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H U M A N I D A D E S . H T T P : / / H I S T O R I A C O N M A Y U S C U L A S . W O R D P R E S S . C O M /
Mª Carmen Redondo Cañadas| Resumen 1
INTUICIÓN Y EMOCIÓN: UNA REFLEXIÓN EN TORNO
A LA CREACIÓN DE BERTA VEREDAS
…
Mª Carmen Redondo Cañadas (Colaboradora habitual)
h.arte.carmen24@outlook.com
14 de septiembre de 2015, Valencia
RESUMEN
Nuestro trabajo versa sobre el poder del arte a la hora de transmitir emociones, y
hemos decidido centrarlo en las piezas de Berta Veredas, ya que creemos que es un ejemplo
representativo de cómo una obra puede no solo crear un placer estético en la
representación, sino también evocar emociones, deseos, inquietudes profundas. Lo que
nuestra artista pretende con sus obras es el encuentro del ser humano consigo mismo, y lo
manifiesta a través de piezas enérgicas y llenas de color que nos muestran el cuerpo
humano desde su interior y manifiestan ganas de vivir. En su arte podemos percibir el
concepto del individuo como una unidad integrada que incluye su faceta física, intuitiva,
emocional e incluso espiritual.
SUMARIO .
Berta Veredas, color, emoción, biología, lo orgánico, espiritualidad, unión, intuición,
arte contemporáneo, energía, lo intangible.
…
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Mª Carmen Redondo Cañadas| Introducción 2
INTRODUCCIÓN
El arte contemporáneo es una materia que para cualquier persona poco entendida
puede resultar algo complicado y enrevesado, sobre todo cuando se adentra en el campo de
la abstracción. Hay mucha polémica en torno a la comprensión y accesibilidad del arte
contemporáneo respecto de su entorno social y, aunque se ha trabajado mucho por
acercarlo al ciudadano de a pie, hoy en día aún no resulta fácil de entender, precisamente
porque en inicio está diseñado para romper todos los cánones socio-culturales y alejarse de
las formas de representación más tradicionales.
En cuanto al arte abstracto debemos decir que posee su propio lenguaje, mientras
que en épocas anteriores (y también actuales) el arte ha sido más formalista y figurativo, es
decir, se basaba en formas concretas y tomaba importancia la claridad por la transmisión
del mensaje de la obra, el arte contemporáneo ha creado su propia forma de expresarse,
desprendiéndose de los patrones que hasta el momento se le habían impuesto.Hay sin
embargo dentro de la abstracción muchas tendencias, aquí vamos a hacer mención a la
abstracción lírica que creemos es la que mejor encuadra con la línea pictórica de Berta, no
obstante, como ella nos confirmó, no sigue ninguna tendencia y pinta conforme a lo que le
dicta su intuición.
Tal vez el tipo de obra sea diferente cuanto a la línea iniciada por Kandinsky, pero la
forma de concebir su arte y la forma de ejecutarlo tienen un cierto encuentro con las teorías
de este pintor, lo que no quiere decir que lo que hace nuestra artista sea abstracción lírica
estrictamente, ya que no podemos encuadrar a un artista coetáneo dentro de un
movimiento ya establecido años antes. Creemos conveniente, para información del lector,
citar algunas obras que pensamos pueden servir para la ampliación acerca de la pintura
contemporánea y la abstracción: Blok C., 1992; Read H., 1998. No obstante, no es nuestra
competencia discutir aquí sobre el estudio o la transmisión y recepción del arte
contemporáneo.
Nos disponemos a presentar a la artista en la cual vamos a centrar nuestra reflexión
sobre la utilidad del arte para la transmisión de emociones. Berta Veredas nació en Ávila,
no obstante, siempre ha vivido en Madrid, pasando sus periodos vacacionales en su lugar
de origen. Empezó a pintar asiduamente hace un año y medio, aunque anteriormente había
tenido incursiones ocasionales en el campo del arte. Hasta ahora ha participado en cuatro
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Mª Carmen Redondo Cañadas| Introducción 3
exposiciones: XIV Edición de Expoinap en el Instituto de Administración Publica de Madrid
(29 de septiembre-31 de octubre de 2014); Mensajes del alma en el centro cultural Lázaro
Carreter del Ayuntamiento de Madrid (12 al 31 de enero de 2015); En el Tajo: singulares a cielo
abierto en la Escuela Técnica Superior de Ingenieros de Minas y Energía (12 al 27 de marzo
de 2015) y Hecho en casa, exposición colectiva de los trabajadores el Centro Nacional de Arte
Contemporáneo Reina Sofía (13 de mayo-12 de junio de 2015).
Aunque podíamos haber subdividido el cuerpo del texto en las distintas facetas que
Berta trata en su obra (intuitiva, emocional y añadimos desde nuestra perspectiva que
también puede poseer un cierto matiz espiritual), hemos creído conveniente no hacerlo, ya
que si nuestra autora concibe a la persona como una unidad de rasgos distintos, nosotros
no deberíamos separarlos en sus piezas. Además de este respeto hacia la forma de abordar
la temática, cabe observar que es muy complicado analizar qué obras explican mejor unos
rasgos u otros ya que tanto lo intuitivo y lo emocional, junto a la faceta física y biológica, se
encuentran ligados en todas ellas con el objetivo de mostrar la concepción del ser humano
que tiene la artista: un conjunto de rasgos que se encuentran en una unión intangible; sin
embargo, lo sorprendente quizás es que la textura que se le otorga a alunas piezas permite
que lo intangible se torne en un aspecto palpable, pero cognitivamente ambiguo. En
definitiva, para Berta, es importante la conexión íntima del propio ser, en el cual lo
espiritual e intuitivo van ligados a lo físico y genético; así es como nos lo transmite ella:
“La espiritualidad es vivida por mí a través del cuerpo y las
emociones que pasan por él, para ser trascendidas ya que en su
mayoría están grabadas en nuestro ADN. No es casual que dibuje
cadenas de ADN. A través de las emociones va cambiando nuestra
memoria genética. Esa es la evolución. Trascender el legado que
está impreso en nuestro cuerpo y que ha llegado a nosotros de
generación en generación. Todo esto tiene que ver con el cuerpo y
con él como herramienta de crecimiento y auto superación para ser
cada vez más libres y más nosotros mismos. A estas conclusiones
he llegado a través de mis dibujos y eso me hace concebir
esperanzas en el Cambio.” (Veredas B. sep. 2015)
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Como conclusión a esta introducción debemos excusarnos por no poder exponer
toda la obra de la artista en este artículo ya que nos habría sido imposible, pues según nos
ha confirmado la propia autora, cuenta con 52 obras, estimando tanto las piezas que
todavía tiene como las que ya ha vendido. Para apoyar el artículo realizamos una entrevista
a la autora (por ello hay citas directas respecto a lo que expone de su propia obra), que no
se va a publicar por el momento, no obstante, los comentarios atribuidos a su obra son
fieles a este trabajo previo. Nos queda mencionar que la forma de concebir la obra para la
artista tiene relación con el uso del arte para una mejor comunicación de las emociones y
por ello creemos que puede ser también una fuente de inspiración para la expresión, la
educación, la terapia artística y la profundización en una espiritualidad personal.
EL CAMINO DE LA CREATIVIDAD : EL ARTE COMO VEHÍCULO DE
LA EMOCIÓN Y LAINTUICIÓN.
“La emoción puede encontrarse también en el cerebro […] ambos están
íntimamente ligados […] el dominio y el trabajo sobre las emociones tiene
consecuencias en la configuración y modificación neuronal […] la educación en la
emoción y en la sensibilidad modifica no solo el carácter, sino el modo de comprender
el mundo y la capacidad cognitiva de enfrentarse a él
[…]
[…] no nos encontraremos muy lejos de aquello que llamamos arte, que ha sido
definido en algún momento como conocimiento a través de la emoción.”(López F. Cao
M., 2008: 224-226)
Hoy en día sabemos que nuestras emociones están en íntima relación con nuestra
química cerebral, hace tiempo que han dejado de concebirse como un elemento separado
de la racionalidad del ser humano y se han desarrollado diversas disciplinas como el
desarrollo de la inteligencia emocional para estudiar estos fenómenos, por ello, también
existen propuestas que consideran que educar en la emoción, y en la emoción a través del
arte, es fundamental para el desarrollo del individuo (cf. Artes y Emociones que potencian la
Creatividad, 2014: 6-35). No obstante, no solamente el arte figurativo nos puede llegar a
transmitir emociones, también otras tendencias artísticas como la abstracción pueden a
través de la combinación de sus elementos formales y el color, transmitirnos emociones
muy diversas.
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Sin embargo, si citamos a Maillard (2000: 50) “La obra contemporánea, en su mayor
parte, ya no ‹‹trata de›› emociones, sino de conceptos”, las piezas de nuestra artista pueden
resultar un tanto desconcertantes, ya que en toda su composición ella jamás se propone
expresar un concepto concreto, sino que más bien deja que sea su intuición y su creatividad
las que se manifiesten en la obra de forma directa, lo que supone que incluyamos su forma
de trabajar dentro de lo que llamamos “abstracción”, ya que juega con la ausencia de
referentes reales para poder crear. Por lo tanto no solo dan relevancia al componente
emocional, sino también al aspecto de encuentro del ser consigo mismo, -un aspecto que
nos recuerda a la abstracción lírica de Kandinsky- ligado íntimamente a lo biológico y a la
intuición. Este proceso está presente en su obra desde el mismo momento en el que la crea,
ya que su forma de trabajar no es planeada, sino que deja que el dibujo sea quien la guíe,
jugando con los mensajes del subconsciente, tal y como ella misma expresa:
“No bebo de ninguna corriente artística, ni me inspiro en
obras de ningún pintor, que yo sepa. Claro que voy a
exposiciones, todo me interesa pero a la hora de dibujar no
pienso en nada de eso, ni me identifico con nadie. Voy
explorando con los materiales y los colores poco a poco,
aprendiendo a mi ritmo. Empiezo por una línea, elijo un color y
tiro de un hilo, dejo que el dibujo sea quien me lleve a mí. Yo
solo me pongo al servicio de la obra. No proyecto un dibujo, ni
programo lo que voy a hacer. Entiendo el dibujo una vez
terminado, porque de entrada no sé qué va a surgir. Siempre me
sorprendo de los resultados.” (Veredas B., ago. 2015)
En su creación encontramos diversos motivos que se repiten dando a su obra una
personalidad propia, son tales como la predominancia de líneas curvas y el trabajo de la
obra imitando el tejido interno del cuerpo humano a través de este mismo elemento,
también aparecen elementos que pueden asemejarse a cadenas de ADN (se le otorga
mucha importancia a la biología y lo orgánico), formas que parecen vegetales y/o
zoomórficas, formas antropomórficas, alas y ojos, todo ello entremezclado dentro de una
paleta variada de color que otorga mucho dinamismo a sus piezas a la par que profundidad
emocional. El material utilizado por la pintora es tinta sobre papel en la mayoría de las
piezas, aunque también tiene obras en las que aplica pastel o guache y fundamentalmente
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trabaja en formatos medianos y pequeños. Sin embargo, según nos ha comunicado, no
descarta trabajar más adelante en formatos de gran tamaño.
En la primera pieza que vamos a analizar (El Cuerpo Humano), observamos que
formalmente no es reconocible lo que se representa; el elemento dispuesto verticalmente
asemeja una columna vertebral que se abre en su parte superior, tras ella, en el extremo
izquierdo de la pieza se disponen unos volúmenes que parecen unas alas y son continuidad
de la forma dispuesta delante de la columna vertebral, que tiene similitud con un ave. El
color utilizado, un rojo oscuro (que recuerda a la arcilla), dota a la obra de energía y
vibración, y al mismo tiempo la hacen pesada, en contraste con el fondo blanco del papel.
El movimiento representado es lento, se asemeja a un ave retenida, al impulso por
avanzar mientras los músculos, excesivamente tensados, se ven ralentizados en la acción.
En torno a la columna vertebral, el ave se articula mediante un tejido de líneas que asemeja
el tejido muscular, y que además parece más tensado en la zona del cráneo, como si
estuviese arrastrando toda la estructura creada tras él. Sin embargo, a la par que podemos
ver una estructura retenida por su peso, también podemos observar la voluntad de avanzar
El Cuerpo Humano. Tinta sobre papel, 2015. Fotografía tomada por Berta Veredas desde un dispositivo
móvil.
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a pesar de ello, a pesar de todas las dificultades, el ansia de libertad y la obstinación por
lograrla. Un aspecto que tal vez, también podemos observar en la apertura superior de las
vértebras, que manifiesta la intención de expansión, de mejora, aunque en general la obra
expresa el esfuerzo que esta conlleva, la voluntad de emprender un cambio y la dificultad
del paso por cualquier punto de inflexión, sea tanto a nivel físico como psicológico.
Recordemos que la concepción del ser humano que Berta nos ofrece con sus obras
es conjunta, la autora no compartimenta a la persona entre emoción, razón y cuerpo, sino
que para su entender el ser vivo es una unión de todos estos rasgos, por ello estas obras
que tienen una plasmación de cambios corporales, también manifiestan cambios mentales e
incluso emocionales y/o espirituales. Asimismo, el trabajo del tejido interno del cuerpo
humano es un rasgo que veremos en otras obras como la unidad base por la que se crea
toda la pieza.
En esta segunda obra que
exponemos (En Libertad), la tirantez se
sustituye por una sensación más fluida, si
bien es cierto que los colores utilizados
tanto para manifestar lo que en la obra de
Berta son alas, como el fondo amarillo
que son los rayos del sol cayendo sobre
las alas que se elevan, pero que en textura
se parece a un cristal traslúcido a través
del cual penetra la luz del sol o tal vez
unas cortinas, nos transmiten una cierta
alegría, su combinación en las formas escogidas nos expresan el alivio de quien se ha
liberado de algo pero todavía está marcado por la carga que acarreaba.
De nuevo aparece el ansia de libertad, la autora de la obra en concreto la definió con
la frase “¡por fin libre!”, y precisamente por esto, nosotros vemos una cierta ambigüedad.
Las alas que ascienden se ven refrenadas por el movimiento descendente de las líneas del
fondo y la combinación de colores utilizada parece remitirnos a la sensación de libertad de
quien ha estado retenido demasiado tiempo y emprende el vuelo con cautela. La energía de
vivir se manifiesta en la obra a través del color amarillo y aunque el verde da un punto de
En Libertad. Pastel sobre papel, 2014. Fotografía
tomada por Berta Veredas desde un dispositivo
móvil.
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serenidad, la contradicción del movimiento de la obra nos hace recordar al que alcanza su
meta después de un largo y arduo camino. Siente liberación, pero también cansancio.
Como hemos mencionado, lo que nuestra
autora nos dice que son alas en su obra,
también parecen elementos vegetales, como
también lo parecen las siguientes obras que
exponemos, realizadas en tinta sobre papel, del
año 2014: Iluminación, Fluir y Sistema Nervioso
respectivamente, una debajo de la otra. Vemos
que la línea sigue siendo el elemento
predominante, aunque en esta ocasión no está
trabajada para representar el tejido interno, sino
que conforma una confluencia, unión y
separación en total libertad, al mismo tiempo
que nos da una visión más relajante y menos
saturada. Los espacios en blanco abiertos por
las líneas y los colores predominantemente fríos
nos invitan a relajar la mirada y dejarnos llevar
por el fluir del dibujo.
En conjunto, las tres obras tienen un
núcleo donde las líneas parecen expandirse en
formas redondeadas y ovales, aunque la
segunda obra mostrada -Fluir- muestra mucho
más estos rasgos que las otras dos, ya que no
solamente en su extremo derecho tiene una
forma redondeada que parece un fruto, sino
que las líneas azules se amplían en el centro tomando forma de hojas, mientras que el
espacio interior abierto en estas nos muestran un color rosado. Hasta aquí podríamos
considerar que se trata de elementos que asemejan el mundo vegetal, sin embargo, el título
de la tercera obra, nos lleva a considerar las líneas dibujadas desde otra perspectiva, ya que
bien podrían remitirnos a los nervios, a las venas y las formas circulares a células u órganos.
No obstante, lo que toma relevancia en las obras de Berta, no es tanto lo que expresan
Iluminación, Fluir y Sistema Nervioso. Tinta sobre
papel, 2014. Fotografías tomadas por Berta
Veredas desde un dispositivo móvil.
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visualmente como lo que nos transmiten emocionalmente, lo cual somos conscientes de
que puede ser personal y variar de un individuo a otro.1
Siguiendo con la línea de la importancia que tiene aquello que sentimos cuando
observamos una obra de arte, las piezas que vamos a exponer en conjunto (Así en el Cielo
como en la Tierra) manifiestan formalmente mucha menos resistencia, menos tensión,
combinan tanto las alas características de otras obras, los elementos lineales y el cuerpo
humano que está en movimiento, aunque el color morado con el que está ejecutado no le
otorgue un cromatismo específicamente dinámico sino una cierta sensación de huida;
además las formas curvilíneas que lo conforman, lo dotan de movimiento y ligereza, y
contrasta junto al elemento azul que se desliza hacia la parte inferior derecha de la
composición. Mientras que la figura humana tiene un movimiento ascendente hacia la
izquierda, la forma azul tiene un movimiento descendente hacia la derecha, siendo el
entramado del fondo el lugar donde se mueven estos aspectos; un lugar que desde nuestra
perspectiva actúa como elemento de unión. Igual sucede en la obra pareja, hay una
oposición de movimiento, sin embargo pretende ser el punto contrario a la primera obra
que hemos descrito.
Es importante hacer incisión en la división del plano por las líneas curvas de puntos,
que no impide la cohesión de la composición ni la separa, sino que, aunque se
compartimente el plano, se demuestra que esto no es una dificultad para que ellos sean
1Cuando empezamos a escribir este artículo, la autora de las obras nos comunicó que podíamos decir de ellas aquello que nos inspirasen, ya que para la artista no es tan importante lo que se ve como aquello que sientes o intuyes cuando se mira. Berta realiza las obras con la finalidad de que el espectador se recree y por ello nos ha dejado bastante libertad a la hora de realizar una interpretación.
Denominación de las obras en conjunto: Así en el cielo como en la tierra. Denominación de la segunda obra:
Miedo. Guache sobre papel, 2014. Fotografía tomada por Berta Veredas desde un dispositivo móvil.
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compartidos por la forma antropomorfa y la figura azul, que puede inspirarnos la forma de
un espermatozoide. En este sentido Berta consigue mostrarnos tanto las partes como la
unidad, evocando los diferentes rasgos del ser y al tiempo la conjunción de estos mismos
dentro de la propia persona.
No obstante, el título de la obra situada a la derecha (Miedo) desmonta todo este
análisis, o más bien lo trasforma hacia un estado de ánimo que incita a huir. Efectivamente,
el análisis de conjunto de los colores utilizados: morado que como hemos dicho estabiliza
(y en este caso podríamos decir que paraliza) y el azul que se hunde en las profundidades
con esa forma de célula aerodinámica, unido a la contradicción del movimiento de las
formas nos indica que el individuo tiene miedo y como consecuencia se siente paralizado, la
parálisis conduce a la confusión y la confusión (ejercida por el contraste del movimiento de
las formas) a la huida. El ser humano es íntegro y en esa integridad el miedo también está
incluido. Hay muchos tipos de miedo, pero en fondo de todo aquello que tememos está
‹‹simplemente el miedo››. (Jeffers, 2007: 26)
Sin embargo, aunque todas las líneas ondulantes, incluidas las elegidas para realizar la
figura antropomorfa, nos transmiten la inestabilidad del estado de ánimo, y aunque el deseo
de huida expresado sobre todo por nuestra figura espermatoidea2 que se esconde deslizándose
hacia abajo, también hay una voluntad firme de enfrentar el miedo, que se ve integrado en
la obra como una faceta más del individuo. La obra que acompaña a esta que hemos
analizado, no solo presenta este contraste de movimiento sino también un contraste de
color más profundo, lo que aumenta el dinamismo. Las líneas que compartimentan el plano
en la obra anterior se convierten en elementos que rellenan el espacio entre las alas que
vuelan en direcciones opuestas, en lugar de haber una fragmentación del plano y verse
compartido por los elementos delineados, los puntos consecutivos y líneas en medio de las
alas se disponen de forma fluida, y nos dan una sensación de liberación y de abandono de
aquello que nos apresaba.
El conjunto engloba el miedo tanto a nivel interno como externo, pero sin rechazarlo
ni negarlo, nos presenta el miedo puro, la sensación vertiginosa a la que nos sentimos
expuestos y que normalmente eludimos con lágrimas, lamentos o quejas. Se nos enfrenta
ante esa sensación y se nos transmite la necesidad de encararla a través de las alas que 2 La R. A. E. no asume este término pero aunque sea erróneo hemos decidido utilizarlo para evitar la repetición.
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parecen desprenderse de toda la carga y el pesar. Concretamente su autora lo define de la
siguiente manera:
“El cielo que es fluir, no hay huida, es volar, nada se
enmaraña, es pura energía, lo etéreo… y en contraposición la
tierra, el ser humano y sus miedos simbólicamente representados
en esa forma ovalada azul que parece que acaba conectando con la
cabeza del personaje. Es el miedo que penetra en nuestra mente a
través de nuestros pensamientos.” (Veredas B., oct. 2015)
En la siguiente obra
(Naturaleza), respecto a la
tensión o contraste ofrecido
por las anteriores en cuanto a
composición, observamos
totalmente lo opuesto, hay
una voluntad de relajación y
de distensión. La ondulación
ligera y suave de las líneas
unida al uso predominante de
los tonos tierra ofrece una
imagen de calma y reposo,
pero no a modo de quietud interna, sino que es comparable con la acción de dejarse llevar y
tumbarse despreocupadamente para descansar. Sin embargo, mientras que en un nivel
físico y externo la pintura nos evoca sosiego, descanso y placer, en un nivel interno y
emocional nos comunica la emoción y la alegría de soñar y de vivir, gracias a los matices de
verdes, rojos y naranjas utilizados dentro de la predominancia de la gama de tonos terrosos.
Formalmente, nos podemos referir a la pieza como una serie de motivos, tal vez
vegetales (la rama de un árbol, las hojas, el fruto y una representación de la savia circulando
internamente), o bien como una forma antropomorfa que nos recuerda a una persona
recostada, o más bien dejándose caer. El placer de vivir y disfrutar de la vida está presente
en la obra en todo momento, tanto por el trazado de las líneas que es más suave y relajante,
como por las formas escogidas, los colores y la composición en caída creada gracias al peso
Naturaleza. Tinta sobre papel, 2015. Fotografía tomada por Berta
Veredas desde un dispositivo móvil.
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que ofrece la forma circular a la izquierda de la obra. Además, el título de la obra:
Naturaleza, se adecua a su expresión formal, aunque la ambigüedad del mismo nos hace
pensar si debemos remitirnos a la naturaleza como paisaje vegetal (recordemos los motivos
que hemos observado anteriormente) o bien a la naturaleza como un concepto abstracto
que se aplica a cada ser, como el fluir interno de cada individuo. Como conclusión a esta
cuestión podemos citar de nuevo a Kandinsky (1989: 54): “La intuición debe ser el único
juez, guía y armonizador de toda la interacción de formas puramente abstractas”. Nosotros
no podemos ni debemos ofrecer un análisis que derribe la ambigüedad de la obra y que
merme lo intuitivo de su significado, puesto que en ese aspecto estaríamos mancillando la
razón de ser de la misma pieza.
La siguiente obra
(Metamorfosis), hecha en tinta
sobre papel y realizada este
mismo año, enlaza con esta
misma indeterminación en
cuanto a la forma, aunque desde
nuestra perspectiva está muy
clara la orientación emocional
que se le aplica. Cuando
entrevistamos a la artista, nos
declaró que en su obra estaba
pintando inconscientemente el
cuerpo humano desde dentro, y si miramos esta pieza, podemos vislumbrar de nuevo un
entramado de líneas que nos evocan el tejido muscular. El trabajo más minucioso en esta
pintura nos transmite más vitalidad y energía, potencia lo orgánico a través de las líneas y el
uso de colores cálidos más claros, (amarillo y naranja) nos transmiten movimiento. Si la
obra anterior reflejaba la alegría del sosiego, esta nos invita a la acción y de nuevo nos
recuerda la concepción del ser humano como una unidad de partes, ya que un simple tejido
está en contacto con nervios que recorren no solo la zona donde se encuentra localizado
sino todo el cuerpo, el tejido asimismo es una unidad que forma parte del todo. Respecto a
las anteriores obras expuestas, esta es mucho más abstracta, solo hay color, líneas y
movimiento que nos hacen perdernos en ello, seguir el trazado infinitamente como si fuese
una melodía.
Metamorfosis. Tinta sobre papel, 2015. Fotografía tomada por
Berta Veredas desde un dispositivo móvil.
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Un ejemplo distinto de este trabajo de la línea como conductora de emociones y
movimiento lo son las obras siguientes realizadas también en tinta sobre papel: Fibras
Musculares y Purificación, (respectivamente de izquierda a derecha) ambas hechas este mismo
año. Como vemos, es una línea de ejecución usual en las piezas de Berta, aunque haya
obras que puedan encajarse mucho más dentro de un cierto surrealismo, como lo puede ser
Apertura a la Intuición, obra que exponemos páginas más adelante. El trabajo de la línea en
conjunto con la paleta de color es lo que provoca el dinamismo, la acción y la emoción en
la obra; sobre todo, son piezas que nos transmiten con su movimiento la voluntad de
experimentar, de extenderse, de crecer y de conocerse. Sorprende sobre todo la sencillez
tanto en la composición como en la forma y también en el uso del color, siendo obras casi
absolutamente monocromas, si no fuera por los matices de negro que acompañan al
dorado de la segunda obra.
Con la siguiente pieza (Origen) pasamos de la simpleza de la pareja anterior a una
explosión de color, y nos muestra la predilección por el contraste que tiene nuestra artista y
que además gusta de transmitir con sus obras un alto grado de energía. A simple vista, la
obra nos genera un choque visual y psicológico (cf. Kandinsky, 1989: 42) debido al rojo
predominante, sin embargo el entramado de líneas curvas que se rizan y se hunden en la
profundidad nos aporta el punto de serenidad necesario para que la obra contenga el
contraste común a las anteriores. La pieza nos introduce en si misma a través de la ausencia
de vacíos de color, el color rojo y el volumen central que podríamos considerar tal vez
como un corazón humano, envuelven al espectador, mientras que el sendero azul, que
parece una cadena de ADN, se pierde en el infinito y centra nuestra atención.
Fibras Musculares y Purificación. Tinta sobre papel, 2015. Fotografía tomada por Berta Veredas desde un
dispositivo móvil.
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Tanto por el uso de colores, un rojo cálido y vibrante, y un azul frio y profundo,
como por la diferenciación del trazado en ambos motivos, obtenemos una obra que nos
manifiesta acción y pasión al tiempo que serenidad y reposo. Las líneas azules nos muestran
un camino que sigue adelante y parece dar un matiz de estabilidad a la explosión roja que
tenemos a nuestro alrededor. Nos evoca la búsqueda de nuestro yo profundo, de nuestro
propio camino y de nuestra identidad; pone de relieve la constante búsqueda del ser
humano a través de la vida y tal vez escenifique la propia búsqueda de su autora.
Por otro lado, la obra manifiesta un conjunto de emociones que pueden parecer
contradictorias, pero que son necesarias para que el individuo sea un ente completo;
hablamos de la alegría, la pasión pero también el sentirse ansioso representado por el rojo y
la serenidad, la paz, la quietud y el reposo representados por el azul. Es un contraste tanto a
nivel plástico como psicológico y emocional, que invita al espectador a explorar dentro de
si esas sensaciones y emociones, a descubrir sus deseos, invita a una búsqueda infinita
basada en una curiosidad insaciable.
En esta obra podemos aplicar esta cita: “Pablo Picasso, uno de los artistas más
creativos del siglo XX, concebía al artista como un receptáculo de emociones y un vehículo
Origen. Tinta sobre papel, 2015. Fotografía tomada por Berta Veredas desde un dispositivo móvil.
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de transformación de esas emociones vividas en obras de arte tangibles” (Artes y Emociones
que potencian la Creatividad, 2014: 9). Sabemos que cualquier creación nos transmite facetas de
su creador, de sus experiencias, de sus deseos y en conclusión, de la persona que hay tras la
obra, aunque también sabemos que una obra de arte se ajusta a su periodo histórico, por
ello creemos que esta obra no solo manifiesta la curiosidad y el ansia de búsqueda de su
autora, sino también y en general, el autoconocimiento constante que solamente otorgan
los periodos más difíciles. En una sociedad que potencia el consumo, que obliga al
individuo a vivir por encima de sus posibilidades y le otorga valor a la persona en función
de sus logros, cualquier persona puede sentirse en una búsqueda constante de sí.
En nuestra época actual no es usual potenciar la espiritualidad y el desarrollo
emocional y creativo del ser humano, los cuales no tienen por qué estar ligados a una
creencia, una religión o un sistema filosófico; estamos sumergidos en un mar de acción
constante en el que predomina la ausencia del manifiesto de emociones, de desarrollo
personal (que es diferente al laboral, aunque puede formar parte del mismo) y donde cada
vez más nos aislamos del otro erigiéndonos como personas más superficiales. Para
nosotros, esta obra de Berta, evoca la ruptura de ese círculo, la protesta que lleva a la acción
y la serenidad que nos lleva a nuestro propio desarrollo.
Hasta el momento hemos visto que “[…] el arte nos ayuda a compartir y, con suerte
a compartir mejor nuestras emociones y nuestra propia naturaleza, así como a comprender
mejor a los demás” (Artes y Emociones que potencian la Creatividad, 2014: 34), y creemos que la
obra de Berta Veredas comparte un alto componente de emocionalidad, sin embargo, el
individuo suele huir en ocasiones de esto, eludiéndolo, negándolo: “[…] el ser humano
tiende en general a mantenerse en lo externo y no está fácilmente dispuesto a admitir la
necesidad interior”. (Kandinsky, 1989: 32)Este fragmento de la obra de Kandinsky está
escrito a propósito de la música, centrado concretamente en Debussy y realiza un discurso
acerca de la belleza exterior e interior y de la búsqueda de una belleza alternativa a la
convencional, a la cual el espectador no está acostumbrado y por ello le extraña; no
obstante, creemos que la misma actitud es aplicable al arte que fomenta la expresión de las
emociones (que a veces ahogamos con exceso de productividad), sobre todo cuando la
manera de hacerlo es diferente y creativa. Respecto a esta reflexión nos acompaña citar a
Erwin Schrödinger, desde la cita empleada en Artes y Emociones que potencian la Creatividad
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(2014: 39): “El pensamiento creativo consiste, no tanto en ver lo que aun nadie ha visto
como en pensar lo que nadie ha pensado sobre lo que todos ven”.
La creatividad es una manera de potenciar las capacidades del ser humano y todo
acto creativo está envuelto en emociones que lo acompañan y con las que también hay que
lidiar (cf. Artes y Emociones que potencian la Creatividad, 2014: 6-35). Asimismo, la creación de
una estética diferente, un simbolismo distinto y la capacidad de transmitir emociones y
sensaciones a través de una obra de arte, bien sea por las formas escogidas, por el color, la
composición, la luz, etc., es un acto creativo. En el caso de la obra de Berta, podemos
establecer que el empleo del color así como la sencillez de las formas escogidas pero
establecidas de manera que en su conjunto le dan un significado a la obra permiten la
afección del espectador. “En general el color es un medio para ejercer una influencia
directa sobre el alma.” (Kandinsky, 1989: 44-45).
Thelastbutnottheleast, debemos referirnos a Apertura a la Intuición y también a Cielo y
Tierra, ante lo cual introducimos la siguiente cita: “En el arte todo es cuestión de intuición,
especialmente en sus inicios. Lo artísticamente verdadero solo se alcanza por intuición y
más cuando se inicia un camino. [...] es la intuición quien da vida a la creación.”
(Kandinsky, 1989: 62-63). Lo que personalmente más nos sorprende de la primera pieza es
que mientras en las anteriores que hemos expuesto hay una contraposición de fuerzas, en
esta vemos simple y llana profundidad. No la profundidad que se consigue trazando una
perspectiva, sino una profundidad psicológica que nos induce a una calma y a un estado de
apertura mental.
Apertura a la Intuición. Tinta sobre papel, 2014. Cielo y Tierra. Pastel sobre papel, 2014. Fotografías tomadas
por Berta Veredas desde un dispositivo móvil.
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Si nos basamos en Kandinsky (1989: 10) cuando declara: “[…] el estado de ánimo de
la obra puede profundizarse y modificar el estado de ánimo del espectador”, a nosotros
personalmente esta pieza nos inspira calma, aunque no la calma tras el esfuerzo, sino la
quietud del que tiene confianza en la vida, la calma que evoca el autoconocimiento y la
serenidad que aporta una callada sabiduría. La predominancia de colores fríos y estáticos,
nos evocan el remanso de un bosque gracias a la aparición en escena de un ojo que acapara
la atención de la composición que nos absorbe y que nos invita a ver más allá de lo que
aparentemente se expresa, producen en el espectador una sensación de sosiego, de paz
interior que invita a una introspección, a una escucha del yo interior y aviva el contacto con
un no sé qué 3 intangible.
“Cuando, refiriéndonos a una obra, decimos ‹‹me ha
llegado››, ¿qué es lo que nos ha llegado?, o dicho de otro modo,
¿qué es lo que nos ha emocionado, el tema o su representación? …
¿no son acaso lo mismo el tema y su representación? Es evidente
que la obra es lo que representa tal y como lo representa. Solo la
obra es capaz de decir lo que dice, y esto es porque cómo lo dice
es lo que la obra dice. Pero aquello de lo que trata al margen de
cómo lo trata es otra cosa. Y es por ello que una obra puede
desagradarnos profundamente en lo que tiene de moral y
agradarnos, a pesar de ello.” (Maillard C., 2000: 52)
La segunda obra a la que nos referimos, Cielo y Tierra, nos inspira directamente este
fragmento citado. El título respecto a la temática de la obra podríamos decir que encajan,
ya que tenemos en la parte superior un astro (solar o lunar, tal vez un planeta, no es algo
que esté claro) representado envuelto por dos líneas que alternan colores cálidos y fríos,
finalizando la línea superior en una espiga azul. El astro está envuelto en una especie de
neblina, que también nos recuerda a una bandada de aves. Estos elementos confluyen
perfectamente con el significado de la obra y la forma en la que están dispuestos juega un
papel importantísimo a la hora de expresarlo, ya que los colores fríos predominantes en la
parte superior en contraste con la calidez de la línea inferior que se pierde en el infinito y se
abre hacia nosotros, produce que percibamos la acogida cálida y serena de la obra y nos
3 La expresión francesa je ne se quoi, se ha utilizado para designar el contenido emocional de las obras artísticas del Romanticismo, no obstante, la hemos adaptado aquí sacándola de su contexto.
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Mª Carmen Redondo Cañadas| Conclusión. 18
invita a callar cualquier conversación mental para evadirnos con la misma paz que si
estuviésemos mirando un amanecer. Es sobre todo la elección de la disposición de los
motivos y el color de los mismos lo que nos expresa el mensaje de la obra, por lo tanto,
estaríamos de acuerdo con el fragmento citado cuando su autor comenta que “solo la obra
es capaz de decir lo que dice porque cómo lo dice es lo que la obra dice.”
CONCLUSIÓN.
Capitulamos reforzando la idea global tratada en el artículo, y es que las artes en
general (no solamente la pintura) son un arsenal importante a la hora de transmitir
emociones, educar en las mismas y también un elemento relevante como terapia; no en
vano “las artes proporcionan un marco donde poder estudiar las emociones con una mayor
seguridad psicológica”, (Artes y Emociones que potencian la Creatividad, 2014: 20). Obviamente
no tenemos la autoridad para declarar que las obras de arte de Berta Veredas son
“terapéuticas” o “educativas”, esto es algo que solamente un especialista podría decir, sin
embargo, su alto componente de emocionalidad dispone que el espectador pueda conectar
con aquello que expresan de una manera más o menos personal.
Todo acto creativo está basado en impulsos emocionales, y la creatividad que la
artista muestra en sus obras nos transmite toda su energía a la hora de pintarlas. Afirmamos
que un individuo creativo es un individuo más completo y por ello abogamos por una
potenciación de esta faceta del ser humano a través del arte. La propia autora de las obras
nos da un ejemplo de esto mismo habiendo cambiado su trayectoria profesional hasta el
momento por aquello que le apasionaba y desarrollaba su creatividad. Por otra parte, si
según el informe de la Fundación Botín (cf. Artes y Emociones que potencian la Creatividad 2014:
9-20), las personas creativas tienen más confianza en la vida y en ellas mismas, es una razón
de mucho peso para seguir trazando logros por esta vía.
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Mª Carmen Redondo Cañadas| Bibliografía. 19
BIBLIOGRAFÍA .
Fundación Botín, Artes y Emociones que potencian la Creatividad, Informe Fundación Botín,
2014.
Block C., (1992) Historia del arte abstracto, Madrid, Cuadernos de Arte Cátedra.
Callejón Chinchilla M. D., Granados Conejo I. M., (2003) “Creatividad, Expresión y Arte:
Terapia para una educación del silo XIX” en Escuela Abierta, núm. 6, pp. 129-147.
Jeffers S., (2007) Aunque tenga miedo hágalo igual, Biblioteca Crecimiento Personal.
Kandinsky W., (1989) De lo Espiritual en el Arte, México, Col. La Nave de los Locos, Premia
S. A.
Lopez F. Cao M., (2008) “Cognición y emoción: el derecho a la experiencia a través del
arte” en Pulso, núm. 31, pp. 221-232.
Maillard C., (2000) “Emociones estéticas” en Themata, núm. 25, pp. 49-53.
Read H., (1998) Historia de la pintura moderna, Barcelona, Ediciones Serbal.
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