydelsen, la danesa, es la copia, cuando es al revés, son originales europeos.

Es un problema que habrá que resolver porque estamos en la debilitación que ha sufrido TVE desde que no tiene


publicidad ni medios para disputarse ni para promoción ni etc., ha derivado en apenas 4 años a un panorama televisivo con un duopolio que reúne un montón de cadenas y las 4 principales aparte de TVE que tiene como único objetivo un fin industrial comercial basado en la publicidad. Creo que eso está muy bien pero creo que la tv es otra cosa, como decía Salvador Martin, secretario del Ministerio del Tiempo, hay 3 cosas que no se pueden privatizar: educación, sanidad y los viajes por el tiempo. Creo en la necesidad de televisiones privadas (que no nos olvidemos, son concesiones estatales) pero es indispensable una televisión pública fuerte, como la histórica BBC o el giro que han dado la danesa o la sueca, y los países nórdicos que están creando productos de altísima calidad. Si no se resuelve esto vamos a terminar haciendo un público porque la tv entra en cada casa y a veces tiene casi más efecto que los planes de educación. Un público, ojo, que no digo que las series tengan que ser todas educativas. La primera misión de una serie es entretener. Pero no podemos quedarnos sólo en eso. Al igual que en la novela, debe haber cabida para best-sellers, pero sin olvidarnos de la necesidad de una novela de autor, con intenciones de expresión y no sólo de éxito comercial. Yo, como productor no creo series para educar a nadie. El Ministerio del Tiempo es, esencialmente, una serie de aventuras. Pero si es cierto que más allá del concepto del que vaya la ficción , hay que analizar qué tipo de cosas se muestran y qué cosas se ocultan. El papel de la mujer, la multirracialidad, nuestro entorno social y político… son temas que se olvidan demasiado a menudo.

El tema de la huida de la realidad me preocupa., no hay televisión en el mundo donde no se hable de lo que pasa en su país. Alemania que tenía un nivel bajo de ficción está haciendo revisiones de su historia con Deutschland 83 o Hijos del Tercer Reich, con temas tan dolorosos como las dos alemanias y el nazismo, respectivamente. Italia, que tiene una producción comercial tan evidente como que probablemente España sea el único país con dos cadenas privadas dirigidas por dos italianos, porque es un fenómeno que tampoco pasa


en otro sitio, está haciendo series que plantean la corrupción o la mafia italiana. Dinamarca en la tv publica danesa una de las cláusulas del contrato es la obligación de que el espectador danés al haber la serie indiferentemente de su temática, tiene que ver el mundo y la realidad en la que vive. La BBC y Channel Four, podría hacerse una lista interminable. Cada año produce no menos de seis / ocho obras maestras en cuanto a mostrar la realidad en la que se vive. O la corrupción, por ejemplo. Eso aquí no existe, según nuestras series de tv. Esa huida hacia divertir o como dijo un ejecutivo de televisión vamos a hacer una serie de terror pero que no se asuste mucho la gente, al final se convierte en vamos a hacer una de amor donde no se haga el amor, una policiaca pero que el policía nunca pueda ser corrupto, un territorio de la evasión y de lo políticamente correcto, habla de cualquier asociación.

En El Ministerio del Tiempo hubo un capítulo donde se hablaba de los últimos de Filipinas. Más de uno dijo que era una visión negativa de la Historia de España. Quizás querían un musical, o que no estuvieran allí unos señores obligados mientras que los que tenían dinero se libraban del servicio militar. Eran unos héroes. Lo importante es que no duela, que pase rápido, uno viene del trabajo mal y se sienta a ver algo y que si es de terror que no asuste… En el caso del culebrón entendimiento la filosofía es “yo estoy mal, voy a ver a alguien que está peor para alegrarme”. Pero de las verdades, de los sentimientos, de la inteligencia emocional que es la vida… nada. Es cierto, como decía Marcel Pagnol, que la vida es una sucesión de dramas, de pérdidas irreparables, de dolor y a veces alguna alegría, pero que no hay que contárselo a los niños. Pero los adultos debemos asumir qué es la vida en realidad. Y nuestra ficción suele empeñarse en hablar “de otra cosa”. O, incluso, de hablar de temas problemáticos edulcorándolos o tapándolos detrás de los códigos de los géneros. Y luego cuando salimos a la vida tendemos a confundir la realidad con una ficción que ha hecho una realidad paralela. Me parece educativamente tan grave como no saber de Historia o no saber quién es Lope de Vega.


Quiero dejar con esto claro que el concepto cultural educativo no es solo un tema, si no es un tema emocional y social, cultural, en el que estamos perdiendo la batalla cada día que pasa. Además, se puede entretener y, al mismo tiempo, entender la televisión como emblema cultural. Pero, insisto, para eso hace falta una televisión pública potente. Yo pongo siempre un ejemplo: cuando creé Isabel, su primera temporada, TVE llevaba solo un año sin publicidad, e Isabel acabó ganando en la audiencia a La que se avecina y a Tu cara me suena. Me parece el mejor ejemplo de que en 4 años han cambiado demasiado las cosas y nadie lo está analizando. Como tampoco se analiza el cambio de público y que los audímetros tradicionales no bastan para medir la audiencia actualmente.

Hay dos fenómenos analizables: una nueva manera de ver la tv porque hay una tecnología con la que lo puedes hacer, y por otro lado una pérdida de lo público fomentada por el cualquier tipo de ideología política. Concepción Cascajosa, que es una estudiosa de la tv, en lo que ha durado esta legislatura una de las pocas comisiones que no se han formado en el parlamento ha sido TVE, no ha habido ningún plan de tv publica, si van a haber medidas de financiación alternativas, si le importa alguien. Solo he oído a un ministro decir que para solo entretener la ficción española es demasiado cara por capitulo y lo dijo en un parlamento, y nadie le dijo, que estaba el parlamento medio vacío: “¿usted sabe lo que cuesta una serie en Europa?” o “ ¿sabe que el promedio de una española es de 500 mil y en Europa el promedio es de millón / dos millones de euros por capitulo?”. Somos europeos para lo que conviene. Que un europeo apenas pueda ver series europeas porque no se emiten ni se compran, cuando el momento de la ficción europea probablemente sea maravilloso y compitiendo con HBO tranquilamente. No hablamos de la generalista americana, porque ahí la ficción europea gana sin problemas pese a tener menos medios. Aquí no hay un concepto cultural de la televisión. Porque sí: es una industria. Pero también una industria cultural, algo que define las señas de identidad de cada país.


Es un error criticar lo que hay. Cada uno hace lo que puede y vamos mejorando. Se trata de analizar lo que no hay ni ha habido. Como una televisión por cable. Como una industria audiovisual que cree que el cine es arte con mayúsculas y la ficción televisiva algo de menor categoría… Como dejar de decir que estamos en la Edad de Oro de nuestra ficción cuando nuestra Edad de Oro es la de Ana Diosdado, Armiñán y Chicho Ibáñez Serrador. A veces pienso que quieren que perdamos la memoria. Que creamos que nuestra ficción empieza con Farmacia de guardia o Médico de familia. Y no es verdad. Nunca tendremos una nueva edad de oro hasta que tengamos más tiempo para producir, para escribir… Hasta que nuestros capítulos dejen de durar esos eternos 70 minutos. Hasta que se trabaje como en esas series que tantos nos gustan y de las que hablamos continuamente: con un showrunner. Con el creador cuidando que lo escrito se vea en pantalla y no otra cosa.

¿Libertad total?. En absoluto. Quien la quiera que se dedique a la poesía, no a la televisión. Pero sí respeto por el creador. Entender que es la base de todo proyecto. Premiar el talento y no la sumisión. Evidentemente, siempre hay un cliente: la cadena. Y hay que escucharla y darle lo que te pide. Pero la cadena también tiene que escuchar al creador y no potenciar el papel de los lectores sobre el del guionista. Buscar nuevos talentos aparte de seguir trabajando con sus productoras amigas que les garantizan un sello, producibilidad y éxito comercial (¡faltaría más!). Si no lo hacen, las nuevas generaciones no tienen futuro al que aferrarse. Y el futuro público, no tendrá a nadie que le hable de sus vidas, que les ponga delante de un espejo para ver cómo son. Porque si no hace eso, la ficción es mero soma, que diría Huxley.

No hablo siquiera del que problema sea lo que hay. Lo que vemos. El problema es no analizarlo.

FLa Corporación Radiotelevisión Española (RTVE) es una sociedad mercantil estatal con especial autonomía que tiene encomendada la misión de ofrecer y garantizar el servicio público de radio y televi-sión de titularidad del Estado.RTVE ofrece el servicio público de radio, televisión y web de ti-tularidad del Estado con la vocación de ser el medio de referencia nacional.Cuenta con siete canales de televisión, seis emisoras de radio y el Área digital. También dispone de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE y del Instituto RTVE.

Fernando López Puigdirector de Área de Cine y Ficción en RTVE



Sesión Temática: Formatos Ficcionales

Creo que España tiene un gran reto con las televisiones

públicas.

Es importante que pensemos que ahora más que nunca, la televisión pública es necesaria pues tiene que inculcar valores y fomentar contenidos que las privadas no tienen porqué o no quieren en muchos de los casos. La gran competidora de la televisión pública, sobre todo en ficción, debe ser ella misma. Tenemos que ser muy exigentes con nosotros mismos porque tenemos que conseguir cotas en contenidos y medios que las privadas no quieren o no pueden conseguir. Nuestro objetivo es llegar al ciudadano, y esta es la gran diferencia con las privadas, cuyo objetivo es llegar al anunciante. Tienen que producir series donde el anunciante promocione un producto y que lo vea el mayor número de espectadores posibles. Para RTVE sin embargo, conseguir su objetivo conlleva una serie de parámetros y condicionantes.

La finalidad de la televisión pública es la formación, el entretenimiento y la información para el ciudadano. Sobre todas las cosas, el primer objetivo que se busca es que el producto sea entretenido, algo que atrape y entretenga al espectador. Hay otros valores que debemos exigirnos: divulgar, fomentar e inculcar valores sociales. Es muy importante que en nuestros contenidos estén incluidos esos valores, que tramas y relatos encierren algo más que el mero entretenimiento. Estos pilares hay que diluirlos y dosificarlos bien dentro del relato. Hay que educar de alguna manera y divulgar.

En TVE hemos incidido en dos puntos importantes sobre los que se puede hablar de muchas cosas: en primer lugar la historia. Las series de época son inagotables: desde El


Ministerio Del Tiempo hasta Cuéntame cómo Pasó, que lleva 17 temporadas. Podemos jugar con la historia como telón de fondo, como excusa para hablar de otros temas. El ejemplo más claro sería Águila Roja, que entretiene con la historia como pretexto. Pero también podemos producir historia en mayúsculas como en la serie Isabel, donde sus protagonistas principales eran los personajes históricos reales. En estos casos hay que marcar muy bien cómo desarrollar estos personajes sin faltar a la verdad. El Ministerio Del Tiempo alterna las dos características, muestra la ficción y la historia más auténticas. Por ejemplo, en el capítulo de Felipe II en ningún caso se traiciona su figura, se juega con ella sin romper los hechos históricos que marcaron a este personaje. Es una exigencia que deben tener los contenidos de un servicio público como es RTVE.

Los géneros son muy importantes para TVE, pero sobre todo que contengan valores. En el fondo la temática histórica es una excusa para hablar de nosotros mismos, de donde estamos y por qué estamos aquí, qué hemos conseguido como sociedad. Cuéntame en sus últimos capítulos hablaba de las acciones terroristas o de la violencia de género, etapas por las que ha pasado este país y que nos ayudan a entender dónde estamos. Es parte de la misión de la ficción en la televisión pública.

En segundo lugar, los contenidos deben ser comprometidos con el servicio público. El contenido cultural es más importante que para cualquier otra cadena privada.

Cuéntame y El Ministerio del Tiempo son muy parecidas

y muy distintas. Entre ellas hay elementos comunes destacados. Por una parte el elemento histórico, algo que nos une a todos y que nos sirve de bandeja para mostrar contenidos y tramas al espectador. Pero por otro lado diferentes en sus objetivos:

Según los datos de audiencia, la media de la temporada XVII de Cuéntame cómo Pasó fue de un 17,1% marcando el


último capítulo un 19% de share. Una serie que lleva 15 años en activo tras 17 temporadas y que siguen 3 millones y medio de personas significa un logro del guion, del contenido y de la renovación constante de una serie clásica. Nunca debemos bajar la guardia ni conformarnos, siempre hay que sorprender al espectador, intentando enseñar ideas y planteando cuestiones que el espectador a través de la ficción pueda conocer en casa. Cuéntame es una serie que lleva una trayectoria similar a la historia de la cadena. Llegó a tener un 41% de share en la segunda y tercera temporada. El 17% actual responde a una fragmentación del mercado tras la creación de la TDT, a un agotamiento del contenido y a una segmentación del público, pero también responde a que la televisión pública ha perdido fuelle, esa representación que tenía socialmente. Debemos plantearnos siempre competir en este aspecto usando todos los medios económicos y de contenido posibles. Cuéntame Cómo Pasó es una serie generalista, amable, pero a la vez te hace pensar y reflexionar. Eso es lo que buscamos.

El Ministerio del Tiempo tuvo un 12% de share medio en su segunda temporada y curiosamente un 18,8% entre el público más joven de entre 18 y 24 años. Esto significa también un éxito. Estamos hablando pues de dos series muy distintas en cuanto a su consumo.

El Ministerio del Tiempo es una serie joven, con un planteamiento decidido por los nuevos tipos de consumo y las audiencias de calidad; Cuéntame en este aspecto es más clásica aunque busca rejuvenecerse.

El Ministerio del Tiempo tiene un target muy singular que está cambiando el universo de la cadena, que siempre se mueve entre perfiles de 45 años en adelante, aunque últimamente más a partir de los 65. En Cuéntame se está bajando también de los 45 años.

El público que ha venido a buscar El Ministerio del Tiempo es joven y con estudios, de poblaciones urbanas y


esto es muy importante, muy usuario de las redes, el otro gran sistema de medición de audiencias. La actividad de redes en El Ministerio del Tiempo ha sido espectacular.

Los diferidos son aquellos visionados que se hacen posteriores a la emisión lineal en ordenadores, tabletas y otros dispositivos (“yo lo descargo cuando me viene bien y lo veo”) La medición estándar se realiza desde el momento de la emisión lineal hasta la semana siguiente. Cuéntame obtiene una media de 150 mil descargas. El Ministerio Del Tiempo tiene 240 mil de media por temporada y nos da el ejemplo de que la cadena, en este caso TVE, debe seguir buscando productos nuevos que se adapten y reformulen el mercado del consumo audiovisual.

No debemos ser conformistas y TVE no lo es en este sentido: sigue buscando nuevos contenidos e hitos como ya hizo con Desaparecida o Isabel. Tenemos que luchar por crear contenidos de calidad distintos; el espectador tiene que ver que el dinero que sale de sus impuestos está bien empleado e invertido en generar empleo entre los profesionales, y en la mejor calidad a la hora de presentarles las historias que mostramos.


DNace en Granada, se cría en Sevilla, estudia en Barcelona, trabaja en Ma-drid y vive donde cuelga su sombrero. En 2005 se diploma en Dirección y Guión Cinematográfico en el Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña. Tras ganar varios concursos literarios y de cortometrajes, escribir cuatro largometrajes y pasar como guionista por varias series de televisión trabaja cinco años de cocinero y feriante ambulante para poder pagarse esa vida de excesos. Como freelance escribe periódica-mente para diferentes publicaciones como «The Huffington Post», y colabora en diversos medios escribiendo artículos de cine o historias sobre fútbol. Desde 2010 trabaja como creativo para diversas agencias de publicidad en Madrid y en 2015 crea y escribe junto a Julio Muñoz Gijón la serie de televisión “Brigada de Fenómenos” emitida en Canal Sur Televisión y producida por La Zanfoña (Grupo 7, La isla mínima). Actualmente prepara el guión de la película sobre la vida del rockero sevillano Silvio.

Daniel GameroCreador y guionista de “Brigada de Fenómenos” de La Zanfoña Producciones




Lo que nos ha pasado a nosotros en la serie es una

forma nueva de crear contenidos. Brigada de Fenómenos es una serie de comedia, de 60 minutos, producida por La Zanfoña. El productor ejecutivo es Gervasio Iglesias, que me ha hecho showrunner de la serie, lo cual suena muy bien, pero es hartarse de trabajar todos los días después de haber escrito los doce guiones de la serie.

La serie parte del perfil de Rancio Sevillano en Twitter. Julio Muñoz Gijón empezó con esta cuenta de Twitter – @Rancio - que era una broma para luchar contra los modernos con tuits como «que vuelvan los bares con serrín» o «Serranito o muerte». Pasó el tiempo y Julio creó la novela El Asesino de la Regañá, que básicamente es lo que parece. Es reírnos de nosotros mismos. Julio cogió la película Seven y dijo: vamos a coger los siete pecados capitales y al del pecado de la gula lo hartamos de puntillitas y calamares fritos y al otro lo matamos con una regañá. Era diversión para poder llevar a la gente que venía del Twitter a la novela. Y de nuevo funcionó. Fue un éxito en Sevilla y en lo que se suele llamar el triángulo “silviano”: Huelva, Cádiz y Sevilla. Tras este primer libro vinieron más con el mismo éxito o más.

Después de eso Canal Sur nos llamó. Llevaban muchos años sin crear ficción propia, y era una responsabilidad bastante grande para nosotros. Teníamos que adaptar los libros, coger los personajes Villanueva y Jiménez e inventarnos nuevas aventuras.

Lo que queremos en la serie es reírnos de nosotros mismos, de los andaluces desde los andaluces, hablar de


nosotros. Reírnos de los estereotipos, de los que son verdad y de los que no. Básicamente es una serie hecha por andaluces –somos 250 personas las que hemos participado en la serie, unos absolutos ‘cracks’- para andaluces, y para los que aún no saben que lo son.

Lo que hacemos es humor andaluz surrealista. Ponerle la categoría que queráis, pero es humor y es algo universal. Cuando hablas de verdad de tus bromas al final la gente lo entiende. Al final los de Madrid también dicen: pues estos tíos tienen su gracia y su historia.

Llevamos los crímenes de los libros y añadimos lo que nos hacía falta en televisión, que era subirle un poco el peligro, y dijimos: cosas paranormales. En vez de las caras de Bélmez, las tapas de Bélmez. De la pared sale comida, una ensaladilla rusa, un jamón… estamos locos, y Gervasio también.

Básicamente queríamos ampliar el target de audiencia del Twitter y ampliarlo a toda Andalucía. Pero de 140 caracteres a 12.000 palabras que tiene un guión de 60 páginas más o menos hay un mundo. Y aquí pasó algo muy malo. Teníamos mucha responsabilidad y queríamos ser políticamente correctos. No queríamos enfadar a nadie. Queríamos respetar a la gente de Almería, a la gente de Huelva… que nadie se sintiera ofendido.


Y esto nos llevó a hacer una serie como todas las demás.

Entonces hicimos humor para no ofender a nadie, humor blanco... y muchos chistes. Y cuando me refiero a muchos, digo muchos. Si en Aída cada tres frases es un chiste, aquí cada frase era un chiste. Espero que esos guiones no se publiquen nunca, pero eran una locura muy divertida. Entonces lo rodamos. Vimos el primer premontaje del capítulo y no acabó de gustarnos. Pero hacía gracia, el equipo se reía. Rodamos el segundo. Era El vampiro de Jabugo. Todavía lo recuerdo con estupor. El malo era un cerdito vietnamita. Tuvimos que maquillarlo, ponerle una capa... Fue muy extraño todo aquello. Vimos el siguiente premontaje y vimos que fallaba algo. ¿Qué falla? Es gracioso, puede hacer gracia, pero no es un total, no es un global, no es una serie. Nos dimos cuenta de que habíamos creado una serie que era el pesado del bar. Era básicamente un hombre que no dejaba de contar chistes y que, por repetición, llegaba a caer mal. Si tú vas a un bar a pasarlo bien y te pilla un tío que no conoces y está quince minutos contando chistes… es divertido. Una hora lo quieres matar. Estás harto de ese hombre. Nos fallaba el tono de la serie, que es lo más importante a la hora de crear una ficción.

Entonces, ¿qué podíamos hacer? Teníamos dos capítulos grabados y el tercero en preproducción. Los tres creadores –Julio, Gervasio Iglesias y yo, junto con el otro guionista de la serie Sergio Rubio- lo que hicimos fue parar el rodaje. Evidentemente cambiar todos los guiones y cambiar el premontaje era una locura, pero básicamente eso es lo que hicimos. Paramos una semana el rodaje, Gervasio nos reunió en una sala de guionistas en Altadis y volvimos a reescribir e hicimos unos “re-takes” del primer y del segundo capítulo que funcionaban mucho mejor. Escribíamos un minuto y medio para que no fuera demasiado: un minuto y medio aquí, dos minutos y 15 segundos allí… Fue una locura absoluta y quedó bien según parece. Y para volver a recuperar el tono, ya que había resultado una comedia muy blanca, políticamente


correcta, muy blandita, que no hacía daño a nadie, dijimos ¿qué podemos hacer?

Y nos volvimos a Twitter, donde empezó todo, antes de la novela. Allí a la gente le podíamos ver la cara. Y con la cara de alguien que se había reído de un chiste mío hace un año o dos, yo podía ver cómo se llama o qué cenó ayer. La gente que quiere humor está ahí y sabemos qué humor quiere. Podemos entrar en sus perfiles y ver qué les gusta. Por ejemplo: les gusta la Semana Santa, les gustan los espetos de sardinas en la playa. Nos hicimos una especie de lista absolutamente alocada de cómo era nuestro público. Ahí ya nos la jugamos, porque claro, básicamente la estrategia era dejar de querer gustar a todo el mundo y centrarnos en gustarles sólo a esas personas de Twitter. Solamente a estas, y confiamos en que si le gustábamos mucho, mucho, mucho a este público podíamos gustarle a los demás. Fue una apuesta muy arriesgada. Pero no solamente gustó a esa gente que vimos en Twitter, sino que le gustó a sus familias y a un montón de gente que no sabíamos que le iba a gustar [diapositiva de audiencias]. Le gustó a más gente que los seguidores que Julio tenía en Twitter y en la cuenta de la propia serie. Aquello fue un poco extraño para todos. La audiencia nos sorprendió, porque la gente creaba chistes. Veían la serie y te decían “pues te lo mejoro”, y lo creaban y lo mejoraban muchas veces; era genial…

Una cosa curiosa que pasó es que estrenamos en un día cualquiera, que fue semifinales de la Champions League. Y el segundo capítulo la otra semifinal. Entonces, conseguimos que hubiera gente que preguntara dónde echaban Brigada de Fenómenos, ya que no tenían Canal Sur sintonizada. Porque la gente joven ya no tiene ni tele y empezaron a resintonizar para ver la serie. Aunque la mayoría veía los capítulos por YouTube.

El consumo de vídeos y de YouTube se disparó y no sabíamos por qué. En realidad queríamos crear una serie muy buena para muy poca gente. Pero cuando algo se hace desde el corazón y con ganas se ve que esa verdad se extiende.


Queríamos que la gente participara en la serie porque, la verdad, los seguidores de la cuenta de Rancio son muy graciosos y Julio tuvo una idea. De hecho, una vez, escribiendo el guión de La Momia Cofrade de Marbella no me salía un chiste y le dije a Julio que pusiera en Twitter: ¿Cómo mejoraríais este chiste? Pudieron pasar diez minutos y hubo cien mejores que el mío.

Entonces Julio creó básicamente un bocadillo de Mortadelo y Filemón de toda la vida con una imagen de la serie para que cada uno pusiera su diálogo. Los mejores los emitiríamos en la serie. Y eso hicimos. No solo nos fijamos en esa gente a la que queríamos complacer, sino que la hicimos partícipes, totalmente interactivos. Ahí había frases


muy divertidas. Comenzaron a hacerse llamar los ‘brigadiers’. Pero lo importante no es que nos adularan, sino que nos mejoraban. El éxito de ‘me gustas’ según parece fue bien. Recordad que teníamos que competir contra semifinales de Champion League en los dos primeros capítulos y contra la final de la UEFA en el cuarto, donde jugaba el Sevilla. A mí me impresionó que el primer capítulo tuviera 1.443 tweets directos, y 9 millones de impresiones. Esto es televisión autonómica en Andalucía, es mucho. En el segundo capítulo crecimos en 1.000 [interacciones].

Otro aspecto interesante es que a la gente de fuera de Andalucía le gustó la serie y empezaron a mandarnos fotos desde Estocolmo, desde Holanda y desde otros lugares diciéndonos que se habían reído mucho. Se sentían identificados con este humor surrealista andaluz. Y la gente empezó a mandarnos fotos viendo la serie en esos países.

Y lo más importante es que nosotros, con un presupuesto limitado, decidimos coger la idiosincrasia andaluza y en vez de irnos a rodar a Jaén, a Almería, etc., que sería una locura presupuestaria, decidimos cosificar esa idiosincracia en la comida, que es algo muy andaluz. Por eso el primer capítulo es La Secta del Flamenquín, que básicamente son unos sectarios que quieren defender la receta pura del flamenquín y aniquilar a los que lo hacen con Jamón York.


Para resumir, nos faltaba una cosa muy importante respecto al guión. Teníamos ese tono blanco, que seguía porque habíamos rodado así. El guión seguía en tono blanco y hacía falta hacer un giro dramático. Era llevarlo todo al thriller. Entendimos que si quitábamos algunos chistes y dejábamos el último, si llevábamos los personajes al límite o hacíamos que estuvieran muy en peligro, ese último chiste funcionaba mejor que rellenar todo el diálogo a chistes. La verdad que tanto el equipo de dirección, todas mujeres con mucho humor, como el director de fotografía, lo bordaron. Fue una cosa increíble. Y voy a poner un ejemplo para que veáis a qué me refiero. [Introducen tráiler de la serie] Al final de la escena funciona el chiste, si los metes en presión. En el capítulo, Satán en Cádiz, Satán se presenta en el Teatro Manuel de Falla porque salió en el 92 de chirigotero y lo echaron. Ahí es donde encontramos el tono de la serie por fin: mitad thriller, mitad humor, pero todo surrealista.

Por ultimo quería mostraros hasta qué punto estamos locos y tenemos ganas de saber a qué público vamos dirigidos, esos tipos del Twitter que tienen cara, que sabemos qué cenaron ayer y qué música les gusta; y quiero enseñaros una cosa que se le ocurrió a Gervasio. Nos dijo “oye ¿y si le decimos a la gente del Twitter que se graben un video diciendo por qué venderían su alma a Satán, como ocurre en el capítulo, a ver qué pasa?”. Recibimos muchos vídeos, muchos más de los que podíamos ver. Algunos eran muy buenos, otros daban mucho miedo porque la gente quería vender su alma a Satán de verdad. Así que os voy a mostrar como en el capítulo de mañana hemos incluido a estos seguidores. Hay un momento que Satán está comprando almas y como la gente le vende muchas almas pone una página Web para la compra online. Esto es interesante porque, cuando empezamos a hacer la serie, no sabíamos que hacíamos humor surrealista hasta que nos lo dijo la gente. En nuestro mundo eso era normal, quiero decir que nosotros somos surrealistas como Silvio o Paco Gandía, pero no nos dimos cuenta hasta que nos lo dijeron.


Ese era el tono que estábamos buscando y no sabíamos que lo teníamos, y lo encontramos gracias a prestar atención al público que siempre nos fue fiel, el público de Twitter.


IAutor teatral, guionista de Televisión y cine. Inicia su trabajo en televi-sión a finales de los 80, interviniendo en los guiones de la serie de TVE “Eva y Adán, agencia matrimonial” y el programa de variedades “Pero ¿Esto qué es?”. Después participa en la creación y desarrollo de series como “Farmacia de Guardia”, “Ay Señor, Señor”, “Querido Maestro”, “Hermanas”, “El Comisario”, e interviene como guionista en otras varias. Se incorpora como coordinador de guión a “Cuéntame cómo pasó” en 2011. Como guionista de cine, ha trabajado en los guionbes de películas como “Los lunes al sol”, “Planta cuarta”, “Lope”, “Cenizas del cielo”, “La voz dormida” o “Las aventuras de Tadeo Jones”. Ha sido candidato a los Goya tres veces, obteniéndolo la cuarta con “Las aven-turas de Tadeo Jones”. Como dramaturgo es autos de unas 20º obras teatrales, traducidas y estrenadas en varios países, con las que ha obte-nido diversos premios. Algunas de ellas, como “La mirada del hombre oscuro” o “La noche del oso” han sido adaptadas al cine.

Ignacio del Moralcoordinador de guiones en “Cuéntame cómo pasó” de Ganga Producciones




El enunciado de esta jornada es si los formatos

informan y entretienen. Esto lo que nos lleva es a reflexionar sobre la dimensión social de la televisión, su papel en la en la sociedad. Yo creo que una cosa que no podemos olvidar es que la televisión es siempre pública, al margen de si su gestión es pública o privada. Es pública en tanto que es de acceso rápido, inmediato, fácil y básicamente gratuito. No es una actividad que se lleve a cabo a puerta cerrada ni mediante pago de entrada y la televisión se puede encender o no, pero está metida en nuestros hogares de manera casi intrusiva, incluso en bares y lugares públicos, donde ni siquiera tenemos acceso a apagarla. Es en ese sentido que digo que es un medio público y su papel en la sociedad es algo sobre lo que merece la pena reflexionar, como sin duda se está haciendo en estas jornadas.

Formar, informar y entretener es un poco la triada básica sobre la que establece el papel de la televisión. Como medio de transmisión es además un espacio público, pues su espacio radioeléctrico es público y las cadenas funcionan en base a concesión, cosa que a veces parece olvidarse. El estado por lo tanto no debe renunciar a su papel de controlar ese espacio público que es como los mares, como las carreteras o las riveras, las playas son públicas y hay cosas que no se pueden hacer en ellas, por más que se hagan concesiones. Entonces, igual que se derriba un hotel cuando es intrusivo, deberían derribarse otro tipo de cosas cuando no responden a la utilidad pública que se le supone. Tanto la información como el entreteniendo no son nunca palabras inocentes, porque todo lo que sale en televisión tiene una gran influencia. La televisión no solo informa sino que conforma, deforma, transforma y a veces mal forma. Su enorme influencia, su


capacidad de manipulación de la realidad, no son solo a través de la información. Prácticamente, al margen de sus contenidos, el medio televisivo conforma una forma de enfrentarse a la realidad, nuestro pensamiento de alguna manera –y es un fenómeno de nuestra época- ya está condicionado de alguna manera por la televisión.

La televisión es para muchísima gente la gran ventana de conexión con la realidad que no es la suya inmediata. Entonces todo lo que aparece [fallo video] Resueltas que papel debe jugar las cadenas privadas, o bueno, efectivamente, están sujetas a un tipo de condicionamientos, pero la televisión pública sin duda alguna bebe establecer un discurso muy claro de acerca de lo que es la información.

En cuanto al panorama de la formación, lo que es la formación pura solo tiene alguna presencia en las televisiones públicas. Las televisiones privadas han renunciado a la formación tal cual. Me consta que la andaluza en concreto tiene programas de formación. Tengo un hermano que ha trabajado muchos años en El Club de las Ideas, así que lo sé muy bien. Y en otras televisiones públicas sí que yo recuerdo que hace muchísimos años, cuando éramos pequeños, había programas de formación, lo que llamaban televisión escolar; o este tipo de programas que hacían a veces por las mañanas que sí tenían la misión explícita de formar y de educar. Esto ha ido retrocediendo en favor del entretenimiento, lo cual es legítimo pero quizás otra de las funciones de las cadenas públicas que teníamos que tener en cuenta es la de formar. Lo curioso es que la televisión, la formación, la cultura en el sentido más puro ha quedado en las televisiones públicas y curiosamente en televisiones temáticas privadas de pago. Entonces esto es un fenómeno en el que el acceso a la cultura como tal –historia, documentales, ciencia, arte, música- está constreñido a estas televisiones privadas y sus canales temáticos de pago, subvirtiendo quizá un poco la financiación de la televisión con la publicidad, que hace que se creen reglas un poco perversas que son contrarias a la lógica del mercado: aquello para lo que


existe más demanda se convierte en más barato, y para lo que tiene menos demanda a priori se convierte en más caro, al contrario de lo que ocurre en el mercado.

A mí lo que me preocupa es que en este momento la cultura en televisión es un artículo de lujo, lo cual me lleva a temer de alguna manera la conformación de una sociedad de dos velocidades: los que tienen acceso a contenidos culturales, que además se enriquecen porque es una retroalimentación, y los que por la razón que sea no tienen acceso a los contenidos, quizás porque son de pago, y se va perdiendo el hábito también de acceder a estos contenidos. De nuevo es la televisión pública la que tiene grandísimo papel que hacer, y lo está haciendo. Y más que debe hacerlo si se adoptara convenientemente. Como veis, la gran misión de la televisión pública es corregir ciertos desequilibrios que el puro mercado crea a veces, ciertas derivas, e ir poniendo el dedo en la llaga en la calidad, en la formación, en el rigor para crear un hábito, una opción a los espectadores de una televisión más rigurosa, más seria y, desde mi punto de vista, más valiosa. El hecho de que haya este fenómeno perverso en el que lo menos demandado resulta ser lo más caro que lo más demandado, que resulta más barato para los consumidores.

Los viejos del lugar recordamos aquellos tiempos de la televisión única, que no vamos a añorar, pero sí que se producía el fenómeno de ediciones de un cierto nivel que hoy en día a duras penas se abrirían paso. Hablamos de los programas como El hombre y la tierra, las series como Yo, Claudio, o Estudios 1, los dramáticos que había, los programas de Antonio Gala, Natalia Figueroa, o más recientemente los de Gurruchaga. Programas que no solo tenían mucha audiencia, lo cual también es inevitable porque era televisión única, sino que eran francamente muy populares. Yo recuerdo que Yo, Claudio era objeto de imitación de humoristas como Joe Rígoli. Es decir, aquellos ciclos de cine japonés que hoy en día nos echaríamos las manos a la cabeza la gente los veía, o películas de Hitchcock, la gente las veía y las asimilaba perfectamente.


Eran populares no solo cuantitativamente, que era obvio, sino que la gente las veía, las disfrutaban y las comentaban. Esto hoy en día en la televisión en abierto es imposible porque la llegada de las privadas han supuesto una subasta a la baja en cuanto a que el espectador lo tenga lo más fácil posible. Estoy de acuerdo con Javier Olivares en que no hay que considerar a un público mejor ni peor que otro, ni que un público es más inteligente que otro, pero si es verdad que se crean hábitos de mayor pereza mental que hacen que se compitan para ver quien es el que exige menos del espectador, a ver quien se lo pone más fácil, a ver quién es le relaja más, sin permitirle que ejerza esa alta cualidad que también es gratificante, que es la de la crítica, la inquietud, la de preguntarse cosas, que no es menos placentera que la pasividad. Quizás a la televisión no hay que pedirle abiertamente que forme pero sí que no mal forme, y en este sentido esto va con algunos formatos que actualmente se están emitiendo sin lugar a dudas, y lo digo tranquilamente.

Esto nos lleva al entretenimiento, que es el gran protagonista de la televisión, que se ha convertido en el entretenimiento a domicilio de la población. El entretenimiento tampoco es inocente, de su mano subyacen y van atados conceptos de la vida, supuestos y consensos sociales, porque qué es divertido y qué no lo es en función de unos consensos que se transgreden más o menos; qué es emocionante o qué no es emocionante lo es en función de unos valores comunes que hacen que sea emocionante y conmovedor aquellos que los contraríen. Siempre hay un consenso social. El entretenimiento lo abarca todo, es el programa de humor, el de testimonios, el show de realidad… el medio televisivo lo amalgama todo, lo codifica de una sola manera y la risa y el llanto son igual de efímeros. Por lo cual es verdad que la televisión tiende a trivializar. Entonces, todo puede ser llevado al entretenimiento. Todas estas cosas son subjetivas, pero de manera muchas veces discutibles. Cuando se convierte el sufrimiento de las personas en un espectáculo o sentimentalismo y lágrima fácil, pues la televisión tiene esa

responsabilidad de ver en qué terrenos esta jugando y qué esta haciendo con el espectador.

Yo pongo siempre un ejemplo de este valor de la formación, de información o de deformación: el espacio meteorológico lo ve todo el mundo todos los días, es de los que más se ve en todas las televisiones. Sin embargo pregunta a alguien dónde están las islas Azores. Todos los días del año te están hablando del anticiclón de las Azores y ¿quién sabe dónde están? ¿Alguien sabe dónde está el mar de Alborán, tantas veces mencionado? ¿O las Islas Cíes? Este valor de la televisión, cuando apela a lo racional es muy poco eficaz, la televisión funciona cuando apela al sentimiento, y el entretenimiento lo sabe muy bien. La televisión va a la barriga mucho más que a la cabeza.

Y finalmente vamos a la ficción. La importancia de la ficción, el mantenimiento y la importancia de los estándares de calidad. Yo creo que la evolución, desde el punto de vista técnico, sin duda ha evolucionado mucho la televisión. Las nuevas tecnologías han permitido abordar cierto tipo de géneros y cierto tipo de estéticas. El Ministerio del Tiempo era impensable hace unos cuantos años. Pero sí que es verdad que nos mantenemos en el terreno de lo que se entiende como la televisión de sofá, la televisión familiar, donde lo que se abre paso no es tanto lo que entusiasma a alguien como lo que no ofende demasiado a nadie. Curiosamente la televisión juega más a evitar grandes rechazos más que a crear grandes amores. El gran amor de uno es el gran odio de otro. Pero lo que soporta más o menos todo el mundo es lo que finalmente se abre paso. Es como una especie de medianía. No lo digo en términos necesariamente peyorativos, es una especie de medianía confortable que es en la que todavía esta instalada buena parte de la mentalidad de los responsables de las televisiones, pendientes de su negocio y pendientes de sus ingresos publicitarios, lo cual es perfectamente legítimo pero que, en realidad, es una mentalidad que ya empieza a estar desfasada por los fenómenos de fragmentación de audiencia,

por las otras formas de consumir y porque se puede pensar en audiencias mucho más ¿interconectadas?

Nuestro gran drama en la ficción, en los años que yo he estado trabajando en ella, ha sido la necesidad de agradar a mucha gente muy distinta al mismo tiempo. Esto hacía que el producto ideal le confitaba ese consenso en todos los miembros de la familia a esa misma hora, que está Madrid viendo la tele. Esto ya no existe, pero sigue en el imaginario. Entonces, ¿cómo consigues ese consenso? Pues a base de no herir a nadie nunca, que las aristas sean sencillas, porque si a alguien le gusta una cosa más violenta, más erótica o más terrorífica, va a haber otro que lo rechaza. Y ese que rechaza es el factor dominante, el que domina porque dice “yo no quiero ver esto”. No es que nadie se muera por ver una cosa, sino que todos estén de acuerdo en verla. Muchas veces ese juicio reposaba en el niño, este niño español que no duerme cuya presencia determinaba que se podía ver y qué no. Aquello que el adulto estima que perturba al niño no se veía. El exceso de terror, exceso de sexo, exceso de violencia, todo fuera. Y conformó esa ficción española, hasta tiempos muy recientes, meritoria, de calidad creo que creciente, que se defendió muy bien, pero que se caracterizaba por esa falta de aristas. Porque cualquier arista que por alguna razón se afila y ya hiere a alguien. Repito, herir a alguien va en contra del consenso. En esta medianía, yo creo que se han hecho cosas buenas dentro de ellas, pero es algo que a nosotros como creadores nos ha constreñido mucho siempre. A partir de un momento se apuesta más por los géneros. Recuerdo que estábamos en Comillas en tiempos de la crisis económica y se veía que la televisión iba a pasar tiempos muy difíciles. Yo predije –con mi gran capacidad de predicción que me llevó a decir que GH nunca triunfaría en España o que Galerías Preciado se comería a El Corte Inglés- que la televisión se iba a refugiar de nuevo en formatos muy costumbristas, muy de aquella hora. En cambio fue cuando llegó la eclosión de los géneros. Fue cuando comenzaron a apuntarse cosas como Águila Roja, una serie de piratas que se hizo, Roma o Hispania. Es decir, de

repente se apostó por los géneros contra todo pronóstico, porque yo pensaba que las televisiones iban a ser mucho más conservadoras. Esto lo ha terminado de permitir las nuevas tecnologías –los cromas, los CGI y demás- y a veces, con más suerte, mejor fortuna, pues se han ido imponiendo. Y esto desde luego siempre es bueno.

Nos queda esa vuelta de tuerca, que de nuevo la televisión pública es la que tiene el gran papel, que es el de apostar por esa televisión que nos haga reconocernos, que nos represente no directísimamente, sino al menos indirectamente. Creo que esta ficción que finalmente se instala en el imaginario es aquella que sobretodo habla de nosotros mismos. ¿En que se parecen El Ministerio del Tiempo o a La Que Se Avecina? En que son muy universales.

Esta ficción que se hace a veces buscando lo internacional, los “europudings” estos que se hacen que tengan un poco de casa, bueno pueden funcionar más o menos, pero nunca dejan huella real, nunca se quedan en el imaginario. A veces hay muchos creadores que se han educado, sobretodo más jóvenes, tengo que decirlo aunque suene a vejete –no es el caso de nuestro compañero, que me ha dejado sorprendido- pero si que es verdad que es una generación educada en las grandes serie americanas de HBO, show time... Buscan esa televisión. Cuando vas a lugares de estudiantes de guión y preguntas que series les gustan nunca dicen una española. Te mencionan series americanas porque es lo que quieren hacer y les digo “pero vas a hacer una serie española si os va bien. No vais a hacer una serie americana. Ved que funciona aquí”. Los de serie y televisión a veces tenemos un pique recíproco. Es curioso cómo el cine español se queja de que la gente está adocenada viendo sobretodo cine americano. Pero en la televisión el hecho de que la gente vea series españolas, porque es verdad que se ven más que las americanas, se interpreta de una manera diferente. Si ves más cine español que americano, eres culto; pero si ves mas televisión española que americana, eres inculto. En televisión todo se infravalora.

El haber conseguido la complicidad del público español casi va a la contra nuestra y del público, mientras que en el cine español la gente está adocenada por lo americano. Estas son esas pequeñas paradojas que tiene siempre la libre opinión.

Pero yo sí creo que una serie representativa, una ficción que nos haga reconocernos, reflexionar por el hecho de que, aunque no tenga elementos obvios de formación, con que reflexione sobre la realidad y la muestre ya lleva a la reflexión. El hecho de que yo vea La Que Se Avecina, que aparentemente no tiene ninguna cualidad formativa y que tiene cosas que nos pueden chocar, pero nos dice mucho de cómo somos. Habla de nosotros para bien, para mal; s reímos de nosotros mismos. Que el hecho de que algo esté reconocido de aquí ya nos hace reflexionar y tiene ese valor intrínseco. Yo siempre digo que la información, la formación y el entretenimiento nunca están del todo deslindados. Entonces el entretenimiento, la ficción ese valor testimonial lo tienen de por sí; además tiene los valores añadidos concretísimos, como El Ministerio del Tiempo, que es una serie modélica para la televisión publica porque yo estoy convencido que no es que pretenda dar clases a nadie, pero es una serie hecha por personas cultas para empezar. Personas que están contando cosas que saben y las están transmitiendo a través de un género absolutamente popular y friki como es la ciencia ficción, los viajes en el tiempo, etc. Pero es inseparable su frikismo de su carácter profundamente culto. Y esto da una audiencia que en otra cadena la pondría en duda porque no ha hecho el porcentaje que necesitamos, pero que una cadena publica puede perfectamente mantener, porque hace marca, porque atrae de momento a este público selectivo. Pero como en todas estas cosas hace unas concéntricas y acabará llegando a más gente, porque lo que realmente en un momento dado convence mucho a un núcleo acaba convenciendo a otros. Fenómenos que no nacen como masivos acaban siéndolo. Porque el entusiasmo de algunos que dicen “tienes que verla” sí que produce. En eso el público es muy generoso porque cuando te gusta algo quieres que tu compañero, tu amigo, vea la película, el teatro, la serie… y eso lo acabaremos viendo.

Series como El Caso: crónicas de sucesos, que tampoco ha tenido de momento una audiencia masiva, pero es una serie necesaria. Nos está hablando de una España que era con un tono agridulce, un tono de bastante humor, hasta cierto punto del punto del cómic, graciosa. Pero nos está hablando lo que éramos hace muy poquito tiempo. No son los sesenta, ni los cuarenta, ni los treinta ni los años diez. Y esto es algo que mucha gente joven no lo sabe y hay gente a la que le sorprende mucho. Cuéntame es otra serie que lo tiene claro, efectivamente. Por supuesto que las interpretaciones que hace del pasado son discutidas y discutibles: hay gente que dice que son demasiado light, hay gente que dice que se ve el plumero de un lado o de otro. Lo bueno que tiene es que de los dos lados dicen que se nos ve el plumero. Cuando nos critican desde los dos lados me digo que algo estaremos haciendo bien, porque seguramente no se nota demasiado. Creo que estás mostrando un pasado reciente, no por reciente menos conocido, porque ya hay una generación que no la conoció, y que además considero a la serie muy poco nostálgica. A mí me lo hizo ver un periodista en una entrevista, me dijo que era casi, casi una serie anti-nostálgica. No te presenta el pasado como mejor, Cuéntame te presenta el reverso tenebroso de cada época. Porque reflexionas, por ejemplo, los años ochenta. Crees que va ser todo risa, la movida, pero fue profundamente tenebrosa: el sida, las drogas, el terrorismo, la violencia en la calle, y eso lo mostramos. Porque es un poquito del pasado parece que hace nostalgia, pero no. Yo creo que cualquier serie hecha con calidad, con dedicación, con rigor dentro de su género –porque tanto rigor merece la serie de Brigada de Fenómenos, como rigor cabe en El Ministerio del Tiempo o en Cuéntame- de saber aplicar el criterio, uno hace que productos eficaces, y segundo, hace productos formativos. Porque te hace reflexionar sin que este permanentemente angustiado ni pensando en política con la cabeza cuadriculada. Por lo tanto, yo soy muy fan de la ficción, lo he sido siempre, me gusta mucho hacerla y sé que Fernando López Puig y Javier Olivares son unos apasionados

de la ficción. Y pienso, igual que Javier, que la ficción es una asignatura pendiente. A parte de que haces marca, haces país, se exporta. Cuéntame dicen que es más o menos cara, pero es que se pone en televisión en el canal internacional mil veces, se difunde, a parte de que se conoce en muchas partes del mundo. Exporta nuestra cultura. España sobretodo tiene un gran potencial cultural, estamos hartos de oírlo, aunque no hagan caso los que tienen que hacerlo; y la cultura es todo lo que hacemos: cine, televisión, teatro, literatura… hacemos muchas cosas más que viajan y que dicen mucho más de cómo somos que grandes declaraciones de otro tipo.

Capítulo 4 Formatos de entretenimiento

JJosé Mª Zafra consejero delegado en ZZJ, S.A.

https://goo.gl/ybajB2

Es licenciado en Derecho por la Universidad de Sevilla y Consejero Delegado del Grupo ZZJ S.A desde el año 1991. El Grupo ZZJ S.A. es líder de la industria cultural privada en la Comunidad Autónoma de Andalucía, con presencia empresarial en productoras de televisión; ZZJ S.A. Televisión, Ficciona Media S.A, Central Creativa, y Andalucía Di-gital Multimedia S.A, compañías generadoras de numerosos contenidos audiovisuales, tanto de entretenimiento como de ficción, para las prin-cipales cadenas nacionales y autonómicas en España. Sus formatos han sido adaptados y producidos en numerosos países. Asimismo, dentro del mundo editorial, es propietario del 100% de la Cadena de Librerías Beta, líder en Andalucía con 9 establecimientos, y del 45% del Grupo Editorial Almuzara, así como del 95% de la discográfica QBS. El Grupo es también propietario de Audiodescripciones S.A., empresa líder en España en prestación de servicios de accesibilidad para discapacitados sensoriales, y accionista mayoritario de NYS TV, compañía de distribu-ción de contenidos audiovisuales on line en calidad broadcast. Destaca también, su participación en Expressive Media, empresa exclusivista que gestiona los ingresos publicitarios de cinco operadores de televisión autonómicos.


Sesión Temática: Formatos de entretenimiento

INGREDIENTES PARA FABRICAR UNA TRUFA DE ÉXITO

FASE I. EL CONTENIDO NUCLEAR: LA INNOVACIÓN.FASE II. CREAR E INTRODUCIR INYECCIONES DOPANTES O ACELARADORAS DEL MUNDO SENSORIAL.FASE III. PROBEMOS LA TRUFA.FASE IV. ÉXITO O FRACASO.

LA RUTA DE LA TRUFA“Los productores somos auténticos cerdos buscando

trufas”

La ecuación es bien sencilla: Un formato de entretenimiento es y debe ser una trufa en la parrilla de la programación de un ente emisor.

Durante mi exposición, voy a tratar de daros visibilidad, pautas, acciones y pistas para encontrar “Trufas de entretenimiento”,

I. LA TRUFA PLATINOII. LA TRUFA IMPORTADAIII. LA TRUFA EXPORTADAIV. LA TRUFA GRANJAV. LA TRUFA DE LABORATORIOVI. LA TRUFA DERIVADAVII. LA TRUFA JODIDA


I. LA TRUFA PLATINOCasi imposible de encontrar, pueden pasar décadas

hasta que algún “Maestro trufero” la encuentre.

He dicho “Maestro trufero”, paremos un momento a identificar a un “Maestro trufero”.

“Maestro trufero” es John de Mol, un holandés que un día diseño un formato reality que revoluciono las televisiones a nivel mundial, simplemente porque creó y diseñó una Trufa Platino: BIG BROTHER (GRAN HERMANO). La “Trufa Platino” por definición, es la que crea un género en sí mismo.

“Maestro trufero” es José Miguel Fernández Cuadrado, conocido en el sector audiovisual con el nombre de “Lepo”. Y adquirió su condición de “Maestro trufero”, porque creó y diseñó una “Trufa Platino”, “TÓMBOLA” que también derivó en un género en sí mismo: Los programas de corazón.

Los demás, somos aprendices de Maestro trufero, en mi caso concreto, todavía no he encontrado una “Trufa Platino”, y seguramente me moriré sin encontrarla, lo tengo asumido…, pero no por ello he dejado de buscarla incesantemente por todas las rutas de trufas que hay en el mundo.

Conforme vas atesorando producciones de formatos de entretenimiento, vas llenando tu currículum vitae de todo


tipo de trufas, unas con más valor que otras, y es precisamente ese expertise o ese portfolio de producciones, el que te puede dotar de “estrellas Michelin”, cuantas más estrellas tengas, mejor aprendiz de “Maestro trufero” serás.

II. TRUFA IMPORTADASe busca en los mercados internacionales, son circuitos

muy maduros, donde te encuentras a miles de cerdos buscando trufas.

La predilección de un programador de televisión, es adaptar un formato que haya sido previamente testado, y si es en territorios como USA, UK, o Países Bajos, mejor.

Esto es así, porque en esencia, salvo honrosas excepciones, el programador es de naturaleza cobarde, porque sabe que el 80% de los formatos fracasan en su estreno, y por tanto su preocupación primaria es sobrevivir al previsible fracaso de un estreno, y si se fracasa desde un formato ya testado, es más fácil explicarle a tus mayores que tú has hecho bien el trabajo.

La Ruta de la trufa, tiene convocatorias ineludibles, Natpe en USA, el MIPCOM y el MIP TV en Cannes, el DISCOP en Bucarest, el Beijing TV Expo y el Shanghái TV Expo en China, y algunos más con alcances más limitados.

El problema está en que son mercados muy esquilmados, antes los productores acudíamos con la doble condición de vendedores de nuestros programas y compradores de aquellos programas de éxito que se habían estrenado en otros países, y las televisiones sólo acudían a mostrar sus propios programas o a adquirir producción ajena, (compras de largometrajes o ficción), dejando a los productores el trabajo de olisquear buscando las trufas, y no interferían en dicha labor.

En los últimos años, las televisiones han tenido un cambio de estrategia, y además de desplegar en los mercados


su red comercial (venta de programas producidos en su canal) y a su departamento de ajena, han desplegado su propia red de compradores de formatos, por lo que si antes éramos miles de productores buscando trufas, ahora se han sumado las cadenas, que desde una posición de privilegio, pueden olfatear el mercado con una clara ventaja competitiva con respecto al productor no emisor.

Aún así, es recomendable para el aprendiz trufero, seguir acudiendo a los mercados internacionales, principalmente por dos razones, primero porque “capturas tendencias”, “vives el mercado”, y lo que es más importante engordas tu networking, que te puede llevar incluso a obtener una “Trufa chollo”, dícese del formato cuyos derechos de adaptación ha comprado un emisor y te encarga a ti directamente la producción del mismo.

III. TRUFA EXPORTADANace sobre el éxito de una Trufa preexistente, ya que

ha fuNace sobre el éxito de una Trufa preexistente, ya que ha funcionado en un territorio concreto, y cuyos resultados medidos bajo múltiples parámetros (audiencia, target, fidelización, contenidos etc…) genera el confort necesario a la cadena importadora para tomar la decisión de adaptarla a sus gustos y producirla en su cadena.

La exportación, para evitar el deterioro de la Trufa, debe hacerse bajo unas condiciones que deben estar perfectamente definidas en lo que se llama “La biblia del formato”.

IV. TRUFA GRANJASon los formatos de televisión nacidos en un espacio

acotado y cerrado por el propio emisor de televisión.

Aquí solo entran los productores cuyas compañías están participadas accionarialmente por la cadena.

El gran implantador en España de las “Trufas granjas”,


tiene nombre y apellido, y se llama D. Paolo Vasile, Consejero Delegado de Mediaset España.

Esto nace de una reflexión estratégica hecha en el seno de su compañía, observó y detectó a gente con talento en generación de contenidos, gente que trabajaba por y para Telecinco, gente de contenidos que querían crecer, y entonces decidió abrir una nueva línea de negocios: la inversión en talento.

Es un estándar de la industria audiovisual, el reconocer al productor un 15% de beneficio industrial sobre el presupuesto de producción, por lo que si invertía en talento creando compañías participadas de producción de contenidos, conseguiría dos objetivos, el primero; dotar de medios y estabilidad a esos equipos talentosos, y el segundo; ahorrar un 15% del BºI o incluso reconociendo ese BºI, beber subsidiariamente vía dividendos de ese mismo ingreso.

Así fue, como nació la Fabrica de la Tele, que actualmente es uno de los mayores productores de “Trufa granja”.

V. LA TRUFA DE LABORATORIO. Los formatos en emisión, están permanentemente

“monitorizados”, sabemos el minuto a minuto, lo que funciona y lo que no, todos los días tenemos encima de nuestra mesa innumerables datos clínicos sobre todos ellos, pero no sólo los productores, sino también las cadenas de televisión, que obviamente hacen especial énfasis en el análisis diario de su parrilla.

Este ejercicio, que en origen hace cada uno por su lado, te ayuda a identificar “formatos enfermos”, “huecos de parrilla”´, oportunidades de negocio, que dirían los más finos, yo literalmente le llamo ponerte en “modo buitre”, porque esta profesión, tiene un problema, y es: “quítate tú para ponerme yo”.


Detectado el hueco, debes llamar a la puerta del programador, sin vacilar, sabiendo que el hueco existe, que el escaparate va a estar más pronto que tarde, y entonces, en calidad de “aprendiz trufero”, debes enseñarle una única trufa, por la que tú apuestes, y debes de dársela a probar, sin olvidar meter componentes adictivos en la trufa, para que cuando la pruebe, y saboree diga: “quiero esta trufa”, entonces ya tendrás mucho camino andado.

VI. TRUFA DERIVADA o también llamada TRUFA SWAROVSKI o POLIÉDRICA.

Se trata de presentar una trufa o formato, que va a permitir al productor y a la cadena, ingresos significativos derivados de la Trufa principal.

Ejemplo: “Trufa Cocina con Clan”

Es una Trufa sobre un programa de cocina donde los niños más pequeños cocinan recetas atractivas, y su emisión, además de tener un resultado de audiencia bueno, porque has decidido ir a un target muy concreto, menores de 4 a 8 años, vas a poder sacar “Trufas derivadas”, que supondrán ingresos comerciales para la cadena y el productor, son las licencias de productos.

El libro.La revista.Los DVD’sLos talleres de cocina en los colegios, etc…

VII. LA TRUFA JODIDA.Todo el mundo sabe de fútbol, todo el mundo sabe de

televisión, todo el mundo puede crear “a priori” un formato, en definitiva todo el mundo cree saber hacer trufas.

Es lo que yo llamo la “Trufa jodida”

Te llama un conocido, y te dice, oye José María, tengo


un muy amigo que es Catedrático de Ciencias aplicadas por la Universidad Pompeu Fabra (ya estamos jodiendo), que es un coco y tiene una idea, ya escrita, de un formato de televisión, hombre, he pensado que como tú eres productor de televisión, por favor, te paso su contacto, te ves con él, y a ver si lo sacas adelante.

Eah, ya tenemos el lío, te ves en el compromiso de tener que verte con una persona, que te mete una charla sobre la materia en la que es docto, pero que en el 99% de los casos la Trufa es hasta perniciosa para el consumo humano.

Y ¡ojo!, que dentro de las “Trufas podridas”, hay categorías. La que he explicado anteriormente es una “Trufa jodido compromiso”, pero está también la “Trufa jodida de efectos secundarios”, esta es peligrosísima.

Un profesor de instituto, al cual no conoces, te envía a tu atención un sobre gordo cerrado, lo abres y te encuentras un “Quijote” de formato de televisión, basado, por ejemplo, en un formato de cocina.

Obviamente, tú tienes tus propios creativos, que llevan meses, e incluso años, diseñándote una Trufa de formato de cocina, al haber abierto el sobre del profesor de instituto, acabas de “contaminar” tu propio proceso creativo, ya que seguro que en esa documentación recibida, hay ingredientes muy parecidos a los que tu equipo está utilizando, y si finalmente sacas tu propia trufa, el profesor de instituto, te pone una demanda diciendo que tu trufa se basa en lo que él te mandó, el tema se judicializa, y ya tienes un frente abierto que te impide seguir creando trufas con tranquilidad.

Nosotros tenemos una Noc, norma de obligado cumplimiento en nuestra compañía, cualquier proyecto de alguien desconocido que recibimos, no lo abrimos, directamente lo introducimos en otro sobre, junto con una amable carta, agradeciéndole que se haya dirigido a nosotros,


pero declinando el proyecto, haciendo especial mención a que nuestra compañía no trabaja sobre proyectos externos.

Esta es la única manera de desactivar una “Trufa jodida con efectos secundarios”.

INGREDIENTES PARA FABRICAR UNA TRUFA DE ÉXITO

FASE I.- EL CONTENIDO NUCLEAR. INNOVACIÓN.No existen ingredientes de éxito, existen ingredientes de

no fracaso, esto es, que si no los usas en el diseño de tu trufa, esta será poco comestible y morirá en la cata de la audiencia.

Los ingredientes de no fracaso, deben estar en el contenido nuclear.

El Contenido Nuclear. Es la base del formato, define el género, la duración, el nombre del programa, (que debe ayudarte con la sola mención del mismo, a saber de qué se trata), la escenografía, la musicalización, el guión, la escaleta, el ritmo televisivo, el tempo, la artística, el presentador, la realización, en definitiva, multitud de ingredientes que tienen que ser mezclados con sumo mimo e inteligencia, que realmente te lleva al campo de la nanotecnología. Aquí una pizca, aquí un detalle, un miligramo de más de un determinado ingrediente cuenta.

Todos estos ingredientes, se encuentran en mayor o menor medida dentro del cosmos audiovisual, por lo que el aprendiz de trufero, debe tener la capacidad de saber acceder a ellos, INNOVAR, que no CREAR, esta apreciación es importante, mediante la innovación, estamos utilizando ingredientes ya preexistentes, que son alineados por ti, según tu propia intuición o saber hacer, con esto tendremos el contenido nuclear con un fuerte blindaje para evitar el fracaso.


FASE II. CREAR E INTRODUCIR INYECCIONES DOPANTES O ACELERADORAS DEL MUNDO SENSORIAL.

La audiencia son personas, las personas son sentimientos, el aprendiz de trufero, es ahora cuando se pone en “modo crear”, y tiene que decidir, el uso de sustancias dopantes, edulcorantes, sintéticas o naturales, que mezcladas entre sí, generen el “alma” del formato, la idea que identifica el formato. De su habilidad en el uso de ellos, dependerá que la industria audiovisual pueda decir: “habemus formato”.

FASE III. PROBEMOS LA TRUFA.La trufa no es un “paper format”, ni tan siquiera un

piloto de programa, la trufa es el formato emitido en una cadena de televisión y que ha recibido el respaldo de la audiencia, la trufa es materia orgánica viva y mutante, que debes saber mantener poniendo énfasis en los inputs que vayas recibiendo de los propios análisis de audiencia y de los responsables de contenidos de la cadena, que siempre le tienen tomada la medida a su público.

FASE IV. “ÉXITO O FRACASO”. PPartiendo de la base de que los productores o

aprendices truferos por nuestra propia naturaleza, solemos ser gente que tenemos tan mala suerte que, “acudimos a los Toros y nos dan un balonazo”, por eso debemos trabajar todos los días de sol a sol, tratando de divertirnos, porque si no somos felices, no seremos capaces de crear la “Trufa perfecta” que entretenga al mayor número de personas posibles.

Como titular de cierre, os diría que la narrativa audiovisual de los contenidos está en crisis, y precisamente esa crisis es la oportunidad que todos tenemos de encontrar nuestra TRUFA.

AJosé Miguel Fernández Cuadrado. Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense. Imagen y Sonido. Periodista.30 años en la producción de televisión, desde “Las mañanas con Jesús Hermida” a “Los Descendientes ”. Productor ejecutivo y creativo de más de 65 programas de televisión. Ha trabajado para los siguientes canales de televisión; Canal Sur TV, Antena 3, T5, Cuatro, La Sexta, ETB, TVG, Aragón TV, Canal 9, Azteca Tv, Gama TV…Testigo en primera línea y participe de la evolución y el cambio ocurrido en el mundo del entretenimiento en la televisión desde el monopolio de TVE hasta la Televisión Digital.Actualmente, desempeña su trabajo como CEO de la compañía audiovisual Happy Ending TV.

Alejandro VegaDirector de RTVE Digital



Sesión Temática: Formatos de entretenimiento

Es muy frecuente confundir formato y programa, hay dos definiciones muy claras que aúnan el concepto de formato. Una tiene que ver con el copyright y la otra se relaciona con el branding. Un programa de televisión adquiere el nivel de formato cuando tiene la posibilidad de ser comercializado o tiene capacidad de ser internacionalizado. Al mismo tiempo, la palabra copyright es la base de la que deberían vivir todos los productores, es una palabra que tiene mucho sentido pero a la que muy poca gente hace caso. Ser poseedor de unos derechos, de una idea original, es el cimiento que sustenta la capacidad que tienen los productores de ir a distintos mercados y de vender programas de televisión.

Diego Guebel, uno de los grandes creativos del mundo junto a John Demol, da otra definición que explica de forma clara las características que posee un formato.

La primera de ellas es el éxito, no existe formato si no existe éxito. La segunda es la originalidad y el valor de marca, los formatos tienen que tener un punto de originalidad


y deben impactar cuando se emiten. Además deben poseer copyright y un valor de marca para que el público conozca el producto antes de su emisión.

Los formatos también tienen elementos únicos e identificables (elementos escenográficos, de dinámica, de reglas, de grafismos…); deben ser adaptables a diferentes culturas y a diferentes territorios; y tienen que ser fácilmente replicables, en realización, en cuanto a los contenidos y en la producción. Estas cinco características son esenciales para ser un buen comprador y un buen vendedor de formatos.

Hay un elemento importantísimo en el mundo de los formatos, y es que hay que comprarlos. Normalmente se paga por ellos un 7% del presupuesto, y lo normal es recibir a cambio una biblia escrita en el idioma original del programa para guiar la realización y la producción del mismo.

En 2004 se estrenó con gran éxito en la NBC “The Apprentice”, un formato importante que el equipo de Producciones 52 decidió comprar a Mark Burnett, otro de los gigantes de los formatos. Tras buscar a un posible director del programa para venderlo a Televisión española, como Juan Villalonga o Florentino Pérez, Luis Fernández se marchó de la cadena y el intento de venta fue fallido. Afortunadamente nació


La Sexta y el nuevo canal pensó en emitir este programa, así que la productora llegó a un acuerdo y comenzó a producirlo.

El formato había sido un gran éxito en Estados Unidos, Donald Trump era un personaje muy famoso, y el grupo tuvo la suerte de venderlo a La Sexta, que a su vez tuvo la inteligencia de hacer una gran campaña de promoción. España entera se llenó de afiches sobre la presentación de “El aprendiz” y el momento más visto fue la cabecera, que consiguió un 7%, pues se emitió un minuto después de que Pau Gasol levantara la Copa del Mundo de baloncesto, en el año 2006.

Pero al final el programa terminó siendo un absoluto fracaso y, en un análisis posterior, se comprobó que no contenía ninguna de las características citadas anteriormente. Ni tenía valor de marca, ni Bassat o Trump eran conocidos, ni contenía elementos únicos e identificables, ni era replicable. Además, conceptualmente hablando, en España no interesa mucho un show basado en gente emprendedora.

A partir de ahí, el equipo aprendió que para comprar formatos y tener éxito había que seguir unas reglas. Pero años después volvieron a repetir el patrón comprando un formato sueco, “Svenska Hollywoodfruar”, un docurreality que mostraba la vida de varias mujeres suecas en Hollywood.


El show tuvo un éxito tremendo en su país de origen, por eso decidieron apostar por él y, justo el día de su presentación, Cuatro decidió comprarlo.

Una vez habían cerrado el trato, y se habían puesto manos a la obra con la producción, se dieron cuenta de la dificultad de encontrar a varias españolas millonarias, que residiesen en Hollywood como auténticas americanas, y que además quisiesen participar en el reality. No habían pensado al adquirir el formato que los rasgos físicos de las suecas y su destreza para manejarse con el inglés, les hacían pasar desapercibidas entre las mujeres californianas y les facilitaba el poder integrarse de una manera sencilla. Esto se convirtió en uno de mis mayores retos como profesional.

El programa se estrenó con el nombre “Casadas con Hollywood” y tuvo mucha audiencia. Funcionó tan bien que el público pidió alargar su emisión, pero para el equipo esto era muy difícil, sobre todo porque casi todo el contenido era ficción. Había que tener mucha imaginación para crear, con cuatro mujeres adineradas, todo un mundo de ficción, de glamour y de Hollywood. Al final lo resolvieron haciendo una segunda parte en Florida, llamada “Casadas con Miami”, que también fue un gran éxito y despertó más interés por parte del público. El grupo tuvo que ignorar las peticiones de los


espectadores y terminar el programa, que se convirtió, una vez más, en un fracaso; no por la audiencia sino por no respetar de nuevo ninguna de las reglas anteriores, especialmente por haber comprado un formato difícilmente replicable. Es por ello que no me siento especialmente orgulloso de haberlo realizado.

Pero no sólo he comprado formatos, también tengo la experiencia de haberlos vendido. “Gente con chispa” es un buen ejemplo, el programa fue comprado por varias cadenas autonómicas y tuvo mucho éxito, estuvo cuatro años en antena hasta que Jesús Vázquez, el presentador, lo abandonó. Aun así, fue muy rentable porque se vendió a México y allí también triunfó. Su éxito no es de extrañar, pues este show sí cumplía con las características mencionadas anteriormente, tenía elementos escenográficos que le otorgaban identidad propia, así como unas reglas, un grafismo determinado, era original… y una de las cosas más importantes es que tenía marca.

Otro programa muy importante fue “Tómbola”, que se convirtió en un formato novedoso en España, pero tuvo un fallo importante, y es que nació en una televisión pública, por lo tanto no encajaba bien con los requisitos que deben cumplir los programas que se emiten en ella. Al final fue muy


replicado, sin pagar derechos, y hoy en día siguen existiendo programas que viven de haber seguido el hilo de “Tómbola”.

Los programas que nacieron para hacerle competencia, lo fagocitaron de una forma muy sencilla, ofreciendo más dinero a los invitados. Hasta que el show pudo llevarse finalmente a una televisión privada en México. Pero tampoco triunfó de esta forma, pues una de las características decía que un formato de éxito debe ser adaptable a diferentes culturas y territorios, y el programa sufrió en México multitud de altercados que obligaron al presidente de la compañía a retirarlo.

“La báscula” es otro de los programas exitosos que he vendido y que cuenta con todos los requisitos comentados, tiene marca, un grafismo común en todas las comunidades en las que se emite, el mismo decorado, el mismo tipo de presentador, el mismo guion, casting, vestuario de los concursantes, báscula… todo exactamente igual y absolutamente replicado en contenido, en producción y en realización. Cumplir con todo esto lo ha llevado a seguir actualmente en antena.

RRafa Guardiola ha pasado los últimos 25 años dedicado a la comu-nicación y el entretenimiento, en medios impresos y radio, pero sobre todo en televisión. Pionero en los tiempos fundacionales de la TV temática en nuestro país y especialista en entretenimiento televisivo, ha participado como guionista, coordinador, creador de formatos, subdirector y director en una veintena de programas y pasa por ser un gran especialista en uno de los géneros más ge-nuinos del medio: los concursos. Actualmente es director de “Pa-sapalabra”, el concurso líder de la televisión española, que emite Telecinco de lunes a viernes, a las ocho de la tarde. Compagina esta actividad profesional con la dirección general de Xanela Pro-ducciones y DIP 360, compañías desde las que se dedica principal-mente a la investigación y desarrollo de nuevos formatos y progra-mas. Frecuente conferenciante implicado en todo lo relacionado con la creación de formatos televisivos, es aragonés militante, está casado y tiene un hijo.

Rafael Guardioladirector general de Xanela Producciones y director de “Pasapalabra”

PRODUCCIONESanelaX



Sesión Temática: Formatos de Entretenimiento

La televisión atraviesa actualmente uno de sus momentos más importantes. El medio, tal y como lo entendemos tradicionalmente, no va a desaparecer ni tampoco está viviendo un tiempo de cambio o de evolución, sino que se está reinventando absolutamente para seguir existiendo.

Las casas se han construido durante décadas en torno al televisor. La orientación del salón dependía del lugar en el que se colocase el aparato y era el constructor el que decidía dónde instalar la toma de la antena. Pero actualmente las cosas han cambiado, con la aparición de los nuevos dispositivos, los televisores ya no se encuentran sólo en el salón, sino también en la cocina, en la habitación de los jóvenes en forma de ordenador, e incluso en la calle o en el trabajo en forma de Tablet y de Smarphone.

Hay un palabro fundamental a la hora de hablar de la creación de los formatos de entretenimiento, lo “glocal”, una mezcla entre lo global y lo local. A la hora de crear un formato de televisión, de entretenimiento y un formato que pretendamos que tenga éxito, es necesario que no se circunscriba a un territorio físico determinado, y que pueda viajar perfectamente de lo local a lo universal. Esta es la diferencia básica entre lo que es un formato y lo que es un programa de televisión.

El primero reúne todas las características necesarias para tener éxito, y permite a cada territorio que lo compra hacer su programa; de este modo, el formato tiene la capacidad de ser fácilmente adaptable a las necesidades del tipo de público que existe, a las necesidades presupuestarias básicas, especialmente hoy en día, y a los gustos de la audiencia.


Esta es la base de la que no debemos huir a la hora de hablar del tema, ya que una cosa es un formato de televisión y otra cosa es un programa. De la misma manera que una idea no es tampoco ninguno de estos términos. Una idea, para convertirse en un formato de televisión necesita mucho sudor, muchas horas, mucha experiencia y mucha dedicación.

La historia de la televisión nos ayuda a entender ese viaje de lo local a lo glocal, o viceversa. El punto de partida son los géneros de televisión que todos conocemos porque son altamente reconocibles y nadie duda de ellos. Todos han nacido en un ámbito específico y posteriormente se han desarrollado de forma universal.

El primero es el informativo, que nació en una cadena local de Nueva York con tan poca cobertura que sólo llegaba a algunas zonas de Manhattan. Poco a poco se fue desarrollando hasta que la CBS decidió, finalmente, ponerlo en antena de forma continuada. Y por aquel entonces constaba de un presentador que leía todas las noticias con la cabeza gacha, aunque a veces el equipo insertaba fotos, gráficos o historias para hacer el programa un poco más entretenido. Hoy en día nadie duda de que el informativo sea un formato global y que su recorrido desde que nació, en el medio local, hasta la actualidad, en la que está extendido universalmente, es clave fundamental de su éxito.

También ha influido en ese éxito su adaptación correcta a cada uno de los territorios en los que se emite.

Otro formato universal que todos conocemos es el talk show. Este género nace también en un ámbito específico, en una pequeña cadena estadounidense. Consta fundamentalmente de un presentador, ubicado en una mesa, que entrevista y hace diversas preguntas a una serie de invitados, sentados en un sillón a su derecha, de modo que el programa se torna en una especie de charla tranquila entre ellos. Actualmente, la fórmula sigue siendo muy similar a la de entonces, y el talk


show se ha convertido en otro ejemplo de viaje de lo local a lo global.

Todos los formatos pueden emitirse en cualquier cadena, sea grande o pequeña, pública o privada… o tenga cualquier otra particularidad. La clave para hacerlo es saber adaptarlos a las necesidades específicas de cada una, teniendo siempre claras las características sociales y de público que cada cadena necesita, así como las necesidades presupuestarias.

Un claro ejemplo sobre la importancia de lo local y su transformación en lo global es la serie danesa “Borgen”, que ha triunfado hasta el punto de ser la protagonista, en los últimos meses, de la disputa política que hemos vivido en este país. Es una serie local, que no nace con unas pretensiones universales pero que ha terminado realizando perfectamente ese viaje. A pesar de basarse en la sociedad danesa y en su realidad, nadie duda de que es una serie maravillosa y que va a terminar desarrollándose y adaptándose a distintos países.

Otro ejemplo es el programa “Chelsea”, de Chealsea Handler, que se emite en Neflix. Es un talk show que cuenta con todas las características típicas de este tipo de programas: monólogo inicial, entrevistas, reportajes… Nace en lo local porque está hecho en un pequeño canal norteamericano, que ha comprado Neflix, pero viaja tan bien hasta lo universal que actualmente se emite, tres veces a la semana, en 190 países.

Concluyendo, para transformar un formato en un programa lo esencial es el contenido, por mucho dinero que se invierta en él, si no está bien adaptado a las necesidades de cada territorio, va a terminar siendo un absoluto fracaso.

Capítulo 5 Formatos para la Web

LLucía González es la editora jefa de Verne, la web de El País de-dicada a explorar internet y explicar los procesos que llevan a que algo se convierta en viral. Coordina una redacción de ocho perso-nas en Madrid, además de colaboradores externos, más un equi-po de dos personas en Verne México. Formó parte del equipo que lanzó El Huffington Post en España y antes trabajó siete años como redactora y editora en elmundo.es. Está especializada en es-trategias de desarrollo de audiencia y en experimentar con nuevas narrativas.

Lucía GonzálezEditora Jefe en Verne (El País)

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Sesión Temática: Formatos para la Web

El proyecto de Verne nace en octubre de 2014 dentro

de El País para tener un proyecto que mire a todo eso que se llama ahora viral, que es la palabra de moda. Lo viral tiene peso ya incluso en los telediarios de cualquier cadena pública, por supuesto en los de las privadas, en todos los periódicos regionales, de tirada nacional, en todas las revistas, y en todas nuestras redes sociales. Este proyecto nace con la intención de mirar a lo viral pero con un formato periodístico.

Y nace en un panorama que hace quince años, cuando yo estudiaba la carrera, no existía. Es un panorama que a todos nos ha pillado ya adultos y nos hemos tenido que ir adaptando a que además de tener una vida real, hay otra vida digital otra cultura web en la que se crean y se difunden muchos tipos de historias.

El lema de Verne es “Recorrer el mundo de lo asombroso”. Reivindicar Internet como un sitio para encontrar historias curiosas, y tenemos un lema que es “En Internet hay mil maravillas por minuto”. Esto nosotros lo


aplicamos a todo tipo de historias. Creamos contenido que creemos que puede tener potencial viral, para que se mueva sobre todo en redes sociales, y hacer crecer tu audiencia a través de redes sociales. Y también nos hacemos eco de todas estas cosas de cultura digital que se viralizan y llegan hasta nuestro Facebook o nuestro Twitter.

Yo os quería recalcar que nosotros nos tomamos igual de en serio resolver el misterio de “¿Por qué el Sugus es azul?” como hacer una investigación, encargarle a una colaboradora que vive en Canadá que nos explique por qué su gobierno ha acogido a veintitantos mil refugiados sirios y España no había acogido a ninguno.


Nosotros somos todos periodistas que nos hemos criado todos en la parte digital de los periódicos y reivindicamos mucho el trabajo que se puede hacer desde una mesa digital. Desde la investigación hasta el periodismo explicativo (que es cada vez más necesario). El espectador ya no viene a tu medio y tienes que ir de “caza”, compitiendo en un espacio muy pequeño, que es la pantalla del móvil, y cada vez más les atraemos a través de redes sociales. Esto significa que cuando un lector llega a Verne a través de redes sociales ha tenido un montón de ventanitas, que tiene el mismo tamaño, y que también le están ofreciendo un montón de buenos temas, además del contenido que les ofrecen sus propios amigos de fotos y de historias.

Robar la atención es el próximo reto que tenemos que desarrollar. Y de ahí la importancia de saber cómo tenemos que enfrentarnos a ello. Nosotros para ello nos preguntamos por qué pasa cualquier cosa, porque todos somos curiosos por naturaleza y a los lectores les encanta el porqué. Y creo que el periodismo explicativo ahí tiene un gran nicho. Hay una web en EEUU que se llama Vox, que creo que lo está haciendo de forma muy acertada, porque no lleva la velocidad de la última hora, sino que se ha especializado en masticártelo mucho para que luego lo entiendas muy bien y sea una explicación tan buena que la quieras compartir en tus redes sociales.


Planteamos cualquier tipo de explicación, ya sea “El rumor del Mini Boy” que es recurrente y sale cada poco, o “Qué confirmó Miami en la canción de La Gozadera”, o lo de los refugiados, todo con la misma ética. Y sobre todo también teníamos muy claro que a la hora de distribuir en móvil, teníamos que estar pensando ya en todo el tema visual. Tienden a viralizar mucho mejor, se comparten más estas historias, y dado que robar la atención es difícil, si alguien puede leer una historia en un gráfico y no en quince párrafos, suele resultar mejor. Aunque el formato largo, misteriosamente para algunos sigue funcionando muy bien.

Nosotros realizamos infografías de cualquier tipo de cosas, nos hemos metido también a hacer vídeo nativo para Facebook, este que se puede ver en silencio y sin auriculares, simplemente con letreros, que parece como volver al cine mudo, porque la mayoría del vídeo que se consume en Facerbook se está consumiendo sin audio. Es decir lo tiene, pero la gente lo consume sin él simplemente leyendo los letreros.

Para nosotros también es muy importante elegir la plataforma una vez que seleccionamos un tema, y dentro de todas las que probamos de vez en cuando, os quería comentar una cobertura que hicimos en Snapchat, que es la nueva red social de Millennials. Para mi es difícil de entender; es


contenido efímero que desaparece a las 24 horas, reivindica el vídeo vertical, que durante años ha estado muy denostado para los que trabajábamos en web y al generarlo te obliga a generar mucha interacción, incluir mucho emoticono, muchas frases, es una forma nueva de narrar. Pero resulta bastante interesante.

Esta es una historia que vimos en una web extranjera sobre un peluquero de Madrid que cortaba el pelo con catanas y con sopletes. Lo consideramos un contenido que podía interesar a los Millennials y los hicimos en Snapchat y luego compartirlo en nuestras redes y en nuestra web un día después contándolo como una noticia normal, pero aprovechando todo el contenido visual.


Otra de las cosas que hacemos en Internet es cuestionarnos cualquier cosa, especialmente lo que parece muy bonito o a primera vista parece un historión. A la hora de encontrar la mejor forma de contarlo, sobre todo cuando hacemos contenidos que son más duros, o simplemente los contenidos más emotivos que se mueven en las redes sociales, también pensamos además de la plataforma, el formato que debe tener. Y somos unos firmes defensores de que se pueden aplicar enfoques de contenido “soft” de los que se han hecho en las revistas toda la vida, como comparar cómo le cambia la cara a una famosa, y utilizarlo en otro tipo de situaciones. Es una forma de conseguir llamar la atención al lector a temas a los que quizás le podría costar más trabajo entrar o hacerte el favor de darte un clic.

A la hora del formato, todo lo que tiene que ver con la gamificación, con hacer que la gente interactúe y juegue y se lo pase bien, es otra de las tendencias que te sirven para ganar tiempo de permanencia en página y para que luego la gente lo pueda compartir. Nosotros a veces hacemos test, unos son más tipo “Superpop” en plan “¿Qué tipo de bar eres?”, otros son las preguntas de un “Test de españolidad”. Es decir, que un contenido duro una vez más lo puedes adaptar con un formato “soft” al mismo tipo de esquemas.


Otro formato que hacemos es el de “Listas”, que ha sido una de las grandes tendencias estos últimos años, sobre todo en webs. Trabajamos también mucho la “primera persona”, por ejemplo el tema “Cocinamos la pizza sin horno”, que se ha visto más de un millón de veces. Era algo tan visual que lo grabamos y lo hicimos por Snapchat.

Al estar integrados en “El País” tenemos la posibilidad de hacer proyectos más grandes, como programar una web a la que le puedes preguntar si ¿Hay ya presidente?

Cuando nuestra redacción empezó a crecer entró una community manager porque el peso de las redes y cuidarlas es cada vez más importante. Actualmente puede llegar a tener tanta importancia la portada de “El País” como las redes sociales de “El País”. La gente que es responsable de las redes tiene tanta responsabilidad como los responsables del portal tradicional, y dentro de poco llegará más gente a través de las redes que a través del portal.

Todo esto lo hacemos con una mirada periodística a lo viral, trabajamos mucho este concepto y nos hemos preocupado de formarnos, de poder analizar las reglas, las estructuras, las inspiraciones de esos contenidos virales. En este sentido suele haber ciertas modas: experimentos


sociales sobre piropos ha habido muchísimos, formatos de testimonios encontrados como esta campaña del cáncer, funcionan superbién porque la gente empatiza muchísimo.

También hacemos mucho “Desmentido de bulos” que es otro de los formatos que más abundan por Internet.

Y una de mis secciones preferidas de Verne es “En primera persona”. Son textos donde la ausencia del periodista no es total porque está trabajado por nosotros con los autores, pero una vez que lo lees entras de lleno en la historia, empatizas mucho con ellos y funciona muy bien en redes sociales.

También reivindicamos el formato largo, que hacemos


muchas veces para explicar cosas curiosas, y se siguen leyendo mucho en Internet.

Dentro de toda la producción de contenido viral hay un método, os recomiendo mucho este libro, que es de Delia Rodríguez, la persona que ideo Verne para “El País”. Este libro explica cómo se hacen desde dentro contenidos virales y cuáles son las emociones que te llevan a compartir.

La incorporación de análisis de tráfico para los periodistas web está siendo algo que cambia absolutamente la forma en la que trabajamos. Hemos empezado a aprender de


los hábitos del lector. Ahora trabajamos en tiempo real con datos de cómo están funcionando los temas en redes, desde nos llega el tráfico, si es a través de Twitter, de Facebook, de la home de “El País” de la nuestra, etc. Y todo eso es muy útil para crear estrategias.

Una breve mención al uso y abuso de los titulares y al maldito “Clickbait”, que son esos titulares que te obligan a pinchar para contarte lo bueno de la noticia. Ahora con las analíticas web cada vez puedes ir afinando y mejorando más tus contenidos, y puedes hacer incluso “Test A/B”, probando con dos titulares o dos fotos, y después de un rato el medidor te dice cuál de los dos titulares o las dos fotos ha funcionado bien.


El auge de lo viral nos influye por tanto en muchas cosas y al final es importante estar en todas partes para poder captar la atención del lector y entretenerle, informarle y formarle. Y hay que estar en todo, porque hay gente que les vuelve a encantar recibir newsletters; hay quien prefiere plataformas como Whatsapp o Telegram que te permiten llegar directamente al móvil, y hay gente en plataformas como Snapchat que están empezando y están cambiando las formas de relacionarnos con el vídeo en el móvil.

MMiguel Campos Galán (Segovia, 1984) es licenciado en Comu-nicación Audiovisual por la Universidad Rey Juan Carlos. Tras realizar un Máster de realización y creación de nuevos formatos (Universidad Complutense de Madrid) se especializó en la crea-ción de contenido multimedia online. Trabajó seis años en rtve.es como realizador web, participando 4 de esos 6 en el Lab, proyecto multipremiado de RTVE. En el 2015 cambió RTVE por eldiario.es para coordinar y dirigir su equipo multimedia. A principios de este año ha comenzado un nuevo proyecto: dirigir el departamento multimedia de PRISA Radio Musical.

Prisa Musical se encarga de la producción de las cadenas musicales, tales como Los40, Cadena Dial, M-80, Máxima fm...

Miguel CamposResponsable de vídeos en Prisa Musical




En resumen hago videos para internet desde hace un montón de tiempo. Empecé en RTVE.es y allí viví ese momento en que yo muy joven me sentaba frente a un realizador de televisión que llevaba haciendo formatos de éxito muchos años, me presentaba como realizador web y se reían de mí. En aquel momento nadie quería hacer vídeos para la web. Los vídeos para la web eran lo que sobraba de la televisión. Nadie veía vídeos en internet. Esto fue hace muchos años. Ahora todo el mundo quiere hacer vídeos para la web.

Voy a explicarlos cómo se consumen los vídeos en internet, cómo se hacen y voy a responder a la mítica pregunta de cuánto debe durar un vídeo en internet para que no sean aburridos.

Al principio los vídeos en internet eran vídeos de gatitos. Me gusta mucho recordar la leyenda urbana de la creación de YouTube, que cuenta que sus dos creadores estaban en una fiesta donde todos tienen cámaras digitales y graban vídeos. Ellos eran informáticos, pero en la fiesta había muchos que no eran informáticos. A la mañana siguiente ellos suben los archivos a un FTP pero la gente que no era informática no se manejaba bien con los FTP y no tuvieron acceso fácil a esos vídeos. Entonces piensan en crear una web donde poder subir tus vídeos y poder verlos fácilmente e interactuar con ellos. Me gusta esta idea de que YouTube nace por una cuestión de vídeos amateurs. Es decir, yo comparto mis vídeos que hago con mis amigos. No hay una profesionalización detrás de eso. No lo crean pensando en que grandes empresas empiecen a


producir vídeos para colgarlos. Por eso al principio los vídeos en internet eran todos vídeos de gatitos y luego llegamos los profesionales.

¿Por qué llegamos los profesionales? Básicamente porque el consumo de vídeo online no ha parado de crecer. Del 2011 al 2015 los segundos que pasamos en el vídeo digital crecen exponencialmente desde 13 segundos a 1 minuto y 55 segundos, mientras que los demás más o menos se mantienen. Todos podemos entender las claves; más ancho de banda, móviles con pantallas más grandes, dispositivos cada vez más potentes y generadores de contenido que cada vez prestamos más atención al vídeo.

Prestamos más atención al vídeo porque da dinero. Los vídeos dan dinero, porque los pre-rolls dan dinero y si se consumen muchos vídeos en todas partes, eso es mucho dinero moviéndose. En las portadas de los grandes medios en la web podemos ver la evolución con respecto al vídeo desde que comenzaron hasta ahora. El caso del diario Marca, por ejemplo, es impresionante; actualmente un 80% de su contenido es vídeo. ¿Por qué? Porque mueve mucho dinero.

Otro tema importante es que el consumo de vídeo tiene una tendencia al dispositivo móvil. Es decir vamos a una multipantalla. Los datos no indican que en la franja de 18 a


34 años, del público que ve vídeo digital diariamente, el 98% lo hace a través de Smartphone. En este sentido, las tabletas parecen haber tocado techo en cuanto a consumo, pero el Smartphone se está disparando.

Frente a esto, nosotros que producimos contenido online, podemos pensar que nos da igual donde nos vean. Creamos contenido porque queremos contar historias. Pero eso es un error. Porque el vídeo móvil implica una duración menor. El dispositivo afecta a cómo consumimos el contenido. No podemos pensar que la gente va a permanecer tanto tiempo con la pantalla del móvil como va a hacerlo con la tele.

Aunque webs como Vice tengan reportajes que pueden llegar a los 30 minutos, no puedes esperar que tu contenido


sea consumido igual en móvil que en la tele. Si hemos visto que el consumo de vídeo cada vez crece más, no podemos esperar que nuestros usuarios estén 15 minutos con un solo vídeo.

El otro factor que afecta a la duración de los vídeos es la importancia del consumo “onthego”. Es decir, el usuario consume en movilidad, en cualquier lado. Yo creo vídeo para internet y me encantaría que la gente viera mi contenido en pantallas de 48 pulgadas, con un buen sonido y prestándole toda su atención, pero no es así. Lo están viendo en el baño, preparando un café, en el metro, sé que lo están consumiendo “onthego”. Con su dispositivo móvil ven mi vídeo y si les gusta ven un poco más, y si no les gusta pasan a otro. En este sentido, el “onthego” de 2012 a 2014 sube.

Entonces, ¿cuánto tiene que durar un vídeo online? Yo soy realizador, no periodista, y he tenido esa discusión con periodistas todo el tiempo, y seguirá pasando. Y soy yo siempre el que dice “tenemos que hacerlo más corto” y el periodista me dice “esta historia necesita un poco más de tiempo” y yo le digo “sí, sí, pero tenemos que hacerlo más corto” y se queda con algunos minutos de más. En este sentido recuerdo mi paso por ElDiario.es, un periódico que tenía contenidos de largo formato y querían aplicar ese largo formato al vídeo. Y teníamos algunos problemas no sólo en las reproducciones sino con el engagement con el público. La gente no compartía los vídeos, no daba “me gusta”, ni hacía clic sobre los vídeos, mientras si lo hacía con los artículos.

La siguiente gráfica es demoledora. Refleja el tiempo que aguanta la gente viendo vídeos en internet. Hay una barrera entorno a los 2 ó 3 minutos en la que retienes a un 65% de la gente, que está muy bien. Y si tu vídeo dura más de 10 minutos tienes que tener en cuenta que de cada 100 personas que empiecen a ver tu vídeo te van a quedar 7 u 8 al final del vídeo, lo cual es muy poco. Esto se debe fundamentalmente a que el consumo en internet es un consumo “onthego” y no un consumo de tele.


Si pensamos que nos van a consumir cada vez más en móvil, porque los dispositivos están cada vez más preparados y la gente cada vez tarda menos en apagar mi vídeo cuando está en el móvil, ¿esto qué quiere decir?

Podemos sacar varias conclusiones:1. La gente nos ve “mal”. Es terrible decir esto, pero es

así. La gente no nos ven como nos gustaría que nos viesen. Y tenemos que acostumbrarnos a ello.

2. Los vídeos más cortos tienen más compromiso por parte del público. Esto es así. A todos nos gustaría hacer vídeos de una hora y media pero por ahora creo que no vas a conseguir un engagement del público.

3. Si vamos a hacer un vídeo largo, tengamos en cuenta


que la mayoría de nuestro público se habrá ido antes de los 3 minutos. ¡Pongamos lo más interesante al principio! Esto es muy buen consejo. Un mal arranque no es bueno en internet.

4. La respuesta a los vídeos de 6 minutos es prácticamente la misma a los vídeos de 10 minutos. Si la audiencia que te sigue 6 minutos la puedes mantener hasta los 10 minutos. Yo creo que esa es la audiencia que no está “onthego”. Es audiencia que está en buenas condiciones para ver tu vídeo y le has interesado.

5. Lo más importante: tu vídeo tiene que durar lo que pida la historia. Sea 1 ó 25 minutos. Pero una buena edición y concreción nos lleva a vídeos con mayor implicación con la audiencia, más ratio de finalización y son más acordes al tipo de consumo que reflejan los datos. Sin embargo el contenido sigue siendo el rey. Si tu vídeo va a ser largo tiene que tener un muy buen contenido.

PPablo Lara Toledo es Periodista licenciado por la Universidad de Sevilla en 2011. En 2012 comienza a cursar el Master de Periodis-mo Multimedia de la Universidad Complutense de Madrid. Ese mismo año comienza a trabajar en el departamento de Medios Interactivos de RTVE.es, más concretamente en el equipo de Se-gunda Pantalla y Televisión Social de la Corporación. En él, se encarga de desarrollar proyectos multiplataforma para diferentes programas como pueden ser: el Rally Dakar, la Champions Lea-gue, Cachitos de Hierro y Cromo o Alaska Y Segura. Además, de series de ficción como Víctor Ros, Isabel o El Ministerio del Tiempo 1ª temporada). En 2015 pasa a formar parte del equipo de Onza Entertainment como Productor Transmedia, planteando y desarrollando toda la visión 360º de la segunda temporada de El Ministerio del Tiempo.

Pablo LaraProductor Transmedia en Onza Entertainment




El planteamiento que nos hicimos para la segunda temporada de El Ministerio del Tiempo fue dar un paso más en lo planteado durante la primera temporada. Ahora, la propia serie tenía en su equipo un productor transmedia que trabajando mano a mano con RTVE.es hacía que se pudiera ir más allá en ese concepto de romper la barrera televisión/pantalla. Es decir, generar los contenidos expansivos de la narrativa de una manera orgánica. Desde el origen.

Cuando llegó a RTVE.es el proyecto de El Ministerio del Tiempo, una serie de viajes por el tiempo, de ciencia ficción y que se emitiría en TVE, nos desconcertó para bien. Sabíamos que ahí había algo. Leímos el primer guión y nos encantó, vimos el primer capítulo y no nos lo podíamos creer. La cuestión para nosotros era ¿cómo hacíamos para que la serie se convirtiera en una “serie de culto”? Sin que suene prepotente, nuestra intención era que la serie diera ese salto y se convirtiera en algo más allá de la mera emisión.


Cada vez el concepto de televisión es más complejo, es más ¿qué es televisión? En mi opinión creo que cuando hablamos de televisión hablamos de una pantalla a través de la cual accedemos a diferentes contenidos. Por tanto pensamos jugar con otras reglas, intentar crear la necesidad de que la gente viera la serie, de que se sintiera parte de ella. Era como crear un parque para que el usuario se metiera dentro; un parque con distintas zonas donde “jugar”. Obviamente todo esto era una apuesta que podía funcionar o no.

De este modo, antes del estreno en antena de la serie trabajamos mucho en la generación de expectativas o la creación del “hype” que es como le llamamos nosotros. Se crearon una serie de piezas que se consumían en Internet y en el que jugábamos a dar una noticia falsa que sería real si no existiera El Ministerio del Tiempo. Con este tipo de acciones damos un paso, coger el MdT, un Ministerio secreto que existe en la ficción de la pantalla y lo llevamos a la realidad a través de una noticia del Telediario de Ana Blanco con la derrota de España en la final del Mundial frente a Holanda a causa de una intoxicación.

Este primer paso deja claro que la identidad de la serie fuera de emisión va por otro camino. No hacemos anuncios de televisión, hacemos contenidos que tengan que ver con la narrativa integra de la serie y hagan que la serie traspase al plano real, viva con nosotros.. ¿Cómo hacemos que la serie


vaya de la televisión a la vida real de la gente? La idea viene de la experiencia que realizamos con la serie “Víctor Ros”. Para esa serie creamos un perfil de Twitter del personaje principal y metimos al personaje en el time line de Twitter de la gente y así lo metemos en sus vidas reales. Así la gente lo va a ir viendo y teniendo presente casi sin darse cuenta, además de conocer elementos del personaje y de su vida que luego tendrán relación con la serie.

Para dar el salto creamos ese “Patio de recreo para los fans” donde estaba la web oficial de la serie, con contenidos históricos, con los capítulos de la serie VOD, están los programas de making of, y también “La puerta del tiempo” que es un programa online, un contenido expresamente para la web, en el que los actores y guionistas de la serie responden a preguntas en directo de los fans.

Otra cosa muy importante para nosotros es el uso de las redes sociales. Agustín Alonso, mi compañero dentro del departamento de contenidos transmedia desde la parte de RTVE.es (yo me encuentro en la de Onza Entertainment y Cliffhanger TV), tiene una teoría que creo que es muy acertada, ya que dice que “tenemos que utilizar diferentes voces en las distintas redes”; es decir, Twitter es una cosa, Facebook es otra, Instagram es otra, etc. Twitter tiene su propio lenguaje, no puede ser muy institucional, y para nosotros debía ser más


divertido. En Twitter hemos hablado de todo; de actualidad, de política, hemos hablado de mil historias y hemos conseguido mucha repercusión en otros medios.

Pero en Twitter tenemos que ir un paso más allá y crear contenido propio para Twitter. Hicimos una pieza sobre el estreno del episodio VII de Star Wars, que era ese año (2016), y tuvo un alcance de más de un millón de visualizaciones. Estamos hablando de una pieza que hicimos en veinte minutos en uno de los pasillos de los decorados con dos caretas. Lo importante es tener en cuenta que a la hora de planificar la estrategia para una serie de televisión tenemos que ir muchos meses por delante. Nosotros estábamos grabando la serie en agosto y el estreno de Star Wars era en diciembre, pero lo teníamos en la cabeza, para poder difundirlo en esas fechas. Eso le da al usuario la idea de que el Ministerio del Tiempo está vivo y que habla de lo que habla todo el mundo. Obviamente en las redes sociales tienes que tener mucho cuidado con tus comentarios; a nosotros nos pasó con el debate electoral. Una cuenta con tantos seguidores y tan distintos entre sí es como estar en un campo de fútbol repleto de gente y que te den un micro para hablar. Hay que ser cuidadosos.

Hicimos otro contenido sobre el año de “Regreso al futuro” con dos actores con la misma idea, mantener viva la cuenta cuando la serie no está en antena. Esto es un de las cosas más complicadas, porque cuando estás en antena es fácil que todo el mundo hable de ti porque tienes contenido semanalmente. Pero hacer que la gente hable de ti, te siga, sin estar en antena es lo difícil. Aquí es donde la preparación y la previsión del contenido con tiempo son lo más importantes. Facebook, por ejemplo, es otro sitio donde utilizamos contenido adicional y no solo contenido de la web de la serie. Para hacer que la página de Facebook sea para todos los fans, si El Mundo, El País u otro medio hace una noticia sobre la serie tenemos que darle voz a eso. Porque el fan que sigue la página de Facebook quiere información sobre la serie. Obviamente nos preocupa el tráfico de la web oficial, pero si


el resto de medios habla sobre nosotros ¿por qué no vamos a darle una ventana?

En Facebook también hay “Fanarts” y “Fan-Fictions”, y se intenta siempre que cada mención sea respondida (aunque reconozco que este aspecto ya se nos va de las manos). Es importante el impacto: actualmente tenemos 76.000 fans y el tráiler de la segunda temporada tuvo 3.422.781 impactos, sin utilizar publicidad, solo con la interacción orgánica de la página.

También tenemos una cuenta secreta en Instagram, en la que tienes que pedir permiso para acceder. Aquí utilizamos una parte narrativa; utilizamos contenidos relacionados con nuevas misiones y viejas misiones. Es decir, hay misiones que se hacen en pantalla que las ponemos con fotografías de nuestra fotógrafa oficial (Tamara Arranz), y hay misiones viejas que se comentan en guion, que no están grabadas, pero que hablan de temas históricos y lo que hacemos es que metemos a los personajes dentro de esas imágenes históricas, cuadros, etc; como si fuera el archivo fotográfico real del propio ministerio. También nos gusta mucho el juego con los fans y ellos nos mandan muchas creaciones para Instagram y muchas de ellas las incluimos.


Una de las cosas nuevas que hicimos fue el grupo de WhatsApp. Era la primera vez que una serie de televisión utilizaba WhatsApp aquí en España. Lo que quisimos hacer era un grupo exclusivo de 10 fans de la serie, a los que un personaje les mandaba un vídeo con una misión y tenían que cumplirla durante la semana. Los cinco que mejor lo hicieran se quedaban y los cinco restantes se salían para dejar entrar a cinco nuevos. En la primera temporada hicimos un examen que la gente lo hace en la web y pide su acceso al Whats App. Y recibimos unas 800 peticiones. En esta segunda temporada hemos recibido casi 5.000.

Todo gira en torno a la idea de “cuidémoslo todo para que no sea una serie sino una experiencia” y en estas acciones trabajamos mucho con los actores. Es decir que todo el


contenido esté muy cuidado y que todo encaje para optimizar la experiencia del usuario en torno a la serie.

De esta relación con los fans y entre los fans surge la demanda de saber quién estaba detrás de las redes sociales del MdT y así nace Aurelio Pimentel. Un personaje que firma ya todos los artículos que elaboramos.

Después de la locura desatada con el primer capítulo, Agustín Alonso decide mandar este tuit donde hacía la pregunta de ¿cómo tienen que llamarse los fans de la serie? Recibimos respuesta de todo tipo, hasta que llegó un tuit donde se proponía el término “Ministéricos”.

Este fue el nombre que adoptamos para la comunidad de la serie y nos gusta recordar al fan que denominó así por primera vez a los seguidores de la serie, a los “Ministéricos”. A partir de ese momento adoptamos el nombre y desde entonces los “Ministéricos” hicieron podcast, cuentas en Twitter, blogs en Tumblr, fanarts, fanfics, juegos de rol, páginas en Wikipedia, grupos de Facebook, artículos en blogs, quedadas para visitar los lugares de rodaje, incluso una App en la que ponías tu año de nacimiento y te decía la puerta que tenías que coger. Hicimos una especie de “carnet del Ministérico” que tuvo mucho éxito y tuvimos que hacer miles a mano hasta que un fan creo un generador que te permitía meter el nombre y


lo creaba automáticamente. Es un ejemplo de las cosas que pueden hacer los fans por la serie. Hemos tenido muchos fanarts y montajes relacionados con la serie.

En la segunda temporada, la serie tiene un 70% de exteriores y un 30% de interiores, y cualquier trabajo que venga desde fuera es muy difícil de integrar. Cuando yo paso a formar parte de la producción en Onza Entertainment y Cliffhanger TV, tras terminar en RTVE.es, se unieron todas las claves para incluir todo este material en la producción de la serie. En las órdenes de rodaje incluimos ya una línea de “Digital/transmedia” donde citamos a los actores para poder hacer todo este tipo de cosas. Si no se hubiera hecho así, no habría sido posible hacerlo. Un capítulo del MdT se tarda unos diez días en rodarlo y un mes o mes y medio en postproducir. Ahí es muy difícil incluir cosas externas.

En la segunda temporada quisimos dar un paso más allá y abrimos el canal de Telegram nos gustaba la idea de tener una aplicación en el móvil de la serie sin tener una aplicación propia de la serie. Con eso no tenemos que traernos a la gente a nuestro sitio, sino que vamos nosotros andonde está la gente. En el canal de Telegram había noticias, vídeos y demás cosas. Pero hicimos otra cosa más. En el 12 de la temporada, vemos que en pantalla los personajes se hacen un selfie en una boda para enviárselo a Ernesto a través de un mensaje de


móvil. Los fans que usaban telegram, la recibían en su móvil también. Ellos están viendo la serie y lo veían en el móvil y muchos de ellos nos escribieron de que había sido increíble la experiencia de recibir cosas a la vez que los personajes. Una acción más incluida en la estrategia de romper la línea de lo ficcional con lo real.

Ese año también rodamos una secuencia completa con los fans de la serie. Hicimos un casting virtual en el que recibimos más de 4000 peticiones para solo 50 plazas y se vinieron a pasar el día entero en la serie. Fue una experiencia increíble poder tener a fans, creadores, actores, directores y guionistas todos juntos.

Una de las nuevas piezas incorporadas a todo el planteamiento transmedia de El Ministerio del Tiempo en la segunda temporada fue el podcast de “Tiempo de valientes”. El personaje de Julián se iba en el primer capítulo y estaba fuera de antena siete capítulos más. No podíamos perderlo y decidimos crear unos podcast en los que Julián habla a su teléfono móvil desde Cuba, lugar al que se ha marchado en la serie adelantando cierta información que verás más adelante en la emisión al regresar a la serie. Fue interesante el tema del podcast porque cuando lo propusimos nos dijeron que eso no se hacía en España y que no iba funcionar. Finalmente el podcast ‘Tiempo de Valientes’ en los meses de su emisión, febrero y marzo, fue el audio más escuchado de RNE, de toda la web, con un 80 % de gente que escuchaba el audio completo y casi 100.000 descargas. Esto también es un elemento muy pensado, teníamos claro que no podía durar más de dos minutos y medio, porque la audiencia quiere algo que pueda escuchar rápido, en cualquier sitio y en cualquier momento. Por tanto el guión está hecho de forma que tienes que contar una historia en siete trozos de dos minutos, que te haga un buen recorrido por donde está el personaje, tiene que estar bien documentado históricamente, etc. Yo hice tres capítulos y Agustín otros tres, y yo pude leer dos mil y pico de páginas sobre la historia de Cuba para hacerlos. Un ejemplo


de ello es que el personaje cuando coge el barco no podía ir directo a Filipinas, que es donde aparecerá después en la serie, porque no es así como se hacía entonces; de Cuba tenía que ir a México, de ahí a Filipinas. Porque en aquella época no había barcos que hiciesen esa ruta directamente, e intentamos cuidar mucho todos estos aspectos.

Una de las acciones más interesantes que hemos hecho este año ha sido la experiencia de realidad virtual e interactiva. Era la primera vez que se hacía en el mundo en una serie de ficción. Es una experiencia interactiva, con tecnología de cine, sonido binaural, etc. También hemos hecho una webserie en la que el personaje de Angustias, la secretaria, encuentra una cámara y hace un videoblog, a modo de YouTuber, y cuenta su punto de vista de las cosas que pasan en el Ministerio, además de la intranet, con material exclusivo de la serie y una contraseña que había que cambiar semanalmente para que los fans la buscara por nuestros perfiles en redes.

Además, en el segundo año de emisión de la serie decidimos que teníamos que intentar empezar a crear merchandising oficial de la serie y fueron algunos fans los que hicieron los diseños para ello. A pesar de que la experiencia no fue del todo exitosa (por números más que por intención), es bueno señalar que los fans no trabajan “para” nosotros, sino “con” nosotros. Ellos hacen sus diseños, que están protegidos


frente a terceros, reciben dinero por su parte proporcional por royalties, etc. Es un proyecto muy complicado pero que pone en valor cómo trabajar con gente y aunque no haya revertido mucho económicamente, es un primer paso.

Los libros también han sido una plataforma más en esta segunda temporada con “El tiempo es el que es”, novela escrita por Anaïs Schaaff y Javier Pascual con prólogo de Javier Olivares y “Curiosidades de la historia con El Ministerio del Tiempo” creado por las chicas de Historia 2.0.

Con todo esto, ¿hemos conseguido romper la frontera entre realidad y ficción? Pues creemos que sí pero hay que seguir trabajando. Contamos con una comunidad de fans que nos demuestran que es así. Y estamos satisfechos con cómo hemos hecho las cosas. Ahora toca esperar a la tercera temporada y descubrir qué otras piezas hemos incluido en el rompecabezas.

AAlberto FernándezSubdirector de contenidos y transmedia en RTVE


Alberto Fernández Torres es responsable de Contenidos Digitales y Estrategia Transmedia de RTVE. Ha estudiado en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla y ha realizado el Máster de Periodismo Multimedia de la Universidad del País Vasco. Antes de su incorporación a la división digital de RTVE ha trabajado en Diario de Sevilla, la Agencia EFE y el Consejo Supe-rior de Investigaciones Científicas (CSIC). Dentro de RTVE.es ha sido editor web de información internacional y redactor del Laboratorio de Innovación Audiovisual, en el que ha participado en varios proyectos premiados interna-cionalmente. Desde 2014 es director de Contenidos de RTVE.es, donde ha impulsado la estrategia transmedia asociada a series como como Isabel, El Mi-nisterio del Tiempo o El Caso así como formatos de integración de redes so-ciales y segunda pantalla en eventos como Eurovisión, los Goya o programas como MasterChef. Además, ha supervisado la implantación de los contenidos de RTVE en varios dispositivos -con el lanzamiento de RTVE Botón Rojo y +TVE en 2013- y la adaptación de RTVE.es a las nuevas formas de consumo web –más móvil y más social- con el resideño del portal en junio de 2015.


Sesión Temática: Formatos par la Web

Mi presentación va un poco en la dirección de cuál es el principal punto de diálogo sobre lo que hacemos en nuestro departamento a día de hoy, que es el desarrollo de formatos vinculados a la ficción y a la narrativa transmedia en el caso de televisión española.

“El ministerio el tiempo” es el ejemplo más completo de una estrategia 360 que está muy de moda decirlo ahora, que digamos que cubre todas las facetas de la narrativa trasmedia alrededor de un contenido. En realidad yo voy hablar un poco del éxito, o el fracaso, o lo que nos aportan, o lo que nos dejan de aportar, los contenidos de ficción y los contenidos derivados de ficción a los números y a la propia marca de RTVE.es.

Como podéis ver el tráfico de RTVE.es desde el comienzo de la nueva estrategia digital ha ido creciendo de manera exponencial y hay un punto ahí que no está señalado que es cuando todos los productos de televisión española se vuelcan en la web en la “Televisión a la carta”.


¿Cuál es el efecto real que tiene el consumo web y en otros dispositivos de los de los productos que teníamos? Como podéis ver en el gráfico, realmente el interés que tenemos nosotros en la web de RTVE.es en las series no es nada desinteresado, es decir, es la base de nuestro tráfico. Excepción hecha de “MasterChef ” que efectivamente es un fenómeno que acompaña a la audiencia que tiene en televisión. El grueso del tráfico que tenemos viene de las series y fundamentalmente, y aquí también quitarle un poco de poesía, de los culebrones diarios: “Acacias 38”, “Seis hermanas” y en su momento “Amar en tiempos revueltos”. Pero es verdad que existe el fenómeno de series como “El ministerio del tiempo” que no funcionan todo lo bien que deberían en la televisión y que sin embargo tienen un recorrido mucho más importante y ambicioso.


De nuevo aquí el cambio de los hábitos de consumo por parte de las nuevas generaciones de usuarios. Un estudio de Nielsen del año pasado que estudia los usuarios de web y de televisión de Estados Unidos, que obviamente es el mercado más competitivo en ese aspecto. Como podéis ver van clasificando en diferentes generaciones, desde los Millennials, a la Generación X, etc. Y la progresión que vemos ahí es que el porcentaje de gente que ve los contenidos de la televisión lineal va bajando a medida que bajamos también en la edad. De tal manera que las nuevas generaciones se están acostumbrado a este consumo no lineal, ese consumo bajo demanda, de quiero verlo cuándo yo quiera, cómo yo quiera. Eso hace que un mastodonte como Televisión Española, una televisión pública, necesite también adaptarse a esa nueva forma de consumo. Sobre todo teniendo en cuenta que más allá de los cambios en el mercado publicitario, que obviamente hacen que esos cambios sean más más lentos en otras televisiones privadas, es necesario que nosotros como servicio público nos adaptemos a las propias necesidades de los usuarios. Estoy hablando ahora de contenidos de Televisión Española que se ven diferentes plataformas no estoy hablando ahora de contenidos adaptados a esos nuevos consumidores, de eso hablaremos un poco más tarde.


Esta es una comparativa del primer capítulo de la temporada de “Cuéntame” del año pasado, la temporada 16, y el primer capítulo de la primera temporada de “El ministerio del tiempo”. La parte azul es el consumo en millones de gente que lo vio en la televisión en directo. Como veis realmente el grueso del consumo de estos vídeos sigue siendo la televisión en directo la gente que lo vio la televisión. La parte verde es el consumo de esos capítulos a la carta durante el año 2015, durante todo el año. ¿Esto qué significa? Pues significa que, efectivamente, el consumo de un producto como el primer capítulo “El ministerio del tiempo” tuvo un impacto bastante grande a nivel de audiencia en los diferentes dispositivos; en la web y en dispositivos móviles, pero que realmente no es suficiente, o sigue siendo sin ser suficiente, como para compensar la gente que lo ve en la televisión. Esto es una cosa que también tenemos que tener clara; es verdad que los consumos están cambiando, es verdad que nos tenemos que adaptar, pero también es verdad que la televisión lineal convencional sigue siendo la base del negocio. Y lo digo yo que estoy en la otra parte del asunto, pero obviamente los presupuestos siguen estando ahí, aunque deben ir cambiando, y los consumos mayoritariamente siguen estando ahí, aunque están cambiando, y si no sabes ver cómo están cambiando obviamente te puedes quedar atrás.


Vamos a ver un poco cómo empezó el flechazo entre la ficción y RTVE.es; en el año 2009 ya teníamos el primer juego de “Águila Roja” que como veis es bastante vintage pero en su momento este juego multiplataforma, “Mi Aguila Roja”, permitía seguir la trama una que terminaba la serie. Recordemos que en ese momento, en 2009, “Águila Roja” tenía un treinta por ciento de audiencia, parece que ya hace siglos pero no, fue hace solo ocho años cuando teníamos series con un treinta por ciento de audiencia. Este juego multiplataforma fue un éxito, realmente fue un éxito. Igual que el “Fly Bar”, esta especie de Second Life de “Cuéntame” fue un fracaso. Porque una cosa buena de nuestro departamento es que nosotros nos hemos arriesgado hacer muchos formatos, algunos con éxito, como muchos de los de “El ministerio del tiempo” y otros sin éxito. Y es curioso, porque el éxito del fracaso de estas iniciativas no está vinculado al éxito o al fracaso en televisión esos productos, sino a la forma en que nosotros nos hemos aproximado a esa comunidad. En el caso de “Águila Roja”, la gamificación y el uso de una comunidad de juego online se adaptó perfectamente a los hábitos de esa comunidad. En el caso de “Cuéntame” la creación de ese “Fly Bar”, un bar virtual en el cual pinchaban los dj de Radio 3 y se podía interactuar con los actores de “Cuéntame” cuando se abrió este “Fly Bar” sobre el año 2011, que era el bar de Carlitos en los años 80, era una cosa tan marciana para el usuario de “Cuéntame”, qué se metía a verlo a la carta que se quedó como Second Life, vacío. Pero bueno, fue realmente una experiencia muy


ambiciosa y muy valiosa porque la unión de Radio 3 por un lado, de nosotros por otro lado, de la empresa que realizó esta plataforma y de la participación de la productora Ganga, fue una experiencia que en su momento fue pionera y nos sirvió a muchos para aprender de cara a experiencias posteriores.

Realmente la base de los formatos que hemos ido haciendo de transmedia en la web está en una serie histórica, que es un poco paradójico, que lo más innovador venga de la vida de Isabel la Católica, pero bueno es un poco la contradicción interna que tenemos en Televisión Española. La serie “Isabel” en sus tres temporadas fue marcando la evolución propia de nuestra relación con los usuarios y de la creación de unos formatos adaptándonos a los gustos de esos usuarios. En la primera temporada nos dimos cuenta de una cosa bastante evidente; que una serie histórica basada en el rigor histórico, realmente a la gente que está viendo esa serie le interesa lo que se está hablando ahí. ¿Esta información histórica es veraz? ¿No es veraz? ¿En qué se desvía esto que me están contando de la realidad? ¿Se ha dramatizado esta parte? ¿No se ha dramatizado? ¿Realmente esto pasó así? Hay noticias e historias que hemos hecho antes de “El ministerio del tiempo”, también con “Isabel” que aportan esa información. Pero también pensamos que en el uso que la gente está haciendo de esta serie quería verlo en directo,


que eso realmente estaba pasando así. Entonces creamos esta aplicación de segunda pantalla que se llama “Más Isabel”. Gracias a esto nos dimos cuenta del impacto que podría tener para una televisión como la nuestra el desarrollo de contenidos de segunda pantalla. En este sentido, el “departamento segunda pantalla” de RTVE.es giraba alrededor del “Botón Rojo” en HBBTV en televisiones conectadas, como el aplicación “Más TVE” que se puede considerar como nuestro segundo “Fly Bar”. Porque realmente era un proyecto superambicioso, era el establecer una segunda pantalla de toda la programación de Televisión Española. Es decir, que cada uno los contenidos que teníamos, informativos no, tuviera segunda pantalla. Es decir que tuviera una información extra y que incluso integrará la capa social, es decir, la conversación social que generaba ese programa.

Hay una parte de esto que es claro que ha fracasado; no puedes reproducir, por ejemplo, la conversación social que se está produciendo en Twitter y meterla en tu aplicación, porque la gente va a ir a Twitter. Una cosa que le dábamos, y que ahora da Twitter precisamente aunque en ese momento no lo daba, era la posibilidad de capturar en directo 30 segundos de emisión y compartirlo directamente en redes sociales. Poníamos en manos de los usuarios de esa aplicación la posibilidad de compartir su momento favorito, o su momento más llamativos, o Mariló Montero hablando de sus cosas, directamente en redes sociales.


La segunda temporada nos dimos cuenta que había que ir más allá del puro contenido de segunda pantalla, es decir, queríamos construir una historia a partir de la historia. Entonces nos embarcamos en una experiencia un poco un poco elefantiásica que era la de reconstruir, batalla a batalla, la conquista de Granada, que es la protagonista de la segunda parte, de la segunda temporada de Isabel. Para ello no sé si habría 15 infografías, 10 gráficos animados, recurrimos a los animadores de la película “300”. Fue un proceso muy largo, pero nos quedó un producto que ha sido, en términos de audiencia, de los más exitosos del Laboratorio de RTVE.es y que además ha tenido bastante éxito en certámenes internacionales. Realmente lo importante de esto era que expandimos no solamente más allá de una segunda pantalla sino que dimos un contenido que tenía un valor añadido porque lo interesante de este WebDoc, porque realmente era un documental, era como dos de los actores de la serie “Isabel”, Michelle Jenner, por supuesto, y él actor que daba vida a Boabdil, reconstruían la historia en primera persona a través de esas animaciones. Viéndolo en retrospectiva, pese a la cantidad de contenido que había, que era bastante inaccesible, creo que sí fue un éxito.

Esto lo que al final provocó es que se desarrollara una estrategia bastante ambiciosa de apuesta por el documental interactivo que sigue estando presente. Se han producido


documentales interactivos muy importantes, como “Fracking”, que todavía sigue siendo un éxito en la comunidad que se preocupa por esos temas; “Las sin sombrero”, que es un documental interactivo muy interesante sobre las mujeres del 27, que por cierto, siguiendo la estela transmedia acabó convirtiéndose en un capítulo de “El ministerio del tiempo”; o “Montelar” que fue un experimento que tuvimos con la gamificación.

Las experiencias que hemos ido haciendo en las series de ficción, han ido marcando también el desarrollo otros formatos que no tienen que ver con la ficción, o de formas de crecimiento que hemos tenido en diferentes aplicaciones móviles como por ejemplo en el caso de “Más TVE”.


La tercera temporada de “Isabel” fue el germen de otro formato que hemos desarrollado que son los “video-encuentros” o los programas de interacción social. Es decir, la comunidad a una vez que tú le das la información en directo, la amplias en segunda pantalla, le amplías la información con documental interactivos, quiere tener también su voz.

Ese valor se lo dimos a partir de la tercera temporada con este programa semanal de “video-encuentros” en el que todos los actores de la serie “Isabel” se sometían a las preguntas que en directo iban mandando los usuarios y además estos usuarios eran premiados con diferentes premios, o retos, o estrenos en exclusiva de secuencias, etcétera. Este formato a posteriormente se expandió a “El ministerio del tiempo” y a otros formatos de entretenimiento fuera de la ficción, por ejemplo, el formato de “vídeo-encuentros” más exitoso es el de “MasterChef ”, por una cuestión puramente narrativa, al fin y al cabo a un actor lo puedes poner en cualquier momento de la temporada, pero en el caso de “MasterChef ” tienes al expulsado en exclusiva cada semana, y en el caso de “Eurovisión” obviamente con la comunidad de “eurofans” que es tan activa en redes sociales, obviamente la interacción y el engagement social estaba asegurado. También lo hemos hecho con otras series como “Águila Roja” aunque han tenido menos éxito porque la comunidad digamos que estaba más dispersa en ese momento.


Es interesante el hecho de que efectivamente a cada usuario se le da una cosa distinta en función de las redes sociales. Partimos de lo más pequeño, de lo más minoritario, de lo más cercano, que son esos usuarios premium de Whatsapp o Instagram a las estrategias que tenemos en comunidades distintas, con lenguajes distintos, en Twitter como en Facebook.

Sí que me parece interesante analizar cómo no son tantos efectivamente los seguidores de “El ministerio del tiempo” como la propia relevancia que tiene lo que dice “El ministerio” o la relevancia que consigue en redes sociales lo que dice “El ministerio”. El hecho mismo de que sea una cuenta de Twitter que ha sabido trascender las fronteras del propio contenido


de la serie y que se haya incluido en la conversación diaria de Twitter, sin abusar, me parece que es muy interesante. En un informe sobre cómo había sido la batalla de la audiencia social el último día “El ministerio” y comentábamos como “El ministerio del tiempo” en Twitter el arrasó de una manera bestial a los programas de la competencia, tanto a “La embajada” como a el programa de Bertín Osborne, en una proporción podemos decir que de uno a diez. Es verdad que es una comunidad muy Twittera, que ya hay una gran actividad, pero el hecho de que cada semana la comunidad de “El ministerio del tiempo”, el hashtag de “El ministerio del tiempo” tiene una actividad tan grande y tan importante con respecto a la competencia dice también mucho del propio trabajo que hace el departamento y de cómo hemos enfocado esa conversación social.

En el caso de Facebook otra cosa que también me gusta destacar es el gran trabajo que se ha hecho entre temporadas. Es decir, el uso de las noticias relacionadas con “El ministerio del tiempo”, las que van en contra y a favor, es decir la noticia de renovación o no renovación, los pequeños teaser que hemos ido haciendo, los premios que le han otorgado a “El ministerio del tiempo”, los reportajes sobre “El ministerio del tiempo” han generado una conversación en Facebook que le ha ido y permitiendo aumentar su base de seguidores, que por cierto de cara al tráfico web son mucho más interesantes que la de Twitter. Y han aumentado su comunidad entre emisión y emisión, durante nueve meses en los que no haya ningún contenido teóricamente, es algo muy meritorio y muy importante porque lo consiguen muy pocos. Y es que hay que crear contenido expresamente para ese tiempo porque al final tienes que tener en la cabeza que tienes que mantener la comunidad activa y no salir de la conversación aunque tus personajes no estén en pantalla. Algo que nos ocurre muchas veces en las reuniones con la gente de televisión es que nosotros hacemos un desarrollo de productos, es decir, a veces sufrimos una cierta obsesión y manía por el estreno, por la primicia, por el lanzamiento y sin embargo hay muy poco seguimiento de


ese producto en los diferentes momentos. De tal manera que al final, muchas veces nos pasa que la gente de las productoras termina acudiendo a nosotros, a la parte interactiva que somos minúsculos, para para que sigamos manteniendo, o para que reforcemos, o para que en la preproducción de la serie le demos ideas para hacer cosas. Y eso también es un hallazgo de nuestro departamento. Antes los productos nos los daban terminados y teníamos una reunión donde nos decían “ésta es la serie, aquí está, es lo que hay, vamos a ver cómo podemos moverlo en redes, viralizarlo, hacer algo chulo”. Pero Ahora tenemos reuniones con las nuevas series que van a empezar a grabar, en las que nos piden que antes de preproducir le digamos las cosas que queremos para meterlas en el plan de rodaje, incluirlo, guionizarlo y hacerlo. Y es así porque ellos quieren, nos llaman ellos. Y eso antes incluso de que cualquier departamento de marketing, de prensa, etcétera, haya sabido incluso de esa serie. no pero yo creo que sí pero yo creo que ese papel también lo tiene que tener la productora como suyo decir ellos y la productora y y hago productos para la tele por supuesto siempre cuento o la opinión de la televisión y de la cadena y trabajan mano a mano pero yo quiero que mi producto salga redondo de mi sitio y tenga su coherencia y tenga su psuv se creó en o claro el problema es que por ejemplo casos de bandas pablo que que iker la meta es un caso de éxito de nuevo El problema que tenemos con estos productos transmedia es que las productoras siguen sin tener claro que les compense invertir en ello, de tal manera que finalmente casi que le tienes que mendigar para que contraten a un “community manager”. La visión de decir “esto lo voy a monetizar, no en dinero sino en fidelización, en imagen de marca, en producto bien acabado y en prestigio hacia la productora, para que me llamen para hacer otros productos”, para muchas productoras sigue siendo muy poético pero poco práctico. Pasa con una de cada diez productoras. Nosotros por otra parte nos hemos aprovechado de eso, lo reconozco; el hecho de que las productoras no muestren interés, o no tengan capacidad para asumir ese tipo de cosas, ha hecho que este departamento crezca. De hecho, ha hecho que se forme


a gente en este departamento que ha terminado yéndose a productoras para para hacer ese tipo de estrategias.

Nosotros tenemos una maquinaria dentro de Televisión Española, que muchas veces no nos damos cuenta, donde es muy complicado desarrollar un WebDoc como el que hicimos para “Isabel”, porque necesitamos desarrolladores, diseñadores, aparte de lo que contratamos fuera, realizadores, es decir, un equipo que cuesta un dinero. Las ficciones sonoras que hicimos con Rodolfo para “El ministerio” o la de “Carlos V” requieren un equipo como el de ficción sonora de Radio Nacional que ha estado ahí haciendo eso porque está dentro de las infraestructuras, si no estuviera toda esta infraestructura, sería imposible, sería carísimo hacerlo. Eso es algo que también creo que va en nuestro mérito, que es el aprovechar estructuras que están creadas dentro de Televisión Española, de la Radio Televisión Española, para la producción de otro contenido que da un valor añadido a cosas que son de Televisión Española. Muchas veces primero son reacios, pero luego, por ejemplo la gente ficción sonora, nos han agradecido mucho el hecho de que le diéramos también algo más que añadir a la propia oferta que da la ficción sonora. Y el éxito de la ficción sonora de Rodolfo es así. Hay un podcast de una ficción sonora producida por nosotros y con la gente de Radio Nacional y con la gente de Onza Entertainment que ha sido más escuchado que “Las mañanas de Radio Nacional” de Alfredo Menéndez, que es un programa diario, o cualquier programa de Radio 3, y eso dice mucho también del impacto que pueden tener acciones de este tipo en contenidos de nicho.

Termino con el tema nuevos formatos, simplemente para decir que los nuevos formatos se contagian entre sí. La primera ficción sonora que hicimos fue “Carlos Rey Emperador”, “Carlos de Gante”. Un podcast que casí se convirtió, por cómo lo hace todo el Laboratorio nuestro, en un “audio-webdoc”, porque tenía tanta carga alrededor del propio audio, que tuvo ese valor. “Carlos de Gante” también fue un éxito relativo de audiencia en el caso de los podcast.

El caso de la “Webserie de Angustias” es otro nuevo

formato. Nosotros hemos hecho otras Webseries, como que la que realizó Pablo Lara vinculada al programa de “Alaska y Segura” pero antes de todo eso se hicieron los episodios de “Cuéntame” de la quiosquera de San Genaro.

También hemos hecho formatos sólo web y basándose en el lenguaje y en los personajes que aparecen en la web, que es “Conoce la Internet”, que es esta serie pensada para Youtube que dirigió y que guionizó Miguel Campos hace un par de años. Vista en retrospectiva, viendo a la gente que estaba en esos capítulos, digamos que se adelantó, porque estaban Facu Díaz, JPelirrojo, Miranda Makaroff. Eran entrevistas

ficcionadas, con un formato que se hace bastante en Estados Unidos, entrevistas de humor con gente de internet. Y cogimos a gente puntera que ahora está despuntando. En su momento si comparamos el precio del producto con el resultado, el producto era mínimo y el resultado no fue muy bueno en cuestión de visitas, pero bueno yo creo que está bien que Televisión Española probase otros formatos y otras formas de contenido.

Y lo último el VR de “El ministerio del tiempo” que ha sido una experimentación y un avance de nuevas narrativas muy importante. Justo coincidió en el tiempo con la elaboración del corto interactivo de “El caso” que era la experimentación en vídeo interactivo y el engagement del usuario de “La voz del caso” que quisiera convertirse por un día en periodista de “El caso”.

Es curioso porque son dos proyectos que casi fueron en paralelo y de hecho hace poco ha recibido un par de premios el corte interactivo de “El Caso”.

Para terminar quería contar cuatro cosas que sí hemos aprendido de todo esto para conseguir, o más o menos intentar, que estos formatos tengan un cierto éxito. Matizando que el éxito en esto muchas veces es relativo, porque el hecho mismo hacer algo y de innovar en una nueva forma de narrar, o los hallazgos que ha supuesto para nuestra marca y para la marca de “El ministerio del tiempo” el VR trasciende al hecho de que tenga cinco mil o cuatro mil descargas. Aunque luego nosotros a nivel interno nos planteamos si a lo mejor pudiéramos haber conseguido más impacto si hubiera estado en otras plataformas. Pero el éxito que supone hacer un video ese tipo, que además sea el primero en una serie de ficción y que además tenga la calidad tenía, eso es muy importante, y ya para mí es un éxito en sí mismo.

El lenguaje es también muy importante, es decir no se pueden hacer productos transmedia o nuevos formatos para una serie de ficción que sean lo mismo, o que sean muy complejos y no se adapten a eso.

Tienen que tener una relevancia, y esto es muy


importante por ejemplo en lo que se ha hecho en la segunda temporada de “El ministerio del tiempo”. El contenido que hagamos, el formato que hagamos, si está vinculado en un producto de Televisión Española, tiene que estar metido en guión, tiene que estar metido desde su concepción, desde su comienzo. No puede ser un producto que se haga al final como mero adorno promocional. Y ese es un salto de calidad que se ha hecho en “El ministerio del tiempo”. El corte interactivo de “El caso”, que en realidad real ha sido un éxito en cuanto a tráfico y en cuanto a premios, es una cosa que hemos conseguido arañando una jornada de rodaje de una actriz y de un par de personas de iluminación de “Plano a plano”, que por cierto es una productora súper colaborativa, pero obviamente esas cosas deberían hacerse con otro tipo de planificación o desarrollo. Si se apuesta por un nuevo formato web y se apuesta por la marca, y el acceso a nuevos públicos tienes que meterlo en presupuesto, pagar por ello e implicarte al cien por cien.

Capítulo 7 La información como espectáculo televisivo

CSu primer trabajo como periodista fue en prácticas en el diario ‘As’ con 19 años y, desde entonces, ha estado vinculado al mundo del periodis-mo. Tras la compra del diario deportivo por el Grupo Prisa, se fue a edición madrileña de ‘La Vanguardia’ donde trabajó en la edición local. A continuación hizo el Máster de Periodismo de ‘El País’ y después tra-bajó en Deportes en Canal +. Tras una etapa trabajando para empresas de internet, posteriormente lo hizo como responsable del departamento de Comunicación de la UNED, para pasar más tarde a ser el jefe de contenidos multimedia del Real Madrid. Desde la fundación de laSexta es su director de Informativos. Además de los servicios informativos de la cadena, la redacción que dirige González Antón produce progra-mas como Al Rojo Vivo, Jugones, Más Vale Tarde, laSexta Columna y laSexta Noche. Licenciado en Periodismo por la Universidad Europea de Madrid y máster de Marketing y Comunicación por la Universidad Oberta de Catalunya, tiene, a pesar de su juventud, una intensa experien-cia profesional en prensa, televisión e Internet.

César GonzálezDirector de informativos de La Sexta

https://goo.gl/mrHmn6


La información como espectáculo televisivo

Puede ver su intervención completa en el Canal de

YouTube de la Fundación AVA.

Capítulo 8 La educación en medios: de la información al reality

ELic. en Ciencias de la Educación y Antropología sociocultural. Dr. en Antropología sociocultural. Lic. en Tecnología de la Educación. Vicepresidente del Grupo Comunicar, Director de la revista Aularia, de educomunicación. Subdirector de la Revista «Comunicar». Autor del sitio Cine y educación. http://www.uhu.es/cine.educacion/ Escritor. Guionista de cine y televisión. Ilustrador y dibujante. Ha realizado trabajos y guiones para TVE, en el programa Barrio Sésamo, entre otros. Ha escrito y colaborado numerosos textos sobre educación y medios de comunicación, entre ellos, en 2002, “Aprender con el cine, aprender de película. Una visión didáctica para aprender e investigar con el cine”, y en 2005, “Historietas de la comunicación. De la Adicción al Zapping. Un recorrido crítico-visual por la comunicación y las tecnologías”. Actualmente colabora en la organización y apoyo de Festivales internacionales de cine para niños y adolescentes, México, Madrid, Valencia, Chile, Buenos Aires, Extremadura...

Enrique Martínez SalanovaVicepresidente del Grupo Comunicar

https://goo.gl/qaI5at


La educación en medios: de la información al reality

Televisión educativa. Un desafío necesarioTrabajé en televisión varias veces en mi vida. La última

seria en tiempo, pues luego he hecho incursiones varias, fue con Barrio Sésamo. He vivido la evolución de la televisión desde que no había televisión. Antes de la televisión ya veíamos televisión en el cine; la televisión norteamericana. Yo conocía Barrio Sésamo no en televisión, sino en el cine, en Argentina. Hemos visto la televisión desde fuera de la televisión y además hemos visto los adelantos de la televisión y las posibilidades inmensas que afectan a la evolución de la especie humana de los siglos XX y XXI.

Quiero hacer una pregunta: ¿para educar se debe entretener? A veces doy cursos de 400 horas de didáctica y, el primer día, después explicar un poco lo que voy a hacer digo a los alumnos, todos doctores y licenciados, mi gran problema es ¿qué hago con vosotros para entreteneros cuatrocientas horas? El problema de la educación, igual que el de los informativos, es que se supone que deben ser cosas absolutamente serias, plomizas… Así no se anima. Yo lo digo muchas veces en mis cursos “no vengo a enseñaros nada, vengo a animaros a que aprendáis. A animaros a que os metáis en temas y problemas”. Hay unos compañeros míos del Grupo Comunicar aquí en Sevilla, que dan clases de matemáticas con unas técnicas que ellos mismos ha inventado que llaman la “matemagia”. Tienen libros, textos, un espectáculo de las matemáticas, y se les ha criticado mucho. Pero yo doy fe de que el adolescente que termina el curso de matemáticas con ellos, no solamente ha aprendido matemáticas sino, sobre todo, y es más importante, ha aprendió a querer las matemáticas. Porque las emociones, que son una de las claves de la televisión, y también deben ser de la enseñanza, están también en el aprendizaje de las matemáticas.


Cuando hablamos de entretenimiento, estamos hablando de que hay que aprender a hacer querer las cosas en la televisión y también en las matemáticas. Desde ese punto de vista, la primera pregunta que yo me hago es: ¿la televisión debe educar? Me veo metido a lo largo del año en multitud de foros donde debo enfrentar estas dos cuestiones. Cuando estoy con profesores algunos dicen: “no, yo doy mi clase y el que no aprenda que no aprenda. ¿Por qué tengo yo que hacer algo por animar?”. El periodista que dice “¿Yo educar? Qué va, que eduquen las familias”. Nos hemos acostumbrado a que eduque la familia, ni la escuela, ni la sociedad, ni la televisión… Yo como padre y ahora como abuelo que veo “Pasapalabra”, y no lo digo porque sea un programa educativo, sino porque es un programa de diversión y además puedes aprender con él. Me fastidia cuando alguien dice “no veo Telecinco”. Me parece un error. También podemos aprender muchas cosas y podemos aprender divirtiéndonos, incluso podemos aprender criticando. Yo vi “Gran Hermano” al principio, tres cuarto de hora, y ya tengo bastante, pero reconozco que tiene que haber esos programas también, para entretener, y para los estudiosos, a los que dan unas pistas maravillosas.


Esta imagen, la asocio hablando de televisión con el análisis que se puede hacer a lo que hay detrás un cristal. Igual que nuestro logotipo del Grupo Comunicar, que es anticuado, pero no hemos sido capaces de cambiarlo por uno más moderno. Cuando tenemos que entrar dentro de la televisión, detrás de lo que nos dan las pantallas, para analizar lo que en realidad a nosotros nos puede suponer soportar, criticar, ayudar, etc.

Esta imagen es un niño que está mirando por el agujero de una bala en la franja de Gaza. Una vez que yo he dado esta información cambia radicalmente la imagen. No es lo mismo ver un niño tras un cristal roto, sin más contexto, que saber que el niño mira a través del cristal roto por una bala que ha ido atentar contra su familia. Cambia radicalmente la lectura en el momento en que planteamos las cosas en otro lugar y lo sacamos de contexto. Un anuncio de 20 segundos, lo sacas de contexto y lo llevas al análisis, y ese anuncio cambia radicalmente de sentido, de sistema. Simplemente analizar una vez un anuncio da un cambiazo. Aquella serie de televisión, “Al salir de clase”, si recordáis yo nunca la vi más que para trabajar; cuando llegaba a casa y estaban mis hijos adolescentes viéndola y me decían “papá esto no te va


gustar”. Algún capítulo que grabé, lo llevé a un instituto con una guía de trabajo y no os podéis imaginar la capacidad crítica que se da cuando alguien saca de contexto algo de televisión y lo lleva fuera de la televisión. Pasa igual con el cine. Donde mejor se ve el cine es en la sala de cine, pero desde luego donde mejor se analiza el cine es fuera de las salas de cine. Sacar de contexto es importante a la hora de analizar. Pongo de ejemplo un personaje que creo que ha sido clave en todo esto: Pablo Freire. Quería buscar la realidad, lo que estaba pasando, pero a través de lo que vivía la gente, de la realidad de la gente. Con dibujos hechos a mano Pablo Freire daba sus clases. Él hablaba de “romper la cultura del silencio” y de “que la palabra cambie las estructuras”. Hay que dejar hablar al pueblo, dejar hablar a la gente, porque esto es la clave de lo que vamos a hablar hoy, de la educomunicación.

Otro personaje que ha sido relevante, McLuhan, habló mucho del silencio, de la ocultación de la información, etc. Cuando nosotros fundamos la revista Aularia, que salió online hace cinco años, pero que empezó en Andalucía hace 27 ó 28 años, rompimos la cultura del silencio. Nos reíamos de las estructuras pedagógicas tradicionales. Llegamos a inventar un personaje que se llamaba don Eugenio Marín


de Robles, eximio pedagogo del siglo XVII, y citábamos sus frases, que eran surrealistas. Pues aun así, hay a gente que nos escribía pidiendo bibliografía y otros datos sobre el personaje inventado.

Esta imagen se hizo viral en la redes y generó unos comentarios tremendos sobre estos niños que estaban viendo el móvil en vez del cuadro de Rembrant. Pues resulta que este museo de Amsterdam al igual que el Museo del Prado, el Reina Sofía y otros miles de museos en todo el mundo tiene una app que te permite con tu móvil acceder a información sobre el cuadro, y estás analizando el cuadro y además tiene acceso a Internet a todo lo que se ha dicho en el mundo sobre el cuadro. Hoy funcionamos mucho por la información que nos llega por internet, por Facebook, Twitter, y otras redes sociales, y en seguida hacemos el juicio, sin entrar más.

Esa gente que hace esos comentarios parece que nunca ha estado en un museo, o no los conoce por dentro. En España los museos tienen ya estos sistemas. Lo trasmití y publiqué en Aularia en un relato con mis personajes don Honorato y doña Purita, que llevan a sus alumnos al Museo del Prado, y ahí se cuenta con humor, por romper en parte esa


cultura del silencio, o de quienes están en contra del uso de la gente más joven de las nuevas tecnologías en los museos, cómo don Honorato y doña Purita lo enfrentan al hacer mirar a sus alumnos el cuadro de Las Meninas, de Velázquez.

Quiero hablar de la responsabilidad, porque creo que los comunicadores, los educadores, tenemos una gran responsabilidad, somos los primeros responsables de lo que emitimos. Cuando alguien te hace una crítica, seas profesor, comunicador o cineasta, o seas lo que seas hay que hacérselo mirar porque es muy importante lo que nos están diciendo. Muchas veces nos desentendemos de ese mensaje. Es cierto que cuando Velázquez pintó “Las Meninas” le pagaron, o vivió en la corte sin cobrar, pero vivía en la corte, y se desentendió del cuadro y de quienes pudieran interpretarlo; ahora somos nosotros los espectadores quienes lo vamos a interpretar. Pero no es lo mismo el pintor que deja para la posteridad un cuadro, para su contemplación, aunque si hubiera dejado alguna explicación nos hubiera dado más pistas. Sin embargo hoy nos comunicamos de forma inmensa, inmediata, automática, estamos en un tira y afloja constante, y necesariamente debiéramos saber lo que están pensando los


demás, tanto si somos comunicadores como educadores. El cine, al fin al cabo, también deja la obra y ya no se puede cambiar, pero la televisión da la impresión de que no se preocupa por el espectador. Nos importa mucho que haya audiencia, pero nos importa menos lo que piensa la audiencia.

Otro personaje que quiero señalar es Mario Kaplún. Era amigo de Paulo Freire y vivió de sus ideas. Lo cito pues se ha escrito que es el padre del término “educomunicación”. Yo lo dudo porque conocí a los dos y ya en ese tiempo se hablaba del término “educomunicación”. Mario Kaplún era un maestro argentino. Al ir por primera vez al exilio, uno de los muchos de su vida, entró a trabajar en una emisora, en Uruguay, hizo periodismo y se hizo cargo de un programa de radio. En ese programa de llevaba sus programas de entrevistas en una casete a los barrios y luego en la misma casete le grababan la respuesta y él la ponía en la radio. Esto mismo se hace hoy desde otro punto de vista. Lo traigo a colación porque la Unesco le encargó la misión de que analizara el término “educomunicación”, en 1975, en que la Unesco aceptó el término.

2ASMR: https://goo.gl/4xWBc4


Respecto a la “educomunicación” lo que quiero es desmitificar términos. Cuando hablamos de educar y de comunicar, primero lo vemos en dos aspectos totalmente diferenciados; paralelos o incluso en algunos casos contradictorios.

Algunos al comunicar intentan evadirse de la responsabilidad de educar, pero con cualquier cosa que hagas, inconscientemente, educas. Incluso al callarte ya estás haciendo que la gente diga “¿éste porque está callado?”, ya de alguna manera éstas haciendo pensar. Y distinguimos entre educar, enseñar, instruir, socializar… ¿es que los medios de comunicación no socializan?

Educar lo confundimos con instrucción, transmisión de conocimientos y comunicar lo confundimos con información, transmisión de datos exclusivamente. La información llega y la información transforma. En el momento que transforma está educando, está haciendo que la gente piense, está haciendo que la gente reaccione.

Se ha escrito y dicho mucho de que hemos llegado a la sociedad el conocimiento, pero realmente estamos más en la sociedad de la información y del espectáculo. El conocimiento llegará cuando hayamos sido capaces entre todos de construir un mundo con conocimientos significativos, por lo menos con sentido común, del que aún andamos muy lejos. Walter Ong decía que “el cerebro es la materia prima de toda la tecnología” y ahora cuando hablamos de nuevas tecnologías, muchas veces hablamos de “nuevas tecnologías con cerebro”, usadas con cerebro.

Por tanto, cuando hablamos de educación y comunicación tenemos que tener en cuenta que ambas tienen las mismas finalidades: lograr ciudadanos responsables y participativos, con capacidad crítica, que informen y que opinen, que se procuren sus propias fuentes de información, que se interesen en transformar la sociedad en la que viven. Es decir buscar un mundo donde la información realmente


tenga cabida en la gente y que además esa información pueda a su vez ser camino de transformación. Paulo Freire utilizaba la palabra “dialógica”, decía que tenía que ser una transformación dialógica, donde el diálogo no se perdiera entre el emisor y el receptor. Nosotros como Grupo Comunicar hemos abordado este diálogo desde muchas perspectivas: educar e instruir con los medios, educar e instruir sobre los medios, educar e instruir para los medios e incluso, cuando sea necesario, educar e instruir contra los medios.

He resumido aquí en 10 puntos mi base ideológica para la utilización de los medios: primero, la lectura rápida, la toma de contacto. En nuestro libro “De la adicción al zapping” analizamos esta cultura que ha venido de la televisión y que hoy tenemos hasta en el congreso con los políticos hablándose por Twitter. Segundo, hay que llegar a la lectura reflexiva y la lectura reflexiva de los medios requiere debate, requiere crítica; como antes decía sacar de contexto y llevarla a debate, a la crítica. En tercer lugar, la investigación a través de lo que hay detrás de las imágenes. Os cuento una anécdota, yo leía “La vuelta al mundo en 80 días” de Julio Verne de niño y mi padre me hacía buscar los países en el Atlas. Si veía una


película de Alejandro Magno me hacía buscar la historia en la enciclopedia.

Series como “Isabel”, “Carlos V” o “El Ministerio del Tiempo” te permiten esto, y aunque pueden tener algún error histórico, que no pasa nada porque en el fondo es espectáculo, no te molesta. La televisión puede permitir entrar más allá de lo que hay, no solamente de las historias que cuentan.

Otro tema importante es el análisis de los lenguajes; la alfabetización mediática. Es importantísimo conocer el medio, para ver qué es lo que hay en su trasfondo. Me refiero al estudio de las técnicas. Cuando hablamos de educación y medios, hay que producir los medios. Nosotros hemos trabajado haciendo periódicos en el aula, en la pizarra a veces porque no teníamos ni para hacer fotocopias. Hemos trabajado con analfabetos, muchos años con adultos, hemos hecho el periódico con mujeres analfabetas andaluzas. Cuando tenían el primer periódico es sus manos, no podían leerlo, pero ya lo apreciaban como un bien. Cuando dos meses después podían leerlo, se emocionaban con la lectura, se hacían fotocopias y se lo llevaban a su familia con mucho orgullo. Más tarde empezamos a hacer cosas en televisión cuando ya pudimos, pues en general no disponíamos de los medios. Cuando trabajaba en “Barrio Sésamo”, en Televisión Española, de alguno de los guiones que presenté, producción me decía: “esto no se puede hacer” y me iba a la Universidad, que teníamos un departamento muy rudimentario y hacíamos los efectos especiales. Al día siguiente lo llevaba para que los hicieran ellos con mejores medios. La cuestión es que hay que producir porque así es como se conoce realmente al medio.

Otro factor importante es que hoy no podemos menos que difundir. Que se difunda todo una y mil veces. Tenemos todos los medios para ello.

Y finalmente la interacción, muy importante, el trasvase de mensajes positivos, que son los que la sociedad en ese


momento considera que son positivos, no todas las sociedades y grupos humanos coinciden en ello. Pero al fin y al cabo es una educación en valores.

Por terminar con lo que decían Pablo Freire y Mario Kaplún “no puede ser educar sin compromiso social”. Que esto sirva para algo. Todo lo que enseñamos tiene que servir para algo, y si enseñamos valores, más todavía, porque trasmitimos comportamientos y formas de ser.

En Barrio Sésamo estuve cuatro años. Iba una o dos veces por semana al departamento de asesoramiento pedagógico, además de hacer guiones para los programas en que intervenía Caponata. Pero la razón de ser de mi existencia allí, y la de otros y otras, era acabar con Caponata para construir otro personaje. Por cuestiones de derechos de autor, Televisión Española quiso cambiar de personajes para que lo derechos no los tuvieran los primeros guionistas. Decidieron cambiar y buscar a otro personaje. Se hicieron encuestas por una buena cantidad de lugares de España a niños de seis años, la edad que debía representar el personaje de Espinete. El equipo se trasladó a multitud de colegios para hacer la encuesta y perfilar el personaje de Espinete. Se descubrió lo


importante que es la imagen para los niños: muchos niños a la gallina Caponata le pintaban solamente con una mano, con un brazo, y el otro brazo o no existía o estaba caído. Los que os acordáis de Caponata, la actriz Emma Cohen, movía el pico con una mano y con la otra hacía gestos. Niños de 6 años lo habían descubierto. Por tanto se debió crear el perfil de un personaje de seis años y el personaje que saliera tenía que tener dos manos. La actriz de Espinete, Chelo Vivares, alternativamente, unas veces movía la boca y una mano y otras veces movía la boca y la otra mano.

En aquellos años ya pensábamos en el lenguaje sexista, aunque no le llamábamos así, ni de género. No se utilizaban esas expresiones. Nosotros pensamos que en Barrio Sésamo íbamos a llevar el lenguaje a los hechos. Por eso en Barrio Sésamo alternativamente barrían hombres o mujeres, hacían los trabajos de cualquier tipo hombres o mujeres, cualquiera podía hacer una cosa u otra. Conservo el dossier pedagógico-didáctico completo que se elaboró para Barrio Sésamo y tiene cosas muy actuales.

Para que un programa se considere educativo tiene que haber intencionalidad educativa. Realmente en Barrio Sésamo aprendí mucho más de lo que pude aportar. Para mí es un modelo de televisión educativa por su intencionalidad educativa. Estaban muy claros y muy marcados los objetivos; en ese momento había metas muy claras, cuatro niveles de metas que se le hacían llegar al guionista. Guionistas como Angelino Font que trabajó en “Fortunata y Jacinta”, expresaban lo estrictos que eran los objetivos de los educadores. Y hablo de guionistas muy buenos, como Consuelo Armijo, que había sido premio nacional de literatura infantil.

De “Barrio Sésamo”, la mitad era norteamericana y la otra mitad se hacía en España. Nosotros hacíamos los guiones para los muñecos españoles y luego algunos segmentos de filmación de 20 ó 30 segundos. En esos segmentos los objetivos tenían que ir claramente acordes al planteamiento


general, porque se suponía que al final todo el proyecto era global. Se hacía mucho hincapié en una estructura repetitiva. Para los adultos era pesado ver a Espinete o Epi y Blas repitiendo una y otra vez un concepto, pero era un programa para niños. Más o menos la estructura era: la primera semana se ponía tres veces el segmento, la segunda otras tres, la tercera dos y luego al final otra vez. ¿Con qué fin? El recuerdo. Para los niños es muy importante el recuerdo y así cuando pusieran en el caldero encima de la puerta a Blas, la primera vez les caía de sorpresa, pero la segunda vez ya decían “le va a caer el caldero lleno de agua a Blas” y la quinta vez ya sabían de sobra que se le iba a caer y lo anticipaban y se divertían solamente de pensarlo. Era una cuestión de recuerdo y de hacerles pensar, de reflexión. Por eso es un programa que considero educativo.

Capítulo 9 Formatos de información y opinión

RLicenciada en Periodismo por la Universidad Complutense (1994-1999).Desde 2006 trabaja en Medina Media, productora que puso en marcha formatos de éxito como “España Directo2, “Andaluces por el Mundo” o “Pido La Palabra”. Ha sido reportera y directora de “Andaluces por el Mundo” duran-te los cinco años que estuvo en antena. En 2014 dirigió “AxEuro-pa”, un programa que le dio un giro al formato clásico de viajes.En la actualidad forma parte del equipo de dirección de “¿Y Tú Qué Opinas?”, programa de debate que se emite en Canal Sur TV.Compagina su labor de dirección de programas de televisión con la creación y desarrollo de nuevos proyectos.

Rossana RompatoEquipo de dirección “¿Y tú qué opinas?” en Medina Media

https://goo.gl/YR1Y0G


Sesión temática: Formatos de información y opinión

La crisis económica que ha sufrido este país ha marcado un antes y un después en la forma en la que el ciudadano se enfrenta a la política, y eso ha llegado a la televisión, como no podía ser de otra manera. Al final la televisión es un reflejo de lo que sucede en la sociedad.

La crisis hizo que, a partir del 2008, comenzaran a proliferar los programas de debate, de análisis y de información política en general. De repente hubo una gran apuesta por este tipo de formatos, en parte por ser baratos y rentables. También por el gran interés que despertaban en el público.

En los magazines matinales, como “Ana Rosa” o “Espejo Público”, las mesas de debate tienen cada vez más presencia y conforman las secciones más vistas de los programas. Estos formatos llegan incluso al prime time, la franja más competitiva de cada día.


La cadena que ha apostado sin duda por este género es La Sexta. Diariamente emite dos programas de debate político, “Al rojo vivo” y “Más vale tarde”; y semanalmente emite “El objetivo” y “La sexta noche”. Este último ha marcado tendencia, ya que hace años nadie hubiese podido imaginar que un programa de análisis político tuviese tanto éxito, sobre todo si su horario es el prime time de los sábados.

En cuanto a la evolución de las audiencias, tomando como referencia “Al rojo vivo” y “La sexta noche”, puede apreciarse la fidelidad del espectador a estos programas. En 2011, “Al rojo vivo” estaba por debajo del 2% y a partir de 2014 superó el 10% de share diario. “La sexta noche”, por su parte, comenzó con un 6% y actualmente ronda el 12% de media.

La base del éxito de estos programas reside en dos pilares fundamentales: el principal es el interés de la audiencia, pero también influye la forma de contar los contenidos, muy cercana al entretenimiento. Hay un debate continuo sobre si los programas de información y opinión son compatibles con el entretenimiento. Evidentemente sí lo son, en cuanto a


que la televisión es espectáculo y en los propios informativos están introduciendo, cada vez más, elementos de show como cebos, avances, noticias llamativas e irrelevantes… que hacen disfrutar más al espectador.

Es un hecho que el lenguaje audiovisual ha cambiado mucho y actualmente se exige que todo tenga ritmo, que fluya… El espectador necesita muy poco tiempo para saber si una emisión de televisión le interesa o no, por eso los medios tienen cada vez más presión.

Un programa de información y de opinión tiene tres claves fundamentales: pluralidad, tono y rigor. El tono es un elemento muy importante, pues ha sufrido un gran cambio con respecto al de los programas que se hacían hace una década. Actualmente las tertulias tienden a estar muy animadas y alcanzar un tono muy alto. Se exagera tanto que no es nada extraño ver interrupciones, gritos e, incluso, insultos. Los tertulianos se convierten en personajes mediáticos y muchos de ellos no aparecen en los programas por ser buenos profesionales, sino por crear polémica, ya que esto último genera más audiencia. Incluso la televisión pública utiliza este elemento para conseguir más público.


Pero es posible y ético hacer programas que contengan las tres claves, que sean plurales, que utilicen un tono correcto, que sean rigurosos y que, además, entretengan.

Hablar del auge de los programas de debate implica hablar del apogeo de la presencia del ciudadano anónimo en estos formatos, que a raíz del 15M comienza a participar de una manera más activa en la vida pública, al cuestionarse cosas y buscar la respuesta. Esa participación más activa llega a la televisión y algunos programas incluyen una sección en la que aparecen ciudadanos de a pie realizando preguntas. Tanto es así que Medina Media, en 2012, puso en marcha un formato basado totalmente en la participación ciudadana.

Otros formatos muy exitosos de la productora han sido “España directo”, que comenzó a emitirse en 2005; y “Andaluces por el mundo”, que fue creado originalmente por Canal Sur y adaptado posteriormente a nivel nacional.

“Pido la palabra” (diapositiva min 12.14) fue este formato, comentado anteriormente, de participación ciudadana, pues giraba totalmente en torno al público. Se


puso en marcha en otoño de 2012, en plena crisis económica, y se centró en utilizar a ciudadanos andaluces anónimos para hacer preguntas a los políticos invitados al programa.

Fue un gran hito, había 10 representantes de cada provincia, un total de 80 personas en directo, preguntando libremente y sin censura. Los participantes fueron elegidos por una empresa demoscópica, que buscó la mayor representación posible de la sociedad andaluza. El perfil del público era muy variado, de distintas edades y ocupaciones. Había amas de casa, desempleados, pensionistas, agricultores, funcionarios, estudiantes… Y una cosa muy curiosa del formato era la forma del plató, un círculo que se asemejaba a una plaza de toros, para que el invitado se “lanzase al ruedo”.

No sólo acudían políticos al programa como invitados, sino también otros profesionales, como economistas o jueces. Era el comienzo de la crisis económica y la justicia estaba envuelta en mucha polémica, así que la gente se hacía preguntas. Llamó mucho la atención cómo un programa de estas características tenía tanto éxito.


Otra de las cosas llamativas del espacio era su filosofía, que demostraba que los medios de comunicación no sólo entretienen, sino que también forman e informan. Incluso miembros del público sin estudios hacían preguntas que ni un periodista hubiese podido realizar. Y estas preguntas no tenían ningún tipo de censura, simplemente se hacía una criba para que ninguna pregunta se repitiera y escoger las de mayor interés.

“Pido la palabra” se emitió los jueves en prime time y tuvo una gran media de 9,1. Supuso además un hito en cuanto al tema del público y fue un buen ejemplo de la unión de entretenimiento, información y formación dentro de un programa.

Otro espacio de debate con público participativo, estrenado en febrero de 2016, es “¿Y tú qué opinas?”, una mezcla de entrevista y tertulia política con intervenciones del público.

En un principio el programa iba a ser social, con cuestiones del día a día que afectasen a la población. Pero tras


los acontecimientos políticos sucedidos el 20 de diciembre, la televisión tuvo que contentar a la sociedad y ofrecer política. De esta forma el primer invitado al programa fue Felipe González, lo cual tuvo una repercusión increíble.

El espacio contaba con una parte de debate con analistas, y otra en la que ciudadanos anónimos reflexionaban y daban su opinión libremente. El papel del ciudadano anónimo aquí es vital, pues pregunta de una forma muy directa.

De este modo se creó una fila cero, compuesta por personas que se sentaban entre el público, y se levantaban libremente para ir a un atril desde el que daban su opinión o hacían sus preguntas. El programa era muy dinámico, incluso se creó una sección de debate entre los propios ciudadanos, que animaba el espacio en los momentos en los que el tono de la tertulia se venía abajo.

La media del programa es de 4,5; no es un gran dato pero se ha conseguido mantener fielmente cada semana a 150.000 andaluces viendo el programa; además es un target muy concreto, personas con hambre de información y comprometidas con la sociedad.

EEs productora ejecutiva de programas de entretenimiento en la productora Globomedia, actualmente de El objetivo de Ana Pas-tor y El Club de la Comedia Es vicepresidenta de la Academia de Televisión.Ha sido la Directora del Departamento de Programas de Lasexta durante seis años, desde su fundación hasta el proceso de fusión con Antena 3.Con anterioridad, fue productora ejecutiva, directora y guionista en Globomedia en diversos programas entretenimiento.Sus primeros trabajos se realizaron en TVE como redactora y guionista de programas de divulgación científica para posterior-mente trabajar durante cinco años en los inicios de Tele 5, ocupan-do siempre puestos en el área creativa y de dirección de programas.

Esperanza Martínproductora ejecutiva de programas de entretenimiento en Globomedia, “El objetivo” de Ana Pastor y “El Club de la Comedia”



Sesión temática: Formatos de información y opinión

Es una realidad que programas que se salen de la

norma, y que en principio no deberían existir, ocupan portadas de periódicos y lideran audiencias. Es el caso de programas de prime time como “La sexta noche”, “Salvados”, “El objetivo” o “El intermedio”. Este último es una mezcla de humor con actualidad y genera opinión, tiene cada vez más contenido político y compromiso social. El equipo que lo forma está muy comprometido con temas como el de los refugiados y con minorías sociales en general, aprovechan el éxito del programa para denunciar injusticias.

En los últimos años el sector audiovisual ha sufrido una serie de cambios: nacieron las dos cadenas pequeñas, Cuatro y La Sexta, y se asentaron. Después hubo una crisis publicitaria y tuvieron que fusionarse con otros grupos.


Hay dos grandes conjuntos televisivos: por un lado están las televisiones autonómicas públicas, que han sufrido una grave crisis desde que televisión española comenzó a perder audiencia. Esto es realmente alarmante porque la cadena maneja unos presupuestos muy elevados fruto de los impuestos de todos los españoles.

A la gente de verdad le interesa la información, en 2015 el género con más éxito en las parrillas fue la ficción, seguido de la información y del entretenimiento. Y en las televisiones autonómicas, el género con más presencia fue directamente la información. Seguramente sea por la situación de crisis que estamos viviendo y porque el formato se presenta de una manera más atractiva para el público, que los programas informativos han alcanzado este éxito insospechado.

La Sexta ha demostrado, desde su inicio en 2006, que otro tipo de televisión es posible y puede interesar al gran público. El interés que despiertan sus programas se debe a varios factores: en primer lugar cuentan con un buen prescriptor, además trabajan con mucho rigor para no perder nunca la credibilidad, son plurales y destacan por la


inmediatez de la información en los programas en directo. También tienen contenidos muy cercanos a la sociedad, están continuamente presentes en las redes sociales y en general, toda la programación de La Sexta, tiene una estética muy vanguardista, algo que el público agradece.

Según el CIS, la cadena es la preferida por los espectadores para mantenerse informados, y es muy significativo que un canal pequeño sea tomado como punto de referencia en este sentido. Pero también es cierto que no hay nada más democrático que el mando a distancia, la gente tiene todo el poder en sus manos y si algo funciona es porque de verdad interesa a la audiencia y porque está bien hecho.

La Sexta cuenta con muchos formatos informativos, tales como telediarios, tertulias de opinión con pluralidad de ideas… pero es “El objetivo” el que busca reivindicar los hechos y los datos. En este programa no hay opinión, sino que los hechos se explican desde el punto de vista de las personas que los cuentan. Los profesionales que trabajan para “El objetivo” se han puesto como meta hacer cada semana un análisis objetivo de la actualidad.

El programa fue lanzado con una sección muy novedosa en España, llamada “pruebas de verificación”, inspirada en programas anglosajones. Sólo en nuestro país esta sección se programa en prime time y además funciona, pues suele tener un 10% de media de audiencia. En ella aparece una novedad que la cadena quería aportar, el periodismo de datos; de esta forma en la sección se muestran cifras y datos importantes de forma muy rigurosa.

Entre los elementos diferenciadores de “El objetivo” se encuentra la conductora, Ana Pastor, referente absoluto de un programa personality basado en ella misma. Es la directora y el emblema del programa, aunque está rodeada de un gran equipo que la apoya siempre.


También hay contenidos diferentes y diferenciadores, como el citado periodismo de datos. Y el grafismo en muy vanguardista y está muy cuidado. La documentación cumple una labor muy exhaustiva; y la puesta en escena es muy atractiva, y cuenta con sellos distintivos del programa tales como el Ipad colocado en la mesa para aportar modernidad y vanguardia, o el plató blanco para otorgar sensación de objetividad.


El programa no tiene una estructura fija, pues puede hacer una entrevista de casi una hora de duración, o puede organizar una mesa política con un representante de cada partido político. Esto no quita que sí tenga elementos identitarios que aparecen normalmente en todas sus transmisiones.

A diferencia de otros programas como “Al rojo vivo”, “Las mañanas de cuatro” o “La sexta noche”, donde el tono de los contertulios es muy subido, “El objetivo” cuida siempre el tono de sus debates, de forma que nadie se ha enzarzado nunca en ninguna discusión de ningún tipo, en parte porque los políticos guardan más las formas que los periodistas.

La estructura del programa tiene unas secciones que no son fijas. Hay programas dedicados a un solo político, y también hay reportajes y piezas de animación, muy importantes porque facilitan la explicación de los temas tan áridos que normalmente se tratan.

Las entrevistas son muy polémicas, algo muy normal en Estados Unidos y en Gran Bretaña, pero que en nuestro país


llama mucho la atención. Para hacer este tipo de entrevistas hay que estar muy preparado y Ana Pastor trabaja muy duro para preparárselas a fondo. Siempre cuenta con toda la información necesaria y tiene todos los datos bien contractados, incluso se adelanta a las respuestas de los invitados.

Este espacio es uno de los grandes ejes del programa, pero no es el único, ya que no todo el mundo quiere asistir como invitado. De esta forma se realizan otras actividades como mesas políticas en torno a un tema, en las que se cuenta siempre con una amplísima representación política. También se realizan a veces documentales, ya que la gente comienza a cansarse del tema político puro y duro y necesita un respiro de vez en cuando.

Por lo tanto, como no podía ser de otra forma, la política es el tema identificativo del programa. Y una de las cosas de las que se encarga es de evidenciar las mentiras de nuestros políticos, en la “Sección de pruebas de verificación”. Esta sección se encarga de hacer un seguimiento constante de las declaraciones de los políticos, después transcribe el minutado de las mismas y verifica los datos a través de varias fuentes,


tras contactar primero con la persona que ha hecho esas declaraciones para saber de dónde ha sacado la información. Tras esto, busca más información en lugares tan diversos y fiables como la hemeroteca, organismos oficiales europeos, el propio gobierno de nuestro país o gobiernos extranjeros.

El programa trata siempre de hacer atractivos todos los elementos que parecen aburridos y no están hechos


para ser elementos de entretenimiento, tales como gráficos, declaraciones, clips de informativos…

Otra de las secciones de “El objetivo” se denomina “Sé lo que hiciste con el último contrato” porque, según dice Ana, es pedagogía hacer un seguimiento del rastro del dinero público. Es una sección más local, pues normalmente el equipo se desplaza a pueblos para ver cómo sus organismos gestionan el dinero público. De esta forma buscan respuestas a determinadas inversiones que parecen totalmente inexplicables por manejar el dinero de todos, como es el caso del escándalo de la Línea 9 de Barcelona, que les ha costado a los españoles 16.000 millones de euros; o la polémica final de la Copa del Rey entre dos equipos de ciudades independentistas.

Otra sección es “Maldita hemeroteca”, que tiene mucha repercusión en redes sociales y se dedica a comprobar cómo los políticos unas veces dicen una cosa, pero hacen otra. Es el caso del ex gobernador del Banco de España, que tras pedir el recorte de sueltos y el abaratamiento de los despidos, se llevó una indemnización por cese excesivamente alta, un hecho que fue finalmente denunciado por el Tribunal de Cuentas. O el


caso de Alberto Garzón y sus negativas declaraciones sobre Podemos, partido del que ahora es miembro.

A Ana Pastor le gusta que su espacio cuente con reportajes. El primero que se hizo fue sobre Lampedusa, que tuvo muy mal dato de audiencia, a pesar de que fue un programa totalmente social y comprometido en el que el equipo se desplazó a la isla, a la que estaban llegando una excesiva cantidad de inmigrantes desde hacía tiempo. También se ha hecho recientemente un reportaje sobre el TTIP para abrir una ventana al público y explicar el asunto. Es un acuerdo absolutamente secreto entre Estados Unidos y la Unión Europea.

“El españolisto” es una pieza creada casi todas las semanas de unos dos minutos de duración, que se utiliza para explicar cosas. Un ejemplo es una que se hizo sobre el voto rogado, para mostrar lo complicado que es votar para los españoles que están en el extranjero, ya que cada vez hay procesos más difíciles. La pieza se encargó de enseñar la forma correcta de votar. Ésta es la única sección del programa que tiene guion y que incluye ciertas dosis de ironía y de humor.


Y por último, en los programas también se han hecho especiales; el primero fue sobre el ébola, que se preparó en tres días y para el que se desplegó un gran equipo, con conexiones en varios puntos de la península. Otro fue sobre el referéndum de Grecia, que tuvo muchísimo éxito y contó también con multitud de conexiones.

Una de las experiencias más duras del equipo, en cuanto a trabajo se refiere, ocurrió después del debate entre Rajoy y Pedro Sánchez. El programa hizo FACT sobre las propias declaraciones que habían hecho en ese mismo debate.

Los FACT surgen en Estados Unidos a raíz de campañas y debates electorales, y tardan días en hacerse, pero el programa hizo un trabajo previo de búsqueda de datos y preparó mucha información para poder realizarlos al término del debate.

También se hizo un buen programa en los atentados de París, el equipo se pudo desplazar hasta el lugar. La propia configuración de La Sexta permitió muchas conexiones y diversos procesos. Y el último reportaje fue sobre el 15M en la Puerta del Sol, una experiencia muy desagradable porque


el equipo quería estar en la calle con los manifestantes, pero éstos no pararon en ningún momento de abuchear, increpar y gritar cosas. Era en la plaza de San Isidro, una plaza grande en la que hay espacio para todo el mundo, y entre los invitados se encontraba el propio Errejón y dos activistas que habían formado parte de la manifestación, pero el público ni siquiera los conocía.


Uno de los grandes éxitos de “El objetivo” ha sido ser líderes en las noches electorales. “Al rojo vivo, objetivo: La Moncloa”, contó con una enorme organización: por un lado había una mesa de análisis de periodistas conducida por Antonio, por otro lado se encontraba Ana con algunos políticos. También había conexiones con todos los puntos calientes de diversas provincias (sedes de partidos, centrales de datos…). Y además se ofreció una novedad muy importante al espectador creando una pantalla para explicar, de manera sencilla, algunos temas como la situación del escrutinio por provincias o un pactómetro para adelantar lo que podía suceder en cada momento. La audiencia respondió muy bien porque ninguna otra cadena desplegó un equipo tan grande, ni aportó tanta información en aquella noche electoral.

En el último año, según Kantar Media, el personaje más citado en Twitter ha sido Ana Pastor, seguido de Jordi Évole. La presentadora tiene casi dos millones de seguidores en la red social y está siempre activa, incluso durante la emisión de sus programas.


ELic. en Ciencias de la Educación y Antropología sociocultural. Dr. en Antropología sociocultural. Lic. en Tecnología de la Educación. Vicepresidente del Grupo Comunicar, Director de la revista Aula-ria, de educomunicación. Subdirector de la Revista «Comunicar». Autor del sitio Cine y educación. http://www.uhu.es/cine.educa-cion/ Escritor. Guionista de cine y televisión. Ilustrador y dibu-jante. Ha realizado trabajos y guiones para TVE, en el programa Barrio Sésamo, entre otros. Ha escrito y colaborado numerosos textos sobre educación y medios de comunicación, entre ellos, en 2002, “Aprender con el cine, aprender de película. Una visión di-dáctica para aprender e investigar con el cine”, y en 2005, “Histo-rietas de la comunicación. De la Adicción al Zapping. Un recorrido crítico-visual por la comunicación y las tecnologías”. Actualmente colabora en la organización y apoyo de Festivales internacionales de cine para niños y adolescentes, México, Madrid, Valencia, Chile, Buenos Aires, Extremadura...

Enrique Martínez SalanovaVicepresidente del Grupo Comunicar

https://goo.gl/qaI5at


Sesión temática: Formatos de información y opìnión

La imagen, la palabra, la reflexión y la crítica se necesitan mutuamente.

El espectador, que generalmente no sabe lo que hay detrás de una pantalla de televisión, entra en los programas de forma superficial. Para ser espectador crítico es necesario ver la televisión con mayor conocimiento y, para analizarla, es preferible sacar los programas de su contexto habitual, televisor y sillón, y mirar detrás de lo que vemos. Este cartel (cartel minuto 1.08.55), del Grupo Comunicar, hecho por Enrique para un Congreso celebrado en Sevilla en 2005, representa las miradas, tanto de la televisión hacia el mundo como el ojo del espectador que mira la televisión.

Una de las grandes experiencias periodísticas de Martínez Salanova fue haber trabajado en La Voz de Almería con su director, Carlos Santos, el cuál llegaba todos los días a la reunión de primera hora con el periódico del día


en el que había señalado aspectos diferentes marcados en bolígrafo rojo, una forma de evaluar y de hacer notar todos los errores, o sugerencias, en los que se podía incurrir. Fue una excelente escuela de aprendizaje. Martínez- Salanova, aprovechando un reportaje sobre el cometa Halley al que asistieron niños de varios colegios, ver al Halley de noche en un monte, con un telescopio proporcionado por astrónomos de Calar Alto y guiado por ellos, quiso hacerle una broma a su director poniendo como titular de la noticia “El Halley enseña la colita a los niños de Almería”, confiando en que Carlos Santos descubriese el titular y lo corrigiese antes de llegar a imprenta, como en realidad sucedió. Esta anécdota sirve muy bien para recordar que debe haber siempre un control de la información por parte de quienes se responsabilizan de un medio de comunicación.

En los debates en televisión, algunos tertulianos opinan de cualquier tema, en ocasiones con escasa información, sin preparación o sin contrastar los datos. Podríamos denominarlo el “síndrome de la mesa camilla”. Afortunadamente hay programas que dejan al descubierto las mentiras de las personas que hablan de más, por eso es importante que haya controles al sistema y a la información. Los espectadores deben también vigilar y contrastar la información que reciben de los medios, controlar los sistemas periodísticos, aunque muchas veces no sepan lo que sucede detrás de las pantallas.

Un buen ejemplo de que se debe vigilar la información y mirar detrás de lo que nos muestran los medios, es la famosa fotografía de la niña y el buitre, de Kevin Carter. Este fotógrafo sudafricano fue luchador contra el apartheid, con gran experiencia en por involucrarse en actos humanitarios. La fotografía fue tomada en un viaje que hizo a Sudán para denunciar el hambre que vivían los habitantes de ese país. Un día decidió abandonar su tienda de Cruz Roja para dar un paseo y despejar su mente de la miseria de aquellas personas, cuando se encontró a una niña medio moribunda y prefirió regresar al campamento. Pero al rato volvió a ver qué había sido de


ella y entonces vio a un buitre que la acechaba y esperaba paciente su muerte para devorar su cadáver. Carter no ayudó a la pequeña, sino que simplemente tomó una fotografía del momento y la publicó. Meses más tarde recibió el prestigioso premio Pulitzer, que más que un triunfo resultó un fracaso, pues el mundo entero comenzó a criticarle duramente por no haber socorrido a aquella niña; incluso su familia y amigos le negaron la palabra.

El fotógrafo terminó suicidándose y, años más tarde, varios investigadores descubrieron que algo más se encontraba detrás de la instantánea. Para empezar, la niña en realidad era un niño y además, no murió en ese momento sino con más de treinta años, por una enfermedad endémica en su país.

Después de los reproches de todo el mundo hacia Carter, que le llevaron a sufrir fuertes depresiones y al suicidio, a día de hoy a nadie le importa lo que provocaron sus duros comentarios y, mucho menos, importa el hambre que sigue existiendo en Sudán. Es más fácil lanzarse contra el mensajero que intentar buscar la realidad.

Los periodistas, los viñetistas políticos y los fotógrafos


están normalmente involucrados en multitud de líos con la justicia. Actualmente es importante la inmediatez de las noticias, pero algo mucho más importante es el seguimiento de las mismas, se debe hacer una búsqueda profunda, ya que la televisión influye mucho en la gente. El mundo mira los medios y actúa conforme a lo dictado por ellos.

Martínez- Salanova ha estado en comisaría varias veces, la primera fue cuando estaba en la Universidad Complutense de Madrid estudiando pedagogía. El motivo fue que dibujó una viñeta y le acusaron de que uno de sus personajes se parecía a Franco, por lo que tuvo que dormir aquella noche en el calabozo.

Sus mayores problemas han sido siempre por hacer viñetas políticas o por realizar fotografías, nunca por escribir, a pesar de que lo ha hecho duramente contra dictadores e injusticias en multitud de ocasiones. En Argentina estuvo detenido por hacer prácticas de fotografía en la universidad. En Brasil le querían romper la cámara, en Marruecos tuvo que salir corriendo por querer hacer una foto dentro de una Mezquita, y en Chile también pasó por comisaría. En Ceuta tuvo que correr delante de la policía por subirse, para hacer una foto, encima de un monumento erigido en el lugar desde el que se supone que Franco siguió el paso de los rebeldes por el Estrecho de Gibraltar.

Las fotografías y las viñetas hacen más daño que los artículos. Martínez-Salanova ha estado muchos años publicando viñetas políticas. Actualmente lo hace con frecuencia en las redes sociales, y es curioso que, aunque contra quien más arremete es el PP, nunca ha tenido problemas con ellos, tal vez porque lo tienen por imposible; sin embargo, alguna pequeña crítica sobre el PSOE desencadena una serie de llamadas de atención de sus amigos del partido. Y cuando hace una viñeta sobre Podemos, un partido caracterizado por ser muy libre, suelen entrar en tromba sobre todo sus amigos más cercanos que, al parecer, no aceptan bien las


críticas. Según Martínez-Salanova, un viñetista se arriesga más con sus dibujos que un escritor, tiene que pensar mucho la trascendencia de las imágenes, cuidado que no necesitan tanto los escritores.

El impacto de la imagen es mayor que el de las palabras, a pesar de ser un elemento en apariencia más superficial. La afirmación de que una imagen vale más que mil palabras no es cierta; la propia fotografía de la niña y el buitre dice muchas cosas, pero no todo lo que hay detrás. La multitud de investigaciones posteriores han revelado muchos aspectos que no se conocían de ella y han desmentido lo que se creía hasta el momento. Martínez-Salanova ha escrito centenares de líneas, millares de palabras, solamente sobre esa imagen.

Actualmente estamos acostumbrados a decir muchas cosas en los sólo 140 caracteres que contiene Twitter, pero no a decirlo todo, pues normalmente necesitamos más caracteres, más fotografías y más imágenes. En una viñeta que dibujó para la Revista Comunicar aparece Cervantes encerrado en un manicomio porque quiere escribir “El Quijote”, pero sólo le dejan hacerlo en Twitter, 140 caracteres. Lo importante es darnos cuenta de que hay infinidad de aspectos, elementos, criterios y puntos de vista escondidos detrás de lo que vemos.


En el dibujo titulado “Matar al mensajero”, se quiere dar a entender que nadie puede enterarse de la parte buena de algo si ni siquiera tiene interés por descubrirlo, y mucho menos puede opinar mal sin la información necesaria. Somos

ciudadanos libres y podemos informarnos bien de las cosas. La imagen, la palabra, la reflexión y la crítica se necesitan mutuamente.


Capítulo 10 Formatos de realidad y ficción

BIsla Cristina (Huelva) 10/4/1961 • Director de Producción de Programas de Telecinco. Responsable de la gestión de contenidos de los programas de entretenimiento y actualidad de la cadena de Mediaset España (desde 2009 a la actualidad)• Director de Programas de Canal Sur Televisión (2003-2009)• Licenciado en Imagen (Universidad Complutense de Madrid)• Master en Escritura de Guión Cinematográfico y Televisivo (Universidad Autónoma de Madrid) • Profesor invitado en la Universidad Complutense de Madrid, Universidad Europea de Madrid y Universidad Rey Juan Carlos.• Profesor Asociado de la Facultad de Comunicación de la Univer-sidad de Sevilla (1992-2009)

Baldomero Toscanodirector de producción de programas de Telecinco



Sesión temática: Formatos de realidad y ficción

La formación se adquiere en la escuela y en la Universidad, la educación en la familia, y los medios están fundamentalmente para informar y para entretener.

Telecinco es un modelo eficaz de televisión comercial, esa es su gran virtud. Sus profesionales trabajan para lograr buenas audiencias, generar beneficio a los accionistas de la compañía, pagar impuestos y para crear riqueza. También se esfuerzan por ser líderes en el mercado de la televisión comercial en España. “No trabajamos para la gloria sino para el éxito”. Esta frase define muy bien el objetivo que debe tener una televisión comercial: esforzarse para conseguir el éxito y para ser elegida por los espectadores.

La cadena utiliza además el concepto de “televisión extendida”, que está referido a la televisión como motor de muchas otras cosas: redes sociales, internet, etc…

Actualmente nos encontramos ante un nuevo tipo de consumo televisivo, caracterizado por la recepción fragmentada, ubicua y asincrónica; el espectador dispone


de muchos dispositivos de conexión. Ya es un hecho que la televisión tenga múltiples formas de ser consumida.

Telecinco tiene muy claro el concepto de “televisión-evento” y es una de las pocas cadenas, no sólo en España sino a nivel europeo, que utiliza la televisión como evento.

El directo y el plató son elementos esenciales de este concepto, y Telecinco es una de las cadenas en nuestro mercado con más producción en vivo. Su parrilla comienza muy temprano con el magazín “El programa de Ana Rosa”; a esto le siguen “Mujeres y hombres y viceversa”, que pese a a ser grabado contiene muchos elementos del directo; “Cámbiame”; “Informativos Telecinco”, “Sálvame”, con cuatro horas de emisión, y en el prime time hay también muchos programas que son en vivo. Así se completan algunos días hasta catorce horas de televisión en riguroso mdirecto.

Este elemento es esencial en la televisión, los productos grabados se pueden ver en cualquier otro dispositivo, pero los programas en vivo constituyen la esencia de la televisión, ya que si el espectador no ve el programa en el momento de su emisión, se pierde algo que está vivo, que está ocurriendo en ese mismo momento.

El plató también es un elemento esencial, no sólo como medio operativo sino como forma de generar contenido. Es


la producción más barata que hay y la que cubre más horas de emisión.

La parrilla de la cadena se articula en torno a tres géneros fundamentales. El gran reality: Gran Hermano, Gran Hermano Vip y Supervivientes son los tres grandes realities que articulan la parrilla a lo largo del año con un gran éxito de audiencia. Son grandes marcas que llevan diecisiete años en la cadena y que provocan la fidelización y el seguimiento de los espectadores.

La televisión se construye con marca y con producto, y los grandes productos sobreviven al tiempo, a las pantallas, a las tecnologías, a los lenguajes… y seguirán sobreviviendo. Este medio es la madre de las redes sociales y de otras plataformas, y además sigue siendo el medio principal de ocio y entretenimiento en España.

Otro de los grandes géneros de Telecinco es la ficción, que se caracteriza por tratar temas y asuntos contemporáneos y actuales, para despertar así el interés de la gente. Es lo que sucede en series como “El príncipe”. Además, la cadena produce miniseries como “Lo que escondían sus ojos” o “Los nuestros”, que apuestan por narrar historias reales.

La cualidad de mostrar, de algún modo, y de estar pegados a la realidad es una de las características principales de la cadena, Toscano dice “damos que ver y damos que hablar”.

Otro de los pilares de la ficción es la comedia atrevida. El fenómeno de “La que se avecina” no se da en ningún otro país. Es inaudito que una serie tenga capítulos tan largos y que siga funcionando magistralmente, además contiene una gran parte de la tradición cultural española: el esperpento.

El último gran género es el Talent Show, con programas como “La Voz”, “La Voz kids”, “Got talen”, “Pequeños gigantes” y “Levántate”.


Si las mañanas y las tardes de la parrilla las conforman programas en directo, la noche se caracteriza por la emisión de programas de talento, realities show y series de ficción; todas ellas en horario de prime time, eje central de la programación televisiva.

Telecinco es buen ejemplo del modelo de “hipertelevisión”, concepto que se refiere a la televisión que transciende narrativamente la frontera de la televisión convencional. La cadena es especialista en expandir sus historias y multiplicar sus programas narrativos. Trabaja la realidad con personajes que nutren las ansias de los espectadores de conocer sus vidas. El espectador de hoy es “voraz, impaciente y hambriento” porque no sólo consume televisión, sino que consume simultáneamente productos derivados de la misma en otras pantallas. Ésta es la característica principal del espectador joven-adulto actual.

Los relatos de la hipertelevisión no terminan en un capítulo ni en una temporada, sino que se extienden a lo largo de los años, es el caso de muchos de los presentadores y colaboradores de los programas de Telecinco. Sus historias se expanden en el tiempo, sus relatos no se agotan. La cadena está permanentemente generando contenido a través de personajes muy vinculados a ella.


Esta característica remite a algo que está en el imaginario e identidad cultural de los espectadores, a las estructuras narrativas de los folletines del siglo XIX, una forma paradigmática de narrar al estilo de Dickens o de Dumas, que Telecinco ha sabido adoptar valientemente. Esta estructura narrativa es difundida a través de distintas plataformas.

La televisión comercial, de la que se lleva anunciando mucho tiempo su muerte y decadencia, tiene larga vida. Así lo demuestran los datos y además se extiende por otros soportes y muta en ellos. Pero el éxito va a seguir residiendo siempre en los productos y programas de ocio y entretenimiento, alojados en el soporte televisivo.


Telecinco está usando el efecto amplificador de la red, que se convierte para la cadena en un territorio ideal para desarrollar estrategias de marca ya que, al fin y al cabo, la web es promoción. Internet tiene un efecto amplificador maravilloso, sobre todo para las generaciones más jóvenes, y dispone de acciones de creación de comunidades de marca en torno a formatos televisivos; es sin duda una gran ventana de explotación. También ofrece servicios de valor añadido, consigue rendimiento de audiencia y fideliza al espectador, cosa que es esencial para cualquier cadena.

Dentro de la red, las redes sociales son un elemento expansivo fundamental, ya que permiten las relaciones con los usuarios y su integración en las cadenas. Pero lo mejor de las redes sociales es que dan mucha visibilidad y son un hecho democrático y de libertad de expresión: hacen que los usuarios sean libres de opinar lo que quieran respecto al producto.


SSoy Licenciado en Ciencias de la Información y Máster en Comu-nicación y Cultura por la Universidad de Sevilla. Me he dedicado al mundo del cine y la televisión en tareas de realización, creación y dirección de formatos durante 15 años. Desde hace un lustro ejerzo la docencia e investigación, como profesor de Grado en Comunicación Audiovisual del centro universitario EUSA (adscri-to a la Universidad de Sevilla), en los ámbitos de la generación de formatos, los concursos, programación y audiencias. He escrito el libro Cómo crear un programa de TV. La creatividad y su aplicación a lo audiovisual, y en la actualidad me encuentro en la fase final de mi tesis doctoral sobre los Quiz shows.

Sergio Toledoprofesor de Comunicación Audiovisual en EUSA (Universidad de Sevilla)




La cuestión principal es si los quiz shows o formatos de preguntas y respuestas son realidad o ficción. Como punto de partida está la aportación de Susan Holmes, investigadora británica, en su libro “Quiz Show”, que recoge la declaración del productor de Weakest Link : “ si eres bueno trabajarás haciendo películas, si eres normal harás tv movies , si eres malo trabajarás en sitcom, y si eres realmente pésimo harás concursos y quiz shows”.

Aparentemente hacer un concurso es fácil, pero no es simplemente buscar participantes y hacer preguntas, sino que en esta era digital la primera pantalla (la televisión) debe ser la que alimente al resto de pantallas. En todas ellas, este formato sigue estando de actualidad y, ante esto, lo extraño es que aún no existan libros que recojan la base para poder hacer estos programas.

Pocas personas en España y en el mundo se han dedicado a estudiar el formato. En líneas generales se puede decir que el quiz show es un formato de entretenimiento no


ficcional, implantado de la radio y exportado a la televisión en los años cincuenta. La clave es muy sencilla: generar una competición a través de los conocimientos, ya sean rutinarios o académicos, y que al espectador le guste.

Hay muchas clasificaciones sobre los concursos, pero Inmaculada Gordillo recoge la siguiente en su libro “Manual de narrativa televisiva”: están los concursos de azar, los quiz shows, game shows o concursos de habilidades y talentos, docugames y realities, y las fórmulas mixtas, como es el caso del Gran Prix, que recoge muchas pruebas de distinta índole.

En general, los concursos se instalan como espacios


de entretenimiento basados en la realidad y preferidos por la audiencia desde la paleotelevisión hasta la hipertelevisión, pasando por la neotelevisión.

En su comienzo, la televisión se utilizó como medio de entretenimiento de masas, ya que el tiempo de ocio es inherente al ser humano. De esta forma los concursos cubren una necesidad innata. Al principio se crearon concursos en la cadena Dumont, en 1946; era radio televisada, sus primeros profesionales pertenecían a la radio y al cine, pero más tarde se va creando un lenguaje propio para la televisión. Aunque el elemento que más innova en el medio televisivo es la publicidad.

El primer quiz show que aporta elementos para que el formato sea tal y como lo conocemos hoy en día es “Winner takes all”, que incluye pulsadores. Otra cosa fundamental que afectó a la mecánica de los concursos fue volver a llevar al ganador de un día al programa del día siguiente. La importancia de esto reside en que el formato adquiere, de esta forma, serialidad y ficcionalidad.

En cuanto a los formatos que han marcado un hito, a nivel internacional se puede destacar “La pregunta de los 64.000 dólares” (1955), un quiz show que rompió con todo


lo establecido. Alcanzó los 55 millones de espectadores y consiguió que Estados Unidos se paralizase durante su emisión. Ante esto, la NBC respondió creando “Twenty one”, que fue todo un escándalo por entregar como premio una cantidad de dinero ilimitada, lo que hizo intervenir a la fiscalía para establecer un máximo como importe en el premio de cualquier concurso.

Otro hito fue también “Jeopardy”, creado en la década de los sesenta, que cambió la manera de formular las preguntas y de responder; lo que primaba no era el premio sino el conocimiento. También apareció “Wheel of fortune” como culmen del conocimiento rutinario, y “Who want to be a millionaire”, que supuso el resurgir de los formatos de concurso y de los quiz, especialmente por la espectacularidad de las luces y los sonidos; es más, este concurso ha sido el más franquiciado en el mundo, hasta 120 países han copiado su formato.

En España, los primeros concursos fueron muy simples, hasta que llegó “X-0 da dinero”, que era una adaptación de “Tic-Tac-Dough”. También destacaron “Sexta y punto”; “El tiempo es oro”, que supuso el resurgir del saber enciclopédico en una época sin Internet; o “Saber y ganar”, que lleva ya veinte años de emisión ininterrumpida.


Frente a estos hitos de quiz shows específicos, aparecen dos que suponen la evolución del género concurso, el primero es “Un, dos, tres… responda otra vez”, que utilizó la hibridación de géneros en la época de la paleotelevisión (era un juego, un concurso de preguntas y respuestas y de azar, todo al mismo tiempo). Además, un elemento innovador que remite a la pregunta inicial de si los quiz shows son realidad o ficción, es que aparece físicamente la figura del villano. También se realizó “Números rojos”, que batió récords de audiencia e introdujo un nuevo componente; los concursantes mostraban al público las desgracias de su vida privada, y el programa tenía la capacidad de revertir sus situaciones y saldar sus deudas.

El éxito de los concursos reside en que el juego es una necesidad humana imprescindible, pero el espectador necesita algo más. Oliver Perez Latorre, en su libro “El arte del entretenimiento”, enseña que en la ficción, la narrativa se encarga de solucionar un problema y el espectador acompaña al protagonista y lo resuelve con él, de esta forma empatiza y disfruta de sus logros. El quiz show es lo mismo: está protagonizado por alguien que tiene un problema, en este caso la pregunta, y tiene que solucionarla con la respuesta. Esto es conocido como “escenarios de resilencia”, que se refiere a que, ante un final muy penoso y desagradable en el


que el concursante no gana, el espectador puede tener una experiencia iniciática y aprender algo positivo de ella.

Por otro lado, existe una teoría que afirma que el espectador de hoy en día busca mucha complejidad en los contenidos, pero no es cierta, pues los espectadores quieren relatos de complejidad media-baja para poder conseguir un acuerdo comunicativo. Esto lo cumplen perfectamente los quiz shows, al narrar y estructurar sus historias de forma sencilla, tal y como sucede en “Lo sabe, no lo sabe”, “50 por 15”, “Saber y ganar” y “Pasapalabra”, que tienen una eficiencia y eficacia incuestionable.


Umberto Eco también se planteó en su momento si este formato es realidad o ficción. La conclusión actual es que el quiz show es entretenimiento ficcionado basado en realidad, tal y como sucede en videojuegos, series o películas. Además, las personas reales que concursan se convierten en personajes, que viven y experimentan una aventura de ficción, en este caso el concurso.

Al ser humano le cuesta distinguir entre realidad y ficción, pues sus percepciones llegan primero a la parte primaria del cerebro, la emotiva. Por eso, en un principio, recibe los estímulos como realidad, hasta que la parte racional los identifica y entonces se da cuenta de lo que es verdad y lo que es ficción.

En el quiz el espectador empatiza y se pone en el papel del concursante. Esto ya lo predijo Erick Masse, que habló de concursos espejo y de concursos escaparate. Los primeros son los shows en los que el espectador se ve reflejado y sabe que él mismo puede llegar a ser el jugador. En cambio, los concursos escaparate se refieren a los que el público percibe como una ficción.

La hibridación entre realidad y ficción no es un invento de la hipertelevisión, ya que los quiz lo hacían antes. Como


elementos ficcionales, el formato cuenta con castings para elegir a los participantes, efectos espectaculares, música y sonido, iluminación, tipología de planos, guion, montaje… En definitiva, todo va encaminado a generar un relato en el que una persona se convierte en personaje, gracias a sus hazañas, y merece una recompensa, a través de un programa lo más real posible. Esto conforma una pseudoficción de guion abierto en la que el ganador debe ser el héroe.

En relación al formato, la afirmación más importante es que no hay que desinformar ni deformar, pero sobre todo, no hay que aburrir con los contenidos porque las funciones más primitivas de la televisión son informar y entretener. Formar es obligación de los centros educativos, no de la televisión, que lo que sí hace es fomentar el pensamiento crítico del individuo, sin sobrepasar nunca límites éticos, pero haciendo al público soberano para elegir los contenidos que desea ver.

Para poder formar o informar en la actualidad la clave es entretener, ya que si el contenido no despierta interés, directamente no es visto por el espectador, que lo que busca al encender el televisor es saciar sus expectativas de ocio. El contenido es más interesante aún si contiene storytelling, es decir, si cuenta una historia.


El entretenimiento carga una losa social de menosprecio frente al trabajo, ya que se asocia al ocio y el trabajo es lo que verdaderamente tiene una connotación positiva. Pero para el desarrollo del individuo el entretenimiento es básico, y en el caso de los quiz shows se premia además el conocimiento.


IMás de 7 años de experiencia en el sector audiovisual. En 2008 tras licenciarme en Comunicación, entré a formar parte del Departamen-to de Contenidos de Magnolia TV, productora que forma parte de Zodiak Media, grupo internacional independiente con más de 48 compañías en más de 15 países, participada mayoritariamente por De Agostini que desde febrero de este año forma parte Banijay Group. En Magnolia TV:• Creación y desarrollo de programas originales.• Scouting internacional de formatos de entretenimiento. Adquisición y negociación de formatos internacionales y adaptación a España. Re-lación con distribuidores.• Seguimiento de contenido y audiencias de programas en emisión.• Producción de pilotos y promos.• Pitch a las cadenas • Apoyo y trabajo en colaboración con el equipo de contenidos de Magnolia TV Italia en el análisis, scouting, research y pitch.

Inmaculada Garcíaresponsable de formatos en Magnolia TV




Magnolia es una productora que pertenece a un gran grupo internacional y cuenta con un extenso catálogo de formatos. Se dedica a desarrollar proyectos originales para las cadenas de televisión, adaptan formatos ya existentes para venderlos y también trabaja con el catálogo del grupo.

Algunos de los programas más famosos del grupo son “Keeping up with the Kardashians”; “Amor a Prueba”, que en España se llamó “Confianza a ciegas”; “Popstars”, una marca que tuvo mucho éxito en nuestro país; o el programa de salto de trampolín, que apareció tanto en Telecinco como en Antena 3.

Zodiac, grupo al que pertenece Magnolia desde 2008, ha producido también formatos muy interesantes, como “Secret Millionaire”; también muchas ficciones famosas, como “Versalles”, que se ha estrenado recientemente; “Les Revenats”, que ha tenido un gran éxito; “Hardcore pont”, la famosa casa de empeños; y otros formatos un poco más arriesgados como “Wild things”.


Es conveniente conocer la evolución del mercado en España, para saber de dónde viene cada empresa y hacia dónde se dirige. En los años noventa se pasó de un monopolio de la televisión pública a dos décadas de proliferación de los mercados privados, se multiplicó la oferta y, tras el apagón analógico, las cadenas comenzaron a fusionarse y empezó la crisis económica. Este proceso culminó en un mercado caracterizado por el duopolio entre Mediaset y Antena3. Además, la televisión pública estatal ha sufrido una crisis reciente, y las televisiones públicas autonómicas han contado con algunos problemas de sostenibilidad. Pero todo esto está cambiando, gracias a la entrada de nuevos jugadores en el mercado audiovisual.

Actualmente existe la posibilidad de producir nuevos formatos que no tienen cabida en las cadenas comerciales generalistas, gracias a lo cual se va a ampliar el mercado y van a poder producirse otro tipo de formatos de realidad y de ficción, aparte de los clásicos ya existentes, que siguen funcionando muy bien y continúan reuniendo al gran público en torno al medio televisivo.

La función de la televisión es fundamentalmente entretener, los otros dos objetivos son muy loables y, si bien se deben conseguir, corresponden más a la televisión pública ya que las cadenas privadas nacieron para entretener y para conseguir sus objetivos comerciales.


Dentro de la gran marca de entretenimiento de Magnolia TV, se ha producido “Hay una cosa que te quiero decir” de Telecinco, en el que se ha rescatado un formato muy antiguo y exitoso; “MYHYV”, que fue el dating que inauguró el género en España y cuenta historias reales que conforman un docushow; “Deja sitio para el postre”, un talent de cocina para Cuatro; una adaptación de “Millionario anónimo”; “Killer karaoke”, también para Cuatro; “Pánico en el plató”; “MTV Tuning” para MTV; o un show de cámara oculta para Antena 3.

Y dentro de los formatos que el grupo ha adaptado se encuentran “Dos días y una noche”, del conocido “Sleeping with the stars”, en el que Susana Griso pasa dos días con un


famoso; y “A mi manera”, un programa de la Sexta en que distintos cantantes interpretan canciones de los demás.

Pero sin duda, el formato estrella de Magnolia es el reality, dentro del cual destaca “Supervivientes”, que cuenta con el elemento fundamental del directo y con el del plató, lo que lo convierte en un claro ejemplo de la televisión evento.

Además, se ha adaptado “Acorralados”, una versión de “La granja de los famosos”; se ha hecho un spin-off de “Supervivientes”, llamado “Pasaporte a la isla”; y también se ha usado “Jersey Shore” para crear “Gandía Shore” y “Súper Shore”. Se ha inaugurado el género coaching en España, con “Supernani”; y se ha innovado con “Soy adicto”, reality en el que se seguía el proceso de desintoxicación de sus protagonistas.

El grupo también ha hecho series de ficción, en este caso “Camera café” y su spin-off “Fibrilando”, ambas de Telecinco. Y próximamente, se estrenará “La vida secreta de los niños” en MoviStar+, que seguirá muy de cerca el día a día de unos niños en la guardería; y “Dos días y una noche, en campaña” en Antena3, con Susana Griso conviviendo con los candidatos a la presidencia del Gobierno.


En cuanto a las tendencias internacionales, una que está muy de moda actualmente es la viralidad. Las televisiones quieren aprovechar la rápida propagación de los contenidos y, uno de los programas que han aprovechado esto, ha sido “Carpool Karaoke”, que comenzó como sección en el programa estadounidense de James Corden y se ha comenzado a vender como formato en sí mismo. Su éxito reside en que el presentador va en un coche con distintos famosos y canta con ellos varias canciones.

También se están realizando multitud de programas con una base de experimento sociológico. Es el caso de “Everybody’s business”, creado por BBC, en donde son las propias empresas las que hacen el procedimiento de contratar a una persona.


En esta línea de experimento social también se encuentra “Employable me”, en el que se exploran cómo algunos candidatos, que a priori todo el mundo descartaría, pueden tener actitudes ocultas ideales para realizar trabajos que ni ellos mismos imaginaron.

Y el último experimento sociológico, “The Seven Year Witch”, trata sobre la crisis que sucede en las parejas a los siete años de contraer matrimonio. El método para que se reconcilien y sigan juntos es intercambiar a los miembros de las parejas entre sí, de esta forma algunas rompen definitivamente y otras siguen unidas.

En general, estas son las novedades del mercado estadounidense: CBS va a adaptar “La huida”; NBC va a producir “First dates”, con Drew Barrymore como narradora del programa; y también hay algunos shows de talento como “America’s got talent”, “I can do that” o “Little big shots”, aunque “American Idol” se ha cancelado; Fox va a hacer “You’re back in the room”, un programa en el que se hipnotiza a los participantes para que realicen retos; y los clásicos siguen triunfando, “Survivor” va por la edición 33, y “The amazing race” por la 29. “The bachelor” continúa emitiéndose con mucho éxito, así como “Masterchef ” y “Hell’s Kitchen”.


Es interesante cómo algunos formatos españoles originales se exportan a otros países, es el caso de “Vis a vis”, que ha comenzado a emitirse en Reino Unido en una cadena muy prestigiosa y en horario de prime time. Otras que se han exportado son “Pulseras rojas”, “El ministerio del tiempo” o “Los misterios de Laura”.


RRuth Martínez es la responsable de seleccionar e incorporar nuevos títulos al catálogo que ya gestiona Shine Iberia para su producción en España y Portugal. Supervisa las ventas internacionales de los formatos producidos por Shine Iberia y coordina la relación de la productora con Endemol Shine Group. Anteriormente, Ruth era la Responsable de ventas de entretenimiento en el Departamento Internacional de BoomerangTV (2011-2014). Fue Directora Comercial de la producto-ra 3Koma entre 2006 y 2011 y estuvo al frente del lanzamiento inter-nacional de títulos como “El Coro de la Cárcel” y “El Calendario del año”. Previamente había trabajado como directora en programas de televisión como “Préstame tu vida” (TVE, 2005-2006) o “Esta es mi gente” (ETB, Canal 9 y Telemadrid) y desempeñó labores de presenta-dora en varios programas de ETB entre 1998 y 2003. Es licenciada en Ciencias de la Información por la Universidad de Navarra y ha cursado estudios de Ciencias Políticas por la UNED y de Organizaciones In-ternacionales en la Universidad de Harvard. También ha sido jurado de los Premios Emmy (en cuatro ocasiones) y del Festival de Televisión de Banff.

Ruth Martínezresponsable de compras en Shine Iberia




Puede ver su intervención completa en el Canal de YouTube de la Fundación AVA.

Anexo Fotográfico


May Silva | Mª José Bayo

Francisco Asensi


Julio Cabero

Sesión Temática de Formatos de ficción


Javier Olivares

Ignacio del Moral


Daniel Gamero

Fernando López Puig


Sesión Temática de Formatos de ficción

Sesión Temática de Formatos de entretenimiento


José Mª Zafra

José Miguel Fernández


Rafael Guardiola

Sesión temática de Formatos para la Web


César González

Enrique Martínez Salanova


Rossana Rompato

Esperanza Martín


Baldomero Toscano

Sergio Toledo


Ruth Martínez

Inmaculada García

· “pasapalabra” 5. formatos para la web lucía gonzález directora en verne miguel campos...

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