Arquitectura Neogótica

1-Materiales utilizados

2-Elementos arquitectónicos

3-Caracteristicas generales

4-Definiciones de términos básicos

4-Principales representantes

1-Los materiales empleados en el periodo neogótico difieren bastante en cada obra en

particular. Te aconsejo leer sobre la construcción de la Catedral de Lujan para que

tengas una conclusión propia.

El empleo de nuevas técnicas é industrialización en la construcción, mediante el

hormigón, la mampostería y ornamentación imitación piedra, etc. difieren del sistema

constructivo original del gótico, basado en la construcción en piedra, donde éste era el

principal medio estructural.

2- Elementos arquitectónicos.

El gótico y muy posteriormente el neogótico (copia del anterior) se han definido

durante mucho tiempo de manera bastante superficial, exclusivamente por la

utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival;

pero la utilización de un elemento no puede definir un estilo de forma global, se trata

de un problema más amplio, de una nueva etapa histórica, una nueva concepción del

arte y con él del mundo.

Un elemento estructural, por importante que sea, no puede resumir un concepto

global sobre todo el movimiento.

3- Características Generales;

El neogótico apareció en Inglaterra a mediados del siglo XVIII. En el siglo XIX la Europa

continental vivió una auténtica fiebre neogótica que restauró y completó catedrales,

como la de Barcelona. En 1836 se construiría en este estilo el Parlamento de Londres.

Se sueña a partir de ese momento (siglo XIX) con un renacimiento del arte medieval,

llenándose de nuevo al contenido término "neogótico", que empieza a distinguirse y

separarse claramente del románico.

En el siglo XIX, el entusiasmo romántico por lo medieval (como reacción frente al

neoclasicismo academicista) y el historicismo, lleva a cabo amplias restauraciones de

edificios medievales, llegándose a establecer el estilo neogótico, arquitectura realizada

a imitación de la gótica medieval. Fue destacada la intervención del arquitecto francés

Eugène Viollet-le-Duc.

4- El estilo arquitectónico neogótico, peyorativamente denominado como

pseudológico, consistente en la arquitectura realizada a imitación de la gótica

medieval. Por su común rechazo al racionalismo neoclásico, es un estilo vinculado con

el romanticismo.

4- Principales representaciones;

Entre las obras más representativas del Neogótico a nivel mundial se pueden indicar:

Abadía de Maredsous en Bélgica,

la restauración de la Catedral de Colonia en Alemania,

la Iglesia Votiva, en Viena,

la fachada de la Catedral de Barcelona,

el ábside de la Sagrada Familia, y el Palacio Episcopal de Astorga, en España.

La Catedral de La Plata, en Argentina,

la Basílica de Nuestra Señora de Luján, en Argentina,

la restauración de de la Sainte Chapelle, en París, Francia,

numerosos edificios colegiales en Cambridge y en Oxford

el Palacio de Westminster en Londres.

La Catedral Nueva de Vitoria, en España.

La iglesia de Santa Bárbara de Rubio (Venezuela) estado Táchira.

Arte y Arquitectura Gótica

Una nueva sensibilidad para una nueva arquitectura

El estilo gótico se desarrolla en Europa, sucediendo al románico desde la cuarta década del siglo XII hasta bien entrado el XVI.

La denominación peyorativa "gótico" fue inventada por los eruditos del Renacimiento con sentido de desprecio a un arte que consideraban bárbaro (el "arte de los godos") muy inferior en consideración al arte grecorromano.

Sin embargo fue revalorizado y exaltado en el siglo XIX por los movimientos nacionalistas y románticos europeos y en la actualidad se considera

universalmente como uno de los momentos más brillante,s desde el punto de vista artístico, del mundo occidental.

Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al románico del siglo XII, lo cierto es que ambas arquitecturas responden a principios inspiradores opuestos.

Como sostiene el gran experto Otto von Simson, con el gótico se produce una de las más radicales

rupturas estilísticas que han conocido la arquitectura occidental.

La razón de tal revolución es el cambio de la mentalidad medieval sobre el conocimiento y la verdad existente. Los siglos XII y XIII contemplan la derrota del idealismo de Platón, defendido por San Agustín, que fue la base filosófica de los siglos altomedievales. Desde estas fechas, se recupera las filosofía basada en la preeminencia de los sentidos de Aristóteles, intensamente defendido por personajes de la talla de san Alberto Magno y santo Tomás Aquino.

La idea de que sólo la racionalidad humana es el único sistema de conocimiento y que las formas sensibles son sólo una apariencia engañosa de la verdad, es desplazada por la convicción de que de los sentidos son necesarios descubrir las cosas de la naturaleza, verdadera fuente de conocimiento.

Como consecuencia de este cambio de mentalidad, en el campo del arte y la arquitectura, el obstinado equilibrio simétrico y la regularidad y geometrismo del románico, son desplazados. El arquitecto ya no tiene que apegarse a formas regulares para construir (círculos y cuadrados fundamentalmente) sino que se ve libre para trabajar, no como une geómetra sino como un ingeniero. Por tanto, si en el campo de las ideas se sustituye el idealismo por el naturalismo, en el campo del arte se sustituye la inteligencia abstracta por el empirismo.

René Huyghe escribe estas bellas palabras sobre la arquitectura gótica:

"Una estética pragmática edifica monumentos donde, descartadas las superficies planas, se erizan de puntas, de calados, de proyecciones, se rompen en el juego complejo de los salientes y las aberturas, donde las líneas tropiezan, se cortan, se interseccionan con aspereza, donde todas las previsiones de la inteligencia son derrotadas por el imperioso dictado de los hechos"

En este contexto y aunque la arquitectura sigue sujeta a ciertas reglas básicas de geometría, los edificios se liberan del rigor racional anterior y a sus estructuras se les permite la vida y la espontaneidad. Como afirma Huyghe un edificio gótico puede entenderse como un organismo vivo que crece hacia el sol.

Por último, esta nueva arquitectura, utiliza este empirismo ingenieril es inventar

ingeniosas soluciones tectónicas para el fin de crear espacios de gran altura y colorido. La manera del siglo XIII de simbolizar la Jerusalén Celestial es mediante la creación de un grandioso espacio de luz y color.

Tema Arte Gótico:

Introducción

El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media, en su mayoría el siglo XIII, aunque comienza en el siglo XII y alcanza hasta el XIV, y en algunos países hasta el XV. Este es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales, la burguesía nace en las ciudades. Es un estilo muy ligado a los nuevos centros culturales, universidades, catedrales y ciudades en general. El auge de las ciudades favorece la aparición de las órdenes mendicantes, franciscanos (1209) y dominicos (1216). Las monarquías recuperan su poder poco a poco, debilitando el sistema feudal.

El término de gótico fue propuesto por Vasari, con un sentido peyorativo, de vacío de las formas estilísticas. Era el arte bárbaro propio de los godos.

El emblema del arte gótico es la catedral, donde se dan cita todas las artes, tendencia que viene del románico. Encontramos una humanización de los tipos religiosos, que son mucho más naturales. Se pasa de la Virgen reina a la Virgen madre, al Cristo doloroso en la cruz y a los adornos mundanos. Ahora se ve en la naturaleza la obra de Dios, la creación, y la belleza nos acerca a Dios. Pero también aparecen edificios civiles en las ciudades, los palacios, los ayuntamientos y las lonjas.

Se instala una nueva religiosidad, en la que destacará santo Tomás de Aquino, la Escolástica. La filosofía de Aristóteles se interpreta a la luz de la fe cristiana. Pero también se reinterpreta a Platón. El neoplatonismo será fundamental para la aparición de una estética basada en la luz, ya que identificaba a Dios con la luz, la luz celestial. San Benito, san Roberto y San Bernardo pretenderán la reforma de la orden de Cluny, recuperando su esencia austera.

La orden del Císter fue la que creó y difundió el nuevo estilo, tras la reconstrucción de la abadía de San Denis por el abad Suger. Era una arquitectura sobria, austera y luminosa. En principio estaba exenta de motivos decorativos, proclamando su aniconismo. No obstante, las catedrales se irán llenando de estatuas y pinturas. El artista comienza a ser reconocido y en algunos casos firmará sus obras. Sobre todo alcanzan gran prestigio los maestros de obra.

Arquitectura: La catedral

En el siglo XIII el mundo cristiano se ha vuelto mucho más urbano y burgués. Surge una nueva ideología que se plasma en los ideales del abad Suger, brillo y esplendor frente a la austeridad del Císter. El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. El nuevo estilo recibirá el apoyo de las autoridades

municipales y la burguesía. Su expresión más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.

Sin dejar de ser un arte didáctico, el gótico se vuelve mucho más decorativo. Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, que gracias a sus nervios, que convergen en contrafuertes separados del muro, a través de los arbotantes; lo que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras, que permiten el paso de una luz tamizada por los colores de los cristales. Esta luz crea una atmósfera irreal, símbolo de la divinidad. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores, que tiñen el interior de color, o de una luz blanca. Existe un contraste entre estructura y apariencia.

Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.

El arco apuntado es una de las señas de identidad más características del arte gótico. Confiere a los edificios esbeltez y verticalidad. En el siglo XIII son muy abiertos, es el arco apuntado clásico. En el siglo XIV se hacen más apuntados y altos: se denomina arco lanceolado. Corresponde al momento de mayor verticalidad. En el siglo XV se utilizan el arco conopial, el carpanel y el mixtilíneo.

Los soportes, generalmente el pilar, evolucionan desde los redondos (columnas) a los acanalados con forma de estrella. Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita un sistema de contrapeso adicional a la función sustentante ejercida por el pilar (otra seña de identidad gótica) para ello se usan los contrafuertes separados del muro. Los arbotantes enlazan la bóveda central con los contrafuertes a través de un arco rampante. En la intersección se ponenpináculos para hacer más estable el conjunto. Además, los arcos poseen canales de desagüe del agua de lluvia, que terminan en gárgolas. En los edificios más altos existen dos niveles de arbotantes.

Tan características como los arcos apuntados son las cubiertas del gótico. Es la época de la bóveda de crucería, que permite cubrir espacios rectangulares a mayor altura. Está formada por dos arcos (nervios) que se cruzan en el centro: en la clave. El resto de la superficie se cubre con plementos. Con este sistema todo el peso de la cubierta descansa sobre los soportes, por lo que el muro de descarga es innecesario, y se puede cerrar el espacio con grandes ventanales. No obstante, para cubrir toda la nave siguen empleándose el sistema de arcos fajones. La bóveda de crucería evoluciona con el tiempo. En el siglo XIII se utiliza la bóveda de crucería simple. Para cubrir los espacios que no son rectangulares se utiliza un tercer nervio que divide la bóveda en seis partes (bóveda sexpartita). En el siglo XIV la bóveda se enriquece por medio de nervios secundarios (treceletes) que van desde los ángulos a la mitad de los nervios; y ligaduras, que van desde el centro del cuadrado a la clave. Ellos dan a la bóveda un aspecto estrellado (bóveda estrellada). En el siglo XV a las bóvedas se añaden nervios combados, que van del centro del cuadrado al centro de los nervios pasando por el centro de los treceletes. Aparecen, también, las bóvedas de plementería calada, que se recubren con vidrieras.

Este sistema constructivo permite abrir vanos en los muros. En realidad los muros no son necesarios para sostener la cubierta, por lo que se permite la entrada de la luz lo más posible. El muro se cierra con vidrieras de colores que tamizan la luz. Las vidrieras se organizan en tracerías, o divisiones de piedra, que forman los vanos. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado que unen los diferentes trozos de cristal, y forman las figuras. Las vidrieras son un elemento indisoluble de la arquitectura, aunque utiliza los mismos convencionalismos iconográficos que la pintura, y su mismo programa.

La portada se revaloriza. Aquí aparecen los principales motivos ornamentales, que se vuelven más naturales. En ella se colocan las torres y las puertas. Las torres pueden estar adosadas a las naves, o justo encima de las puertas laterales. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón: que iluminan el interior. También las portadas laterales se decorarán. El rosetón tiene también una función simbólica, pues representa la luz de Dios. En ocasiones la fachada se remata con un gablete triangular. Las portadas siguen el modelo románico: son abocinadas y en ellas se encuentra la decoración escultórica. Su número varía en función de las naves que hay en el interior.

En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales. El muro tiende a desaparecer, sobre todo en lo alto. El triforio es estrecho, ya que pierde su función de tribuna, y se emplea sólo para que pase la luz al interior.

En el gótico se distinguen cuatro etapas: el gótico primitivo o protogótico, al que pertenece Notre-Dame de París. Tiene un aspecto un tanto románico. El gótico clásico, del siglo XIII, principalmente en la primera mitad, a la que pertenece la catedral de Chartres, y en el que desaparece la tribuna, y los ventanales se alargan. El gótico manierista, de la segunda mitad del siglo XIII, que en algunos lugares se alarga hasta el XIV. Se multiplican los radios de los rosetones, y se complican y estilizan todos los elementos arquitectónicos. Además, hay una mayor luminosidad, porque el triforio casi desaparece en favor del claristorio. Y el gótico flamígero, sobre todo en Francia durante los siglos XIV y XV, en el que las estructuras se vuelven más sencillas y la decoración más abundante. Se caracteriza por la decoración de calados con adornos asimétricos, semejantes a las ondulaciones de las llamas. Aparecen: el arco conopial y las bóvedas estrelladas, como en la catedral de Oviedo. Esta es la época en la que surgen, en España, el estilo isabelino, en fusión con el mudéjar.

Además de las catedrales, adquieren importancia otros edificios civiles. Las ciudades crecen dentro de sus murallas, gracias a la burguesía, y aparecen edificios de administración y comercio. Se levantan el ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de construirse castillos y fortificaciones militares, con menos vanos. La ciudad tiende a organizarse en torno a la catedral, el ayuntamiento y la lonja. Aparecen, también, palacios urbanos, que expresan la riqueza tanto de los nobles como de la burguesía.

La arquitectura gótica en Europa

Francia es la cuna del gótico, como lo fue del románico. En la fase protogótica encontramos los edificios cistercienses como la abadía de San Denis, y las catedrales de Laon yNotre-Dame de París. En el período clásico destacan las catedrales reales, ya que son los reyes los promotores de su construcción: Reims, Amiens y Chartres. En el período manierista destaca la Santa Capilla de París y la catedral de Rouen. En general las construcciones francesas tienden a la verticalidad.

En Alemania el gótico triunfa sobre todo en las regiones occidentales, debido al influjo francés. Sin embargo, aquí la tradición carolingia, otoniana y románica es muy fuerte. La primera construcción auténticamente gótica es Santa Isabel de Magdeburgo. La influencia francesa se deja sentir en la catedral de Colonia. También son destacables las catedrales de Ratisbona, Erfurt, Ulm y Estrasburgo. No obstante, el gótico llega hasta el siglo XV.

En Inglaterra el gótico tiene un desarrollo peculiar. Potencia las líneas rectas; es más macizo y horizontal y utiliza una pantalla a modo de telón tanto por delante como por detrás de la catedral. Además, usa con profusión las bóvedas de abanico. En Inglaterra el gótico presenta tres etapas: el estilo primitivo, con catedrales como las de Canterbury, Lincoln y Salisbury; el estilo decorativo, en el que la decoración se hace independiente de la arquitectura, con catedrales como las de York, Exeter y Wells; y el estilo perpendicular, más racional y organizado, y con tendencia a la desornamentación exterior, aunque se mantiene en el interior. En este período destacan las catedrales de Westminster, Gloucester y el castillo de Windsor.

El gótico apenas entró en Italia; que continúa con las formas clásicas, los muros macizos y la tendencia horizontal. No encontramos aquí las señas de identidad góticas, más que en algunos elementos. Los vanos son menos numerosos, lo que da pie para ser pintados. Destacan las catedrales de Siena, Arezzo y Milán. Pero lo característico del gótico italiano es la arquitectura civil: palacios y lonjas, que aparecen en las numerosas repúblicas italianas. Son, pues, edificios de escasa altura. Destacan los palacios de las Señorías de Siena y Florencia, la cartuja de Pavía, el Ayuntamiento de Perusa y el palacio ducal Casa del Oro en Venecia.

En Portugal el gótico llega a través de España. Destacan el convento de Batalha y el monasterio de Alcobaça. Sin embargo, en los siglos XV y XVI se desarrolla el original estilo manuelino, que se caracteriza por su abigarrada ornamentación. El estilo se difunde por todo Portugal, pero destacan el monasterio de Belem, el convento de Tomar y la iglesia de Olivenza, en España.

España

En España el gótico tiene dos ámbitos fundamentales, el camino de Santiago y las ciudades comerciales de la Corona de Aragón, que en esta época está extendiéndose por el Mediterráneo. Distinguiremos cuatro períodos: la fase de transición, el gótico pleno o clásico, el gótico manierista o mediterráneo y el gótico flamígero.

El gótico tarda en introducirse en España, por lo que hay una fase inicial de transición (siglo XII) en la que conviven las formas románicas y las góticas. Los más representativos son los monasterios de la orden del Císter, fundamentalmente en Navarra y Argón. Inicialmente son monasterios rurales, y carecen de decoración escultórica y pictórica, en consonancia con la austeridad de la orden y su aniconismo. Destacan las plantas en forma de T, las capillas de la cabecera y el transepto y el claustro con dos pisos, el superior para las celdas y el inferior para la vida comunitaria. Destacan los monasterios de Poblet, La Espina, Fitero, La Oliva, Santa Creu, Gradefes y La Moreruela. Se comienzan a construir las catedrales de Zamoray Salamanca, con una clara influencia islámica, y las de Tarragona y Lérida.

La segunda etapa, en el siglo XII, es la del gótico pleno. Fundamentalmente es el gótico de Castilla y León. Este es el momento de máximo apogeo del camino de Santiago. El estilo tiene una gran influencia francesa y en él aparecen todos los elementos que definen el estilo gótico. Las catedrales más importantes son las de León, Burgos y Toledo. También se construyen las catedrales de Oviedo y Palencia.

La tercera etapa, en el siglo XIV, es la manierista, y se centra, fundamentalmente, en el Mediterráneo. Se acaban las catedrales de Palma de Mallorca, Barcelona, Santa María del Mar (Barcelona) y Gerona, y se construye la lonja de Barcelona. Son templos más austeros, la nave central es más ancha y las laterales son más altas. No abundan los arbotantes ni los pináculos.

En el siglo XV aparece el gótico flamígero, que en Castilla se denomina isabelino. En esta época la decoración se desborda, las plantas tienden a ser cuadradas, de una sola nave y los soportes más delgados. El coro deja de estar en el centro de la nave principal y se desplaza a los pies y en alto. Los motivos decorativos aparecen en todas partes: portadas, ventanas, cornisas, cresterías, pináculos, etc., y son, fundamentalmente, escudos heráldicos, puntas de diamante, conchas, etc., de inspiración mudéjar. Este estilo parece que llega a España de la mano de los maestros de los países bajos que trabajan aquí. En la Corona de Aragón destacan las lonjas de Palma de Mallorca y Valencia, la catedral de Tarragona y la Generalitat de Barcelona. En Castilla aparecen dos escuelas: la de Toledo y la de Burgos. Se conocen algunos maestros como Juan de Guas, en Toledo, que construyó San Juan de los Reyes, y la puerta de los leones de la catedral de Toledo. En Burgos trabaja Juan de Colonia que construiría las torres de la catedral de Burgos, la capilla del Condestable; y la cartuja de Miraflores y Simón de Colonia, que construye las fachadas de San Pablo y San Gregorio en Valladolid. También se construyen la capilla real de Granada y la catedral de Sevilla. A partir de estos momentos en las ciudades aparecen palacios que crean un modelo de fachada sobria, como el palacio del Infantado en Guadalajara.

Escultura

En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo. En principio la escultura se integra en los elementos arquitectónicos formando parte de las jambas, la estatua columna que

se independiza del marco, pero poco a poco se irán haciendo estatuas de bulto redondo. Continúa teniendo una función didáctica, a demás de estética.

Sus formas son más naturales, tanto en las proporciones como en las referencias al mundo real, sobre todo en los motivos vegetales. Hay una cierta influencia de los modelos clásicos, se busca la belleza natural de las formas. Sin embargo, no falta en la iconografía el bestiario fantástico de influencia oriental, como en las gárgolas y ciertos elementos secundarios, es un programa iconográfico similar al románico. El peso de la tradición románica es muy grande, hasta el punto de que en el siglo XIII la escultura aún está subordinada a la arquitectura. El conjunto tiene un sentido narrativo en el que se destacan los sentimientos nobles y la melancolía de la imagen. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos: alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. La divinidad se humaniza, el Cristo majestad pasa a ser el Hijo del Hombre, y la Virgen reina a Virgen madre. Reaparece el retrato.

El material preferido para la escultura es la piedra, pero también la madera, generalmente policromada.

Se rompen algunos convencionalismos del románico, como la frontalidad, el hieratismo y la adaptación al marco. El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará. Las obras se colocarán en las portadas, sillerías, sepulcros, retablos, etc., en general en todos los lugares significativos.

Existirá una escultura monumental, ya que en las grandes catedrales empezaron a considerarse como algo más que mera decoración. Aparecen las estatuas columnas monumentales. Las figuras adquieren autonomía y se liberan del marco arquitectónico. Se abandonan los convencionalismos románicos. Los capiteles desaparecen de la vista de los fieles, y se abandonan aquí los motivos narrativos, quedando sólo una decoración vegetal. También se desarrollarán los retablos, realizados en madera. Algunos de estos retablos son móviles: dípticos, trípticos y polípticos. En el gótico final los retablos serán soporte de la pintura. También adquiere gran importancia la escultura funeraria. Este es el ámbito del retrato y donde hay un mayor realismo. Generalmente es un sepulcro exento, aunque en España triunfa el sepulcro incrustado en la pared, en la que aparece esculpida una escena. Otro ámbito en el que encontramos esculturas es en las sillerías del coro. Están hechas en madera y en ellas la libertad del artista es mayor, ya que no son vistas, normalmente, por los fieles.

Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, atribuido al maestro Mateo, y el pórtico Real de Chartres. En ellos se observan estatuas en las columnas con un profundo naturalismo.

En el período clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan, principalmente, las portadas. Aparecen todo tipo de temas, María, los santos, el juicio final, Cristo redentor, etc.

El gótico flamígero se caracteriza por la utilización, de manera decorativa, de la curva y la contracurva, que da movimiento a las figuras. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria. Los artistas dejan de ser desconocidos.

La escultura gótica en Europa

Las primeras manifestaciones de escultura se encuentran en Francia, sobre todo en las fachadas de las catedrales. Destacan: la fachada de la catedral de Chartres, de influencia románica, los pórticos de la Virgen y San Esteban de Notre-Dame de París y portada de la de la catedral de Reims. En el siglo XIV la escultura se vuelve exenta y se traslada al interior del templo. En Francia destaca la escuela borgoñesa, y dentro de ella Claus Sluter, que realiza el Pozo de Moisés con figuras individualizadas: encapuchados y gentes en actitudes naturales.

En Alemania la influencia francesa es tan notable como en la arquitectura. La mayor parte de las obras escultóricas están en el interior del templo. Destacan las obras de las catedrales de Bamberg, Estrasburgo, Friburgo, Núremberg y Naumburgo. Se conocen artistas como Hans Multscher, que hizo el retablo de la catedral de Sterzing; Georg Syrlin: retablo de San Wolfgang en Salzburgo; Veit Stosz el viejo, que trabaja en las catedrales de Núremberg y Cracovia; Adam Krafft y Tilmann Riemenschneider.

En Italia no se dan las portadas con programas iconográficos. La escultura está al servicio del mobiliario de las iglesias y del arte funerario. Aquí se rechaza la estética románica a favor de una más clásica. Destaca Nicolás Pisano que hace el púlpito del baptisterio de Pisa y el de la catedral de Siena, en el que se observan influencias de los sarcófagos romanos. También destacan Giovanni Pisano: púlpito de la catedral de Pisa, Arnulfo di Cambio, fray Guillermo de Pisa, y Tino di Camaino. En Florencia trabaja Andrea Pisano, en las puertas de baptisterio de Florencia, Andrea Orcagna y Nino Pisano. Además, Lorenzo Maitani realiza obras como las fachadas de las catedrales de Siena y Orvieto.

España

En España podemos distinguir cuatro períodos: el protogótico, el clásico, el manierista y el hispano flamenco.

El período protogótico abarca la segunda mitad del siglo XII y la primera del XIII. Todavía mantiene una influencia muy grande del románico. Se conoce al maestro Mateo que hace el pórtico de la Gloria en Santiago, la cámara Santa de Oviedo, y San Vicente de Ávila.

En el período clásico, mediados del siglo XIII, se entronca con la tradición francesa. Destacan las portadas de las catedrales de Burgos y León. También sobresalen los sepulcros. Existen tres talleres: el de Burgos (puertas Sarmental y Coronería), el de León (Virgen Blanca, obispo san Mauricio) y el de Palencia.

En el período manierista los talleres más importantes se encuentran en Toledo, pero también destacan las escuelas de Navarra y Levante. Se introduce la estética italiana, más estilizada y con el canon más largo. Las figuras tienen formas blandas, sinuosas y delicadas. Destacan las puertas del Reloj y de Escribanos en la catedral de Toledo, la catedral de Vitoria, el claustro de la catedral de Pamplona, la portada de Santa María de la Guardia y la portada de la catedral de Huesca.

En el período hispano-flamenco se deja sentir la influencia borgoñesa, y del arte flamenco y germánico. Ahora se acentúan las notas patéticas y dolorosas en las expresiones de las figuras, que se hacen más naturales. Dominan los temas de la Virgen y los crucificados. Son característicos los ropajes amplios que producen efectos de claroscuro. Es el estilo de Claus Sluter. En la Corona de Argón se conocen a autores como Guillen de Sagrera: San Pedro y san Pablo de la catedral de Mallorca; Pere Oller: retablo de la catedral de Vich, Pere Joan: San Jorge de la Diputación de Barcelona; y Pere Anglada: Ángel del Ayuntamiento de Barcelona. En Castilla trabajan Francisco de Colonia y Diego de la Cruz. Pero sobre todo destacan las figuras de Juan de Colonia: retablo de san Nicolás en Burgos; y Gil de Siloé: sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal en la cartuja de Miraflores y su retablo, los castellanos son los escultores isabelinos.

Pintura

La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico, porque pierde su lugar natural, el muro, donde es sustituido por las vidrieras. Alcanza gran desarrollo en las miniaturas de los libros, donde se perfecciona. Se recrean textos literarios. Pero sobre todo se pinta sobre tabla, el retablo. La técnica más utilizada es la del temple, y más adelante la del óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso. Los temas son, bien religiosos bien profanos, aunque con carácter alegórico. Destacan las narraciones sobre la vida y la pasión de Cristo y la Virgen. Los temas profanos comenzaron siendo escenas de batallas, motivos heráldicos y las visiones de la vida campesina.

El gran reto del último período de la pintura gótica fue la conquista de la tercera dimensión, la representación naturalista de los objetos y el abandono de los convencionalismos abstractos románicos.

La primera etapa corresponde a la pintura conocida como gótico lineal, hacia el 1200, también llamado francogótico. París es el centro cultural indiscutible en todas las artes. Postemas que dominan son los religiosos, que tienen una función simbólica. Se caracterizan por tener un fondo dorado, de influencia bizantina, un espacio simbólico. Las figuras tienden a ser planas, los colores vivos y aún tienen muchos convencionalismos románicos. Continúan utilizando la línea negra para separar los espacios de colores. Predomina el naturalismo, y los temas se tratan con sencillez. En Francia destacan las vidrieras de las catedrales, las miniaturas de los libros y los salterios. En Alemania hay restos de pintura mural: San Gerión de Colonia y San Jorge de Oberzell. En Inglaterra destacan el Santo sepulcro de la catedral de Winchester, o el conjunto de la abadía de Westminster. En España destacan las miniaturas de las

Cantigas de Alfonso X y diversos frontales y retablos para las principales catedrales castellanas y catalanas.

La segunda etapa corresponde a la Italia del Trecento, o pintura italogótica, siglo XIV, en la que también encontramos una fuerte influencia bizantina «manera greca», y de la antigüedad clásica. Este será el germen de la pintura moderna: desaparece la línea negra. Surge el claroscuro, lo que revela su preocupación por el volumen y la profundidad. Esto conduce al estudio de la perspectiva y la plasmación de los estados anímicos y el sentimiento. Existe pintura mural y sobre tabla, mosaicos, y se observan ciertas tendencias que desembocarán en el Renacimiento. Podemos distinguir tres escuelas: la toscana, cuyo máximo representante es Giunta Pisano: Madona de la catedral de Pistoia; la escuela romana, cuyo máximo representante es Pietro Cavallini: Nacimiento y muerte de María, Anunciación, Natividad; y la escuela florentina, cuyo máximo representante es Giotto di Bondone, es el artista más conocido: frescos de las capillas de los Bardi y Peruzzi, Madona de Uffizi, Virgen con el Niño, Crucifixión, su aventura es la conquista de la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores. Dota a sus composiciones de volumen y corporeidad hasta llegar a los personajes esculturales. Giotto se inspira en la naturaleza, lo que rompe con la tradición bizantina. Centra su prioridad en la figura humana, tratándolas de manera individual. Concibe los espacios de manera arquitectónica, por lo que incluye rocas y elementos arquitectónicos en sus composiciones, no sin cierta ingenuidad. Otro pintor importante de la escuela florentina es Cimabue: Dante en el Purgatorio. Mantiene ciertos elementos de la tradición bizantina, pero consigue éxitos innegables en el conocimiento de la perspectiva, el volumen y la monumentalidad de sus figuras. La escuela florentina entró en España de la mano de Gerardo Starnina: capilla de San Blas en la catedral de Toledo y Delio Delli: retablo de la catedral de Salamanca.

En Italia también hay una escuela en Siena, que se caracteriza por hacer un arte cortesano, colorista, cromático e irreal, con los fondos dorados de tradición bizantina. Por sus características tienen una entidad aparte. Ofrece una visión idealizada de la realidad. Es el modelo que más se difundió por Europa. Duccio di Buoninsegna es el pintor más conocido, por su refinamiento, sus composiciones sin tensión dramática y su expresión delicada: Madona Rucellai, La maestá. Otro pintor importante es Simone Martini, de marcado espíritu cortesano: San Luis de Toulouse, Anunciación. La escuela de Siena llegará en el siglo XIV a Cataluña. Aquí destacan Jaume Ferrer Bassa: capilla de San Miguel de Pedralbes, Ramón Destorrents: retablo de Iravalls, y los Hermanos Serra; Francisco, Joan, Jaume y Pere: retablo de Pentecostés de la catedral de Manresa.

La última etapa corresponde al gótico internacional, en torno al 1400. Este género tiene unos rasgos comunes en toda Europa. Es un estilo protegido por la nobleza y los reyes. Se caracteriza por su afición al lujo, los colores brillantes, el dibujo curvilíneo, las pocas preocupaciones espaciales y por ser un estilo un tanto decorativo. Presta mucha atención a los detalles, pero continúa utilizando el fondo dorado. Surge de la síntesis del estilo italiano de Siena en la corte de Borgoña. El resultado es un estilo elegante, artificioso y extravagante. Tratará de glorificar a una nobleza feudal que se está extinguiendo. El gótico internacional se extiende por toda Europa con Jean

Fouquet: Díptico de Melum en Francia, Stefan Lochner: retablo de los Reyes Magos en la catedral de Colonia, Conrad Witz: retablo de Basilea y Hans Multscher: altar de Sterzing, en Alemania y Nuño Gonçalves en Portugal. EnEspaña encontramos; en Cataluña Lluis Borrassà: retablo del Salvador en la catedral de Barcelona, y Bernardo Martorell: retablo de san Jorge, retablo de Púbol, en ValenciaLorenzo Zaragoza: San Roque de Jérica, Andreu Marçal de Sax: retablo de Los arqueros del centenar de Ploma, Pedro Nicolau: Virgen de Sarrión, y Juan Rexach: retablo de Cubells; en Aragón García de Benabarre: Vida de san Juan Bautista, Martín Soria: retablo de Pallaruelo de Monegros y Bartolomé Bermejo: retablo de Daroca, en Andalucía, con una profunda influencia mudéjar Alejo Fernández: Virgen de los navegantes, y en Castilla Nicolás Fiorentino: retablo de la catedral vieja de Salamanca y Nicolás Francés: retablo de la catedral de León, retablo de San Francisco de La Bañeza.

En esta época destaca, también, la escuela flamenca, protegida por una potente burguesía que es su principal cliente. Los pintores se organizarán en gremios, por lo que habrá una búsqueda colectiva de la perfección técnica y dibujística, lo que la hace muy minuciosa en los detalles. No obstante, todos ellos firmarán sus obras de forma individual. Los pintores flamencos se apartaron de la estética internacional acercándose a la realidad natural y a la armonía de las formas. Se pinta al óleo con fórmulas de taller, lo que permite una gran riqueza cromática. La luz se independizó del color. La perspectiva es una de sus principales preocupaciones, debido a la obsesión por el detalle. Desarrolla toda una iconografía religiosa de carácter simbólico, aunque en un ambiente burgués. Busca un espacio natural continuo, sobre todo en interiores y de la vida cotidiana. Varios son los artistas importantes en la escuela flamenca: los hermanos Jan y Hubrecht van Eyck: retablo del Cordero místico, hacen una obra muy intelectual, de gran brillantez y con una amplia gama cromática. Se especializan en el retrato de interiores, en los que logra un gran equilibrio, como en el Matrimonio Arnolfini, su obra más representativa. Robert Campin es menos intelectual y más amable: Anunciación, Santa Bárbara, se le considera como el primer pintor flamenco. Petrus Christus: Leyenda de san Eloy, Retrato de un cartujo, es alumno y heredero de Van Eyck. Roger van der Weyden: Descendimiento de la cruz, tríptico de Los siete sacramentos, Adán y Eva, utiliza modelos, que alcanzan gran difusión. Es menos intelectual y más comprensible. Pinta tablas de pequeñas dimensiones. Dierck Bouts: trípticos del Santo sacramento, El martirio de san Erasmo, El entierro de Cristo, de origen holandés, y con colores algo más fríos. En la segunda generación destacan pintores como Hans Menling: Adoración de los Reyes y Virgen con el Niño, con un lenguaje dulce y tonos claros, Hugo van der Goes:tríptico de Portinari, Tránsito de la Virgen, con sus expresiones inquietantes y Gerard David: Adoración de los Magos, Descanso en la huida a Egipto, holandés, que funde lo italiano y lo flamenco.

Pero el autor más personal de este período es Hieronymus van Aeken, el Bosco, que se sitúa al margen de los tipos flamencos. Utiliza temas alegóricos con los que crea un mundo fantástico. Tiene un profundo carácter religioso, a la vez que burlesco. Son característicos sus monstruos, máquinas infernales y figuras fantásticas mezcladas con seres humanos. Sus obras más importantes son: El juicio final, El carro de heno y el tríptico de El Jardín de las delicias.

Fuera de Flandes fue en España donde este estilo tuvo más éxito. Aquí hay pintores de primera fila como: Jaume Huget: tríptico de San Jorge, Bartolomé Bermejo: Piedad del canónigo Desplá y Lluis Dalmau: Virgen de los consellers, en la Corona de Aragón; y Jorge Inglés: retablo del hospital de Buitrago, Fernando Gallego: retablos de la catedral de Zamora y San Lorenzo de Toro, y Pedro Berruguete: retablo de Santo Tomás de Ávila, en la Corona de Castilla.

Resumen:

Introducción

El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales, la burguesía nace en las ciudades.

La orden del Císter fue la que creó y difundió el nuevo estilo, tras la reconstrucción de la abadía de San Denis por el abad Suger. Era una arquitectura sobria, austera y luminosa.

Arquitectura: La catedral

El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.

Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, lo que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores.

Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.

Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita un sistema de contrapeso adicional: los arbotantes.

Es la época de la bóveda de crucería, que permite cubrir espacios rectangulares a mayor altura. Está formada por dos arcos (nervios) que se cruzan en la clave. El resto de la superficie se cubre con plementos.

Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado.

La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las puertas. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.

En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales.

Además de las catedrales adquieren importancia otros edificios civiles. Se levantan el ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de construirse castillos y fortificaciones militares.

La arquitectura gótica en Europa

Francia es la cuna del gótico. En la fase protogótica encontramos los edificios cistercienses como la abadía de San Denis, y Notre-Dame de París. En el período clásico destacan las catedrales reales, Reims, Amiens y Chartres. En el período manierista destaca la Santa Capilla de París y la catedral de Rouen.

En Inglaterra el gótico presenta tres etapas: el estilo primitivo, catedral de Canterbury; el estilo decorativo, catedral de York; y el estilo perpendicular, catedral de Westminster.

El gótico apenas entró en Italia. Pero lo característico del gótico italiano es la arquitectura civil. Destacan la cartuja de Pavía, el Ayuntamiento de Perusa y el palacio ducal Casa del Oroen Venecia.

En Portugal el gótico llega a través de España: convento de Batalha y el monasterio de Alcobaça. En los siglos XV y XVI se desarrolla el original estilo manuelino: monasterio de Belem.

España

En España el gótico tiene dos ámbitos fundamentales, el camino de Santiago y las ciudades comerciales de la Corona de Aragón.

El gótico tarda en introducirse en España (siglo XII). Destacan las plantas en forma de T, las capillas de la cabecera y el transepto y el claustro con dos pisos. Monasterios de Poblet, La Espina, Gradefes y La Moreruela. Se comienzan a construir las catedrales de Zamora, Salamanca, Tarragona y Lérida.

La segunda etapa, en el siglo XII, es la del gótico pleno. Las catedrales más importantes son las de León, Burgos y Toledo.

La tercera etapa, en el siglo XIV. Se acaban las catedrales de Palma de Mallorca, Santa María del Mar (Barcelona) y Gerona. Son templos más austeros, la nave central es más ancha y las laterales son más altas.

En el siglo XV aparece el gótico flamígero, que en Castilla se denomina isabelino. En esta época la decoración se desborda, las plantas tienden a ser cuadradas de una sola nave y los soportes más delgados. El coro se desplaza a los pies y en alto. Lonjas de Palma de Mallorca y Valencia. En Castilla aparecen dos escuelas: la de Toledo y la de Burgos. Puerta de los leones de la catedral de Toledo, la cartuja de Miraflores.

Escultura

En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo. No falta en la iconografía el bestiario fantástico. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Reaparece el retrato.

El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará. Existirá una escultura monumental. También adquiere gran importancia la escultura funeraria. Este es el ámbito del retrato, donde hay un mayor realismo.

Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres.

En el período clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas.

El gótico flamígero se caracteriza por la utilización de manera decorativa, de la curva y la contracurva, que da movimiento a las figuras. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria.

La escultura gótica en Europa

Las primeras manifestaciones de escultura se encuentran en Francia. Destacan: la fachada de la catedral de Chartres, y San Esteban de Notre-Dame de París. En Francia destaca la escuela borgoñesa, y dentro de ella Claus Sluter, el Pozo de Moisés.

En Italia la escultura está al servicio del mobiliario de las iglesias y del arte funerario. Nicolás Pisano: púlpito del baptisterio de Pisa, Giovanni Pisano: púlpito de la catedral de Pisa.

España

El período protogótico. Se conoce al maestro Mateo que hace el pórtico de la Gloria en Santiago.

En el período clásico, mediados del siglo XIII, se entronca con la tradición francesa. Portadas de las catedrales de Burgos y León.

En el período manierista los talleres más importantes se encuentran en Toledo. Destacan las puertas del Reloj y de Escribanos en la catedral de Toledo y el claustro de la catedral de Pamplona.

En el período hispano-flamenco se acentúan las notas patéticas y dolorosas en las expresiones de las figuras, que se hacen más naturales. Pere Anglada: Ángel del Ayuntamiento de Barcelona, Juan de Colonia: retablo de san Nicolás en Burgos, y Gil de Siloé: sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal en la Cartuja de Miraflores.

Pintura

La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar natural: el muro. La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso.

La primera etapa corresponde a la pintura conocida como gótico lineal, hacia el 1200. Se caracterizan por tener un fondo dorado, de influencia bizantina, un espacio simbólico. Las figuras tienden a ser planas, los colores vivos y aún tienen muchos convencionalismos románicos.

La segunda etapa corresponde a la Italia del Trecento, o pintura italogótica. Este será el germen de la pintura moderna, desaparece la línea negra. Podemos distinguir tres escuelas; la toscana, Giunta Pisano: Madona de la catedral de Pistoia; la escuela romana, Pietro Cavallini: Nacimiento y muerte de María; y la escuela florentina, Giotto di Bondone: Madona de Uffizi. Su aventura es la conquista de la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores.

En Italia también hay una escuela en Siena, que se caracteriza por hacer un arte cortesano, colorista, cromático e irreal, con los fondos dorados de tradición bizantina. Duccio di Buoninsegna: Madona Rucellai. Llegará en el siglo XIV a Cataluña Jaume Ferrer Bassa: capilla de San Miguel de Pedralbes.

La última etapa corresponde al gótico internacional, en torno al 1400. Se caracteriza por su afición al lujo, los colores brillantes, el dibujo curvilíneo, las pocas preocupaciones espaciales y por ser un estilo un tanto decorativo. Jean Fouquet: Díptico de Melum. En España encontramos: en Cataluña Lluis Borrassà: retablo del Salvador en la catedral de Barcelona; enValenciaLorenzo Zaragoza: San Roque de Jérica; y en Castilla Nicolás Francés: retablo de la catedral de León.

En esta época destaca, también, la escuela flamenca, protegida por una potente burguesía que es su principal cliente. Los pintores se organizarán en gremios, por lo que habrá una búsqueda colectiva de la perfección técnica y dibujística, lo que la hace muy minuciosa en los detalles. Los hermanos Jan y Hubrecht van Eyck: retablo del Cordero Místico; Petrus Christus: Leyenda de san Eloy; Roger van der Weyden, Descendimiento de la cruz; y el Bosco: El juicio final, El carro de heno y el tríptico de El jardín de las delicias.

Fuera de Flandes fue en España donde este estilo tuvo más éxito. Bartolomé Bermejo: Piedad del canónigo Desplá y Pedro Berruguete: retablo de Santo Tomás de Ávila.

Barroco y Clasicismo:

Habiendo referido en otras oportunidades a los primeros períodos del arte, Antigüedad, Grecia y Roma, Temprana Edad Media, Edad Media Tardía, Siglo XV y Siglo XVI, seguiremos por Barroco y Clasicismo.

En el Siglo XVII, reinaban la escasez y el hambre, epidemias, guerras, rebeliones y revoluciones. El arte fue la forma en que la iglesia demostraba su poder.

El liderazgo artístico lo tuvo Italia. En Venecia, Génova, Bolonia, Florencia y Nápoles había comunidades artísticas con lenguajes propios.

La iglesia persuadió y conquistó más fieles debido a las artes, la escenografía de la fé estaba en esculturas, frescos, cuadros, bóvedas y cúpulas. Siguiendo ese ejemplo, prelados, príncipes y embajadores practicaban el mecenazgo para mantener su rango.

La decadencia política y económica que presentaba España estaba disimulada con una producción artística brillante. Alemania, desgastada por la guerra de los treinta años obligó prácticamente a sus artistas al exilio. Inglaterra poseía una política económica y comercial agresiva. Los Países Bajos estaban desunidos allí había dos polos artísticos separados y fecundos, y Francia con el reinado de Luis XIV abarcó los ámbitos intelectuales y artísticos. (Mignard, cúpula de Val-de-Grace, Trabajpos en Versalles: Le Vau, Le Notre, arquitecto y diseño de jardines respectivamente.)

A diferencia de otros períodos del arte, el Barroco se caracterizó por el desborde de la ornamentación y el gran decorado, la simplificación en el tamaño de la figura humana y la exacerbación y exuberancia de un gran número de figuras y recursos para ornamentar y disfrazar el mensaje, así como en la literatura se recurrió al uso de metáforas y en lamúsica a las composiciones recargadas.

El Barroco Romano surgió como respuesta a la ruptura entre católicos y protestantes luteranos. Una de las piezas claves para esta reconquista fue la Compañía de Jesús.

(Altar de San Ignacio, Roma; Iglesia del Gesú).

Bernini y Borromini fueron dos grandes arquitectos rivales de este período. Bernini realizó estatuas para el cardenal Borghese, entre ellas Apolo y Dafne, y fue puesto a la cabeza de laconstrucción de San Pedro por el papa Urbano VIII.

Borromini que trabajó un tiempo en el taller de Bernini y juntos terminaron el baldaquino de San Pedro, se hizo cargo de la construcción del convento y la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes y luego el oratorio de los filipenses, apartándose de esta manera de Bernini.

(Cúpula de San Andrés de Quirinal, Bernini; Escalera Regia, Bernini; Oratorio de los Filipenses, Borromini; San Ivo de la Sapiencia, Borromini).

Las bóvedas y cielos a la romana fueron lo que le ganaron el apodo de la capital del gran decorado. Se desplegaba grandeza y fastuosidad en bóvedas y techos suntuosos con temas mitológicos y sagrados. Se amplió la composición y se redujo la escala humana. (La visión de San Juan Evangelista en Patmos, Decorado de la Bóveda de la Galería Farnesio).

En otros períodos del arte se prefirió el clasicismo de los hermanos Carracci al estilo del controvertido y violento Caravaggio. Este desdeñaba de Rafael y de lo antiguo, haciendo un culto de lo feo y lo trivial. Representaba una realidad de manera brutal, ya que conocía la dureza de la vida por experiencia propia, lo expresaba en su pintura.

La manera única que tuvo de capturar la luz teatralizando y dramatizando fue la característica principal de su obra. Dedicándose a la pintura religiosa, creó cuadros sombríos y severos que quizás acercaban al hombre con falacias a una espiritualidad más sincera.

Luego hubo una oleada de pintores Caravaggistas, como Georges de la Tour, Hendrick Janz Ter Brugghen o Valentín de Boulogne.

La construcción de San Pedro en Roma aspiraba a reforzar el poder eclesiástico y el predominio espiritual del Vaticano a través del tiempo asegurándole un papel destacado entre el resto de los Estados de Italia.

A partir del siglo XVI, también se comenzó, en la pintura, a valorar lo cotidiano, una naturaleza muerta, una mesa servida, un personaje comiendo. (El comedor de Habas, Naturaleza muerta con cabeza de carnero).

Diego Velázquez fue el representante de la escuela española, desde la humilde realidad cotidiana marcó la pintura e influenció la historia.

Era un pintor cortesano que realizaba retratos oficiales, proponiendo poses naturales para expresar la humanidad del modelo.

En cuanto a las tonalidades que utilizaba, en una primera etapa estuvo muy influenciado por Caravaggio, para luego trabajar con una pincelada rápida mezclando los colores y dándoles la sensación de aterciopelado. Llegó a ser un espectacular pintor realista. (Las meninas, El bufón don Sebastián de Morra).

Rubens fue inventor de composiciones exaltadas, pintor colorista, artista intelectual, embajador ocasional y amigo de los soberanos. Confirió a su obra color y movimiento, celebró el cuerpo humano y construyó una fórmula personal. (El rey bebe, Silenio borracho, Consecuencias de la guerra).

Rembrandt fue considerado el poeta del claroscuro, uno de los más grandes pintores de todos los períodos del arte. Su audacia formal desconcertó a sus contemporáneos pero a su vez fue imitado y estimado por la fuerza emocional de sus retratos.

(El pintor en su Taller, Autorretrato del artista ante el caballete, El buey deshollado, Retrato de una pareja, llamado “La novia judía”).

El grabado en madera apareció en Occidente a mediados de siglo XVI, y el confeccionado en cobre fue desarrollado gracias a Durero. Era preferido por los artistas el uso de aguafuertes y buril. Con esta técnica novedosa la obra de arte se pluralizó.

De esta manera, y a finales del siglo XVII, cerramos una nueva etapa de los períodos delarte a través de la historia.