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1. Van Gogh

2. Dalí

3. Romero de Torres

4. Goya

5. Franço is Kupka

6. Picasso

7. El Greco

8. Chirico

9. Cezanne

10. Claude le Lorrain

11. Kandinsky

12. Diego Rivera

13. Gainsborough

14. Juan Gris

15. Miró

16. Chagall

17. Klimt

18. Hopper

19. Canaletto

20. Redon

VINCENT VAN GOGH

Holanda. (1835-1890) Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió

la mayor parte de su vida en Francia.

En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los

grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes

matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.

En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller

del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses,

campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fue en esa época

cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules

intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent,

decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del

huésped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo

hasta que al fin estalla la crisis. Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y

éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de

Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con

el oído vendado en una casa de salud que protege su locura.

El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el

doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales

tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van

ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en

un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.

Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

VIDA

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1883. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 48 x 65 cm. Collection Mr. and Mrs. Paul Mellon. The National Gallery of Art.

Washington. USA.

Las vistas de la campiña holandesa eran uno de los temas favoritos a la hora de decorar los hogares; Conocedor de este

dato Vincent realizó varios paisajes de este tipo bajo la influencia de los paisajistas de la Escuela de la Haya, en especial de

su tío Antón Mauve, con el que estudió dibujo y pintura.

En esta obra podemos apreciar como el color va introduciéndose en la obra de Van Gogh, la pincelada se obtiene a base

de pequeñas manchas, la imagen está tomada con un realismo absoluto donde las nubes dan una sensación de movimiento

a la obra.

Campo de tulipanes

Siglo XIX. Realismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1886 Óleo sobre lienzo. 38.5 x 46 cm. Rijksmuseum Kröller-Müller. Otterlo. Holanda.

Le Moulin de la Galette se convirtió en toda una institución en el Montmartre de finales del siglo XIX, ya que era un lugar de

peregrinación y culto para todos los artistas extranjeros que llegaban a París.

Van Gogh, a diferencia de otros maestros como Toulouse Lautrec, Renoir e incluso los españoles Ramón Casas y Santiago

Rusiñol, no nos ofrece una visión del interior de uno de los templos parisinos del ocio, sino que muestra el edificio desde el

exterior, así podemos observar como no era más que un barracón construido junto a dos viejos molinos de viento en el que

las mujeres bailaban y mantenían relaciones con los hombres que allí acudían.

En este cuadro Vincent nos muestra el molino sobre un fondo azulado de nubes, creando una sensación de frío y soledad,

quizás como la que sentía el pintor a su llegada a París. En cuanto a la pincelada, ésta se asemeja a la utilizada por Pissarro,

empleando tonalidades oscuras herencia de la Escuela de La Haya.

Le Moulin de la Galette

Siglo XIX. Realismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1890. Óleo sobre lienzo. 49.8 x 70.1 cm. The Saint Louis Art Museum. San Louis (MO).

En 1890 Van Gogh se trasladó a vivir a Auvers-sur-Oise, allí se dedica a dibujar los paisajes, jardines y casas de la zona.

En pleno éxtasis creador realizó en apenas dos meses más de 80 cuadros.

En esta obra destaca la utilización de los tonos amarillo-verdosos, los trazos rápidos y expresivos, remarcando los

contornos con trazos negros.

Calle y escalera en Auvers con figuras Siglo XIX. Postimpresionismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam.

Holanda.

Van Gogh alquiló la Casa Amarilla de Arlés mientras esperaba la llegada de su amigo Gauguin, con la esperanza de

convertirla en el "Estudio del Sur que sería la sede de una comunidad de pintores vanguardistas.

El cuadro es una especie de sinfonía en amarillo, el color más amado por Van Gogh en este período, símbolo del sol del

sur de Francia, también utiliza el verde pálido para algunas fachadas, los árboles de los bordes de la plaza y la inclusión del

toldo rosado del edificio contiguo a la casa del artista contrastando con la franja de cielo, de un azul intenso. El tono general

del cuadro da la impresión de una hora del mediodía, con el sol en vertical, pero para animar la amplia escena Vincent ha

introducido una serie de figuras, distribuyendo las pequeñas siluetas alrededor de los edificios. A lo lejos se ve un tren

cruzando el puente ferroviario con su locomotora de humo blanco, uno de los temas preferidos de los impresionistas y

repetido por Monet en muchos de sus cuadros.

La casa amarilla

Siglo XIX. Postimpresionismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

A diferencia de sus amigos Gauguin y Benard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su

imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero esto le supone

un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como

ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.

Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación

del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud

de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido

en una atmósfera sobrenatural.

La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las

pinceladas espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras que el largo tejado en punta del

campanario rima con la forma del solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.

Noche estrellada


DALI - (SALVADOR DALI)

España. (1904-1989)

Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904; Pintor y escultor, es uno de los

máximos exponentes del movimiento surrealista. Formado en la Escuela de Bellas

Artes de Madrid, es expulsado por indisciplina.

En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se

adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas

comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en las teorías de

Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas

compositivas insospechadas y sorprendentes.

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una

minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy

brillante y luminoso.

Falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras.

VIDA

1922.

Óleo sobre cartón.

20 x 15 cm.

Propiedad particular.

Vilabeltrán



OBRA

1921.

Óleo sobre lienzo.

22 x 15.6 cm.

Anteriormente Colección E. y A. Reynolds Morse.

The Salvador Dalí Museum. San Petersburgo (FL).

Vista de Cadaqués desde el Mont Pani

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo


OBRA

1936.

Óleo sobre madera.

46 x 66 cm.

Tabla lateral.

Anteriormente Colección Edward James. Museum

Boymans-van Beuningen. Rotterdam.

Afueras de la ciudad del paranoico-crítica: tarde a la orilla de

la historia europea

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo dias

Históricas/Fauvismo


OBRA

1970.

Acuarela. Tinta y collage.

56 x 76 cm.

Propiedad privada.

Amantes pacientes (Aparición de un rostro con tendencia

estereoscópica en un paisaje del Ampurdán

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo


OBRA

ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)

VIDA

Nació en Córdoba en el año 1880, fue famoso por sus cuadros de mujeres.

Hijo del también pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de

Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de

Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por

aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y

conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa

época.

En 1890 pinta los que sería su primera obra conocida La huerta de los Morales

Julio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos

artísticos de Córdoba y España. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en

Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones

de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su

experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.

En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados

fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y

satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos.

En 1907 concurrió con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el

Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa

gitana.

http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Romero_Barros





http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_Bellas_Artes_de_C%C3%B3rdoba











http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIX



http://es.wikipedia.org/wiki/1890

http://es.wikipedia.org/wiki/Espa%C3%B1a


http://es.wikipedia.org/wiki/Madrid




http://es.wikipedia.org/wiki/Madrid

http://es.wikipedia.org/wiki/Italia

http://es.wikipedia.org/wiki/Francia

http://es.wikipedia.org/wiki/Inglaterra

http://es.wikipedia.org/wiki/Pa%C3%ADses_Bajos





Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año

Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los

últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un

espléndido texto de Ramón Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la

Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición

Iberoamericana de Sevilla en 1929, y en múltiples exposiciones individuales en nuestro país y en el extranjero.

A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia

hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro,

realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita

piconera.

El 10 de mayo de 1930 moría Julio Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que

conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que

participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron

patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.


VIDA

También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años

después en la Internacional de Múnich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de

Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le

entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron

premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las

Exposiciones Nacionales. En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de

Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón

español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc.

http://es.wikipedia.org/wiki/Buenos_Aires




http://es.wikipedia.org/wiki/Argentina



http://es.wikipedia.org/wiki/Ram%C3%B3n_Mar%C3%ADa_del_Valle-Incl%C3%A1n





http://es.wikipedia.org/wiki/San_Fernando_(Espa%C3%B1a)



http://es.wikipedia.org/wiki/Exposici%C3%B3n_Iberoamericana_de_Sevilla_(1929)









http://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%ADgado

http://es.wikipedia.org/wiki/Plaza_del_Potro





http://es.wikipedia.org/wiki/10_de_mayo










http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%B3rdoba_(Espa%C3%B1a)

http://es.wikipedia.org/wiki/Barcelona


http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAnich





http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Escuela_de_Bellas_Artes_de_Madrid&action=edit&redlink=1











http://es.wikipedia.org/wiki/Par%C3%ADs

http://es.wikipedia.org/wiki/Londres

1900.

Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas

Artes. Córdoba. España Pereza Andaluza

Siglo XIX. Realismo


OBRA

1900.

Óleo sobre tabla.

63 x 42 cm. La siesta

Siglo XIX. Impresionismo


OBRA

Óleo sobre lienzo.

72 x 47 cm. Mujer asomada a la puerta del jardín



OBRA

GOYA - (FRANCICO DE GOYA Y LUCIENTES)

VIDA

España. (1746-1828).

Pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura

de nuestro país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en

gran parte de la pintura contemporánea.

Goya nació en la localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de

marzo de 1746.

En 1788 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos III y en 1799 ascendió a

primer pintor de cámara.

Sus cuadros de historia se basan en su experiencia personal de la guerra y

trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia

de la crueldad humana. Con los cartones para tapices que realizó a finales de la

década de 1780 revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había

limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. En el invierno de 1792, en

una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de

inflexión en su expresión artística. En 1799, publica su primera serie de grabados: "Los Caprichos", en que, con

profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.

Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre

soldados franceses y ciudadanos españoles.

Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como La

familia de Carlos IV (1800, Museo del Prado), donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual.

Las célebres Pinturas Negras, fueron uno de sus últimos conjuntos pictóricos; reciben este nombre por su espantoso

contenido y no tanto por su colorido. Son las obras más sobresalientes de sus últimos años.

Falleció en Burdeos en 1828.

1820- 1823.

Pintura mural

pasada a lienzo.

140 x 438 cm.

Museo del Prado.

Madrid. España.

La romería de San Isidro. Siglos XIX y XX.

Neoclasicismo/Romanticismo

OBRA


Lienzo.

42 x 90 cm.

Museo del Prado. Madrid. España.

OBRA


La Pradera de San Isidro.

Siglos XVII/ XVIII Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo

1810-1814.

Óleo sobre lienzo.

33,1 x 51,5 cm.

Palacio de la Zarzuela.

Madrid. España.

OBRA


Fabricación de balas Siglos XIX y XX Neoclasicismo/Romanticismo

FRANÇOIS KUPKA - (FRANTISEK KUPKA)

VIDA

Bohemia. (1871-1957)

Nacido en Bohemia en 1871, Frantisek Kupka comenzó su formación en la Escuela

de Bellas Artes de Praga, donde aprendió las formas académicas de la pintura, y

más tarde en la Viena del fin de siglo, entonces capital del Imperio Austrohúngaro y

apasionante escenario habitado por pensadores y artistas como Sigmund Freud y

Gustav Klimt. Allí, sus tempranas aspiraciones espirituales lo llevaron pronto a

interesarse por el simbolismo, que defendía la búsqueda de la verdad universal, la

metáfora como expresión de ideales y la introspección. Este intenso interés por lo

metafísico, así como el compromiso que siempre mantuvo con sus orígenes, marcó

toda su trayectoria artística, que desarrolló principalmente en París, ciudad en la que,

atraído por su halo de modernidad, se instaló en 1896 y donde permaneció hasta su

muerte en 1957.

1902.

Acuarela y aguada sobre

cartón.

40.8 x 50.2 cm.

Nàrodni Galerie. Praga.

República Checa.

La ola Siglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1909.

Óleo sobre lienzo.

79 x 42 cm.

Nàrodni Galerie.

Praga. República

Checa. Las teclas del piano

Siglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1906.

Óleo sobre tela.

68 x 68 cm.

Museé National d'Art

Moderne. París.

Francia.

El árbol

Siglos XIX y XX. Modernismo

OBRA


PICASSO - (PABLO RUIZ PICASSO)

VIDA

España. (1881-1973)

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del

profesor de arte José Ruiz Blasco. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes

de Barcelona, sorprendiendo a sus profesores por su rapidez e intuición: un desnudo

masculino, realizado en un solo día, cuando disponía de todo un mes, le abrió las

puertas. Se trasladó a Madrid, para ingresar en San Fernando, pero se escapa a

Toledo para admirar y saborear a El Greco, recién descubierto. En abril de 1899 vuelve

a Barcelona y se confronta a la vanguardia modernista, aquella horda de rebeldes,

hedonistas y vitales, que leen a Nietzsche y escuchan a Wagner. Se llaman Rusiñol,

Casas, Utrillo. Se traslada a París y elige, como maestros a Gauguin, Toulouse-

Lautrec, Cézanne. Acierta al escoger su nombre de guerra (con dos eses, como

Matisse, Poussin o Rousseau), y acierta al emigrar a otra patria.

La obra de Picasso fue evolucionando en el tiempo permitiendo clasificarla en periodo azul, periodo rosa y cubismo

analítico y sintético. Muchos de sus últimos cuadros están basados en las obras de los grandes maestros del pasado

como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó en cientos de

litografías; se interesó por la cerámica, realizando unas dos mil piezas, además de importantísimas esculturas y

grabados con los que retornó a los temas primitivos: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le

dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el

museo parisino la obra de ningún artista vivo.

Falleció el 8 de abril de 1973, sus restos fueron trasladados al castillo de Vauvenargues, al pie de la montaña Sainte-

Victoire, la amada de Cézanne que asistió a su derrumbe final. Una tormenta de nieve, inesperada y anómala en aquella

época del año, acompañó el entierro, como si la naturaleza, cuyo fruto tempestuoso había sido el artista, quisiera

participar en el adiós.

1896.

Óleo sobre lienzo.

60.7 x 82.5 cm.

Museu Picasso.

Barcelona. España.

Una cantera

Siglo XIX. Realismo

OBRA


1908.

Óleo sobre lienzo.

73 x 61 cm.

Museo del

Hermitage. San

Petersburgo. Rusia.

Casita en un jardín

Siglo XX. Vanguardias

Históricas/Cubismo

OBRA


1903.

Óleo sobre lienzo.

60 x 40 cm.

Colección particular

El palacio de las Bellas

Artes en Barcelona


Históricas/Expresionismo

OBRA


EL GRECO - (DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS)

VIDA

Creta (1540-1614)

Domenikos Theotokopoulos, su verdadero nombre, nació en algún lugar de Creta, posiblemente en Candía,

quizá un uno de octubre, fiesta de san Domenikos en el santoral griego.

En 1566 deja definitivamente su patria para instalarse en la república de Venecia, allí asimila el colorido de

Tiziano, además de la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad,

características de Tintoretto. El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones,

que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas.

A fines de 1570 viaja a Roma, recomendado al cardenal Farnesio por el miniaturista Clovio, al parecer, el cardenal se convirtió en su primer

cliente. Admira en secreto y disiente en público del gran Buonarroti, coincidiendo, aunque sólo por motivos pictóricos, con el parecer de Pío V,

que manda cubrir las desnudeces de la Sixtina. El Greco se sabe mejor pintor que Miguel Ángel y lo dice, atrayendo sobre sí las iras de los

fanáticos. Como miembro de la Academia de San Lucas conoce a prelados españoles que le hablan, sin duda de Toledo y del posible

mecenazgo de Felipe II, el rey que busca artistas para decorar El Escorial de sus retiros.

En 1577 llegó a Toledo donde rápidamente le hicieron encargos. La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Uno de los

máximos exponentes de esa labor es el famoso cuadro "El caballero de la mano en el pecho"

En 1586 pintó una de sus obras maestras, "El entierro del conde de Orgaz", para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. En El entierro se

evidencian el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco, que habrán de acentuarse en

años posteriores. Tales características pueden asociarse con el manierismo que se sigue manteniendo en la pintura del Greco aún después de

desaparecer en el arte europeo. Su visión intensamente personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian

una atmósfera mística similar a la que evocan las obras literarias de los místicos españoles contemporáneos, como santa Teresa de Ávila y

san Juan de la Cruz.

En las obras que realizó desde la década de 1590 hasta su muerte puede apreciarse una intensidad casi febril. Los temas de la mitología

clásica atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales.

Falleció en Toledo el 7 de abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo.

1596-1600.

Óleo sobre lienzo.

121 x 109 cm.

The Metropolitan

Museum of Art. New

York. USA.

Vista de Toledo

Siglo XVI.

Renacimiento/Ma

nierismo

OBRA


1570-1572.

Temple y óleo sobre

tabla.

41 x 47.5 cm.

Museo Histórico de

Creta. Cassa A. y M.

Kalokairinos.

Heraklion.

Vista del Monte Sinaí

Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

OBRA


1608-1614.

Óleo sobre lienzo.

132 x 228 cm.

Casa Museo del Greco.

Toledo. España.

Vista y plano de Toledo

Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

OBRA


CHIRICO - (GIORGIO DE CHIRICO)

VIDA

Grecia. (1888-1978)

Pintor italiano de origen griego, nació en Volo, Grecia, Creó la escuela de

pintura metafísica. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una

gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX

Arnold Böcklin. En 1911se instaló en París donde pintó paisajes urbanos

desérticos. Estas primeras obras metafísicas evocan un mundo onírico

misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y

sombras y de una perspectiva exagerada. Entre 1915 y 1925 de Chirico

pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que

yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica

que luego adoptarían los. Influyó en artistas del movimiento de la talla de

Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de 1930 regresó a

Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió

en un retratista de éxito.

1958.

Óleo sobre tela.

50 x 40 cm.

Plazzo Ducale (Venecia)


Históricas/Realismo

OBRA


1968.

Óleo sobre tela.

80 x 60 cm.

Colección

particular.

Roma. Italia. Baños misteriosos. Fuga hacia el mar

Siglo XX. Pintura Metafísica

OBRA


1971.

Óleo sobre tela.

50 x 70 cm.

Colección

particular. Roma.

Italia.

Sol naciente sobre la plaza

Siglo XX. Pintura Metafísica

OBRA


CEZANNE - (PAUL CEZANNE)

VIDA

Francia. (1839-1906)

Nació el 19 de Enero de 1839 en Aix-en-Provence, al sur de Francia, pero pronto

se fue a estudiar arte a París donde se empezó a sentir atraído por la obra de

Delacroix, Courbet y Manet.

Las primeras obras de Cezanne están pintadas con pigmentos espesos y en tonos

oscuros recordando el expresionismo romántico y melancólico de generaciones

anteriores.

Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la

vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde, descubrió un modo de

representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el

color.

Es considerado como el padre del arte moderno, aunque dejó la mayor parte de

sus obras sin acabar y destruyó muchas otras.

Falleció el 22 de Octubre de 1906 en Aix-en-Provence.

1879.

58,5 x 72,5 cm.

Museo de Orsay.

París. Francia.

El puente de Maincy


OBRA


Aprox. 1884.

Óleo sobre

lienzo.

92 x 73,7 cm.

Pasadena Simon

Museum. Castaños y factoría en el Jas de Bouffan


OBRA


1896.

Óleo sobre

lienzo.

64,2 x 79,1 cm.

Courtauld

Instituto de Arte.

Londres. Inglaterra.

OBRA


Lake Annecy


CLAUDE LE LORRAIN - (CLAUDE GELLÉE)

VIDA

Francia. (1602-1682)

Su verdadero nombre era Claude Gellée, nació en Chamagne (Lorena) en el año

1602 y fue junto con Nicolás Poussin el iniciador del paisaje clasicista en la pintura.

Fue alumno de Agostino Tassi, de quien extrajo los principios de su estilo: el

paisaje y las escenas arquitectónicas sin apenas intervención de la figura humana.

En 1626/1627 se instaló definitivamente en Roma, allí entró en contacto con

Poussin, en 1630 se definió en el estilo del Romanticismo, los edificios de sus

cuadros nada tienen que ver con la Antigüedad romana, son mas bien palacios

renacentistas que le brotaban de la imaginación y que enmarcan su tema

preferido, los puertos, las acciones de embarque y desembarco en horas en que el

sol apunta en la aurora o marcha al ocaso en el crepúsculo, la hora en que la luz

juega en la superficie de las aguas, eso hizo que sus obras tuvieran una enorme

influencia sobre Turner.

Falleció a los ochenta años en Roma y sus restos descansan sobre un bellísimo

paisaje romano, muy cerca de la Villa Borghese, en la Iglesia de Santa Trinitá dei

Monte.

1650.

Óleo sobre

lienzo.

99,5 x 125 cm.

Museo del

Hermitage. San

Petersburgo. Rusia.

El Puerto de la Bahía con Apolo y la Sibila de Cumas

Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo.


OBRA


1637-1639.

Óleo sobre lienzo.

211 x 145 cm.

Museo del Prado.

Madrid. España. Embarco en Ostia



OBRA


Colección Richard

Feiger. New York. USA.

Vista imaginaria de Tívoli



OBRA


KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)

VIDA

Rusia. (1866-1944)

Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866. Sus investigaciones sobre las posibilidades

de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno.

Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte

abstracto.

Profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas,

su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Hacia 1913

comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente

abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo

físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos.

Sus obras las formaban conjuntos de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas

simples. Posteriormente su estilo se hace más elegante y complejo y logra, así, obras de

un bellísimo equilibrio.

Fue uno de los artistas más influyentes de su generación, fue uno de los fundadores de la

Asociación "Der Blaue Reiter (El jinete azul)" del expresionismo.

Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

1905.

Témpera sobre cartón.

67,3 x 99,5 cm.

Museo Nacional de Arte Moderno.

Centre Georges Pompidou. París.

Francia.

Ciudad árabe


OBRA


1909.

Óleo sobre lienzo.

109 x 109 cm.

Städtische Galerie im

Lenbachhaus. Munich.

Alemania.

Montaña



OBRA


1903.

Óleo sobre lienzo.

52 x 54 cm.

Ernst Bührle

Collection. Zürich.

Switzerland.

El jinete azul



OBRA


1910.

Cuadro sobre

vidrio.

30.6 x 40.3 cm.

Städtische

Galerie im

Lenbachhaus.

Munich. Alemania.

Cuadro sobre vidrio con sol



OBRA


VIDA

Méjico. (1886-1957)

Nació en Guanajuato. Realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los

grandes artistas de este siglo. Tras su estancia en España y Francia estuvo influido por

las formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de

Cézanne y otros artistas de la época. En 1921, Rivera regresó a México, donde

representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros

artistas y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la

historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos,

ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente

disponible o a su alcance.

Fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Su fama lo llevó a exponer y

trabajar en Estados Unidos, donde realizó importantes obras.

Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete, con una visión muy alegre y

también sensual del folclore de su país. Dibujante magistral y estupendo colorista,

demostró un gran talento para estructurar sus obras.

Falleció el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de Méjico.

RIVERA - (DIEGO RIVERA)

1909.

Óleo sobre lienzo.

147 x 120 cm.

Museo Nacional de

Arte. MUNAL-INBA.

Ciudad de México.

Casa sobre el puente


OBRA


1904.

Óleo sobre lienzo.

Franz Mayer

Museum. Mexico City.

Mexico.

La Casteñeda o el Paseo

del los Meláncolicos


OBRA


1904.

Óleo sobre lienzo.

100 x 114.6 cm.

Museo-Casa de

Diego Rivera.

Guanajuato.

La Era


OBRA


GAINSBOROUGH - (THOMAS GAINSBOROUGH)

VIDA

Inglaterra. (1727-1788)

Pintor inglés considerado como uno de los grandes maestros del retrato y del paisaje.

Fue el pintor favorito de la aristocracia británica y logró una gran fortuna con sus retratos.

Realizó más de 500 obras, de las que más de 200 son retratos, que se caracterizan por

la noble y refinada elegancia de las figuras, el encanto poético y los colores fríos,

principalmente verdes y azules, de pincelada suelta, delgada y larga en su trazo.

Sus obras están imbuidas de melancolía poética, efecto logrado a través de una luz muy

tenue, clara reminiscencia de los paisajes flamencos del siglo XVII que tanto le influyeron.

Gainsborough pintó también paisajes sin figuras, sobre todo bosques o campos abiertos y

agrestes.

Murió el 2 de agosto de 1788 en Londres.


1768-1770.

Óleo sobre

lienzo.

Museo de Arte

de Filadelfia.

Filadelfia. USA.

Seashore with Fishermen

Siglo XVIII. Barroco/Rococó

OBRA


1781-1782.

Óleo sobre

lienzo.

101,9 x 127,6

cm.

The National

Gallery of Art.

Washington.

USA.

River Landscape with Figures in a Boat

Siglo XVIII. Barroco/RococóSeashore

OBRA


1747.

Óleo sobre

lienzo.

145 x 155 cm.

Museo de Arte

Sao Paulo. Sao

Paulo. Brasil.

Bosque de Cornard


OBRA

JUAN GRIS - (JOSÉ VICTORIANO GONZÁLEZ)

VIDA

España. (1887-1927)

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de

marzo de 1887. Desarrolló su actividad principalmente en París, siendo considerado

como uno de los maestros del cubismo.

En 1906 se trasladó a París, donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Al año

siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, allí comenzó un periodo en el que

desarrolló la técnica del "collage" (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Un

ejemplo típico de su técnica de "collage" es Vasos y periódico.

Después de 1925 utilizó sobre todo el guache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones

para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con

apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias.

1916.

Óleo sobre tabla.

65 x 54 cm. El jardín

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo

OBRA


1911.

Óleo sobre lienzo.

52.4 x 34.3 cm.

The Salomon R.

Guggenheim Museum

of Art. New York.

EEUU. Maisons à Paris


OBRA


1913.

Óleo sobre lienzo.

100 x 65 cm.

Courtesy The

Lefevre Gallery.

Londres. Gran

Bretaña. Paisaje de Ceret


OBRA


MIRÓ - (JOAN MIRÓ)

VIDA

España. (1893-1983)

Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes, para mas tarde estudiar

en la academia de Francesc Galí, pedagogo eminente, que aceptó las limitaciones gráficas del alumno para

potenciar su agudo sentido del color.

En 1919 viaja por primera vez a París. Conoce a Picasso, concluye su Autorretrato que regala al amigo. Ya

instalado en la capital del Sena y de la revolución artística, libera su mundo interior conquistando una nueva

heterodoxia expresiva gracias al frecuente contacto con lo más granado de la vanguardia del momento.

En 1929 contrajo matrimonio con con Pilar Huncosa en Ciutat de Mallorca, con el tiempo vendría su hija

Dolores, y, en 1930 expone en París sus papiers collés que, pocos meses después, le valen la realización de

decorados y figurines para los ballets de Montecarlo.

Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e

imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.

El estilo de Miró fue madurando bajo la influencia de los pintores y poetas surrealistas. Miró parte de la

memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía

surrealista. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con

una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen

sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos

o plumas.

Miró también experimentó con otros medios artísticos, pero las creaciones que han tenido mayor trascendencia,

junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales.

Falleció el día de Navidad de 1983, a las tres de la tarde, en su domicilio palmesano de son Abrines.

1918.

Óleo sobre lienzo.

Museo Nacional

Centro de Arte

Reina Sofia. Madrid.

España. of Art. New

York. EEUU. Casa con palmera


OBRA


1919.

Óleo sobre

lienzo.

Colección

privada.

Chicago. USA. Montroig (El olivar)


OBRA


1923-1924.

Óleo sobre lienzo.

66 x 92,7 cm.

Solomon R.

Guggenheim

Museum. Nueva

York. USA.

La tierra labrada

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo

OBRA


CHAGALL - (MARC CHAGALL)

VIDA

Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le

reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX.

Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de

Vitebsk y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde

permaneció hasta 1914.

El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y

recibió una influencia decisiva del cubismo francés. Sus obras evocan de modo característico

escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas.

Chagall también ilustró obras literarias y terminó las pinturas que decoran uno de los techos

de la Ópera de París. Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de

Francia.

1954-55.

Óleo sobre tela.

149.5 x 105 cm.

Museum

Folkwang. Essen. El campo de Marte

Siglo XX. Escuela de París

OBRA


1952-

1956.

Óleo

sobre lienzo.

Colección

Privada.

Suíza. Vence: Night


OBRA


1917.

Óleo sobre

lienzo.

68 x 74 cm.

Museo

Thyssen-

Bornemisza. La casa gris


OBRA


KLIMT - (GUSTAV KLIMT)

VIDA

Austria. (1862-1918)

Nació en Viena en 1862 y realizó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena.

Su arte, liberado del academicismo, se vió influenciado por pintores simbolistas como

Böcklin, que lo marcan por sus representaciones de escenas oníricas y misteriosas, de

alegorías mitológicas, y por sus visiones de una mujer de quien todos captan la naturaleza

ambivalente, hecha de carne y de quimera, como si Klimt, contemporáneo de Freud, también

quisiera recorrer esos nuevos territorios que son el sueño y el inconsciente.

En 1897 fundó la Secesión Vienesa, un movimiento del Art Nouveau, de la que es nombrado

presidente. La consigna de sus miembros es ".... No conocemos diferencia entre el arte

mayor y menor, entre el arte de los ricos y el de los pobres. El arte os pertenece.......".

En un principio se dedicó a pintar grandes murales para teatros realizados en un estilo

naturalista, pero después se inclinó hacia un estilo mas decorativo y simbólico.

Falleció en 1918.

1912.

Óleo sobre

lienzo.

Galería

Österreichische.

Viena. Austria. Avenue in the Park of Krammer Castle


OBRA


1908.

Óleo sobre lienzo.

102,5 x 102 cm.

The National

Gallery. Praga.

República Checa. Castillo sobre el agua


OBRA


1907.

Óleo sobre lienzo.

Galería

Österreichische.

Viena. Austria.

Poppy Field


OBRA


HOPPER - (EDWARD HOPPER)

VIDA

Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, estado de Nueva York. Su obra marcó un hito en la

historia del realismo americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del

siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la

melancolía.

A las pinturas de su primera época le siguen obras con una línea realista y muestran algunas

de las características básicas que mantendría durante toda su carrera artística: composición

basada en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de

elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales,

horizontales y diagonales.

En 1925 pintó La casa cercana a la estación, obra clave del arte estadounidense que marca

la madurez de su estilo. El modo sólido y directo de marcar formas y ángulos sobre el lienzo

y la utilización resuelta de luces y sombras se mantienen dentro de la línea de su obra

anterior, pero el espíritu que marcaba el tema esencial de la obra era nuevo: expresaba una

atmósfera de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora. En 1931 pintó Habitación de

hotel, donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hooper: el del hotel, el de

la figura aislada en un interior y el del viajero.

Murió el 15 de mayo de 1967 en Nueva York.

1945.

Óleo sobre lienzo.

58,4 x 76,7 cm.

Norton Gallery of

Art. West Palm

Beach. Florida. USA

August in the City

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo

OBRA


1931.

Acuarela

sobre papel.

48,5 x 70 cm.

Museo

Thyssen-

Bornemisza.

Árbol seco y costado de la casa Lombard


OBRA


1935.

Óleo sobre

lienzo.

88,9 x 152,8

cm.

The Brooklyn

Museum.

Brooklyn. New

York. USA.

Macomb's Dam Bridge


OBRA


CANALETTO - (GIOVANNI ANTONIO CANAL)

VIDA

Italia. (1697-1768).

Nació el 28 de Octubre de 1697 en Venecia, en el seno de una familia arraigada en la

ciudad, aunque de origen popular. Bernardo Canal, el padre, era decorador de escena. El fue

quien le inició en los pinceles y quien le llevó a Roma en 1719 cuando fue a realizar la

escenografía de unas óperas. Quizá fue Roma la que despertó en Canaletto su

característico estilo de vedutista naturalista: plasmar en el cuadro con toda fidelidad lo visto

por los ojos y lo corregido por la inteligencia con afán de "fotografiar" la realidad.

En 1720 regresó de nuevo a Venecia, dedicado a describir pictóricamente con todo pormenor

lo que ve. Pinta para vender sus obras al turista extranjero, atraído por la magia de Venecia,

deseoso de llevarse un recuerdo y un testimonio de la visita. Para aumentar la productividad

y satisfacer las exigencias de su marchante Joseph Smith, solicita la ayuda de

colaboradores, entre ellos su sobrino, Bernardo Belloto, que copiará e imitará a su tío.

Canaletto pinta de acuerdo con los gustos de su público ya tocado por el morbo del

racionalismo y de la pseudoobjetividad científica. Incluso llega a utilizar el método de la

cámara oscura para no olvidar ningún detalle y conservar la exacta perspectiva.

En 1746, en busca de nuevos horizontes, se va a Londres, donde ya estaban Tiepolo y

Belloto, el resultado es decepcionante, sus trabajos no muestran la misma calidad que los

que realizara en Venecia o en otras partes de Italia.

Dos años después regresa a Venecia, consigue su ingreso en la Academia veneciana en

1763, pero algo se ha apagado en el alma del pintor que no vibra ante la amada traicionada.

El 20 de abril de 1768 moría entre canales y palacios. Sus restos descansan en Venecia y la

mayoría de sus obras en la Royal Collection británica.

1765.

Óleo sobre

lienzo.

131 x 93 cm.

Galería de la

Academia.

Florencia. Italia. Capriccio-A Colonnade Opening onto the

Courtyard of a Palace


OBRA


1730.

Óleo sobre

lienzo. 47 x 80

cm.

Galería de Arte

de la Abadía de

Woburn.

Massachussetts.

USA .

El Gran Canal entre el palacio Bembo y el

Palacio Vendramin


OBRA


1730.

Óleo sobre lienzo.

172 x 135 cm.

Colección Real del

castillo de Windsor.

Windsor. Inglaterra. La Piazzetta hacia la Torre del Reloj


OBRA


REDON - (ODILON REDON)

VIDA

Francia.(1840-1916)

Nació en Burdeos en el año 1840, a los siete años realizó una visita al museo del Louvre, de

la cual salió tan impresionado que decidió convertirse en artista. En busca de su medio de

expresión comienza estudiando acuarela en Burdeos. Conoce entonces a un botánico que le

inspira un gran amor hacia la naturaleza, que ya nunca le abandonará. En 1857 comienza

sus estudios de arquitectura y escultura en su ciudad natal. Al año siguiente se inicia en la

técnica del aguafuerte. En 1870 se instala en Montparnasse y se vincula estrechamente a

Corot, Courbet y, sobre todo, a Fantin-Latour que, presintiendo su camino, le conduce al

Louvre y le da las primeras lecciones de litografía.

En 1880 se casa con Camille Fargue, con quien formará una idílica pareja y un apacible

hogar que verá nacer a dos hijos. Redon, intimista, introvertido, plasma lo que convive con

su intimidad: los jarrones que soportan espléndidos ramos de flores, las imágenes que

surgen de sus sueños, visiones y pesadillas, siguiendo la ruta de Füssli y Blake.

Participó en la última exposición impresionista de 1886. Con todo, permaneció desconocido

buena parte de su vida, hasta que en 1899 uno de sus admiradores organizó una exposición-

homenaje al pintor. Fue entonces cuando la crítica le alabó y le consagró oficialmente.

Buscando un mayor contacto con la naturaleza, Redon se instaló en Bièvres, cerca de París,

inmerso en su intimidad personal y familiar, consagrado a su contemplación, a sus sueños, a

su honda meditación en torno a lo sencillo y lo fantástico, hasta su muerte en 1916.

Óleo sobre lienzo.

26,5 x 37,5 cm.

Museo de Orsay.

París. Francia.

Breton Port


OBRA


Óleo sobre tela.

72.5 x 53 cm.

The Museum of

Modern Art. Nueva

York. Estados Unidos. Mariposas


OBRA


1906-1907.

Óleo sobre lienzo.

54 x 73 cm.

Colección Privada.

Red Boat with Blue Sail


OBRA


11. kandinsky - · pdf filecuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los...

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