dibujo estilo cubista

En este curso vamos a tratar de aprender cómo pintar un cuadro al Estilo Cubista.

Sin duda el cubista fue el movimiento más influyente en el devenir del arte contemporáneo. Como precursores podemos citar al puntillismo de Seurat y Signac, con su racional teoría de la división del color, y sobre todo, a Cezanne, con su reducción del dibujo a las figuras geométricas esenciales y su cuidadosa composición del espacio pictórico.

El cuadro "las señoritas de Avignon", de Picasso, pintado en 1907, arranca el movimiento cubista. La influencia de Cezanne (bañistas),es indudable, también la de las esculturas ibéricas en las tres mujeres de la izquierda, pero el gran paso hacia el cubismo son las dos figuras de la derecha, inspiradas por la escultura negra africana: Picasso había alcanzado un arte conceptual, un arte de la mente y no meramente imitativo de lo real.

En este empeño de crear un arte nuevo, un modo de expresión totalmente diferente del arte clásico, se le unió pronto un joven Georges Braque. Comenzaron a pintar descomponiendo las formas en sus principales volúmenes geométricos, buscando la solidez, una presencia eterna.

Aquí vemos el "Paisaje de l´Estanque", de Braque, pintado en 1908, y bajo él, "la fábrica de Horta del Ebro", de Picasso, datado en el año siguiente.

Poco a poco el movimiento cubista se va desarrollando. La atención de los pintores pasa de los volúmenes a los planos. Las formas parecen estallar desde dentro. La perspectiva clásica es dinamitada a favor de una multiplicidad de puntos de vista, de modo que el objeto gira sobre sí mismo, se abre, se expande mostrando cualquier ángulo que sea susceptible de proporcionar información acerca de su estructura.

En cuanto al color, pasa a ser secundario. Esto da cierta cualidad escultórica a los cuadros, que se ocupan solo de la luz y la sombra.

Puedes comprobar esta evolución en cuadros como "Puerto en Normandía","La industria de Río Tinto"y "El portugués", todos de Braque.

Esta fase del cubismo suele denominarse Cubisto Analítico.

Se trataba, pues, de representar los aspectos más "importantes" o definitorios de un objeto, obviando asuntos tales como la perspectiva o la iluminación. En su empeño, Picasso y Braque habían llegado a disolver los objetos, y, para resolver este problema, cambiaron su método de trabajo.

Se llegó a así a la fase del Cubismo Sintético.

En estos dos cuadros de Picasso, "botella de Vieux Marc" y "Hombre con una pipa", vemos las características de esta nueva manera de encarar el problema de la representación pictórica.

Vuelven a buscar la unidad del objeto, su esencia, que anteriormente habían perdido en la estructuración geométrica del espacio. Ya no se yuxtaponen muchas vistas de un objeto, sino aquel aspecto que lo define.

Tras las pinturas casi monocromas del cubismo analítico, estas parecen una fiesta de color. Con frecuencia se incorporan maderas, etiquetas, trozos de periódico, en collage.

Un par de ejemplos de pinturas cubistas sintéticas, estas de Georges Braque. "Guitarra y clarinete"

Y "El velador negro". Pinturas de gran equilibrio cromático y compositivo, transmiten una impresión de elegancia y serenidad.

Veamos pinturas de otros pintores que se inscriben en este movimiento. Estos son cuadros de Albert Gleizes, "paisaje con personajes"

Y "La trilla", concebido como un gran friso con la intención de enaltecer el trabajo agrícola, con una composición monumental.

Jean Metzinger firma esta pintura "La merienda". En sus palabras:

"Cada parte de la obra ha de encajar lógicamente con todas las restantes y cada una de ellas ha de hallar su justificación en las otras hasta el mínimo detalle".

Este cuadro "Desnudos en el bosque", es de Fernand Léger. Tras sus inicios cubistas, con obras en las que como vemos, reduce los volúmenes a conos y cilindros, Léger encontrará un lenguaje único y personal que le convertirá en una de las personalidaes más interesantes del arte del siglo XX.

Veamos otros dos estadios en la evolución de Léger. "Los fumadores"

Y "La escalera", donde se aprecia el paso a una abstracción cada vez mayor, el color y la forma se disocian de la realidad.

Juan Gris fue el pintor cubista por excelencia. "El tablero de ajedrez"

O "La mesa" son trabajos suyos en los que apreciamos el cubismo sintético expresado con la mayor elegancia. Armonía de formas y colores, planos sombreados, texturas.

Otros pintores coquetearon con el cubismo durante alguna fase de sus carreras, pasando luegoa otros movimientos artísticos. Es el caso de Francis Picabia, con cuadros como este "Edtaonisl", cuyo absurdo título ya prefigura al que será un autor eminente del dadaísmo

O Malevitch, que tras su paso por el cubismo se convertirá en el inventor del suprematismo. Aquí su tela "Dama ante un cartel".

Otro pintor con una interesante fase cubista, Robert Delaunay. "La torre Eiffel roja"

"La ciudad de París". Delaunay irá derivando hacia la abstracción poética, perdiendo toda referencia figurativa.

La evolución de Léger podemos apreciarla en pinturas como est "El ocio". Una búsqueda de belleza arquetípica.

Picasso, la personalidad más influyente del arte del siglo XX, fue un genio capaz de deslumbrantes hallazgos, sin dejar jamás de experimentar y cambiar a lo largo de su fructífera carrera. Desde el cubismo sintético de estos "Los tres músicos" hasta un estilo totalmente propio e inconfundible, como en este "La musa"

Los ejercicios que vamos a realizar en este curso de cómo pintar al estilo cubista serán dos cuadros.

En uno recrearemos el estilo de Ben Nicholson y en el otro un Picasso en su época más plena y personal.

Ben Nicholson, tras unos comienzos académicos mientras aprende el oficio, se interesa pronto por los problemas constructivos. Fusiona superficie del cuadro con espacio tridimensional, y organiza el color en planos puros y separados.

El cubismo sigue siendo la fuente de inspiración de Nicholson en los trabajos que vemos posteriormente. Juegos de planos, achatamiento del espacio. Superposición de diferentes elementos en la superficie pictórica y el recurso de la tipografía. Los cuadros, "Au Chat Botté" y "Le Quotidien".

Rozando la abstracción, el objeto va perdiendo su anclaje figurativo y se convierte en mero recurso para el juego de colores y planos, que se superponen con sombreados insinuando los diferentes niveles de profundidad.

Despues de empaparnos en teorías e imágenes, acometamos nuestra propia versión de una pintura cubista al estilo de Ben Nicholson.

Voy a pintar sobre una tabla.

Comienzo por delimitar a grandes rasgos una composición geométrica.

Algunos objetos aparecen , simplificados. Todavía reconocibles, pero muy geometrizados y planos.

Y comienzo a aplicar pintura.

Para lograr la textura que deseo raspo la pintura mientras está húmeda.

Para ello puede usarse una espátula, una cuchilla, o una tarjeta de plástico.

Continúo pintando, cubriendo el fondo con ocre y blanco. Este tono será el que marque la pauta del resto d elos colores del cuadro.

Para hacer las divisiones de color bien marcadas, uso la pequeña espátula de plástico. Con su borde puedo marcar las líneas rectas.

Sigo pintando.

Defino la forma del jarrón. A partir de él irán surgiendo otras formas. Es el elemento que centra la composición.

La otra mitad del jarrón es ligeramente más oscura.

Es una insinuación de desarrollo en volumen, de sombreado sin abandonar la planitud.

Aprovecho el mismo color para ir construyendo otras formas del cuadro.

Introduzco un amarillo puro y plano.

Distribuyo las notas de color amarillo del modo en que resulten equilibradas con las que pienso seguir pintando en rojo y verde.

Voy añadiendo formas geométricas. Una insinúa una taza con su asa, otras son simples planos de color.

Sigo pintando. Introduzco un nuevo color vivo y puro, el rojo.

El rojo es el color más potente, y tengo cuidado de no poner demasiado. No quiero que el cuadro tenga un aspecto chillón, todo lo contrario.

Este verde pálido contrarestará el efecto del rojo. Siendo un color más "tranquilo", lo uso en planos más grandes.

Termino con el verde, y paso a un tierra sombra que insinúa las patas de la mesa, y que será el tono más oscuro de la pintura.

Y el cuadro va avanzando.

Se van completando los planos de color, como en un puzle.

Cada trozo coloreado determina a los adyacentes.

El cuadro está casi completo.

Para terminar, con un lápiz blando y oscuro, añado un sombreado en los lugares donde deseo acentuar el relieve o sugerir volumen.

El siguiente ejercicio será una cabecita al estilo de Picasso. Preparo una tabla con gesso acrílico. Pintaré esta vez sobre una superficie blanca porque quiero lograr colores luminosos y vivos, mientras que en el ejercicio anterior pretendía todo lo contrario.

Una buena capa de gesso, y luego se deja secar totalmente.

Busco imágenes en las que inspirarme, y estudio el modo en que pinta Picasso, así como sus colores. Y dibujo una cabeza con rasgos tanto de frente como de perfil.

Empiezo por el color que hará de piel, un amarillo puro.

Paso a un rojo vivo y lo aplico en varias partes del cuadro, para darle unidad.

El color complementario, un verde para acentuar los contrastes.

Verde y violeta harán resaltar aún más al rojo y al amarillo. Se va completando la imagen.

Voy completando los campos de color y corrigiendo el dibujo.

Por último, con pintura negra realzo el dibujo y doy por terminada esta cabeza picassiana.