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TEMA 11 BIOGRAFIAS HISTORIA DOCUMENTAL
FREE CINEMA – CONCEPTO
http://www.cinematismo.com/free-cinema/free-cinema/
Free Cinema
Autor: Nestor O. Comments(3)
Free Cinema fue un movimiento de películas documentales que emergió en Inglaterra en la década de 1950. Cofundado por Lindsay Anderson con Karen Reisz, Tony Richardson y Lorenza Mazzetti, el movimiento comenzó con un programa de sus cortos en el National Film Theatre en Londres el 5 de febrero de 1956. el programa tuvo tanto éxito que cinco programas mas aparecieron bajo el nombre de Free Cinema antes que los fundadores decidieran llamarlo de esa manera en 1959.
El primer programa de Free Cinema presentó solo tres películas: O Dreamland de Anderson, sobre un parque de diversiones en Margate en Kent, Momma Don´t Allow, de Reisz y Richardson, sobre un club de Jazz del norte de Londres, y Together de Mazzetti, una
ficción estilo documental sobre un par de sordomudos en los bombardeos del East End de Londres. Las películas fueron acompañadas con un manifiesto provocativo, escrito principalmente por Anderson, el que ayudo a conseguir valiosa publicidad para los cineastas. Los programas posteriores atrajeron a otros cineastas con similares pensamientos, entre ellos Alain Tanner y Claude Goretta (con Nice Time), Michael Grigsby y Robert Vas. Los dos técnicos asociados cercanamente al movimiento eran Walter Lassally y John Fletcher. Tres de los seis programas fueron consagrados a trabajos extranjeros, incluyendo la emergente Nouvelle Vague francesa y el Nuevo Cine Polaco.
Las películas eran “libres” desde el punto de vista de que habían sido realizadas fuera de los confines de la industria filmográfica y fueron distinguidos por su estilo y actitud y por sus condiciones de producción. Todas las películas fueron hechas muy baratas, por no mas de un par de cientos de libras, muchas de ellas con becas del British Film Institute´s Experimental Film Fund, aunque algunas de las películas posteriores fueron patrocinadas por la Ford Motor Company o con fondos independientes.
Fueron filmadas en blanco y negro en película de 16 mm, usando cámaras livianas de mano, usualmente con una pista de audio no sincronizada y agregada separadamente. La mayoría de las películas deliberadamente omitían la narración. Los cineastas compartían una determinación de enfocar en lo ordinario, en gran parte la clase trabajadora británica, con los que sentían que habían sido pasados por alto por la industria cinematográfica británica dominada de aquel tiempo por la clase media, mostrando una rara simpatía y respeto, y un conciente estilo poético.
Los fundadores eran altivos con la corriente dominante de los documentalistas en Inglaterra, particularmente el British Documentary Movement de las décadas de 1930 y 1940 asociado con John Grierson, aunque admiraban a Humphrey Jennings. Otra reconocida influencia fue el director francés Jean Vigo. Free Cinema porta algunas similitudes con, pero con muchas mas diferencias, con los movimientos del cinéma vérité y el Direct Cinema.
El Free Cinema fue una importante influencia en el British New Wave de finales de la década de 1950 y comienzos de 1960, y todos los fundadores excepto Mazzetti realizaron películas asociadas con el movimiento, Reisz con Saturday Night and Sunday Morning (1960), Richardson con A taste of Honey (1961) y The loneliness of the Long Distance Runner (1962) y Anderson con This Sporting Life (1963).
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque2/pag8.html
2.8 Free CinemaReaccionando frente a la tradición cinematográfica y dramatúrgica británica, un grupo de autores propuso, a fines de la década de los cincuenta, una renovación de esas actividades, atendiendo en mayor grado a los temas que interesaban a las clases más populares. Ese conjunto de creadores recibió el nombre de "Los jóvenes airados", y uno de sus principales activistas e impulsores fue el escritor John Osborne. En torno suyo, fueron reuniéndose varios cineastas, influidos por las nociones puestas de actualidad por la nouvelle vague francesa. Su intención de elaborar un cine socialmente comprometido dio lugar a la corriente denominada british social realism (realismo social británico), también llamado free cinema, que no era sino un modo de reaccionar a la artificialidad narrativa de Hollywood.
Entre los más distinguidos defensores de la nueva tendencia figuraban los críticos de las revistas "Sequence" y "Sight and Sound", quienes propusieron como pauta el largometraje Un lugar en la cumbre (1959), de Jack Clayton, producido por James y John Woolf Remus, e inspirado en una novela de John Braine.
Los fundadores de "Sequence" eran Lindsay Anderson, Gavin Lambert, Tony Richardson y Karel Reisz, y entre sus principales intenciones figuraba la puesta en práctica del manifiesto inaugural del grupo, publicado en 1957. Muy conocido en el ámbito teatral, Anderson rodó varios documentales que recogían los principios del movimiento. Entre ellos figuran Foot and mouth (1955) y Every day except Christmas (1957). A éstos cabe añadir dos largometrajes, El ingenuo salvaje (1963) e If... (1968). Precisamente el protagonista de este último filme, Mick Travis (encarnado por Malcolm McDowell) fue recuperado por Anderson en dos películas posteriores, O Lucky man! (1973) y Britannia Hospiral (1982), donde insistía en su crítica a los estamentos más poderosos de la sociedad británica.
Reisz, de origen checo, publicó en "Sequence" y "Sight and Sound" varios artículos en torno a la narración cinematográfica. Como fruto de ese interés, dio a conocer en 1953 su libro "The technique of film editing", escrito junto a Gavin Millar. Los primeros pasos de Reisz en el cine los dio con Lindsay Anderson y Tony Richardson. Junto a Richardson rodó el documental Momma don’t allow (1955). Posteriormente, estrenó We are the Lambeth Boys (1959) y un largometraje de ficción, Sábado noche, domingo mañana (1960). No obstante, títulos posteriores de su carrera, como Isadora (1969) y La mujer del teniente francés (1981), escapaban del ámbito del free cinema.
Tony Richardson era director teatral, había trabajado en la BBC como productor entre 1952 y1955, y elaboró junto a Reisz el mencionado proyecto de Momma don’t allow. Bien recibido por la crítica, este documental se comercializó en 1956, el mismo año en que John Osborne estrenaba la obra teatral "Mirando hacia atrás con ira", donde cristalizaba el mensaje provocador de los "jóvenes airados". Richardson, encargado de dirigir la puesta en escena, filmó luego su adaptación cinematográfica, Mirando hacia atrás con ira (1959), a la que siguieron nuevas muestras del free cinema como El animador (1960), Réquiem por una mujer (1961) y La soledad del corredor de fondo (1962).
La influencia del free cinema nunca ha desaparecido del cine británico. Entre sus más importantes herederos figuran Ken Loach y Stephen Frears, quien precisamente comenzó su carrera profesional junto a Lindsay Anderson y Karel Reisz. Filmes de Frears como Mi hermosa lavandería (1985), Ábrete de orejas (1986) y Sammy y Rose se lo montan (1987) proclaman la vigencia de algunos de los principios que defendió el grupo original.
Sábado noche, domingo mañana.
Mirando hacia atrás con ira.
Fuente fotografías:© García Fernández, Emilio C. Historia
ilustrada del cine español. Madrid: Planeta, 1985. Archivo Emilio Gar
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Free cinema
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Free Cinema fue un movimiento cinematográfico británico que nació en los años 1950 y se prolongó hasta la década de 1960 y que se caracterizaba por implementar una estética realista en el cine de ficción y documental ocupándose de retratar historias creadas a partir de lo cotidiano y comprometido con la realidad social de aquel entonces,1 siendo una reacción a la artificialidad narrativa de Hollywood y a la dramaturgia británica. El movimiento fue influenciado por la Nouvelle Vague francesa.2
Historia
La industria del cine inglés va a ser la primera en sufrir las consecuencias de la arrolladora expansión de la televisión en Europa. En 1947 el país contaba con tan sólo 16.000 receptores, la cifra de sus espectadores en los cines era de 1.462 millones; diez años más tarde, en 1957, el número de televisores había crecido a 7.100.000 y el de espectadores en las salas de exhibición había descendido a 915 millones. Ante este calamitoso retroceso y en la imposibilidad de competir con los colosos americanos, el cine inglés busca nuevas soluciones y una de ellas será la de actualizar el cine de terror, aderezado esta vez con el empleo del color, que va a permitir crear efectismos cromáticos tenebrosos o potenciar el dramatismo del rojo de la sangre, donde va a sobresalir la figura de Christopher Lee como un vampiro “sexy” y de aspecto gótico. Mientras los “horror films” consiguen que haya largas colas en las entradas de las salas de cine, un grupo de jóvenes pasa a la acción creando el movimiento independiente Free Cinema.
Casi paralelamente a la Nouvelle Vague, se desencadenan una serie de acontecimientos en Gran Bretaña. La revista Sight and Sound publica en 1955 un artículo de Penélope Houston, que se titula “El país sin descubrir”, donde va a denunciar que el cine británico no refleja en ese momento histórico la escena contemporánea. Este objetivo lo van a pretender alcanzar tres directores con su “free cinema”, cine libre, fuera de toda coacción formal, moral o política y gracias al apoyo del Instituto Británico del Cine.
Características
El Free Cinema busca, siguiendo la línea del cine documental y del neorrealista italiano, acercarse a los seres anónimos de la sociedad, mediante un tipo de cine rodado con pequeños equipos y al margen de los estudios, con un coste inferior al de un simple noticiario y empleando la música de jazz para sus bandas sonoras.
Los primeros títulos del nuevo cine serán Together, de Lorenza Mazetti, triste historia sobre una pareja de sordomudos; O Dreamland, de Lindsay Anderson, estudio sobre los visitantes de un parque de atracciones y Momma don´t allow, de Karel Reisz y Tony Richardson, crónica de una velada en un club de jazz por parte de un grupo de jóvenes. Estas tres películas se presentan conjuntamente en el Instituto Británico del Cine en febrero de 1956, dándose lectura en el acto al “Manifiesto de los Jóvenes Airados”, (Angry Young Men), que es un grupo de jóvenes procedentes del teatro, capitaneados por John Osborne, que va a fundar Woodfall Film, la productora que intente conceder una independencia al movimiento.
Estas películas resumirán ya el punto de vista de los nuevos realizadores, que se va a dar a conocer en la revista Sequence. Destaca en sus obras un inconformismo social, una crítica dirigida a la burguesía y a la sociedad, con un fondo de amargura e ironía. Poseen asimismo un reflejo de la tristeza de la vida urbana absolutamente mecanizada, denuncian el aislamiento del ser humano, a pesar de los avances sociales, muestran un compromiso social valiente con un enfoque humano, y demandan un cine auténticamente independiente, todo ello contado de manera realista.
En el plano formal, su cine evolucionará desde el respeto absoluto al hecho contado, no hay que olvidar que se forman con el documental, hasta el cine de ficción con el empleo de efectos expresivos muy libres.
Películas representativas
Las películas más representativas del nuevo cine británico serán:
Un lugar en la cumbre, 1958, de Jack Clayton narra la historia de un arribista capaz de cualquier cosa con tal de ascender peldaños en la sociedad.
Un sabor a miel, 1961, de T. Richardson, ácida historia de una adolescente embarazada por un negro que vive con un homosexual.
Sábado noche, domingo mañana, 1960, de Karel Reisz, narra la vacía vida de un obrero, cuya única aspiración es divertirse los fines de semana.
La soledad del corredor de fondo 1962, de Tony Richardson, acerca de un joven de clase obrera que afronta la contradicción de una "privilegiada" vida dentro del reformatorio.
El ingenuo salvaje, 1963, de L.Anderson, que narra la vida un minero, que juega al rugby, y se siente frustrado en la sociedad de consumo.
Una excepción a esta sombría visión de la tópica imagen de la sociedad británica la constituirá el cine-pop de Richard Lester, diferente en la forma pero no en el fondo. Procedente de la televisión americana, introduce humor y desenfado para criticar las instituciones y las costumbres británicas, como en “Que noche la de aquel día”, que protagonizan los Beatles. Esta película libera la puesta en escena, la continuidad narrativa es sustituida por una serie de momentos expresivos.
Los componentes del Free Cinema terminarán siendo absorbidos por el atractivo de Hollywood, realizando en Estados Unidos diversas películas de ficción.
Referencias 1. ↑ Free Cinema": realismo a la inglesa 2. ↑ Free Cinema
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Free_cinema"
CRONOLOGIA
1.
1929 1929 - Alain Tanner nació en Ginebra (Suiza), en 1929. Luego de estudiar en el Centro Experimental de Cinematografía de Roma, se fue a Londres durante el apogeo del Free Cinema y filmó el corto Nice Time, junto a Claude Goretta.De Secciones | Muestra Internacional de Cine Independiente de Mar del … - Páginas web relacionadaswww.festivalmdp.org/2006/peliculas.html?film ...
1950 1950 - Además de ambas competencias los ejes artísticos del certamen serán la muestra dedicada al Free Cinema, un movimiento de películas documentales que surgió en Inglaterra en la década de 1950, entre cuyos integrantes figuran Lindsay Anderson, Karen Reisz, Tony Richardson y ...De La Bata - Páginas web relacionadasdiarionco.com/blog/index.php?blog=15&paged=5
1956 1956 - Free Cinema Free Cinema En 1956, nace el movimiento independiente Free Cinema con películas que tratan de recuperar la gp tradición del cine documental. A este grupo se unirán unos cineastas descontentos con el conformismo y la hipocresía de la sociedad en ...
De Historia cine - Páginas web relacionadaswww.scribd.com/doc/14845564/Historia-cine
1959 1959 - El movimiento se agotó en 1959 en un sentido literal: los realizadores decidieron no continuar adelante con esa compleja y agotadora forma de hacer cine al margen del sistema de producción industrial, seguida siempre de una lucha para lograr que las películas fueran ...
De Vértigo | Videopatías - Páginas web relacionadaswww.revistavertigo.info/video/freecinema.html
1960 1960 - La película es considerada como la primera social-realista o “kitchen sink dramas” de la década de 1960. Otros títulos incluyen La soledad del corredor de fondo y Un sabor a miel de Tony Richardson, y Esa clase de amor y Billy Liar de John Schlesinger. Estaba a ...
De abril 2009 - Páginas web relacionadasscalisto.blogspot.com/2009_04_01_archive.html
1964 26 Jun 1964 - Se estrenó el 26 de junio de 1964. Fue rodada usando un estilo cercano al de los jóvenes airados del free cinema y producida en ...
De beatles: Buscador de ELPAÍS.com - Páginas web relacionadaswww.elpais.com/buscar/beatles/2009/Octubre/31 ...
1994 2 Sep 1994 - EL «FREE CINEMA».- El free cinema fue un movimiento un tanto informal y con escaso soporte teórico, pero con suficiente vitalidad como para conmover al ... El free cinema llamó la atención internacional a fines de los 50 con los primeros largos de Tony Richardson y Karel Reisz. ... De El alma, letra y espíritu del «cine libre» - Páginas web relacionadaswww.elmundo.es/papel/hemeroteca/1994/09/02 ...
2004 3 Jun 2004 - Durante el festival también se han verán los ciclos
'Reyes de la risa', con filmes de cómicos de la primera época del cine, y 'Movimientos creativos del cine', con películas del expresionismo alemán, el 'Free Cinema' y el movimiento 'Dogma'. Otros nuevos ciclos son 'Fantasgore', ... De … y Maribel Verdú serán homenajeados en la Mostra de Valencia- Cinema … - Páginas web relacionadaswww.elmundo.es/elmundo/2004/06/03/cultura ...
2006 23 Ago 2006 - Precisamente, Luis Carlos Allo, profesor de Literatura de la Universidad de Valladolid, ha presentado este año una tesis doctoral sobre el Free Cinema, que el British Film Institute publicará próximamente, lo que la convierte en la primera que se hace sobre este periodo cinematográfico ... De El Curso de Cine llega a su final dedicando un ciclo al Free Cinema … - Páginas web relacionadaswww.universia.es/portada/actualidad ...
2008 26 Mar 2008 - Ciclos: Nuevo cine americano - Henry King. Directores de emociones (en colaboración con la academia de cine) - y estrenos. Hoy miércoles: 17:00 - El cisne negro de Henry King. 98Ž VO inglesa. 19:30 - Las trece rosas de Emilio Martínez Lázaro Presentación y coloquio del director. ... De Raoul Walsh, David Lean, Jean Rouch, y el Free cinema en la Filmoteca … - Páginas web relacionadaswww.eldiariomontanes.es/20080326/cultura/cine
ROBERT DREW
http://translate.google.es/translate?hl=es&sl=en&u=http://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Drew&ei=ArthS8CxM4u14Qa4y8DeCw&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=2&ved=0CA8Q7gEwAQ&prev=/search%3Fq%3DRobert%2BDrew%26hl%3Des%26rlz%3D1T4SKPB_esES310ES312
Robert Drew
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Robert Lincoln Drew (15 de febrero de 1924) en Toledo, Ohio) es un cineasta de documentales estadounidense conocido como el padre del cinema verité, el cine o directo, en los Estados Unidos. Muchas de sus películas están archivados en la Academia de cine.
Una de sus películas más célebres fue Primaria (1960), un documental acerca de la elección primaria de Wisconsin entre Hubert Humphrey y John F. Kennedy. Es considerado como uno de los primeros documentales de cine directo.
Drew formado Associates Drew en la década de 1960, la contratación de mucha gente que fue a la carrera documental de sus propios, incluyendo Richard Leacock y DA Pennebaker. De Crisis: Detrás de un compromiso presidencial, Drew convenció al presidente John F. Kennedy a dejar que su tripulación dispara con sinceridad en la Casa Blanca, y Drew Associates cineastas (incluyendo Gregory Shuker y Richard Leacock) tomó cámaras en la Oficina Oval y en la casa de Alabama Gobernador George Wallace. La película incluye franca reuniones presidenciales sobre la crisis precipitada por Wallace cuando planeaba bloquear físicamente la entrada de dos de África-los estudiantes de América a la Universidad de Alabama. El programa fue presentado en octubre de 1963 en ABC y provocó una tormenta de críticas sobre la admisión de las cámaras en la Casa Blanca.
Drew ha realizado decenas de documentales en el último medio siglo, ganador de importantes premios en todo el mundo. Sus temas se han incluido los derechos civiles, otras cuestiones sociales, política, música, danza y mucho más. Su más reciente fue el de dos hombres y una guerra, que relata su experiencia como piloto de la Segunda Guerra Mundial combate y sus encuentros con el Premio Pulitzer, ganador del periodista Ernie Pyle.
Enlaces externos Drew Associates página web (nota: hay un montón de historia en el libro de imágenes Entrada acerca de Drew en el Museum of Broadcast Communications
Búsqueda por Robert Drew aquí para un artículo informativo de 2003 Nueva York Press
Robert Drew en la Internet Movie Database
Entrevista con Robert Drew en IFC.com
Literatura Dave Saunders, Direct Cinema: observación documental y la política de los años
sesenta, Londres, Wallflower Press 2007
RICHARD LEACOCK
http://translate.google.es/translate?hl=es&sl=en&u=http://www.richardleacock.com/14862/About-Richard-Leacock&ei=-bthS7y7GozV4gaywPjmCw&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=2&ved=0CBAQ7gEwAQ&prev=/search%3Fq%3DRichard%2BLeacock%26hl%3Des%26rlz%3D1T4SKPB_esES310ES312%26sa%3DN
Acerca de Richard Leacock Nacido en Londres, 18 de julio de 1921, Leacock creció en las plantaciones de banano de su padre en las Islas Canarias hasta enviados a internados en Inglaterra a la edad de ocho años. No había forma de decirle a sus compañeros de clase lo que era vivir en las Islas Canarias.
Se inició en la fotografía con una cámara de placa de vidrio, construyó un cuarto oscuro, desarrolló sus fotos, pero no se cumplió. A los 11 años se le mostró una película muda "TURKSIB" sobre la construcción del ferrocarril siberiano Tran. Estaba aturdido, y se dijo: "Todo lo que necesitas es una cámara de cine y puedo hacer una película que muestra lo que es estar allí".
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De 14 años, hizo CANARIAS plátanos (10 min. 16 mm, en silencio) con guión, dirigido, filmado y editado por él. Te dice todo lo que necesitas saber sobre el cultivo del plátano, pero no, en su opinión, le dan "la sensación de estar allí".
Pasó el resto de su vida tratando de lograr este objetivo.
Después de haber filmado en las Islas Canarias y luego en las Islas Galápagos, (1938-9) para la expedición ornitólogo David Lack, se trasladó a los EE.UU. y se licenció en Física en la Universidad de Harvard con el fin de dominar la tecnología del cine. Mientras tanto se desempeñó como camarógrafo y editor asistente en otras películas de los pueblos, en particular, Hear Your BANJO PLAY 1941, filmando un festival de música folk en la cima de una montaña en el sur de Virginia, donde no había electricidad, con una cámara de 35mm de estudio y de película de 35mm grabador de sonido, un logro poco común en ese momento. Tres años de lucha contra el fotógrafo en Birmania y China, seguidos por 14 meses como camarógrafo en la historia de Robert Flaherty, en Luisiana, una experiencia extraordinaria de inmenso valor para su trabajo futuro.
Muchos puestos de trabajo relativamente convencional seguidos, hasta 1954. Se le preguntó entonces a hacer un reportaje sobre un teatro de carpa que viajan en Missouri: la primera película que escribió, dirigió, fotografió y editó él mismo, ya que Canarias Banano.
Esta película, TOBY y el maíz TALL, continuó el programa de televisión cultural, combinadas, en horario
de máxima audiencia y lo puso en contacto con Robert Drew, editor de la revista Life en búsqueda de un enfoque menos verbal reportaje de televisión. Otro desconocido, Roger Tilton quería filmar una noche de gente bailando la música de Dixieland de forma espontánea. Leacock filmado JAZZ DANCE para él, utilizando mano de técnicas de combate. El resultado fue una película magníficamente editado que realmente le dio la sensación de estar allí, y todavía lo hace.
Pero no se podía diálogo película de esta manera.
La búsqueda de alta calidad, móviles, equipos de sincronizada para facilitar la observación estaba en marcha. Tomó tiempo, dinero, y la física para resolver los problemas. En 1960 esto se logró y dio lugar a la película de Robert PRIMARIA Drew, una observación íntima de una elección primaria con John F. Kennedy y Hubert Humphrey en Wisconsin. Una nueva forma de hacer cine que, en efecto, dar la sensación de estar allí. Incluido el diálogo sincrónico.
Seguido de una avalancha de películas maravillosas, hechas con Drew, Pennebaker, Maysles, et al. Pero las redes de EE.UU. no se mostraron impresionados, mientras que en Francia en la Cinemateca Francesa, cuando Drew y Leacock controlados PRIMARIA y en el polo, Henri Langlois presentó el cine como "tal vez el documental más importante desde los hermanos Lumiére"!
Después de la proyección, un monje de túnica se acercó a ellos y dijo: "Ha inventado una nueva forma. Ahora hay que inventar una nueva gramática!"
Cuando Drew se fue a trabajar para la cadena ABC de televisión ", Leacock, Pennebaker" se formó y produjo FELIZ DIA DE LA MADRE, NO Look Back, Monterrey Pop, A PORTRATI Stravinsky y muchos otros que termina con los restos de Jean Luc Godard 1-AM. --- 1-PM.
En 1968 fue invitado a unirse a Ed Pincus la creación de una escuela de cine de nuevo en el MIT. Pequeño, pero adaptados a sus métodos de trabajo. Desde la filmación de 16 mm llegando a ser tan caros que desarrollaron en super-8 sincronización con equipos de cine en masa vez producido cámaras que eran mucho más baratos. Funcionó, pero no fue realmente satisfactoria.
Muchos cineastas excelente surgido como Ross McElway (Sherman's March), entre otros.
1989, la jubilación y la mudanza a París, donde conoció a Valerie Lalonde y, juntos, hicieron les oeufs A LA COQUE DE Richard Leacock, (84 minutos) la primera película rodada con grandes de vídeo minúscula-8 Handycam ir en prime-time de televisión en Francia.
Una combinación de talento y el amor que sigue a la era digital con ellas, la realización de películas de su elección, sin las presiones de los productores de televisión, las películas que finalmente te dan "la sensación de estar allí".
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Octubre de 2008 (1.039 visitas)
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Richard Leacock
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Richard Leacock en enero de 2009.
Richard Leacock (nacido el 18 de julio de 1921, Londres) es un director de cine documental y uno de los pioneros del cine directo y Cinéma Vérité
Biografía
Leacock (conocido por sus amigos como "Ricky"), creció en una plantación de plátanos en la Islas Canarias (la familia Leacock, aunque Inglés, han sido implicados en la producción de vino de Madeira y el banano en las islas españolas y portuguesas), hasta enviados a la escuela en Inglaterra. Asistió a la Escuela de Bedales, entonces Dartington Hall School desde 1929 hasta 1938, donde ayudó a formar una unidad de
películas de estudiantes, e hizo su primera película, Plátanos de Canarias, a ocho minutos del cine mudo.
Se casó con la antropóloga Eleanor Burke, Kenneth Burke 's hija en 1941. El matrimonio duró hasta 1962.
Para aprender más sobre la base técnica de la cinematografía, estudió Física en la Universidad de Harvard. Durante la guerra fue un fotógrafo de combate para el ejército de EE.UU.. En 1946, Robert Flaherty lo contrató como camarógrafo de Louisiana Story. En la década de 1960 Leacock, Robert Drew, DA Pennebaker y otros, fundó Associates Drew. Pennebaker había también una formación técnica y Drew trabajó como productor. Juntos desarrollaron un nuevo estilo de hacer cine basado en el sonido sincrónico y el uso de las cámaras ligeras.
Leacock izquierda Drew Associates en 1963 para fundar su propia empresa de producción, junto a Pennebaker. En 1969 fue nombrado jefe del departamento de cine en el MIT, que presidió hasta 1988. En la década de 1990 Ricky se trasladó a París, donde vive con Valerie Lalonde, y donde se produjo la película "Les oeufs a la coque" para la televisión francesa.
En su formulación más ingenua, cine directo era un intento de la película "la vida tal como es." Leacock, pero no es un cineasta ingenuo. En 1988 concluyó una entrevista con las siguientes observaciones:
"He empezado a pensar en el cine documental en lugar de hacerlo, y creo que durante mucho tiempo he estado enseñando cosas que yo no realmente cree mi pensamiento ha cambiado mucho. No estoy seguro cómo enseñar el cine documental, no estoy muy seguro de lo documentales. Creo que me estoy empezando a prestar más atención a lo que quiero y menos atención a lo que la gente quiere que haga ".
"Mi ambición en la toma de la película es para compartir la sensación de estar allí con mi público".
Filmografía Canary Island Bananas (1935) Louisiana Story (1948), dirigida por Robert J. Flaherty, fotografía Leacock
Bruselas Loops (1957) codirigida con Shirley Clarke, Wheaton Galentine, y DA Pennebaker,
Primaria (película) (1960), dirigida por Robert fotografía Drew por Leacock
Día de la Madre de Alegre (1963) co-dirigida con Joyce Chopra
Lambert, Hendricks & Co. (1964) codirigida con DA Pennebaker,
Un retrato de Stravinsky (1966) codirigida con Rolf Liebermann
La banda de rodadura (1972)
La reconstrucción de una casa antigua de Japón (1981) codirigida con Rachel Strickland
De la Comunidad de Alabanza (1982) codirigida con Marisa Silver
Lulu en Berlín (1984) codirigida con Susan Woll - Louise conversaciones Brooks acerca de su colaboración con Georg Wilhelm Pabst
Les oeufs à la coque (1991) (para la televisión francesa-alemana ARTE) codirigida con Valérie Lalonde
Les vacances de Monsieur Leacock (1992) codirigida con Valérie Lalonde
Ensayo: La muerte de Cariola (1992) codirigida con Valérie Lalonde
Gott sei Dank - Ein Besuch bei Helga Feddersen (1993)
Félix y Josefina (1993)
Una celebración de Saint Silas (1993)
Un agujero en el Mar (1994) codirigida con Valérie Lalonde
Una aventura musical en Siberia (2000)
Películas sobre Leacock Ein für Film und Bossak Leacock (1984) - documentalista alemán Klaus Wildenhahn 's
homenaje a Richard Leacock y Jerzy Bossak
Bibliografía Leacock (1988), Entrevista en: Mo Beyerle, Christine N. Brinckmann (editores), Der
Amerikanische Dokumentarfilm der 60er Jahre. Cine directo und Radical Cine, Frankfurt am Main, New York: Campus, 1991, p. 124-133
Mamber, Stephen (1974), Cinéma Vérité en Estados Unidos. Estudios no controlados en el documental, Cambridge, Mass.
Dave Saunders, Direct Cinema: observación documental y la política de los años sesenta, Londres, Wallflower Press 2007
Enlaces externos RichardLeacock.com Richard Leacock en el Internet Movie Database
Richard Leacock - Actor, Cámara, Fotografía - Variedad de perfiles de
FRED WISEMAN
ENTREVISTA BLOGS AND DOCS:
http://www.blogsandocs.com/?p=294
http://es.wikipedia.org/wiki/Frederick_Wiseman
Frederick Wiseman
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Frederick Wiseman discutiendo sobre su trabajo en el Teatro Herbst el 13 de junio de 2005
Frederick Wiseman (1 de enero de 1935, Boston, Massachusetts, U.S.A.) es un director de cine documental. Nacido en el seno de una familia judía, llegó al cine documental después de finalizar su formación como abogado.
En 2006, se le otorgó el Premio George Polk Career concedido anualmente por la Universidad de Long Island para recompensar las contribuciones a la integridad periodística y los reportajes de investigación.
El cine de Wiseman
El primer largometraje producido por Wiseman fue The Cool World en 1963. Después produjo y dirigió Titicut Follies. Desde entonces ha producido y dirigido todas sus películas desde entonces. Todas retratan instituciones estadounidenses y han sido emitidas en la PBS, la cadena estadounidense de televisión pública, una de las principales entidades que han financiado sus proyectos.
El estilo de las películas de Wiseman se considera a menudo modo observacional, que tiene sus raíces en el cine directo. Sin embargo, a Wiseman no le gusta este término:
Lo que intento hacer es montar las películas de forma que tengan una estructura dramática, razón por la cual rechazo hasta cierto punto el término cine observacional o cinéma vérité porque , para mí, el cine observacional connota el hecho de moverse por ahí considerándolo todo igual de importante, y eso no es cierto. Por lo menos yo pienso que esto no es cierto y que el cinéma vérité es simplemente un término pomposo francés que según mi opinión no significa nada. Aftab, Weltz
La distribuidora de las películas de Wiseman es Zipporah Films, Inc.
Premios 2006 - Premio George Polk Career concedido anualmente por la Universidad de Long
Island para recompensar las contribuciones a la integridad periodística y los reportajes de investigación.
Filmografía 2009 - La danse 2006 - State Legislature
2005 - The Garden
2002 - Domestic Violence 2
2002 - La Dernière lettre / The Last Letter
2001 - Domestic Violence
1999 - Belfast, Maine
1997 - Public Housing
1996 - La Comédie-Française ou L'amour joué
1995 - Ballet
1994 - High School II
1993 - Zoo
1991 - Aspen
1989 - Central Park
1989 - Near Death
1987 - Blind
1987 - Missile
1986 - Adjustment and Work
1986 - Deaf
1986 - Multi-Handicapped
1985 - Racetrack
1983 - The Store
1980 - Model
1980 - Seraphita's Diary
1979 - Manoeuvre
1978 - Sinai Field Mission
1977 - Canal Zone
1976 - Meat
1975 - Welfare
1974 - Primate
1973 - Juvenile Court
1972 - Essene
1971 - Basic Training
1971 - I Miss Sonia Henie
1970 - Hospital
1969 - Law and Order
1968 - High School
1967 - Titicut Follies
1963 - The Cool World (como productor)
Refererencias Aftab, Kaleem; Weltz, Alexandra http://www.iol.ie/~galfilm/filmwest/40Wiseman.htm Lucía, Cynthia (October 1994). «Revisiting High School - An interview with Frederick
Wiseman» Cinéaste. Vol. 20. n.º 4. pp. 5–11.
Peary, Gerald (March 1998). «Frederick Wiseman». Consultado el 2007-11-12.
Poppy, Nick (2002-01-30). «Frederick Wiseman» Salon.com. Consultado el 2007-11-12.
Spotnitz, Frank (May 1991). «Dialogue on film» American Film. Vol. 16. n.º 5. pp. 16–21.
Wiseman, Frederick (April 1994). «Editing as a four-way conversation» Dox: Documentary Film Quarterly. Vol. 1. pp. 4–6.
Bibliografía Thomas W. Benson and Carolyn Anderson, Reality Fictions: The Films of Frederick
Wiseman, 2nda edición (Carbondale: Southern Illinois University Press, 2002). (Historia y crítica de cine exhaustivas).
Dave Saunders, Direct Cinema: Observational Documentary and the Politics of the Sixties, London, Wallflower Press 2007 (Incluye una larga sección sobre las cinco primeras películas de Wiseman)
Barry Keith Grant, Voyages of Discovery: The Cinema of Frederick Wiseman, University of Illinois Press, 1992. (Wiseman's oeuvre: 1963-1990)
Enlaces externos En español
Entrevista a Frederick Wiseman Nunca he créido en la verdad , 6 de mayo de 2009 El País
Wiseman en Documentamadrid09
En inglés IMDb profile Zipporah Films Distribuidor oficial de la obra de Wiseman
Frederick Wiseman's Fair Movies Ensayo de John Bachir (.pdf)
Interview at Reason Magazine
Interview with Wiseman en Not Coming To a Theater Near You
Reflections in a Golden Eye el ensayo Sight & Sound de Nicolas Rapold
ALAN PENNEBAKER
http://translate.google.es/translate?hl=es&sl=fr&u=http://fr.wikipedia.org/wiki/Donn_Alan_Pennebaker&ei=0b1hS9b9JI7z4ganwtj0Cw&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=9&ved=0CDUQ7gEwCA&prev=/search%3Fq%3DAlan%2BPennebaker%26hl%3Des%26rlz%3D1T4SKPB_esES310ES312
Donn Alan Pennebaker
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DA Pennebaker
Hablar de Dylan en Nueva York
Donn Alan Pennebaker (Pennbaker o DA) es un director de cine estadounidense nacido en 1925 en Evanston, Illinois.
Famoso por sus documentales de música que ha hecho Dont tales Look Back (1967), que representa la gira Inglés de Bob Dylan en 1965. Pennebaker demostrado una habilidad real para la filmación de conciertos, embestida en el escenario con una cámara de saber transcribir la boca de un vivir junto con un innegable sentido del ritmo como lo demuestra Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (1973) ( histórico concierto de David Bowie que acompaña a la liberación de su legendario disco Ziggy Stardust), y 101 (1989), cuando la actuación en directo de Depeche Mode se filma con un dinamismo que su etapa de instalación no puede predecir (se congelan 3 de 4 miembros del grupo detrás de sus sintetizadores).
Pennebaker también ha dirigido un documental sobre John DeLorean (DeLorean, 1981), Jimi Hendrix (Jimi Hendrix Live, de 1989, un artista que a menudo se filmaron en el escenario), Woodstock (Woodstock Diary, 1994) y el Monterey Pop Festival, en primer lugar Festival de Rock (Monterey Pop, 1968).
Sus películas son tantas historias de la historia del rock, como Sweet Toronto / Keep On Rockin (1969) (con Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, John Lennon, Yoko Ono ...), Jerry Lee Lewis: La historia de Rock & Roll (1991), El Indica Music You (1992).
Filmografía
Como director
1953: Daybreak Express 1957: Bruselas Loops
1964: Lambert, Hendricks & Co.
1965: Ayer Strauss
1967: Don't Look Back
1968: Monterey Pop
1969: Keep on 'Rockin
1970: Original Cast Album-Company
De 1972: una de la tarde
1973: Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
1977: Guerra de la Energía
1979: Ciudad Bloody Hall
1981: DeLorean
1983: Rockabye
1986: Jimi Plays Monterey
1987: Shake!: Otis en Monterrey
1988: Sweet Toronto (video)
1989: 101
1989: Jimi Hendrix Live
1991: Jerry Lee Lewis: La historia del Rock & Roll (Video)
1992: El Indica Music You
1993: La Sala de Guerra
1994: Diario de Woodstock (TV)
1996: Keine Zeit
1997: Moon Over Broadway
1999: En busca de Jimi Hendrix (TV)
2000: baja de la montaña
2002: Only the Strong Survive
2002: Elaine Stritch: At Liberty (TV)
2004: Elaine Stritch en el Liberty (TV)
2006: Supongamos que la posición con el Sr. Wuhl (TV)
Como director de fotografía
1953: Daybreak Express 1960: Yanki No!
1962: el Sr. Pearson
1967: Don't Look Back
1968: Por encima de la ley (Beyond the Law)
1968: Monterey Pop
1970: Original Cast Album-Company
1970: Maidstone
De 1972: una de la tarde
1979: Ciudad Bloody Hall
1983: Rockabye
1986: Jimi Plays Monterey
1992: El Indica Music You
1993: La Sala de Guerra
1997: Moon Over Broadway
1999: En busca de Jimi Hendrix (TV)
2000: baja de la montaña
2002: Only the Strong Survive
2004: Elaine Stritch en el Liberty (TV)
Como editor
1953: Daybreak Express 1967: Don't Look Back
De 1972: una de la tarde
1983: Rockabye
1986: Jimi Plays Monterey
1987: all'equatore Dal Polo
1989: 101
1993: La Sala de Guerra
1997: Moon Over Broadway
1999: En busca de Jimi Hendrix (TV)
2000: baja de la montaña
2002: Only the Strong Survive
Como productor
1969: Keep on 'Rockin De 1972: una de la tarde
1979: Ciudad Bloody Hall
1999: Jimi Hendrix: Live at Woodstock (video)
2001: Startup.com
2003: El Cutman
Como guionista
1953: Daybreak Express 1967: Don't Look Back
1968: Wild 90
De 1972: una de la tarde
Como actor
1968: Wild 90: Al
DA Pennebaker
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DA Pennebaker
Pennebaker, en Nueva York en febrero de 2007.
Nacido
Donn Alan Pennebaker
15 de julio 1925 (84 años)
Evanston, Illinois, Estados Unidos
Ocupación La documentalista, autor
Años de actividad 1960-presente
Casamiento (s) Chris Hegedus
Web oficial
Donn Alan "DA" Pennebaker (15 de julio de 1925) es un cineasta de documentales de América y uno de los pioneros del cine directo / Cine de realidad. Artes escénicas (música, especialmente pop) y la política son sus temas principales.
Pennebaker, nació en Evanston, Illinois, hijo de Lucille Levick (apellido de soltera Deemer) y Juan Pablo Pennebaker, que era un fotógrafo comercial. [1] En la década de 1960 Pennebaker (conocida como "Penny" para los amigos), junto con Richard Leacock y Robert Drew, fundada Associates Drew. En 1963, Leacock y Pennebaker se fueron a fundar su propia empresa de producción. Más tarde, a menudo trabajó con su esposa, Chris Hegedus. Su compañía, Pennebaker Hegedus Films, ha realizado una serie de documentales de influencia.
A veces llamado "documentales Pennebaker", estas películas, disparó con la mano de un cámara de lugar, obviamente, por lo general evitan la voz en off y entrevistas a favor de una interpretación "simple" de los eventos típicos del cine verité estilo Pennebaker ayudó a popularizar en los EE.UU. de ese enfoque, dijo a la entrevistadora Pennebaker G. Roy Levin, publicado en 1971 que "es posible ir a una situación de película y simplemente lo que ves allí, lo que sucede allí, lo que pasa, que todo el mundo y decidir si les dice acerca de cualquiera de estas cosas. Pero no tienen que etiquetar los mismos, no tiene que tener la narración de encargar a usted para que usted puede estar seguro y entendemos que es bueno para aprender ". En esa misma entrevista con Levin, Pennebaker va tan lejos como para afirmar que Don't Look Back, celebró su récord de gira de Bob Dylan de Inglaterra en 1965, "no es un documental en absoluto mi opinión." En lugar de ello afirma repetidamente que él no hace documentales, pero "los registros de los momentos", "la mitad de las telenovelas," y la realidad semimusical las cosas ".
ALBERT Y DAVID MAYSLES
http://translate.google.es/translate?hl=es&sl=en&u=http://en.wikipedia.org/wiki/Albert_and_David_Maysles&ei=ZL5hS7aqHtS04gbUjJHxCw&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=1&ved=0CAwQ7gEwAA&prev=/search%3Fq%3DDavid%2BMaysles%26hl%3Des%26rlz%3D1T4SKPB_esES310ES312
Albert y David Maysles
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David y Albert Maysles
Albert y David Maysles (rima con "avellanas") fueron un equipo de filmación de documentales, cuya "cine directo" obras incluyen Salesman (1968), Gimme Shelter (1970) y Grey Gardens (1976). Su película de 1964, sobre The Beatles constituye la columna vertebral del DVD, The Beatles: La Visita EE.UU. Primera.
David Maysles, el hermano menor, nació el 10 de enero de 1931, en Boston, y murió el 3 de enero de 1987, en Nueva York.
Albert Maysles nació el 26 de noviembre de 1926, en Boston. Albert se graduó en 1949 con un BA de la Universidad de Syracuse y más tarde obtuvo una maestría en la Universidad de Boston. Albert ha seguido haciendo películas en solitario desde la muerte de su hermano.
Jean-Luc Godard, una vez que Albert Maysles "el mejor camarógrafo de América". [1] En 2005 Maysles recibió un premio por su trayectoria en la República Checa, Festival de Cine de AFO (Academia de Cine de Olomouc). Se está trabajando en su documental autobiográfico.
En 2005 fundó el Instituto Maysles, una organización sin fines de lucro que proporciona capacitación y aprendizaje para las personas desfavorecidas. Albert es un patrón de los Shooting People, la comunidad de los cineastas que se creó la Glasses Albert Maysles sitio web de tributo.
Filmografía de Albert y David Maysles Anastasia (1962) Showman (1963)
Orson Welles en España (1963)
What's Happening! The Beatles en los Estados Unidos (1964)
IBM: A Self-Portrait (1964)
Conoce a Marlon Brando (1965)
Cut Piece (1965)
Seis en París (1965) (con Godard, como director de fotografía)
With Love from Truman (1966, con Charlotte Zwerin)
Salesman (1968) (con Charlotte Zwerin)
Viaje a Jerusalén (1968)
Gimme Shelter (1970, con Charlotte Zwerin)
Christo's Valley Curtain (1974, con Ellen Hovde)
Grey Gardens (1976, con Ellen Hovde, Muffie Meyer, Susan Froemke),
El Burks de Georgia (1976, con Ellen Hovde, Muffie Meyer)
Running Fence (1978, con Charlotte Zwerin)
Muhammad y Larry (1980)
Vladimir Horowitz: The Last Romantic (1985, con Susan Froemke, Deborah Dickson, Pat Jaffe),
Ozawa (1985, con Susan Froemke, Deborah Dickson)
Islas (1986, con Charlotte Zwerin)
Christo en París (1990, con Deborah Dickson y Susan Froemke)
Filmografía seleccionada por Albert Maysles Psiquiatría en Rusia (1955) Horowitz Reproducciones Mozart (1987, con Susan Froemke, Charlotte Zwerin)
Jessye Norman Sings Carmen (1989, con Susan Froemke)
Se conocieron en Japón (1989, con Susan Froemke)
Soldiers of Music: Rostropovich Returns a Rusia (1991, con Susan Froemke, Peter Gelb y Bob Eisenhardt)
Aborto: Desperate Choices (1992, con Susan Froemke y Deborah Dickson)
Barroco Duet (1992, con Susan Froemke, Peter Gelb, Pat Jaffe),
Acento en la Offbeat (1994, con Susan Froemke, Deborah Dickson)
Letting Go: Un viaje Hospicio (1996, con Susan Froemke, Deborah Dickson)
Concierto de voluntades: Hacer el Getty Center (1997, con Susan Froemke, Bob Eisenhardt)
Kin Lalee: el legado de algodón (2000, con Susan Froemke, Deborah Dickson),
The Gates (2005, con Antonio Ferrera)
Sally Gross: El placer de la quietud (2007)
Close Up: Retratos (2008)
Hollywood Renegade: La vida de Budd Schulberg (2009) (Fotografía)
Bibliografía Dave Saunders, Direct Cinema: observación documental y la política de los años
sesenta, Londres, Wallflower Press 2007
Enlaces externos Maysles Films, sitio web oficial Instituto Maysles
Lifetime Achievement Award Detalles
Video de Albert Maysles en la República Checa
El perfil de carrera Cookbook
Entrevista con Albert Maysles en el carril de Brooklyn
Conferencia en línea con Albert Maysles y Susan Froemke en La D-Word
Albert vídeo Maysles en el Archivo de los Pueblos
Four Seasons Lodge - documental en la actualidad recibir un disparo y la producción ejecutiva de Albert Maysles
Albert Maysles Glasses
"Grey Gardens en línea" Sitio Web y Base de Datos
LOUIS MALLE
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/malle.htm
Louis Malle
(Thumeries, 1932 - Los Ángeles, 1995) Director de cine francés. Alumno de los jesuitas en Fontainebleau y graduado en Ciencias Políticas en la Universidad de la Sorbona, Malle había nacido en una familia de siete hermanos, descendiente de un noble francés que había hecho su fortuna durante las Guerras Napoleónicas. Se interesó pronto por la fotografía y la imagen. En un principio su familia no vio con buenos ojos que se dedicara al cine, pero completó su educación en el Institute Des Hautes Études Cinematographiques (IDHEC).
Como fotógrafo conoció a Jacques Cousteau, se enamoró de su proyecto y se embarcó en “La Calypso” para convertirse, según palabras del propio Cousteau, en el mejor cámara submarino que había tenido jamás. De su trabajo conjunto surgió Le monde du silence, que se convirtió en la primera película de Malle como director, aparte de su labor como director de fotografía, y que le hizo ganar un Oscar al mejor documental y la Palma de Oro al mejor director, compartida con Jacques Cousteau.
La carrera de Malle, que se extiende a lo largo de casi cuarenta años, se beneficia también de su aportación como guionista y actor. La necesidad de escribir los guiones proviene en su caso tanto del establecimiento de su filosofía como de algún ejercicio autobiográfico. Desde Los amantes hasta Herida, Malle extiende su concepción de la sexualidad, sobre todo femenina, con distintas reacciones por parte del público y la crítica a lo largo de las épocas. A causa de su militante ruptura de los tabúes eróticos, encontró casos como el ocurrido en 1968, en el que el Tribunal Supremo de EE.UU. acusaba de obscenidad a una sala de Ohio
que proyectaba Los amantes. Quizá esta fuera la razón principal por la que Malle fue tan reacio a introducirse de lleno en el ambiente hollywoodiense.
Ya había rodado algunos de sus títulos más significativos, como Zazie en el metro o El soplo al corazón -que le valió una nominación al Oscar en el apartado de mejor guión original-, cuando viajó a Estados Unidos. Allí conoció a la actriz Susan Sarandon, con quien inició una relación que les llevaría a colaborar en títulos como La pequeña -cuya banda sonora fue nominada al Oscar- o Atlantic City, que aunque no llegó a conseguir ninguna estatuilla obtuvo cinco nominaciones al Oscar y tres a los Globos de Oro.
Pero pronto la relación con Sarandon fracasó y además Malle comenzó a encontrar dificultades para rodar. Después de Atlantic City realizó tres películas que le brindarían la oportunidad de dirigir a Ed Harris, Sean Penn y Donald Sutherland, y dos largometrajes para televisión, God’s Country y And the Pursuit of Happiness, a los que también presta su voz como narrador.
El regreso a Francia tendrá un doble significado: el reencuentro con el cine europeo y consigo mismo. Adiós, muchachos le ofrece la oportunidad de exorcizar su propia experiencia de la ocupación alemana en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La historia se desarrolla en 1944 en un colegio católico que refugia a niños judíos. El hecho autobiográfico, lejos de hacer caer a Malle en una sucesión de acontecimientos dramáticos, refleja una historia conmovedora, más por lo que se adivina tras las miradas, que por lo poco que puede haber de explícito en la narración.
Cuentan que Malle lloró la noche del estreno, lo que da una idea de su implicación directa con la historia. Adiós, muchachos obtuvo dos nominaciones al Oscar en los apartados de película y guión y una a los Globos de oro como mejor película extranjera. En Europa serían más generosos: ganó el Félix al mejor guión y el León de Oro premió a Malle como mejor director.
Sus tres últimas películas son relatos completamente distintos. Cerca ya de la enfermedad, ésta no merma ni un ápice su pasión. Milou en mayo recoge, muchos años después, el espíritu del 68, que Malle se apresura a reivindicar, no exento de humor, como algo visceralmente francés. Con Herida, basada en la novela de la irlandesa Josephine Hart, su discurso se hace inquietante, escondiendo detrás de cada imagen ese peligro que exhibe la frase más ilustrativa del guión: “Las personas heridas son peligrosas; saben que pueden sobrevivir”. Completamente convencido de que en esta historia la imagen anularía las palabras, eligió a una actriz, Juliette Binoche, con la cualidad de hacer que su presencia, su mirada, interpretaran por ella. Pero fue la británica Miranda Richardson quien obtuvo sendas nominaciones al Oscar y a los Globos de Oro como mejor actriz secundaria.
Malle cerró su filmografía sin pretenderlo con Vanya en la calle 42, una historia sobre el teatro que tenía como eje principal el temor de los personajes a haber malgastado sus vidas. Nada parece casual. A Malle se le diagnosticó un cáncer que le afectaba a las glándulas linfáticas y murió el 23 de noviembre de 1995 en Beverly Hills, California, junto a la que había sido su mujer desde 1981, Candice Bergen.
Aun teniendo claro cuáles debían ser las constantes de su obra, Malle buscó incansablemente la variedad. Desde el western cómico al drama autobiográfico, no fue nunca un director estricto; confiaba en que la aportación de los actores ampliaría la visión de su trabajo. Se enfrentó a las variaciones sobre el sexo prohibido, incluyendo el incesto (Soplo al corazón) y la prostitución (La pequeña) en su repertorio, y se rodeó de los profesionales más prestigiosos. Su aportación a la “Nouvelle vague” pasó por corroborar la concepción de una nueva moral. El cine europeo le debe uno de sus nombres claves y el cine americano puede dar gracias por el tiempo que le dedicó.
http://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Malle
Louis Malle
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Louis Malle (Thumeries, 30 de octubre de 1932 - Beverly Hills, California, 23 de noviembre de 1995); fue un camarógrafo, guionista, documentalista y director francés, realizador de notables películas y documentales como Ascensor para el cadalso, Los amantes, Calcuta, God's Country, El soplo al corazón, Lacombe Lucien, La pequeña, Atlantic City y Adiós, muchachos. Vivió y trabajó en Estados Unidos de 1978 a 1986. Estuvo casado con la actriz Candice Bergen. Recibió importantes premios por sus trabajos.
Biografía
Sus inicios
Nacido en Thumeries, departamento de Nord en 1932, proveniente de una familia de industriales del azúcar (es nieto de Henri Béghin, fundador de la marca de azúcar Beghin-Say). Creció en un ambiente acomodado y pasó por distintos internados católicos (entre ellos el que evocará en su película Adiós, muchachos). A los 14 años, se inicia en la dirección con la cámara de 8mm de su padre. Estudió Ciencias Políticas en la Sorbona. De esa época data su determinación de convertirse en cineasta.
Un amigo suyo que formaba parte del equipo de filmación en el barco Calypso de Jacques-Yves Cousteau, tuvo que cederle a Louis su puesto y en 1955 asumió como asistente de dirección y camarógrafo en el documental El mundo del silencio, por el cual recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, junto con Jacques-Yves Cousteau.
Sus siguientes proyectos, películas y documentales, obtendrán menos consenso y serán abordados desde un plano crítico.
En esa época se desarrolló el movimiento de la Nouvelle vague, a la que Malle nunca perteneció, ya que desarrolló su propio camino en paralelo, solo, según sus propias motivaciones.
Dirigió su primer largometraje a los 25 años, Ascensor para el cadalso, (1957) con Jeanne Moreau en la que muestra su pasión por el jazz (con una banda musical original
de Miles Davis). Luego realizó Los amantes (1958), también con Jeanne Moreau y en la que ataca a la burguesía. Más adelante se decidió a adaptar uno de los relatos más difíciles de Raymond Queneau, Zazie en el metro, (1960), película ligera y entusiasta, y Fuego fatuo (1963), que trataba sobre la depresión y el suicidio. En 1968 se alejó de Francia y de la ficción para rodar Calcuta, un documental que trata de la vida de los campesinos de la India.
Polémica y exilio
Al regreso de su viaje, rodó una película que provocó una gran polémica: El soplo al corazón (1971). La película evoca la relación incestuosa (aunque romántica) entre una madre y su hijo; tema del que se habla además sin hacer ningún tipo de juicio moral, lo que será habitual en este director, no hay ni inocentes ni culpables, la vida es mucho más compleja. El espectador debe forjarse su propia opinión, el director no se la debe imponer.
Tres años más tarde, la controversia se creó por otro tema. En Lacombe Lucien (1974) describe el lento progreso de un joven ocioso hacia el colaboracionismo. Tampoco en este caso formula ningún tipo de juicio, no describe al colaboracionista como si fuera un monstruo, sólo es humano y por ello se equivoca. La prensa y la crítica lo acusaron de todos los males, calificaron de innoble la película y le echaron en cara el que no haya vivido la guerra con la suficiente dureza. En el punto más álgido de la polémica, decidió emigrar a los Estados Unidos.
Ya había rodado un documental en ese país algunos años antes (Humain trop humain) (1973), en el que seguía la vida de los trabajadores estadounidenses pobres, experiencia que repitió en 1985 en God's Country. En Hollywood filmó entre otras películas La pequeña (1978) con la joven Brooke Shields y sobre todo Atlantic City (1980), con Burt Lancaster y Susan Sarandon, donde relata las desventuras de un pícaro retirado y de su vecina, en la ciudad de los casinos.
La consagración
Cuando regresó a Francia en 1987 volvió a tratar el tema que le había hecho marcharse: la ocupación nazi en Francia, en un filme que será el punto más alto de su carrera, Adiós, muchachos (1987). En un colegio católico, durante la ocupación, un muchacho burgués descubre que uno de sus compañeros es judío.
En esta película, Louis Malle narra sus recuerdos de la guerra. La historia, en parte autobiográfica, ya que él fue testigo de una situación similar durante su infancia, trata de un joven judío que se había ocultado en su internado, pero fue luego descubierto por la Gestapo y deportado. Malle declaró que ese tema le había perseguido desde siempre y que de hecho, esta historia trágica es la que le había llevado al cine.
La película retoma también algunos elementos de películas anteriores; de Lacombe Lucien toma al colaboracionista contra su voluntad; de El soplo en el corazón, la intensa relación entre madre e hijo. Tampoco aquí emite ningún juicio de valor sobre nadie, no hay ni buenos ni malos, sólo un cierto fatalismo. La película fue un éxito y ganó diversos premios.
Filmó luego la comedia Milou en mayo (1989), Herida (1992) y por último la adaptación de la obra de Antón Chéjov Vania en la calle 42 (1994).
Murió de un linfoma el 23 de noviembre de 1995 en Los Ángeles.
Su primer matrimonio con Anne-Marie Deschodt duró de 1965 à 1967.
Estuvo casado con la actriz estadounidense Candice Bergen de 1980 hasta su muerte en 1995, con quien tuvo una hija, Chloe Malle (n. 1985).
Tiene dos hijos más: Su hijo Manuel Cuotemoc (n.1971) nacido de su relación con Gila von Weitershausen, y su hija Justine, (n. 1974) de su relación con Alexandra Stewart.
Premios (no exhaustivo) El mundo del silencio : Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes
1955.
Atlantic City : nominada para el Oscar a la mejor dirección, al mejor guión, y a la mejor película, fue declarada culturalmente significativa por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos e incluida en la colección del National Film Registry, en 1980.
Adiós, muchachos:
o Premio León de Oro en el Festival de Venecia.
o Premios César de la Academia del Cine Francés a la mejor película, al mejor director, al mejor guion original o adaptación, a la mejor fotografía, al mejor decorado, al mejor sonido y al mejor montaje.
o Premio Louis-Delluc .
o Premio BAFTA al mejor director
Filmografía
Primera época en Francia
1955 : El mundo del silencio ("Le monde du silence"), con Jacques-Yves Cousteau (documental)
1957 : Ascensor para el cadalso ("Ascenseur pour l'échafaud")
1958 : Los amantes ("Les Amants")
1960 : Zazie dans le métro
1961 : Una vida privada ("Vie privée")
1962 : Vive le tour (documental)
1963 : Fuego fatuo ("Le feu follet")
1965 : Viva María!
1966 : Ladrón de París ("Le Voleur")
1968 : Narraciones extraordinarias ("Histoires extraordinaires"), sketch
1969 : Calcuta ("Calcutta") (documental)
1969 : L'Inde fantôme (miniserie para TV) (documental)
1971 : El soplo al corazón ("Le souffle au cœur")
1973 : Humain trop humain (documental)
1973 : Place de la République (documental)
1974 : Lacombe Lucien
1975 : El Unicornio ("Black Moon") ( película de ciencia-ficción, surrealista, atípica en su filmografía)
1976 : Close Up (documental)
1977 : Dominique Sanda ou Le rêve éveillé (documental TV)
Periodo en Estados Unidos
1978 : La pequeña ("La petite") 1980 : Atlantic City
1981 : Mi cena con André ("My Dinner with André")
1983 : Crackers
1985 : Alamo Bay
1985 : God's Country (documental)
1986 : And the Pursuit of Happiness (documental)
Segunda época en Francia
1987 : Adiós, muchachos ("Au revoir, les enfants") 1989 : Milou en mayo ("Milou en mai")
1992 : Herida ("Damage")
1994 : Vania en la calle 42 ("Vania on 42nd Street")
Fuentes [1] Biografía (en inglés) [2] Biografía (en inglés)
[3] Biografía (en francés)
Louis Malle en Internet Movie Database
[4] El Fuego Fatuo, Louis Malle
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Malle"
LINDSAY ANDERSON
http://es.wikipedia.org/wiki/Lindsay_Anderson
Lindsay Anderson
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Lindsay Gordon Anderson (Bangalore, 17 de abril de 1923 - id, 30 de agosto de 1994). Director, productor y actor teatral y cinematográfico británico. Abierto a las tendencias del nuevo cine, actuó en varios filmes (Chariots of Fire, 1981) y ha dirigido If... (1968), Un hombre de suerte (1973) y Britannia Hospital (1982), entre otros.
http://es.wikipedia.org/wiki/Karel_Reisz
Karel Reisz
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Karel Reisz
Nacimiento 21 de julio de 1926
Ostrava (Checoslovaquia)
Defunción 25 de noviembre de 2002
Londres (Inglaterra)
Ficha en IMDb
Karel Reisz (Ostrava (Checoslovaquia), 21 de julio de 1926 - Londres (Inglaterra), 25 de noviembre de 2002) fue un director de cine británico de origen checoslovaco.
Biografía
Reisz fue un refugiado judío, siendo uno de las 669 personas rescatadas por Sir Nicholas Winton. Sus padres murieron en Auschwitz. Luego de asistir a la Leighton Park School, se unió a la Royal Air Force hacia el final de la Segunda Guerra Mundial. Tras el final de la guerra, Reisz enseñó ciencias naturales en el Emmanuel College, Cambridge y empezó a escribir para revistas de cine, incluyendo Sight & Sound. En 1947, co-fundó la revista Sequence junto con Lindsay Anderson y Gavin Lambert.
Reisz fue uno de los fundadores del movimiento cinematográfico Free cinema. Su primer cortometraje, Momma Don't Allow, co-dirigido por Tony Richardson, fue incluido en la primera exhibición de Free cinema en el National Film Theatre en febrero de 1956. Otro de sus primeros trabajos, fue el documental We Are the Lambeth Boys sobre un club de muchachos en el sur de Londres. Este documental representó al Reino Unido en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
El primer largometraje de Reisz fue Saturday Night and Sunday Morning (1960), basado en la novela homónima de Alan Sillitoe. En 1963 produjo This Sporting Life, dirigida por Lindsay Anderson y en 1966 dirigió Morgan! con un guión de David Mercer. En 1968, realizó Isadora, basada en la vida de la bailarina Isadora Duncan. Durante los años 1970 dirigió varias películas, incluyendo The Gambler y Who'll Stop the Rain.
En 1981, dirigió La mujer del teniente francés, adaptada de la novela de John Fowles y protagonizada por Jeremy Irons y Meryl Streep. Sus últimos filmes fueron Sweet Dreams (1985) y Everybody Wins.
Reisz estuvo casado en dos ocasiones. Su primera esposa fue Julia Coppard, con quien tuvo tres hijos. La pareja se divorció. Su segunda esposa fue Betsy Blair, con quien permaneció casado hasta su muerte. Reisz murió en Camden (Londres).
Filmografía
Como director
Act Without Words I (2000, telefilme) Performance (1994, serie de TV, un episodio)
Everybody Wins (1990)
Sweet Dreams (1985)
La mujer del teniente francés (1981)
Who'll Stop the Rain (1978)
The Gambler (1974)
Isadora (1968)
Morgan! (1966)
Night Must Fall (1964)
Saturday Night and Sunday Morning (1960)
We Are the Lambeth Boys (1958)
Momma Don't Allow (1955, cortometraje)
Como productor
Night Must Fall (1964) This Sporting Life (1963)
Every Day Except Christmas (1957)
TONY RICHARDSON
http://es.wikipedia.org/wiki/Tony_Richardson
Tony Richardson
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Tony Richardson
Nombre real Cecil Antonio Richardson
Nacimiento 5 de junio de 1928
Shipley, Yorkshire, Inglaterra
Defunción 14 de noviembre de 1991 63 años
Los Ángeles, California, EE. UU.
Ficha en IMDb
[mostrar]Premios ganados
Tony Richardson (5 de junio, 1928 – 4 de noviembre de 1991) fue un director de cine inglés, ganador de dos premios Óscar por su película Tom Jones.
Director insignia de la llamada nueva ola de directores británicos, Richardson desarrolló el ideario de formación de la English Stage Company, junto a sus amigos George Goetschius y George Devine. Como director novel, Richardson dirigió obras de teatro como Pericles, Prince of Tyre en el Shakespeare Memorial Theatre en 1958. Ese mismo año debutó en el mundo del cine con el largometraje Mirando hacia atrás con ira. Poco después, fundó la productora Woodfall Films junto con el dramaturgo John Osborne. La relación entre Richardson y Osborne se extendió1 hasta 1968 durante la producción del film La última carga.
Durante la década de los 60, Richardson realizó proyectos de diferente suerte y calidad entre los que destacan El animador o La soledad del corredor de fondo. En 1964
Richardson recibió dos Óscar como mejor director y mejor película por Tom Jones (1963).
Después de los dos Óscar, Tony Richardson siguió haciendo proyectos con más menos valor cinematográficos. En 1962, se casó con la actriz Vanessa Redgrave con la que tuvo dos hijas (ambas actrices) Natasha Richardson y Joely Richardson, divorciándose en 1967 para casarse con la actriz francesa Jeanne Moreau.
En su últimos años, Richardson se dedicó a dirigir programas para la televisión. En los años 80 Richardson declaró ser bisexual. Murió en 1991 por complicaciones a causa del SIDA.
Filmografía [editar]
Mirando hacia atrás con ira (Look Back in Anger) (1958) El animador (The Entertainer) (1960)
Requiem para una mujer (Sanctuary) (1961)
Un sabor a miel (A Taste of Honey) (1961)
La soledad del corredor de fondo (The Loneliness of the Long Distance Runner) (1962)
Tom Jones (Tom Jones) (1963)
Los seres queridos (The Loved One) (1965)
La última carga (The Charge of the Light Brigade) (1968)
Hamlet (Hamlet) (1969)
Risa en la oscuridad (Laughter in the dark) (1969)
Ned Kelly (1970)
Un equilibrio delicado (A Delicate Balance) (1973)
Mahogany piel caoba (Mahogany) (1975)
The Border (1982)
Hotel New Hampshire (The Hotel New Hampshire) (1984)
Blue Sky (1994)
Footnotes 1. ↑ John Osborne: A Patriot for Us de John Heilpern, Chatto & Windus, 2006 ISBN 978-0-
70116-780-7, pp.346-51.
Links de interés Tony Richardson en Internet Movie Database BFI: Tony Richardson
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Tony_Richardson"
VTR SAINT JACQUES
http://translate.google.es/translate?hl=es&sl=en&u=http://www.nfb.ca/film/vtr_st_Jacques/&ei=n8BhS6SrONHa4gagu4zyCw&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=1&ved=0CAsQ7gEwAA&prev=/search%3Fq%3DVTR%2BSaint%2BJacques%26hl%3Des%26rlz%3D1T4SKPB_esES310ES312
Este cortometraje fue un experimento en el uso de grabaciones de video y circuito cerrado de televisión para estimular la acción social en un barrio pobre de Montreal. Un comité de ciudadanos filmado preocupaciones de la gente y luego reproducir las cintas para la comunidad. Al reconocer sus problemas comunes, la gente empezó a hablar de soluciones conjuntas. Resultó ser un método importante y eficaz de promover el cambio social.
MAX OPHULS
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/ophuls.htm
Max Ophüls
(Max Oppenheimer Ophuels; Saarbrücken, 1902 - Hamburgo, 1957) Director de cine alemán que, dentro de una línea marcadamente expresionista, realizó producciones desiguales.
En su juventud se dedicó intensamente al teatro a lo largo de una década, y llegó a consolidarse como un estimable director. Llegó al mundo del cine como ayudante de Anatole Litvak en Pez de tierra (1930).
Dirigió en su país Die verliebte firma y Los herederos felices (ambas de 1932), pero su condición de judío le obligó a salir de Alemania y buscar refugio en Francia. Su etapa francesa durante los años treinta, en la que trasladó al cine
diversos textos literarios, fue irregular; Amoríos, de 1932, Se ha robado un hombre, de 1934, Divina, de 1935 o Suprema decisión, de 1939, no pasaron de adaptaciones correctas.
Marchó para Estados Unidos a mediados de la década de los cuarenta, momento que le permitió dirigir algunas películas interesantes. Comenzó con una adaptación de Prosper Merimée (Vendetta, 1946), película que codirigió con varios de los nombres más representativos del Hollywood de la época: Preston Sturges, Howard Hughes (que fue el productor), Stuart Heisler y Mel Ferrer. Inmediatamente, Douglas Faribanks Jr. le llamó para que le dirigiera en La conquista del reino (1947).
Max Ophüls y Daniele Darrieux
Un paso importante lo dio al asumir la dirección de Carta de una desconocida (1948), adaptación de la obra de Stefan Zweig que le permitió demostrar su dominio de la puesta en escena, una inteligente armonía en el ritmo de la trama (bien acompasada por el fondo musical que se respira en la misma), y el aprovechamiento de los recursos de cámara. La historia fue excelentemente interpretada por Joan Fontaine y Louis Jourdan. Almas desnudas (1949) fue su último trabajo estadounidense.
Sorprendentemente, Hollywood le reconoció su trabajo tras volver a Francia. La ronde (1950), una nueva adaptación de Schnitzler que le permitió abundar en su estilo, fue nominada al Oscar por el guión adaptado y el decorado; El placer (1952), recibió una nominación al Oscar por su decorado; y Madame de… (1953), una película de gran factura con interesantes interpretaciones de Danielle Darrieux, Charles Boyer y Vittorio de Sica, fue nominada por la Academia por su vestuario. Lola Montes (1955), un brillante ejercicio en el que logró sintetizar toda su trayectoria teatral, operística y cinematográfica, fue el testamento de Ophuls.
impregnó todo su cine de una sensibilidad sorprendente, más allá del barroquismo o intimismo de los escenarios de cada película. Su cámara resultaba increíblemente fluida, se movía en una embriagante mezcla de travellings, picados, contrapicados y panorámicas, acariciando con sensualidad la textura del mundo atemporal en el que se movían sus personajes. Estos ingredientes, característicos de su estilo, se encuentran en la mayoría de sus obras, pero donde mejor logró expresarlos fue en las cuatro últimas películas que rodó tras su regreso a Francia.
